发布时间：2022-05-18 10:35:03
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的1篇当代美术论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
1通过当代艺术的启发，使学生们更好地认识社会
生产力的提高提升了我国的国民经济水平，人们生活水平的提高使得人们在工作之余有了更多的兴趣爱好去追求，当代艺术的产生满足了人们的需求。当代艺术的群体十分广泛，而且包含的素材种类很多，可以根据群体的不同，人们思想的不同以及不同的生活习惯来进行大概的区分。在当代的艺术作品中有一些是高校学生很容易能够理解的，所以，在高校的美术教育教学过程中，学校及教师应当充分地利用这部分素材，进而使得学生们的艺术水平有所提高。由于社会的不断进步和发展，人们的生活也与艺术在不断的结合过程中，而当代的艺术更是对人们的生活产生着很大的影响。所以，将当代艺术融入美术教育教学中能够让学生们在学习及生活中更好地感受此艺术形式，通过对当代艺术的感受更好地认识了解社会，进而更好地融入社会。
2当代艺术的融入能够开拓学生的视野，提高学生们的包容能力，开阔他们的思想
随着中西文化的交流，在当今时代，我国的艺术也受到国外很多因素的影响，并将其以各种的形式体现了出来。正因为当代艺术的包容性，能够使得它同其他的艺术做到很好的融合，所以，这种艺术作品同我们的传统作品有着不一样的形式。例如，在绘画方面，科学技术的发展提升了当代的绘画方法和手段，如我们现在常见的激光手段、数字模拟信息等。因此，学生们必须要对其进行系统地全方面学习。而在美术专业的教育教学中，学科的专业知识交叉发展使得高校在美术教学中既要让学生提升自身的艺术水平，也要让学生自己探寻创新点和新的灵感。
3加深当代艺术的理解及运用，丰富教育教学方式
同其他时期的艺术相比，当代艺术有着非常突出的多元性以及评价性。如果学生们对于美术的知识没有学习透彻，很容易使其因为知识的不足导致见识方面的短浅和不足，对于很多美术知识的理解仅仅停留在理论层次而不能够将其实际的运用到日常的生活中。针对这类问题，教师可以采用一些设计以及做一些宣传活动等加深学生们对当代艺术的理解以及提升其运用能力。由于现当代艺术与传统艺术不同，这就需要教师运用自己的能力提升学生的审美能力和领悟能力，将正确的美学精神传达给学生。现阶段我国教育部门对于美术教学的重视程度日益增加，很多高等学府中设有美术学院和专业，同时美术教学的性质也由以往一元化的专业办学发展出了针对非美术专业的非专业办学，通过一些美术鉴赏课和实际的理解课对非美术专业学生的美术水平进行引导教育，这就极大地丰富了教学方式。
4运用新媒体，充分发挥创造力
在艺术创作的过程中，每一件作品的创作产生都离不开创新能力和创造性思维。只有突破思维及其他各个因素的限制，充分地发挥创作者的创新思维和能力，才能诞生出让人惊艳的作品。在我国传统的美术教育教学过程中，教师通常都是根据基础的理论来对学生们进行讲解授课，这使得学生们在美术的学习及创作过程中能够接触的只是一些普遍常见的材料及方式，单一材料及方式的学习很容易降低学生们对于美术学习及创作的兴趣，使得学生们对美术的情感层面受到影响，这种情况对于学生们长期的学习是非常不利的。时代的进步及科技的发展诞生了新兴媒体。而新兴媒体的产生对于此问题的解决提供了极大的帮助。通过在教学过程中对新媒体的运用，在创作中就脱离了传统工具的束缚，学生们能够更好地将自己的想法和创作意图表达出来，能够充分地发挥他们的创造思维及创造力，对于提升学生们的学习兴趣及创作欲望有着很好的积极意义。因此，新媒体的出现对于现代的美术教育教学是非常重要的。在教学过程中，如果教师能够充分的运用好新兴媒体，那么学生在创作构思上就能够摆脱传统媒介的限制，更好地发挥创作思想。
5严格选取当代艺术，确保正确艺术观的形成
由于受到来自社会的各种因素的影响，在讲当代艺术融入美术教育教学过程中时必然会遇到各种的问题。在这种情况下，学生们应该保持正确的人生观及艺术观，避免受一些低俗思想及艺术等的影响，走上不正确的美术道路。为了确保能够对学生们的学习及生活有着积极向上的影响，在对当代艺术的内容进行选取过程中，教师要做到严格的把关，确保所选艺术高雅的基调，积极向上的意义，进而在学生们的学习过程中产生积极的影响，促进他们正确艺术观的形成。通过以上论述可以认识到，随着我国教育的不断改革及社会不断进步的推动，我国现阶段的美术教育也应当融入现代艺术的内容。通过对现代艺术内容的纳入及融合，能够使得学生们学习到更多的艺术知识，使得学校的美术教学有所提高，更好地完成教学目标，同时还能够让学生们更好地了解社会、融入社会，让学生们的学习及生活都更加的丰富多彩。
作者：林洁单位：山西大同大学
一、现代科技在当代大学美术的教育现状
众所周知，由于现代科技的强力冲击，当代美术教育理念及方式的发展方向发生了改变，以视觉文化的审美趣味性和创造性为主题的美术教育正在兴起。亦正是现代科学技术的影响，美术教育的体制必然会出现相应变化。我国的教育纲要明确指出：“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力，陶冶高尚的道德情操，培养全面发展的人才具有重要作用。”美术教育是美育的主要阵地。在当代中国艺术教育体系中，我们对美术教育的诠释更加科学，如教育概念的界定范畴不仅包含技能上的培训，还需着重强调“视觉美术教育”或者“视觉文化教育”的价值和意义。如今美术教育的空间范畴大而广，它包含了各种与视觉有关的艺术作品、艺术现象和视觉图像等方面，也包含了传统的绘画和雕塑以及工艺等方面的知识与技能。当代的美术教育实际上指的是视觉艺术教育，特别是现代科技对传统美术教育的冲击和影响表现的尤为突出。首先，现代科技的发展，特别是电脑美术的产生，对传统艺术具有较大的冲击和影响。对于当代美术教育的工作者而言，更加需要以开阔的视野和发展的眼光，建立起艺术创造力的主体性意识。电脑美术是以计算机及其外围配套设备为主要载体的一种新兴视觉艺术种类，其设计速度比传统美术样式可提高数十倍乃至数百倍。
软件方面，以Photoshop、CorelDraw、AutoCAD、3DSMax为主的绘图软件对传统纸笔颜料美术绘图产生着巨大冲击。每一种电脑制图软件的推出都显示出了微电子科技巨大的数字化魅力，而传统的美术表现技法，如油画、国画、版画、水彩画、素描、水粉，必然受到数字虚拟界面的影响，而审美大众甚至美术教育的主体意识也将发生革命性的变化。其次，摄影技术的诞生，使得对生产生活以至于传统绘画存在的必要性发生了问题。在很大程度上，我们似乎很难分清楚现代科技与视觉艺术教育之间的关系，而作为两种对世界不同的掌握方式，必然有着各自内在不同的规定性。一般来说，现代科技是理性的思维方式，它往往诉诸概念、原理，强调逻辑性、前沿性，需要主观符合于客观，追求真理，是人们对自然规律、社会规律知识性的给予；美术教育是一种感性思维方式，它以审美体验为基础，诉诸形象，强调主体的感受、体悟等形而上的精神表达，要求客观见之于主观，追求审美，给予人们的是审美和情感的积极愉悦。虽然摄影技术的革新层出不穷，使人们的视觉得到了前所未有的开阔。然而，随着审美意趣在客观再现的追求中发生异变，促使现代艺术走向内质与抽象的表达。如今，高科技数字媒体技术的影像时代已经来临，如何处理其与传统美术图像的表现关系，值得考虑。现代美术教育系统已经充分利用数字媒体技术来处理传统图像学知识和技法，这将给予传统美术教育以巨大冲击。因此，美术教育这种特殊性的内在特质，决定了现代美术教育中建立起主体意识的必要性，尤其是对于现代科技影响下的当代高校美术教育来说显得相当重要。
二、现代科技对当代大学美术教育的启示
如今人类社会已经迈入知识资源共享与信息网络化的境域，现代科学技术对美术教育的创新和变革起到了重大的推动作用。美术教育工作者通过现代信息获取技术，可以同步掌握不同民族不同地域不同时代的教育资源。现代美术教育的创新离不开信息的支撑，无论是现代艺术的教育性质，还是技术手段的全新应用。这对于国内外美术流派与思潮信息的把握更是至关重要，而这些信息来源的途径主要是数字媒体。当今科学技术发展的特点是突然与迅猛，它在不断发生裂变的同时，也在逐步改变着人类的物质文化生活和精神文化生活。譬如，视觉传达教育在二十多年的发展过程中，不断的变换角色。这些主要体现在两方面：一是美术教育视觉传达数字机能的引入和传统的教育方式相结合。二是快速的科技发展给视觉传达教育注入新的活力，互联网及计算机技术所带来的视觉语言，反映了全球化对中国现代视觉设计的影响。我们在很短时间内逐步与国际接轨，“读图时代”的到来，网络、电视和印刷品等“国际化”的特征更加明显，这些都归于西方视觉设计教育的影响。同时，具有传统文化特征的中国化设计特征逐渐显露。现代科技促使视觉传达艺术形式更加完美，而中国传统文化及图形融入到“国际化”的视觉语言中，显示了其不断的融合与交汇的发展趋势。由此可见，科学技术几乎以登峰造极式的神奇方式，给人们的各个生活的空间领域带来革命性的的变化，使人类几千来年的梦想在这里变成现实，变成了一个肯定现实生活和对未来幸福生活充满憧憬的时代。
作者：李华单位：重庆三峡学院
一、张仃对现当代美术发展的贡献
张仃作为中国美术史上具有开创性的艺术家，将自己珍贵的艺术才能和青春年华全部献给了中国的革命事业，在漫画创作、艺术设计、中国壁画、民间艺术方面的贡献尤为突出。他将艺术家的艺术创作与历史责任、人民生活、教学实践紧密相结合，充分发扬了“大美术家”的精神。
1.对漫画创作的贡献
20世纪30年代张仃开始漫画创作，他的漫画作品具有极高的欣赏价值，充分地反映了时代的特点和青年的情感。他的漫画颜色单一，通常只有白色和黑色两种颜色。当时我国社会正处于战争不断的动荡年代，东北沦陷、外来者侵略，使每一个中国人都深深感觉到亡国之痛。张仃以漫画作品为武器，用这两种较为极端的色彩来表达当时社会的悲惨状况和自己的愤怒与不满。例如，他在抗日战争时期创作的漫画作品《玩偶大观》，以强烈的色彩对比揭露了日本官僚资本的罪行。
2.对艺术设计的贡献
新中国成立后，面对新的历史环境，张仃成功转型成为一名优秀的设计师，为新中国的艺术设计事业作出了巨大的贡献。他创作出中华人民共和国国徽和天安门城楼等具有民族性的作品。新中国成立初期，中国形象的艺术设计对于我国来说是一个完全陌生的领域，但是又不能完全模仿西方的模式。在这种情况下，张仃将我国民族文化的传统形式与西方艺术的现代形式进行创新结合，充分利用了设计造型中点线面的要素，大胆使用代表希望和热情的色彩，创作出了极具民族性的中国形象作品。他创作出博览会中独具特色的中国馆的形象。1953年，在莱比锡博览会上，张仃设计了占地5000平方米的中国馆。有人曾这样描述它：“张仃在展览馆的门前装修成具有民族形式的构筑物牌楼，悬挂国徽、馆名。还设计了一座宣传塔，其形式源于中国的古塔。馆内序厅中央是青铜雕像，用传统的天花藻井装饰，周围有垂花柱。在纺织品展区，张仃选用了中国古代名画《捣练图》作为丝绸展品的背景。”在人物画作品的摆放上，张仃采用黑地金线，突出了整体作品的视觉效果。
3.对中国壁画的贡献
