艺术的主要社会功能

开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术的主要社会功能，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。

第1篇

声乐艺术是音乐艺术中的一个重要类别，它具有一般音乐艺术都具有的教育功能、审美功能和认识功能。关于音乐艺术这三方面功能论述的文字已经很多，本文就不过多赘述。主要针对声乐艺术在这三种社会功能中所体现的特殊性进行说明。

1.教育功能

声乐艺术是人们在社会生活中提炼出的真实的生活感受，是对社会生活做出的政治、道德、伦理等方面评价的艺术化表现。声乐艺术的教育功能也主要体现于此。这些评价融入到声乐作品中，在人们中间传唱扩散，其中的感受一旦被认可，就对传唱者和听众产生了教育和影响。声乐作品的这一教育作用在弘扬社会核心价值观方面得到了极大的体现。如时代的多数红色歌曲《学习雷锋好榜样》《三大纪律八项主义》等口号式的歌曲，教育目的尤为突出。这些歌曲在革命队伍中传唱，旋律铿锵，歌词规整，并将革命的纪律、要求潜移默化的传输给每一位战士，传唱起来朗朗上口，使得战士们在革命工作中更加精神振奋，纪律严明。如20世纪80年代的《众人划桨开大船》宣扬的就是团结起来力量大的精神内涵。在现代社会这样的歌曲也是屡见不鲜。如谭晶在汶川救灾过程中慰问演唱的歌曲《生死不离》也是极大的鼓舞了人们在面对灾难时要勇于抗争永不放弃的英勇精神。再有为呼唤世界和平所创作的《让世界充满爱》，表现伦理亲情的《常回家看看》，表达军民情谊的《十送》等。这些歌曲立意深远，主题旋律积极鲜明，在社会中起到了很好的净化社会环境，树立良好的社会精神道德风貌，激发群众爱国热情的教育功能。

2.认识功能

我对声乐艺术中此项功能的认识和理解是参照了河南大学王思琦教授的《中国当代城市流行音乐》一书。作者认为流行音乐具有认识功能，即人们可以通过感受流行音乐来认识社会生活，体验人的情感，同时也认识了作品及创作者的感情趋向。声乐艺术的此项功能则更甚之一般音乐的叙述往往是象征性的，抽象的模拟和暗示。它的认识功能就相对弱一些，如一些器乐作品或纯音乐作品，我们在欣赏时就需要有一定的相关基础知识和较强的欣赏能力（平静的心态，细腻的艺术认同感）才能达到认识的功效。声乐由语言和旋律结合组成，是人类语言心声的艺术化表达。这种结合起来的表达方式会更直接，更通俗化，认识功能也会大大增强。尤其一些优秀的声乐作品，其音乐旋律细腻深刻，情感变化丰富，加之歌词常由诗词组成，或优雅含蓄，或豪迈磅礴，或无私深沉。再加之歌唱家声情并茂的倾情演唱。强烈的情感共鸣和心灵震撼油然而生，这样的作品所引起的激情和认同感是强烈的，是身心的共通，是精神的升华，甚至可以上升为一种使命感和精神信仰。所以它的认识功能是强大的。不同的声乐作品表达的是创作者不同的情感体验，不同的声乐作品弘扬的是不同的道德精神，价值观念。这些丰富的声乐作品也极大地丰富了人们的社会情感。热爱歌唱艺术的人们大都了解，欣赏声乐作品和自己亲自演唱声乐作品的感受是完全不一样的。欣赏作品时人们处在一个旁观者的位置，人们在被动的观察来自外界的情感变化，而当歌者亲自演唱作品时，作品本身的情感深意，加上作者的自我消化创作演唱，意义则会更加深刻，情感体验也会更加丰富。所以声乐艺术也是一项很好的促进人们去感受真情，并学会表达真情的艺术活动。这种诗歌舞三者高度结合的综合艺术形式，是培养人类良好的思想情操，增强人们情感表达和沟通的最有效方式。

3.审美功能

声乐艺术的审美功能主要体现在：（1）声乐作品本身所具有的旋律美；（2）诗词美；（3）表演美；（4）形式美。前三种艺术形式的高度结合使听众的身心得到了极大的愉悦，从而达到了陶冶情操，提高审美能力和审美趣味的目的。这里要重点解说一下声乐艺术中的形式美。这也是近些年来声乐艺术不断发展创新的主要方向。声乐艺术的演唱形式非常多样，它主要包括独唱、重唱、对唱、领唱、齐唱、组唱、合唱、轮唱等演唱形式。主要演出形式有演唱会，歌剧，音乐剧，综合类文艺演出等等。多种艺术表现形式更加丰富了声乐的艺术内涵和审美趣味。何为审美能力？审美能力是指人们面对一些美好的事物所感受到的满足感和快乐感，这种满足感和快乐感是心理上的，精神上的，具有精神意义和社会意义。近年来具有高度审美功效的优秀声乐作品也是比比皆是。但由于社会的高速发展，信息更迭速度之快超乎想象，尤其以盲目追逐利益最大化的社会习气的蔓延在很大程度上恶化了声乐艺术的审美环境。这种精神环境恶化现象不仅仅存在于音乐艺术行业。声乐作品数量巨大（以流行音乐为主），但由于受社会商业性、娱乐性和快餐文化的影响，声乐艺术的审美功能受到抑制，各种声乐作品质量良莠不齐，大量为迎合社会盲目快节奏，乏味，雷同，审美内涵缺乏的作品风行。这些作品多是以娱乐功能存在的。

作者：韩冰单位：洛阳师范学院

第2篇

引言：

音乐艺术能经历千百年的流传而经久不衰，除了人类对其特有的喜爱与重视，更是因为音乐艺术对于人类有重大的教化作用与其他功能，对于人类精神层次的提升有着重要的意义，对于陶冶人的精神世界有着重要的功能。本文即是针对音乐艺术对于人类发展的功能与意义所作的探讨与分析，希望能够对音乐艺术发展中的积极作用有一个详细的了解。

一、音乐艺术的发展

音乐艺术的发展历程可谓是源远流长，博大精深，按照不同的标准可以划分为多种不同的发展阶段，今天我们单简述音乐艺术在中国的发展历程。音乐艺术的正式起源最早可以追溯到我国的上古黄帝时期，当时音乐艺术有了最简单的演奏工具与形式，随后经过古时期各朝各代的传承与发展，在音乐表演形式与音乐种类方面都有了极大的丰富与发展，在这一发展过程中，音乐艺术立足于中国本土的社会环境，经过社会环境的演变，也逐渐分离出来众多的音乐流派与不同门类。直到近代以来，中国的音乐艺术发展迈上了一个新的高度，并且在世界音乐文化相互交融的大的背景下，中国的音乐艺术发展也有了一个新的阶段。

二、音乐艺术对于个人发展的功能与意义

（一）音乐艺术对个人艺术技能的培养作用。音乐艺术作为艺术技能的一个重要形式，对个人的发展作用首先体现在其能丰富人的个人的艺术技能，音乐艺术通过对个人长久而深远的影响与熏陶，能够提升个人对于音乐艺术的感知觉能力，甚至能够逐渐培养出人的对于音乐的创造能力，音乐艺术本身作为一项艺术种类的学术技能，其对于人的发展来说就具有重要的促进意义。掌握了音乐艺术中的具体知识与内在的方法内涵，相当于又学到了一项新的技能与本领。对于提升个人的艺术技能而言是一项重大改进。

（二）音乐艺术对个人情操的陶冶作用。音乐艺术作为一种精神感觉上的享受与陶冶，能够对个人情操的培养产生巨大的促进作用。音乐教学在艺术范畴中属于美育教育方面，通过音乐教学能够提升学生个人的自身文化素质，增强学生的德智体美的发展水平，而且音乐教学对于培养学生的心理素质有着十分重要的作用。而且学习音乐知识的过程是一个发展创造力，增强学生创新力的过程，音乐专业的学习有利于增强学生在智力发面的开发水平，提升学生的个人情操，使得学生在音乐学习的过程中能够逐渐培养出高尚的情操，对于学生的整体素质有一个良好的提升。

（三）音乐艺术对个人欣赏力的提升作用。另外，在音乐专业的学习过程中，音乐其自身具有的独特魅力，能够对学生个人的文化欣赏能力有一个很好的提升作用，音乐能够让听者在聆听的过程中产生一种愉快、舒坦的心理反应。从而从思想品质上对学生起到一个良好的进化作用，而且在音乐的教学中，学生能够从音乐艺术中获得一种思想情感上的共鸣，这种影响会深入学生的内心，从本质上对学生个人有一个精神的净化过程。

三、音乐艺术对于社会发展的功能与意义

（一）音乐艺术对社会整体意识形态的促进作用。音乐艺术同其他艺术种类一样，在一定程度上也归属于社会意识形态的划分范围，在特定的时间音乐艺术的发展也要经受所处时期的政治、经济、文化的发展程度影响。在一定程度上音乐艺术的发展也可以称为是对一个特定时期内社会意识形态发展的缩影，因而音乐艺术的良好发展状态，也就意味着所处时期内社会意识形态的发展相对比较稳定。

