时间：2023-06-15 17:26:07
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇乡村音乐的特点，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
美国乡村音乐起源于18世纪末，算的上是起源最早的音乐形式。
它是由一些原先居住在东海岸一带的苏格兰和爱尔兰人后裔逐渐向西部和南部的内地和山区迁移，以求发展创造出的音乐。这些拓荒者在劳动休息时，常常唱些古老的英国民歌，这些歌曲简单、活泼，大多数都是叙述日常劳动和生活的，还有恋人们的爱情故事。
这些都是乡村歌曲最原始的形式。随着人们的迁移分化，这些歌曲也随之演变成了不同的风格和类型。在北方，它们变成了伐木工人的劳动歌曲，在西部山区它们变成了纯朴、豪放的牛仔歌，这些歌曲还随着一些迁到海边的苏格兰人演变成了水手们的劳动号子。
在二十世纪的一段很长时间里，乡村音乐在整个流行音乐的舞台上只是扮演着一个小小的角色。第一次大战结束不久，美国新建立的一些乡村广播电台经常以乡村音乐为点缀，播放地区性的广告时往往以活跃于附近地区的乡村音乐家所表演的音乐节目为其简短的前奏。到一九二四年，这些音乐已拥有一个北方的市场，主要由肯塔基乡村音乐家表演的谷仓舞前一次成功地出现在芝加哥。
同时，唱片灌制业也开始对乡村音乐发生极大兴趣，其目的是为了发行圆形唱片，主要是在乡村中商店里出售。他们很快便惊奇地发现，对这种唱片的生产存在着全国性的需求。爵士乐主要使用管乐器，乡村音乐则主要依靠弦乐器。小提琴、吉它和班卓琴在乡间越来越流行，它们例于买到，价格低廉，在重工业奏中容易结合，非常适合演奏业已发展起来而原来的民间乐器已不能胜任的乡间音乐。
在乡村音乐家所表演的曲目中囊括多种音乐：民间舞曲、经白人改编的黑人布鲁斯、宗教歌曲、描写铁路灾祸和棉厂辛劳的叙事歌曲、更重要的是表现各种痛苦之人（临终的母亲、孤儿、丧偶者、远离家乡的孤独者、失恋者）的歌曲，
为了吸引观众，这种歌曲被处理得凄凉惋人，摧人泪下。二战期间，乡村音乐在流行娱乐业中的地位急剧提高，其影响范围有极大的扩展。这大概是由于当时大量人口转入城市工厂和军队，使得这种音乐的乡愁情调具有独特的吸引力。
二十世纪五十年代中期，在乡村音乐中两种相反的风格居于主导地位。东南部乡村音乐采用了激烈奔放的“兰草”音乐的形式，突出了五弦班卓琴高超的演奏技巧；西南部的乡村音乐民谣风不强，情调较为柔弱，节奏准确明晰，低声部重音强烈而突出，正是从这种音乐中产生了摇滚乐。
美国乡村音乐的特点是，一般以男、女独唱或者小合唱的形式出现，说唱结合，时弹时唱，叙事性强。演唱的音域不宽，一般只在中声部。早期的乡村音乐主要是弦乐、提琴类乐器在其中起着决定性作用。乡村音乐家们演奏提琴，不加颤指，喜欢直来直去的音色。其他的弦乐器是班卓琴之类的弹拨乐器。班卓琴常被用作独奏乐器，或者在小乐队中用作和弦或节奏乐器。三十年代，曼陀林开始用于乡村音乐，并作为“兰草乐队”的风格而著称于世。从总体上看，乡村音乐不太讲究旋律美与和声美，结构简单，一般分为二段体、三段体和歌谣等形式，节奏分明，具有内在感染力。在乡村，白人和黑人之间存在着音乐上的交流，因此，早期的乡村音乐有着黑人布鲁斯的因素，在旋律变奏手法和声语汇上明显受到布鲁斯的影响。从唱法上看，歌手们用高亢的、带鼻音的腔调向听众诉说着一切。
然而乡村音乐歌手似乎都有一个共同的特点，那就是认为快乐就像生活一样，永远是不安全的。正因为如此，他们的歌中总是带有一种冷淡或忧愁。如著名的美国歌曲“The Sound Of Silence”，那种冷淡的旋律，即使是不看歌词，也能使人感觉到孤独和阴暗。还有众所周知的老歌“The Yellow Ribbin On An Old Oak Tree”，虽然旋律轻快，但总是笼着一层薄而淡的金色忧愁。更不用说Joan Baez的“Famous Blue raincoal”了，简直让人感到骨髓都带着寒气，歌曲结束后，人都感动得发颤，而又突然莫名其妙地忧伤起来。我想，特别迷恋乡村音的朋友，可能都是多悉善感的人吧！但也不要太过忧伤了，还是笑口常开的为妙，因为连Garth Brooks这样的乡村歌曲之王都会说：“虽然我唱人生的不幸，但也唱生活的快乐，因为快乐总是多于不幸！”
关键词：音乐剧；演唱风格；多元化
0 引言
一部音乐剧的艺术形式通常是非常丰富多彩的，综合包括了音乐、舞蹈以及戏剧等多种艺术门类，不过剧中歌曲往往是人们欣赏音乐剧时留下最深刻记忆的部分。歌曲不仅代表了剧中的音乐风格，更能体现剧情以及剧中的人物，因此，在音乐剧当中非常重要的一个部分就是对歌曲的演绎，我们非常有必要对音乐剧的演唱风格进行把握并对之进行探讨。在现代的音乐剧的歌曲演唱风格中主要包括了以下几个方面：
1 以爵士乐为主调
美国作曲家埃尔文在1914年创作的歌剧《当心你的脚步》中以爵士乐的风格为主，这一格局的出现导致了爵士乐与音乐剧的结缘。自此以后，美国的音乐剧以及流行乐当中开融入了爵士乐的新元素，爵士乐的出现不仅将美国征服，还逐渐融入了欧洲，将长期以来欧洲音乐剧的传统样式改变了。
作为音乐剧中“爵士时代”的20世纪前20年代，许多作曲家在音乐剧的创作中开始运用将爵士乐的创作手法，将强音放在弱拍或者通常空拍处而不是放在重拍上。其中颇具有代表性的是格什温，他将爵士乐的风格和拉赫玛尼诺夫以及德彪西的风格结合起来，并尽量在作品中应用这种风格，“交响味儿”的爵士风由此开创。格什温把蓝调音乐中可以使悲伤感觉产生的降七级以及降三级音节的这样手法在音乐剧的创作中进行了充分运用。他创作的歌曲中具有温柔清新、和声优美以及活泼有趣的特点，并具有很强的幽默感，从而实现了独特的格什温歌曲风格的形成[1]。因此格什温的音乐剧创作中许多歌曲都被看做是爵士乐延长的经典作品。其中最著名的音乐剧歌曲之一就是他在1935年创作的《夏日时光》，不仅深受人们的喜爱，在世界上也是广为传唱，爵士乐手经常即兴演绎该曲的旋律。在黑人的川普的节奏韵律以及古老的传统文化基础之上，格什温创作了歌剧《波吉与贝丝》，他在剧中成功的融入了优美的黑人民谣、爵士乐以及蓝调等音乐元素，从而使得该剧不朽的当代音乐剧佳作。
在音乐剧里，爵士乐的艺术风格非常的独特，它那自由即兴的乐风、个性的切分音节奏以及质朴的旋律走向都可以使人产生联翩的遐想以及燃烧的激情，做到了撩人心弦，使人着迷。因此，作为音乐剧演唱风格的爵士乐无法被忽略，爵士乐的音乐元素被很多优秀的音乐剧所采纳，表演者很值得去尝试这种风格。
2 演唱风格中的轻歌剧唱法
在百老汇的舞台上，轻歌剧的辉煌历史长达几十年之久。在音乐剧的历史发展进程当中，轻歌剧是非常重要的环节，它不仅继承了欧洲的喜歌剧以及大歌剧，还广泛的融入了当代的流行音调，从而成为朗朗上口、颇有喜剧风格的艺术形式。在19世纪的欧洲出现了轻歌剧，由于刚开始抓住实权的资产阶级要求娱乐的轻松性，对于戏剧展开比较缓慢、舞台气氛严肃凝重的大歌剧失去了热情和浓厚的兴趣，相反的，吸引他们的就成为了形式轻松活泼的具有喜剧风格的轻歌剧。1858年作曲家奥芬巴赫创作的《天堂与地狱》成为了第一个划时代的轻歌剧作品[2]。这个歌剧不仅是奥芬巴赫的代表作品，更是轻歌剧发展史上的里程碑，当时整个欧洲都充满了它那优美悦耳以及轻松愉快地旋律。他创作的音乐不仅通俗易懂，更没有复杂的技巧，并融入了当时的各种舞曲、歌曲、进行曲以及小夜曲等，大众喜闻乐见的民间乐调贯穿于整个曲调当中。除了重唱、独唱以及合唱的演唱形式外，说白也被大量采用。轻歌剧的艺术效果也因为拟声词的使用而加强。
还有一种风格在轻歌剧中十分重要，就是小斯特劳斯的圆舞曲风格，轻歌剧的音乐因为其中欢快的旋律以及3拍节奏而丰富。这种流行的“俗音乐”因为音乐史上小斯特劳斯独特的贡献而最终登上了艺术殿堂。优美上口的旋律、浓厚的喜剧色彩以及轻松热闹的歌舞都是这类歌剧的特点。识别它的记号是波尔卡以及圆舞曲，由诙谐幽默、能歌善舞、相貌出众以及善于频频出彩的全能型演员在担任其中的主要演员。其中《薇丽亚之歌》、《风流寡妇圆舞曲》等作为《风流寡妇》这部歌剧中的歌曲[3]，不仅具有优美动听的旋律，还具有极浓的圆舞曲风格，深受人们的欢迎。由此开始的轻歌剧创作中，涌现出了一大批杰出的作曲家以及轻歌剧作品，并成为后世传唱的经典。
虽然是以美声唱法作为基础的，轻歌剧的演唱风格却具有相当的喜剧效果以及流行通俗色彩，正统、严肃而规范的大歌剧唱法消失了。轻歌剧的有些演员即可异常轻歌剧类型的歌曲，又可以唱歌剧，这种演唱风格是流行音乐与美声的早期融合。
3 演唱风格以乡村音乐为主的唱法
具有浓厚的乡土气息是乡村音乐的特点，作曲家哈穆特恩以及罗杰斯共同创作的《俄克拉荷马》是最有代表性乡村音乐风格的音乐剧，将美国乡土气息浓郁的农村故事作为这部作品的题材，将美国本土的一群拓荒者在动荡的西部地区的狂放而质朴的爱情故事和生活经历表现来出来。充满了乡村音乐风格的音乐，浪漫有趣、敬请乐观的剧中歌曲非常的脍炙人口。作为美国乡土音乐剧代表作的《俄克拉荷马》其乡村音乐风格及其饱满，在美国的音乐剧中比较普遍，极其自然的民谣式的演唱、个性独特的音乐以及朗朗上口的旋律都非常接近大众的生活，从而深受人们的喜爱。
4 流行音乐与古典音乐完美结合的演唱风格
典雅、优美以及耐人寻味的古典音乐一直深受许多乐迷的喜爱，同时，人们的眼光又被时尚通俗的流行音乐吸引。随着越来越快的生活节奏以及时代的进步，在对高品质的物质生活的追求以外，越来越多的人对精神生活的追求越来越渴望。他们不仅追求高雅的艺术，更渴望通俗易懂的艺术形式。人们这种对艺术的追求很快在流行与古典的融合当中得到了满足。因此，人们疯狂的喜爱上了将古典与流行融合在其中的音乐剧风格。
英国的天才作曲家韦伯使得百老汇不只是代表美国本土音乐剧，更是成为汇聚世界音乐剧的舞台。在进行音乐创作时韦伯将各种音乐类型传统意义上的各中界限打破，并运用的演绎理念和艺术技巧，使得古典音乐完美的结合了各种流行的音乐元素。韦伯洁具现代感的音乐剧每一部都是精品，其中较为突出的作品之一就是《歌剧魅影》，该剧有效的将流行的情歌与古典歌剧进行了结合，大大增强了它的魅力[4]。其中《想念我》的歌曲具有婉转流畅的旋律，恰到好处的运用了花腔乐段，不仅具有艺术歌曲的美感，更具有通俗音乐的亲和力。而其中的歌曲《歌剧院中的幽灵》中摄人心魄的男女主人公的合唱更是让人欲罢不能。作为一首重量级的经典歌曲，《我唯一的请求》含蓄隽永而不失激情的旋律，一直被认为是情歌对唱在音乐剧中的典范，直至如今还在世界范围内广为传唱。流行于古典相交融演唱的居中歌曲，不仅要求演员具备意大利传统美声唱法的功底，更要在演唱中带有现代流行唱法的感觉。作为一个难度较高的考验，对与歌唱演员来说是一个非常大的挑战。