张仃是我国20世纪壁画复兴运动兴起的倡导者和实践者之一。我国第一个壁画专业是由他于1958年在中央工艺美院建立的。袁运甫曾赞叹说：“张仃是当代壁画运动杰出的带头人。”至今，石家庄火车站、北京长城饭店、香港中银大厦、昆仑饭店和北京地铁，都有张仃的壁画作品。他对壁画创作理念的贡献。复兴壁画是一个长期的、艰难的过程。张仃倡导将环境与人文结合起来，在满足现代人美化环境的基础上，为中国画的发展和宣传找到良好的生存空间。壁画的创作需要大量的时间、精力、人力，为了充分协调三者之间的关系，他以真正艺术家的身份投入为社会大众服务的角色中去，从宏观出发制订周全的设计方案和构图图纸，并亲力亲为指导实践。他对壁画创作从构思到实践的指导，对今天壁画的发展仍然具有重要的借鉴意义。他对壁画教学实践的贡献。为了促进壁画事业的发展和培养更多专业的人才，张仃创立了我国历史上第一个以教授壁画理论知识与实践为主的壁画专业。首先，他要求学生认真学习民间艺术，积极到民间去收集资料和进行采风活动，深入少数民族的生活，了解他们的生活习惯和习俗，在实践过程中充分锻炼自己的能力；其次，他支持教师和学生到西方国家学习与壁画相关的理论知识。这种双管齐下的做法、中西结合的教学方法和理念，为我国的壁画事业培养出大量的优秀人才。他对创作现代壁画作品的贡献。张仃创作出大量的、优秀的壁画作品，如首都机场的《哪吒闹海》、长城饭店的《长城万里图》、西直门地铁里的《大江东去图》和《燕山长城图》、石家庄火车站的《燕赵颂歌》等。其壁画作品具有独特的民族性和世界性，表达了对中国历史的赞扬，又蕴含着新生的希望，从此开启了我国壁画事业的新纪元。
二、结语
总之，随着东西方文化交流的频繁和现当代艺术多元化的发展，我国传统的美术创作思想和技法已经不能适应现当代艺术形式发展的需要，对其进行创新和改革刻不容缓。张仃的艺术理论与实践为当代艺术家的创作提供了借鉴，指明了前进的方向。艺术家只有以时代的发展为指向，以不断的创新为基础，以强烈的责任为使命，创作出大量具有国际化和民族化的优秀作品，才能使中国美术在世界艺术大舞台上占有一席之位。
作者：彭艳 单位：太原理工大学艺术学院
一、美术学专业开设现当代美术课程的必要性
1.现当代美术课程有利于学生形成完整的知识结构
艺术院校美术学专业培养的是从事艺术创作的专门人才，更应该对现当代美术有深入的了解和把握。《孙子•谋攻篇》有云：“知己知彼，百战不殆。”学生应对所处时代的艺术现状有宏观的把握，了解各种艺术流派和艺术思潮的来龙去脉，发现各自的优点与不足，结合自己的性情与特长，找到符合自身特色的艺术之路，否则往往会囿于教师的审美趣味和艺术风格而不知所措。一些艺术家自以为掌握了艺术的真谛，对自己专业领域以外的艺术形式多持排斥与否定态度，这犹如盲人摸象。艺术家对艺术的感知往往局限于自己的特殊视角，其实艺术的表现形式是多元的，艺术的真谛也不是唯一的，重要的是找到适合自己的方式。只有站在时代的高度，才能看清努力的方向，而不至于在艺术的丛林中迷失方向。现当代美术课程的学习可以使美术创作者系统地掌握当代美术的成败得失，为选择符合自身特色的艺术道路指明方向。
2.现当代美术课程有利于高等美术教育与基础美术教育的衔接
《义务教育美术课程标准》突出了美术课程的视觉性、实践性、人文性、愉悦性的特点，将美术学习当做一种文化学习，改变了长期以来将美术教育等同于技术学习的狭隘观点。这种定性要求教师要通过美术欣赏教学让学生理解不同的美术作品所蕴含的人文精神，通过美术的技法教学让学生表达自己对人文精神的理解。针对基础美术教育目标定位的转变，地方院校对美术学专业的课程设置应该进行相应的改革，以便与基础美术教育更好地衔接。如人民美术出版社主编的普通高中课程标准实验教科书《美术鉴赏》中选编了现当代美术作品70余幅，如果没有现当代美术的知识储备，就很难解读诸如徐冰的《析世鉴》、隋建国的《地罡》、袁运甫的《朱荷碧盖》、韩美林的《牛》、吴山明的《外师造化》、苏天赐的《早春》等作品的艺术内涵。只有通过现当代美术课程的学习和实践，不断开拓艺术视野，更新艺术观念，全面认识现当代美术发展的现状，才能为从事基础美术教育工作进行有效的知识储备。
3.现当代美术课程有利于美术的创新与发展
20世纪中国的高等美术教育是建立在徐悲鸿提出的“素描是一切造型艺术的基础”这一理论基础之上的，无论从事何种形式的艺术创作，均以素描和色彩作为基础训练的主要方式。由此也导致了学生对艺术的认识和理解相对单一，学生无法从抽象形态中发现艺术美，无法感知艺术语言的魅力，无法欣赏和创作现代艺术作品。中国现当代美术的发展明显受到西方现代艺术的影响，这是一个无法回避的现实问题。伴随着东西方文化的交流日趋频繁，艺术之间的吸收与借鉴在所难免。艺术的表现形式日趋多元，各种艺术流派异彩纷呈，让人目不暇接。无论何种形态的美术形式，都是现当代美术的重要组成部分。人们对各类艺术作品的接受和评价，取决于欣赏者的知识结构和艺术视野。美术工作者应该对现当代美术的发展现状具有系统的认识和把握。这不但有助于明确自己艺术创作的方向和目标，而且可以加强不同形式的美术作品之间的相互吸收、互相促进，创造出符合时代特色、具有鲜明个人风格的美术作品。对于现当代美术课程的学习，可以在很大程度上调动学生艺术创作的积极性，学生通过对不同形式的艺术创作方式进行尝试，超越世俗思想的束缚，让压抑的情感得到释放，进而关注社会、直面人生、表达心境，实现艺术与人生的双重飞跃。
4.现当代美术课程有利于促进高校美术教师专业素养的提升
给别人一碗水，自己要有一桶水。高校美术教师具有艺术工作者和教育工作者的双重身份，必须具有丰富的知识和超前的视野。长期以来美术学专业课程体系中现当代美术课程的缺失，导致一些地方高校的美术教师思想观念陈旧，艺术视野褊狭，创作取向单一，创新能力不足，制约了高等美术教育的可持续发展。现当代美术课程的开设可以促使地方院校的美术教师不断更新艺术观念，拓展学术视野，紧跟时展的步伐。教师在教学工作中要做到因材施教，授人以渔，结合每位学生的不同特点给予相应的指导，帮助他们尽快找到符合自身特色的艺术创作之路；而不可在自己褊狭的艺术观念中作茧自缚，同时也束缚了学生的创造力和表现力。现当代美术的认识和理解需要不断提高综合文化素质，目前高等教育艺术师资的最大问题是文化修养与专业技能不相匹配，注重专业技能的训练，而忽视文化素质的提高。现代美术教育不仅要求教师具有很强的实践能力，还应具备相应的学术研究能力，不仅要掌握传统美术的表现方式，还要熟知现当代美术的呈现形态。现当代美术呈现多元视角和复合形态，其更加注重艺术表现的观念性和实验性，是多种文化艺术元素的融合和嫁接。阐释和解读现当代美术作品需要大量的知识储备，这在客观上对高校美术教师文化素质和专业水平的不断提升提出了要求。
二、结语
总之，随着我国高等美术教育改革的不断深入，无论是师范院校的美术学专业还是艺术院校的美术学专业，开设现当代美术课程都是非常必要的，也是迫在眉睫的。现当代美术课程的开设既可以为学生构建系统、完善的美术学知识体系，又可以促进美术学专业学生的艺术创新与专业发展，让高等美术教育与时展相同步。根据地方高校美术学专业课程设置的实际情况，可以采取不同的方式和途径将现当代美术课程资源融入课程建设，让学生对自身所处时代的美术现状有深入的认识和把握，从而为学生的专业发展奠定良好的基础。这对于基础美术教育和高等美术教育来说都具有至关重要的现实意义。
作者：金成辉 单位：铜仁学院美术与设计学院
一、现代科技影响下的当代大学美术教育
1．发挥大学美术教育的主体性价值功能
当代大学美术教育的主体性功能主要集中在教育功能、认识功能和审美功能这样三个方面的功能和作用。第一，就起大学美术教育的教育功能来说，“它的根本目标是培养全面发展的人。艺术教育承担着开启人的感知力、理解力、想象力、创造力，使人的内心情感和谐发展的重任。”换一种方式说，美术教育必须要做到“以人为本”，即：以人的实际需要作为出发点和归宿点，实现人之“主体性价值”。按照鲁迅所说：“美术可以辅以道德，美术之目的，虽与道德不尽符，然其力足以渊邃人之性情，崇高人之好尚亦可辅道德以为治。”总之，美术教育功能是陶冶人之情操，净化人之心灵，让人们的主体性价值得到积极地发展，从而努力成为一个“完整的人（席勒语）”。在这里，需要说明的是，人的主体性包括了两个方面：首先人是实践主题，其次人又是精神主体。所谓实践主体，指的是人在实践过程中，与实践对象建立主客体的关系，人作为主体而存在，按照自己的方式去行动，这时人是实践的主体；所谓精神主体，指的是人在认识过程中与认识对象建立主客体关系，人作为主体而存在，是按照自己的方式去思考，去认识的，这时人是精神主体。第二，就大学美术教育的认识功能来说，主要是指通过以艺术鉴赏为前提，去了解自然、认识历史、把握现实、体悟人生、扩大人生视野，以便获得智慧的启迪和指导生活的价值，不断向着新的意义攀升。第三，就大学美术教育的审美功能来说，它的目的首先不是为了获取知识，也不是为了接受教育的思想，而是为了人之身心愉悦，或者换一种方式说，它的首要任务就是要心身得到积极的休息，暂时摆脱外在社会的牵连，不与外在社会发生任何的功利瓜葛。因此，一件优秀的艺术作品呈现在人们面前的总是一个不与现实社会发生任何利害瓜葛的世界，可以使人摆脱生活的千疮百孔，体验不能经历的冒险、不能得到慰藉。从这个意义上说，一切艺术的最初动机都莫过于此，当然，这也无疑构成了大学美术教育中主体性的作用和重要性。
2．大学美术教育的主体创造性品格
当代美术教育对于创造性品格的强调在很大程度上有着急功近利的情况，从这个立场出发，大学美术教育的创造性品格其主要体现在主体性的不断超越，即：超越前人、超越同代人和超越自己。超越前人是大学美术教育的首要任务，也是每一个教育工作者整体所面对的任务，在他们的身后，是长长的过去，前人固然在教育方面有自己的创造，但过后却成为了过去、成为了传统。后起的美术教育工作者有权从传统中吸取养料，但却无法原本的模仿。所以，如果没有对前人的观点、理念和思想的创新，又何来进步，主体性的价值功能何以得到彰显呢？超越同代人是要求我们加强教育之间的交流和沟通，彼此之间相互学习，并借以启发灵感，激发主体意识的创造品格。所以，超越自己的是实现大学美术教育中主体性发挥的必要条件，也只有充分发挥大学美术教育的主体性价值功能，才能使大学美术教育的创造性价值和意义得到实现。
二、结论
现代科技对传统美术教育带来了如此巨大的冲击和影响，但是现代教育依然离不开科技的运用。从艺术教育角度看，全新的教育方法能够促使艺术手段培养的提高，使受教育者创作出有价值生命力的艺术作品。在这个过程中，如何解决高等美术教育的社会转型与主体性的被屏蔽、主体性的价值功能以及主体性创造意识的品格三个问题，将成为美术教育者新的课题。
作者：李华 单位：重庆三峡学院美术学院
1通过当代艺术的启发，使学生们更好地认识社会
生产力的提高提升了我国的国民经济水平，人们生活水平的提高使得人们在工作之余有了更多的兴趣爱好去追求，当代艺术的产生满足了人们的需求。当代艺术的群体十分广泛，而且包含的素材种类很多，可以根据群体的不同，人们思想的不同以及不同的生活习惯来进行大概的区分。在当代的艺术作品中有一些是高校学生很容易能够理解的，所以，在高校的美术教育教学过程中，学校及教师应当充分地利用这部分素材，进而使得学生们的艺术水平有所提高。由于社会的不断进步和发展，人们的生活也与艺术在不断的结合过程中，而当代的艺术更是对人们的生活产生着很大的影响。所以，将当代艺术融入美术教育教学中能够让学生们在学习及生活中更好地感受此艺术形式，通过对当代艺术的感受更好地认识了解社会，进而更好地融入社会。
2当代艺术的融入能够开拓学生的视野，提高学生们的包容能力，开阔他们的思想
