时间：2023-07-03 17:57:39
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术作品的审美特征，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
（一）数字媒体艺术的审美体验更加大众化
在传统艺术创作中，创作者主要是具有一定艺术水准的专业人士，这些文化水平较高的创作者给普通民众带来一种神秘感和距离感，传统艺术作品不够贴近普通民众的生活，给普通民众传达了一种只有欣赏水平高的人才能欣赏艺术作品的审美体验。随着科技的进步和数字化技术的不断发展，数字媒体艺术为普通大众提供了更多欣赏艺术作品的机会，简单易操作的数字媒体技术为普通民众进行艺术创作提供了强有力的支持，大众化的创作模式和大众化的审美特点使得数字媒体艺术更加贴近人们生活，更加大众化，促进了艺术作品发展的多样化，丰富了大众的审美体验。
（二）数字媒体艺术具有开放性的美感
数字媒体艺术的创作过程与传统艺术相比具有非常大的开放性，在传统艺术中创作者所创作的作品具有完整性，创作的终结也意味着作品的完成，而数字媒体艺术可以进行复制和删改，除创作者之外的观赏者可以根据自己的喜好对艺术作品进行重新修改和再创作。数字媒体艺术作品可以根据不同作者的不同创作思路进行修改，数字媒体艺术会随着科技的发展而不断发展，不断丰富自身的艺术意蕴，满足人们更高层次的审美体验和审美需求，推动现代艺术的发展。
（三）数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征
不同于传统艺术的逻辑性审美特征，数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征，数字媒体艺术的发展改变了人们的审美逻辑。创作者可以尽情构思使用非逻辑性思维进行天马行空的创作，在创作中运用了较多倒叙、跳接、反转等技术，因此人们欣赏数字媒体艺术作品时，不能仅凭借惯有的逻辑思维进行赏析，而是应该从现代人的思维和创作者的创作意图角度进行艺术赏析，从而获得更丰富的审美体验。
（四）数字媒体艺术具有超现实的审美体验
数字媒体艺术的发展依托于数字化技术，传统艺术创作是以现实中的事物为原型进行再加工和创作，因科学技术水平有限，传统艺术创作灵感来源于现实生活，数字媒体艺术与传统艺术相比，具有超现实的审美体验。数字媒体艺术中展现的恐龙、生化危机、外星人等题材具有超现实性，数字媒体艺术可以运用多种现代技术进行声音和图像的模拟，能给观赏者带来极强的感官冲击和震撼的视听效果，丰富了人们的审美体验。
二、总结
通过摄影机镜头形成的光学图像，最初产生的动因并非是平面设计的要求，然而随着科学技术的进步和社会的发展，它与平面设计的关系越来越紧密，并最终与图形融合，形成了一种重构的审美形式，对平面设计的进步起到了推波助澜的作用。
摄影的诞生对平面设计也产生了一定程度的冲击，两者之间逐渐实现了越来越紧密的融合。这种融合似乎是一种必然的趋势，毋庸置疑，这种融合也是需要一个过程的。
早期的摄影器材虽然简陋，却已然具备了较好的瞬间捕获场景和事物的功能，大量真实的社会生活图片及优秀的摄影作品与摄影术诞生之前的平面设计图形相比，更加真实、生动和准确。而这些特征也正是近代杂志、报纸、书籍插图设计所需要的。于是，摄影和平面设计在以上这些领域开始了必然的结合。这些结合多数是具有实用性目的的，即使其艺术性还不尽如人意。真正使摄影和平面设计在艺术层面上的结合，应该是20 世纪 20 年代在前苏联与德国享誉一时的“至上主义”和“构成主义”的设计师们。他们将现代绘画的造型和空间概念运用到平面设计之中，版面中综合运用照片叠印、拼贴等技法，结合几何图形的线条与强烈的对比色彩造成非常刚正有力的视觉冲击，因此作品就具有十分独特的艺术魅力（见图 1）。
20 世纪 50 年代，美国的平面设计进入发展，摄影技术在平面设计中越来越广泛地得以应用。五六十年代期间，美国涌现出新一代设计师，他们更注重个体观念的形象表达，注重平面设计的感性效果，并大量运用了摄影和插图结合的设计手法（见图 2），自此，摄影与平面设计的结合得以全面推广[1]。通过历史事实的梳理可以看出，摄影与图形的结合是一个自然而然、循序渐进的过程，是由两种艺术语言自身自觉的艺术诉求决定的，这种结合是一种历史的必然。在将来平面设计的发展进程中也必将继续得到广泛的应用与合理的发展。
二、 摄影与图形的审美特性比较
作为两种不同的艺术语言，摄影与图形各具审美特性。这两者的审美特性既有共通之处，也有一些差别。正因如此，才使得这两种艺术语言的重构成为可能。在研究这两者以何种形式重构之前，我们有必要首先认识一下它们的审美共性和审美差别。
1．摄影与图形的审美共性摄影与图形虽各具特点，但其审美特性却具有一定的共通性。这一点是两者重构的前提条件。摄影与图形的共通性主要体现在以下几个方面：
第一，摄影与图形都具有捕捉事物基本特征的审美特性。阿恩海姆在《艺术与视知觉》一书中讲到：“所谓‘观看’，就意味着捕捉眼前事物的某几个最突出的特征。”[2]而“形状，是被眼睛把握到的物体的基本特征之一”[2]56。摄影和图形都属于平面造型的艺术语言，它们都能够以自己独特的方式准确地把握物体的形状，也即事物的基本特征。
第二，摄影与图形都具有较强的审美表现能力。作为平面造型的艺术语言，摄影和图形都能够以自己的方式在二维空间中实现三维空间的再现或模仿。
第三，从审美功能上讲，摄影与图形都具有大众传播的特性。摄影和平面图形设计自诞生之日起，没有一天离开过书籍、杂志、报纸等大众传媒方式，即使是被用在纯艺术创作之中，这些艺术作品无论如何也都逃脱不了大众的审美与评判。因此，不论是摄影还是图形，二者都是集信息传达与艺术性于一体的，并且只有当信息传达的任务被充分完成的时候，它们自身的审美价值才能够真正地得到确立。
2．摄影与图形的审美差别
作为两种不同的艺术语言，摄影与图形还是具有比较明显的审美差别的。
首先，虽然两者都具有在二维空间再现或模仿三维空间的能力，但是，其模仿的程度显然是存在着差别的。图形的设计是构成空间的设计，它对于三维空间的模仿具有一定的抽象性或不准确性，而摄影则是三维空间的直接反映与再现，这种模仿的准确性比较高，是图形语言无法实现的。
其次，摄影与图形虽然都融汇着艺术家们的审美理想、审美创意及审美情感，但是这些审美观念在两种艺术语言中融汇的自由度是不相同的。图形语言的运用比较自由，因为图形的设计可以源于某个概念、某种认知抑或某个形象。设计师可以自由地发挥着自己的想象力，不受限制于约束。然而摄影的创作却没有那么自由，它一般要以三维空间作为创作依据，要靠摄影师独立的思考与操作将这个三维空间提炼或转换成二维空间，在瞬间把握事物的本质特征。因此，其创作的自由度明显低于图形的设计。
三、 摄影与图形重构后的审美构成形式
摄影与图形的审美特性各有千秋，因此，这两种艺术语言重构在一起时，如能做到取长补短，，那就必将带来卓越的审美效果。许多设计师在如何将两者重构这一问题上都进行了孜孜不倦地艺术探索，其所探索出的两者重建的审美构成形式也是多种多样的，如李西斯基大量地使用摄影蒙太奇手法，将摄影与图形重构在一起，造成视觉的冲击力；再如罗德琴科在为马雅可夫的诗集创作插图时 ( 见图 3)，运用摄影蒙太奇的手法将各种不同的照片素材统一在一个图形空间之中，使它们产生相互碰撞的可能性，从而制造出新的视觉及心理含义的画面空间等。
在各种重构方式中，意大利平面设计师和插画家阿尔贝托 塞韦索的创意颇具特色。他在作品中大量运用了计算机技术，通过图形设计将原本的数码摄影进行解构，并再组合，所以一些作品颇具立体主义的风范（见图 4）。
这种解构与重组打破了摄影的原有模式，造成摄影与图形间的一种视觉矛盾，成功地挑战了传统的视觉方式。形成解构的图形设计无论从线条上还是色彩上都极具现代感与装饰感，与解构之后的摄影恰如其分地重构之后，形成了兼具现代特色与装饰效果的艺术作品。阿尔贝托 塞韦索的作品多以暗色调为主，许多作品常常以配以大面积的黑色作为背景（见图 5）。这种暗色调与大面积的黑色背景恰恰使得画面不会因为图形设计的装饰感过强而显得繁乱喧闹，反而让背景与前景的解构和装饰效果形成了强烈的对比，带来更为震撼的视觉冲击。
在当代的平面设计中，致力于摄影与图形重构形式探索的设计师不乏其人，此处不再一一赘述。而需要明确的是，艺术是一条永无止境的道路，摄影与图形的重构也不会止于当今的各种重构形式。设计师们将会不断地探索，找出更多的重构构成形式，创作出更多优秀的设计作品。
四、 摄影与图形重构的审美意义及其价值