（二）音乐艺术对社会精神层次的陶冶作用。音乐艺术的主要功能与作用表现在它对社会精神层次的整体陶冶作用上，音乐艺术可以算作是一种精神听觉上的享受，而且音乐的影响功能主要表现在对音乐的欣赏聆听过程中，以其特有的感召力能够平复人的繁杂心情，培养人的稳定舒缓情绪，进而提升整个社会的精神层次。而且音乐艺术也可以视为是人类社会在发展过程中的一个积极产物，其发展势必能够对人类社会精神层次的陶冶有一个良好的促进作用。

第3篇

关键词：艺术命名；艺术创造；艺术追认；命名艺术；主体创造；客体创造；艺术阐释

中图分类号：J0 文献标识码：A 文章编号：1673-1573（2016）03-0021-04

一、“艺术命名”的源起：艺术创造

艺术创造分为主体创造和客体创造。主体创造，是创造者的创作活动，而客体创造是接受者的创作活动。主体创造的研究，可以通过主体创造与社会文明的关系角度切入，发掘出艺术创作实质。

第一，主体创造与人类社会文明的物质关系。豪泽尔说：“世界上只有无艺术的社会，没有无社会的艺术。”[1]艺术的创造必然依附于一定的社会关系。如中国的《诗经》，除了审美意义以外，也记载了大量的社会现实，在一定程度上具有文献学意义。艺术承载的不仅仅是艺术形式本身，也承载着人类的文化和人类的文明，彰显的是人类社会的精神进化。文化一般包括了知识、信仰、艺术、道德、法律、风俗等。文明就是在文化的进步中依赖于物质所产生出来的文化的全部内容的反映。所以，随着历史的发展，生产力与生产关系的不断变化，社会的文明程度也出现了相应的变化。艺术所承载的物质材料反映了不同时期的不同文明。譬如，石器时代的“艺术”作品所运用的材料都是大自然中的石器，反映的是石器的文明程度。到了铜器时代和铁器时代，艺术中反映出各种青铜器等，就说明了青铜时代的文明是在人类的文化推进中进入较高一层的文明，历史学家常用“青铜时代”来形容这一时期的文明。之后纸张、墨色、画布、油彩等的发明都在艺术作品所使用的材料中反映出来。

第二，主体创造与人类社会文明的精神关系。艺术创造在一定程度上弥补了人类精神的匮乏。人类的精神层面常常得不到满足，总是需要创造出某种精神产品来满足人类的精神诉求。如果说在原始艺术时代，艺术还限于满足人类的实际生活需求或记录人类的某种生活的话，那么到了艺术自觉的时代，艺术就是作为精神层面的诉求而创造的。尽管有的艺术依然保持一定的使用特征，但是精神方面的特征在作品上起到更大的作用。比如在实用艺术中，器具上的纹饰符号反映了人类的精神诉求和某种愿望。玉器、青铜器等有社会结构的实用性特征，但是依然满足人类的精神诉求，这种精神是与人类的宗教信仰精神活动联系在一起，共同承担起人类对文化的诉求。也因此，艺术作为文化的一个部分，伴随文化演进到一定的阶段必然会走向自觉。“纯艺术”或“自由的艺术”就是满足人类精神需求的艺术形态。在艺术的自觉时代，艺术审美是艺术产生的主要目的，同时，艺术也以追求精神的自由和独立为目的。艺术满足了社会中人们的这些诉求，并将人类的精神向更高的境界推进。

一般而言，艺术具有四大功能：认识功能、教育功能、审美功能、娱乐功能。艺术创造的这些功能对社会文明有促进作用，能提升人们的精神境界。当然，在后现代主义艺术中出现了诸多纷乱的格局，在一定层面解构了艺术的“审美”中心主义，但是在“泛审美”“审丑”中，艺术的“教化”功能依旧对社会文明进程发挥着作用。马尔库塞就指出：“艺术的使命就是让人们去感受一个世界。这使得个体在社会中摆脱它的功能性生存和施行活动。艺术的使命就是在所有主体性和客体性的领域中去重新解放感性、想象和理性。”[2]马尔库塞认为艺术可以使人摆脱功能性的生活或施行活动，正好印证了赫尔德林诗歌中所说的“诗意的栖居”。艺术创造的结果之一，就是可以让人们艺术化地生存在社会物质和精神关系中。海德格尔指出：“作诗是本真的让栖居（wohnenlassen）。不过我们何以能够达到一种栖居呢？通过筑造（bauen）。作诗，作为让栖居，乃是一种筑造。” “我们要根据栖居之本质来思人们所谓的人之生存；另一方面，我们又要把作诗的本质思为让栖居。”[3]正是艺术创造（作诗）的“使栖居”性，才能够让人类产生“诗意的栖居”的自觉。这里就牵涉到了艺术创造中的客体创造问题。

1.客体创造产生在艺术的接受过程中。这指出了艺术在接受过程中的二次创造。接受美学认为，不同的读者或观众，在接受同一部作品时，因受众者的不同，诸如年龄、性别、知识结构、生活阅历、接受环境的不同最后导致的接受方式不同，读解的结果也就不同。这就是为什么“一千个人眼里就有一千个哈姆雷特”的主要原因。对有些艺术而言，接受者需要相关的文化知识、艺术知识等作为解读基础。当然，由于每个接受者的知识背景和文化立场以及个性的不同，都会有可能造成不同的解读结果。其中，通过对作者的生平背景、创作思路的深入了解，对其艺术观念和文化观念进行正确解读自不必言，艺术接受过程还体现出一种阐释学方法中的“误读性”的“解读”，在“比较文化学”中叫做“阐发”。通过“阐发”这种解读方式，往往会有新的意想不到的解读结果，超越了原作品的含义而引申出新的含义。故此，解读艺术也是艺术创造。

2.客体创造是一个综合而且复杂的过程。根据施莱马赫尔和黑格尔的观点，艺术的阐释是通过“重构”和“综合”[4]描述出来的。所谓“重构”，用伽达默尔的话讲就是“对于艺术作品意义的把握不就是对一种原本东西的重建么？”[5]对原本东西的重建，涉及到对一种历史的把握，也具有一定的当下性，即当下的目光审视“历史的构成”，这样的解读中，往往能够带来新的认识。例如当年王家卫的电影《东邪西毒》，1994年这部电影在中国香港上映的时候被称为“票房毒药”。这是一部和传统香港武侠电影大相径庭的作品，没有完整的情节，也没有“典型”形象，只有碎片一样的独白和具有黑色幽默气质的台词。20世纪90年代中期人们更多地还是站在传统的视角下，对那种情节曲折，动作夸张，主要人物沧桑坎坷、武功盖世的武侠片较为接受，对这种大篇幅的独白缺乏耐心。14年后，随着张国荣的离世，《东邪西毒?终极版》卷土重来，人们在历经了、张国荣离世、经济危机之后，对《东邪西毒》有了新的认识。评论家开始认为这部影片成功地摆脱了以往香港武侠电影的弊端，把超人性回归到普通人性，让武侠电影中的大侠们具有了真实的灵魂，并认为这是一部极具人性色彩的电影，错落的人物和故事相互交错发展，张扬的个性表演与优美的摄影使作品呈现出经典的美感。 3.客体创造建立在客体的文化背景与自身语境之上。黑格尔认为阐释的核心原则在于“自己意识到自己作为精神的精神中”，即“每件艺术作品都是与观众中每个人所进行的对话”。[6]对于艺术的认识，主张通过个体的精神进行把握。鲁迅先生也指出，《红楼梦》“单是命意，就因读者的眼光而有种种：经学家看见《易》，道学家看见，才子看见缠绵，革命家看见排满，流言家看见宫闱秘事。”[7]又例如1922年，印度青年加里达斯?纳格拜访罗曼?罗兰时，讲到他对于《约翰?克利斯朵夫》的阅读经验，感受到了“赞美印度教和婆罗门教的主神――毗湿奴和湿婆的古老吠陀诗的思想和语言”。当然罗曼?罗兰并不知原委，甚至笑言自己“一定是从亚洲高原上下来的首批雅利安人的末代子孙――这批雅利安人现在已经消失在西方民族之中了”。[8]这就是作为不同文化的接受者对异域文化阐释中生成的新的认知。日本学者滨田正秀总结道：“在文学的输出中存在着一种世界性的奇妙现象：有些作品在本国评价并不怎么好，但这些在国内不受重视的作品，一旦到了国外，却获得了意外好评，并为国际所公认，而后它又像凯旋的将军一样再度输回本国。卡夫卡和穆西尔的作品，首先在法国和英国被看作是本世纪的杰作，在文学以外的思想领域中，在俄国定居，弗洛伊德的心理学在美国扎根”。[9]由此可见，由于每个人的文化观念、生活背景不同，对相同的艺术作品的阐释是不同的，并且极易发现新的“文化生成物”，从精神层面看，人们参与艺术消费时，会有一个在自我精神上重新参与，这就是客体创造的重要部分。