随着中西文化的交流，在当今时代，我国的艺术也受到国外很多因素的影响，并将其以各种的形式体现了出来。正因为当代艺术的包容性，能够使得它同其他的艺术做到很好的融合，所以，这种艺术作品同我们的传统作品有着不一样的形式。例如，在绘画方面，科学技术的发展提升了当代的绘画方法和手段，如我们现在常见的激光手段、数字模拟信息等。因此，学生们必须要对其进行系统地全方面学习。而在美术专业的教育教学中，学科的专业知识交叉发展使得高校在美术教学中既要让学生提升自身的艺术水平，也要让学生自己探寻创新点和新的灵感。
3加深当代艺术的理解及运用，丰富教育教学方式
同其他时期的艺术相比，当代艺术有着非常突出的多元性以及评价性。如果学生们对于美术的知识没有学习透彻，很容易使其因为知识的不足导致见识方面的短浅和不足，对于很多美术知识的理解仅仅停留在理论层次而不能够将其实际的运用到日常的生活中。针对这类问题，教师可以采用一些设计以及做一些宣传活动等加深学生们对当代艺术的理解以及提升其运用能力。由于现当代艺术与传统艺术不同，这就需要教师运用自己的能力提升学生的审美能力和领悟能力，将正确的美学精神传达给学生。现阶段我国教育部门对于美术教学的重视程度日益增加，很多高等学府中设有美术学院和专业，同时美术教学的性质也由以往一元化的专业办学发展出了针对非美术专业的非专业办学，通过一些美术鉴赏课和实际的理解课对非美术专业学生的美术水平进行引导教育，这就极大地丰富了教学方式。
4运用新媒体，充分发挥创造力
在艺术创作的过程中，每一件作品的创作产生都离不开创新能力和创造性思维。只有突破思维及其他各个因素的限制，充分地发挥创作者的创新思维和能力，才能诞生出让人惊艳的作品。在我国传统的美术教育教学过程中，教师通常都是根据基础的理论来对学生们进行讲解授课，这使得学生们在美术的学习及创作过程中能够接触的只是一些普遍常见的材料及方式，单一材料及方式的学习很容易降低学生们对于美术学习及创作的兴趣，使得学生们对美术的情感层面受到影响，这种情况对于学生们长期的学习是非常不利的。时代的进步及科技的发展诞生了新兴媒体。而新兴媒体的产生对于此问题的解决提供了极大的帮助。通过在教学过程中对新媒体的运用，在创作中就脱离了传统工具的束缚，学生们能够更好地将自己的想法和创作意图表达出来，能够充分地发挥他们的创造思维及创造力，对于提升学生们的学习兴趣及创作欲望有着很好的积极意义。因此，新媒体的出现对于现代的美术教育教学是非常重要的。在教学过程中，如果教师能够充分的运用好新兴媒体，那么学生在创作构思上就能够摆脱传统媒介的限制，更好地发挥创作思想。
5严格选取当代艺术，确保正确艺术观的形成
由于受到来自社会的各种因素的影响，在讲当代艺术融入美术教育教学过程中时必然会遇到各种的问题。在这种情况下，学生们应该保持正确的人生观及艺术观，避免受一些低俗思想及艺术等的影响，走上不正确的美术道路。为了确保能够对学生们的学习及生活有着积极向上的影响，在对当代艺术的内容进行选取过程中，教师要做到严格的把关，确保所选艺术高雅的基调，积极向上的意义，进而在学生们的学习过程中产生积极的影响，促进他们正确艺术观的形成。通过以上论述可以认识到，随着我国教育的不断改革及社会不断进步的推动，我国现阶段的美术教育也应当融入现代艺术的内容。通过对现代艺术内容的纳入及融合，能够使得学生们学习到更多的艺术知识，使得学校的美术教学有所提高，更好地完成教学目标，同时还能够让学生们更好地了解社会、融入社会，让学生们的学习及生活都更加的丰富多彩。
作者：林洁 单位：山西大同大学
一、美术教学中普遍存在的问题
1.师资力量薄弱，教法不得当。
“在今天的教学中，美术已经不再是一门独立的学科，它与其他学科有着千丝万缕的联系，而传统的教学方式已经不能真正体现美术的含义，无法发挥应有的教学效果”。大部分教师认为，美术只是教会学生画画即可，在课堂上拿出一幅画让学生照着画就行，用传统的教学方式进行传授，这种教学方式只能让学生学会了绘画，而无法真正体会到美术这门课的博大精深，更不能激发他们学习美术的兴趣。美术课程标准指出“美术不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练，而应视为一种文化学习”，这就要求我们教师在教学中不仅仅要引导学生进行美术文化学习，更不能放弃知识技能的教学。只有在美术教学中培养学生美术兴趣、提高学生审美能力的同时结合知识技能的学习，才会提高学生的美术素养，从而提高学生的综合素质。
2.教学设备不健全，学生学习美术的积极性低。
由于学校对美术教学的不重视，在软硬件的配置上也会存在着差异。有的学校虽然能够按照国家课时计划标准开设美术课，可是受到中高考指挥棒的影响，很多学校少开或者某些年级不开美术课的情况也屡屡发生。有的学校就算开设了美术课，也形同虚设，经常被其他主课老师无情占用。同时，学校的教学设施，对能不能有效的推进美术教学也很重要，因为现实中教学环境及设施的差异的确存在着。再者由于大部分学生为了在学业上取得好成绩，往往牺牲娱乐时间去学习功课，这样一来就更没有兴趣去学习美术甚者其他主修课以外的课程了。很多学生在上美术课时候选择做其他课程的习题，他们认为有学习美术课的时间，不如去完成其他科作业，提高其他科的成绩，因此学生学习美术的积极性大幅下降，对美术学科的优势不予理睬，长此以往学生的审美修养和情操陶冶又如何提高？
二、美术教学中存在问题的相关对策
1.充分调动学生学习美术的积极性，培养学习美术的兴趣。
兴趣是最好的老师，当学生对一件事情产生浓厚的兴趣时，学习效率也就会跟着提高。我们要培养学生学习美术的兴趣就得了解学生，因材施教，允许学生个性的自由发展，允许学生兴趣的不同方向，承认学生存在的个体差异，承认学生对知识掌握的速度有快有慢，接受知识的能力有强有弱，给学生以充分的尊重，从而培养其学习兴趣。另一方面，也可从课堂活跃度来提高学生的积极性，让学生在课堂娱乐中对美术这门学科产生浓厚的兴趣，从此更加热爱美术。如：当我们在课堂上要求学生临摹一幅书中的国画作品时，有的同学要求画竹子，有的要求画荷花，这时教师应毫不犹豫很爽快地就答应他们的要求，因为如果这时候很强硬的拒绝他们，硬要他们统一作业，虽然他们会按照教师的要求完成作业，但他们可能就因此丧失了学习的积极性，丧失了一些对美术的兴趣，自然也不会体验到美术学习过程中的愉悦。在教学中能够充分尊重学生意愿，在许可的范围内向学生“妥协”一下，不失为一种明智的选择。
2.加强学生、家长和学校的沟通。
英国心理学家斯宾塞曾经说过：“没有油画，雕塑、音乐、诗歌以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣便失去了一半，这就会给各种疾病的入侵洞开门户”。美术教育的重要性不言而喻，但是由于受到应试教育的影响，很多家长认为美术对孩子的未来是没有用的，并不能帮助学生上一所好的大学，找一份好的工作，他们会为学生设计好一条最省事最高效的学习计划，会把什么有必要认真学，什么不必花时间去学分的清清楚楚。家长的言行早早就植根于孩子的脑海里，使他们受到影响，从而不重视美术课程的学习。这就需要学校和教师不断努力和家长沟通，让他们认识到美术教育的真正作用，改变对美术教育的看法。社会在发展，时代在进步，我们需要的是各方面都有能力的专业人才，而这不仅仅是体现在分数上。因此关注学生基础教育的同时，也要注重素质教育，培养综合能力。除此之外，还应鼓励学生寻找自己的兴趣爱好，给予他们信心，营造好学习的大环境。
3.提高教师专业素养和教学技能。
教师在学生美育的培养中也占很大一部分因素。教师应全面把握教材，灵活运用。在教学中应突出美术学科的特点，而不能把它上成了语文课、历史课；要把握好教材并灵活运用，不一味的照搬教材，可以根据学生的兴趣来设计自己的课堂，这样将会大大提高学生学习的兴趣，也更容易让他们吸收理解，从而在潜移默化中提高学生的鉴赏能力和艺术修养。
4.将美术纳入考核范围。
美术课是学生健康成长的必修课，它的重要性不言而喻。人在出生时候并不具备审美能力，都是通过后天的学习和培养才一点一滴建立起来的。古往今来受到科举考试制度的约束影响，学生们都已经习惯了通过考试成绩来衡量自己学习能力和左右自己的学习爱好。如果将美术纳入考核范围之内，学生就会主动尝试了解美术、学习美术。只有这样学生才能更多的联系实践，可以督促学生学习美术，端正学习美术的态度。美术教育是时展的需要，对学生未来的发展有很大的影响。其教学目的以培养学生的审美情操、人文素养为基本。通过对学生进行美术教育，以学生的学习与发展为目的，满足学生的心理需求，提高学生的学习兴趣，最大限度地激发学生的学习潜能，为学生今后的全面发展奠定一个良好的基础。
作者：付川 单位：河南省信阳市浉河区信阳师范学院
一、引言
五月的上海理工大学，校园一片生机，一群学生兴致地收集着地上的叶子、干枝、花瓣，在这有序的收集摆置过程中慢慢创作呈现出一件大地艺术作品。学生计划用红、黄两色叶子铺成一条百米长的红色“地毯”，以此作为欢送毕业生和迎接九月新生的一个印象。目睹着参与学生的增多，笔者不禁感叹艺术的魅力和凝聚力。
二、高校社团
（一）高校社团的历史
社团作为高校素质培养体系中的一个组成部分已历史悠久。公众较为熟知的国外名校社团有哈佛的文学社，牛津的辩论社，剑桥的体育社团，它们均以培养学生的领导艺术、团队合作、人文素养等素质为目的。我国高校社团也有着光荣的历史。革命时期，高校社团以集会、演讲、宣传唤醒众多国人昏睡麻木的灵魂；建国后高校社团除了爱国宣传之外兼具提高国人素质、丰富学生生活的功能；新世纪，高校社团延续着辉煌，丰富着校园生活，完善学生人格，培养着学生综合素质。
（二）艺术社团在社团结构中的位置
1.艺术类社团的特点以理工类高校为例，学生普遍缺乏艺术素质的培养。在义务教育和高考压力之后，学生在自由的学习气氛中追求理想和真知，内心对艺术更为渴望。艺术是公认的精神食粮，除了艺术熏陶，也是缓解课业压力、精神疏导的有效手段。一方面，满足学生对于丰富生活的需求，给予其对“美”的认知和引导。上海理工大学的音乐社团，它是“上理人”的骄傲，多次荣获各项大奖，代表上海高校出席各大音乐盛典。荣誉伴随着社团逐渐成长，它的存在不仅满足了教学，也成为校园年青人的一种精神和象征。学生在参与过程中不仅仅是表演的体验，更重要是来源于舞台演出的成就感，这种价值的实现是“课程、分数、奖学金”所不能够予以的。同学们已不简单满足于单一的自我价值实现，多元、多重、多层的自我认识是人格完善的重要方面，而正是音乐的魅力使社团“向心力”式地吸引着众多目光。另一面，正当的社团活动能正确引导学生的课余学习生活方式，避免他们将精力过多地放在诸如网络游戏等“娱乐鸦片”之上，而艺术是良好的沟通渠道，以艺术的方式引导学生健康生活也是艺术社团存在的一种必要性。
2.上海理工大学美术社团目前上海理工大学美术类社团有油画社团、陶艺社团、创意设计社团和实验艺术社团，给学生创造了开阔自由的艺术空间。从绘画到陶艺雕塑、从设计到当代艺术学生可以自由、多样地选择。教学模式以讲授到实践再到展览，同学们亲历艺术创作的整个流程。理工科学生擅长理性逻辑思维，在专业基础上的进行艺术拓展，既是平衡又是互补。
三、当代艺术进入美术社团的优势
生活中人们普遍对绘画逼真写实，不需主观解读只需客观接受的作品归类于“好”艺术。虽然当代艺术是当下最热门前沿的艺术分类，但大众对当代艺术的了解甚少且存有诸多误解。如认为当代艺术中的“行为艺术”只有裸露、血腥、暴力。传统艺术都尚未普及，当代艺术似乎离大众更加辽远。笔者作为上海理工大学实验艺术社团的辅导教师，将社团重心定位为当代艺术的普及与推广。在当代艺术的影响下，学生天马星空式的创意火花不断释放，这不仅是教学的结果，更是艺术和生活的连和，以下几点为当代艺术进入高校美术社团的优越性。