此外，在传统古典音乐的基础之上，法国作曲家勋伯格在进行音乐剧创作中大量的采用现代的表现手法，而其中极为优秀的两部音乐剧是《西贡小姐》和《悲惨世界》。优美而流畅是《悲惨世界》的旋律特点，充满了各种情感的激烈碰撞与完美融合，该剧也因为其中起伏的音乐而感人至深。作为其中最著名的咏叹调之一，《繁星》在歌词与旋律中极具使命感。而在《西贡小姐》里，勋伯格将美国摇滚与爵士的节奏插播其中，并同时引进了越南的民间乐器和音调风格。《上帝啊这是为什么》作为“勋伯格”式的典型歌曲，具有荡气回肠极其大气的旋律。而且对于演唱者来说，这首歌里面很多的高音具有一定的难度，在控制声音以及气息的方面具有很高的要求，可以作为男高音在音乐剧歌曲里的试金石。作为全剧中最著名的歌曲之一，《世界的最后一夜》具有千回百转的旋律，不禁使人柔肠寸断。《美国梦》则将人物的滑稽狡诈的形象通过闪烁的爵士音调表现了出来，成为了具有独特魅力的音乐剧。
5 以摇滚音乐为主的唱法
摇滚乐作为一个时代的主流在20世纪60年代登上了百老汇的舞台。音乐剧《长发》的摇滚风格是其中最具有代表性的。作曲家马克德蒙特在创作时引进了流行音乐的元素，将电子音乐的效果大大增强。美妙的且极富感染力的剧中的歌词，具有煽动人心的一种力量。具有先锋特色的歌词，将音乐剧种音乐必须与剧情配合的传统规范打破，而且在表达某种情绪上特别注重，使人听起来有吟诗的感觉。剧中的歌曲如《让阳光照进来》以及《宝瓶座》等都脍炙人口，非常流行[5]。
宗教内容与摇滚乐的结合是摇滚音乐剧中比较突出的一个类型。其中的《耶稣基督超级巨星》是由英国作曲家韦伯创作的，是比较有影响力的第一部成熟的摇滚音乐剧。它作为一出经典剧目，对人物、经文以及人们之间的关系在心理上进行了探索，是摇滚歌曲与史诗的完美结合。韦伯在对耶稣基督进行描绘时运用了摇滚乐的语言以及摇摆舞的风格，使音乐剧的表现手段范围大大的扩展了，将主题严肃的音乐剧的表现形式用活泼的轻音乐以及摇滚乐进行替代。此剧在配器上成功的将管弦乐的限制打破，在音乐剧中引进电声音乐，从而使它的表现力与时代感得到了加强。剧中的歌曲具有通俗以及上口的特点，现代感非常强。在歌声中，可以使人们感受到爱戴以及尊重耶稣基督的感情[6]。
节奏在演唱摇滚风格的音乐剧时是非常重要的一部分，演唱者需要通过节奏对强烈的感情进行宣泄。演员的嗓音在歌唱时也非常具有个性，沙哑的明显性以及喊叫的不加修饰，使得此剧的震撼力非常强。此外《啊，加尔各答》以及《你自己的事情》等具有摇滚另类风格音乐剧也非常的受欢迎，很多观众为之而疯狂。
6 通俗流行音乐为主的演唱手法
现代社会潮流的发展与音乐剧的发展之间的关系是不可分割的，音乐剧的现代性、流行性以及通俗性是它自身的特质决定的。其中很明显体现这些特点的是当代的法国音乐剧，作为法国音乐剧的典范，《巴黎圣母院》的风格和以往音乐剧的传统形式有很大的不同，它的流行音乐取向极富亲和力，写意风格特别强烈、艺术感染力也比较深，赢得了很多观众的喜爱。剧中充满了冲突与对立的场面与角色，使得这部剧目不仅冲破了文化的藩篱，更跨越了时代的潮流。《大教堂时代》作为剧中的开幕曲，起伏缠绵的音乐以及磅礴大气的歌词，使得浪漫主义的精髓的到了很好的体现。这首歌不仅将法国音乐剧在音乐上的特点体现了出来，更让表达的主体成为旋律本身，取得了很强的艺术效果。
此外，法国音乐剧中的《罗密欧与朱丽叶》《十诫》等剧目的演绎方法都非常的流行，并且都是用流行的音乐人作为词曲作者，这部音乐剧因为流行歌手的现场煽动能力以及清冽的表现欲望显得十分震撼人心。“动听”是法国音乐剧在流行潮流里的第一追求。法国的音乐剧因为不拘小节的浪漫观，从而呈现了一种开放的态度。居中体现了许多现代感十足的方式，几乎完全没有了古典歌剧中的宣叙调。以流行性为主的法国音乐剧，不仅具有非常现代通俗的唱法，更具有很强的观赏性，使得现代观众越来越挑剔的口味得到了满足。
7 结语
伴随着不断增强的全球文化交流以及不断进步的时代潮流，音乐剧要想更加国际化，必须要增强自己的多元性。不受任何公式化模式约束的多元化的音乐剧，具有不拘一格的音乐风格。在不断发展的音乐剧，其艺术内涵通过利用各种形式来加以丰富，因之具有了非常独特的魅力。我们希望有更多的人去了解音乐剧，去演绎音乐剧，从而促使中国这片土地上开满音乐剧艺术的鲜花。
参考文献：
[1] 李曦.古典音乐元素与美声唱法的融合形成的音乐剧风格[J].辽宁行政学院学报，2010（10）.
[2] 田旭.浅析音乐剧种古典音乐元素与美声唱法的融合[J].牡丹江师范学院院报（哲学社会科学版），2006（4）.
[3] 周映辰.音乐剧种音乐的风格属性和取向[J].中国电影电视技术学会影视技术文集，2009，35（12）.
[4] 张立人，张逸帆.浅析音乐剧对我国流行音乐的影响[J].人民音乐，2011（3）.
[5] 康茜茜.“音乐剧唱法”的演唱风格及其声音概念[J].黄钟（武汉音乐学院学报），2012（13）.
蓝调起源于黑人音乐
布鲁斯从贫苦的黑人奴隶的业余音乐演化为了一种种类多样的、形式复杂的音乐种类，它还可以分亚类，在整个美国，后来也在欧洲、非洲和世界其他地区还产生了地区性的形式。今天的蓝调与今天的乡村音乐一样是在19世纪美国南方开始的。最早的蓝调和乡村音乐的录音是1920年代的，当时正在起步的大众音乐工业研究和制造了“非裔美国人音乐”和“传统音乐”等市场类型来相应地吸引黑人或者白人顾客。当时在蓝调和乡村音乐之间除演奏家的种族的区分外没有明确的区分，有时录音公司还会标错标签。实际上这种使用人种来进行的分类是错误的。比如当时人们将黑人奴隶表演给他们的主人的福音歌曲分为蓝调，但实际上这种黑人宗教歌曲的来源是赫布里底群岛。黑人美国经济学家和历史学家托马斯·索维尔还指出美国南方的前黑人奴隶人群在相当程度上被他们的苏格兰—爱尔兰“乡下佬”邻居们同化了。但是库比克和其他人的研究也显示出蓝调中依然含有相当程度的非洲遗产。
关于蓝调出现的社会和经济背景有过许多研究。蓝调最早的出现时间不很精确，一般认为是在1870年和1900年之间。这个时期与美国南方奴隶解放和从奴隶制转向合作制和小规模农业的过程一致。一些学者将这个时期的发展定义为从集群表演转化为更加个人化的形式。劳伦斯·勒文（LawrenceLevine）认为“在国家强调个人的意识、布克·华盛顿的主张的普及性和蓝调的形成之间有直接的联系。奴隶制对黑人的心理、社会和经济的影响是不可估量的，因此他们的世俗和宗教音乐对此的反映是非常自然的。”
蓝调音乐始于20世纪初美国的南部。其中亦混合了在教会中类似朗诵形式的节奏及韵律。这种音乐有一种很明显的特式，便是使用类似中国民俗唱山歌的“一呼一应”的形式进行，英文叫作“Call and Reponse”。乐句起初会给人们一种紧张、哭诉，无助的感觉，然后接着的乐曲便像是在安慰、舒解受苦的人。就好像受苦的人向上帝哭诉，而其后得到上帝的安慰与响应。所以蓝调音乐很着重自我情感的宣泄和原创性或即兴性，这种即兴式的演奏方法，后来慢慢地演变为各种不同类形的音乐，如Rock and Roll、Swing、Jazz……所以蓝调亦是现代流行音乐的根源。至于口琴被广泛用于蓝调音乐中是起始于约20年代中，那时候在美国当地有很多街头艺人表演音乐，他们常用乐器是五弦琴、鼓、和一种叫“pan quill pipes”的吹奏乐器。而由于吉他和口琴的性能比这些传统乐器好和更适合于空旷的地方表演，所以渐渐地口琴便常被用作吹奏蓝调音乐。及后30年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，蓝调音乐和蓝调口琴亦随之在芝加哥这地开支散叶，及后更自成一派名为Chicago Blues。在听蓝调音乐的时候，你会发觉它们好像都依着一个相同的曲式来进行。其中原因是因为蓝调音乐会常用到一种标准曲式，名为12 Bar Blues。蓝调对后来美国和西方流行音乐有非常大的影响，拉格泰姆、爵士乐、蓝草、节奏蓝调、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代的古典音乐中都含有蓝调的因素或者是从蓝调发展出来的。
“原始非洲音乐的旋律结构”
由于蓝调成形于其个人表演，因此要指出所有蓝调的共同特征很难。但在现代蓝调出现以前所有的美国黑人音乐有一定的共同点。最早的蓝调式的音乐是一个“功能式的表达，其启应的歌唱没有任何伴奏、和谐，不拘束于任何形式，没有任何特别的音乐结构”。这些从奴隶田野工作时的叫喊和呼唤来源的蓝调以前的音乐逐渐扩展为“简单的、带有感情内容的单声歌”。今天的蓝调可以看作是基于欧洲的和弦结构和从非洲的启应传统上发展为歌唱与吉他的交替演奏的音乐。许多蓝调的元素，比如启应的形式和使用的蓝调之音都可以追踪到非洲音乐。西尔维安·迪欧弗（Sylviane Diouf）指出一定的特征——比如使用花音（melisma）和轻的、鼻音声调——似乎说明蓝调与中非和西非音乐的联系。民族音乐学家格哈特·库比克（Gerhard Kubik）可能是第一个指出蓝调的一定元素来自非洲的人。比如库比克指出汉迪在他的自传里所描写的使用刀刃来弹吉他的密西西比技术在西非和中非文化里非常普遍，当地的类似吉他的21一弦竖琴（Kora）是最常用的歌唱伴奏弦乐器。这个技术包括吉他手用刀压吉他的弦，它可能是滑音吉他（Slide guitar）技术的来源。后来蓝调又吸收了黑人音乐中走唱秀（minstrel show）和黑人圣歌（Spiritual），包括其乐器和和弦伴奏。蓝调与拉格泰姆的关系也很密切，不过蓝调更好地保存了“原始非洲音乐的旋律结构”。
