时间：2023-05-29 18:03:42
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇最美声音，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
要说什么声音最美这可不少，小鸟的嬉戏声，花儿的开放声，小草的生长声，天空太阳的发光声，妈妈为宝宝唱的催眠声，小孩子们的欢笑声。
要说什么声音最美这可不少，老师的上课声，父母的唠叨声，小孩子的哭叫声，写字的刷刷声。
要说什么声音最美这可不少，父母的管教声，老师的教导声，朋友的帮助声，亲人的赞美声，同学的羡慕声。
要说什么声音最美这可不少，学生的读书声，大海的波涛声，大家的鼓掌声……
有这么多美丽的声音陪着我们，我们怎能孤独？
关键词：创造力；想象力；个性；中西合璧
中图分类号：J603
文献标识码：A
文章编号：1003-949X(2008)-07-0019-01
长着一张娃娃脸、身材矮小的吴碧霞曾被人戏称为“袖珍歌手”，也是因为这一点使她受过挫折，但是这并没有影响她学习的脚步，这也是让我钦佩的地方，她用自己的歌声证明了自己的实力，被称作是在民歌和歌剧里穿行的“中西合璧的夜莺”。
一、“取”得艺术的创造力和想象力
对于鱼和熊掌不能兼得的理论人们耳熟能详，但吴碧霞的大胆提出和探索让人们开始重新审视这个问题，也是对舍与取和如何兼收并蓄问题的新的讨论。有的人认为她的两种唱法总是有不尽人意的地方，怎能说“鱼和熊掌都能兼得”?人们常说有“舍”有“取”。关键是看舍去了什么而取得了什么，如果通过舍去取得了自己的最美之处，对自己的发展自然是有很大的帮助。吴碧霞确实让我们听到她美妙的歌声和打动我们的旋律，在我看来，人们对她的歌声所表现出的歌唱技巧和艺术表现力是喜爱的、能够打动人心的。而她的创造力是她的魅力所在，也是她通过舍与取而获得的兼收并蓄的效果。
很多人认为，民族唱法和美声南辕北辙。吴碧霞则认为，它们只有量的不同，没有质的区别，“不可跨越”更多是人们认识上的问题。
二、“取”得“中国特色”的声音特点
通称为美声唱法（Bel Canto，直译为“动听的歌唱”）的意大利歌唱学派于17世纪在佛罗伦萨形成并在该世纪内传播至意大利其它主要音乐中心：威尼斯、罗马、那不勒斯，随后又传至米兰。歌唱艺术的这一发展是复调音乐转为单声部旋律的变化而促成的。在复调作品中，旋律线由几个不同的声部唱出，形成一种复合音乐织体，而新风格则使某一单声部的旋律线居主导地位，由乐器或乐队演奏。著名的男女歌唱大师，歌剧主角成了独唱家，他们的华丽歌声和嗓音特点就叫美声唱法。
随着意大利学派的日益发展，当代的美声唱法又发展为一个更高的层次，那就是意大利美声学派中奇妙的混声唱法。这个正确的唱法已经被声乐界乃至全世界公认为最理想的唱法。人生来就有真声和假声，所谓真声就是全声带振动，即胸声区；所谓假声就是声带边缘的振动，即头声区。胸声与头声区的真声与假声有效结合所产生的那种奇妙的声音便是混声。声乐爱好者在学习的过程中，会碰到真声与假声唱乱的现象，或用纯真声歌唱，或用纯假声歌唱，这两种唱法都是不正确的唱法。混声唱法最主要的特点就是将纯真声和纯假声的两种唱法在混合声区内进行歌唱，从而解决了突出某一个声区的问题，获得一种高低畅通统一，甜美圆润，美妙和谐的歌唱效果。
混声唱法就是将胸声区和头声区有机结合的混合运用。使这两个声区的比例恰当，平衡稳定地发声。头声区里有胸腔共鸣，胸声区里有头腔共鸣。只有这样才能迸发出流畅、均匀、明亮、甜美的声音。然而我们所追求的美的声音“Bel Canto”，就是亮中有暗，暗中有亮，具备丰富多变的色彩，而这种声音的色彩正是混声唱法才能给予的，混声唱法就是要避免发声中低音纯真声，高音用纯假声唱的这种真假声脱节的不科学的唱法，做到假声要以真声为基础，真声要混有假声，真假揉在一起，产生混合共鸣的歌唱效果。
我认为谈到混合声区这个问题时，应该把头声区比作水，把胸声区比作土，用水和土搅拌成泥来比喻混声唱法，然而混声唱法的优越性就在于：一、混声唱法能获得良好的高位置的声音，音色上不变，共鸣丰富，音域宽广，甜美明亮，气息支持有力；二、混声唱法使声音产生焦点。声音的焦点就是用最少的力量取得最好的共鸣；三、混声唱法能解放声音的歌唱。
掌握混声唱法的关键问题，通过我多年来的学习和实践，深深体会要抓住以下三个主要环节：首先是气息的状态，气息训练是歌唱训练中的第一步，也是最关键的一步。这一步的好与坏决定着混声唱法的好与坏，我的声乐恩师，吉林音乐学院声乐系主任朱扶恩教授，在给我讲授声乐的过程中常把拍球的这个动作比喻成歌唱训练中的气息动作，“球”一拍从地面上弹起，再一拍，再弹起，拍得有力，弹得就有力，歌唱时对气息的控制也如同此理，支持歌唱气息的肌肉在横隔膜以下，让前胸和后腰都感到很宽阔，像球一样膨胀起来，发声起音时就如同拍这个有气息支持的球，声音爆发出后，让它自由地颤动着流出去。这种自由的颤动是靠气流的力量而不是靠哪一部分肌肉去帮忙的力量。歌唱时一定要有气息的想像，想像体内的气息是十分宽广的，并不停地像一个球在滚动着，这样才能得到良好的支持作用。其次是喉咙的状态，有了好的气息状态，喉咙就会自然打开了，喉咙的打开实际上就是吸气时喉头随之向下的动作，喉咙的打开是非常重要的，我清晰地记得在我母校开设的声乐意大利语课上遇到了我国声乐大师沈湘的得意弟子姚涌教授，他就告诉我，打开喉咙，吸着唱是非常好的享受，喉咙的打开我认为就如同一间房门的打开，吸气这个动作就好像是一把开门的钥匙，门被打开了，人才能进入房间自由活动，假如一只脚刚跨入门坎，而另一只脚还在门外，这时门突然被关上，人就会被挤在门缝里，用这种嗓子歌唱，声音就只能挤在喉咙里，喉头就会因有压力而向上移动。人进门前首先用钥匙开门，同样歌唱之前，首先要吸气，当气吸进，喉咙才能靠吸气这个动作打开，最重要的一点是打开后的喉咙要做到绝对稳定并要求保持不动，这就必须要有很好的吸气支持，这个支持一定要做到善始善终，不能松掉垮下。如果放弃了气息的支持，被打开了的喉咙也就会自动关上。可见气息的正确与否，对喉咙的打开和稳定起着非常关键的作用，也可以这样来称呼它们两者之间的关系，气息是打开喉咙的基础，喉咙的打开是正确气息作用的结果，相辅相成，缺一不可。再次是声区的统一，掌握好换声技巧是达到声区统一，建立混声唱法的又一个关键问题。我认为声区的转换不应该是突然的，它是一个有准备的渐变的过程，是由一系列小动作而不是一个大动作来完成的。纯真声或纯假声的歌唱在声区转换时就是声音突变的一个大动作。纯假声歌唱是声带边缘的振动，发出的声音没有胸腔共鸣，没有正确的气息支持，使得音量不足声音发虚，没有穿透力，纯真声的歌唱由于全声带的振动，同样没有正确的气息支持，导致声音容易发白发硬，位置偏低。掌握换声技巧的目的就是将这两种截然不同的唱法用混合声音的办法使它们衔接统一起来，只要气息正确，喉咙充分打开，经过这样的实践，才能较快地掌握换声的技巧。
在训练声区转换对真声歌唱的另外一种办法就是采取传统的从中低声区训练换声的办法，用这种方法训练时首先要弄清小字二组的C（把唱破音处）不是问题的主要核心，而真正问题核心恰恰在小字一组的e和f这两个音上为什么那么明显地产生换音呢？就是女声真声位置太低，头腔共鸣没有在胸声区里掺和所致，另外除了这两个最为时显的e和f之外，而实际上声音从低往高走，隔几个音就有一个小小的“坎儿”，只不过没有小字一组的e和f这两音上的破绽明显罢了。如果我们将从低往高的每一个音上都有比例地、平衡适度地把声音混合起来，就好像在一根线上串珠子一样，纯真声和纯假声定能统一起来。