（一）政策支持
去年十月主席在文艺工作座谈会上强调“文艺是时代前进的号角，最能代表一个时代的风貌，最能引领一个时代的风气。实现‘两个一百年’奋斗目标、实现中华民族伟大复兴的中国梦，文艺的作用不可替代，文艺工作者大有可为。”在国家的支持下，中央美术学院、西安美术学院、天津美术学院先后建立实验艺术专业，专业的成立将以往徘徊民间的当代艺术带入象牙塔内，名正言顺的成为高校艺术教育的一部分。这些政策的扶助给予艺术教育方向性的指导，成为高校美术社团工作方向上的一面旗帜。
（二）当代艺术与绘画基础的关系
当代艺术因观念而生，对美术基础的要求不同于传统美术学科。传统的油画、版画、雕塑等专业需要素描色彩等造型基础的垫基，但扎实的基础需要时间的积累，这就给理工类高校带来了限制。一方面，学生会因这些前提要求止步于社团；另一方面，枯燥的基础训练会影响他们的兴趣从而造成部分成员的流失。成功的社团源于人气和士气，没有气氛和兴趣，组织框架再优越也会无米之炊。而当代艺术可以较好地适应以上情形，没有基础的同学在学习当代艺术并创作作品时，可以规避基础训练直接入手。这是由于当代艺术中的后现代主义流派，如“行为艺术”“大地艺术”“装置艺术”以及“观念艺术”等等都无需过高的绘画基础要求。当代艺术更看重作品的观念性，而“观念”正是大学生思想活跃的发泄口，让学生带着创意的头脑融于艺术之中，拉近大众与当代艺术的距离。这种所谓的“降低门槛”对于当代艺术进入高校起着推动的作用。
（三）人多力量大
当代艺术强调观众的参与性并注重人与作品的关系，如观念艺术大师博伊斯的作品《七千棵橡树》，行为艺术大师玛丽娜.阿布拉莫维奇的《节奏0》，都是强调与观众的互动，观众的参与成为艺术创作的一部分。艺术家巧借“观众”完整自身作品，这是传统美术门类难无可比拟的。上海理工实验艺术社团今年展览主题为“大地艺术”，在教师的辅导下，学生们创作了一系列与校园生活相关的艺术。其中由十几位社团成员，三十多位参与路人联手打造的百米长的红色地毯最为倾耳注目。路人在了解作品创作动机后的主动加入说明该作品已具备观念性，适合参与和推广。
（四）解读中寻找艺术价值
当代艺术的许多作品需要观众自己去解读，这有别于传统绘画前观众的被动体验。传统架上作品，观众立足作品前，只需要视觉信息的接受，而当代艺术则更需要给观众思考空间，有时更要调动观众的情感去分析。如实验艺术社团第一届学员作品《刺》，方案来自一个社团学生的内心世界，周围同学们认为该同学过于冷漠、难以相处。学生反思自己的行为，“冷漠”实质的自我防御，像刺猬的“刺”保护自己，但同时也在伤害自己，如同封锁的内心也渴望与外界交流。学生将图钉粘黏衣着的正反两面，于是黑色外套、T恤、鞋子的里外均满布了图钉。观众在展览现场，首先被炫酷的外表所吸引，接着小心地触碰，但始终保持与“刺”的安全距离。观众的行为和作品的观念相互契合，作品得到了周围肯定，这是该生首次经历艺术创作获得了关注和认可，对他而言创作艺术本身也是寻找自我价值的方式。
（五）让生活更时尚
艺术被大众认知为高雅的化身，而当代艺术无疑是现当下最热门的艺术关键词。社团学生接触当代艺术后，逐渐认清了公众对它的歪曲。笔者明显感触到了学生的这一蜕变。在组织学生观展的过程中，他们的主观解读和相互讨论都再现出当代艺术的感染力。从对当代艺术的质疑到接受再到认同，学生发出自己的声音，自己去评判作品，这实际就是当代艺术的普及宣传。心中揣着一把“美”的尺度表去观察所接触的事物，让当代艺术融入自己的生活，优化精神品质，前卫时尚地生活。
四、小结
艺术的界限是宽阔的，艺术的境界是崇高的；艺术是文雅的、艺术也是平等的。为了更好的让学生用艺术的目光阅览生活，当代艺术进入社团，进入了象牙塔是必要的。
作者：刘晓峰 李花 吴学聪 单位：上海理工大学出版印刷与艺术设计学院 江汉大学
本文作者：孙昊 单位：江南大学设计学院
当代艺术作为一个模糊、非特定的文化概念、包括了各种形式的观念、态度、知识、行为的变化。当代艺术不是一个具体的艺术风格流派，它脱离了传统艺术评论对艺术现象的划分，其发展中的不稳定性决定了含义的多样性，也就决定了当代艺术存在方式的多元化。
一、艺术创作中“多元化”的定义
当代艺术思维，主体来源于西方强势工业文明。现代西方文明兴起于文艺复兴，发展于工业革命，转折于两次世界大战。当代艺术的思想以及其作用的当代艺术大致兴起于二次世界大战之后。由于战争的刺激，工业生产在战争中得到飞速的发展，极深远地影响了战后的社会生活。社会发展的加快，需要更多模式化的物品。人类每天的生活都会跟这些带有同一个特征物体接触并受其影响。因此，无论对现实社会持何种态度，现代工业社会对人类思维以及艺术思想的影响是无庸置疑的。而这种影响具体反映在艺术创作中开端于“波普”。在当代，这种多元化元素表现得日趋隐晦与含蓄。物质在变化，信息在传达，社会的多元化对每个生存其中的个体产生了有区别的影响，这种区别影响着艺术思路在一步一步发生转变。
二、多元化内核的发展与演变
1．极简元素形态下的多元化及其运用方式的变化。
有两个关键点。其一是元素符号的形态，其二是对元素符号的使用方式。这两个关键点如何变更，决定了“多元化”对于当代艺术所起的效用如何变更。POP中以安迪•沃霍尔为代表的以商品为本体的元素。而欧普艺术中的元素则点与线。这是元素一种质的变化。这种极简主义的符号使用方式产生了由欧普产生出来，并延续到当代。这事实上就是一种提炼本质元素，进而反复使用的方式。其使用多种元素并排列的基本方式却是显而易见。在元素的抽象分离提炼产生极简元素之后，社会元素本身的符号化意义被削弱了。这种分化的结果是，元素必须依靠更为大量的变化来完成价值的建立。
2．极繁元素形态下的“多元化”及其运用方式的演变
与欧普艺术对元素的建立思路背道而驰的，是照相写实。照相写实在对元素符号的建立规则上，走向了极繁的形态。在这种形态下，元素本身的价值已经接近或者等价于艺术品本身的价值。
三、对当代艺术发展的可能和影响
艺术思路在任何自由的时代，其发展都是在不断被社会左右的同时试图去反省、辨证。在当代，“多元化”的艺术创作中日渐趋于隐含于内敛，艺术家们在利用它的同时不断尝试着对它的改造。从元素的形态上，从重复的方式上，都在不断发生着变化。但是，“多元化”的内核始终如一。
当代艺术格局的建立所依赖的是一对矛盾所构成的支柱。从深层意义上来看变革事实上是文化和观念上的变革，无论什么样式的油画都会有一种文化认识作为灵魂，对于有一些艺术家来说这种认识建立在意识的层面上，对于另一些画家来说认识则是建立在无意识的层面上，他们一起构建了这一对矛盾，即对于审美的认可与否，进一步则引伸为对于油画语言在油画中的地位的认定与否。当代中国艺术已越过了技术层面更加广泛深入地参与了当代文化，与当代文化的融会加之其内在的矛盾使中国绘画显得扑朔迷离难以琢磨。但多元化给不同气质的画家提供了多方面探索发展的可能性，传统的单一具象语系的写实造就了一些艺术家，但是却断送了另外一些艰于塑造而敏感于纯粹形式的人，而当代的艺术间可以自由地以自身的情感和精神需要以及审美偏爱作为选择的依据切实地促进了艺术创作。但是多元化也同时冲垮审美的价值体系和真善美理想成为滋生不良艺术方向和异化艺术的温床，这一对矛盾正是在文化多元化与艺术多元化的基础上日趋成形并凸现，同时多元化也成为矛盾双方相互依存之理由。由于各方面的作用综合而致使一部分艺术家否定审美以及表达它的媒介———语言在视觉艺术中的第一性的地位，他们认为油画应该放弃审美作用或淡化语言更加关注社会和文化。对于审美或者语言在艺术中的地位以及艺术之社会功用前人皆有描述。对于“美”这一概念最早的文献荷马史诗《伊里亚特》和《奥德塞》就已提出，之后这一概念被柏拉图玩味得炉火纯青。中国六朝时期的理论家谢赫在它的著作中就曾说过绘画的社会功用“图绘者，莫不明劝戒，著深沉，千载寂寥披图可鉴”。
古希腊哲学家苏格拉底也说过“绘画的任务———表现活生生的人的精神与他们最内在的东西”。十八世纪的法国文艺理论家狄德罗也自信地指出“……这些艺术都以模仿自然为目的:雄辩术和诗用的是词语;音乐用的是声音;油画用颜色和画笔;素描用铅笔;雕塑用凿子和胶泥……”。而中世纪和后来的一些宗教画家则坚定不移地认为艺术行为以及产品皆是为了荣耀上帝。受时代以及文化和诸多因素之局限，到当代美术产生以前人们总是使艺术“它律”即负担着艺术之外的某些任务，而未臻达艺术“自律”的境界。尽管如此他们也没有否定纯粹的造型元素即形式的运用在视觉艺术中的重要性，而仅仅是把艺术本身与其功用对立起来。二十世纪初的英国哲学家克莱夫•贝尔在他的论著《艺术》中系统地论述了“艺术就是有意味的形式”这一观点，为现代艺术的发展在理论上铺平了道路，尽管贝尔的理论并非唯一而绝对的权威，但他的艺术自律论的确是一块不可磨灭的里程碑，因为它影响了二十世纪的一百年，明确了艺术语言是表达审美感情的最重要的中介。
当代艺术界有一部分画家在有意识或无意识的层面上都流露出他们否定审美的第一性否定语言或淡化语言的倾向，观念艺术和中国波普是其中最重要的表现。中国波普艺术很难与观念艺术截然分开，它们直接导致了油画艺术的粗糙与拙劣。通过油画艺术而表达某种观念或形上概念绝非今日之创新，历数每一个大师，他们的作品从广义上说在潜意识的层面上都隐喻着美与善的观念，而且是通过恰如其分的自然流露的方式而非强调的方式来表达。十六世纪的尼德兰画家勃鲁盖尔的某些作品以及拉菲尔前派画家的作品都倾向于去强调某种观念或者表达某种寓意，他们的作品与当代的观念油画的区别就在于，他们的作品在表达观念或寓意的同时没有淡化语言否定语言，因为观念和语言本身是不矛盾的，视觉艺术所能负载的思想观念上的信息量是极其有限的，与语言文字相比就显得幼稚而简陋，因为艺术的本质不是实用的也不是认识的。大师之所以成为大师的根本所在并非因为表达了某种思想观念，对于视觉艺术来说只有语言的大师而没有情节的大师和观念的大师。视觉艺术之所以能介入文化依赖的也正是审美和它的中介———视觉语言。当代中国油画界中存在的否定语言的不和谐音并不是偶然的，这自然又有当代社会文化的深刻背景。二十世纪中叶，科技的发展导致了视听媒介的日新月异，大众文化蓬勃兴起，它主要是指与当代大工业生产密切相关(因此往往必然地与当代资本主义密切相关)，并且以工业方式大批量生产、复制消费性文化商品的文化形式。这种文化形式与大工业生产溶为一体，以公司规模的行为去开辟文化市场，这使得畅销小说、商业电影、电视剧、各种形式的广告、通俗歌曲、休闲报刊、卡通音像制品四处泛滥。它从根本上侵蚀了文化和社会、文化和经济的关系，对当代的社会、文化、艺术产生了重要的影响，并一步一步蚕食精英文化，今日之明星已由昔日之思想与精神的承载者转而变成传媒包装下的产品。在这样的背景下，油画艺术自然难逃被侵蚀和异化的命运，于是最能与大众文化沆瀣一气的波普艺术和观念艺术应运而生，远离审美的范畴以一种极其粗糙的具象写实的形式，借助观念形态直接表现艺术家对社会的感受与评价，这种艺术形态是典型的大众文化与商业文化的副产品，但是部分中国艺术家却忽略了中国的国情与现状为了与世界接轨而不加考察地以功利之心驱猎奇之手生搬硬套。简略地回顾油画或视觉艺术地发展史就会发现，艺术潮流大致有两种即代表艺术发展的真正方向或否，潮流的性质往往需要历史来验证，百年潮流对于历史来说仅仅是一瞬。