早期的蓝调往往是松散的叙事歌曲，歌唱家诉说他或她在“一个残酷的现实中的个人遭遇：失爱、警官的残忍、白人的迫害、艰巨的日月”。与当时的其他音乐纪录相比许多最早的蓝调记录中含有坚忍不拔的、真实的歌词。最极度的例子之一是Memphis Minnie的《深入小巷》，其歌词描写一个在小巷里与男人的事。这样的音乐被称为“吊肠蓝调”（"gut-bucket" blues）这个名字来自于一种使用清洗猪的小肠的铁桶自造的低音乐器，这种食物往往被与贫困和奴隶生活联系到一起。
吊肠蓝调一般描述男人与女人之间的 爱与恨、不幸和艰苦生活。吊肠蓝调与一般演奏这样的音乐的粗暴的酒店给蓝调音乐带来了其不快的名声。虔诚的基督教徒避免它，一些布道者甚至将它称为是罪恶的。由于它的歌词一般是关于生活的艰难和不公正，有些人总是将蓝调与贫困和压迫联想到一起。但蓝调的歌词不只是关于艰苦，有些也非常诙谐和。一开始的蓝调可能只有一段，重复三次，现在通见的结构——一段，重复一次，然后接着一个单段的结束——是后来发展出来的。有人认为约鲁巴神话在早期蓝调中有一定的作用。但是大多数蓝调艺术家更主要的是受到基督教的影响。早期的歌的结构非常不同。在铅肚（Leadbelly）和亨利·托马斯的录音中可以找到这个时期的歌。但是后来基于主音和声、次属音和声和全桔第五音和声的蓝调形式成为最普及的形式。今天被看作是典型的12节蓝调是1900年代初在密西西比河下游的黑人社群中出现的，这个过程既有口述历史也有乐谱的记录。孟菲斯的比尔大街是早期蓝调形成的地方之一。
城市蓝调和乡村蓝调
由于拉格泰姆的商业成功，美国乐谱商立刻开始追求类似的蓝调的商业成功。1912年汉迪的三部类似蓝调的作品出版，加速了锡盘巷采用蓝调元素的过程。汉迪（W.C.Handy）是一位职业音乐家，他在普及蓝调的过程中起了一个关键角色。汉迪是第一位将蓝调改写给乐团的人，他的改写作品达到了交响乐似的规模，配有乐队和歌唱家。他成为一位非常著名的作曲家，自称为“蓝调之父”，但也有人认为他的作品根本不是蓝调。他的作品可以看作是蓝调、拉格泰姆和爵士乐的综合，他主要使用的是在拉格泰姆中使用长久的拉丁美洲音乐中的哈巴涅拉节奏。汉迪活了相当长时间，在这段时间里非常有作为，他最著名的作品是《圣路易蓝调》。
1920年代里蓝调成为美国黑人和美国流行音乐里的一个重要元素，通过汉迪的作品和经典的女蓝调演唱家它也获得了“白人”听众的青睐。蓝调从非正式的表演演化为剧院里的娱乐。在剧院里、夜总会里都会有蓝调演奏。这个演化使得蓝调特别地多样化，并且蓝调与爵士乐之间的区别也越来越明确。一些唱片公司开始录制美国黑人音乐。随着录音工业的发展，一些乡村蓝调艺人在美国黑人社群中的名声也不断增高。盲人莱蒙·杰佛逊是第一位使用撕吉他录音的艺人，他使用刀片、酒瓶和其他不寻常的对象来弹吉他。撕吉他成为三角洲蓝调非常重要的组成部分。在1920年代录制的蓝调可以分为两个风格：一个是传统的乡村蓝调，另一个是比较加工的，多样的城市蓝调。
乡村蓝调往往没有伴奏，或者只适用一个班卓琴或者吉他来伴奏，其表演往往是即兴演奏。在20世纪早期有许多地区性的乡村蓝调风格，其中少数尤其重要。密西西比三角洲蓝调风格纯朴，往往使用撕吉他或者口琴伴奏，它的歌唱非常简单和激情。这个风格最有影响的演奏家可以说是罗伯特·约翰逊了，他只做了少数录音，但是在这些录音中以独特的方式将城市与乡村蓝调融合到了一起。东南部“优美、诗情”的山麓蓝调（Piedmontblues）使用一种精心的指弹吉他技术，其代表人是盲人威利·麦克泰尔和瞎孩子福勒。20年代和30年代产生的生动的孟菲斯蓝调主要由陶瓶乐队演奏。这些乐队使用很多不同的不寻常的乐器如洗衣板、小提琴、玩具小笛或者曼陀铃。30年代后期和40年代初许多孟菲斯蓝调音乐家迁往芝加哥，跨越乡村和电子蓝调的界限。
城市蓝调更有条理和更精心细作。经典女性蓝调或者滑稽歌舞剧蓝调歌唱家在1920年代尤其出名。比如贝丝·史密斯，她虽然更加是一位滑稽歌舞剧演员，但确享有“蓝调皇后”之称。她录的“疯狂蓝调”唱片在一个月内卖出了7.5万张。她的导师马·雷尼同样受尊敬，有“蓝调之母”之称。克拉克写道，两位演唱家都使用“一种技术围绕着一个中心调来唱每支歌，可能为了使得她们的声音更容易传到演唱厅的后部”，而史密斯“也喜欢用不寻常的调来唱歌。她用她美丽雄厚的女低音来改变和延伸曲调使得她的演唱无以比美”。城市蓝调中的南艺术家包括当时美国最著名的黑人音乐家。 1930年代和40年代初另一个重要的城市蓝调的风格是布基伍基。虽然这个风格主要是钢琴独奏，但也有歌唱或者使用乐团或者小的乐器配合的。布基伍基德特征是一个固定的低音旋律，一个固定音型或者一个既兴重复段。它使用最常见的音阶变换，左手演奏非常精巧的和声，而右手则演奏华丽的装饰。最早演奏布基伍基的是在芝加哥的吉米·杨西和所谓的布基伍基三人。芝加哥还推出了其它布基伍基音乐家如厄尔·海恩斯。海恩斯“左手上弹奏有力的拉格泰姆钢琴家式的节奏，而右手则弹奏着阿姆斯特朗的小号似的旋律”。
1940年代早期另一种城市蓝调是跳跃蓝调，这个风格受大乐队音乐的影响很重，它的特点是使用吉他来演奏节奏、爵士乐式的速度快的音乐、雄厚的演唱和使用萨克斯管或其它铜管乐器。条约蓝调音乐家后来成为摇滚乐和节奏蓝调的前驱。介于经典的节奏蓝调与蓝调之间的非常平滑的路易斯安那风格。
第二次世界大战后和在1950年代中随着城市化的加剧以及放声器的普及新的电子蓝调风格出现了，尤其在芝加哥、底特律和堪萨斯城这个风格非常流行。
50年代初芝加哥成为了蓝调的中心。芝加哥蓝调受三角洲蓝调的影响非常大，因为当时大多数艺术家是来自密西西比地区的移民。他们的风格特征是使用电子吉他、有时是吉他、蓝调口琴、传统低音和鼓。但也有些音乐家使用萨克斯管，不过他们使用萨克斯管更主要地作为节奏支持，而不是作为独奏乐器。
蓝调与主流流行音乐
50年代里蓝调对美国主流流行音乐的影响非常大。鲍·迪德利和查克·贝里直接受芝加哥蓝调的影响，他们激情的演奏离开了蓝调忧郁的风格，一般被看作是摇滚乐的开始。埃尔维斯·皮礼士利和比尔·海利受跳跃蓝调和布基伍基的影响很大，他们将摇滚乐带入了白人社群。芝加哥蓝调对路易斯安那州的兹德蔻音乐的影响也很重要。许多蓝调的风格被引入这个音乐流派，比如使用独奏电子吉他和凯金音乐。但也有些音乐家不是受芝加哥蓝调的影响，而是受其他风格的影响，比如西海岸蓝调。这个风格比芝加哥蓝调平滑，位于芝加哥蓝调、跳跃蓝调、摇滚和爵士吉他之间。也有的艺术家的风格非常个人化。
1960年代初美国黑人音乐中的摇滚乐和灵歌成为了主流流行音乐。白人音乐家将黑人音乐在美国和其他国家传播给新的听众。虽然大多数听众只是喜欢当时的流行曲调，但是也有人开始追踪这些音乐的根底。尤其在英国产生了许多追求蓝调根底的乐队。到该年代底白人音乐家演奏的多样的蓝调或者蓝调与摇滚乐融合的风格成为全世界流行音乐的主流。同时也有些艺术家继续发展蓝调的传统。比比金在50年代出头，在60年代末达到了顶峰，他的技巧性的吉他技术使他获得了“蓝调之王”的称号。与芝加哥蓝调不同的是他和他的乐队使用强的低音支持，而不使用撕吉他或口琴。美国民权运动和言论自由运动的音乐在美国导致了对美国音乐根底，尤其是早期美国黑人音乐的根底的研究。纽波特民间艺术节之类的重要音乐节将传统蓝调重新介绍给了新的听众。战前的声乐蓝调和许多被遗忘的蓝调演奏家被重新发现。许多战前的经典蓝调被重新编辑发表。
识音赏乐
流行音乐是根据英语popular music翻译过来的。按通常的说法，所谓流行音乐，是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的乐曲和歌曲。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中。因此，又有“大众音乐”之称。
下面普及性地给大家介绍8种热门的音乐分类，当是给不怎么接触音乐的同学们扫盲吧，反正介绍多了你们也记不住。
1. Rock and Roll（摇滚乐）。即摇滚，是一种音乐类型，起源于20世纪40年代末期的美国，50年代早期开始流行，迅速风靡全球。摇滚乐以其灵活大胆的表现形式和富有激情的音乐节奏表达情感，受到了全世界年轻人的喜爱。摇滚乐在60年代和70年代形成一股热潮。
代表人物：The Beatles（披头士）、The Rolling Stones（滚石）、Bob Dylan（鲍勃・迪伦）、Elvis Presley（猫王）……
2. Soul（灵魂乐）。亦称“灵歌”。1969年，“公告牌”用“索尔”来代替原来对“节奏布鲁斯”的称呼，“索尔”是由布鲁斯、摇滚乐与黑人福音歌混合而成的一种黑人流行音乐，演唱时较少演奏乐器。
代表人物：Aretha Franklin（艾瑞莎・富兰克林）、Ray Charles（雷查・尔斯）、James Brown（詹姆斯・布朗）、Stevie Wonder（史提夫・汪达）……
3. Pop（流行音乐）。一种具有强烈节拍的现代流行音乐。一般认为，流行音乐有广义和狭义之分，这里的“波普”是指狭义的流行音乐。
代表人物：Michael Jackson（迈克尔・杰克逊）、Britney Spears（布兰妮）、Prince（王子）、Madonna（麦当娜）、The Beatles（披头士）……
4. R&B（节奏布鲁斯）。R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏布鲁斯”。广义上，R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源于黑人的blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础。Billboard杂志曾界定R&B为所有黑人音乐，除了 jazz和blues之外，都可列作R&B，可见R&B的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip-Hop和Rap都源于R&B，并且同时保存着不少R&B成分。
代表人物：Michael Jackson（迈克尔・杰克逊）、R.Kelly（罗・凯利）、Usher（亚瑟小子）Backstreet Boys（后街男孩）……