对于任何一件艺术作品来说，审美属性在其众多属性中无疑是最为重要的。一件艺术品如果不具有审美价值，那我们就不得不质疑其存在的合理性和可能性。对于平面设计这一艺术门类而言也是如此。如果一件设计作品、一种设计形式不具备任何审美意义和审美价值，那么对于它的任何讨论和探索都将是徒劳无功的。根据设计美学理论的说法，设计美可分为材料美、结构美、形式美和功能美等构成要素，而针对摄影和图形这种重构形式，我们将从结构美与形式美两个方面来分析它的审美意义及审美价值。
1. 摄影与图形重构的结构审美意义及其价值
“所谓‘结构’，是指物质系统内部各组成要素之间相互联系、相互作用的方式。”[3]美学家 M 李普曼曾经说过，“结构是一切意思和意义的基础”，“没有结构，任何东西都不存在，都不可设想”。由此可见，结构美是一切审美，包括整个设计美的基础，而摄影与图形的重构则丰富了结构美的构成方式，对设计作品的结构审美具有重要的意义。它们以两种不同的艺术语言形式相组合，扩充了设计作品的结构组成，使得设计作品的结构更具层次感，画面也更加丰富。例如阿尔贝托 塞韦索的设计作品，如果只具有单一的摄影或图形，其作品结构就显得单调而乏味，但当设计师用艺术的手段将两者重构之后，作品的结构立即呈现出惊艳的效果，其结构美瞬间就能打动人心。
2. 摄影与图形重构的形式审美意义及其价值
对于艺术作品来说，形式美是具有相对独立性的审美对象，它指的是构成事物的物质材料的自然属性，如色彩、形状、线条和声音等，及其组合规律，如整齐一律、对称与均衡等，而所呈现出来的审美特性。其平面设计作品中的形式美则指各种设计素材按照一定规律组合起来的色彩、线条和形体等形式因素本身所具有的那种被高度概括化、抽象化了的美。歌德曾经说过：“题材与表现它的方式必须与明显的艺术规律有联系，那就是和谐、清晰、匀称与对比等，这样的艺术作品看上去就会觉得美丽。”因此，形式美是审美创造和审美接受的重要环节。毫无疑问，摄影与图形的重构对设计作品的形式美具有重要的审美意义与审美价值。
首先，从形式上讲，这种重构形式符合形式美的审美规律。形式美的审美规律是抽象的，这些抽象的规律是图形这种艺术语言本身就已经具备了的，当它与摄影重构之后，这些形式美不仅没有被削弱，反而被加强、被突出了。例如在阿尔贝托 塞韦索的作品中，其图形本身便具有强烈的形式美感，是一种富有节奏性、具有不对称特征及强烈对比性的形式美。当它与摄影重构之后，这种节奏感、不对称感及强烈对比就被放在更为突出的位置，它的形式美感被强化了。两者的重构既在审美形式上显得矛盾对立，又在最高审美层面上达到了和谐统一。这种形式美感是单独的摄影或图形都无法实现的[4]。
其次，这种重构形式在形式美的意义上实现了两种艺术语言审美特性的互补。摄影的审美特征是具体、详细而缺乏概括性、抽象性的，而图形的审美特征是抽象、概括却缺乏准确性的。将两者的艺术语言重构在一起则实现了两种审美特征的互补，使得设计作品的形式美既具有抽象美、概括美的简洁，又不乏具象美的细腻，从而达到了形式美的又一新的高度。
美术，通常指绘画、雕塑、书法、摄影、篆刻、工艺美术乃至建筑设计、现代设计（包括产品设计、环境设计、视觉设计等等）。把握美术的审美特征，对于美术创作、美术教学、美术欣赏，均具有理论与实践的导向意义，可以从更高的美学层面上观照、提升其美学品格。对美术的审美特征这一艺术命题发表几点浅见。
具体而言，美术的审美特征，可以分为以下三大层面行解读。“美术”一词，又称为“造型艺术”，可见造型性是美术的最基本的审美特征。所谓“造型性”，是指艺术家运用一定的物质材料，塑造出欣赏者通过感官直接感受到的艺术形象。”例如绘画，就用线条、色彩等艺术语言，在二维空间（平面）里塑造形象：书法也是在二维空间（平面）运用笔墨、布白、结构、章法等艺术语言，塑造文字形象，表现神采、气韵;摄影也用影调、色调、构图等艺术语言，同样在二维（平面）空间塑造艺术形象;雕塑则用泥、石、木、金属等材料，在三维（立体）空间塑造形象。所有的造型艺术，无不通过具体形象的造型来塑造艺术形象的基本手段和基本审美特征。
美术的造型审美特征，要求美术家要注意观察生活，善于捕捉生动感人的人物或事物的外部特征，在此基础上，以表现人物或事物的外形为自己的特长，并做到“以形写神”、“形神兼备”。成功的典范：意大利画家达・芬奇的油画《蒙娜丽莎》。又如我国清末画家任颐，就有惊人的形象观察力、记忆力、表现力，在他年仅10岁时，一次他单独在家，适逢父亲的一个朋友来访，因见不到任颐父亲，便很快告辞，任颐就用纸笔把来客的模样画下来，他父亲归家看到画后，立刻认出了来访者是谁。造型性作为美术的审美特征，至关重要。
美术的另一大审美特征，是它的永固性。
美术必须采用物质材料与艺术语言，将事物发展变化的瞬间固定下来，可以供人们多次、永久性欣赏，甚至流传百年千年。这些美术品成为人类文化史上的瑰宝。例如西班牙、法国等西方国家旧石器时代的洞穴壁画。史前时代的雕塑品《奥林多夫的裸女》、《持兽角杯的妇女》等，距今有上万年的历史。我国内蒙阴山地区发现的岩画，距今也有上万年的历史。
当然，世间的万物都是一分为二、辩证统一的整体。美术的永固性审美特征，是与它的瞬间性密不可分的，也就是说，美术作品是选取人物或事物的瞬间形态而被固定下来的，这就要求美术家以静显动、以不变显万变，善于寻找恰当的表现方式，在动静的交叉点上，抓住客观事物发展变化的某种瞬间形象，然后再将其固定下来。例如古希腊阿格桑德罗斯、波利多罗斯、阿塔诺多罗斯联合创作的雕塑作品《拉奥孔》，取材于古希腊诗歌《荷马史诗》中的故事。雕塑《拉奥孔》选择的恰恰是拉奥孔父子三人濒临死亡痛苦挣扎的最后一瞬的形象，表现出入物激情的顶点，达到了“寓动于静”、“寓瞬间于永固”的至高境地。又如我国画家罗中立创作的《父亲》，也选取了勤奋、慈祥的父亲的瞬间形象，创造出震撼人心的永恒的艺术形象。可见，永固性作为美术的审美特征，既是重要的，又是辩证的。
美术的基本特征是再现空间（平面或立体）形象，因此再现性自然也是美术的重要审美特征之一。美术家都十分注重再现生活中的形象，并以写生、速写作为素材的积累，这无疑都是正确的。
许多成功的美术作品，也的确以再现性为基本审美特征。例如董希文的油画《开国大典》，就再现了开国大典时天安门城楼上庄严神圣的历史瞬间，成为史诗性作品。又如摄影作品中《二次大战时的邱吉尔》、《》等，更凸显出美术作品再现性的审美特征。
当然，这种再现性也是与表现性辩证统一的，即通过再现性体现表现性内涵一表现美术家主观的思想、情感、意愿。正如德国美学家黑格尔所说：“艺术作品比起任何未经心灵渗透的自然产品要高一层。例如一幅风景画是根据艺术家的情感和识见描绘出来的，因此，这样出自心灵的作品就是要高于本来的自然风景。”例如我国国画中的梅、兰、竹、菊“四君子”，就分别寄托了画家的情感、情操、志向、志趣，达到了客观与主观，再现与表现的完美结合。
由此可见，再现性作为美术重要审美特征，也是辩证的。
（作者单位：贵州省黔东南民族职业技术学院）
一、传统教学理念中的美术教学
在传统的教学理念当中，美术教学除了实际操作外便为理论知识，枯燥空洞的授课内容和方式严重影响了学生对美术课程的学习热情和理解。加之美术课在目前的初中教学中属于非本位课程，更使其受到了家长、教师和学生三方面的轻视。作为非考试科目，美术教学往往被视为附属科目，教学内容也没有受到重视，鉴赏和解析等方面的教学教师通常会采用理论讲解的方式进行授课，不但内容枯燥而且深奥难懂。在这种不良的教学环境下，学生的美术知识很难得到提升，也影响了德智体美全面发展的教育目标的实现。
随着教育体制的改革，教师面对学生的教学过程已经不再是以往简单灌输和机械接受了，美术教学也是如此。教师在进行美术课程教学时应当调动起学生的学习积极性并与学生建立起情感上的互动联系，只有这样才能适应当今的教育要求。
二、绘画审美分析的教学优势探析
将绘画审美分析，引入到初中美术的教学当中来主要是因为审美分析能够减少客观条件的约束，而且能够使学生和教师产生教学上的共鸣，教师在教学中的灵活性也将得到增强，这对提高学生对美术课程的学习热情，培养学生的鉴赏能力都是十分有利的。
首先，在初中美术教学中引入绘画审美分析符合新课程改革的要求。在大力推崇素质教育的今天，传统的教育体系已经逐渐被淘汰，新的教育体制正在建立，这表现在初中美术的课堂上就是传统教学方式的改变：新的课程安排明确对中学生“审美意识”和“创新思维”的培养提出了要求，而绘画审美特征分析内容的加入，将学生的感官充分地调动了起来，为学生创造了一个良好的想象和学习空间，这一点与新课程改革是十分相符的。
其次，在初中美术教学中引入绘画审美分析能够提高学生的美术理论知识和审美水平。学生在对绘画的特征进行审美分析的过程中，不但能够对艺术作品和艺术家会有充分了解，同时也能够为学生创造一个广阔的思维空间，使其能够通过自己的发散思维对其形成独特的主观意识，对艺术品的优点和缺点做出分析，而在艺术鉴赏时学生也必然将美术理论与艺术品联系在一起，这就在无形中巩固了其理论知识，并提高了审美观。