摘要：“外师造化，中得心源”是唐代画家张提出来的绘画教育观念，即艺术创作要师法自然，并按照自己内心的主观体验进行。“外师造化”的教育观念在中国的美术发展历史中始终扮演着重要的角色，在现代的美术教育中，更要辩证地认识“外师造化”，在继承的基础上加以创新，从而服务于现代化的当代美术教育。
关键词：外师造化；唐宋美术；美术教育；开拓创新
唐、宋是在中国历史上具有重要文化影响的两个朝代。在相关文治政策的影响下，官方与民间都形成了注重文艺的良好氛围。这一时期涌现出大批名垂青史的艺术人才，留下了大量的传世佳作。与魏晋南北朝时期“晋尚韵”、传神论的艺术审美特点有所不同，唐、宋时期的美术更加注重求真，以写生和写真为主要形式，而“外师造化”便是对这一时期美术绘画教育观念的归纳与总结。
一、“外师造化”教育观念的形成与内涵
“外师造化，中得心源”是唐代的艺术理论，其归纳了艺术创造的特点与含义，在当时及后世都产生了深远影响。
（一）“外师造化”观念的提出
“外师造化，中得心源”这一观念是由唐代的理论家、画家张提出来的。张，字文通，曾担任过翰林学士，以文学闻名于世，善画水墨山水画。《唐朝名画录》描述他的山水画：“则高低秀丽，咫尺重深，石尖欲落，泉喷如吼。”“欲落”“如吼”淋漓尽致地体现出了张笔下山水的真实感。“外师造化，中得心源”是张几十年来美术经验的重要结晶，也是他的美术教育观念。虽然这是张留给后人为数不多的美术理论，但却形成了唐、宋时期绘画教育观念的重要内涵，使当时众多画家的写真师法得以归纳，从而成为中国绘画史上的不朽名句，历代的艺术家们都在不同程度上继承和发展了这一绘画理论，产生了非常深远的影响。
（二）“外师造化，中得心源”的文化内涵
“外师造化，中得心源”是对绘画中主客观关系的概括。“造化”是客观世界，即指大自然；“心源”是艺术家内心的感悟体会；“师”便是学习的意思。“外师造化，中得心源”的意思就是艺术创作要师法自然，画家要认真观察大自然中的客观事物，从大自然中汲取创作素材，并且还要按照自己内心的主观体验和感悟去进行创作。艺术家在从事艺术活动时，首先要师法自然，作品要能反应出自然界的客观真实，但同时又不能机械地摹拟自然，而是要源于自己主观真实的体验感受，表达出自己对自然和生活的态度和情绪。“师造化”是“得心源”的基础，“得心源”是“师造化”的升华，只“造化”很可能会造成机械的复刻产生没有任何情感色彩的作品，所以更要融入“心源”，通过主观上的“心源”来表现出客观上的“造化”。“造化”与“心源”这一客、一主的相互作用才是完整的艺术创造过程。
二、“外师造化”在唐宋美术中的发展运用
唐、宋时期的画坛非常活跃，其审美特征与魏晋南北朝时期的“求韵”形成了差异，重视求真写实。“外师造化”这一思想在唐宋绘画进程中成为绘画教育观念的中心内容。
（一）唐代美术中的“外师造化”
唐代是古代绘画艺术发展的一个高峰期，在绘画题材上着重记录了一些重大的政治事件，由此可以看出唐代绘画写真写实的特点。《步辇图》是唐代画家阎立本所绘的一幅历史画，真实地记录了唐太宗李世民接见使者这一具有历史意义的重大事件。被称为祖师的吴道子有写生十六册，张彦远《历代名画记•论山水树石》说：吴道子“往往于佛寺画壁，纵以怪石崩滩，若可扪酌。”由此可见，吴道子描绘下的对象所具有的真实感。韩是盛唐时期的鞍马画家，有一次玄宗让他师法陈闳，韩却称：“臣自有师，陛下内厩马，皆臣之师。”韩以活马为师，自然中的真实物象就是最好的老师，这是韩不因循前人而师法自然的艺术主张。
（二）宋代美术中的“外师造化”
李成的山水画在北宋被誉为“古今第一”，他以画寒林平远著称。寒林平远就是画家关注季节气候，强调近景中景由近及远按照比例缩小的方式来描绘景象。范宽也是被称为中国山水画发展史上“百代标程”的山水画家，其亦强调师法自然造化。他认为：“前人之法，未尝不近取诸物，吾与其师于人者，未若师诸心。”与其师法前人，不如师法自然，范宽认识到外师造化的重要意义，所以为了能描绘出真实的北方关陕地区的山水面貌，范宽常年深入终南山、太华山之中，每有所得即“为山传神”，被誉为“得山之骨”。范宽的《溪山行旅图》是中国山水画发展史上具有划时代意义的杰作，淋漓尽致地描绘出行旅山下的主题，使人有种身临其境的感受。李成和范宽都是在忠实客观自然的基础上，以“外师造化”作为美术绘画创作的理念，为山水画发展作出了巨大的贡献，把北方山水画推向了新的水平。
三、当代美术教育中的“外师造化”观念及发展
写真、写实的艺术审美不管是在古代还是在现代都一直影响着美术教育的发展方向，唐、宋“外师造化”的美术理念也对我们当代的美术教育及考试制度产生着潜移默化的影响。
（一）现代美术教育中的“外师造化”现象
是否“外师造化”，通俗来讲就是像或者不像的问题。在现代的美术教育教学中，像不像仍然是很多教师评价美术作品优劣的重要依据。尤其是在中、高考的美术中，这一特点就更加明显了，因为越是写实程度高，越是“像”的作品，在考试中就越有可能得到可观的分数。在这样的考试制度下，美术没有其他方面过多的要求，不需要加入太多的个人主观情感，只需要对物象进行客观的写实即可。这与儿童时期的美术形成了一定的差异，儿童期的美术写实性不强，但是美术作品都是儿童个人的生活经验与感受的体现，更强调“中得心源”；少年期的美术写实特点比较突出，但个人的情感色彩相对少一些，更强调求真与写实。虽然各时期儿童美术表现的侧重点有所不同，但是在现代的美术教育中，都普遍存在着“外师造化”的现象。
（二）“外师造化”与开拓创新
自古至今的美术中，“外师造化”一直是评判美术作品好坏的重要依据。但是随着社会的发展进步，尤其是在素质教育正在如火如荼地进行的今天，写实写真已不能作为美术的唯一标准，而更应该强调美术作品的表现形式与内容的多样化，强调具有想象力、创造性的画面。“外师造化”固然重要，但新世纪下的人更应该具有创造的能力。“外师造化”尽管有许多可取之处，但是对于年轻一代的接班人来说，机械的写实求真会使人变得不知变通，惰于思考，只是一成不变地按照客观物象进行复制描摹，而失去大脑的活跃思维。中国儿童心理学家和教育家陈鹤琴的“活教育”理论中就强调过培养儿童创造力的重要意义。陈鹤琴认为，儿童的创造能力是需要培养的，他们本来就具有非常强的创造力，只不过惯于因循守旧而惰于创造。所以只要善于教育，加强对儿童的启发与诱导训练，这种创造力是可以培养起来的。在现代的美术教学中，更应该重视开拓创新的重要意义，在“外师造化”的基础上强调“中得心源”、开拓创新，重视培养学生的创造精神和能力，让学生敢于创新并且乐于创新，而不是局限于对物体表象进行的单纯复制。启发创造性原则是美术教学的重要原则，即在美术的课堂教学中，通过教师与学生一教、一学的双向活动，激发学生对未知领域的探索精神，培养他们的想象力以及创造性人格。《普通高中美术课程标准》凝练出来的美术学科的五大优秀素养中，有一条就是创意实践，即要求学生养成创新的意识，能够创造出有创意的美术作品。从低年龄段到高年龄段，创造能力都作为一项重要的优秀素养被加以强调。在当今的教育中，想象力与创造力越来越被社会各界所重视与接受，美术作为一门蕴含着丰厚人文精神的学科，在美术教学中便更要重视学生创造思维的培养，不仅仅要写实求真，更要有自己主观能力上的开拓创新。尤其是对低年龄阶段的学生而言，美术教师更要注意培养他们的创新、创造能力，鼓励他们按照自己的想法大胆地进行创造，不受客观写实对象的干扰，因循守旧。儿童的创造力难能可贵，身为一名美术教师，我们要悉心保护这种创造力的种子，保护他们对世界的奇思妙想，给他们足够的创作空间和安全感，让他们能够大胆、自由地开拓创新，而不是再以像或者不像为唯一标准来评价他们作品的好坏，限制他们的发散性思维。正如现代美术教育家林风眠所说：画鸟像只鸟，那又何必画呢？在刚开始教学实践的时候，面对绘画跑题的现象或者是图像不完整的情况，比如说没有尾巴的老鼠，或者是腿长错了位置的蚂蚁，我也许会干涉他们，教导他们根据物体真实的样子进行改正。后来回想一下，这些不都是孩子们天真童趣的表现吗？为什么一定要让他们画出真实物体的样子呢？儿童的美术教育就是要让孩子们能够通过画面留下他们成长的印记，能够通过美术这一途径表达出他们对于客观世界的感受与自己的想法。如果机械地将世俗的、不知变通的观念强加给他们，逼迫他们画出具有写实特点的图像，那便是对孩子天性的扼杀。罗恩菲德也曾指出，教师不应该对学生横加干涉，而应尽量向学生提供自我表现的机会。所以在美术教学中，教师应该学会大胆地放手，减少对学生作画方法与内容的干涉，不要对孩子的作品进行过多的指导或者评价，让学生们能够按照自己的意愿大胆地表现出自己的内心世界，表现出自己对这个世界的感受与体会，无拘无束地进行艺术创作，即便是画那些也许是大人所不能理解的、与现实毫不相关的图形。正如毕加索在《我不寻找，我见到》中所指出的：绘画有自身的价值，不在于对事物如实的描写，人们不能光画他所看到的东西，而必须首先要画出他对事物的认识。“外师造化”与开拓创新是互为表里的两个范畴，在美术中两者的运用不能过于绝对化，要根据具体的实际情况辩证使用才不会走上极端。总而言之，“外师造化”的教育观念在中国的美术发展历史中始终扮演着重要的角色，在现代的美术教育中，更要辩证地认识“外师造化”，在继承的基础上加以创新，从而服务于当代美术教育。
作者：刘楠
信息时代下莆田工艺美术产业现状综述
工艺美术产业是莆田市传统支柱产业之一，经过长期发展，已经成为特色鲜明的区域经济产业。2016年4月28日至5月3日，第十一届中国海峡工艺品博览会的举办吸引了大量外界资金的流入。此外，据统计去年艺博会实现签约总金额6.87亿元，比增11.5%；实现产品交易额2.51亿元，比增8.8%，工艺美术行业呈现出蓬勃发展的态势，近几年产业总值居全市行业产值榜首。开启工艺美术品牌特色发展之路每一种产业都有其自身的特色，工艺美术行业应致力于将艺术价值与商业价值相结合，人们生活水平不断提升的同时对于工艺美术品文化、审美层面需求也在不断加大。如何将莆田工艺美术行业引向更全面发展的道路？这就需要人们在探索产业特色的同时深入挖掘地域文化优势。莆田地处福建东南沿海中部，是闽中政治、经济、文化中心，地域文化深厚而鲜明，其中妈祖文化就代表了莆田海洋文化的重要特色，将工艺美术融入地域文化是莆田工艺美术一大特点。从产业自身来讲，莆田工艺美术借鉴其它发达地区文化创意产业的成功经验，在政府等相关部门的领导下，结合国家海西建设的相关政策和自身实际，正实施着合理有序的发展。
莆田工艺美术产业的当代性研究
1.营销方式的现代化。当今社会，信息成为重要战略资源，现代信息技术的发展必然会对市场营销产生深远的影响。利用多种形式的传播媒体提高传播能力，积极利用网络媒体等作为推广介质，常见的有利用flash或是请当红明星为其代言等都可以作为吸引消费者目光的营销方法。2014年，经国家八部委批准，莆田被列为“国家电子商务示范城市”，2016年8月8日，莆田举办首届互联网+工艺美术文化高峰论坛。莆田工艺美术在营销过程中利用互联网技术优势关键在于企业要主动拥抱互联网与电子商务，实现工艺美术营销模式的变革。积极鼓励营销创新，用网络拓展市场，促进电商融合，抱团营销等这一系列举措势必会助推莆田工艺美术产业的网络营销发展到新常态，真正实现莆田工艺美术营销方式的现代化。