二、艺术命名过程：发现和赋予

1.“发现”和“赋予”衍生出了对远古文明“艺术”的追认，即把原来并非作为艺术范畴之内的事物命名为艺术。从人类早期的生产活动中，人们创造的物品并不是作为艺术来生产的，而是“用器”。卡冈指出：“原始文化的艺术成分似乎由其非艺术成分发展而来，而且长久没有从后者中分离出来。”[10]把这些远古的“用具”看作艺术，是后来的艺术命名者所追认的。以红山玉鸟为例。红山文化中出土的“玉鸟”应该就是被“发现”或“赋予”的艺术。“玉鸟”在当初并不是以“艺术品”身份出现的，而是作为“神器”或可能作为“礼器”，即是作为“礼仪”的玉器，而不是作为“艺术”来制造的。艺术史论家“追认”某种东西为艺术时，本质上就是“发现”或“赋予”艺术的意义。因此，我们在看到“玉鸟”时，首先看到的是在人与天的关系中所体现的特殊的意义，其次可能是玉鸟作为“礼仪”的性质，最后才看它的“艺术”成分。红山文化中的“玉鸟”作为“艺术”，完全是后世史论家追认的，而不是一开始就作为“艺术”形态而存在的。

2.“发现”和“赋予”也是有效认定当代艺术的一种方式。譬如，艺术家发现某种物质并赋予其新的意义，或对某种物质略作一定的改造并赋予改造的意义，就可能为艺术。如后现代主义的艺术作品：对现代主义的反叛，解构精英艺术与大众艺术的界限，甚至解构艺术与生活的界限，随意挪用风格、技法等，这些都是后现代主义艺术的特征。后现代艺术一方面拓展了艺术概念，引发了新的艺术观念。另一方面因为解构艺术与非艺术的界限，又使艺术本身陷入被颠覆的境地。例如被艺术史论家多次援引的“现成品”艺术形态――最具有解构艺术力量的杜尚的《泉》，它就具有拓展艺术的观念和解构艺术本身的双重性质和特征。杜尚手中那个失去使用功能的小便池，要么是废品，要么是艺术品。这个原因，是需要我们去“发现”后面隐喻的观念并“赋予”当代文化艺术语境下的文化意义。

三、艺术命名结果：“命名艺术”及其样式表现

“命名艺术”主要是指艺术命名者依据人们生产的不同艺术实体、存在的形态和样式，命名其为不同的艺术类型和艺术门类。比如音乐、诗歌、文学等属于时间艺术，美术、设计、建筑等属于空间艺术，戏剧（曲）、影视、舞蹈等表演艺术兼有时间与空间的性质，属于时空艺术。但是，在时间艺术、空间艺术和时空艺术中，每一种类的艺术形态、表现的样式是不同的。因此，命名艺术的表现形式也是有区别的。

一种是以表现元素命名，譬如说时间艺术。尽管时间艺术在借助时间中先后承续的表现元素或符号来呈现艺术的全部内容这方面是共同的，诸如语言艺术（诗）和听觉艺术（音乐）等，但不同艺术形态或艺术种类的表现样式和载体是不同的。作为时间艺术的音乐，它的活动承载体就是时间，音乐表现过程是靠听觉感官来完成的时间过程，音乐时间也就是听觉时间。当我们在面对印象派音乐大师德彪西创作于1905年的《大海》时，是随着时间的流淌而感受音乐的全部魅力。空间艺术依然如此。例如法国雕塑家罗丹的雕像《青铜时代》，作品展示了起伏变化的肌体和姿态，使人们感受到“泥性”痕迹的存在，引起了极为生动的光影效果。光与影的元素是罗丹作品中的主要表现手段，更是展示雕塑魅力的主要语言，他刻意地留下雕刻痕迹，放弃传统的抛光技术，形成了一种新的造型冲击，因此，艺术史上把罗丹称为印象主义雕塑家。以上可以看出不同艺术表现元素的区别性。

另一种是以艺术观念命名。在当代文艺语境中，当代艺术层出不穷，比如现代艺术与后现代艺术中，我们大致就可说出“野兽主义”“表现主义”“立体主义”“超现实主义”“结构主义”“象征主义”“达达主义”“原始主义”“未来主义”“先锋主义”等。学者们认为，现代艺术基于工业社会或者后工业社会的文化背景之中，出现了多种表现形式，而形式背后却有着大体相当的艺术观念，这一类艺术，虽有形式之分，却无观念之分，以观念命名现代艺术，是有可行性的。后现代主义同样也不是流派，而是不同艺术形态的总称。比如“新表现主义绘画”“波普艺术”“大地艺术”“装置艺术”“行为艺术”“新达达艺术”等，提起这些艺术形式，人们也会以“后现代艺术”笼统称之，这就是以观念命名的例证。

结语

艺术命名的过程，在一定程度上是“追认”艺术和阐释艺术的过程。艺术史的构建是随着历史的演进，不断地对原有的事物进行艺术追认的过程，在追认中同时对被追认的艺术进行阐释，从而形成艺术的知识体系。对“艺术”的阐释，有多方面的需要和诉求，其中之一就是使人们知道被追认的“艺术”何以被称为艺术。所谓追认艺术，就是艺术命名者会在某些情况下把原来并非作为艺术范畴之内的事物命名为艺术。 艺术的形态是艺术命名者依据艺术家创作的不同艺术实体所存在的形态和样式，对艺术进行总结或认知出来的某种分类，以便更好地研究不同形态的艺术。艺术命名的理路，同样要把艺术创造的研究放在重要的地位，正是通过艺术的主体创造和客体创造的结合，才使人们艺术化地生存在社会物质和精神关系中。艺术创造并不是单指艺术家的艺术实践活动，同样，作为艺术接受者――艺术的客体创造者，他们的艺术接受活动也是一种艺术创造，具有重要意义。所以，“艺术命名”的理路，既是艺术创作的辩证性认知，也是艺术价值的赋予和发现以及艺术样式的归类和辨别。

参考文献：

[1]【匈】阿诺德?豪泽尔.艺术社会学[M].上海：学林出版社，1987：37.

[2]【美】马尔库塞.审美之维[M].桂林：广西师范大学出版社，2001：212.

[3]【德】海德格尔.演讲与论文集[M].孙周兴，译，北京：三联书店，2005：198.

[4][5]转引自【德】伽达默尔.真理与方法（上）[M].上海：上海译文出版社，2004：218，219.

[6]【德】黑格尔.美学（第一卷）[M].北京：商务印书馆，1986：335.

[7]鲁迅：鲁迅全集（第八卷）[M].北京：人民文学出版社，1981：145.

[8]张隆溪.比较文学译文集[M].北京：北京大学出版杜，1982：l60.

[9]【日】洪田正秀.文艺学概论[M].北京：中国戏剧出版社，1985：13.

[10]【俄】卡冈.艺术形态学[M].凌继尧，译.上海：学林出版社，2008：172.

第4篇

传媒艺术主要指对电影、电视、互联网等对某件事物或物件的传播采用的艺术手法。在社会飞速发展的当代，电影、电视、互联网、手机等分别承担着传播信息的重要用途，这些传媒介质对美的评价也各不相同，这都对当代人们的审美思想带来了巨大冲击，在传媒使用的各种手法中，也处处体现着艺术气息，因此，传媒艺术产生的审美思想是对当代美的定义的重要影响因素。本文主要阐述了昔日和今日的传媒艺术的审美对比并对传媒艺术的审美思想作出重点分析。

一、传媒艺术的审美变化

与传统的艺术相比，如今的审美研究和审美思想都发生了潜移默化的变化，着中变化与传媒在当今社会中起到的重要功能和重要性嘻嘻先关，传媒用其强大的影响力对以往的审美思想带来巨大冲击，并逐渐在全球范围内产生了以视觉文化为主的新型传媒艺术，也因此对人们的审美思想带来了重要改变。

从艺术的角度分析，传媒中艺术元素的介入程度决定了其中的审美思想的变化程度，这也与我国传统艺术产生了诸多差异，传统艺术的主要对象是艺术本身，艺术的创作也较好的体现了其对审美的追求。现如今，越来越多的思想家将审美称为艺术哲学。

现如今，审美已经渗入到了我们得日常生活中，其范围也在逐渐扩大，日常生活审美化成为了艺术学者的重要研究课题。另外，日常生活与审美的界限也越来越模糊，艺术学者们开始在生活中不断的寻找和发现独特的美和灵感，这已然成为一种趋势。众所周知，传媒已经随着社会的快速发展与人们的日常生活越来越贴近，因此，其传媒带来的审美思想的变化也深深的影响着人们。另一方面，当代社会中的传媒艺术的审美思想起到了划时代的作用，各种电子产品使得传媒形成了昔日任何艺术都不可替代的艺术形态和审美思想，已经使许多艺术学者们对传媒艺术刮目相看。美国的著名艺术学者詹姆逊就提出了以下观点：现代艺术中，越来越多的超美学的观点已经使人们对原本的审美思想完全失去了信任，并在新的后现代科学技术的支配下，产生了各种各样令人眼花缭乱的风格和混杂物充斥了整个消费社会。但与此同时，昔日的传统艺术却无法列举出足够的知识理论储备来判断和分析这些新作品，这些新的作品完全吸纳了科技的交流手段和传媒控制技术。因此，传媒不仅承担了艺术传播的功能，也因为传播对大众的审美思想带来了重要改变。

二、传媒艺术的审美思想

审美思想是指辨别、领会事物的美的思想状态。传媒艺术中的审美思想主要是对传媒艺术中的诸多种类产生的对美的审核思想，这将大大影响传媒的受众对美的感悟能力。

传媒艺术并不是一种艺术门类的名称，而是在信息化科技产品的传输条件下，在大众传媒中包含的艺术因素的总称。在当代社会中，发展最快的非科技莫属，这也就使传媒领域飞速发展，现在我国传媒领域中最主要、最成熟的主要是电视、影视、网络、手机等电子科技产品的动态传播方式为主要载体进行的艺术创作。例如：电视剧、音乐、戏曲类节目、舞蹈类节目、朗诵类节目、相声小品、综艺晚会、广告等。其中，虽然主要以获取经济利益为主要目的，但从其产生的审美思想来看，这些作品完全可以列入传媒艺术的行列。