最后，在初中美术教学中引入绘画审美分析能够充分发挥教师的潜能。通过审美观念的引入，学生的学习兴趣得到提升并且在绘画审美特征分析的过程中形成了自己的知识体系和审美观，因而就会给教师提出更多的教学要求。教师为了配合学生的程度更好地引导其学习就必须不断寻求学生能够接受和感兴趣的联系点，同时也不断提高自己的教学能力。
三、引入绘画审美分析教学方式的应用
绘画审美特征分析，在初中美术教学中的应用，在活跃了理论知识的教学方法同时也为美术课堂创造了一个良好的鉴赏意境。
一、钢琴教育的现状
现代的钢琴教育主要存在的问题是功利性太强，在高中以及之前学习阶段加大了钢琴的教育力度，让学生能够通过艺考考进比较好的大学，但是在这之后一般都会忽视了钢琴的教育，这样一来，钢琴就不再是素质教育的工具，变成了升学的道具。
同时，在现在很多的钢琴教育中，一味的重视技能和能力的培养，忽视了对受教育者情感体验的培养，让钢琴演奏者空有一身好的本领，却没办法通过钢琴表达自己的真情实感，日积月累，钢琴教育便失去了它原本的教育意义。让钢琴演奏单纯地变成了技能的表演，无法让个人情感和原创者的情感产生共鸣，失去了音乐作为一门艺术的根本意义。
二、艺术审美特征在钢琴教育中的体现
（一）良好的感性样式
在钢琴教育的过程中，往往会将追求良好的感性样式放在突出地位，但要注意不要将钢琴教育中的纠错放在表面现象上，而是用过对内在情感的纠正上，这样可以让学习者在学习的过程中产生对声音的审美情趣，也能通过不断的联系和改进加强审美能力的培养，让学习者能够从更深层的角度理解钢琴，获得钢琴演奏的能力。
（二） 充满内涵的技能技巧
人类精神文化的特殊形态便是艺术的表现形式，这种特殊性主要表现在实践过程中的一种对表现对象的追求，而一般的实践活动都是对事物实质的追求。这种特殊性早就了艺术的独特优点和特点，让艺术更加具有神秘性和吸引力。而这种特殊性在钢琴教育中主要体现在不断练习这方面。
对于技巧的内涵，法国杰出女钢琴家玛格丽特?朗曾经说过：“技巧就是触键，是指法艺术，是踏板，是对总的分句规则的知识，是具备丰富的表情调色板，可供钢琴家根据他要表现的乐曲风格，根据他的灵感而自由调度。总而言之，技巧就是对钢琴的完全掌握，是无所不包的完备的艺术造诣”。表示想要获得高阶段的学习一定要重视练习的作用，甚至是高端的钢琴艺术家，如肖邦、贝多芬等都从没有将技术和演奏划分开去，这要求学习者在学习的过程中重视技能的培养，如果没有掌握好相应的技能，再有天赋也是枉然。
在这之后，如何将高超的技术和情感的体验融合在一起是学习的一大难点。很多人在掌握了高超的技术之后，便执着与技能的表现和学习，无法将自己的感情融进表达之中，长此以往，钢琴的演奏逐渐变成了技能的炫耀，而没有真情实感的流露，这是钢琴演奏的一大弊端。需要学习者不断的进行自我摸索，将技能和情感巧妙的结合在一起。
（三）赋予作品意义的过程
文献修养对审美特征的影响主要是通过文献修养的意义体现出来的。文献修养是对演奏者个人素质的要求，要求钢琴演奏者能够充分了解自己演奏曲目的背景和深层内涵，能够从更高的角度对音乐作品进行鉴赏和运用。
在演奏某一音乐作品的时候，一定要加强对音乐作品背后的了解和理解，能够充分地感受到创作者在进行创作的时候的情感表达和内心深处的情感波动，这种波动会影响到音乐作品的实际表达和演奏效果。不同的接受主体对音乐会由不同的感觉和感受，这种感觉和感受是基于这一主体自身的修养和学识的。艺术作品的深层内涵往往超越了作品自身的历史环境和表现形式，具有更高层更普遍的思想内涵和思想情感，能够让不同时代不同时期不同种族的人产生相互共鸣的情感，在艺术作品内涵的驱动下获得比较高的情感以及审美的体验。
这样的艺术作品具有更加强烈的神秘性和不确定性。这就对演奏者或者欣赏者提出了比较高的要求，让人主观的情感思绪变成了音乐艺术作品内涵的阐述主体，增加了艺术作品的表现力和多样性，让真正具有高端艺术影响力的音乐作品永远都会过时。
一、选择题
1、不属于托尔斯泰的作品是（）
A、战争与和平
B、复活
C、双城记
D、安娜。卡列尼娜
2、《朗香教堂》是现代建筑之一，它所属的国家是（）
A、美国
B、英国
C、法国
D、德国
3、《牡丹亭》的作者是（）
A、汤显祖
B、王实甫
C、马致远
D、白朴
4、《游春图》是我国早期山水画的代表，它的作者是（）
A、郑板桥
B、王维
C、展子虔
D、唐伯虎
5、《祭侄文稿》被人誉为“天下第二行书”，它是我国唐代哪个书法家的行书作品（）
A、黄庭坚
B、王羲之
C、颜真卿
D、柳公权
6、《雀之灵》是我国白族舞蹈家杨丽萍创作的（）
A、独舞
B、双人舞
C、三人舞
D、群舞
7、话剧《玩偶之家》的作者是（）
A、易卜生
B、
C、莎士比亚
D、老舍
8、被称为意大利文艺复兴时期“三杰”之一的米开朗基罗，是成就斐然的雕塑家、画家和建筑师，他为故乡佛罗伦萨创作的大理石雕像成为文艺复兴时代英雄的象征，这部创作是（）
A、暮
B、夜
C、晨
D、大卫
9、《祝福》的作者是我国现代小说家（）
A、老舍
B、鲁迅
C、萧红
D、巴金
10、《小二黑结婚》是我国文学（）
A、新月派代表作之一
B、山药蛋派代表作之一
C、鸳鸯蝴蝶派代表作之一
D、创造社的代表作之一
11、《父亲》画出了我国农村千万个父亲的典型形象，其作者是（）
A、齐白石
B、李可染
C、范曾
D、罗中立
12、《荷花水鸟图》创造出了物我合一、悲凉惨淡的意境，其作者是清初的（）
A、王希尚
B、朱耷
C、郑板桥
D、齐白石
13、在中国古代文坛《诗品二十四则》中把艺术风格概括为24种类型的是（）
A、曹丕
B、刘勰
C、钟荣
D、司空图
14、菲狄亚斯的雕塑作品是（）
A、哀悼基督
B、命运三女神
C、大卫
D、维纳斯像
第二部分 非选择题
二、填空题
15、书法的艺术语言主要包括（）、（）、（）和（）等。
16、音乐首先可以分为（）和（）两大类。
17、中国园林可以分为（）和（）两种。
18、（）是由（）（张光年）作词、（）作曲的大型声乐套曲。
19、《泰坦尼克号》是（）的影片。
20、（）创作了小说《阿Q正传》，塑造了代表中国（）的典型人物阿Q形象。
21、艺术作品的层次可大致分为（）、（）和（）。
22、（）剧作家（）的《俄底普斯王》是一部命运悲剧。
23、艺术创造的过程基本包括（）、（）和（）三个阶段。
三、简答题
24、简述艺术活动的功能。
25、简述工艺美术的基本特征。
26、简述圆雕的特征。
27、简述艺术批评的功能。
28、什么是灵感？其主要特征是什么？
四、论述题
29、论述园林艺术的基本特征。
30、论述艺术作品中感性与理性的关系。
一
1、C 2、C 3、A 4、C 5、C 6、A 7、A 8、D 9、B 10、B 11、D 12、B 13、D 14、A
二
15、用笔；用墨；结构；布白
16、声乐；器乐
17、北方皇家园林；南方私家园林
18、《黄河大合唱》；光未然；冼星海
19、美国
20、鲁迅；国民劣根性
21、艺术语言；艺术形象；艺术意蕴
22、古希腊；索福克勒斯
23、艺术体验；艺术构思；艺术表现
三
24、（1）审美认识功能（或审美谁知功能）。指通过艺术鉴赏活动，更深刻地认识自然、社会、人生。（2）审美教育功能。引导人们正确理解、认识生活、受到真、善、美的熏陶感染，树立正确的人生观、世界观。（3）审美娱乐功能。满足审美需要，获得精神享受和审美愉悦。（4）三种功能是一个有机整体，不可分割。
25、（1）工艺美术是指既具有审美特性，又具有较强的物质特性，既表现出审美价值，又可以体现一定实用价值的造型与空间艺术。（2）工艺美术的基本特征是：A、实用与审美结合；B、既具有物质性，又具有精神性；C、讲究技能与创造。
26、（略）
27、艺术批评是对艺术作品及一切艺术活动、艺术现象予以理性分析、评价和判断的科学活动。（2）艺术批评的形态包括社会历史批评、伦理批评、心理批评等。（3）艺术批评的功能主要有：A、通过对于作品的分析和阐释，评判其审美价值；B、通过将批评的信息反馈给艺术家，对其创作给以帮助。C、通过批评的开展，对艺术接受者的鉴赏活动予以影响和指导。
28、（1）灵感是指艺术家在创造活动中，由于大脑皮层的调试兴奋所产生的一种特殊的心理状态，是艺术家在抽象思维和形象思维的基础上，意识和无意识的相互作用中，突然激发的、情绪特别亢奋、极富创造力的精神状态。（2）灵感有三个主要特征：突发性、超常性、易逝性。
四
【关键词】广告；图形；符号；创意
引 言