2.注重精神内核的表现。莆田宗教信仰盛行，民俗活动众多，以宋代民间形成的妈祖文化信仰为优秀，形成世界级影响的民俗活动。此外还有明代林兆恩创立的三教合一的“三一教”。莆田工艺美术的特色之一便是与中国传统儒道释文化结合，因此将作品的设计加入更多的文化精神才能使作品经得住考验。此外，由于信众遍布全球，莆田工艺美术品可适当融入西方文化和思想，生产出更个性化的产品。依托工艺美术品，融入地域文化，在工艺品的设计理念中蕴含古典气息又不失现代元素是当下莆田工艺美术在产品设计中值得深入思考的。
莆田工艺美术产业的地域性研究
1.关于莆田工艺美术地域特色研究，以“仙作”家具为例。“仙作”家具产自于"中国古典工艺家具之都"——仙游,其民间艺术源远流长，深厚的文化积淀为创作提供无数的灵感来源。莆田雕刻以精微透雕和圆雕著称，“仙作”家具将二者演绎的淋漓尽致。其次，仙游古典工艺家具巧妙地融合了传统国画艺术，根据对仙游县的文化研究发现，艺术家李耕、李霞和郭怀等都为“仙作”家具的创作做出了巨大的贡献。再者，“仙作”家具还是对明式家具“简、厚、精、雅”特色的延续和创新。
2.关于莆田工艺美术的地域局限性研究。莆田工艺美术发展还存在较多局限性因素。从产业布局方面讲，莆田工艺美术行业，除了几个大型的企业以外，多数的生产者都是以小作坊为主，其整合的效果不佳，脱离市场的规模化运营模式而单独发展难以获得长久性的成功。此外，政府引导大都侧重市场需求，对传统工艺的研究宣传缺乏前瞻性规划；从技术方面讲，莆田市工艺美术发展本身拥有良好的文化背景和技术支撑，众多的艺术人才和当地特有的文化素养是创作的动力，早期的手艺人拥有精湛的技术和独特的构思，而随着老一辈手工艺人的老去，新的工艺美术从业者未能完全接班，某些手工技艺出现后继无人的局面；从原料方面讲，以“仙作”家具为例，木材再生速度慢，且对生态环境造成一定影响，“仙作”家具讲究大量使用名贵木材，原料的限制必然导致产业发展受阻；从种类方面讲，莆田工艺美术整体偏传统化，自主创新意识不足，原创的高艺术附加值的产品少，工艺美术从业者应该审时度势，结合时代元素，放眼全球市场，生产出更多更现代化的产品，满足大众需求。
3.加大对莆田工艺美术地域特色的保护人们的消费观随着机械化生产的出现发生了重大变化，工艺美术的地域特征正在逐渐衰退，因而对莆田工艺美术的保护迫在眉睫。莆田市工艺美术产业包括木雕、玉雕、石雕(含寿山石雕)、铜雕、宗教雕塑、古典工艺家具、油画框业、金银首饰、漆器、工艺编织等十大门类，是手工艺术品的代表。当今时代下，科技促进工艺创新，加快其生产的效率，如雕塑中利用3D打印技术快速打印成型，制模后通过程序控制进行雕刻制作，表面上带动产品的快速更新换代，但从本质上是对传统手工艺的否定。因而，加强手工艺术品价值的宣传和技艺的保护，将手工艺术的珍稀性、新奇性展现给大众，激发人们对工艺美术地域特色的保护热情。
莆田工艺美术产业的发展方向
1.从技术材料层面讲，传统的技艺之所以要保护和传承，一方面由于手工艺术品本身拥有精良的工艺，代表着艺人的灵魂所在。另一方面在快速消费的时代背景下，批量生产出来的艺术品，在人文性方面与传统手工艺术品远远无法相比。保持工艺美术品制作质量的前提下加入时代元素，提升从业者们的审美认知能力，进而实现工艺美术产业发展的传承和更新。莆田工艺品材料相对传统而单一，因此在设计制作中可以针对不同的题材、形式选择不同的材料，甚至可以多种材料综合运用，这样既丰富了表现形式又能使材质上形成鲜明对比。
2.从文化层面讲，在科技发展的冲击和工艺美术地域化衰退的情况下要从完善自身和创新理念做起，加强地域文化的保护和传承，加大研究和推广力度，如对拥有世界级影响力的妈祖文化进行大力的推广和宣传，工艺品在构思中围绕妈祖信仰背后所隐含的民俗、历史、宗教等文化体系进行创作，最终实现地域文化保护与工艺美术产业发展的双赢局面。
3.从表现内容形式层面讲，莆田工艺美术品大都与宗教信仰和民俗活动相关，迫切需要表现时代特色的创作题材，如自然景观、风土人情等。另外，莆田工艺美术品表现形式中也可以融合现代设计理念，通过解构、归纳、抽象概括等创作手法，拓展多维度的表现空间与层次，形成具有时代特色的艺术形式。
4.加强政府政策支撑。工艺美术产业的发展需要地方政策的支撑与扶持。首先，在工艺美术行业发展中，当地政府可以制定相应的优惠政策及税务调整政策，同时也可以为工艺美术行业发展提供相应的资金支持，有效促进工艺美术行业的健康发展。其次，创立一批有明显地方特色的品牌，打造工艺术品的品牌价值。探索一批有前景的且有自我发展机制的产业链，进而使资源优化配置，更好的应对机械化大生产对手工创作的艺术品的市场冲击。最后，人才是第一生产力，一方面，政府对民间艺人应给予高度重视，调动他们的积极性和创造性，同时，设立民艺作坊，吸引人们体验民间工艺。另一方面，做好人才培训和教育工作。依托莆田学院、湄洲湾职业技术学院等，开设木雕、玉石雕、家具制作等相关课程，通过校企联合办学等方式，使传统技艺得以传承。同时加强对外交流，采取“请进来”、“走出去”的办法，更新知识结构，实现地域文化的现代新生。工艺美术产业的发展模式不外乎是在保持自身优势的同时融入时代特色，保持自身文化底蕴的同时加强文化多样性的渗入，最终将工艺品的文化理念深入人心。总之，注重对工艺美术地域性的研究和保护，通过大力宣传使人们在日常生活中形成潜在的保护意识。每个人都是文化的拥有者，应该珍爱我们的地域特色文化。
作者：李建
摘要：工艺美术教育是一门传统的艺术学科，甚至对于各种绘画技艺来说，工艺美术是最原始的艺术，其源头可以追溯到人类对工具的使用。在现代化的发展形势下，工艺美术教育的当代价值主要体现在对原始工匠精神的回归，这是在现代化观念之下一个极为重要的价值取向和发展方向，本文沿着当代工艺美术自身和工艺美术教育所存在的发展规律，来探索和描述工艺美术教育的当代价值及发展方向，以期对当代产生了重要影响的工艺美术教育产生推动作用。
关键词：工艺美术；教育；当代价值；发展方向
尽管工艺美术教育建立在十分重要的传承基础上，但在很多方面，它体现出了中国传统工艺美术教育发展的一个新特征和开启了一个新时代。实际上，本文对工艺美术教育的当代价值及发展方向的研究遵循了一个重要的工艺美术发展逻辑，这种艺术发展逻辑已经成为指导人们认识和了解当代艺术发展的一个现实理论基础，成为人们正视和看待不同类型艺术发展的一个共性问题。这个基本逻辑就是社会逻辑，即艺术发展受制于社会进步和文明前进，传统时代的艺术在与现代艺术的冲突和融合中最终像社会发展一样，形成了一种新的发展形式。社会出现了新的特征，工艺美术也出现了新的特征，简单地说就是传统的工艺手法逐渐回归并应用在现代的物质和材料上，这种结合给工艺美术打造了一个新的美术精神世界，让工匠精神与现代化发展达成了某种程度上的一致。我们认为，这就是工艺美术教育的当代价值需要把握的，也是其未来的发展方向。
1试论工匠精神与现代化发展中的社会精神
是传统还是回归，在不同的文化场合和艺术境地，我们总是要听取各种意见和建议，却忽视了在整个现代化发展的时代基础上这些思想层面的内容是无法起到决定性作用的。实际上，越来越真实的现代化也让社会各个层面的真实度有所提高，人们对真理的认识以及对整个文化艺术的认识都在不断地提升之中。这让我们看到了一个新的学科艺术在传统艺术中逐渐被抛离，而真正需要崛起的艺术形式却成了旧艺术的替代品。但是万物皆有始，不论现代工艺以何种形式出现在大众面前，我们都能从它的各种表现形式中发现它过去的样子和原始的影子，这种逻辑我们称之为艺术的基因。本章节我们所需要谈及的工匠精神与现代化发展中的社会精神正是我们所提到的基因问题。工艺美术是在反复创造和熟练度加深的基础上，从传统手工发展到现代机器等工艺制造的一种艺术体现。这里面有太多我们需要引起注意的发展历程，这是艺术的历史，同时也呈现出艺术自身的成长过程。在这个过程中，我们提炼出的最为重要的艺术精神就是工匠精神，工匠精神是无论什么时候都能够从细致和卓越的手工艺制造中体现出来的综合工艺。工匠精神的精髓是创造，本质是熟练，特点是手工。尽管我们现代意义上的手工早已与传统手工艺不是一个概念了，但我们依然能够认识到现代手工艺的工匠精神，即便那已经从纯粹的人类力量变为借助机器手段，却依然不能掩盖在这个过程中存在的工匠精神。这是我们在谈论工艺美术教育之前应该认识和尊重的事实，这个事实不以市场或者其他的意志所转移，它的基础是社会精神，是艺术精神，是不可被逆转的历史轨迹。正如随着现代化进程的加快，人类的共识是努力向前看，不断地发展和适应社会的变迁，整个世界都实现了现代化，这个共识是人类共同体的伟大进步。
2工艺美术教育的当代价值
正如上文阐述和提及的这个基本概念一样，从教育的基本职能上来说，工艺美术教育的当代价值就是工艺美术教育的基础内容，就是在让人们学习现代工艺美术的同时，知道现代工艺美术是如何来的，是如何一步一步发展到今天的，更为重要的是让学生意识到工艺美术中存在的卓越的工匠精神。工艺美术教育实际上是一个认识的过程，同时也是一个分享的过程，传承就是在这两道程序之后，一个最为重要的教育方式，达到持续发展和不断积累发展的目的。那么在工艺美术教育中的当代价值又具体体现在哪几个方面呢？实际上工艺美术教育可以简单分为基础教育、理论教育和实践教育。但是工艺美术多体现在动手能力上，所以实践教育是当代教育的一个主要方面，然而实践教育如果没有一定的理论基础，那么整个工艺美术教育就会失去了基础，变为空中楼阁。所以，我们说当代工艺美术教育的基础教育依然是十分重要的，学生不仅要知道如何动手，更要知道为什么动手，要明白工艺的传承，并且最为重要的是不断理解和把握工匠精神，让其得以延续。工艺美术教育的当代价值与传统工艺美术师徒教育中当年的价值是一致的。当代价值与当年价值既是针对当年说的，也是针对当代说的。当代也好，当年也罢，我们都是在整个发展的过程中不断地传承工艺美术的时代价值和时代精神的，只有达到了传承的目的才能体现工艺美术的价值所在。
3工艺美术教育发展方向
作为中国工艺美术的学习者，每当谈及工艺美术的发展方向，心中便感到十分遗憾，但同时也更加坚定了工艺美术学习的方向。传统工艺美术可以说没有得到完整的传承。尽管现在看上去，中国工艺美术依然还是有模有样的，但是遥想当年却完全不可同日而语。我们的传统工艺最终被新时代所摒弃，因为现代化是西方的现代化，尽管我们说这种现代化可能最终会和东方文化殊途同归，但是在由谁引领这种现代化的问题上，却体现出对东方文化的种种不公平，东方文明仅仅剩下了民族文化的特征。当代工艺美术实际上应该叫西方工艺美术，工艺简单地说就是机械化大生产后的产物，我们了解的是工艺大科目下的种种工艺分解。在工艺美术中，我们似乎一直在接受和传承新的工业，尽管这种工艺属于全世界，不应该有你我之分，但我们还是不禁要问一句，我们的传统工艺去哪儿了？所以，基于上述分析，笔者认为工艺美术教育的发展方向应该是重新延续对传统工艺的传承，衔接好现代的、西方的、传统的与近代的工艺，让我们的工艺融入新的历史发展过程中，把传统的工艺基因注入到新的工艺体系中去。即便最终变了样，但却能够不断地延续下去。这就是工艺美术教育的发展方向，要不断地努力，恢复中国的匠人精神和传统工艺美术的辉煌。同时，当代工艺美术教育的发展方向就是要追根溯源，不断地寻找我们的基因归处，不断地提升我们对工艺美术教育发展方向的把控能力。只有明晰艺术的价值取向，了解工艺美术的发展实际和传统本质，才能够更加深入地把握工艺美术教育的发展方向。不能够仅仅依靠传统工艺美术的基础内容来限定工艺美术价值的内涵，应该明确传统工艺美术在现代工艺美术当中的传承因子，要实事求是，不能牵强附会。
4结论