在练习过程中，我认为首先要知道假声不等于是混声这个概念，为使纯假声的声音里掺进胸腔共鸣，必须会使用正确的气息，体会正确的喉咙打开状态下将声带的气泡音掉进胸腔里并且不要改变这个状态，把气泡音从胸腔里振动处直接唱出来。千万不要在有了胸腔里振动的声带气泡音后换一下气重新唱出。如果这样很容易丢掉声带气泡音在胸腔里的这个位置，将声带气泡音掉进胸腔里发声的办法运用得当，很快就会挂上胸腔共鸣音，真假声揉在一起。还想强调一下只要气息是正确的有支持的，喉咙充分打开不动的，喉咙就成了声音经过的通道，不会有干忧，只有气息带着声音的上下滚动。
综上所述，我认为混声唱法的掌握是一个体力与脑力相结的综合训练过程，是由习惯变不习惯再到习惯正确的演变过程，对于一个刚刚开始接受这种训练的声乐爱好者可能会有些不适应，而声乐训练恰恰是把原来歌唱中长期形成的不良习惯变成一个正确习惯的方法。有了这个量变到质变的过程才能获得奇妙的混声唱法，同时我还认为混声唱法这一正确的意大利美声学派歌唱方法，在当代已成为声乐界所公认的最优秀的唱法，我也衷心地希望每一位声乐爱好者都能够掌握这种唱法，利用混声唱法使自己的声乐水平能有所提高，唱出最美妙的声音，走向全世界。
（作者单位：湖南理工学院音乐系）
你知道乌鸦为什全身都黑漆漆的吗？它叫起来为什么那么难听吗？其实，乌鸦本来不是现在这样的，其中还有一段故事呢。
在很久很久以前，乌鸦并不叫乌鸦，叫彩衣鸟。因为，那时彩衣鸟全身都是五颜六色的，还发出彩色的光芒，彩虹跟它比都逊色了。更重要的是，彩衣鸟还有一副天籁之音，连画眉、黄莺等歌唱天才都比不上。越来越多的赞美声和感叹声都纷纷投向彩衣鸟。渐渐的，彩衣鸟在众人的赞美声和感叹声中骄傲起来，越发瞧不起别人。
有一天，彩衣鸟想炫耀自己美妙的嗓音和出众的外貌，就走到小白兔面前，说：“哎呦，小白兔，你还是怎么全身都是白的，这么多天还没变漂亮呢？”小白兔眨了眨眼睛：“我们白兔家族不像你一样美丽，生下来是白色，死了也只是白色，所以，我一辈子都只是白色。”彩衣鸟听了沾沾自喜：“你看白色多不吉利，还好你有自知之明，如果我要是你，我早就羞得躲在家不敢出来了。”小白兔听了，哭着跑走了。彩衣鸟不屑的说：“真是个娇小姐，我把实话讲出来，就哭了，真是的。”
彩衣鸟又走到正在练歌的黄莺跟前，问道：“黄莺妹妹，你在练歌吗？”黄莺说：“对啊，彩衣鸟姐姐，我正准备参加“”好声音比赛呢。”彩衣鸟撇了黄莺一眼：“呸，就你这破嗓子能参加比赛？不被别人笑是才怪，别做白日梦了，我劝你还是回家睡觉吧，免得丢人显眼。”黄莺默默的低下头，悄声无息地离开了。”彩衣鸟鄙视地说：“我难道说错了吗，她嗓子本来就比我差多了。”
彩衣鸟又嘲讽了画眉、百灵鸟、啄木鸟、麻雀……渐渐的，大家开始不喜欢彩衣鸟了，可碍于彩衣鸟的歌声和美貌，大家都不好说什么，为了避免彩衣鸟的讽刺，只要她一来，大家像避瘟神一样躲她。一时间里竟然没有一个人跟她说一句话。可彩衣鸟依然自我安慰：“我太高贵了，他们只是不敢接近我而已。”
直到有一天发生了变化。那天，突然下起了黑雨，所有动物都没有思毫改变。唯有彩衣鸟，黑雨把彩衣鸟一切耀眼的东西都冲走了。她的身体不在发出光芒，她的羽毛变成了黑色，她的嗓子刺耳又难听。她从最美丽的鸟变成最丑陋的鸟，从歌喉最美妙的鸟变成歌喉最难听的鸟，从万人追捧的鸟变成人人厌恶的鸟。因此，人们给她取了新的名字—乌鸦。
后来，小白兔成为了现代可爱形象的标志，黄莺成为了“好生音”比赛的冠军，而她，人人都嫌弃她。她已经被生活踢出局了
但是，乌鸦并没有抱怨上帝对她的不公，她还认为上帝是公正的。因为，上帝夺去她的全部时，还赐予她用多少钱都买不到的东西：“不要用自己的特长去嘲笑别人”的道理。
五年级:朱璧君
舞会结束后，声音们都高高兴兴地回家了。可是女声，男声，假声很不服气。舞会结束后，它们就找国王评理去了。
走到国王宫殿的花园的时候，女声，男声，假声听到有人在谈话。它们就赶紧躲了起来。它们看到国王正在和一个蒙面人说：“童声，我知道它们三个肯定不会服气的，所以，我会另外举办一场比赛，到时候，你也来参加吧，地点：……，时间：……”等到国王它们走了以后，女声，男声，假声就在想：那个“童声”到底是谁呀，从来没有听说过声音王国有这么一个人，国王说的那三个人，是不是指我们。“算了，我们也偷偷的跟过去。”女声提议。“好。”假声和男声拍手赞成。这天晚上，它们一路跟着这个“童声”。
不知走了多久，它们来到一座房子前，那是一座简陋的房子，但是很大，它们不知不觉的走了进去。屋子里黑漆漆的，突然，门轰的一声关上了，女声，男声，假声正处在极度的恐惧中，突然，灯亮了，不是一盏两盏，而是无数盏，亮的它们不得不闭上眼睛。等到它们睁开眼睛的时候，发现自己正站在一个豪华的舞台上，舞台下无数双眼睛带着期望的神情望着它们。
一位穿着西装，拿着话筒的绅士走了上来。它说：“各位女士们先生们，下午好，接下请大家欣赏三位声音的演出。”女声，男声，假声，糊里糊涂的，突然，又发生了一件不可思议的事情，绅士，观众们都消失了，出现在它们眼前的只有一片荒凉的土地，地上坐着一位老奶奶，她看起来很难过。善良的声音们赶紧跑了过去问老奶奶：“奶奶，你怎么了，发生什么事了。”老奶奶难过的说：“我的庄稼都枯死了，今年没有一点收成，这日子该怎么过呀，有人说用团结善良的歌声能唤醒这些庄稼，可是叫我去哪里找呀。”“团结，善良。”三个声音异口同声地说道。它们回忆起了自己在舞会上的场景，大家都想着为自己的利益着想，这不是一种自私的表现吗？而且，为了争夺最美声音的称号，以前融融恰恰的三个朋友也开始疏远了。男声，女声，假声忽然明白了，它们手拉着手，互相看着对方，露出了久违的笑容，它们再次唱响了三个好朋友好久没有合作唱的《音乐之声》。唱出的歌声比女声的更加优美，比男声的更加雄壮有力，比假声的更加晶亮。一道光芒似乎闻讯赶来了，围着它们久久不散……过了一会，庄稼奇迹般的活了过来，老奶奶露出了微笑，荒凉的土地消失了，它们又出现在了豪华的舞台上。
舞台下想起了一阵更加热烈的掌声。国王出现了，它感到无比的欣慰。蒙面人出现了，她脱掉了一身黑黑的衣服，女声，男声，假声，全场的观众都瞪大了眼睛，感到无比惊讶，一个声音说：“她是，她是……”
再续……
六年级:周佳莹
关键词： 声乐教学 台词教学 古典诗词 艺术歌曲
艺术院校的表演专业中，声、台、形、表为四门主课，其中声乐与台词两门课程作为有声训练最为贴近。两者既有可以互相借鉴与融合的部分，又有各自独立的教学体系。对于学习表演的人来说，如果将二者充分融会贯通，将达到完美地驾驭声音这一最佳境界。在教学中，声乐训练可以提高台词能力，同时，台词的咬字训练可以提高歌唱中的咬字能力。两门课程在气息训练、共鸣运用、声音控制、节奏把握、吐字训练等方面都可以相互借鉴。
一、声乐教学的训练方法对台词教学的帮助
声乐和台词都是建立在科学用气发声基础之上的，无论是说话还是歌唱，都是通过气流震动声带发出的。“人声歌唱的基本要素包括呼吸、发声、共鸣、和语言四个部分。呼吸是动力，气息冲击声带发出声音，这声音经过共鸣腔体把它加以扩大和美化，而形成动听的歌声”①。