自20世纪90年代以来，随着现代影像科技的发展，以视觉形式为主体的形形的广告蔓延在我们生活的每一个角落，其中以视觉图形为中心的信息传递系统正在挑战着以文字为主导的传统的信息传递方式，在绝大部分的广告设计中图形已经成为其中的核心要素。在各种电子技术、多媒体技术、网络技术的发展中，以图形为中心的广告作品占据了主导地位，甚至有些广告作品本身就是一幅极具感性色彩的艺术作品。在图形设计的研究中，平面广告无疑是最理想的一种形式。平面广告在广告中占有重要的位置。在平面广告中我们可以在静态的模式下研究图形的种种形态、组合模式、比例及色彩搭配等，还可以把广告设计中的另外一个重要元素——文字纳入作品当中进行整体设计。所以平面广告不管是在表现内容上还是在表现形式上都十分宽泛，是我们研究图形设计的合适的载体。
图形在平面广告信息传递中具有独特的魅力
图形（Graph），可解释为能够用来产生视觉图像并可以传达信息的，由绘、刻、写、印及电子图像、摄影等手段来完成的视觉符号。图形可以理解为应用于设计中的一切图和形，它和文字有着较大的区别。图形是形象化的“图形语言”，它可以用来交流思想、传递信息，也可作为一种独特的艺术来欣赏。[1]它在人类利用视觉传递信息的方式中具有特殊的意义和重要的地位，图形具有语意性同时具有可视性，不同的视觉图形表达不同的内涵，通过利用图形的组合可以形成完整独特的区别于文字的语句。
图形传达信息和表达情感有着自己独特的魅力。首先，人类的大脑有70％以上的信息是通过视觉获得的[2]，开发和利用图形信息，掌握创造图形的方式方法，将对人类信息的沟通和社会的发展有重要的作用。其次，图形的表现形式、创意构思和传播方式是语言和文字无法比拟的。图形设计是艺术和科学的结合，优秀的图形设计不仅能够做到形式上的美观及艺术性，而且还可以通过它所蕴藏的内涵使人从中受到启迪。再次，图形的设计表达形式直接影响其简洁性和表达信息的丰富性，往往是“一形多意”，形式上是单纯的形，在语义上却能够多层面、多角度地反映人的思想和情感，用简洁的美来表达丰富的内容。
平面广告中图形设计的审美特性
图形设计的艺术美特性。平面广告设计中的图形不仅仅传递广告信息，同时还承载着传递艺术美的特质。在平面广告中图形设计是信息传递的有效载体，广告作品往往通过图形来表达主题，但就整个作品而言，图形更多地体现了其艺术性。广告中的图形只有具备了艺术性，才能使广告作品具有视觉冲击力，才会吸引人的眼球，信息的传递也才会更有效。美是艺术的本质之一，德国艺术理论家温克尔曼认为，任何艺术的法则和目的就是美[3]。人们在了解广告信息的同时受到美的感化和教育，将会是广告的至高境界。人们在观看此类广告的过程中，会忽略掉“广告”这一概念，从而能够在获得审美愉悦的同时毫无戒备地完全接受广告所传递的信息。
图形设计的“审美愉悦”作用。审美愉悦是艺术接受论中经常提到的概念，这里所指的“审美愉悦”不应该仅仅理解为因作品视觉方面的形式美而产生的愉悦的情感，从广义的角度来看，审美愉悦在更多的时候指的是受众对艺术作品接受的高级层次——理解，因此审美愉悦有时候可以是积极的、使人感到快乐的，有时也会是消极的、让人痛苦的。由此我们可以看出，审美愉悦实际上是指作品的情感传递，如果作品能够把其负载的内涵准确地传递出来，引起受众产生共鸣（共鸣可以是积极的也可以是消极的），那么艺术作品就已经体现出了审美愉悦功能。比如我们在欣赏布格罗的作品《维纳斯的诞生》和毕加索的作品《格尔尼卡》时，就会产生两种截然不同的情感。
优秀的艺术作品具有审美愉悦的作用，平面广告作品中的审美愉悦作用，大多是利用图形表现出来的。受众在欣赏优秀的平面广告作品的时候，通过对设计师富有创意的形式的解读，从而产生自己对主题的见解，在这一过程中，不仅仅会接受作品所传递的信息，同时还会对设计师的创意表现形式给予肯定。托尔斯泰在《什么是艺术》一书中指出：“人用某种外在的标志，有意识地把自己体验过的感情传达给别人，而别人为这些情感所感染，也体验到这些情感，欣赏中的情感活动能够推动欣赏者展开想象的翅膀，进行审美的再创造”。这实质上就是图形艺术在视觉传达时，带给人们愉悦情感的审美特征。[4]
平面广告的设计过程中，图形是作品中最为重要的元素，图形的处理也是其中最为重要的环节，广告作品的主题和所要传递的信息很多是通过图形画面呈现出来的。在这其中，图形扮演了客观和主观两个方面的角色。一方面，从客观的角度来看，图形设计必须与传递的广告信息相吻合，不能因为设计师的喜好而改变；另一方面，在满足可观要求的基础上，图形设计的艺术性与设计师的主观情感是分不开的，设计师在把握受众心理的基础上把自己的感受融入作品中，才会引起受众的心理共鸣，从而产生视觉与心理情感的融合，也才会引起正常的审美愉悦，拉近广告与受众的距离，最为有效地完成广告信息的传递。所以，在平面广告的设计中，图形设计能否引起人们的审美愉悦成为优秀的广告作品必须具备的一个重要条件。
平面广告中图形设计的功能
图形设计的视觉传达功能是文字无法比拟的，这也成为平面广告在各种传播形式纷杂的今天能够一直被重视的原因。在平面广告的设计中，图形的形态、色彩、比例等往往都需要借助艺术手段，通过艺术化的处理使图形具备准确的内涵和较强的视觉冲击力，以此来达到为广告内容服务的目的。图形设计的这一特点体现出了视觉图形所具有的功能性。
传达语义的功能是图形的基本功能。如果图形不具有象征或词语含义，则不再是视觉传播而成为美术。[5]平面广告中的图形设计实际上起到了组织图形语言的作用，把抽象的不可见的内涵转化为清晰明了的视觉图形，通过图形的形态设计、色彩搭配、组合形式等艺术手法，使观众感受作品的主题内涵，达到信息传递的目的。图形设计所具备的这一功能，可以在一些经典的艺术作品中得到体现，比如早期卓别林所拍摄的默片以及好莱坞经典动画片《猫和老鼠》都没有使用台词，都是利用了图形所构成的各种画面来讲述故事，让我们充分领略到图形所具备的语言功能。
另外，图形在广告作品中具有文字说明所不具备的优势，一般来讲，图形的视觉冲击力要远远高于文字，好的图形创意往往是直观且富有情趣的，相比抽象的文字形态,图形更具有震撼力。比如，日本著名设计大师福田繁雄的反战作品（图1），不需要文字说明，主体内涵已经非常明了，给我们留下了深刻的印象。
图形设计的象征、隐喻功能。在平面广告设计中，图形就是在设计中制造产生联想的导火索，并且利用人们的这种联想能力，将图形的内涵延伸并且从多角度升华。这种图形设计的手法充分利用了图形的象征隐喻的功能，利用图形的形象变化，激发受众的想象力，从而使受众融入作品之中，进一步结合自己的生活经历，领略作品的内涵，引起共鸣。特别是在一些公益广告的设计中，更是利用了图形的象征和隐喻功能。在图2这一作品中，采用了置换、拟人等图形处理手法，把人们求救时的手的动作利用一片破损的树叶进行置换，绿色的树叶在大面积黑色背景中显得弱小无助。另外还利用“help”这一单词对手指部位进行了置换，进一步强化主题，暗示环境污染的严重、生态的脆弱以及时间的紧迫性，使人过目不忘。
图形可以跨越语言文字的界限。在平面广告设计中，往往会采用图形与文字相结合的方式构成作品，既保证了作品的直观性和生动性，同时利用文字传递信息的准确性来强化主题。图形可以超越时间、空间、国界、语言等，在世界范围内进行广泛的、无障碍的传播，因此图形具有超越语言障碍的功能，在很多时候扮演了一种“世界语”的角色。福田繁雄说过：“好的设计不需要文字，是用视觉语言来说话。”[6]比如我们经常看到的企业标志，不论是国内的企业还是国外的企业，我们通过标志图形就可以准确地辨别出不同的品牌。
文字的图形化设计
在当今的平面广告设计中，文字的图形化设计已经成为一种重要的设计表现手法，对文字进行视觉上的“美的改造”已经成为视觉传达设计工作者的重要任务之一，文字的图形化设计主要是对文字的笔画、结构等进行创意变形，使文字既具有艺术图形的美感，同时又具备严谨准确的语义性，使文字的可读性、视觉冲击力及感染力得到提升，从而获得了较好的平面视觉传达效应。另外，在文字的图形化设计中应当注意易读性、艺术性、思想性等设计原则，既不能把文字完全图形化使人无法辨认，也不能不加变化地平淡描述。
结 语
综上所述，平面广告中图形设计具有重要的意义。基于图形在平面广告中所体现出的审美特点及功能特性，我们应该合理运用图形的客观和主观两个方面的特点，发挥图形设计的审美特点和功能特性，利用图形语言的象征功能、跨语言跨国界的优势，对平面广告作品中所需要的图形形象进行准确的设计处理，使广告作品中的图形形象在发挥其视觉优势的同时，引起受众的审美愉悦。另外还应当注意平面广告设计和纯艺术的区别，在设计过程中既要体现图形的艺术性，又要把握广告设计信息传递的准确性，便于受众阅读和理解，既不能平淡直白地陈述，也不能完全艺术化。
参考文献：
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[4]刘宏芹.现代图形设计的视觉传达功能[J].包装工程，2005（4）.