5. Rap（说唱乐）。黑人俚语，相当于“谈话”（talking），产自纽约贫困黑人聚居区。它以在机械的节奏声的背景下，快速地诉说一连串押韵的诗句为特征。这种形式来源之一是过去电台节目主持人在介绍唱片时所用的一种快速的、押韵的谈话性的语言。“莱普”的歌词幽默、风趣，常带讽刺性，上个世纪80年代尤其受到黑人欢迎。
代表人物：最有代表性的乐队是“公开的敌人”（public enemy）、 Eminem（阿姆，埃米阿姆）、 2pac、Jay-Z、50 Cent、T.I.……
6. Country（乡村音乐）。乡村音乐（Country music）是一种当代的流行音乐，起源于美国南部与阿帕拉契山区。乡村音乐的根源可追溯至1920年代，融合了传统民谣音乐、凯尔特音乐、福音音乐及古典音乐。乡村音乐的曲调，一般都很流畅、动听，曲式结构也比较简单。多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。
代表人物：Taylor Swift（泰勒・斯威夫特）……
7. Blues（布鲁斯）。“布鲁斯”（又译蓝调，港台常译为“怨曲”）是一种基于五声音阶的声乐和乐器音乐，它的另一个特点是其特殊的和声。“布鲁斯”是南北战争后，在黑人民间产生的一种演唱形式，它与黑人的种植园歌曲（劳动时集体合唱的无伴奏歌曲）有着一脉相承的关系。“布鲁斯”起源于过去美国黑人奴隶的圣歌、赞美歌、劳动歌曲、叫喊和颂歌。
代表人物：B.B.King……
8. 中国风（chinoiserie）。中国风即中国风格。它是以中国元素为表现形式，建立在中国文化和东方文化的基础上，并适应全球经济发展趋势的有着自身独特魅力和性格的艺术形式。 在近年来尤其是2008年之后，中国风开始流行于文化、艺术领域，如广告、电影、音乐、服饰、建筑等。
代表人物：周杰伦（Jay chou）、王力宏（Leehom Wang）……
以上音乐作品都不难找，如果不想出门，可以在网上寻找来试听。音乐是可以陶冶情操的，开始接触时，可从流行歌曲入手，从歌曲到乐曲，再到音乐整体，进而对音乐产业有了一定的了解，然后你会慢慢发现，当你懂得去欣赏后，你从中的领会及共鸣会非常多。当然啦，芹菜是不大推荐你们去听那些悲悲切切消磨人的意志的歌曲，芹菜个人比较喜欢那些旋律优美、节奏缓慢的音乐，有条件的时候，也喜欢去现场感受音乐。音乐现场能使你与音乐人更近，体会更奇妙的感受。
电影派对
介绍了音乐，你们是不是觉得太高雅了呢，呵呵呵，高雅的就那么多吧，现在咱们说说电影。2011年是好莱坞大片年，尤其是续集电影扎堆上演，且多数以3D和IMAX形式上映，并主要集中在暑期档放映，着实让今年夏天更加爆热。经过芹菜法眼，亲自帮大伙过滤挑选出几部合适我们年龄阶段的电影，我们可以邀上三四好友，也可以和爸爸妈妈一起，悠闲地在电影院里捧着可乐加爆米花，结合视听享受，优哉游哉地观赏电影。不用多说，那可是相当轻松的一件事呀。
《雷神》发行：派拉蒙
《雷神托尔》是惊奇公司今年的头号“摇钱树”，也是今年好莱坞暑期档第一部真正的大片。这部幻想史诗巨制改编自惊奇公司的畅销漫画，讲述的是北欧神话中奥丁儿子托尔的故事。托尔是奥丁神的儿子，因为掌控风暴和闪电而得名。这个角色早在1962年就被引入漫画，在漫画中他被描绘成一个性情傲慢自大的天神，因为点燃了古代战火而触犯“天条”，被发配凡间化身为一名残疾外科医生，随身兵器“战锤”也变成了他的手杖。去年的《诸神之战》由于转制3D让口碑受影响，希望《雷神》能吸取教训让转制3D效果有所提高。
《加勒比海盗4》发行：迪士尼
《加勒比海盗4》使用的是和《阿凡达》同款的Pace Fusion 3D系统，让影片中的瀑布、雨林和沼泽，以及无限宽广的海洋有了更加逼真的效果，而片中各种打斗也在3D摄影机的帮助下显得更加逼真。
《绿灯侠》发行：华纳兄弟
《绿灯侠》也是一部由漫画改编来的电影。华纳再度与DC漫画联手，将这个绿色英雄搬上大银幕。相较于其他“侠”电影，这部漫画的英雄扮演者瑞安・雷诺兹可谓一个大帅哥，2010年他被《人物》杂志评选为年度最性感男士，帅气的面容和结实的身材让他人气十足。作为一部标准意义的爆米花商业片，和钢铁侠、蝙蝠侠不同，绿灯侠能力更强大，撒手锏是手上的戒指，它发出的绿光力量无穷，此外他还有一盏专门为戒指“充电”的绿灯。他可以轻轻松松飞出地球，打击宇宙恶势力。他那一身绿色的装束是科技材料，不再是传统手工制作，而是通过电脑特技来呈现。
《赛车总动员2》发行：迪士尼
2006年《赛车总动员》曾在国内上映，由于汽车文化不够普及，票房并不理想。但五年后国内有车一族变多，潜在观众也在变多。另外，在北美几大动画公司中，皮克斯创新能力无疑是最强的，但3D水平并非最高。经过《飞屋历险记》《玩具总动员3》的实践后，《赛车总动员2》将把积累到的所有3D经验都大量运用到赛车场面的效果上。
《变形金刚3》发行：派拉蒙
如果2011年只有一部好莱坞大片能引进，我想多数国内观众肯定会选择《变形金刚3》。该系列前两集分别取得2.7亿和4.3亿的高票房。本片将是迈克尔・贝执导的最后一部《变形金刚》电影。《变形金刚3》将改变前两集故事薄弱的软肋，特效也更加刺激炫目，汽车人与霸天虎的斗争也将升级到新的高度。而且《变形金刚3》也沿用了《阿凡达》同款的Pace Fusion 3D系统，立体效果货真价实，想象一下用3D眼镜观看擎天柱大哥手持激光剑的样子，那是怎样一种过瘾。
《哈利・波特与死亡圣器（下）》发行：华纳兄弟
这个世界上有一套系列是影迷必看的，那就是《哈利・波特》，尽管从第五集开始，该系列每况愈下。走过十个年头的哈利・波特终于要告别观众了。《哈利・波特与死亡圣器（下）》上集赢得了票房口碑双丰收，两亿多的票房让我们更有理由期待该片下集。为了让最后一集有最好的3D效果，华纳将上映时间推迟将近一年，拥有充足的时间进行3D后期转换，《哈利・波特与死亡圣器（下）》将用最好的立体视效呈现在广大哈迷眼前。
《牛仔和外星人》发行：环球
这两个八竿子打不着的元素被融合到了一起。在美国西部一个小镇，印第安部落和西部牛仔的战争中，几架太空船突然降临搅局……除了故事奇怪，主创阵容也很强大，影片由《钢铁侠》导演乔恩・费儒执导，斯皮尔伯格担任监制，“007”丹尼尔・克雷格和老牌动作明星哈里森・福特联合主演。
【关键词】高中英语 教学情景
一、教学情景的创建
1.采用多姿多彩的导入形式，为创造良好课堂教学情景做准备。课堂教学导入有时也被叫做热身活动。Warming-up exercise是课堂教学的起始环节。在课堂教学中广泛采用的导入有多种：如事例导入、问题导入、妙语导入、审题导入、自荐导入等。对中学生学习外语而言，单调乏味的开场白往往提不起学生的学习兴趣。
如第5单元第二课(卓别林)，该课主要介绍卓别林生平。按照陈旧的教学模式其步骤往往是：(1)学生快速阅读；(2)做阅读理解题；(3)教师讲解文中语言点。如此陈旧的教学方法，学生听来索然无味，教师苦不堪言，尤其严重的是此种教学方法会极大地挫伤学生学英语的积极性。结合卓别林表演艺术的特点，我采用了以下导入方式：播放一段轻松的小夜曲，随着委婉的轻音乐，拉开了当天热身活动的序幕。“Today ， we’ll have a game first. Mr.Mrs ，if you are brave enough，please come up and walk in front of the classroom，Each should try your best to walk in a special way，just try to make yourself different from others. We’ll see who will do best and get first in the game .”(今天我们先做一个游戏，勇敢的女士们、先生们，请走上前来，用你认为最独特的步态展示你与众不同的魅力。我们将拭目以待，看谁能摘取此次比赛的桂冠)。紧接着马上把音乐换成有刺激性的能够引起强烈情绪冲动的劲歌。受音乐的感染，我情不自禁的模仿了一下迪斯科的舞步，学生们一下群情激奋，争先恐后地拥上讲台，尽可能别出心裁地走出与众不同的步态。其中有个女生所模仿的女模特，其神似与形象简直令人拍手叫绝，为此她获得了竞赛桂冠。高度激活的师生情绪就为顺利完成课文学习作好了充分的准备。这时我马上从话题引人课文主题：There was a funny popular man who used to walk and act in a vary special way and brought a lot of fun and happiness to thousands and millions of people. Do you know who he is ？If you want to know him， read text， please .(有一位滑稽的表演大师，他以独特的走路方式及表演形式，为成千上万的人们所喜爱。他给世人带来了无限的欢乐，你们知道他是谁吗？要想认识他，请阅读课文)。从而把学生的心理活动尽快地引向教学主题。
2.以精心设计的教学活动为中心，营建课堂教学情景。精心设计的教学活动较好地开发了学生的学习潜力，充分发挥了学生的主动性、能动性和创造性，从而便于自己去认识发掘教材的内在联系和揭示和学知识本身的魅力。当然，课堂教学活动也并不是越多越好。 应根据不同的教学主题精心设计课堂教学的活动，选用适当的活动形式。
二、教学情景的调控
1.补充相关词语，深化课堂教学情景。在高一第11单元“Country Music”(乡村音乐)一课中，我采用了以下手法补充相关词语：首先告诉学生：“there are many different kinds of music in the tape . Now listen and tell me . What kind of music each of them belong to？ ”(当今存在许多不同的音乐形式。请听这盘磁带中的音乐片断，然后说出它们分别属于哪种？)待乐曲播放完毕，黑板上已写下了一大串与课文主题相关的音乐形式的英文名称，如 乡村音乐、轻音乐、爵士乐、古典乐、摇滚乐、流行音乐等。学生用英语说不出的由老师补充。这些补充使学生在乐曲中轻松愉快地掌握了主要的音乐类型及英语名称，为下一步教学的话题——“what kind of music do you like best and tell us the reason ？ ”(你喜欢哪种音乐形式，并告诉原因)中有可能出现的语言障碍的教学扫清了道路。