1.气息是共同的基础
在发声活动中，气息是共同的基础。一般来说，声乐好的人，台词相对较好，究其原因是能够得当地运用气息。声乐中唱讲“无气不发声”说的就是气息对声音的基础支持作用。教师要系统化和科学化地训练学生在气息支持下发声，合理地运用气息，即强调口鼻同时呼吸，从而将呼吸、发声、共鸣有机地结合。
气息的深度，对呼吸的控制能力，决定了歌唱或台词的质量，因为它直接左右乐句或语句的完整性和旋律或语调的流畅性。在训练中，往往要结合有声训练，即以元音为主的开口音发声练习，练声旋律由一个乐句，逐渐过渡到两个乐句，从而加强气息支持的时间持久性，达到扩大音量的训练效果。
以上所列举的声乐气息训练方法完全可以应用到台词的基础教学中，因为台词同声乐一样，都是发声活动，都需要科学的呼吸方法支撑。
2.共鸣的运用
无论是歌唱还是台词，都追求响亮的音量和穿透性的音质，无疑，共鸣是实现这一追求的重要手段。“发出的声音的强弱是由气息与声门控制的，美声唱法是要训练歌唱者运用他的全部嗓音潜力配合上下共鸣腔，做到呼吸、发声、吐字、咬字、各种情感的表现等相互协调，成为一个整体。”②
在声乐训练中，强调的是于腔体的打开，加大腔体的空间，便于声音的震动以获得理想的共鸣效果，从而发出立体的声音。常见的打哈欠练习，就是为了加大口腔的空间。在这里，能否打开软腭是关键。学生对于软腭的部位往往不够明确，只能做到瞬间打开。应此，要借鉴打哈欠的口腔感觉，训练学生支撑保持口腔的打开状态和空间，才能获得有效、长久的共鸣。
3.节奏的把握
歌唱的节奏一般是均匀的，其速率一般相对平稳；而台词的节奏则呈现多变性，其速率相对波动。台词的节奏如此的波动，是为了表现人物性格、情感服务的。它有轻重缓急，也有抑扬顿挫，但韵律感却是这种变化、波动的基础，“宏观主导节奏”与“局部辅助节奏”的协调性共同形成了既统一又有变化的整体基调。③因此，歌唱训练所练成的准确均匀的节奏感，可以为台词打下良好的基础，近而在此基础上实现变化。
在教学中，可采用《长城谣》、《送别》等节奏平稳的歌曲，加强学生的节奏感。
二、台词教学带给声乐教学的借鉴
1.声音的控制
舞台上，声音是为角色服务的。优秀的演员能够自如地驾驭自己的声音，赋予自己的声音以多种表现力，从而为表达不同情感、塑造不同角色服务。在这一点上，歌唱与台词是共通的。可以说，独白就像独唱，而歌唱就是有声语言的音乐化。每个学生的嗓音条件不相同，若要帮助学生找到自己发声最舒服、最动听的位置，教师就要对学生进行听辨，只有在这个基础上，才能使学生建立对自己声音的信念感，进而实现对自己声音进行自如的控制这一目标。在台词教学中，这是必要的训练，而这种训练也可以应用到到声乐教学中，提高学生对自己声音的控制能力。
2.咬字清晰
无论是台词还是声乐，都讲究咬字清晰，准确地发出字头、字腹和字尾。而在台词教学中，有大量的成熟的训练方法。如绕口令练习，通过练习强调咬字的着力点，爆破音嘴唇的力度，咬字的部位，唇、齿、舌、喉、腭各个部位有效地工作，互相协调配合。这样的练习能提高学生在演唱时的咬字清晰能力。因此，两者在训练上完全可以采用统一的训练模式。
三、运用中国古典诗词艺术歌曲对声乐和台词进行综合训练
在教学实践中，兼顾声乐与台词的练习，仅仅简单地在这两门课程里采用相同的训练方法是不够的，还要开发一整套行之有效的既兼顾声乐训练技巧又兼顾台词训练需要的训练模式，采用中国古典诗词艺术歌曲进行训练就是一个很好的选择。
1.歌词的朗读
进行中国古典诗词艺术歌曲歌词朗读练习，不仅可以在节奏、咬字等方面达到训练的效果，而且更容易进入对于气息控制的状态，更可以帮助学生理解并表现诗词的情韵，把握旋律美，提高表现力。古诗词的节奏速度一般都为中速和慢速，节奏稳定，旋律多为一字一音的念白式，乐句结尾会采用拖腔或长音的处理，学生可以清晰地感受每个字音的着力点和吐字归音的过程。演唱古诗词艺术歌曲一定要注意声母的发音，字头要清晰，例如《春晓》的第一句：“春眠不觉晓”的“春”字在学生演唱当中经常会发生字头ch不清楚的情况，只剩下un的韵母，声音听起来会有混浊之感。
2.歌唱的处理
中国古典诗词艺术歌曲是演唱教学的重要资源，其速度适中，多为慢速或中速，适于初学者对于呼吸的调整。这些歌曲多为念白式的一字一音，可以很好地练习男声的胸腔共鸣，如：男声演唱的《满江红》、《月满西楼》等歌曲。在歌唱时，要求学生声音饱满，不要在拖腔时发生倒字的现象，尤其要注意对字头的处理。在教学中经常会遇到学生咬字不清，归音不到位的问题。此外，还要指导学生学会运用中国戏曲中的润腔技巧丰富歌曲的表现力。
3.对声音的艺术处理
古诗词艺术歌曲在咬字发声时极为讲究，每个字音都非常重要，是诗词之美的高度凝练，要求字正腔圆，通过演唱古诗词艺术歌曲对汉字的音韵、声律下些工夫，是十分值得和必要的。
《枫桥夜泊》是张继广为流传的一首艺术性极高的作品，后经黎英海谱曲，成为一首优秀的艺术歌曲。其诗云：“月落乌啼霜满天，江枫渔火对愁眠。姑苏城外寒山寺，夜半钟声到客船。”在吟诵时，音韵中有一种意味深长的空灵意境之美。全诗从情感基调上来说，突出忧愁的情绪。这首歌的写作手法是语音与旋律的结合是半吟半诵，甚至还有戏曲的拖腔。在演唱和朗诵中尤其要注意“天”、“眠”、“船”几个字音的咬字，这几个字都是言前辙，如：“天”字在第一乐句的结尾，归韵在“an”上，在强调韵腹“a”的同时不能忽略韵尾“n”重点要注意归音收韵。
4.注意美声唱法共鸣与咬字之间的关系
美声唱法在声乐训练上固然有很多先进的经验可以借鉴，但在运用中由于语言体系不同会产生水土不服的情况。对于汉语而言，无论是演唱还是台词，字音都是很重要的，而在教学中经常会产生为了声音而忽视字音的现象。例如女生经常演唱的《红豆词》的第一句：“滴不尽相思血泪抛红豆”的“滴”字，由于它是闭口音，不容易发出声音，要借助美声唱法的闭口音开唱的方法，声音要竖起来，借助鼻腔共鸣和头腔共鸣，把这个字唱好。为了追求口腔共鸣，很多学生喜欢做活动下巴的练习，下颌打开了但上颌却打开不够，要和学生讲解开口腔不只是前面开得大，上下颌必须协调地工作，由上颌引导下颌上下横向往后打开，后槽牙、咽壁的软组织弹性的绷开，舌头打到适当的着力点，声音、字音、共鸣同时发出，做到以字带声，以气托声。
四、注意问题
1.注意嗓音的保养
业精于勤荒于嬉，斯坦尼斯拉夫斯基直到七十五岁还一直不断地每天练习发声和肢体动作，令人钦佩。在训练之初，不能盲目地追求音量，造成叫喊，声嘶力竭现象。要循序渐进地加大练习量，不能追求短期的效应。嗓音是最美的乐器，应该教导学生自己学会听辨，课堂的时间毕竟有限，学生需要练习时体会自身感受，可以将声音录下来自我听辨。
2.音量的控制
训练之初，不要过分于强调音量，循序渐进地提高音量，提倡柔和舒展的歌唱，不要让学生的声带过于疲劳。每天保证两到三次的练习，每次练习时间在二十分钟左右，在气息、声带闭合和共鸣腔体协调工作的情况下起音，从弱到强过渡到响亮的声音。
声乐与台词虽然有很多共性，但存在差异，两者水融，相得益彰。嗓音的运用永远有值得探讨的问题，让声乐和台词两门课程相互借鉴，相互促进，教师需要扬长避短，因材施教，为培养优秀的表演人才作出贡献。
注释：
①李晋玮，李晋瑗编著.沈湘声乐教学艺术.华乐出版社，2003.2，1：15.