传媒艺术为我们带来的主要是动态的美，主要特点是真实，可以使人们对美和艺术有立体的认识，加上语言和音响的制作，使其与画面完美配合，使人仿佛身临其境，电子科技产生的真实感是传统艺术无法比拟的。例如：《泰坦尼克号》中，对爱情的执着和追求，都是一种思想上的审美，对人们缠身了重要影响。传媒艺术可以将现实或按照想表达的审美思想重塑现实，并呈现在人们的眼前，利用逻辑线索连接各种图像的方式，以真实感为人们的审美思想带了强大震撼。

三、结束语

在社会飞速发展的当代，电影、电视、互联网、手机等分别承担着传播信息的重要用途，这些传媒介质对美的评价也各不相同，这都对当代人们的审美思想带来了巨大冲击，在传媒使用的各种手法中，也处处体现着艺术气息，因此，传媒艺术产生的审美思想是对当代美的定义的重要影响因素。现如今，传媒艺术也逐渐渗入到人们的日常生活当中，并因其变化性强，往往因为微小的变化而为人们的审美思想带来巨大变化，起到了引领艺术时尚的作用。本文主要阐述了昔日和今日的传媒艺术的审美对比并对传媒艺术的审美思想作出重点分析，以期对我国的艺术研究做出贡献。

第5篇

【关键词】建筑；设计；艺术性

中图分类号：S611文献标识码： A 文章编号：

1 前言

建筑设计艺术理论涉及建筑学、美学、物理学、材料学、色彩学、艺术学等学科，是一项跨学科的理论研究。本文通过对建筑艺术的剖析，首先提出了建筑艺术的美学原则。然后分析了建筑艺术风格的时代性、民族性和地域性，最后介绍了建筑的造型要素，从而揭示了建筑艺术意蕴丰富的内涵。这对建筑艺术的研究，具有理论参考价值。

2 建筑艺术设计的原则

2.1 功能与形式美的协调

建筑艺术与语言艺术、表演艺术及造型艺术不尽相同，它还是一种实用艺术。一座优秀的建筑，应该实现实用与美观的统一。只有技术和艺术结合在一起，才能产生真正的美的建筑。在处理建筑功能与形式美的协调时，通常有以下两种错误倾向：一种是过分强调实用功能而把建筑之美置之不理，这在我国解放初期表现最为明显；另一种是只注重建筑的美观而忽视其实用性值，出现的许多伪结构。要避免这两种倾向，建筑艺术的协调原则就显得十分重要。功能和形式，偏颇任何一方都不会产生好的作品；只有功能和形式做到完美统一，建筑艺术才会有长久的生命力。

2.2 满足民众审美情趣

首先，建筑所提供的便捷的服务功能，是满足人的生活需要的。然而，老百姓有自己的审美观，该审美观必须同社会功利、国计民生相结合。随着社会的发展。建筑的美已经从实用中分化出来，但仍表现了它的社会功利性。

2.3 体现建筑艺术的时代精神

与其它艺术一样，建筑艺术也并非一成不变。古代建筑多以装饰华丽为美，而现代建筑则以简洁大方为美。建筑能够以其巨大的空间形象来显示生活中的某些本质方面，体现一定的时代精神。在不同历史时期，建筑风格、艺术和技术具有较大区别。在中外建筑史上，几乎每个时代都会形成其独特的建筑风格，而成为这个时代的标志性特色。各个时代的建筑师在设计创作时，不可避免地受时代精神的影响，西方建筑显得尤为明显。威尼斯水上世界上集市密布，融休闲、购物、观光、交通于一体，是当地的一大特色。

2.4 展现建筑艺术鲜明的民族特色

世界上没有规定审美建筑一定要有审美标准，但一定的民族，必然有一定的建筑特色。反映在建筑上，中国的建筑多具有地方特色，不同民族在习俗、文化传统、思维方式等方面存在许多差异。基于此，不同民族对建筑艺术提出各自不同要求，也就不足为奇。

3 建筑艺术设计要素

3.1 环境

建筑与它所处的自然环境之间，以及若干建筑之间都构成建筑环境。环境是人对建筑艺术产生最初审美感受的因素。建筑与自然环境配合得当，可以突出建筑的性质和艺术趣味。如风景名胜区的寺庙、村镇、园林主要是从自然环境中获得艺术效果。城市中的建筑环境主要是大组群之间的关系，如欧洲中世纪城市中高耸的教堂与曲折的街巷小屋、中国古代都城中雄伟的宫殿与整齐的街坊居民之间，都表现出很鲜明的艺术特色。

3.2 序列

组群中的各座建筑之间和单座建筑的各个部分之间的有机联系可以构成一定的观赏序列。通过不同的序列结构，可以展示丰富的造型画面，形成节奏很强的韵律,更有效地突出主体形象。序列越丰富,时间的因素就发挥得越充分，在时空交汇中构成的艺术形象就越鲜明。注重序列设计是中国传统建筑的主要特点之一，即所谓起承转合、步移景异的设计原则。欧洲古典建筑有意识地通过透视分析来设计总平面和总轮廊线，也是一种序列设计的方法。

3.3 造型

由各种式样的平面、立面、结构、装饰组成的各种造型，是建筑艺术最基本的因素。每个时代和每个民族对于建筑造型都有各自的审美标准，也有共同的标准。首先要求造型的各个组成部分在总体中是和谐的、有机的和符合形式美法则的。同时，每种类型建筑的造型也要求表现出各自所固有的特征，如纪念建筑与游乐建筑、宗教建筑与世俗建筑、银行和图书馆、度假别墅和城市公寓等，在造型上都各有不同。

3.4 形式美

环境、序列、造型以及结构、色彩、质地等都有形式美的要求，都要求符合某些客观的美的规则。在建筑艺术的形式美法则中，最主要的是比例尺度和节奏韵律。形式美法则体现在具体的建筑手法中。例如欧洲古典建筑的两大系统―希腊罗马式的古典风格和哥特式的基督教风格，中国古代建筑中的宫殿庙宇和园林以及其中的屋顶、色彩、假山、装饰等，都有各自不同的特殊构图形式和手法，形成各种不同的法式。

3.5 象征涵义

建筑艺术的广度主要由环境、序列和造型构成，而深度则由其中的象征涵义构成。象征的主题可以通过某些附属艺术如雕刻、绘画等表现出来，也可以从环境、序列、造型中表现出来。例如埃及的金字塔、巴比伦的观星台、印度的佛塔、中国的宫殿和礼制坛庙，都有很强的象征性。

3.6 附属艺术和建筑小品

建筑小品和雕塑、绘画、工艺美术等，是建筑艺术中不可缺少的部分，在形成建筑艺术的总体效果中，它们主要起以下作用：作为环境和序列的组成部分（如台阶、栏杆、水池、墙篱、门坊等）；作为建筑装饰的主要组成部分（如壁画、浮雕、匾联等）；作为象征涵义的表现手段，直接用以其形象和文字来表现、提示、说明所象征的主题内容。

4 建筑艺术设计需要考虑的问题

4.1 功能技术和艺术的关系

建筑是功能技术同艺术的统一体，但是在以功能技术为主的建筑（如仓库、车间）和以艺术为主的建筑（如纪念碑、园林和大型公共建筑）之间，存在着大量二者比重模糊的建筑。建筑艺术的创作必须首先确定具体对象的艺术成分以及艺术成分包含的内容和所需取的表现形式，畸轻畸重都可能从根本上损害建筑艺术。

4.2 逻辑思维与形象思维的关系

建筑中的功能、技术等物质部分的创作遵循逻辑思维的规律，而艺术部分又须遵循形象思维的规律。一般说来，任何建筑的创作都须首先保证功能合理，技术先进，便于建造，所以逻辑思维是进行规划设计的基础。但是，建筑的物质因素最终要表现为具体的形象，艺术比重大的建筑更要求这种形象富有鲜明的艺术风格和表现力，所以在运用逻辑思维的同时，也必然会渗入形象思维，在到达一定的创作阶段后，形象思维还可能成为主要的思维方法。逻辑思维的共性比较强,而形象思维则主要是个性,在建筑创作中,所谓“运用之妙,存乎一心”、“匠心独运”，就可以概括说明这两者的关系。

4.3 构思与技巧的关系

美的艺术离不开熟练的技巧，但技巧总是服从总体艺术构思。无论是环境、序列、造型的设计，还是象征涵义的命题，都应当首先进行总体构思。巧妙的构思是技巧的灵魂。

4.4 继承与创新的关系

现代建筑的主要争议之一就是建筑艺术的时代性与传统性的关系。时代性立足于创新，传统性立足于继承。没有创新，建筑艺术就不能发展丰富；但创新不等于脱离现实和随心所欲，不能把怪诞离奇的形象强加于社会。没有继承，建筑艺术就不能广泛借鉴，就会变成无源之水；但继承不等于复古和盲目模仿。建筑艺术具有广泛的群众性，建筑艺术的创作必须紧密结合社会的实际需要，适应时代的发展，重视和发扬民族的优良传统。

5 结束语

综上所述，建筑风格的确定，事关整个建筑工程外观表现成败的关键，所以提倡建筑师在设计之前一定要到现场实地考察一下，精心揣摩，确保工程建成后实际效果的艺术性。

第6篇

关键词 摄影 艺术 功能

中图分类号：G841 文献标识码：A

Analysis of Photographic Art Features

ZHANG Guwen

（Department of News Photography， School of Journalism &Communication，

Nanjing Normal University， Nanjing， Jiangsu 210097）

Abstract Photographic art features exactly what？ Most textbooks now are summarized as cognitive function， educational function and aesthetic functions. Book on the basis of these three functions carried out some improvements - improved cognitive function as visual extensions， highlighting the propagation characteristics of the art of photography； educational function expansion to promote educational function， point out the photographic relationship between art and politics ； after the increase in the aesthetic features entertainment features.