2.以思考题为线索 呼应课堂教学情景。每单元课题完成后，教师应巧设思考题，引发学生思考。通过思考题进一步提炼和归纳本课的重点，拓展学生的思维空间、思考题的设立一方面是对课堂教学情景的呼应，另一方面也是课堂教学情景的进一步深化。
三、结束语
课堂教学情景的设置应当贯穿于整个教学活动的始终。一般来说，它是由课文导入、教学活动安排思考题布置等环节构成的。它们在教学情景设置中具有不同的作用，课堂教学情景的设置必须综合考虑各方面的因素，受种种条件的制约，或者说在教学内容、学习条件等条件无法改变之前，在中学英语课堂教学中教师通过课程设计来引发、形成和创造课堂教学情景不失为一种较好的方法。
【关键词】萨缪尔·巴伯;钢琴曲;美国音乐
一.巴伯的生平简介
萨缪尔·巴伯，1910年生于美国宾夕法尼亚州西切斯特镇，从小受到母亲和姨夫一家在钢琴和声乐上的熏陶，6岁时便能即兴弹奏旋律， 7岁时开始在声乐和器乐的创作方面显示出非凡的才能，10岁时写出歌剧《玫瑰树》的剧本。1924年，14岁的巴伯进入新创校的柯蒂斯音乐学院(Curtis)学习钢琴、作曲、声乐和指挥。毕业后，长期游学欧洲的经历，使传统欧洲的古典、浪漫派音乐和文学深深扎根在巴伯的音乐语言当中。
20世纪50年代，巴伯的专业作曲家生涯进入顶峰时期，此时的巴伯被认为是十分卓越的作曲家和美国音乐的传播人，多次代表美国参加国际音乐活动。然而1966年创作的《安东尼与克利奥帕特拉》成了巴伯职业生涯的由盛到衰转折点，1981年1月23日巴伯在纽约去世。
二、巴伯的钢琴音乐创作
巴伯一生写过4部歌剧、2部芭蕾舞剧，19部管弦乐作品、14部室内乐、39部独奏乐器作品、20部合唱作品、106部声乐作品等。与此相比，巴伯的6部钢琴音乐作品在数量上显得相对较少，但是这些钢琴作品无论在音乐语言的丰富性，还是创作思想的深刻性上，都足以代表巴伯音乐创作的最高成就，在巴伯的音乐创作中享有重要的地位。而其中尤其以《漫游集》、《钢琴奏鸣曲》和《钢琴协奏曲》三部作品最具代表性(另外三部为《纪念》(Souvenris)，《夜曲》(Nocture)，《叙事曲》(Ballade))。
这三部钢琴作品表现出巴伯过人的掌握多种音乐风格的能力:抒情的旋律、明确的调性、古典曲式结构的频繁运用都体现出传统欧洲音乐风格;大量不谐和和声、半音阶，十二音列的运用又体现出娴熟的现代音乐作曲技法;富有美国风情的音调节奏不时点缀着乐曲，显示出巴伯对美国民族音乐的挖掘和热爱，三种风格迥异的音乐和谐的融合在巴伯的作品中，最终形成了巴伯特有的音乐风格。
三、美国音乐元素的运用
作为土生土长美国作曲家，巴伯从来不曾忘记在自己的作品中加入美国音乐，来向世界介绍自己国家的音乐风格。美国是个民族大融合的国家，许多的音乐风格都来自不同民族，有外来的也有本土，如印第安音乐，拉丁美洲音乐，西部乡村音乐和爵士乐等等。而在美国音乐中又以爵士乐最为突出，而爵士乐又以它突出多变的节奏和与众不同的爵士音调为主要特点。
(一)爵士节奏
巴伯曾说过他对爵士乐的看法“爵士乐对我来说非常简单，你在听爵士乐时更多的时候是跺着脚打着响指，而不是靠耳朵。”这说明了在爵士音乐中节奏的重要性。爵士节奏丰富多变，其特点大多是摇摆，节拍重音交错和即兴。《漫游集》第一首乐曲就采用了典型的“布吉--乌吉”(boogie-woogie)的风格，即一种爵士钢琴风格，最初是为舞蹈伴奏，特点是左手弹奏强有力的固定低音，一般是以双音或是分解八度构成固定低音。而右手则采用大量的切分与不规则节奏与左手的稳定形成对比。(见谱例1)
谱例 1
《漫游集》第二首乐曲大量运用各种时值的附点和三连音，营造出一种随意的摇摆的慢速布鲁斯风格，在《钢琴协奏曲》第二乐章中也采用了相同的节奏特点(见谱例5)，附点加十六分音连线的组合正是摇摆的爵士节奏风格。《钢琴奏鸣曲》曲第一乐章一开始大量附点节奏则不再是摇摆的风格，而是代表了一种坚定的力量，同时以八度音程加强其力度，具有打击乐的特点，在乐曲一开始就把主题宣示出来(见谱例2)。在《钢琴协奏曲》第一乐章发展部的节奏特点则充分体现了爵士节奏即兴的特点，从114小节到119小节都是有规律的以三个十六分音符为一组的节拍，右手先奏出三个音，左手跟随右手第三个音进入，两个手的衔接很有规律。从120小节到126小节则打乱了前面有规律的节拍，把前面的节拍材料加以变化，十六分音符时而两个音一组出现，时而三个音一组，甚至一个音。而左右手的衔接也不再有规律，而是按照各自的节拍进行，交错的节拍加上无规律的音符组合在听觉上达到了即兴的效果。
谱例 2
(二)爵士音调
爵士风格的音调是由具有特色的音阶构成，而巴伯多采用布鲁斯风格的音阶。布鲁斯源自于声乐演唱，它的音阶特点是含有“蓝调音”——即降Ⅲ级音和降Ⅶ级音，(见谱例3)“蓝调音”与正常的Ⅲ级音和Ⅶ级音交替使用，Ⅵ有时候也会降，这与声乐中的滑音，颤音有关，其曲调风格忧郁。
谱例 3
在《漫游集》第一首乐曲首中随处可见这样的“蓝调音”，如结尾处反复交替出现的c小调降Ⅲ级音和还原的Ⅲ级音。(见谱例4)
谱例 4
在第二首乐曲中更是典型的布鲁斯风格。除了《漫游集》这部爵士风格的乐曲外，在巴伯的其他作品中爵士音调像精灵一样随处可见，时刻给听众惊喜，使人惊讶于他对各种音乐风格的把握天赋。如《钢琴协奏曲》第二乐章中出现了频繁的半音交替的布鲁斯音调，第二主题的布鲁斯风格与第一主题的德国民歌风格的交相辉映，两种不同文化背景的音乐和谐的融合在乐曲中。(见谱例5)
谱例 5
包含有爵士风格音调的地方还有许多，如《钢琴奏鸣曲》第一乐章开始的降A和还原A交替出现(见谱例2)，第四乐章中一个固定短小的动机中包涵的布鲁斯音调(见谱例6)等等。
谱例 6
(三)其他美国民族音乐
巴伯除了采用了爵士音乐作为创作素材，还吸收了许多其他民族音乐，并在作品中反映出来。《漫游集》第三首乐曲是拉丁美洲舞蹈的音乐风格，伴随着探戈的节奏，其旋律迷人动听(见谱例7)。
谱例7
《漫游集》第四首乐曲一开始就使用开放和弦来模仿口琴的声音，随后的单音旋律模仿的是小提琴，然后两种乐器同时出现，让人领略到了迷人的美国西部风情。(见谱例8)
谱例 8
综上所述，《漫游集》(Excursions Op.20)是巴伯受钢琴家贞尼·贝伦德(Jeanne Behrend)委托而作，通过这部作品，巴伯向世人证明了他驾驭“美国风格”音乐的能力。作品在规模较小的古典形式中融入了美国民间风格，包括拉丁美洲的舞蹈音乐，乡村音乐，爵士乐等等，这些风格非常突出地体现在节奏方面，对民间舞蹈、民歌和民间乐器的描绘和模仿也不少见。这些美国音乐的元素同样也渗透在他的《钢琴奏鸣曲》和《钢琴协奏曲》中，并将这些特色的民族元素结合现代音乐的作曲技法，演绎出不失传统欧洲的浪漫情怀。巴伯对美国音乐元素的运用使美国钢琴音乐的发展达到一个崭新的高度，这也使巴伯最终成为最受欢迎的美国音乐传播人。
结语
在音乐流派众多的20世纪，运用民族音乐元素创作，巴伯不是第一人，也不是唯一运用美国音乐元素创作钢琴曲的作曲家，相比同时代的科普兰(Aaron Copland)和格什文(George Gershwin)对爵士音乐的运用，巴伯的的音乐风格则更为多样化，包容性更强，这主要体现他对传统欧洲古典和浪漫派音乐、现代音乐以及美国音乐的完美结合上。
作为现代21世纪的钢琴演奏者，一首近现代作品，包涵的音乐风格往往不再是单一的一种，而是数种音乐风格的融合，这对演奏者提出了越来越高的要求，很好的理解并演奏这些作品就要求我们全面的掌握了解各种时代、地域、个人风格的特殊性，我们只有跟上音乐历史的脚步才能更好的表现近现代作品的音乐内涵。
参考文献
[1]Barbara B. Heyman:Sammuel Barber:The Composer and His Music(New York Oxforo University Press 1992)
[2]Stanley Sadie，New Grove Music and Musicians Dictionary Index，Macmillan Publisher Ltd.2000
一、精彩的开场白，激发学生的兴趣
新课标指出：“兴趣是学习音乐的基本动力，是学生与音乐保持密切联系，享受音乐，用音乐美化人生的前提。”在音乐欣赏教学中，一定要培养学生的音乐兴趣。上课的开场白很重要，好的开场白能很好的吸引这些大孩子注意力，学生刚开始上课的时候的注意力还不是很集中，如果能通过学生感兴趣的开场来拉近和学生的距离，那么这堂课就成功了三分之一了。
二、运用多种教学手段、方法获得情感体验
音乐是声音的艺术，在欣赏教学中，仔细地聆听音乐是欣赏音乐的一个起码条件。在教学中，我们应该摒弃传统的“教师讲、学生听记”这种“灌输式”的教学模式，突出音乐作为声音的艺术的学科特点，根据不同的音乐作品，采用不同的音乐欣赏方法相结合，提出不同的欣赏要求，来引导、加深学生对音乐作品的感受和理解。
三、抓住音乐中有趣的地方，让他们有兴趣地学习
音乐中其实有很多有趣的地方，提出来，再让学生学习，这是个很好的办法。
我在教唱英文歌曲《Jambalaya》的时候，听完第一遍，学生们立刻高呼，这是我们熟悉的《小冤家》嘛！顿时产生了浓厚的学习兴趣，然后我找英语水平比较好的同学翻译了英文歌词，学生学得很来劲，很快学会了这首美国乡村音乐。
四、不否定学生的喜好
学生喜欢的流行音乐有些老师是执否定的态度的，我却不这样认为。大禹治水是用引流而不是用堵的。音乐教育也是一样，老师不能因为流行的音乐中有很多是关于爱情的就禁止它，流行音乐中有很多值得学习的东西，而这些东西学生并没有注意和总结，老师这个时候应该引导。随着社会的进步，时代的发展，学生获得各种信息的渠道越来越多，获得的信息也越来越多，流行音乐也借助于各种媒体充斥于社会的每一个角落，因其紧跟时代、贴近生活、通俗易懂而被广大学生所喜闻乐见。因此，在音乐课中，我们可以结合教材内容，选择一些优秀的流行歌曲在课堂上欣赏或学唱，以激发学生的学习兴趣和学习积极性。比如现在学生大多都喜欢周杰伦，但他们并没有去发现他的音乐中包含的一些东西，比如让学生听《台》，让学生了解民族音乐民族乐器在流行音乐中的运用，听《夜曲》延伸讲解夜曲这种音乐体裁。