[5]崔生国.图形设计[M].上海：上海人民美术出版社，2003.
[6]李佳.视觉传达中的图形设计[J].昭乌达蒙族师专学报：汉文哲学社会科学版，2004(4).
现代纤维艺术离不开材料的应用，在一定程度上，材料应用的开拓性和多元性是现代语境下现代纤维艺术的一大特点。从棉麻丝等传统纤维艺术的常用材料，到化学纤维、金属、竹木、纸张……艺术家们在创作中重视发现各种材料、并体验材料的内涵，对材料的视觉、触觉特性加以发掘、对材料进行组合搭配或二次设计，用以阐述对其的认识与感知。
在现代纤维艺术的工艺制作中，我们可以注意到也存在多元化的工艺语言倾向，从各类展览以及公共空间陈列的纤维艺术作品来看，工艺类型和语言多种多样，从传统的编、结、，到捆扎、缠绕、包裹，甚至结合了金属焊接、连缀，不一而足。在具体的工艺面貌上，有的强调手工织作的痕迹，关注质地与个性，关注手工过程价值的体现，如现代纤维艺术的先行者、法国艺术家让•吕尔萨、曾执教于德国包豪斯学院的美国艺术家安妮•艾伯斯等、数十年醉心于“戈贝兰”编织技艺的格鲁吉亚艺术家基维•堪达雷里等，都是此类艺术风格的代表人物；有的有意追求偶然的随机装饰效果，取得自然天成的妙趣，如奥地利蜡染艺术家弗里茨•多纳特、挪威艺术家安娜•克娃姆等，都从蜡染、型染等艺术形式中追寻若隐若现的虚实效果；有的则借助现代电脑织造技术，以冷峻的技术风格来呈现，如美国艺术家菲利普斯•希的作品《缆索编织新闻——西海岸分社最后版》。在纤维艺术的空间造型方面，多维度空间的延伸，一直是现代纤维艺术在建筑空间中的追求方向，数十年发展历程中，现代纤维艺术的造型完成了从传统的依附墙面存在、到浮雕半浮雕效果、再到对空间的掌控与占领的过程。如今的现代纤维艺术家越发重视发掘各种纤维艺术作品的多元空间形态的潜能，以最佳的姿态完成对创作理念的外在表达。
二、现代纤维艺术的审美特质具有表现性的一面。
艺术作品创作的再现与表现都是艺术的属性，而在现代纤维艺术中，因其材质和技法所限，更大程度上倾向于表现性的一面。艺术作品向来都是艺术家对于世界、生命、社会现象等的观察和体悟的反应，纤维艺术家们将生活中的遇见、将与材料的对话、将心灵的絮语在作品中予以表现，以宏观或微观的视角、以具象或抽象的形式、以色彩与节奏、以构图与样式、将观念、认识、想象、隐喻等多种元素和思想融入创作，表达自己的主观精神体验。纤维艺术家们在创作的过程中始终注重探索现代纤维艺术艺在审美形式创造上的各种可能性，最大限度地挖掘其艺术形式和语言媒介的表现潜力，进而实现作品的内涵表现。艺术家对作品表现性的实现多种多样，有的通过主题来予以表现，有的通过造型与图形的符号象征来表现，有的通过对材料的解构与重组表现，如施慧的系列作品，由宣纸纸浆塑造的《凝风》《飘》《假的山》《本草纲目》《老墙》，以白色纸浆质料与色彩的素朴完成其作品优雅、疏离表象下的厚重文脉与独特的审美。
三、现代纤维艺术的审美特质存在实验性的特点。
英国当代艺术史家贡布里希(E.H.Gombrich)在《艺术的故事》中对于20世纪前卫艺术的评价认为其主要特征在于实验性。其实任何时代艺术的发展都离不开艺术家的大胆实验创新，作为当代艺术的一个门类，现代纤维艺术成长和发展的艺术环境是多元发展的艺术氛围与兼容并蓄的社会环境，经历了抽象表现主义，波普艺术，大地艺术，观念艺术，行为艺术，新表现主义，新达达主义，媒介艺术等等各种艺术流派与艺术思潮的洗礼冲击，艺术家的创作和探索的空间得以大大扩展，他们在材料、技法、空间造型上不断超越，呈现一种自由的实验性状态。艺术家们不再固守传统纤维艺术的表现形式与内容，而是解构现代纤维艺术的概念，对材料、技法、呈现状态等予以全方位的实验探索，以各种方式探索纤维艺术语言和空间表现的深度和广度，多方位多层次的挖掘表现的种种可能。如在空间造型上，有些艺术家如中国的梁绍基、拉托维亚的派特瑞斯•塞德斯等艺术家将纤维艺术与装置概念相结合，有些将纤维艺术与影像媒介结合，在声、光、电的综合演绎下呈现出多维的视觉效果。
四、现代纤维艺术还具有文化性的审美特质。
现代纤维艺术的文化性体现在对文化的记载与传承。文化是物质文明和精神文明的总和。纤维艺术形态从诞生之日起就承载着文化的内涵。以中国为例，在遥远的夏、商、周时代，麻、毛、丝等织物原料已经大量使用，技术方面，纺，织，绣，染，缫等技术有所发展，于是逐渐产生了早期以织绣为主的纤维艺术的发展。甲骨文中已经有桑、麻、丝、蚕、帛、衣、裘、巾等文字的出现，可见自古代开始，纤维艺术的发展和文化的渊源已然密不可分。追溯历史的脚步，从中世纪欧洲教堂壁挂作品浓郁的宗教氛围中，从古波斯地毯繁密装饰的纹样中，从巴黎高比林壁挂中心，法国奥比松壁挂中心精美挂毯油画般细腻的光影中……纤维艺术发展到今天，不可否认仍然是建立在对传统纤维艺术基础上的继承和发展，从中我们不难得出这样的认知：纤维艺术在人类文明发展的过程中，不仅仅是技艺的沿迭与发展，更深层面是在于对人类文明的记录与传承。
五、总结。
【关键词】中华文化；中和审美；审美特征
中华文化博大精深，文化中无处不体现着自己的独特审美思想，“和”字多数人会认为有和平、平和、和气、和善、友爱之意。除了这些层次的意思之外，它还有着更深层次的寓意就是它也是中华文化审美最凝练的表达。
一、中华艺术中“和”与“美”的溯源
追根溯源，在中国的古代文化中，“和”字具体是指联和在一起的吹管。随着历史进步和文化演变，“和”的词义不断扩展，既可指人与自然、人与社会、人与人的和谐，又可指人自身的和谐或艺术的和谐。先秦时代到汉初年，儒家弟子编集《尚书》中的《舜典记》，舜委派乐官“夔”掌管音乐，教育年轻贵族子弟们要直率温和、宽容谨慎、刚强而不肆虐、谦简而不骄傲的人格，封建统治者们希望通过诗歌和音乐，使社会和谐，纲常有序，达到“神人以和”理想境界。可推断早在春秋战国时期，中华文化与诗歌音乐的中“和”是从社会安定和伦理纲常有序出发的。
然而《乐记》编于战国时期，是中国最早的关于艺术的理论性典籍。“乐者，天地之和也”、“大乐与天地同和”等反映出中华民族对“和”和“美”的向往。也反映出中华民族传统哲学观点，即天人合一。汉初年间，儒家弟子们编辑《国语》，讲到音乐和政治一样都讲究一个“和”字，都使社会和平安定，老百姓安居乐业，和谐的音乐正是出自安稳的社会，也是出于中正和平心态。总之它的重点就是突出运用艺术的途径达到社会和平安定，百姓安居乐业。
二、儒家审美最高境界境界——中庸
中华的审美文化和儒家文化、文人是息息相关的。换句话说，艺术家与他所处的社会生活有着十分密切的联系，社会生活是艺术创作的源泉，有对艺术家本人产生巨大而深刻的影响。他们的审美思想与他们做人、治家、治国的思想相互渗透交织着。
孔子在《论语》中讲到说，“礼之用，和为贵”，“礼”的运用贵在一个“和”字，“和”是儒家最根本的宗旨。“温而厉，威而不猛，恭而安”，他对待别人温和又不乏严明，很有威望又不自大蛮横，恭敬处世又很平静，这也无不体现了儒家文化的审美思想。所以“中庸之为德也，其至矣乎!”中庸才是最高的道德境界，也是最高的审美境界。孔子的孙子子思，是后继并且生发他思想的代表人物之一。他的思想集中在《中庸》，被后人概括为“执两用中”，就是“中庸”、“中和”的实际运用，是每一个人调和矛盾的高明艺术。朱熹编《四书》成为历朝历代士子人仕必考书目。理学在倡导宁静淡泊道德境界的同时，也倡导一种宁静淡泊的艺术审美，使宋代艺术走向了深邃，具有前代不能及、后代也不能比的高雅品位，形成文人艺术宁静淡泊、精致内省的审美特征。
中庸境界发展成为中华民族温柔敦厚的诗教传统，一种宽容、平和、以理节情的文化性格。儒家的“中和”是从政治目的出发、以道德境界为指归的，并不是针对艺术发论的，但是，“文质彬彬”、“和而不同”成为中华传统艺术的审美追求一样，温柔敦厚是诗教，也是礼教，是做人的风范，也是中华传统艺术追求的审美特质。