Key words photography； art； features

1 视觉延伸功能

著名的传播学大师麦克卢汉①曾提出“媒介是人体的延伸”理论。在《理解媒介——人体的延伸》一书中，他指出“任何一种新兴媒介都对人类事务的尺度、进度和标准产生影响，从而强有力地改变了人类感觉的比例和感知的图式”，②应该说麦克卢汉的这一理论带有一定的技术哲学和心理学倾向，且在行文中有晦涩之处，因此被人批评为“故弄玄虚”。通俗地讲，媒介延伸人体就是说媒介是和人进行近距离接触的东西，同时也是一种信息的载体和传播渠道，因此，人可以通过媒介把自己的听觉、视觉等感觉延伸到本来达不到的地方。在人类传播史上，书籍、书信、烽火、战鼓、密报等都属于辉煌一时的媒介，周幽王点燃烽火便可召兵于千里之外，诸葛亮隐居隆中而知天下纷争，优秀的军事家只须“运筹于帷幄之中”便可取得战争的胜利，人们以独特的智慧使自己的认识世界得到无限扩展。在今天的信息时代，报纸、电视、收音机、网络等各种媒介通过对世界各地信息的源源不断的搜集和介绍，把人们的视野扩大到了全球。人如果被关在一个没有手机、电脑、电视和网络的密闭房间里，即使衣食无忧，也会因为得不到外界的信息而变得焦急万分。

媒介是一个外延很广的概念，包括视觉媒介、听觉媒介等多种类型，对于摄影艺术而言，照片就是人类视觉的延伸。杨利伟、费俊龙、聂海胜在太空旅行中拍下了地球的画面，把我们的眼睛延伸到了太空，这是一种跨越空间的延伸，他们也因这种太空摄影活动受到了中国摄影家协会的礼遇；吴印咸的《白求恩大夫》将我们的眼球延伸到1939年，这是一种穿越时间的延伸。摄影艺术正是通过时间与空间的交错，为处于特定时空的观众提供了超越时空界限的图像世界。

唐人张彦远在《历代名画记》中指出，绘画可以“成教化、助人伦、穷神变、测幽微”，③其中的“穷神变、测幽微”说的是绘画在扩展人类认知世界方面的积极意义。虽然摄影艺术能够延伸我们的视觉，但要通过这种延伸来丰富自己的认识，仍然需要观众进行积极、深入的思考，这在我们面对那些内涵丰富、寓意深刻的摄影艺术作品时尤为重要。

苏珊·桑塔格在《论摄影》中说：“收集照片就是收集整个世界。”摄影艺术的视觉延伸功能，也使其具备了强大的记史能力，一张张经典的摄影图片，正在为人类构建一部日渐增厚的现代《史记》。类似于《老照片》之类的图文书经多次再版仍然供不应求，虽然它们收录的都是一些普通的生活照，但其所记载的某个时代、某个地区或某个民族的大量信息，却是那些有着较高艺术价值的风光摄影作品所无法比拟的。摄影艺术的视觉延伸功能也使其在科学研究领域发挥了重要作用，医学、天文学、物理学甚至是社会学等学科都早已将摄影作为拓展自身研究能力的重要手段。而在学校课堂上，教师通过展示直观形象的摄影图片配合文字讲解，能够使学生的理解和接受变得更加容易。

总之，摄影艺术的视觉延伸功能，是摄影艺术在当代社会占据崇高地位的重要源泉，也是摄影艺术其他一切功能的基础。

2 宣传教育功能

用艺术承载教育功能是中华民族的传统，也是世界范围内各种艺术门类的一个重要特征。以文学为例，中国古代有《中庸》、《大学》，西方则有《人间喜剧》、《玩偶之家》，这些都是用以表达作者社会思想并试图传之于众的“工具”；孔子在编撰《诗经》时提出的“诗可以兴、可以观、可以群、可以怨”以及唐代诗人提出的“文以载道”，都是主张利用文学进行教育的经典理论。事实上，文学、音乐、舞蹈、绘画、雕塑等所有的艺术都曾或多或少地承载过一定的教育功能，摄影艺术作为一种具有形象直观特性的艺术门类，在其诞生至今的一百多年的历史中，一直是人们进行教育的重要工具。

中国摄影是伴随着近现代社会的革命而逐渐发展的。时期，一些摄影师冒着生命危险拍下了许多革命实况照片，大量地发表在《警报》、《大汉报》、《东方杂志》上，这是中国摄影发挥革命教育功能的开端。1920年6月9日，戈公振创办了中国第一个报纸摄影附刊《时报·图画周刊》，他在发刊导言中提出新闻摄影图片应起“彰善瘅恶”的作用，这是我国较早明确提出的用摄影开展社会教育的思想。在艰难的革命战争年代，根据地的摄影家们创作了一批反映根据地军民艰苦创业、不怕牺牲的崇高精神的摄影作品，鼓舞了根据地人民的斗志，如石少华的《艰苦创业》及比较著名的《不能忘记他》等。解放后，在很长一段时间内，中国艺术的政治说教功能被无限地扩张了，我们熟知的八个样板戏、《草原英雄小姐妹》、《闪闪的红星》等艺术作品都是如此，而据报道，著名油画《开国大典》受到政治运动的影响，竟然历经三次修改。摄影艺术也受到了来自政治的极大冲击，的一幅普通风光摄影作品《庐山仙人洞20世纪60年代》突然被赋予强大的政治内涵，而身为风光摄影爱好者的却抛出了视摄影艺术规律而不顾的“题材决定论”，规定必须按工、农、兵的顺序来决定摄影艺术作品的获奖名次，这是摄影艺术教育功能在走向极端之后的变异。

“”结束后，随着政治观念和社会观念的变化，摄影艺术的教育功能也发生了改变。《稻子和稗子》是“”后出现的第一张影响较大的、具有教育功能的摄影艺术作品。它岁没有多少说教意味，但简洁的画面、深刻的哲理使它一直被摄影理论家们反复地使用。根据作者李英杰的回忆，当时他在田间漫步，突然发现了这两株紧挨在一起的植物，心灵受到了极大的触动。在艺术家的眼里，高高昂起的杂草代表了那些胸无点墨、却又作风张扬的人，而真正有才学的人却总是像稻子一样低头不语，作着默默无闻的奉献。后来这幅作品的内涵得到了扩大，有人把稗子比作横行霸道的，而稻子则是经受迫害的知识分子和老干部。由于它所蕴涵的哲理的深刻性和普遍性，不论经过多少年，这幅作品的艺术魅力和教育意义都是不会消退的。

改革开放下的中国总是美丑并存的，摄影艺术的教育功能也与时俱进，广大忧国忧民的摄影艺术家敏锐地捕捉到了社会中出现的新现象，对它们进行及时的歌颂或批评。学雷锋是我国的传统，现如今却成了形式主义的代言，虽然《雷锋学完了》这幅作品并没有刻意地刻画活动结束后惨淡的场景，但人物的背影、搬走的黑板、地上散落的头发却多少让读者感到震撼；《身残与心残的撞击》是一幅经典的新闻摄影作品，一位盲童在监狱内出色的表演感动了囚犯，读者也不能不为之动容。

与教育功能相关的是摄影艺术的宣传功能，世界上很多国家都曾经并且正在将摄影作为宣传的手段加以利用。例如希特勒领导下的法西斯宣传部门曾建立“帝国形象造型局”，通过摄影等手段来树立纳粹德国的“光辉形象”，而战争时期通过摄影图片开展的“舆论战”，也是其宣传功能的重要体现。美国的《新闻管制训条》中写道：“未来战争中，军队必须战胜两个敌人，一个是军事战场上的敌人，一个是舆论战场上的敌人。”为了实现战胜后一敌人的目标，美国广泛地运用摄影手段开展宣传，不仅迷惑了敌人（如伊拉克战争时期安排的嵌入式采访，要求摄影记者在美军的管制下从事拍摄活动），还鼓舞了自身的斗志（如二战时期美军登上硫磺岛后插上美国国旗的照片）。摄影艺术作为一种手段被运用于宣传，既是它对于社会的积极反作用，同时也给其自身带来了不小的负面影响，历史上有许多虚假照片都是在政府宣传活动的主导下产生的。

3 审美娱乐功能

艺术的目的在于创造美，摄影艺术创作的实质就是创造摄影艺术美，摄影艺术的美，是“巧妇”（摄影家）和“米”（被摄影对象）相互交融的结果。摄影艺术家只有深入社会生活，在摄影艺术创作过程中融入自己的思想情感、审美理想和艺术追求，才能完成摄影艺术美的创造。