【关键词】排舞；健美操；比较
中图分类号：G88
一、前言
随着全民健身运动在中国的进一步发展，越来越多的运动项目加入到全民健身的大家庭中来。排舞、健美操深受广大健身爱好者的喜爱，它们都是在音乐伴奏下，以身体练习为主要形式，在参加健身的人群所选择的项目中占有很大的比例。鉴于这两个项目的受欢迎程度，有必要对两种运动项目的异同点和共同点进行深人的探讨，使广大群众对其有进一步的认识，不仅为其选择锻炼项目提供理论、实践的参考依据，而且为其终身体育打下基础。
二、排舞和健美操的起源
排舞是一种排成一排排跳的舞蹈，英文叫做Linedance。目前的排舞运动，是一种令现代都市人为之怦然心动的崭新健身形式。它源于20世纪70年代的美国西部乡村的舞曲，起先用吉他和拍手的方式起舞，后来融入了欧洲宫廷和拉丁式的舞步，随着排舞的发展，舞步越来越多元，风格更创新，简单易学，是一种既可个人独享，又可与团体共乐的舞蹈。
健美操（Aerobics）最早由美国人KennethCooper博士于20世纪60年代开始于美国推广。Aerobics原来只强调“有氧运动”的重要性，并且以训练心肺功能为主要目的。随着有氧运动的发展，到20世纪70年代末，健美操运动逐渐受到大众的欢迎。80年代初，美国健身、影视明星简・方达根据自己的健身经验和体会大力推广有氧健美操，1981年，她编写出版的《简・方达健美术》引起了世界轰动，这对健美操运动在全世界的发展起到了积极的作用
三、排舞与健美操的异同点
（一）音乐特点
排舞音乐有具有浓厚牛仔风格的美国西部乡村歌曲，有经典的西洋老歌，也有许多现代音乐元素，如爵士、拉丁、华尔兹、街舞，以及世界名曲，甚至歌剧主题曲，现行的舞曲已达3000多首。丰富多样的音乐形态是排舞创编的资源库。多元的舞曲可满足不同性别、不同年龄层次人的需求。青年人热情奔放、激情洋溢，可以选择拉丁舞、爵士舞、街舞等舞曲；中老年人则可以选择舒缓柔情的舞厅舞曲目。
健美操相对比较单一，选配的音乐应体现健美操健力与美的特点，强调美与力的结合。音乐的旋律要动听，力求新颖，富于变化，节奏要鲜明、强劲、规整，速度要适中，具有振奋精神的情绪效果。健美操的音乐速度通常是以10秒钟为单位作为设计动作速度的标准。健身健美操的音乐速度分为慢、中、快三种：慢速为每10秒钟16～20拍；中速为20～24拍；快速为24拍以上。通常，为了充分体现大众健美操的健身性，大众健身操的音乐为每10秒钟20～24拍。而竞技健美操的音乐速度则偏快，通常为每10秒钟26～30拍。因为，快速跳动的音乐节奏更能让人产生激情，具有感染力。
（二）动作特点
排舞是拉丁舞、爵士舞、街舞、舞厅舞等的"大集成"，其舞步的选择自由度十分大，有恰恰、伦巴、曼波、牛仔、华尔兹、摇滚及其它舞蹈的基本步，也有诸多民间舞步。尽管动作多元，有多样的舞蹈元素组合参与，但其曲目有简单，有复杂，有慢节奏，也有快节奏，体现出整体多元性。除了步伐的统一外，对躯干和上肢动作并没有具体规定，每个舞者都可跳出自己的风格，展现完全属于自己心灵的诠释，这更增添了排舞的魅力。
健美操是以8种基本步伐及其变化形式，同时融合了其他元素，但相对与排舞来说较少，由于其动作节奏的限制，目前仅融合了拉丁、搏击、街舞等动作元素。其快速的动作变化、多变的身体动作、夸张的激情表现，使每一个动作都充满了激情和快乐。健美操运动在意识上强调“严谨”，每一个动作在技术上都要求精益求精，进而构成“完美”的套路。
（三）地域特点
排舞的每一支舞曲都有世界共同的舞序，所以排舞是全世界同步的舞蹈，每一支舞曲对应独特的、完整性节奏和风格的舞步，在现有舞曲中，排舞的舞步无一雷同，由于不断有新的乐曲出现，新的舞步也相应产生，如今流行的舞曲一般由世界知名的排舞老师依照舞曲的歌词意境及节奏风格编舞，所以排舞是全界同步的舞蹈，它不分国家、地区、民族，全世界人在同一首音乐下跳同一个舞步。
健美操则没有什么地域特点，它作为一种健身方式，动作创编的自由度比较大，国家或地区、民族之间没有对比性。
四、排舞与健美操的相同点
（一）适宜人群
排舞和健美操是富有艺术性的运动，其能给人们带来不同的情感体验，符合现代人追求健美、自娱自乐的需要，因此深受广大群众的喜爱。同时它们练习形式多样，运动负荷和难度可以自我调节，不同年龄、性别、形体、素质、个性、气质的练习者都可酌情择项参加锻炼，各种人群都能从其练习中找到适合自己的练习方式，并通过训练增强体质，弥补自身的某些不足，并且还可从中获得乐趣。因而，排舞和健美操是男女老幼所青睐的一项运动。
（二）练习场地和练习形式
排舞及健美操的锻炼不受气候的影响，基本不受场地限制，对场地、器材条件的要求不高，练习起来简便安全，适合不同地区、不同条件的单位和部门开展。排舞的练习不受人数限制，可以单人、双人、多人甚至一万多人一起跳同一支舞曲。健美操的练习人数和排舞一样不受人数限制。
五、小结
通过比较不难发现，排舞和健美操之间的区别还是非常明显的，两种运动项目最大区别在于音乐特点、动作特点和地域特点的迥异，排舞的音乐风格从美国西部乡村音乐到古典音乐、流行音乐、世界名曲甚至歌剧主题曲；舞蹈元素也从社交舞到体育舞蹈、民间舞、爵士舞、爱尔兰舞蹈、肚皮舞、街舞等当今流行的舞蹈形式，使人的视觉焕然一新。而健美操的音乐风格健美操相对比较单一，节奏要鲜明、强劲、规整，速度要适中，具有振奋精神的情绪效果，融入的舞蹈元素也相当有限。但双方的共性之处在于不受年龄、性别、场地、人数的限制，而且联系形式多样，在广大群众中都较好开展。参与者可根据自己的爱好和特点进行选择。
参考文献：
随着网络技术和音响媒体技术的不断普及，学生接触音乐的层面也是越来越广，《超级女声》《中国好声音》等各种以音乐为主题的选秀类电视节目层出不穷，学生大多热爱此类音乐节目却很少有人真正热爱音乐课堂。笔者作为一名工作在第一线的高中音乐教师，在自己的教学过程中，经常发现，高中学生往往处在学习和竞争压力之中，不能积极地释放自己的情感。而音乐作为一门艺术，不仅仅只有流行音乐，古典音乐同样魅力无限。因此。笔者希望积极挖掘音乐教学中的人文教育因素，通过音乐教学陶冶高中学生的情操，拓展学生的知识面和文化视野，丰富学生的文化素养，在文化素养的熏陶下培养其合理乐观的人文观，促进素质教育的实施。
一、音乐教育在人文精神培养中的独特作用
音乐在现代汉语词典中的解释是“表达人们思想感情，反映现实生活的一种艺术。是人类一种古老的、具有普遍性和感染力的艺术形式。它不以说教方式来传播，更多的是通过熏陶、感染途径，潜移默化地来影响人的心灵，使更多的人得到美的滋润。”大哲学家黑格尔指出：“审美带有令人解放的性质。”所以，我认为通过审美及情感教育是现代社会消除历史带给人类的这一系列的负面影响的最好方式和最有效的途径。
音乐蕴含着丰富的文化和历史内涵，学生可以在不同的音乐作品中了解到不同时代、不同国家、不同民族的文化以及生活中各种人物的性格特点、思想感情和精神面貌。新课程的内容强调“切实反映学生生活经验，努力体现时代特点”，揭示了音乐文化内涵作为改革单一音乐内容的思路。作为美育领域的音乐课程是弘扬人文精神、提高人文素养的人文学科。普通高中音乐课程标准所阐述的基本理念也从不同的方面反映了人文精神的内涵与价值。以音乐审美为核心就是有情感的教师面对有情感的学生要在潜移默化的音乐教育中培养其美好的情操和健全的人格。音乐基础知识和基本技能的学习，应有机渗透在音乐艺术的审美体验之中。因此，高中音乐新课程教学最根本的变化就是从注重知识与技能的教学方式转变为以学生为主体，让每一个学生的个性得以充分发展的情感、态度、价值观的培养。让人文统领音乐教育，让音乐学习更轻松，更活泼。
二、对高中音乐欣赏课中融入人文理念的思考
1.创设情境，激发学生的学习兴趣。首先，在课堂上采用丰富多彩的教学手段，创设不同的学习情境，激发学生兴趣。在具体教学中，我们可以寓教于乐，结合每一种音乐的特点，创设不一样的学习环境，例如，在学习乡村音乐时，可以在郊区体验下生活，大树下上课不失为一个不错的选择，学习民歌时，可以通过不同的服装向学生展示这一民族的特点和风俗习惯，让学生如身临其境，感受我国各民族民歌的魅力;在学习古典音乐时，努力营造一种典雅出尘的氛围，或者是带领学生参观博物馆感受古代气息。激发学生的学习兴趣，挖掘其中的人文教育元素，努力提升学生的精神修养。
2.对学科知识体系进行整合。如果把音乐作为一种文化来认识的话，那么，教学中就需要通过拓展学生的知识面和视野来让学生的文化素养得到丰富，而这就需要在教学中对高中阶段的各个学科进行整合。如以语文教学来丰富学生的想象能力，让学生在字里行间去领略人类、自然、社会、历史所特有的魅力，从而为他们对音乐之声背景的了解打下基础;以地理教学的山川河流、人文风俗来引导学生去探求音乐中的地域风格，了解不同音乐发源的特点，诸如此类，不难看出，多学科的整合为在音乐欣赏课中对学生人文理念的培养打下了基础。
3.加强音乐实践教学，激发学生的人文情操。众所周知，高中音乐教学具有很强的实践性，教师应当重视音乐实践过程中对学生人文情操的培养，因为学生只有在不断的音乐实践中才可以加强自身的人文精神的体验，并逐渐形成自身所特有的音乐气质和音乐修养。因此，高中音乐教师可以适当把教学视野转移到课外，帮助学生组织和参加更多具有人文气息的音乐活动，如校园文艺汇演、歌手大赛等，这对提升学生的综合素质、完善学生的人格显然是非常有利的。
本文主要探讨了挖掘高中音乐教学活动中人文教育的新元素。事实上，在音乐教学中，学生心灵总会潜移默化受到人文教育元素的影响，提升高中生的道德素养，以及思想文化水平。希望通过本文的研究，能够抛砖引玉，引起国内众多专家和学者的重视，加强高中生音乐教育中的人文教育，培养高素质的高中生，促进高中学生德智体美劳全面发展。
关键词： 课堂教学 新课 导入方法