三、道家论的最高审美境界——中虚
如果说儒家审美贵在中庸，道家则贵在中虚。道家代表人物老子赞扬水的性格，认为水滋润万物又不与万物争较，处于低地而能心甘情愿，容纳污垢而能自洁，顺应了自然规律也就是“道”。老子赞扬水性，其实是赞扬以柔克刚的人性。所以，老子之道又被称为“中虚之道”。虚与柔不是无能和弱小，而是待机而动，是“不争之争”。老子还叫人挫去锐气，和光明的人、卑微的人都要能够和谐相处这也处处体现在道家的绘画当中。如唐代画家吴道子的作品《送子天王图》、《地狱变相》等。吴道子所画人物衣褶飘逸、线条遒劲、人称莼菜条描，具有天翼飞扬、满壁风动的效果被誉为“吴带当风”被称为画圣吴道子。庄子用一系列寓言来阐释人要以天性合于自然，无不体现出道家的中虚之道。庄子说，“无以人灭天，无以故灭命”(《庄子·秋水》)，不要用人为的力量来扼杀天性，不要因人为的缘故毁灭性命。还假托孔子之口说，“德者，成和之修”，也就是说，修成“和”这样一种品性，才算是有道德的人。
四、佛家的最高审美境界——随缘
中华民族的“中和”内涵极其丰富。从人与自然的和谐、“神人以和”的祖先崇拜、和睦上下的宗法观念到塑造理想人格，到天人相参，到艺术，广涉政治、哲学和艺术各个层面。老子所说的“和”指和柔，相调；庄子所说的“和”指“以天合天”；孔子所说的“和”经过宋儒整理阐释，直指温柔敦厚的民族性格。儒道二家的“中和”理论，深深影响了中华艺术的发展。儒家所说的“中和”，从政治目的出发、以道德境界为指归，用于指导艺术的时候，直指艺术作品的内容而不是艺术作品的形式；道家所说的“中和”，从天人关系出发，比较接近艺术创造的本质。
五、对“中和审美”的多面审视
“中和”，无论是指向道德境界，还是指人与自然的和谐、人与社会的和谐、艺术作品的和谐，都包含着中华民族的生存智慧。家和万事兴，和气生财，和为贵，和为美“和”发展成为中华民族最为重视的伦理道德、中国艺术最为重要的审美法贝。中华民族的“中和”与西方的“和谐”比较，西方艺术理论强调的“和谐”，两者之间有本质的区别。早在古希腊时期，毕得哥拉斯学派就提出“美是比例与和谐”。由于重视数理的比例与和谐，希腊建筑与雕像才创造出“一种高贵的单纯和一种静穆的伟大”。希腊艺术的风格与成就，与希腊数学的成就有直接关系。西方艺术的“和谐”作为“有意味的形式”，西方艺术作品的内容和形式，有以和谐为主调，更多的是以对比为主调；中华传统艺术则以“中和”为主凋，不以对比冲突为主调。中西方艺术都以“和谐”为美，西方形式法则追求的是物理和谐，中华民族追求的是心理和谐；西方艺术的和谐直指形式法则，中华艺术的和谐是社会学的和哲学的。
“中和”使中华传统艺术理性，高雅，含蓄，自然，很少有粗野、狂热的情感宣泄，人们在中和氛围的熏陶之下，潜移默化地接受了中和艺术所传递的价值观，同时，用这种价值观规范自身的行为品行，汇成整体和谐的社会氛围。看中华传统的古琴、昆曲、评弹、园林、国画传统的休闲方式是那么高雅，那么地能够陶冶性情，中华传统艺术给予人们的，常常是心灵深处的感动。我提倡中华民族守住“中和”的主旋律，人人重视修身，人人提升人文精神，人人都是有教养的公民，从而达到构建和谐社会的目标。扩而大之，“和”人与自然和谐，人与社会和谐，人与人和谐，人自身和谐，已经是人类生存的必需。但是，“中和”不是唯一，“中和”必须有变。国家的艺术只讲中和，这个国家永远成不了全球艺术的中心。我提倡人人诚敬从容而不虚伪做作，人人有教养而本性自然流露；艺术以中和为主，多元发展。这就是我对民族性格的中和与中华艺术的中和所作的反思与关照。
【参考文献】
[1]艺术美学导读.李莉.中国人民大学出版社.2004.4。
[2]徐岱．艺术新概念．杭州：浙江大学出版社，2006．
关键词：生活;时代精神;民族文化;声乐
中图分类号：J60 文献标志码：A 文章编号：1003-949X（2015）-01-0086-01
文化是中华民族的立身之本， 艺术作品是能够带给人以心灵上的震撼和情感上的共鸣，能够使人动心的作品需要创作者在作品中注入时代元素，真正的艺术作品要反映社会面貌凝聚，要有质朴的生活态度，要有凝练的时代精神，要有民族的文化灵魂。
一、声乐艺术作品要有源于生活高于生活的艺术态度
在10月15日召开的文艺工作座谈会上，指出，要高度重视和切实加强文艺评论工作，运用历史的、人民的、艺术的、美学的观点评判和鉴赏作品，倡导说真话、讲道理，营造开展文艺批评的良好氛围。艺术源于生活，是现实生活的一面镜子。就我国的音乐发展来看，音乐艺术起源于人们最初的劳作之中，以声乐来消解劳动带来的疲惫，从“号子”萌芽到歌、舞、乐的原始音乐形式到戏曲、杂技、曲艺及民歌等等直到歌唱成为了目前一种单独的艺术形式。声乐艺术不能脱离我们的生活，要有源于生活的艺术态度，只有从生活体验中凝练出来的艺术作品才能够从初心上表达情感的诉求，只有建立在生活实践基础之上的声乐艺术才能够引起人们的情感共鸣，实现音乐本身的作用与功能。
二、声乐艺术作品要有凝练时代精神的艺术本质
声乐艺术的内在价值恰恰是它对时代精神的反映，这种时代精神表达了我们质朴、直接的精神向往，使人感到温暖，让人在美的熏陶下使心灵得到洗礼，精神的慰藉。声乐作品只有沉淀了时代精神，才有了灵魂，黄河大合唱的经典在于其内在对阶级压迫的反抗和呐喊，承载了当时人们的精神诉求，这样的作品将思想性、艺术性和观赏性融于一身，激发了人们内心对精神世界的追求，形成了积极健康的时代风尚。声乐作品要以社会文化价值和群众审美诉求为根本体现时代精神，只有代表时展，标识时代文明，对社会发展产生积极影响的艺术精神才能够真正地表现时代精神。声乐作品要在生活实践、社会实践的基础之上反映时代潮流，关注社会发展，弘扬时代精神，要起到社会发展的推动作用。
三、声乐艺术作品要有服务本民族文化的艺术精神
声乐艺术具有鲜明的民族属性，这种民族属性，从遥远的历史深处流淌而出，深刻沉淀于民族的血液之中。没有民族特性，就没有民族文化。我国声乐发展历史悠久，集聚了大量优秀的声乐艺术作品，从春秋、战国时期的《诗经》到唐宋说唱音乐的兴起，再到明清音乐戏剧的繁荣及现代声乐艺术的发展，在漫长的历史沉淀中，我国的声乐艺术形成了稳定而强大的结构和传统。这种传统构成了我国民族文化的特有审美原则，这种审美特征反哺民族音乐文化，音乐文化展现民族神韵，两者有机契合形成了我国音乐作品的精妙深邃，这也是中西文化差异的根本之处，也是中西文化的隔阂要理。西方的美声唱法起源于17世纪意大利，以音色优美，富于变化，整体和谐，方法科学，可塑性大等特点被我们借鉴和融入本民族音乐最多的一种演唱风格，但是美声唱法也有其自身的艺术发展历程，的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系，而且作为人类文化意识形态的一部分，它同样也是社会、时展的产物。从13世纪单声部为主到说唱方式的演唱，从中世纪教会歌曲的演唱到文艺复兴时期歌剧对美声唱法的完善到圣咏的萌芽，从文艺复兴时期歌剧产生对美声唱法的推进到现代美声唱法成为全球受欢迎的艺术形式，无不以西方审美标准和结构审视美声的发展，沉迷于模仿、照搬西方音乐审美实践，生硬操作种种时髦理论，强制阐释中国的声乐作品和声乐经验，中西声乐艺术本质上的差异决定了西方声乐理论不是普遍适用的经文，不会放之四海而皆准，中国的声乐作品应该建立在中华民族音乐审美原则之上，对它的评价和阐释必须以民族的审美习惯和审美规律为标准，脱离民族审美的声乐艺术，不符合文化发展的规律，也不会产生优秀的艺术作品。
因此，声乐艺术作品要有源于生活并高于生活的艺术态度，要有反映时代民族的文化精神，要有服务本民族文化的艺术精神，只有这样才能够创作出代表时代经典并永恒传承的声乐作品。
参考文献：
[1]范文澜.中国近代史（上编第一分册）[M].人民出版社，1953年版， 第 313 页.