②黄友葵.黄友葵声乐教学艺术.华乐出版社，2003.5，1：21.
③胡爱民.台词——表演词阐述的艺术.中国电影出版社，2012.12，1：156.
参考文献：
[1]黄友葵.黄友葵声乐教学艺术.华乐出版社，2003.5，1.
[2]李晋玮，李晋瑗编著.沈湘声乐教学艺术.华乐出版社，2003.2，1.
[3]胡爱民著.台词—表演词阐释的艺术.中国电影出版社，2012.12，1.
[4]李敏.浅谈声乐与台词教学的基本元素.中央戏剧学院学报.戏剧，2007，4.
呼吸在最自然、最安静、最深部位的时候，也就是一个歌唱演员想象力最丰富、感情化最舒展、内在力最充分的时候。就像想找到那最美的声音一样，当他找到这最舒服、最深长、最自然、最安静的呼吸时，就是找到了最具丰富表现力的歌唱的物质力量、就会使你自然而然地进入艺术创造的美好境界。正确的发声，良好的共鸣及歌曲思想情感的表达都是与呼吸密切相关的。因此，我们在学习歌唱方法时，必须掌握好气息的正确运用。如果气息不够用，较长的乐句就不能唱好，而且如果缺少气息的的支撑，喉头的负担就会过重，不仅高音很难上去，就连中音区也可能会感到吃力。不可能达到精神与身体的和谐，更不可能达到声音形象和角色形象的统一。
一、了解我们的呼吸器官
呼吸器官包括肺、胸腔、肋骨以及控制呼吸的两组肌肉群。其中横膈膜是一个大而有力的肌肉膜，把胸腹分开。横膈膜处在静止状态的时候像一个倒置的盆。我们的呼吸，每呼一次气胸部和肋骨扩张一次，紧跟着又自然地塌下去，把气呼出去。但是，歌唱的时候吸气和我们平时自然的吸气还是有区别的，是要保持住吸气状态，然后缓缓地、有节奏地把气呼出，不允许胸部很快地“塌”下去。这就要靠腹内肌做收缩的运动来控制。我们在歌唱时，呼吸运动主要靠肺的底端，即第六肋间肌的最大扩张，这是声音的发源地。优美的歌声，雄壮的歌声，婉转的歌声，连绵不断的轻声，都是在肺部的呼吸和肋间的支持下发出来的。呼吸支持是优美动听、富于表现力的优美声音的基础，最深、最自然和安静的呼吸与最美、最好的声音是互为条件的。我们为了能够充分地、有激情地演唱，就一定要发展和训练有深度的呼吸支持的歌唱方法与技巧。
二、歌唱中正确的呼吸方法
我们在生活中自然而然的呼吸运动，就是把氧气吸入，使它和肺内的血液接触，进行气体交换，把废气排出，这就是自然的呼吸运动。我们现在讲的歌唱中的呼吸运动，目的是经常获得最深沉、最持久的气息。
所以，我们在歌唱中的呼吸训练的目的，一是尽快地获得吸入大量空气的能力，二是要以一种有意识的控制力量，把气呼出，从而保证声音正常发出。
那么，作为初学者，就应该尽量地把气吸到肺的底部，也就是膈肌下沉，气要吸得深、柔和饱满，肩要松垂，颌部、面部自然放松，整个身体保持稳定。吸气的动作要协调一致，自然、均匀、放松、舒畅，不应有一点的挤压、僵硬和紧张感觉；注意：胸部既要自然地提起，又要自然地放松。气吸得不能过憋和过浅。吸气的多少完全应该根据乐句的长短、音高、力度和歌曲的情绪而定，一般是唱完一个乐句稍留余地即可。
在训练呼气时，吸气肌群继续保持胸的扩张状态，而呼气肌有控制地慢慢收缩，是腹肌、膈肌在对抗均衡状态下将气又控制着、缓缓地、均匀地吐尽，使腹肌内的器官慢慢地逐渐向上，恢复到原来的位置。这样，这种有控制的运动重复进行，胸部不能塌，保持吸气的感觉；小腹要慢慢地向内、向上收缩，使腹内的紧张度逐渐地松弛下来。
我们在声乐辅导过程中，呼吸训练中的吸气与呼气是不可分割的一对矛盾，辅导教师一定要让自己的学生掌握好两者之间的关系。还要经过长时间的刻苦训练，才能运用自如。
三、无声呼吸与有声呼吸的训练方法
训练呼吸的方法很多，可以分为无声呼吸练习和有声呼吸练习两种方法。通过练习，体会歌唱时的呼吸部位，锻炼呼吸机群的活动能力，最终达到在深而强的气息下歌唱的目的。
（一）无声呼吸的练习方法
1．慢吸慢呼法。在练习中，想象眼前有一朵鲜花，鼻腔打开，似闻花状，嘴巴张开成打哈欠状，将气缓缓吸入肺内。呼吸时吹出“咝”的气流声，舌尖靠近上下齿之间阻气，使“咝”从前门齿背面发出，舌的边缘自然平贴在上下虎牙后的上下大牙上。当气吐尽时，立即放松腹肌，放出余气，再做下次慢吸慢呼。
2．慢吸快呼法。在第一次练习的基础上缓缓吸气，气吸好后想象对面有一支腊烛，一口气把它吹灭。呼气时，口唇合成“喔”状，随气流的弹力发出“扑”的音。
3．快吸慢呼法。先打开口鼻再做吃惊状，将气吸入。要把气息压在腰肌周围，并且保持瞬间慢呼气跟第一练习一样。
4．快吸快呼法。即快速吸气，急速呼出，快吸如练习，快呼如练习，但呼气时要稍做停顿，感觉膈肌的弹动。
（二）有声呼吸的练习方法
1．慢呼慢吸法。要求保持中强音量，速度均匀，吸一口气唱一个音，不能听见换气声。
2．慢吸快呼法。要求速度慢但唱出的音不要拖长，休止符用来吸气。
她叫吴金黛，10年来她走遍全球五十多个国家和地区，将青蛙的情歌、鸟儿的欢唱，甚至是风声、流水声、雨的滴答声融合成一曲又一曲动听的音乐，用天地间最悦耳的呢喃声唤醒着人们的耳朵。她在追逐最动听声音的同时，也在找寻着所爱的那个人……
人海中遇见你
1992年，22岁的吴金黛从美国杨百翰大学音乐系毕业。她原本想去音乐之都维也纳深造，但是，父母一心想让女儿嫁个好人家，在他们的一再催促下，吴金黛回到台南当了一名音乐教师。一年后，她和建筑师闵琦订了婚。
1994年7月，台南市教育局委派吴金黛执行一个重要而独特的活动——跟随学者去研究原住民的生活状态，并搜集他们民族的音乐。临行前，闵琦不高兴地说：“你还是别上班了，回来做个全职太太不好吗？家里又不缺你那点薪水。”吴金黛十分反感这句话，和闵琦大吵一架，然后飞往了花莲。
踏入人迹罕至的高山后，吴金黛深深感受着少数民族生活方式的淳朴，秀丽的大自然风光，涤荡和抚慰了她那喧嚣已久的心灵。一天，他们来到阿美族酋长家采风。工作间歇，吴金黛信步闲逛，不知不觉走到了海边。海浪拍打礁石的哗哗声、海鸥此起彼伏的应和声、还有远处船只的汽笛声，让她的心情变得如海水般宁静澄澈。她久久沉浸在冥想中，冷不防一阵大雨劈头盖脸砸下来，她赶紧跑到村头的大榕树下躲雨。