回顾当代中国工艺美术发展的历史和价值取向，未来工艺美术的发展任重道远。尽管现代工艺美术揉杂了中国工艺美术的各种历史基础，但实际上它依然是在西方工艺发展技艺为主的前提下奠定了现代化工艺美术的基本特征，打破这种壁垒最根本的方法就是倚重工艺美术教育。
作者：孙井义 单位：哈尔滨师范大学
摘要：经济全球化的发展不仅带动了各国之间经济贸易的发展，也促进了艺术文化教育的融合。当代艺术背景下已经实现了东西方文化艺术的完美结合，这使艺术教学呈现出更加多样化的发展形势。如今的中学艺术教学将当代艺术淋漓尽致地展现在学生面前，既能促进中学美术教育的全面发展，也能推动当下中学美术教学模式的创新与改革。文章对当代艺术与中学美术教育融合及教学模式进行研究。
关键词：当代艺术；中学美术教育；教学模式
以往的中学美术教育在教学内容上比较注重美术发展史方面的教学，美术教师大都讲述艺术家的生平及其创作的作品，很少融入当代的艺术元素。这就造成中学美术教育无法完整地将当代艺术和传统艺术融合并共同呈现在美术课堂上，让学生全面了解艺术发展的多样性变化。为了改善目前这一局势，教师应促进当代艺术与中学美术教育的融合，将更多的当代艺术元素融入中学美术教学，并尝试进行多元化教学模式的转变。
一、当代艺术融入中学美术教育的作用
1.有益于学生深入了解当代艺术
目前，一些中学的美术教育还是采用“填鸭式”的教学模式，这种教学模式显然已经不适用于当前的美术教学。尤其在当下网络信息化快速发展的社会中，中学美术教育没有融合当代艺术，而一味地按照美术教材照本宣科，必然会造成中学美术教育与当代社会的脱节。将当代艺术融入中学美术教育是对中学美术教学的创新和完善，它给予教师更多的教学空间，但是美术教师在融合过程中要注意对度的把握。如，当代艺术更加注重对艺术品的加工和创造，不再局限于传统艺术的均衡、对称，更倾向于扩大、重复、拼贴等艺术形式。这与传统的艺术元素有很大的区别，也可以说是对传统艺术元素的推翻和重建。因而，当代艺术在中学美术教育中的应用更能让中学生体会到艺术元素的多元化，而不局限于某个固有的模式。
2.有利于学生重新认知中学美术
以往中学生对美术的认知仅停留在其是中学必学的一门课程上，这样的认知往往带有沉重的负担，而且容易使学生丧失学习兴趣。当代艺术对中学生而言较为新颖，更加贴合于学生的生活实际。学生可以在当代艺术的引导下自由发挥想象力，这样也能使中学美术课堂不再枯燥，久而久之，学生对中学美术的学习慢慢从任务转变为兴趣，一能活跃美术课堂的教学气氛，二能丰富中学生对美术元素的认知，进而帮助中学生树立正确的艺术认知。
二、当代艺术与中学美术教育融合的具体措施
1.培养学生的审美观
在中学美术教育中，学生主要依靠自身的感知能力、理解能力、想象力和创新能力，对教师所讲述的美术题材进行理解和认知。而教师则是通过对学生的美术教学将自己的思想观念、审美、情感态度传递给学生，让学生通过美术课堂的学习丰富精神世界和物质世界。美术教育也能培养中学生的审美观，使学生在当代艺术的熏陶下逐渐形成自己的新媒体艺术知识体系，学习艺术作品中的人文精神。
2.培养学生的艺术创作意识
中学美术教育的目的是让学生从艺术世界的观众逐渐变成艺术世界中的实践者和开拓者。将当代艺术与中学美术教育融合，一方面是丰富学生对艺术的全面认知；另一方面也是为了培养学生的艺术创作意识。当下的美术教育并不是教授学生欣赏美术作品的复制品，不是让学生根据他人的画作进行临摹、复制，而是要让学生充分发挥想象力，创作出具有个人独特风格的作品。
3.开展视觉化和交互化并进的教学模式
将当代艺术与中学美术教育融合，除了要改变教学方向、丰富教学题材，最重要的是转变教学模式，采用视觉化和交互化并进的教学模式代替“填鸭式”的教学模式。借助网络技术，美术教师可以为学生展现动态的美术作品，让学生能够体会动静结合的艺术形态变化。在必要的情况下，美术教师还可以开展课外美术教学，让学生体会真实的当代艺术，以此丰富学生的个人阅历，为其提供源源不断的创作灵感。结语将当代艺术和中学美术教育融合，有助于学生了解当代艺术，重新认知中学美术教育，从而树立正确的美术学习观念。此外，当代艺术和中学美术教育的融合对当下艺术的综合发展也有重要的作用，能够丰富学生的阅历，逐步培养学生的艺术鉴赏能力，进而帮助学生树立正确的审美观。通过改善当下中学美术教育的教学模式，能最大限度地发挥学生的艺术创作力，使其创造出具有个人风格的艺术作品，推动当下中学美术教育的全面发展。
作者：宋扬 单位：肇庆市实验中学
一、开展学术研究
在整个中心建设以及管理的工作过程中，特别需要注意的一点就是一定要让我们民族的文化和传统的精神得到发扬光大。在目前信息技术非常发达以及文化消费逐渐成为一种趋势的情况下，学者必须具备对于学术方面的忧患意识，对于一些文化表层含义逐渐掩盖内在学术研究的现象产生一种深深的担心。因此，国家建设的中心在学术界须提倡科学的探索和治学态度以及甘于寂寞的精神，并且树立求真、务实、严谨的学风，这样才能够对中国近现代美术的研究起到推动作用。中心还需要努力朝着开放性的方向发展，及时关注国内外新的研究成果，将国内外美术研究的力量联系起来。可以经常开展一些国际层次的学术交流会，将国外的研究成果纳入关注的焦点，这样也有利于将中国的学术研究在国际上积极推广，特别是一些中国的智慧和语言。
二、确定一个好的课题进行研究
经过了美术界一百多年学术方面的累积，中国近现代美术的研究已经产生了丰硕的果实，同时也体现出辩证思维和唯物史观在美术研究中的作用，显现出中国的美术学者能够将国际学术的思想和中国传统思想相结合以解决问题的精神。国家所创建的中心聘请的专家都是在我国美术学界有一定名望的学者，其中有来自台湾和香港的一些学者。国家建立研究中心之后，需要专家以自身的专业知识对于中国的美术发展进行宏观分析，将对重大历史问题的解决、理论与现实的一些问题作为整个发展的目标。一定要用全局性、与时俱进的眼光抓住问题的重点，并且形成一个课题，提倡汲取新兴的理论研究成果，尽量用一些新兴的研究方法解决中国美术的问题，对近现代中国美术的历史发展规律进行具体阐述，这样就能够借用前人的研究成果建立自己的新姿态。
三、借鉴西方的艺术
从中国美术发展的历史来看，中国可以借鉴西方艺术的一些形式，其中包括观念、行为、装置和绘画等形式，使中国的美术形式观念转变为更注重艺术的功能。尤其是到了20世纪90年代，由于一些西方资本的进入，中国艺术从以前的赞助模式转变为现代的艺术体制。直到21世纪，国内和国外的一些艺术频繁进行交
四、集合一些老一辈艺术家的资料文献
近现代的中国发生了很大的变革，这在一定程度上导致很多优秀的美术作品消失不见，还有一部分流失于民间，所以许多专家呼吁加大对于美术研究的重视程度，并且要保护好现存的一些近现代美术史料，尤其是老一辈美术学者、美术史家的学术文献和艺术作品。中心的建设需要很多专家的支持，使得规划和重点形成一个良好的集合，使得学术力量得到组织。同时，还可以建立一些机构，请老一辈的美术专家和相关艺术学者捐赠文献，并且要做好数据和文献保存方面的工作，争取形成一个近现代美术研究的部级别的档案馆。
五、结语
目前是一个全球化的时代，而当代的美术研究已经不仅关注传统的艺术，而且从单一的风格发展为多种风格。另外，国家文化部门将我国近现代美术方面的研究中心设立在中国美术馆中，这就充分表明国家对于美术研究事业的重视，表达了对于该事业发展的大力支持。因为将研究中心设立在中国美术馆中，能够使中国美术馆的优势得到充分发挥，主要表现在收藏近现代优秀美术作品方面的优势，还能够让藏品资源得到整理，并且供给后来的学者进行开放性的研究。所以，我们现在最需要进行思考的问题是：现在国家到底需要怎样一种艺术形式，如何将美术艺术与现实生活联系起来。这就需要美术家在创作美术作品的时候明白自己的责任和义务。
作者：董阔 单位：辽宁工程技术大学
一、当代绘画
当代艺术家较传统艺术家，更加强调个体认知和创造，采用写实、夸张、隐喻、象征等语言表现出，其作为创作主体的审美情趣。泰国当代艺术的先驱者，泰国伟大的艺术教育家，FuaHaripitak(1910－1993)尝试以绘画作为艺术媒介，寻找探索在表达方式、图像及象征物中隐藏的美。他曾说过:“我的艺术灵感来自激情、信仰和真诚。是自然万物中尚待发掘的美促使着我在艺术创作中不断求索。”他的风景和人物画作融合了现实主义(Realism)、表现主义(Expressionism)、印象派(Im-pressionism)和立体主义(Cubism)等风格。他的作品画面颜色交错迭放，却恰到好处地捕捉了创作主题此时此刻的情感。又如画家TaweeNandakwang(1925－1991)利用丰富的想象力，将写实手法和超现实场景巧妙的结合，构成了他独特的绘画风格。在他的笔下有金色的山野，蓝色的河道，妻子的肖像以及月光下的池塘。其中他以第一位妻子Suwanee为模特的人物画被誉为最具开创性的肖像画，画面线条粗狂，作者似乎刻意通过大胆的笔触淡化细节，在画布上展现出人物鲜活的生命力和自然流露出的情绪感受。泰国也有像中国田园诗人的画家DamrongWon-guparaj(1936－2001)，在他的画作中可以看到创作主题对农家质朴生活的向往。即使没有人物出现的场景，却处处充满农家生活简单、恬静而美丽的气息。阳光下金色稻草堆砌农家小屋，夜幕中停靠的打渔船，装盛粮食的竹楼，随意晾晒的衣物仿佛都在等待它们主人的出现。他的画作极具装饰性，其线条不难让人联想到班清时期陶瓷外表朴实的图案，而画中的色彩组合又能把你带到洒满阳光的谷堆旁，以及映衬在蔚蓝的阿达曼海的渔村上空。说到泰国当代美术家，不得不提到SilpaBhirasri(1982－1962)，他在1933年建立了泰国的第一所艺术学院。这位意大利籍的雕塑家也是曼谷民主纪念塔，拉玛六世塑像，陶顺娜丽女英雄纪念碑的设计者。他代表了当代致力于利用西方印象派、后印象派和立体主义风格表现泰国风土人情的艺术家们。作为泰国杰出的女性艺术家，MisiemYipinsoi(1906－1988)的绘画及雕塑都取得了极高的艺术成就。她偏爱山水画创作，常常带着画布到泰国各地采风。在她的画作中的运河、池塘、沼泽、山林，光影交错，仿佛色彩就是语言，讲诉着她眼前这片多彩的世界。从1958年开始，她将车库改成工作室，在那里开始了雕塑创作。她的雕塑造型极简，文理粗糙，平凡的姿势却散发着舞蹈的张力。作为泰国雕塑界的领军人物，KhienYimsiri(1922－1971)的雕塑作品简约而优雅，人们通过他作品含蓄而简约的语言得以感知泰国传统元素和现代艺术理念的完美结合。其代表作魔笛(MagicFlute)塑造了一个颈戴项圈，眉目清秀，席地而坐的少年，独自吹奏长笛的摸样。少年双手轻握长笛，食指和无名指微微上翘，青铜的质地透露出肌肤的光泽，流畅的线条刻画出健美的体态，让人不仅想到素可泰时期的青铜造像。ChaloodNimsamer(1929－至今)作为一个多产的天才艺术家，他总是利用不同的艺术载体，无论绘画、雕塑、摄影还是印染，进行着自己的视觉艺术实践。在他可以在的画作中有一个反复出现的主题引人入胜:一个年轻女子，着传统纱笼，齐耳黑发，宁静祥和。事实上，女孩的短发总让人想到画家本人，不知道是偶然的巧合，还是画家俏皮的自画像。人物的背景或是佛教图案，或是半抽象的自然景象，或是茂密的树丛，色调简单，纹理复杂，与色彩鲜艳的人物形成强烈的对比。这种人物与背景的冲突，以及女孩几乎佛般的笑容仿佛在向世人描绘在纷扰世界中保持的另一种宁静。作为泰国当代最多产和最具争术家之一，Mon-tienBoonma(1952－2000)常常被贴上"佛教"艺术家的标签，却又公开否定正统的佛教艺术教学。他使用短暂存在的尘、草、陶、蜡等材料和失蜡铸造等传统工艺技术，大胆地把传统铸造方式和宗教仪式融入到当代艺术创作中，不断强调观者在触觉、嗅觉、视觉与听觉上的艺术体验。他曾写道:“观众们想处于安定与满足的心境中，于是我想把佛像内部的空间变成一个观众们正念的庇护所。”上述具有代表性的当代艺术家的绘画风格，代表了当代绘画风格，在继承传统美术精髓的基础上，正在突破各种束缚，更加大胆，更加富有创造性，向着多元化，个性化的方向发展。