新媒体艺术又称 New Media Art，起源于上个世纪 60年代录像艺术的发展。随着大众传媒技术，尤其是商业电视艺术进入到普通家庭，新媒体艺术发展态势迅猛。在这种背景下，艺术家开始反思大众电子传媒对我们感受世界方式及艺术可能带来的影响。精英艺术家极力反抗商业资本追求利润带来的对于大众声音的漠视。于是录像技术诞生后，便自然而然被这些艺术家利用起来作为反抗商业电视的武器，此时期他们将这种新技术即如录像技术和媒介命名为“新媒体”，并采用与传统不同的艺术观念来运用这种“新媒体”进行创作，藉此表达这种新的媒体以及新媒体艺术对于影响人类生活的可能性的多方面思考。 [1]
进入上世纪 80年代特别是 90年代之后，随着电子传媒技术不断发展，先后出现了电子计算机、电子光盘和互联网，新媒体艺术的发展也不断变化着创作的媒材和观众。从激浪艺术、前卫电影、视频艺术，到数码和网络艺术，新媒体艺术的发展无不彰示着它与高科技的亲密关系。 [2]人们开始把建立在 60年代以来的新媒体概念基础上的以电子计算机为硬件基础，以互联网技术基础上的信息传播的带有综合性的多媒介或超媒体称为“新媒体”。这个时期的新媒体由于是以数字多媒体及互联网技术为支撑，所以在艺术创作上全面出新，几乎彻底颠覆了传统艺术观念，也改变了原先的新媒体概念；进而在艺术审美的感觉、体验和思维等方面带来深刻变革。这种新型艺术形态我们可以称为“新媒体艺术”。它反映了数字时代艺术家试图将尖端科技与先锋艺术思考相结合，探索新的艺术空间和对世界感知新方式的不懈努力。 [3]
进入新世纪，数字技术和网络传播的迅猛发展，使新媒体艺术也迅速进入大众的审美接受视野，并使艺术家借助这种新型媒体来进一步实现其与大众读者的精神沟通与合作。新媒体艺术家们适应这种超媒体艺术的特征，通过显现作品的形成过程而使观众理解和支持新媒体艺术，也为了吸引观众的接受兴趣，他们便充分利用互联网的超媒介手段，促使观众积极参与作品的创作过程。新媒体的交互流，把美的生产者和消费者更紧密地联系在一起，使其共同参与美感体验 ，甚至难分彼此。 [4]新媒体艺术对于连接性和互动性的艺术特质的强调、对于观者在艺术作品中是否参与了新影像、新经验和新思维的创造原则的确立，基本上已经成为当代艺术作品质量高低的评判标准。应该说，新媒体艺术的热潮在世界当代艺术的创作中已成燎原之势，并不断给人们的生活方式、视觉经验带来变革性力量。
新媒体艺术到底有哪些重要表现？有哪些新的艺术倾向和审美特征？下面就是我们对新媒体艺术现状与发展的一些理论思考。
二
新媒体艺术的源头包括：受杜尚影响甚巨的 60年代观念艺术，以及由早期未来主义宣言和达达式行为及稍后出现的偶发艺术（ happening）脱胎转变而成的 70年代表演（行为）艺术，以及激浪艺术运动所倡导的综合行为、舞台、绘画、音乐、身体的互动媒体艺术等，为以技术为核心的新媒体艺术打下了坚实的艺术基础。同时，五六十年代的前卫艺术实验中，也出现结合工业时代机械技术的动力艺术（ kinetic art）和最早的电子艺术作品。沟通与合作成为在这些范畴进行创作的艺术家关注的焦点，他们不断探索新的行为模式与新的媒介材料，企图发掘创造新思维、新的人类经验，甚至新世界的可能性。新媒体艺术最鲜明的特质为连结性与互动性，促使观众（使用者）和作品进行互动并介入参与作品转化与演变的网络与数字科技当中。对新媒体艺术影响最大的还是技术语言的观念意识，以数理计算为核心的技术化设计，以及创作和放置与环境的关系等。
上世纪 80年代出现的数字技术和录像艺术，开始在各种国际艺术大展上尽显风光。它挟现代数字技术之威，以其具有传统艺术媒介不可比拟的敏感性、综合性、强烈的现场感，成为当今国际艺术中与架上艺术、装置艺术并架齐驱的主要艺术媒介。而新媒体艺术另一个重要的特征是它的互动性，它体现为通过数字手段在观众与艺术家之间、观众与作品之间实现交流，并用新的科学技术成果和崭新的观念来表达创作者对人生的感悟和对艺术的重新理解。
新媒体艺术不仅仅是一种以展出为目的的艺术，它也是一种新的思维方法和创意手段，它更重视如何挖掘新媒体在运用时的新美学，或是协助传统的艺术家如何运用新技术，期望对原有作品产生变化。
每一艺术门类的特征有本质性特征和功能性特征之分，审美特征属于艺术的本质性特征。而其中造型机制的特征、活动方式的特征和交往机制的特征又是构成艺术审美特征的基本要素。新媒体艺术的这种审美本质特征就集中表现在这三个方面：
第一，近二十年来，新媒体艺术多媒体融合的造型机制实现了艺术表达语汇的变化和综合，形成了新媒体艺术审美趣味的特征。所谓多媒融合的造型机制就是将众多媒体的艺术元素有机整合，产生每一独立媒体单独所不具有的新的意义，类似依靠镜头整合产生新的意象的蒙太奇，我们不妨就将这种多媒融合的造型机制称为“媒体蒙太奇”。它包括共时的叠加和历时的链接，它是最基本的多媒体编辑和艺术语汇。新媒体艺术创作将多媒体进行链接，而后全身融入其中，与系统和他人产生互动，从而导致作品以及人的意识产生转化，最后出现全新的影像、关系、思维与经验，产生创作上新的艺术追求和欣赏中新的审美趣味。因此，我们可以把新媒体艺术看成：一百年前当电影出现的时候，尽管人们只是把它当作一种新“玩意儿 ”来看待，但实际上，它很快就成为当时既不同于传统的戏剧、绘画、舞蹈、音乐、建筑和雕塑，又融合了这六门艺术形式的新媒体艺术。多媒融合的造型机制就是艺术家创作时所用的材料和形式，就是后现代艺术中有别于传统艺术的装置艺术、行为艺术、数字艺术、影像艺术等具有新观念、运用新材料和新形式的纳入融视觉和声音等综合性的造型艺术。
第二， 20世纪 90年代末，随着 IT产业的发展，个人电脑以及编辑设备（包括软件和硬件）日趋廉价并得到普及。这种新技术手段带来的不仅是影像艺术日益繁荣，而且更多的艺术家着手探索互动多媒体和网络艺术形式（如超文本艺术形式），这也正在成为当代艺术中的重要潮流。新媒体艺术是以高科技数字化媒介为其创作手段的新的综合性艺术，这种新媒体艺术是随着国际互联网的普及和数字影像操作工具的出现而产生的新技术条件下的艺术形式。借助于新媒体数字技术，新媒体艺术可以实时交互的参与式艺术交往机制，如此就实现了艺术生产和传播活动方式的变化，形成了新媒体艺术美感激发的模式等特征。新媒体艺术将不同媒体及造型和传播机制的应用功能有机整合，产生更为强大的综合艺术功能。例如，将多媒体的虚拟现实功能与互联网的远程传播、实时互动功能有机整合，打造成优质艺术资源共享的远程审美平台—— BBS的网络文学“复调文本”的群体写作、远程现场演奏会、互动式展览会、全球化的网络舞蹈等等。这将引发艺术创作与欣赏活动方式一系列重要变化，其中之一就是随着创作门槛的降低和欣赏者参与性的提高，使得创作与欣赏的界线不再泾渭分明。在互联网世界中，现实可以被虚拟，虚拟的超文本似乎能够被指称为一种准现实或类现实，而且这种新艺术形式依靠观众的积极参与来实现其传播和价值。作品不仅需要观众的接受来完成，而且还需要观众来激活它，赋予它实在的内容，进而推动它不断生长和丰富。这也许就是新媒体艺术的魅力所在。
第三，新媒体艺术瞬时远程的传播机制不仅造就了新型的艺术交往方式，而且改变了艺术存在的环境模式，并将导致人们审美意识的深刻变革。新媒体艺术将成为不同文明、不同文化相互接触和交流的渠道和机制，它有可能带来文化间的相互融会与整合（整合并不意味着同化、同一甚至兼并，它应该而且完全可以合而不同）；但是也有可能造成文化间的相互碰撞与冲突，从而对不同民族的文化结构以及世界的文化格局带来深刻的负面影响。这些作为环境因素必将波及人们的审美意识和艺术理想，从而改变人们的审美心理结构。
三
新媒体艺术的灵魂即在于它能够调动人们的心灵，在客观的物质的世界里创造更加深邃的精神世界，要利用多种多样的新技术作为艺术手段，探索新形式，表达新内容，使得我们的生活世界更加丰富多彩、多元包容。新媒体艺术创作既要关注科技的最新动态，又要不断充实自己的人文性观念的根基，要将为艺术而艺术和为人生而艺术在新媒体艺术形式中努力结合起来，从而祛除一百余年来关于这两者之间存在的尖锐矛盾和冲突。新媒体艺术在经历了从单媒到多媒以及从技术的跟踪到观念的升华的初创探索后，正在步入全面快速发展的新阶段，新媒体艺术已经实质性地改变了艺术的思维模式、设计模式、传播模式及欣赏模式：虚拟图像技术创造了魔幻般的世界，超链接的方法带来了完全非线性的作品体验形态，分布式多媒体技术及虚拟现实技术提供了多人交互参与的创作空间。 [5]新媒体艺术理论上的重大课题包括文化本质的探讨、载体与传播的研究、审美特征的阐释以及评价标准体系的建构，这些对于今后我国新媒体艺术事业的健康发展具有重要意义。
数字化技术和新媒体空间力量不仅重新型构了哲学美学上的时间与空间概念，对数字世界艺术创作和消费的观念与实践提出挑战，同时也为研究网络空间或虚拟世界的美感经验，及其与人类思维想象空间的联系创造了更为直接的条件。数字化时代存在观念发生了深刻的变革，网络空间同样具有美感特质，建立针对数字化审美艺术的新媒体美学已是相当紧迫的问题，艺术家、美学家应面对挑战，担负起时代的责任。
*本文为三明学院科研基金项目成果（HX201006/Z）。
注释
[1]刘秋娜.新媒体艺术无界限[J].环球，2005，（14），（p70）.