这时，一阵若有若无的声音勾起了她的好奇。这是什么声音呢？时而清亮悠扬，时而低回婉转，让她不由得想起了小时候，夏季老家的蝉，在树上声声鸣唱；爸爸给她买的风车，挂在窗台上欢快地旋转……这声音有种魔力，可以穿透人的心房。吴金黛绕到树后，发现在村里祠堂的门槛上，坐着一个头发胡子乱蓬蓬的年轻人，嘴里含着一片树叶。啊，原来那样动人的声音，竟然是他用简单的树叶吹出来的！吴金黛又好奇又佩服，她走到年轻人身边，问道：“能教教我吗？”两个浑身湿透的年轻人，一个教，一个学。不知不觉，在树叶口哨声中，雨停了，风住了，月亮悄悄挂上枝头，将他们的背影印在了祠堂的墙上，也印在了吴金黛心上。
年轻人告诉吴金黛，他叫林郁文。他虽然视力天生有缺陷，却喜欢背包旅游，一边把听到的声音谱成乐曲，一边吹奏陶笛谋生，他迄今已走遍了欧亚大陆。
“你知道吗？”林郁文神情愉快，侃侃而谈，“在台湾，有一种非常奇特的爷蝉，它不仅个头华丽，而且叫声也是同类当中最响亮有力的。每年夏天，我都争取回到台湾，再听一次爷蝉的叫声……”尽管看不见，林郁文还是侧过脸凝视着吴金黛：“声音，就是我最美的世界。”
吴金黛看着对方那双清澈如水、无欲无求的眼睛。他看不见东西，可他的内心分明繁花如锦——刹那间，吴金黛感到潜藏在生命中的鼓点惊天动地地响了起来，难道这就是爱情？再过半年，她就要和闵琦结婚了，可是，她有些惊骇地发现，这件终身大事显得很遥远，似乎与自己无关，反而是眼前的陌生人，才是能敲响她心灵的鼓手……
很快，在林郁文的帮助下，工作组在阿美族、马太鞍部落的录音工作顺利完成了，他们的下一站将要前往兰屿岛，采访泰雅族群。临行之前，吴金黛与林郁文万分不舍，她已经习惯了每天和他一起分享异彩纷呈的声音世界，在大自然的怀抱里尽情享受海风、落日、晚霞和潮音……相比之下，留在闵琦身边度过的那些华而不实的生活是多么苍白啊。
终于，她鼓起勇气，向林郁文表白了爱慕之情。经过一夜漫长的等待，第二天一清早，吴金黛如约来到村头祠堂，却只找到放在几案上的一支录音笔，她按下播放键： “金黛，我不忍说对你没有感情，但我身有残缺，不能打扰你当下的生活。请把掠过你身旁的每一缕风声、把听到的每一声鸟叫虫鸣，都当做我对你的问候吧！再见……”
吴金黛的眼泪滑过脸庞，她奔回村里，老酋长告诉她，林郁文去非洲了。吴金黛听到了自己心碎的声音。
寻找爱的声音
命运像一双无形的大手，它以树叶吹出的口哨声为媒，促成了吴金黛和林郁文的相识，也为吴金黛寻找声音之旅提供了一个浪漫的机缘。
6个月后，工作组完成了全部录制工作，踏上归程。吴金黛却没有一起回来，她写了两封电邮，一封写给闵琦，坦言自己遇到了心爱的人，请求解除婚约；一封是写给风潮唱片公司总监游学志，说明她要跑遍全世界，录制最美的大自然声音，和心中所爱的人一起分享。
幸运的是，两封信都赢得了收件人的谅解和支持。吴金黛目标坚定地踏上了寻声之旅。拥有最美声音的地方，也将会是林郁文出现的地方。她要找到那个人，哪怕不能和他携手前行，也要在心灵上达到共振，一同聆听大自然的召唤！
从此，吴金黛的工作场所不再是温暖舒适的室内，而是风云瞬息万变的山川湖水；她沟通的对象也不是乖巧可爱的小学生，而是恶劣的自然环境，风吹、日晒、雨淋、虫袭成为了家常便饭。
林郁文提到过的台湾爷蝉，一年中只鸣叫一次。吴金黛专程跑到扇平，第一年、第二年全都赶上了台湾南部罕见的漫长雨季，直到第三年，她才听到了爷蝉独特的叫声。
为了收录候鸟的声音，吴金黛在库页岛自然公园扎营，整整7个小时匍匐在冰冷的湿地里，一动也不敢动。好不容易等到水鸟慢慢靠近，远方却突然传来一阵雷声，刹那间鸟儿全都飞走了。她懊恼之极。
谈声乐演唱中的“声情并茂”
摘 要:从古至今,歌唱都是人类用以抒发和交流思想的最自然、最亲切、最直接的一种语言形式。歌唱是声音的艺术,是演唱者与观众心与心的交流,是通过以声传情、以情带声来进行的艺术再创作的过程。有人说,歌唱是最动人的音乐,而笔者认为,其动人之处就在于以亲切的语言和优美的声音表现动人的情感,达到两者完美的结合—声情并茂。
关键词:声乐演唱 艺术 声情并茂
音乐中声与情的关系,在中国可谓由来已久。在歌唱艺术中,声与情是不可分割的艺术整体。“声”是音乐(尤其声乐)中最基本的要素,是表达情感的重要途径;“情”是声音的表达内核,在现今浮躁的社会中“情”显得尤为重要,同时真情流露的演唱方式也成为人们最为欢迎的表现手段。因此,只有达到声情并茂,才是真正的歌唱艺术。只有这样,歌唱者才能完整且完美地将词作者和曲作者想要表达的事物和情感表达出来,把心灵深处的情感传递到听众的内心。
一、以声传情
(一)气息
我们都知道,气息是歌唱发声的原动力,是声乐演唱的基础,其本身也是重要的音乐表情手段。演唱中强、弱、快、慢、欢乐和悲伤、幽默和愤怒等音乐和情绪的变化,与气息的正确运用和控制分不开,没有控制气息的正确方法和能力,就不能科学地发声,就无法唱好歌,好似小提琴没有弓子就无法演奏出美妙的声音一样。这便是正确运用气息的重要性。作为演唱者,我们要正确地运用呼吸,科学地处理声乐作品中声音的强弱关系,做好歌唱前的这一基础工作。
(二)发声
我国现在的声乐大体分为两大唱法,一种是西洋的“美声唱法”,另一种是民族风格较强的“民族唱法”,近几年在国家重大声乐比赛的舞台上,还渐渐看到了一支新的队伍的出现,那就是“原生态唱法”。由于语言上的差别,无论是在气息和发声等方面,都存在着一定的差别。美声唱法十分讲究咬字吐字的清晰度,尤其是中国作品更是要求如此。而在一些作品具有非常鲜明的民族风格,若用纯粹的美声唱法来进行诠释,便失去了作品本身所应该有的特性,同时也让听众难以接受。所以,演唱者必须具备熟练掌握“美声唱法”和“民族唱法”的异同,同时针对不同风格的作品,并结合作品中沉淀出的意境,辅以自己的真情实感,才能将作品得以完美的诠释,引起听众的共鸣。由此可见,掌握熟练的发声方法对于一个演唱者来说是至关重要的,它关系到演唱者演唱技术水平的高低,甚至影响到歌唱者的歌唱寿命。
(三)咬字、吐字
咬字与吐字,是发声时前后出现而又密不可分的两个步骤。咬字主要是指咬住字头,一般要求是字头咬得要准且紧。需要注意的是,咬字头既不能松散,也不能僵硬,要遵循自然的咬字原则。咬字是声母的形成,吐字是韵母出来时形成的一个点,咬字必须在吐字的基础上产生。吐字必须根据“四呼”的要求(“四呼”即开口呼、合口呼、齐齿呼和撮口呼),将韵母各因素结合为一体,并保持一定的口形,尤其当一个字唱几个音时,要一直保持到该音的韵母到最后时刻。在诠释作品时,又不能片面地讲究咬字和吐字的原则。咬字、吐字的规律是表达声乐作品思想情感的一种方式,它的目的是更清晰有效地表达作品思想内容的实质。因此,演唱者应该养成良好的咬字和吐字习惯,这是完整表达声乐作品内容和情感的一个必要环节。