二、曼谷设计
如果极简主义是现代设计风格的标志，那么泰国当代设计艺术则特立独行，超越时空，在传统与现代的之间穿梭游走。无论是工艺设计、室内设计、平面设计还是服装，泰国设计者们都可以在保留传统文化或吸收外来文化的基础上，塑造具备自己特征的东西。这并不意味着坚持一味的佛教的意象或花里胡哨的民俗感，而是一种自由的、天马行空的闲趣精神。泰国的设计往往具备手工艺特点，用自然材料制作，透着原始的生命力，张扬着奔放的色彩和不拘一格的形态，往往会让人想起阿瑜他王朝之前简单质朴的工艺之美。编织工艺是泰国的传统工艺，而本土的灵感和自然资源则是艺术创作的源泉。不仅蔓藤、黄麻、杂草、水葫芦以及竹木，就连回收的旧报纸、塑料，都可以在设计师的手中成为拥有艺术蓬勃生命力的语言。设计师(SuwanKhongkhunthian)为品牌家具Yothaka设计的家具组件，一如其名“来自天堂的植物”，用水葫芦、竹与藤等材料制作，盘曲而简洁，具有浓烈的东方和热带风情。他用布袋莲(waterHya-cinth)编织的手工家具，行销世界，经久不衰。近年来，Yothaka将类似芦苇的蕨类，经过特殊手工编织，做成高科技塑胶质感的家具用品。设计师(UdomUdomsrianan)为品牌家具Planet2001设计的植物雕塑式的座椅，受到宇宙万物的鼓舞启发，以天然藤条为材质，经由加热弯折并以手工层层塑型，展现出独特风貌。2011年在米兰展泰国设计主题为慢手设计(SlowHandDesign)，再一次展现了设计师们对传统工艺的珍视，以及对大自然的向往，正如美国《纽约时报》所说:“泰国丰富的手工艺传统，带给了年轻的本土设计师不少灵感。这些设计师通过现代设计方式，重新激活了这些古老的民间智慧。”在纺织工艺方面，泰国也有异常精美的表现技巧。由美国企业家吉姆．汤普森(JimThompson)创立的泰国丝绸公司(ThaiSilkCo)生产的泰丝，其做工精细、质地华丽、色泽鲜艳。由于泰丝造价高，起初仅用于演出服装，后来一些时装设计师和室内装饰设计师将这种绚丽多彩的布料用于时装和装饰领域。而今，泰国丝绸公司在室内纺织品设计师蒂那特．尼萨拉克(TinnartNisalak)继续着革新之路，采用手工编织棉线和纤维，不仅质地富丽，而且充满泰国现代风格。泰国的白银饰品，以其时尚的设计理念和精湛的制作工艺，享誉世界。其灵感多来自泰国的传统文化元素，如大象、鱼虫、花朵等象征和平、幸福、纯洁等吉祥意义的动植物形象，饰以螺旋纹、云纹等图案。设计师将纯银熔炼、制条、拉丝、打磨、抛光，制成银片、银条或者银丝，然后用打压、雕刻、镂空等工艺制出精美的图案，或配以有写意风格的陶瓷，或镶嵌五颜六色的宝石，或运用古朴的檀香，或搭配染色珍珠和贝壳。五结语我们通过对泰国传统美术发展的梳理以及对当代绘画和工艺的品鉴，可以看到泰国美术如同其他国家的美术一样无一不历经着时代的锤炼。但其与众不同之处是:不管是炮火战乱，还是王朝更替都无法将泰国的传统美术连根拔起，它始终保持着对传统文化的尊敬;不管是对印度佛像造型艺术、中国传统绘画的被动模仿，还是受到欧洲写实画法的冲击，它始终坚持着对外来文化的欣赏。而这种谦和的文化姿态，恰如土壤里的养分留在泰国当代美术植根的泥土里，在艺术家们自由大胆而热烈的创造中，开出灿烂瑰丽的艺术之花，并在世界艺术之林中独秀一枝。
作者：邬丹 单位：成都学院
作者：余娟 单位：景德镇陶瓷学院
设计与运用将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代陶瓷设计中，并以自己已掌握的设计技巧展现出来。陶瓷艺术设计者直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法，借用到设计之中。把民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材，直接运用到实践中去，以借题发挥的方式传达自己的意图，使现代陶瓷的设计与民间美术之间产生密切的联系，使现代陶瓷装饰更具有民族特性。民间美术的造型，如强烈的色彩、特殊的寓意，经过融合、消化，成为自己的艺术语言，使民间美术作为一种民族文化的营养，充实和丰富自己的思想、情感与修养。创造的作品与原始素材既有联系又有区别。现代陶瓷装饰可以借助民间美术的装饰语言创作出有新意的图样、样式，但又不失民族风格。民间美术与民族文化的基因在精神追求与思维方式上得到全面的体现与继承。在装饰的过程中，借助对民间美术样式的感受引发自己的联想，以民间美术的独特语言和视觉图像表达自己的创意，使陶瓷设计在融合时代特征的同时，保持浓郁的东方风情和本民族的传统特色。民间装饰造型设计法蓝瓷品牌设计产品在装饰造型上就完美体现了“民间+现代”的设计理念，它以大自然为创作主题，制作工艺上承袭了最纯正的传统技术———纯手工釉下彩装饰；以设计师独到的眼光、巧妙的设计，将陶瓷造型和装饰有机地结合成一体。法蓝瓷作品重视传承、鼓励创新，以独特的创意，把当代的时尚设计风格融入到作品当中。最经典之作“樱桃嬉春”，如图1所示，这款设计是根据清朝宫廷画家郎世宁仙萼长春图册之樱桃图创作而成，惟妙惟肖地将画作中的樱桃树及蜡嘴雀栩栩如生地呈现在瓷器上，既作为陶瓷的装饰，同时又是整体造型的组成部分，打破传统中造型与装饰的界限区分。但其表现重点依然放在陶瓷装饰上，整体装饰造型设计用精美的陶瓷材料再现传世佳作，在继承古人创作的基础上，加诸时代艺术美感进行重新诠释，赋予它新时代的文化气息和欣赏价值，加强了文化遗产的保护和传播。
民间装饰色彩设计
中国人以五色斑斓的正红、艳紫、浓黄、深蓝、大绿为装饰特点，既体现富贵，又表现出沉静的气质。民间传统的色彩不能简单地认为是一种俗气、落后的标志，她体现的是中华民族几千年文明历史中的民族意识、文化意识和乡土情谊。2006年底，广东协进陶瓷有限公司“唐装系列”建筑瓷片从中国民间装饰色彩文化中找灵感，以传统色彩中的代表富贵的黄、代表华美的红、代表大气的紫为基色，配以典型的唐装圆圈图案，体现了民族文化中的华美、大气，以其浓郁文化氛围营造一种具有现代感的“富贵、华丽、大气”的室内空间气质，扩升室内空间，创造舒适的生活环境。，唐瓷系列借鉴了中国少数民族服饰的颜色搭配形式来作为设计主题的，以水平的金、银、蓝线为装饰构成因素，设计线条流畅、简约，装饰色彩明快，清新自然。有很强的民族地域特色，给人一种少数民族特有的民族亲切感，充满着浓郁的乡土气息，让人忘记现代都市快速紧张的生活节奏，感到放松、恬静和自由。红色可谓是中国的国色，代表喜庆吉祥之意。但是在陶瓷装饰设计中，由于红色很难烧成功，所以运用不多。现代科技的进步使得这一缺陷得以弥补，（图略）所示，法蓝瓷朱红喜气的“旺富木槿”系列在强烈的艳红底色上缀以一朵朵柔弱娇美的木槿花，颜色纯正、色泽鲜亮，并且在装饰颜色上大胆采用红绿对比配色。红配绿是中国传统审美中推崇至极的组合经典，传统陶瓷装饰中古彩和斗彩就以红绿搭配为特色。红绿搭配要出现好效果往往是出自于对面积的把握，选取一种对比色，有画龙点睛之妙，往往是提神、提气、提色最好的方法。颜色釉装饰也是陶瓷色彩装饰手法之一，丰富的颜色釉既满足了人们日常生活的需求，又满足了人们对于陶瓷美的追求和享受。陶瓷色釉装饰在陶瓷文化的历史年轮上所呈现的是一张张浓缩了中国传统装饰艺术风格的深厚面孔，在现代陶瓷色彩装饰艺术方面，颜色釉装饰有较大发展：颜色釉的品种越来越多，不仅恢复了许多传统的颜色釉，而且创出了凤凰衣釉、羽毛花釉、彩虹釉等新的色釉品种。颜色釉装饰不仅广泛用于各类陈设瓷、日用瓷上，而且广泛用于各类工业瓷、建筑瓷上。
民间装饰纹样设计
与民间装饰色彩相比，民间装饰纹样设计更表达了一种人文精神。中国传统装饰艺术是“取其形，达其意”，是中国文化意识的体现。中国传统美学强调的是求全、美满的美学观念，认为万事万物都是一个和谐统一的整体，在几千年华夏文化的传承中，寓意吉祥是装饰图案设计的精髓所在，它扎根在人们的心中，表露在生活的方方面面，是一个延绵千万年的永恒性主题。譬如过春节的时候家家户户门上的春联、门神、福字等，意在“辞旧迎新”、祈求“福到家门”、“趋疾避凶”。“吉祥”本意为美好的预兆，吉者福善之事，祥者嘉庆之征。是对未来的美好希望和祝福，具有理想主义的浪漫色彩，通过外在“形”的装饰传达对安定、和谐、美好生活的企盼与向往。远古时期，人们是以结绳记事，“结”因此备受人们的尊重。斗转星移，时代变迁，它却发展成了一种典型的民俗文化———中国结。中国结的取意也和中国民间传统装饰艺术一样，利用自然形态、谐音取意，有万事如意结、团圆美满结、长寿安康结等祈福的内涵，被作为民间祝祷的符号，成为世代相传的吉祥饰物。现在，它可以作为单独的一种装饰形式，同时也被作为一种装饰图案被运用到陶瓷设计当中，形成具有民族特色的装饰纹样设计。中国传统纹样背后的“意”是人们迷恋其造型的关键。不论古人还是现代人，对美好事物都会心存向往，因而传统纹样蕴含的吉祥意味同样也适用于现代设计。在我们的生活中，处处可以发现古为今用、推陈出新的设计，如牡丹是我国特有的木本名贵花卉，花大色艳、芳香浓郁、体态肥硕饱满、雍容华贵、富丽端庄，而且品种繁多，素有“国色天香”、“花中之王”的美称，长期以来被人们当做富贵吉祥、繁荣兴旺的象征。牡丹作为装饰题材也一直是沿用至今。著名品牌“红叶”牌设计的“国宴牡丹”餐具，采用国花牡丹和国徽结合装饰，祝福国家繁荣兴旺，蒸蒸日上，人民生活美满幸福，富贵吉祥，被选为人民大会堂专用餐具。“松竹梅”餐具的设计（图略），在装饰上是以中国传统“岁寒三友”为题材。松、竹经冬不凋,梅则迎寒开放，都有不畏严霜的高洁风格，它们在岁寒中同生，历来被中国古今文人们所敬慕，而誉为“岁寒三友”。这一设计主题的运用是以此比喻忠贞的友谊，寓意中西友谊天长地久。在图案设计上汲取代表性的部分组成传统适合纹样形式，不同于传统的“松竹梅”写生再现形式，这在题材运用上具有现代新意的创新设计。另外在实用功能设计上又是中西合壁，取长补短，创造中西餐饮文化的和谐统一。
结语
在全球化浪潮的袭击下，中国现代陶瓷需要创新，既要符合时代潮流的崭新样式，又能体现民族文化的内涵。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮，并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来。通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果；使民族传统文化在陶瓷设计中不断地被重新诠释和定位；使设计作品散发出博大而包容的民族文化神韵；使民间美术的艺术形式，用现代技术来表现，富有传统神韵而又不拘泥于陈旧的格式，追求设计的新意而又不忽略传统装饰风格的体现；使传统的装饰艺术更富有韵味、现代味，为现代化陶瓷文化添加更多的民族传统文化魅力，更体现出一种民族自豪感。