[2]段运东.新媒体艺术的语言品格探察[J].装饰，2004，（12），（p24）.
[3] 王秋凡.西方当代新媒体艺术[M].沈阳：辽宁画报出版社，2002，（p105） .
关键词:民间艺术;幼儿教育;幼儿园课程
民间艺术是民族文化宝库中的璀璨明珠,它包括的内容十分丰富,有民间文学、民间音乐和民间美术等。民间艺术充分体现了人类最基本的审美观念和精神品质,因而具有认识、教育、娱乐等多种审美功能。民间艺术能培养幼儿敏锐的感知能力、丰富的想象力、透彻的理解力,能带给他们以真的启迪、善的熏陶、美的享受。因此,在幼儿教育中开发和利用民间艺术资源对于提高幼儿教育质量具有重要作用。本文拟对如何在幼儿教育中开发和利用民间艺术资源谈一些自己的看法,以抛砖引玉。
一、民间艺术资源在幼儿教育中开发和利用的可能性及必要性
民间艺术,作为我国一份珍贵的民族文化遗产,其丰富的内容和形式记录了中华民族几千年的历史,记录了精神文化和物质文化的演变,是世代劳动人民集体的智慧和创造。民间艺术之所以能成为幼儿园课程的内容,是因为感受和创造民间艺术是幼儿的认知和审美能力可及的。民间艺术的生活性和价值的综合性与幼儿园课程的特性是一致的。在当前和谐社会背景下进行幼儿民间艺术教育,无论对社会还是幼儿发展都会有重要的价值。
民间艺术要成为幼儿园的课程内容,必须关注其实践性和可操作性,这是最关键的一项宗旨。以民间艺术课程化的方式进行幼儿教育,不是纯粹的在现有的课程中加入新的成分,而主要是对原有的课程内容的呈现和实现,我们要采用一种新的视角把部分课程内容同现实生活和民间艺术结合起来,使其它课程内容的学习与民间艺术的学习在同一过程中综合地进行,使幼儿园课程的实施真正成为一个生活化的、趣味性的和综合性的过程。当然强调民间艺术的课程价值也并不意味着民间艺术成为幼儿园课程的全部,而是民间艺术应该融合和渗透在其它课程内容之中。
作为一种艺术形式,民间艺术可以提升幼儿的审美能力,在素质教育作为当今教育的一种导向的形势下,审美能力是素质教育的一项重要目标,对于幼儿全面协调发展具有很重要的意义。民间艺术的审美内涵主要可表述为:从善之美、稚朴之美、造型之美、色彩之美、和谐之美。因为幼儿与民间艺术的相通性与相似性,其对于民间艺术有着强烈的接受性。“幼儿不造作,无拘无束,喜欢色彩鲜艳大胆,随心所欲,无透视,反自然,幼儿的图画往往充满了幼儿特有的稚拙、纯真、自然的质朴美,这与民间艺术是很相似的。”从而使得对民间艺术的组织、加工和改造就成了幼儿园课程设计的有机组成部分。民间艺术的选择、加工的基本原则是对幼儿来说具有发展价值,有让幼儿通过多种感官进行动作学习的可能性,远离幼儿生活经验,不能引发幼儿全身心投入的民间艺术不是幼儿园课程首选的内容。
当前有很多幼儿园已经意识到民间艺术对幼儿全面和谐发展的价值和重要意义,开展了幼儿民间艺术教育,努力创设民间艺术教育的环境,坚持“以幼儿发展为本”的基本理念,结合幼儿的年龄特点和生活经验,依据民间艺术教育的目标、内容,充分挖掘、精心创设与民间艺术教育相适应的环境资源,引发、支持幼儿与民间艺术教育环境之间积极的相互作用。例如:在幼儿园的艺术教育活动中,试图探索如何使幼儿对戏剧、工艺、腰鼓、木偶剪纸、染纸、中国结、泥塑、蜡染、舞蹈等多种民间艺术的审美特征产生兴趣和敏感,并在高一层次上对多种民间艺术形式的共同审美要素进行有益的抽象、概括和相互迁移,从而培养一种综合性的艺术智慧、一种整体的反映能力,将民间艺术得以继承发展。让幼儿从小就在民族艺术的氛围中形成对精神的认识,培养幼儿初步的审美情趣、探索精神和想象创造能力,促进幼儿的全面发展。
二、民间艺术资源在幼儿教育中开发和利用的对策
幼儿民间艺术教育的基本原则是以培养审美能力为核心,促进幼儿全身心投入到民间艺术活动中,从而激发幼儿对民间艺术的审美情趣,让他们充分体验到感知美、想象美、理解美、创造美的愉悦。幼儿的审美心理结构主要包括敏锐的感知能力、丰富的想象力、透彻的理解力等方面的内容。其中,审美感知能力对于幼儿来说是审美心理结构中最基本,也是最重要的组成部分。
第一,创设一个富有美感的环境。优美的环境可以激发幼儿对美的事物的兴趣,使他们的审美感知处于积极活跃的状态。按照幼儿心理发展层次,在幼儿园创设富含民间艺术色彩的生活与活动环境,让幼儿的生活因为民间艺术而变得丰富多彩起来。也可以通过参观古迹或民间艺术作品展览,如民间剪纸、风筝、民族绣品、各地面塑、民间布玩具展览等容易吸引幼儿兴趣的活动,让幼儿对民间艺术有直观的感受,让幼儿感知民间艺术的存在形式,让民间艺术的客观历史、造型和色彩直观地展现给幼儿,使得幼儿产生对民间艺术初步的意识,增强他们对民间艺术的感觉和情感。孩子长期处在这样的氛围中,耳濡目染,再加上教师有意识地激发和引导幼儿主动感知,就能有效地增强幼儿对民间艺术的敏感性和审美感知能力。
第二,从幼儿的兴趣切入开展民间艺术教育。教师在民间艺术教育活动过程中,应该根据幼儿心理发展特征及兴趣倾向经常和幼儿一起谈论民间艺术作品。这样有助于幼儿把感知经验系统化,有助于幼儿把从日常感知向真正的审美感知方向发展,从而培养其敏锐的审美感知能力。这种敏锐的感知能力表现在幼儿能在获得对作品强烈的第一印象的基础上再认真细致地观察民间艺术作品(要素特征、要素之间的关系、作品表现的情感);能观察作品使用的材料特征,如某种物象的色彩与质地,某种乐器的音色,某首曲目的声调;能观察作品所处的自然环境和人文背景,如早晨或黄昏的背景。
第三,教师在幼儿民间艺术教育中的作用主要是启发和引导。教师的引导是要帮助幼儿面对民间艺术作品时能做出正确的审美反应,引导他们学会如何感知和欣赏民间艺术作品,这也正是培养幼儿审美感知能力的关键所在。例如:在进行民间艺术活动中,教师可以从“你看到了什么?”引导幼儿感知民间艺术作品所再现或表现的内容;从“你觉得哪里最美?为什么?”引导幼儿感知艺术作品形式;从“你心里有什么样的感觉?”引导幼儿感知民间艺术作品的情感;从“请你给作品起个名字”,引导幼儿回顾与反思美术作品的整体内涵;从“猜猜这是哪个民间艺人的作品?”引导幼儿感知了解民间艺人的风格。
总之,创设民间艺术教育环境,有利于继承和发展优秀的民间艺术,它潜移默化地影响幼儿,使其在良好的艺术氛围和健全的教育环境下,树立起民族自信心和自豪感,使民间艺术的教育真正达到促进幼儿全面和谐发展的目的。
参考文献
[1]虞永平.文化、民间艺术与幼儿园课程[J].《学前教育研究》,2004(1).
[2]陈源明.幼儿教育指引[M].巨流出版社,2008.
[3]赵玉兰,张赤华,李芹.民间艺术教育与幼儿发展关系的研究[J].学前教育研究,2004 (1).
[4]学前教育网..cn.[DB/OL]
[5]吴喜红.论幼儿民间美术教育的当代价值[D].山东师范大学.2009,5.