二、以情带声
清代声乐理论家徐大椿在《乐府传声》中说到:“歌曲之法,不但声之宜讲,而得曲之情宜重。”这说明了歌唱中“声”与“情”的关系,强调了情在歌唱中的重要地位和作用。情感是人们对客观世界的一种特殊反映形式, 是人们对于客观事物是否符合自己的需要而产生的体验。 情感是歌唱艺术的精髓灵魂。每一首作品它所蕴含的内容、所要抒发的情感,都是需要通过一个主体——演唱者将自身融入到作品中,用自己的切身感受去将它演绎出来,演唱者的情感出来了,动人的声音必将油然而生。
(一)挖掘歌词内容
每一首好的声乐作品,总要揭示一个主题,反映作者的内心感情,在选择一首音乐作品之前,首先要了解该作品产生的时代背景,挖掘歌词要表现的真实内容。例如歌剧《原野》中女主人公“金子”的咏叹调《啊!我的虎子哥》中的歌词是这样的:“啊!我的虎子哥,你这野地里的鬼。这十天的日子,胜过一世!我又活了,我又活了活了,这活着的滋味,什么也不能比!”歌词虽然简短,但是充分表达了金子对虎子深深的情,一个“鬼”字,足以说明金子心中对虎子的爱之深、恨之切。这样的歌词如果只是通过演唱者乏味单调地演唱出来,便无法激起听众心中的涟漪,进而也达不到作曲家创作这部歌剧的预期效果。因此演唱者不仅要再现那些曲谱上原有的元素,更要深入挖掘那些无法记录、不易被表现的内在情感。作为每一个学习声乐演唱的同仁,我们都要清楚地知道:在声乐艺术表情的再创作中,时刻离不开对歌词的挖掘与主题的表现。
(二)培养艺术修养
任何人的艺术修养都不是先天的,都是需要在艺术创作或艺术欣赏的实践中,逐步锻炼和培养的。各种艺术形式之间都存在有机的联系,只有广泛通晓各种艺术流派,才可能有比较有鉴别,才可能采各家之精华,培养起高尚的艺术情趣。 由于每个人声音条件的差异、对音乐感悟能力的差异,使得他们对音乐作品在唱法和感情的处理上也产生了不同的差异。若要声情并茂地诠释一首声乐作品,不仅要具备扎实的演唱功底,还要有较高的艺术修养。除此之外,还有更好地人类文化的精华,任何音乐作品都是通过人物的情感表达来感染听众和观众的。我们国家有很多经常活跃在舞台上的着名歌唱家,例如、阎维文、戴玉强、殷秀梅等等,他们嘹亮的嗓音、优美的举止和动人的感情不是一朝一夕就能习得,而是经历了漫长的时间、阅历的沉淀。只有不断的提高自身的艺术修养水平,才能将作品所要反映出的实质理解的更加透彻。
(三)体验生活感受
艺术来源于生活,高于生活,生活是艺术的基础。作为一个演唱家,除了将作品本身演唱好之外,更深层面上是要将自己的阅历、情感以及对人生的感悟通过作品传达给观众。同样的一部作品,不同的演唱家演唱的效果都不一样。为什么红色歌曲会让一些老演唱家来诠释?因为他们经历了那个年代,有着真实而深切的体会,一句歌词,一个旋律都会勾起他们对往事的回忆,只有包含这种情感来演绎,才能将作品的魅力发挥到极致。同样,在很多大型的表演中,“体会”是每个演员必不可少的一个环节,只有将自己融入其中,用自己的感悟和情感,才能将作品表达的更加深刻而真实。
三、“声”与“情”的完美融合
关键词：呼吸；发声；共鸣
中图分类号：J61文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）11-0100-01
人的嗓子是天然的乐器，但如果要变成一件优质的乐器，必须要经过严格的科学的循序渐进的严格训练，特别是作为初学者千万不要局限于自己嗓音的音色而随意定自己属于哪个派别，这样很容易一开始就走入误区，造成无法预知的后果，我们必须经过科学的学习，才能找到适合自己的歌曲亦或者声部，展现自己的音色特点；才能唱出更加优美动听、真挚感人的歌声，更重要的一点是声音技巧上能够运用自如，才能更完美的诠释各种风格、内容形式多样的大型作品。
一、呼吸在声乐演唱中占先决地位
良好的呼吸方法是作为歌唱者的首要条件。呼吸器官包括喉头，会厌、声带等。人们通过口，鼻吸气，进入肺叶直至腹腔横膈膜，当人们呼气时，由于声带闭合阻气，使声带产生震动而产生了基音，这时的声音力量小，音色也不好听。所以呼吸需要有弹性，当完成肋部两侧扩张，小腹微向内收的呼吸动作后，腹部不能有任何僵硬的感觉而只是具有弹性的柔韧的坚定。如果呼吸过满，就会导致腹部肌肉僵硬、无弹性等弊病，必然会带来喉部肌肉紧张。科学的呼吸练习其实很简单，我们只需要把笑肌提起，鼻腔呼吸时就如闻花一样，轻轻一吸便可，同时保持住状态，这时才是最放松最自然的状态。
二、发声练习中的技巧方法
发声练习是作为声乐学习者必不可少的一种基本技法练习，因此我们必须非常重视这个环节对于一名歌唱者的重要性。在练习过程中，学习者应该多思考，随时调整自己的状态，从外形来看，如站姿是否自然挺拔胸腔是否打开、呼气时有没有抽肩、发声时脖子有没有过分紧张而往前伸或者往后倒等一些基本的外形上的调整。从身体内部的一些发声器官来看，如气息是否沉下去（在这里我们强调的是胸腹式的呼吸方法）、下巴是否放松、后咽璧是否立起来等。在发一个音之前，先要在思想上把它成型，并赋予它适当的色彩、音色和表情――先想好了再唱，从一个母音过渡到下一个母音，重要的是从思想上去做，当思想的根据是正确的时候，生理部分就会以同样的准确性，相应正确地反应和调节。首先是在思想上建立我的歌唱，必须预先在心理上想到所希望唱出的声音，或即将发出的母音。著名歌唱家吴碧霞曾经说,无论在练习或者演唱时每个字每个音都要体现出小提琴般纯净的音色感觉，想象音色，仔细听，仔细琢磨，再融合歌唱家的方法。
三、共鸣腔与其他发声器官的协调运用
要想歌唱的声音有比较宽广的音域，要有相当响亮的音量,，要有表达歌曲感清的各种声音色彩。这些除要靠正确的气息控制方法之外, 更要靠正确掌握人体对发声的共鸣作用。歌唱对于共鸣音响的要求比平常讲话更多，它要求尽量运用和发挥人体共鸣音响的功能从而达到扩展音域，因此就迫使声乐学习者去追求更好的共鸣方法。人体共鸣的原始结构相对固定，但每个人的嗓音的构造、形状、发声的方法各有不同，所发出来的声音的音色也不一样。所以歌唱训练的目的就是发掘每个人的共鸣利用状态，达到歌唱所需要的声音共鸣。共鸣是整体的，也是逐步建立完善的，歌唱者如果局限在某个局部而忽视整体，忽视了其他发声的因素，而一味的去寻找共鸣，只会加深发声器官的紧张程度，最后必然会使声音完全失去自然地优美本质。鲁宾尼曾说过：失去嗓音是因为用本钱唱。因此我们追求的是充分依赖共鸣的作用而尽量少依赖强制的力度，发声器官的协调工作，气息连绵不断的流畅运动，才能产生大量的共鸣，这是任何歌唱训练的基本法则。