俗话说：“良好的开端是成功的一半。”这话不无道理，那么对于我们教学中的新课导入也是至关重要的。因为新课的导入是课堂教学的最关键的一步。备课时，教师要对每一节课的新课导入进行认真设计。对怎样导入、什么方法、先后顺序、深度、广度、是否能激发学生的兴趣、是否把Revision和Presentation有机结合起来等一系列问题进行认真的思考，查阅资料，搜集参考，有时上课前还要在大脑里过一遍，直至满意为止。但是往往还有“万事开头难”的感觉，因为好的新课导入的运用，不仅能使学生尽快进入良好甚至最佳状态，还能使学生积极参与、积极思维，能够引起学生的学习兴趣，激发学生对知识的渴求，会取得事半功倍的教学效果。同时还能促使学生进行自觉复习、预习。在很大程度上还可以进一步提高学生的听、说、读、写的能力。这就促使我们对新课的导入有清醒的认识，要求教师根据教学目标、教材特点和学生的心理特征，应用具体而有效的方法，巧妙地导入新课，使课堂教学很快进入最佳状态。
新课的导入，首先要求教师必须把握新课的教学目的、重要的语言材料等，然后结合已学过的知识，参考教师用书，查找资料，同时还要根据新课的特点和学生掌握知识的情况进行认真设计，最好做到衔接巧妙、自然。让学生在轻松复习旧知识的同时，学到新知识。在英语教学过程中，如何使新课的导入有一个良好的开端，让学生在学习新课之前就对所学的内容产生浓厚的兴趣，促使他们以极大的热情投入学习，以期收到良好的教学效果，这是一个值得探讨的问题。我们认为达到这一目的，教师就要在讲授新课前，根据学生的心理特点，结合新课的具体内容，采取学生感兴趣的艺术手法导入新课。笔者试从以下几种常见的新课导入方法进行探讨。
一、插图与问题导入法
我们目前使用的教材大部分都配有彩图，这些彩图很容易引起学生的注意力，激发他们进一步探索的兴趣。因此，教师要根据新课的材料，把新旧知识有机结合，设计有针对性的问题。这对于活跃课堂气氛、提高课堂教学效果无疑起着重要的作用。每当我说：“Look at the picture carefully，what can you see in the picture?”所有的学生都会一下子把精力集中到彩图上，并积极举手，表达他们所看到的和所想到的。或者设计的问题注意鼓励和启发，由简单到复杂，由感性到理性层层深入地揭示出来，使学生的思维按认知规律有序进行，逐步排疑解难。同时把握问题的角度、速度、深度。但是有的问题学生不一定都能回答出来，那么可以让学生去思考，然后作一个诱导，或者作一个伏笔，待新课上完后再解决。让学生带着问题学习，也不失为一种好的方法。
二、课文内容简介导入法
简单介绍课文大意或人物简况，容易引起学生的兴趣。故事性或记述人物的新课均可采用此法导入。教师可让学生在课前稍做准备，课堂上简单叙述，教师再作补充；也可由教师单独叙述介绍。例如我在教授教材的Abraham Lincoln时，我要求学生“say something about Abraham Lincoln”，由于我们现在的教材的编排的特点，学生已初步了解有关林肯的知识，所以大多都能说上一两句。发言往往比较踊跃，诸如，“Abraham Lincoln was one of the greatest American presidents”、“He was born in Kentucky”、“He set all the slaves free”、“He studied law in his spare time and later became a lawyer”……这时课堂气氛热烈欢快，此时我接过话题，因势利导以表扬的口吻说：“OK，You have told us a lot about Abraham Lincoln.If you want to know him further，let’s come to the text.”如此顺势导入新课，可谓顺水推舟。
三、表演导入法
表演是一种艺术，它能以生动的形式使信息直接输入学生的大脑。应用此法导入新课，能收到良好的教学效果，但要求我们教师巧妙地利用教材，创造情景，通过表演的艺术引导学生在欢乐的气氛中学习新的内容，充分调动学生的积极性。可以是教师、也可以是学生表演，或者两者合作进行。例如我在教授教材Sports时，我邀请几位学生上讲台，先给他们每人一张纸条，上面分别写有几条不同的短语，如：Play football，play basketball，play tennis，swimming，running，wrestling...然后让他们分别表演这些动作，下面的学生如果能说出这些短语则说明他们的表演很成功；如不能，则鼓励他们再作改进，然后再问另外一些学生：Which sport do you
like best？这样就顺理成章转入正题，进行新课的学习。
四、电教媒体导入法
录音机、录像、投影仪、VCD、多媒体等现代化教学手段在英语课堂教学的导入中已屡见不鲜。由于英语教学内容繁多，有的仅用语言叙述比较抽象，也难以理解，如果借助图表、动画、声光、色彩，可以变难为易，帮助学生深入浅出地理解知识，同时增加课堂信息容量，活化教材的内容，能产生多种感官刺激，吸引学生的注意力。如在学习教材American English这一课时，我充分利用收音机和录音机的功能，选择性地转录了BBC和VOA的英语节目，让学生听；然后让他们判断British English和American English在发音上的不同和在拼写上的区别；同时利用投影仪来呈现一些单词，让学生判断两者之间的差别，加深学生的感性认识。通过此法，非常容易地使学生掌握两者的不同之处。
五、悬念式导入法
精彩的悬念能给教学带来无穷的魅力，教师精心设计的问题牵动着每个学生的思维神经，激起学生的好奇心和求知欲。采用悬念式引入法，可以检查学生的知识面，同时吸引学生的注意力，激发学生思维和探究的欲望，从而达到引入新课的目的。
六、音乐、歌曲导入法
关键词：小学；音乐；教学
在提倡全面发展的今天，学校越来越重视对学生德、智、体、美、劳的培养。笔者从音乐学科入手，通过以下方法引导学生乐于学习音乐。
一、从音乐特点出发，引导学生参与审美体验
音乐具有听觉美感、时间性、情感性等特征。在音乐教学中，教师要创设音乐情境，利用音乐的节奏击拍、旋律视唱、歌词朗诵及视频动画，通过对学生进行感官刺激，使学生产生艺术联想及想象，感受音乐的美，提升学生的鉴赏力，潜移默化地影响学生的心灵。具体可从以下几方面入手。首先，用视频动画创造音乐情境，培养学生学习音乐的兴趣。小学生最喜爱的就是音乐动画，教师可在课堂上事先为学生播放视频音乐动画片，利用声音、色彩、画面刺激学生的感官，迅速激发学生的兴趣。看完影片配上音乐，让学生闭上眼睛听音乐想画面，使学生能进入音乐情境，发挥想象，扩展思维空间，在陶冶学生情操的同时，使他们爱上音乐。其次，从生活中的节奏引向音乐节奏，让学生体验节奏美。教师在对低年级学生进行音乐教学中，可让学生先谈谈自己在生活中都熟悉哪些声音，它们有什么样的节奏，并试着向其他同学表现。然后再引导学生用音乐的形式展示出来，组织练习，从而达到从生活中的节奏引向音乐节奏、让学生体验节奏美的目的。最后，针对中低年级学生喜爱模仿的身心特点，在音乐教学中，教师需要留给学生模仿的空间和实践，例如：一节音乐课上，笔者为同学们播放了阿杜的《他一定很爱你》这首歌，让学生们分析阿杜的具体音色，进行针对性的模仿实践。长期坚持下去，不但学生的感性经验得到了积累，音乐表现和创造能力也得到了进一步的提升。
二、搭建旋律视唱平台，让学生自信、自然、有感情地唱
首先，应在音乐听觉感知基础上识读乐谱，在音乐表现活动中运用乐谱。在教学中，让学生先仔细听教师示范弹琴，并说出自己的切身感受，跟随琴声从最开始的自由唱到大合唱，然后自己唱着旋律，现编舞蹈动作，进而进行绘声绘色的表演。其次，教师可以结合歌曲、舞蹈、视频、游戏等多种手段，对学生进行直观教学，激发学生的学习兴趣，开发其对音乐的感知力和潜力，体验音乐的美感。最后，引导组织学生积极参与学校的综合性艺术表演活动，分析歌曲的节奏，跳出优美的舞蹈，在律动、集体舞、音乐游戏、歌表演等活动中与他人合作。
三、采用多种形式培养学生的音乐创造力
音乐创造是指在中小学音乐教学中的即兴创造和运用音乐材料来创作音乐的活动。俗话说：“世界上不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。”生活中处处都有发挥学生创造性的机会，只要教师留心，就可以发现学生身上的闪光点。首先，在1～2年级音乐教学中，要引导学生从已有的知识结构中将成语、短句、诗歌或歌词用不同的节奏、速度、力度等加以表现。使学生在音乐实践中进行创造；在唱歌或聆听音乐时即兴地做动作，让学生在自我创造中快乐感知；用课堂乐器或其他音源即兴配合音乐故事和音乐游戏，在活动中使学生的创造力和表现力得到张扬和发展。其次，在3～6年级音乐教学中，引导学生即兴创编同歌曲情绪一致的律动或舞蹈，并参与表演，使学生在实践中获得创作成功感；以各种音源及不同的音乐表现形式，即兴创编音乐故事、音乐游戏并参与表演，从而提升学生的创造力和表现力。
四、以开放式和趣味性音乐情景激发学生兴趣
首先，器乐教学是家长与教师吸引学生学习音乐的手段，在课外建立乐器兴趣小组，有学生自己组建演奏团队，在课堂上可以配乐合奏、伴奏，发挥学生学习音乐的主体作用。其次，充分利用音乐艺术的集体表演形式和实践过程，培养学生良好的合作意识和在群体中的协调能力。在课堂上不仅组织学生通过音乐表演展示能力，还要在课外建立舞蹈表演队，组织学生把音乐音响从社区引向大自然，开展形式多样的音乐会、舞蹈演出，培养学生的合作精神。最后，在新课程改革中，学科交叉是新的挑战，音乐教师要将其他艺术表现形式有效地渗透和运用到音乐教学中，通过以音乐为主线的综合艺术实践，帮助学生更直观地理解音乐的意义及其价值。
总之，学生音乐学习的天地不仅仅是在课堂，教师应引导学生关注日常生活中的音乐。从广播、电视、磁带、CD等传播媒体中收集音乐材料，并经常聆听。参加社区或乡村音乐活动，同他人进行音乐交流。听音乐会或观看当地民俗活动中的音乐表演等，都是学习音乐的广阔领域。音乐教师应以促进学生终生音乐素养为出发点，践行新课程，为学生打下良好的音乐基础。
参考文献：
[1]钟恩富.生命化音乐课程与教学研究[D].长春:东北师范大学,2009.