社会生活的内容是极为广泛的，摄影艺术家的思想情感、审美理想和艺术追求也因人而异，因此，摄影艺术之美也形成了千姿百态、各有千秋的局面，从总体上分，摄影艺术的美主要有纪实美、情感美、技巧美和风格美四大类。

3.1 纪实美

摄影艺术家哈尔曼斯将摄影艺术分为“take”和“make”两类，前者是“照相”，即从社会生活中直接剥离出摄影艺术作品；后者是“造相”，即利用社会生活中的素材，经过摄影艺术家的加工，融入他们的主观意识和审美情趣。哈尔曼斯认为，“take”时的摄影艺术家是站在目击者的立场上，“他绝不叫人表演，只是一动不动地等待机会来到，突然一瞬间将镜头拍摄下来……其主要目的是客观地观察事物，而尽量地摈弃独创性和表演手法”；而“make”时的摄影艺术家则站在创作者的立场。前者是记者，后者是“作家型的摄影艺术家……极其重要的问题是创见和构思”。④摄影艺术的纪实美，指的就是通过“take”手法所得到的摄影艺术作品的美。

具有纪实美的作品，其首要的审美要素是“真”，它必须具有强烈的真实美感和现场感，才能给人亲切、自然的审美感受。也许有的读者会认为摄影艺术的纪实美就是纪实类摄影作品的美，实际上它们是两个不同的概念，纪实摄影的美主要来自它在思想内涵上所表现出来的强烈的人文关怀意识和历史记录精神，而摄影的纪实美主要是“纪实”这种不加摆布的拍摄手法的产物。在这个意义上，纪实摄影、新闻摄影都具有纪实美，而各种采用纪实手法拍摄的艺术摄影作品同样具有纪实美。

3.2 情感美

唐代诗人白居易曾说：“感人心者，莫先乎于情。”情感，是人对客观事物进行认识和判断之后所产生的一种心理反应，是人对自己及自己与周围世界关系的一种主观态度和评价。在艺术创作过程中，情感能够诱发创作者的各种心理因素积极参与创作活动，当观众对融入了创作者情感的艺术作品发生共鸣时，作品的艺术价值就得到了升华。

所有的艺术家都十分重视情感在艺术创作中的作用。画家毕加索就曾说过：“艺术是时代的索引，任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些情感一致的艺术形式。”⑤每一位摄影艺术家在进行摄影艺术创作时，都必然会渗透进自己的情感，虽然这种情感不一定会在作品中直接表现出来，但至少会影响摄影艺术创作的过程，甚至影响到创作的成败。著名摄影艺术家袁毅平在谈到《东方红》这幅名作的创作体会时说：“当我看到，我盼望和等待两年之久的朝霞出现时，我激动得两腿发软，双手发抖，这时我努力控制住激动的情感，屏住气，用1/8秒的快门速度，一口气拍了八张。”⑥袁老所说的“发抖”是摄影艺术家情感上升至颠峰时的表现，也是《东方红》这幅名作得以诞生的重要因素。

3.3 技巧美

技巧是摄影艺术家完成摄影艺术创作的一种职业才能，即摄影家在摄影艺术创作过程中运用摄影艺术语言塑造艺术形象、反映社会生活、表达审美情感时所表现出来的熟练程度和高超技能。它不仅需要摄影艺术家对摄影器材的熟练掌握，更需要摄影艺术家在长期的拍摄实践中积累起来的创作经验和创作观念。

摄影艺术创作中的技巧可以分为广义的技巧和狭义的技巧。广义的技巧主要是指操作照相机及通过取景、构图、用光以实现创作过程的能力，而狭义的技巧则指的是更高层次的、能够创造性地使用各种技法的能力。我们这里所谈的技巧，主要是指狭义的、高层次的摄影艺术技巧。在“make”类的摄影艺术创作中，只有借助一定的摄影艺术技巧才能实现和完成摄影艺术形象的塑造和主观情感的表现。

3.4 风格美

强烈的个性化风格是每一位摄影艺术家孜孜以求的目标。据《美国摄影百科全书》的解释，所谓风格是指“构成与众不同的、具有个性特征的表达方式的那些因素……这些因素包括对被摄体的选择、观察被摄体的方法以及印刷照片的技法。真正的风格出自摄影家这些因素运用于创作整体的方式……它是一种联结着一系列照片的表现形态，它的出现与形成是显而易见的。 因为摄影家观察某种对象时有一贯的方法，对每一种情况都有相似的反应，有他所喜爱的表现对象或传递反应的方式，而且，这些方面的总体效果常常有别于表现同一对象的另一位摄影家所得到的效果”。简单地说，摄影艺术风格就是摄影艺术家在摄影艺术创作过程和摄影艺术作品中所表现出来的个性化特征。摄影艺术风格的形成，与摄影艺术家所处的国家、时代、民族密切相关，同时也受到摄影艺术家个性、气质以及创作动机、题材选择等因素的影响。

摄影艺术家的创作风格，首先表现在他们对于题材的选择上，有的摄影艺术家心怀天下，以纪实为己任，选取了希望工程、边缘群体、西部乡村为拍摄题材，解海龙、赵铁林等人是他们的杰出代表；有的则情系名山大川，用照相机抒发对于大自然的热爱，这方面的代表人物有亚当斯、陈长芬等；有的摄影艺术家借照相机抒发雅兴，用以怡情，也能自立一派，成为大家，如郎静山、黄贵权等。还有一些摄影艺术家的拍摄题材更为狭窄，但同样能获得很高的成就，北京故宫博物院专事文物摄影的胡锤就是其中的一位。

千姿百态的画面风格也是摄影艺术家创作风格的重要标志，有的摄影艺术家崇尚诗情画意，作品中透露出婉约派的温柔，而有的摄影艺术家则用截然相反的阳刚之气表现心中的豪情壮志；有的作品华丽，有的朴素，有的幽默，有的庄重，有的含蓄，有的直白……世界上的种种情态，在摄影艺术中都能找到一席之地。

注释① 马歇尔·麦克卢汉（Marshall McLuhan，1911—1980），加拿大著名传播学者、文学批评家、文化人类学家，著有《机械的新娘》、《古登堡群英》、《理解媒介》、《地球村》等著作.

② 张国良.20世纪传播学经典文本.复旦大学出版社，2003：372-373.

③ 张彦远.历代名画记（第一卷）.人民美术出版社，1963：1.

④ 陆少游.被定格的世界——摄影天地探视.黑龙江人民出版社，2001：13.

第7篇

关键词:服装面料;再造艺术;设计

随着社会不断发展，人们对服装的要求不断提升，单纯的从服装款式进行设计已不能满足人们对的个性化需求。于是，追求服装面料的创新，最大限度地满足人的生理、心理需求，显得大有潜力可挖。面料的变革与创新为服装设计的发展带来新的生命力，对于服装设计而言，款式变化受到服装功能性需求的控制，而材料上的再创造则正好丰富与拓展了服装设计思路，使服装更具新意。通过对面料的不断创新，在提高服装的服用性能的同时，又带给人们新的审美感受，面料再造艺术在服装设计中的应用，应从面料再造艺术的概念和设计原则着手，为艺术的应用提供支持。

1面料再造艺术概述

面料作为服装三要素之一，面料不仅可以诠释服装的风格和特性，而且直接影响着服装的颜色和造型的表达效果。所谓面料再造艺术，主要是指在面料原有设计的基础上进行二次设计，旨在通过改变面料自身的协调性和艺术性，为服装设计增添新元素，提高服装设计的艺术价值［1］。它不能脱离服装设计去进行，因此，面料再造艺术又是在了解面料的性能和特点，并且保证其具有舒适性、功能性、安全性、美化性等特征的基础上，将服装设计的基本要素考虑在其中，结合多种工艺手段，强调服装的艺术性、美感和装饰内涵的一种设计艺术［2］。服装面料的再造艺术不仅改变了面料本身的特性，提升了面料本身的创造空间，而且能很好的展现设计师的创作理念，带来最好的视觉盛宴。

2面料再造的表现手法

面料再造的表现手法大致可归纳为加法、减法、变形法、综合法。

2．1加法

将相同的一种或多种材料运用排列、组合、叠加、堆积等添饰手段而形成立体的、和谐的、有层次的、有节奏的、富有创意的服装面料的再造手法［3］。

2．2减法

将原有面料经过抽、镂、剪、烧、烙、撕、磨、腐蚀等手段除去或破坏局部，使其达到一种特殊肌理效果的再造手法。

2．3变形法

将原来的面料经过抽褶、皱缩、捏缝、拧结、挤压等变形处理，使面料具有丰富变化的浮雕效果的再造手法。

2．4综合法

同时采用加法、减法、变形法中的两种或两种以上的再造手法。

3面料再造艺术的设计原则

3．1功能性

功能性是服装面料再造艺术的重要的设计原则。面料再造艺术应以功能性为主要设计原则，充分体现服装设计对人们体感的影响，根据服装本身的实用功能、穿着对象、适应环境、款式风格等因素考虑其中，并在整个设计过程中都应以体现或强调服装的功能性为设计原则［4］。