四、演唱作品过程中应该注意的问题
在演唱作品前，读谱很重要，它包括熟悉旋律走向以及对歌词的理解，对歌曲背景的掌握等。不同的作品都有其共性特点和个性特点。拿到作品首先要思考其共性特点，无论什麽作品在演唱的时候，气息需要支撑喉咙自然打开高位置的发声，气息往后背坐住，软腭向上抬起，向下的共鸣腔体的支撑有着大珠小珠落玉盘的感觉，民族美声感觉都一样；个性特点就是语言、咬字吐字，用歌唱的方法来念，人站直，腔体打开，口盖打开，把气沉到后背，把韵母尽可能的拖长是一种把气息、位置打开的过程。如唐诗属于古典韵味的，民间化的语言。而意大利语的作品想要了解它，掌握它，要不停地练习，达到滚瓜烂熟的地步，读歌词是非常重要的；在演唱作品之前一定要念歌词，不停的念反复的念，在作品熟悉过程中达到相对的流畅后，找到字正腔圆有支撑饱满圆润的感觉。在演唱中国歌曲时，特别要注意是否归韵，咬字是否清楚。在演唱时，要感觉整个气息是里出外进，韵母之间是连接起来的，而字和气连起来就更加通透，有了语气，就有逻辑重音，就有气息位置声音的着力点，就有了弹性，才会听到通透圆润天籁般的歌声。
美国的意大利移民平时通过什么来彰显自己的族类身份呢?从许多黑帮题材电影中我们知道是靠意大利歌剧。如果以悲剧结局差不多便是女高音卡拉斯全情投入的咏叹调，反之则肯定传来类似卡鲁索或吉利那样古旧但优雅无比的嗓音，它代表片中意大利人胜利都能感受到一吐胸中块垒的回的姿态，即便坐在电影院里聆听肠荡气。
驾车在欧洲的山水之间，无论是宽敞无阻的高速路，还是山问逶迤的盘山路，我都能听到从不断驶过的邻车传来的高亢而抒情的意大利男高音。即使在巴伐利亚地区的阿尔卑斯山，那也不会是德国或法国歌剧的唱段，是的，一定是来自意大利的歌声。高级轿车的顶级音响已不再可能播放老旧而噪音频频的吉利和斯基帕了，录音自然是越新越好，歌手也当然是眼下最走红的几个人。
其实大多数欧美人也愿意和我们一起津津乐道于所谓“三大男高音”的故事，但自从帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯三缺一”之后，歌迷与媒体对“新三高”的非官方评比便始终未曾中断过。目前已经有两位铁定入选，因为他们目前确实处于“鹤立鸡群”的位置，这就使新的“第三高”格外难产，连续火过的几个可惜都免不了昙花一现，几大唱片公司也为他们的过早衰退焦虑不已。
我们主要来说前“两高”，这也是我的德国和奥地利朋友车上经常播放的两位――罗兰维拉宗和胡安・迭戈弗洛莱兹，当然现在我已经是他们的“粉丝”，所以总是不遗余力地向身边的朋友推荐。维拉宗和弗洛莱兹的出现堪称二十一世纪声乐界的奇迹，不仅让青黄不接的女高音领域大为尴尬，也足使早已成“明日黄花”的“老三高”艺术魅力一再逊色。维拉宗以擅演威尔第和普契尼的吃硬角色蜚声歌剧舞台 弗洛莱兹则大量“复活”早在十九世纪中叶就开始失传的代表真正意大利‘美声’(Bel Canto)的冷僻剧目。比较诡异的是，这两位令最资深歌剧迷都惊为天人的年轻男高音都来自拉丁美洲，维拉宗是墨西哥人，弗洛莱兹是秘鲁人，他们的身世不约而同带有一定程度的魔幻色彩，换言之就是成长之路异常模糊，似乎属于“无师自通”之类。
最近几年，维拉宗和弗洛莱兹成为欧美音乐市场最受追捧的艺人，只要有他们参演的歌剧，门票一定在演出季开幕之前售罄。所以对大多数热爱他们的人来说，对一张张唱片专辑的盼望便显得急迫而持久。我第一次听维拉宗是在2004年初秋的一次法国南部山区漫游中，那时他的第一张意大利歌剧咏叹调专辑刚刚上市，等到我的朋友在汽车音响上拥有它的时候，它已经高居各大唱片连锁店销售排行榜首两周有余了。朋友的慷慨赞美并不能左右我的品味，然而我对维拉宗声音完美性的惊异却远超朋友的想象。我毫不讳言这是意大利歌唱的“旧时代”复活，一个如此年轻的“新人”竟能唱出一个世纪以前的韵味，这难道可以用常理来解释吗?
维拉宗今年刚刚推出的专辑名为《天空与大海》，在家中比较高级的音响系统欣赏它竟使我愈加怀恋曾经在“蔚蓝海岸”的悬崖山路上感受到的维拉宗，那是与寥廓的水天一色完全融为一体的维拉宗，这样挺拔入云的歌声如果放在彼时情境下敞开心扉去聆听，效果又会怎样呢，
弗洛莱兹成名比维拉宗稍早，他当然不甘落人之后，去年底今年初竟连续推出两张专辑，都是极高难度的Bel Canto，堪称男声“花腔”的极致。我记得前年在从奥地利南部城市格拉茨往萨尔茨卡马古特湖区的旅途中，“大众途锐”的音响反复播放朋友在2002年买下的他的第一张专辑：罗西尼的歌剧咏叹调。多么年轻而纯净的声音，高音区不仅饱满结实，用朋友的话说简直是每个音都“百发百中”。那次旅行作为一次极其愉快的记忆长存心间，沿途所见四季风貌转换，白雪覆盖的雪山与浓雾重锁的“魔湖”从车子两边一一掠过，无忧无虑的歌调总是回荡在上空，像神的幸福启示一样伴随着我们前进。我想这种幸福的感觉一定离不开弗洛莱兹的罗西尼，在此之前我从未听过“技术含量”如此之高的声音，那确是一种秀美而挺拔、阳刚而温柔的男人最美的声音!
毫无疑问弗洛莱兹越发成熟而稳重，他的《伟大的鲁比尼唱过的咏叹调》把一个半世纪的时空拉近了，这是他水到渠成的“挑战”，评论界不管所据如何，都必须承认他是“魔鬼男高音”乔瓦尼・巴蒂斯塔・鲁比尼的“重生”，而且声音肯定比他年轻，比他华丽，比他更具生命活力。
难道我们还嫌上帝对我们的眷顾不够吗?我们竟然同时拥有了两位神迹般的男高音，他们如此年轻，如此毫不费力。与他们相比，无论是评论吹之过头的约瑟夫卡利亚，还是目前尚嫌粗糙但人气逐渐升高的约纳斯・考夫曼，都至少在气韵与灵性方面相去甚远。放眼当下乐坛，新的“第三高”目前尚见不到一点苗头，当阿拉尼亚、阿尔瓦雷兹，瓦尔加斯等“中生代”也渐渐老去的时候，“双峰并峙”的维拉宗和弗洛莱兹呈现出更加令人眩目的风景，他们的光芒毫无疑问将超越“老三高”。这正是我所渴望见到的事实。
驾车的朋友，何不让代表男高音新势力的维拉宗和弗洛莱兹陪伴上路，他们的歌声只有在高速行进中才越发来劲!