[2]王志芳.新城区中小学音乐教育存在的问题及改进措施[D].呼和浩特:内蒙古师范大学,2012.
【关键词】《地心引力》 声音 声画联系
一、来自地球的声音
无声的宇宙黑暗空洞，如同表面上波澜不惊的大海，风平浪静实则暗潮汹涌。马特・科沃斯基在卫星例行检查时播放着来自地球的乡村音乐，每个宇航员都能通过信号连接听到。他希望通过这种方式缓解同伴们的紧张情绪，让极其危险的外太空作业稍显轻松。科沃斯基播放的《Angels Are Hard to Find》集中在影片开头、他与瑞恩・斯通前往联盟号的路上以及斯通因缺氧导致幻觉这三个桥段，与其说是舒缓人们紧张的神经，不如说塑造了科沃斯基的人物形象。在我看来，影片中科沃斯基充当了包括斯通在内所有人的精神导师。他的风趣幽默感染着身边的人，他会在空间作业时跟大家说“hairy boy”的故事，他会在生死未卜的太空漫步中告诉斯通他记得俄罗斯人把酒放在联盟号的某个地方，他会分散斯通的注意力，询问她家的位置，勾起她对地球的怀念。每一秒，他的状态都是那么轻松，甚至是面对生死。当他注意到牵绊住斯通的降落伞绳子随时都有松开的隐患时，毅然选择松开牵住两人的绳索，把活下去的机会留给对方，而自己即将永远成为太空中悬浮的尘埃。通观整部影片科沃斯基的出场时间不到二分之一，但存在感依旧满格。那首反复回环的《Angels Are Hard to Find》曲调质朴明朗，就像科沃斯基的为人，看似漫不经心却又有着超凡脱俗的豁达和淡定。
影片中还有一处让笔者印象深刻的，是第59分钟斯通连接与“天宫”的通讯信号时无意中连接到的来自地球上的广播信号。那个叫“安英冈”的人让远在外太空的斯通听到了久违的狗吠和婴儿的啼哭。在飞船没有燃料无法推进的绝境中听到了来自地球的声音，斯通最终选择在“安英冈”轻声哼唱的摇篮曲中静静等待死亡，这是一种回归本源的心态，是她在走投无路时的唯一选择，若不是在之后的缺氧状况下出现幻觉得到科沃斯基的指引，斯通便会这样一直沉沉的睡去，直到与女儿在天国相会。对她来说，曾经依赖的地球如今连触碰到一缕来自她的空气都是奢侈的，能在死前听到来自地球的声音已是上帝的格外嘉奖。个人认为这段特意安排的“地球广播”是一个句号，对于斯通来说，这是她为自己生命设置的句号，在生的希望十分渺茫时选择结束一切；对于整部电影来说，是前半部分剧情的句号，因为就此之后斯通逆转了一切，她明白了什么是“绝处逢生”，怎样让自己的求生潜力发挥到极致，比如之后利用灭火器做她前往“天宫”的推进器。
不论是《Angels Are Hard to Find》还是“地球广播”，这些来自地球的声音让远在外太空的宇航员时时刻刻感受到他们仍旧与地球相联系，就像婴儿永远依赖自己的母亲，这种归属感正是来自地球的引力。
二、回环宇宙的声音
原声带的作曲者史蒂芬・普莱斯曾经在采访中提及创作的感受，他很清楚为外太空科幻片配乐的难度，因此细节上需要着重把握，要通过音乐抓住主人公的情绪变化和剧情的跌宕转变。看完影片之后，笔者特意找到了原声大碟，一共十六首曲子，闭上眼依次听了一遍。或空灵，或荡气回肠；或舒缓，或让人绷紧神经，仅仅是听着音乐都能够想象得到不同的音乐氛围下此时的外太空正经历着怎样的狂风暴雨。相对于诸如乡村音乐的客观声音，主观音乐从一定程度上来说更能够烘托气氛，展现剧情的情感取向。当事情发生突变，航天飞机遭受星际碎片的猛烈撞击时，音乐声梯级增大，伴随着急促的喘息和心跳，让观影者身临其境，使压抑和紧张的情绪不断加重；当科沃斯基松开绳索的时候，亦或斯通关闭氧气阀门慢慢躺下的时候，音乐如同漂浮在低气压中让人心中沉闷，期间飘出丝丝缕缕女声哼吟，仿佛是来自天堂的召唤，让死亡成为悲壮、凄婉的人性升华。开头飘渺在太空中由远及近的说话声有力的吸引了观众的注意，将影片的真实感从一切初始推向一个崭新的高度。时长90分钟的影片在众多好莱坞巨制中相对较短，但是也反射着人们常说的：“浓缩才是精华”，影片剪辑紧凑，情节不拖沓，波澜起伏恰到好处。这些在太空中听不见而只有观影者能听得见的声音不亚于一场听觉盛宴，让人们伴随着情节的变化感受来自外太空的人性光芒。
三、我与你的声音
求生是人的本能，在外太空的宇航员也是如此，地球上有他们最记挂的家人，这样的感情线如同母体与胎儿之间连接的脐带，是一种与生俱来的归属使命。所以不论遇到怎样的困难，他们都会努力去克服，不放弃任何机会，哪怕只有一线生机。科沃斯基和斯通在太空漫步时的对话让我们得知斯通因为失去了自己四岁的女儿变得郁郁寡欢，人生变得灰白不堪。但在影片第68分钟时斯通接受了科沃斯基在梦中给她的启发，科沃斯基告诉她：“这里（指没有燃料的返回舱）固然安静，没有人会打扰你，但是要想活着就必须要振作起来，放轻松，享受这次旅行。” 她在意识清醒之后明白了应该如何去做，一边操作一边自言自语，她说起女儿的小红鞋，希望科沃斯基在天国转达她对女儿的深爱。与其说是科沃斯基给了她活下去的动力，不如说是她的内心深处有另一个充满斗志饱含潜力的瑞恩・斯通正在苏醒，那个因为生活打击日益消沉的自己已经在昏睡中死去，当下醒来的才是真正的瑞恩・斯通。只有这样的她，才能够认定“天宫”会是她回到地球的末班车，才会有信心告诉自己，别再闷头开车了，是时候改变一切了。
影片第76分钟，当斯通进入“神舟”返回舱急速下落时，和地面信号接收站“休斯敦”传达消息时有过这样一段独白：
“现在只有两种结果，要么我带着一个传奇的故事平安回到地球，要么我在10分钟内化为灰烬。不管是哪种结果，我都坦然接受！无论结果怎样，这都是一次非凡的旅程，我准备好了！”
带着生命经历波折的复杂情绪，她明白了不到最后一刻都不要放弃的道理，大气层撞击返回舱产生的巨大热能也不会融化她看破一切追随信念的勇气和决心。因为“高速下降”这一事实在告诉她，她正在回家的路上，是地球在用她强有力的双臂拥她入怀。
人生必当经历方能超越，瑞恩・斯通走出了自己，在回家的旅途中获得重生。影片结尾斯通的最后一句台词耐人寻味：
“谢谢。”
在笔者看来，她会感谢很多人，因为自己如今可以再次脚踩大地感受地心引力，因为可以活着回到地球。一句“谢谢”凝聚了太多情感，表现在电影中则会让观影者为之动容，更为之感同身受。
在科幻电影中，传统的“画面高于声音”的概念被颠覆了，声音设计不只是与画面保持着相同的地位，而是要高于画面①。绝佳的配乐效果让观影者深入电影的每一个镜头，我认为，这部电影的音效特色有如下几个方面：
1、音乐的剧作功能
一部电影必然有专属于她的主旋律。《地心引力》的主旋律《Gravity》声线悠扬，将太空中的未知与恐怖诠释得淋漓尽致。旋律本身前后对比明显，由舒缓到紧张过渡自然。音乐根据情节需要被分开放在不同的位置，由此更进一步展现了影视音乐独有的间断性。除了《Gravity》，《Aningaaq》、《The Void》、《In the blind》以及《Tian Gong》和《Altlantis》都有一个共同点，即结尾声音在快速增强后突然收住。声能急剧增加的声音最大的特点在于能够恰到好处的营造恐怖氛围，在影片中这类音乐作用于斯通从外太空进入舱门时和出现幻觉时科沃斯基进入推进舱时。室内室外声音交接变化十分明显，恰到好处的从声音角度告诉观影者太空是没有声音的，亦或告诉人们故事进入了另一个阶段，航天飞机内是有氧气的，主人公相对安全。写实手法的巧妙运用，是配乐者一大高明之处。
2、音乐的描绘
或静或动，音乐凌驾于诸多音符之上，通过和谐调动让音符富有生命，有力的描绘画面情节的变化。身处黑暗无边的外太空，科沃斯基遥望地球，这颗反射着太阳光的淡蓝色星球在夜空中是那么唯美；他脱离斯通之后漂浮到恒河上空，由衷的赞叹河上的日出美景。这两处配乐选用《Don't let go》，曲调轻柔婉转，细细描绘的地球的轮廓，不仅让人们真切感受到地球的美轮美奂，更能让人们体会到宇航员内心中对于地球母亲的深深眷恋。
3、音乐的暗示功能
音乐作为一种听觉因素具有了处于视觉层之外的某种独立性，它能够提供出画面本身所没有提供的东西。换句话说在某种意义上音乐在电影中有时会担任预言家，前瞻效果明显。例如影片中斯通一行人第一次遭受星际碎片撞击之前音乐声突然变得急促，在表现局势变得不稳定的同时暗示着之前“休斯敦”提前告知的太空车祸已经开始造成灾难性影响。音乐的暗示特性使这一段情节过度十分自然，不愧为影片一大亮点。
结语
影片第81分钟，斯通游上水面之后，周围除了水波荡漾的声音之外，有一些虫子飞舞的声音，远方还传来了几声鸟鸣。这是除了影片中主人公之外唯一存在的动物发出的声音。这不仅象征了斯通已经回到地球，同时也象征了生命的延续。从一潭死水般的黑暗空间里回到生机勃勃的自然环境中，瑞恩・斯通的传奇经历如同一场梦，梦醒了之后却发现物是人非，一切要翻新了重头来过。这样的经历不可能每个人都有，但凡经历过就是一次人性的洗礼。《地心引力》作为国际空间站15周年的献礼片，用先进的特效技术和震撼人心的音响效果诠释着宇航员是当之无愧的英雄。不论是豁达从容大义凛然还是为了生存永不言败，从他们身上，我们除了赞美，更是要学会效仿，善于挖掘自己的潜力，不断告诉自己：紧要关头不放弃，绝望就会变成希望。
参考文献
①威廉・惠亭顿 著，甘凌 译：《声音设计与科幻电影》[M].中国电影出版社， 2010