3．2艺术性

面料再造设计的艺术性主要体现在其能给人很好的精神享受和无尽的想象空间，令人在气质上得到很好的提升，视觉上也更和谐。艺术性是面料设计最为本质和灵魂的原则，只有将艺术性贯穿到面料设计中，才能使服装更具精神内涵，传递更为深刻的思想价值［5］。3．3协调性服装面料不仅是服装造型的物质基础，也是造型艺术重要的表现形式。但若两者配合不当，那么看上去就无主次和个性而言，无法达到在形式和风格上的统一［6］。因此，面料再造艺术应结合面料和整体风格特点相统一，使服装达到最好的表现效果。

4面料再造艺术的发展前景

随着现代社会的不断发展和生活方式的转变，人们对衣着的要求也越来越强调独特性、优越性和重要性。从一定意义上来讲这些审美心理和消费观念无疑影响着服装设计师的设计方向，使设计师开始把设计关注的重点放在了服装面料再造中，通过材料与整体工艺的完美结合来体现设计的理念和创作灵感。那些服装设计大师的作品充分的说明了探寻发现和巧妙运用独特材料所产生的巨大影响力。对面料的适时改变为服装设计提供了更广阔的空间，在这潮流瞬息万变的时代，设计师要想脱颖而出，在其他设计因素相同的情况下那么面料的再设计就形成了新的突破。更需要结合面料本身的质感和材质等方面来进行艺术创作，因此在现代服装设计中面料再造就显得尤为重要，也会是未来服装设计的变化趋势。

5结语

本文通过对面料再造艺术的概述、面料再造的表现手法、面料再造艺术的设计原则和发展前景进行了介绍，充分的体现出面料再造艺术是设计领域中不可忽视的一股力量。要想达到理想的设计效果，同时又保留适宜的面料特性，设计师们应勇于创新实践突破传统，把面料再造艺术推向一个更广阔的天空。

作者:张宇 杜兴研 单位:大连工业大学服装学院

参考文献:

［1］雷兴武．服装设计中面料再造艺术的运用［J］．中国高新技术企业，2015(17):54．

［2］吴晓菁，温金．服装设计中面料再造艺术的运用［J］．纺织科技进展，2007，1:84．

［3］邓玉萍．服装设计中的面料再造［M］．南京市:广西美术出版社，2006:8．

［4］龚建培．现代服装面料的开发与设计［M］．成都:西南师范大学出版社，2003，24．

第8篇

科林伍德曾经指出，艺术家“所从事的艺术工作并不是代表他私人的努力，而是代表他所属的那个社会的公共劳动。他对情感所作的任何表现，是从一个不言而喻的标题开始的，它不是‘我’感到，而是“我们”感到。

一、公共艺术的概念和历史

公共艺术的概念

公共艺术一词，由“公共”和“艺术”名词复合而成。“公共”一次的词义为“commonality有公共平民之义。而“公民”的词源是civis，衍生出的抽象名词civitas，该词经过抽象内涵的不断增加，最终成为commonality的同义词，在英语中指代比区域面积略大的一片人群居住地。“艺术”一词的含义是“技术、巧妙、美术”，指人们在自己脑海中所呈现的一种美丽图画与风景。“艺术”一般与视觉相关，主要是平面和立体的构成形式给我们的脑海里留下一种与视觉相关的构成关系。

国外公共艺术的发展

希腊是早期倡导公共艺术国家，主要是以雕塑为主。在古希腊公共艺术作品是世界知名的是位于雅典卫城的帕特浓神庙。美丽的宗教艺术包括雕像，浮雕，雕塑，祭坛装饰艺术，琉璃彩绘，这些纪念性建筑物是公共艺术作品，这些设计展示那一时期人们对于的虔诚,对当时一种社会环境的一种比较跟当时社会环境的反应。

十七世纪的巴洛克艺术风格的建筑艺术。如建筑（翻新罗马的圣.彼得长方形教堂），雕塑（贝尼尼的狂喜的圣特蕾莎）和绘画（鲁本斯，卡拉瓦乔和委拉斯凯兹），展示了公共艺术在欧洲的发展轨迹。

在二十世纪、二十一世纪公共艺术通过作用、方式、传媒急剧的扩大。政治发展扩大了公共艺术的功能，其被用于政治目的的关注社会主义现实主义运动。在二十世纪的二十到三十年代间，许多艺术家帮助建立了一个墨西哥壁画文艺复兴时期。

公共艺术分为不同的种类，从远古时期的各类石雕，丧葬纪念碑，雕像，宗教建筑，到现在的装饰造型艺术，绘画，彩绘玻璃，陶瓷，马赛克，挂毯以及众多的现代艺术表现形式。

中国的公共艺术发展

公共艺术从西方慢慢引入我国带动了我国的艺术领域又一次新的革新。二十世纪七十年代，中国的公共艺术渐渐崛起。首都机场的大型壁画的完工是公共艺术在中国兴起的标志。

在我国改革开放的近三十年中，雕塑界因受到苏联的影响，所以有一个较长的发展时期。二十世纪九十年代，公共艺术就在中国发展到高峰。到现在为止，我国的公共艺术发展已经取得了很大的成果，各种形式，各种材质的公共空间艺术作品在全国各地诞生。浮雕，雕塑，标志是公共空间艺术的主流代表作品。尤其是在大城市，像北京，公共艺术作品已经完全融入了城市的建设中，成为城市发展，人们生活的不可或缺的一部分。如王府井步行街，长安街，西单文化广场，北京国际雕塑公园等等。公共艺术作品不仅是融入的人们的日常生活，而且还融入的自然之中，很多艺术作品都是以森林，，公园为背景而创作的。

公共艺术就是大众的艺术。我们应当借鉴西方发达国家的公共艺术发展经验。但是，不能全然照搬，要发展具有中国的特色的公共艺术，中国是一个有着五千年悠久历史的国家，我们应当充分利用不同的民间习俗，不同的民间艺术来发展公共艺术。中国的城市发展很迅速，多数城市是以建设良好的公共环境形象为目标，所以，就中国的国情而言，现在迫切需要发展公共艺术。

二.公共艺术的功能

公共艺术的审美功能

艺术具有感化心灵的作用。各种形式的艺术都是先由人的感官将各种感受传递到人脑形成抽象的思维，再由思维去影响和感化人的行为和情绪的。艺术就是以这样的方式来体现自身存在的作用和意义。特别是在当今浮躁杂乱的现实中，人们更需要借助艺术来缓解现实造成的心理压力，消除烦躁的情绪。由艺术引导心灵去寻找一个超凡脱俗的境界，是公众对艺术提出的要求和期望。正是公众的心理需求使艺术的功能得以充分地发挥。

首先，公共艺术作为艺术的一个门类，可以通过对环境空间的装饰和美化来展现自身的审美功能，以满足公众视觉享受的需求。当人的视觉感官得到满足后必然会获得一种愉悦感，从而使其情绪得以升华。这就是公共艺术与人之间所形成的一种良性互动关系。当人们进入一个新的环境时，首先引起人们视觉注意的并不是司空见惯的建筑或装饰，而是具备审美导向和审美教化作用的公共艺术形式。这是因为公共艺术形式更容易与人达成情感上的交流和沟通，这也是公共艺术被集中关注的原因之一。其次，公共艺术之所以能吸引公众的眼球，是因为它具备了与公众交流所必要的通俗性，这是由公众的另一个心理需求所决定的：公共艺术必须以大众喜闻乐见的方式出现，不论是内容、题材还是形式都应该符合大众的欣赏习惯和审美情趣，这也是公共艺术与架上艺术在创作上表现出的最大不同之处。因为公共艺术不能像架上艺术那样只顾个人情感的抒发，而是要关注大众的审美需求。公共艺术所表述的题材内容大多是大众所熟悉的，在造型上也主要以写实为主，即便是采取抽象的形式也多以唯美的方式进行表现。总之，公共艺术的表现形式要以满足公众的审美标准为主，只有让公共艺术进入公众的生活中，公共艺术的审美功能才能真正得以发挥。纵观历史，任何公共艺术的存在价值都是在使公众的心理需求得以满足后才体现出来的。当然，公众对公共艺术的审美期待与心理需求，必然会成为公共艺术职能扩展和提升的潜在动力.