关键词：语言基本功歌词创作情感表达文化修养
当今的声乐教学，大多比较重视声音的训练，而轻视语言的训练。有的教师认为，学习声乐主要就是塑造美好的声音，声音是第一位的，只要有了好的声音，再加上高超的声乐技巧，就能成为优秀的歌手，甚至歌唱家。可是这些人忽视了一个问题，即歌唱是音乐和语言的结合体，没有很好的语言能力是唱不好歌曲的。在这里，歌唱者的语言能力主要指语言基本功。语言基本功包括语言理解能力、语言感受能力、语言表达能力。为什么要加强歌唱者的语言基本功呢？笔者从以下几方面加以论述。
一、歌词在歌曲创作中的重要性
声乐与器乐不同，器乐是纯音乐，是靠音色、旋律、节奏等音乐的要素表情达意的。而声乐是有歌词的，是语言和音乐的完美结合。忽视了歌唱中语言的作用，就等于说人声只是一种乐器而已。在我国的民族唱法和美声唱法中，长期以来是以追求技术为核心的，教师希望用技术手段开发出最美好的音色和最宽广的音域进而塑造一个成功的歌者。可是往往最终的结果是演唱者只专注于声音的表现力，而忽视了歌词内容的准确表达。音色千人一面，演唱者唱不出歌曲的灵魂，打动不了欣赏者，甚至语言发音不清楚，更影响了听众对歌曲内容的理解。
在声乐表演中，歌唱者是通过歌词向听众传达歌曲内容的，所以一个好的歌者首先要自己理解歌词的含义，然后通过演唱技巧的运用，把每一个字、词、句通过轻、重、强、弱、明、暗等音乐上的处理传达出歌曲的神韵，达到感动听众的目的。比如由车行作词、戚建波作曲的歌曲《儿行千里》，歌曲通过对儿子出行前妈妈为儿子煮粥、缝衣服、收拾行李等细节的描写，刻画了一个慈祥母亲与即将远行的儿子依依不舍的场景。相信有过远行经历的人，或者长期在外生活、工作的游子都会对这样的歌词有深深的感触。歌唱者如果能把自己的真实感受表达出来，就能够打动听众。问题是有了真实感受未必就能够表达得清楚、明白，歌者只有具备了突出的乐感、技巧和语言基本功，才能把歌词的内涵表现出来。
歌词好不好在很大程度上决定了歌曲是否优秀。在歌曲创作过程中，作曲家为事先创作好的歌词谱曲是最常用的创作手法。任何国家的歌曲发源之源头——民歌，都与该民族的母语音韵特征有着千丝万缕的联系。汉语中的“四声”“平仄”，极具音乐性。把歌词声调略为夸张地朗诵，即可“吟咏”出曲调来。比如大家很熟悉的歌曲《前门情思大碗茶》，是一首北京语言韵味很浓厚的歌曲，作曲家就是在京腔京韵的基础上稍加夸张，形成朗朗上口的特性鲜明的音乐，歌曲一经演唱就很受大家欢迎。演唱者要唱好这首歌曲就应该了解这首歌曲创作的特点，了解北京语言的特点，才能把这首歌的韵味唱出来。所以说，很多歌曲是在歌词的音韵和歌词所营造的情感氛围中产生的，作曲家完成了一度创作，演唱者要进行二度创作，就需要很好的语言能力，把自己读懂的东西用歌声传达出来，让听众也能懂得并且感受到。
二、歌词对于情感表达的重要性
这牵涉到一个长期以来争论的问题——在歌唱中，技术是第一位的还是情感是第一位的？其实技术和情感的和谐统一才是最佳答案。歌唱中情感的表达离不开语言。如上世纪六七十年代风靡欧美的摇滚乐，摇滚歌手的歌声大多为喊唱式的唱法，不注重音色的美好，唱法没经过技术修饰，可是却吸引了成千上万的年轻人为其疯狂，这是为什么呢？就是因为在那个特定的年代，各种社会问题使青年迷失方向，对社会充满了反抗的情绪，而摇滚乐手的歌词正好表达了青年人心中的想法，唱出了年轻人的心声。摇滚乐的核心——歌词，在电声乐队这样一个极具煽动性的载体上，极大地释放了青年人心中的能量，所以摇滚乐成为当时最受欢迎的音乐类型之一。在80年代的中国，涌现了一大批脍炙人口的歌曲，这些歌曲旋律清新美好，歌词积极向上，听到这些歌曲会使人觉得生活是那么的美好，心灵是那么的快乐。这是因为80年代是中国改革开放之初，人们对未来充满美好的憧憬，对生活充满了乐观的态度。歌唱家们那清晰、准确、饱含深情的语言配合上美妙动听的旋律，深深地感动着每一个中国人。可见，歌曲如果恰当地表达了听众的思想情感，就会给人留下难忘的印象。而触发听众情感的除了美好的旋律外，就是歌词的内容，二者缺一不可。歌唱者的任务就是把旋律和歌词的意蕴统一起来，把歌词的内容表达出来，达到感人的效果。
一首歌就像一首诗，我国古典文学的经典之作《诗经》，就是一首首优美的民歌。劳动人民用质朴的语言把内心的情感唱出来，就因为诗歌内容真实感人才能够传诵千年。所以歌唱者首先应该是个诗人，这句话适用于创作型的歌唱者。诗人需要的是语言的创作能力。歌唱者还应是个朗诵家，朗诵家需要有很好的语言理解能力和语言感受能力。作为一名歌唱者，充分地表达歌词的内涵和意境是最重要的。笔者建议演唱者在拿到歌词后，应该像一个朗诵家一样，把歌词好好地、多次地朗诵，把握好每一个字的语气、每一个词的重音。如果能把歌词读得很感人，就为演唱打下了基础。
三、提高歌唱者语言基本功应注意的问题
1.学好普通话很重要。中国是一个多民族、地域广阔的国家，歌唱者来自全国各地，有着不同的方言，即地方口音。他们在歌唱时往往不自觉地流露出地方口音，造成发音的不标准，这对于习惯以普通话作为标准艺术表达语言的听众来说，会造成听觉上的不舒适感，影响歌曲的艺术表现力。这些问题不仅仅出现在普通的歌唱者身上，甚至一些著名的歌唱家也会出现这样的问题。如果这些歌唱家能够在普通话语音上再提高一些，他们的艺术造诣会更高。
还有一些歌唱者存在语言发音上的欠缺，比如发音含混不清、前后鼻音不分、平翘舌不分、舌尖音太重等，都非常影响歌唱语言的美感。对于这些欠缺，需要歌唱者花大量的时间练习，予以纠正。
2.有些歌曲对语言基本功的要求比较高，不仅仅是流行音乐中的饶舌风格，在美声和民族唱法中，也有很多歌曲要求用快速、清晰的语言来表达。这对于仅仅会说话而没有进行过专门训练的歌唱者来说是有难度的。所以歌唱者应该进行专门的语言基础训练，这样在演唱不同风格的歌曲时，语言问题就会迎刃而解。比如笔者在教一些学习过播音主持的学生时，能感觉到他们在演唱歌曲时，语感、语速以及语言的清晰度、圆润度就比只学了声乐的学生要好很多。因为播音主持专业的学生有专门的语言基础课，语言基础课能纠正常见的发音缺欠，所以在演唱歌曲时一般不需要再纠正语言发音的问题。
3.提高歌者的文化修养。有很多歌手演唱技巧已经很高了，可还是成不了歌唱家，一个很重要的原因就是他的文化修养跟不上。歌者的嗓音的确很重要，可是歌者的灵魂更重要。动听的歌声一定是出自情感充沛、思想丰富的灵魂。像我国老一辈歌唱家应尚能、周小燕等，他们都是有着很高文学修养的艺术家，他们歌声的感染力来自于其对歌词意境的深刻理解和诠释。流行音乐界的知名歌星刘欢，他的成功也不仅仅因为他那高亢嘹亮的嗓音，而是他高出一般流行歌手很多的文学修养和文化素质。正因为有一定的文学修养和文化素质，使他有很强的词、曲创作能力，演唱自己的歌无疑能更淋漓尽致地表达内心的情感，使歌声有更强的感染力。流行音乐界还有更为知名的歌星罗大佑，他的嗓音是很普通的，甚至沙哑，谈不上具有好听的音色，可就是这样普通的嗓音却在流行乐坛叱咤风云，他凭借自己较深厚的文学修养把他对社会、对人生的深刻观察和反省写成歌词。出色的语言表达能力，使罗大佑成为影响深远的歌者。可见，一个歌者，他的嗓音和技巧都不是最重要的。每一个歌者都应该加强自己在语言能力上的锤炼，尤其是学习美声唱法和民族唱法的歌手，更应该努力提高自己的文化修养，用灵魂去歌唱，这样才能使音乐和语言完美地结合在一起，使自己成为一个真正的歌者。