随着社会经济的发展、世界多元文化的交流与融合，人们的需求层次和范围在逐步提高与扩大。公共艺术作为人们生活环境中的一部分，为满足公众对于环境的心理和精神上的需求而逐渐显现出自己的作用。每个时代的艺术都有着自己独特的文化内涵和表现特征。艺术审美作用以社会文化的方式表现出来，引导着公众的审美取向，而社会文化的进步又促使着公共艺术向着更高的层面发展。公共艺术、公众心理和社会需求由此形成了相互影响、相互促进的统一体。公共艺术只有与社会和时代的步调相适应，才能真正体现其公共性的意义，促进社会的发展。

公共艺术保留历史记忆

在人类历史的长河中，有无数创造和破坏、经验和教训、战争和灾难、英雄和伟人，这些都是人类成长进步的历史节点，有纪念和记载的价值。所以，公共艺术除了美学目标外，还有传承信息、保存记忆的历史功能；大众精神生活的满足，也离不开对居住地历史的认同感。

第9篇

关键词：艺术自律；现代性；矛盾

在这样一个甚至重申“笛卡尔式的怀疑”也无济于事的语境下，我们知道，采用一种辩证的思维方式分析问题将大有裨益。对艺术自律问题的分析也应如此，辩证的思维方式要求将艺术自律问题一分为二，并通过对它们之间对立冲突关系的分析着手进行研究。而诸多理论家的学说也证实了这一思维的有效用：马尔库塞深入分析现代艺术作品中的否定成分与肯定成分并存的现象，借此肯定现代自律艺术作品的“政治功能”；布尔迪尔从“艺术生产场域”问题入手，剖析现代自律艺术存有精英与大众之间不可避免的矛盾的现象成因；伊格尔顿更是从意识形态层面出发，揭示了现代自律艺术自身蕴含的深刻矛盾性。

1、否定与肯定

所谓否定，意指现代自律艺术通过与社会拉开距离，确证自身合法性以批判异化社会。我们对自律艺术的否定作用并不陌生，甚至在某种层面上，否定就是自律艺术的代名词。然而，依据比格尔的看法，现代艺术实际上并非只是单纯地批判否定现存社会，同时也承担肯定现存社会的功能。1马尔库塞也流露出类似看法，在《文化的肯定性质》一文中，他指出，艺术的自律性从一开始就具有一种自相矛盾的性质。单个的作品也许会对社会的反面现象作出批判，但期待社会和谐成为作为个人审美偷悦一部分的心理和谐，则冒着蜕变为对社会的缺点仅仅作一种理智补偿的危险，并由此而恰恰对作品内容所批判的对象作了肯定。换句话说，接受的方式削弱了作品的批判性内容。马尔库塞坚持认为，即使那些最具批判性的作品，由于其体制上与社会实践相分离，也不可避免地展示出一种肯定与否定的辩证统一。2

自律艺术的肯定功能，看似违背其“审美救世”的初衷，其实不然，究其本质，艺术自律的肯定功能恰恰是现代性所需的“不和谐的和谐”，可从如下三个方面加以解读。

首先，自律的艺术在孤立自身并脱离社会生活实践时，艺术的地位开始暧昧化，功能也颇显含混。恰如马尔库塞在《肯定的文化》一文中所述，艺术自律性从一开始就有一个非常矛盾的特性：具体作品可以批判社会的消极方面，但是作为一个心理和谐的社会，和谐的预期却导致了某种危险，即沦为只是社会局限的精神上的补偿，因为也就肯定了这个作品内容要批判的东西。即艺术的接受方式瓦解了作品的批判性内容。马尔库塞坚持，即使是最具有批判性的作品，由于其制度化与社会实践相分离，以致其不可避免的呈现出肯定与否定的辩证统一。

其次，现在艺术自律属性的获得，往往通过某种激进的面目出现，这种激进主义虽然能极大吸引各界关注，然而却不易站稳脚跟，很可能被其所反对的制度化本身所征服甚至吸纳。换言之，激进的自律艺术，免不了被经典化甚至制度化。回顾现代小说的反叛历史，从极具颠覆性小说革命，到逐渐被经典化的现代主义小说，这两者的地位悬殊之大，难以想象。自律艺术所推崇的反叛姿态最终成为现存社会价值观的装饰。

再次，布尔迪厄发现，纯粹的审美趣味并非康德式“共同感”的表现，而仅仅代表资产阶级特有的价值观。所以，自律艺术追求的审美趣味，是在一种社会区分的标志，其将有教养的资产者与无教养的普通大众分离开来，以维护资产阶级的统治。恰如杰维斯所说：“（自律艺术）本身就是作为一个矛盾现象出现，它在文化上是‘革命’的，在社会上则是‘保守’的，它的主题和方法是‘激进’的，但它的社会角色显然是‘上流的或精英的’。”3用一句话概括，即艺术家总是以布尔迪尔笔下“统治阶级中的被统治阶级”身份面世。

2、精英与大众

现代自律艺术通常以“反文化”面目示众，以强调其对资产阶级文化价值的批判。然而，这一“反文化”路径，必须通过对公众的影响得以实现。然而，由于自律艺术的“自恋”倾向（阿多诺语），必然打碎传统世界中精英与大众的和谐关系，并在精英与大众之间树下藩篱，使得自身的批判意味大为削减。

我们知道，现代艺术包含强烈精英主义或贵族立场，以求确证自身的自律属性。然而，这种精英意识的获取却是通过排斥大众文化得以确立。“一方面把社会区分为理解现代艺术的少数选民，另一方面又把广大的社会公众排斥在外。”4布尔迪厄对此分化阐释的颇为精准，他认为，审美现代性在艺术中演化出两个看似彼此对立的场域，一个是“有限的生产场”，一个是“大规模生产长”。在他看来，“有限的生产场”即通常所谓的“高雅艺术”；“大规模生产场”则是一般所说的大众文化。“有限的生产场”是为了艺术家而生产的，这是通过割据与一般公众的联系得以实现；而“大规模生产场”则是屈从外部要求，完全服从于征服市场的竞争要求。两大“生产场”的运行机制始终无法协调整一，如果说过去制度形式的不完善曾经把文学和社会紧密联系起来，限制了文学学术的发展，那么，今天愈加完善的制度化形式，会在新的层面上限制文学学术的自由；倘使说高度政治化的“伪学术”遏制了“独立之精神、自由之思想”，那么，高度自律性的学术制度也会导致同样的后果。尤其是会导致文学知识生产远离社会的生活形式和公众的社会实践，进而变成为彻底的“经院哲学”。无法回避的现象就是“被学术界(内集团或学者共同体)所称道的知识产品，与公众的反映形成鲜明对照，学术与常识距离越来越远；学术知识技术上的优势压倒了思想的偏锋，因为前者在高度制度化的思维中，通常被认为比后者更有价值。”5

上述两个场域遵循不同的游戏规则，并且处于紧张的对峙关系，这恰恰构成自律艺术的第二个矛盾：精英与大众的矛盾。一方面，自律艺术既要通过影响大众从而实现去“反文化”策略；另一方面，精英主义的小圈子艺术强烈拒斥商业化的大众艺术。这也是比格尔对艺术自律性社会价值产生怀疑的根本原因，比格尔认为，艺术不断地切断所有的社会关联，将自身建成纯粹审美经验的媒介，“当‘内容’范畴萎缩时，人们获得了手段”，艺术体制在发展过程 中走向对自律的绝对强调，虽以其内容对社会进行批判，却在形式上(包括艺术交换的体制化)与社会大众分离开来。这也是巴格尔提倡先锋派理论的主要原因。6

3、自律艺术与资产阶级意识形态

尽管现代艺术通过标榜自律凸显自身价值，以实现对资产阶级异化社会的批判，这依旧无法改变自律艺术是资产阶级意识形态产物的事实。艺术领域中自律性的获取，毋宁讲正是资产阶级意识形态建构过程的必然结果。恰如伊格尔顿所说，“艺术现在也不再仅仅是政治权利的侍从，艺术仅仅对他自己规则宣誓效忠，但这并没有造成很大的影响，因为允许这种情况发生的社会条件——文化的自律性——也阻止了艺术对心所欲地对社会生活的其他领域构成潜在的的颠覆。”7伊格尔顿认为，艺术自律尽管为抵抗资产阶级功利主义打开一条通道，然后，其本身就属于资产阶级意识形态，艺术自律虽然将自决、自在自为提升到显赫地位，然后这种自律往往显得软弱无力。

在此基础上，伊格尔顿进一步考察了围绕自律艺术展开不停争斗的三种力量，第一种力量来自艺术领域之外，或是经济权利，或是政治权利，或是伦理权威，这种力量强调对艺术自律性的消解以凸显艺术的社会功能；第二种力量即“为艺术而艺术”的自律观念，反对把艺术的审美功能扩展到处艺术王国外的任何领域，第三种力量主张艺术独特的审美功能，但并不对这种审美功能作出封闭狭隘的理解，而是强调艺术如何恢复与生活实践的关系，当然，这种关系是基于自律的艺术领域，而不是现实生活对艺术的征用，正是这三种力量之间的张力冲突构成了艺术领域的现状和发展。8然而，伊格尔顿更倾向于对自律艺术作出社会性的新解读，“艺术显得纯粹是附加性的，是感情、直觉、非工具性的边缘领域，而这些领域很难与具体理性结合在一起。因为艺术已经成为一块隔离开来的飞地，可以起一种安全阀的作用，或者成为自我得以实现的一种升华。”9

由此可知，自律的艺术，并非作为同质的统一整体，如同现代性一样，其本身也蕴含丰富的矛盾性。将自律艺术视为统一整体，并以此强调对其在批判艺术社会的问题上持过分乐观态度，着实可谓是一种“虚假意识形态”！

参考文献：

比格尔：《先锋派理论》，高建平译，商务印书馆，2002年；

马尔库塞，《审美之维》，李小兵译，三联书店，1989年；

周宪：《审美现代性批判》，商务印书馆，2005年；

周宪，《崎岖的思路》，湖北教育出版社，2000年

比格尔：《先锋派理论》，高建平译，商务印书馆，2002年；

特里·伊格尔顿，《美学意识形态》，王杰译，广西师范大学出版社，1997年，第366页。

作者简介：郑怀远，(1987,10-)男，湖南永州人。湖南省吉首大学文学与新闻传播学院，文艺学研究生。在吉首大学学习时间六年有余，主要从事文学基础理论与西方文论的研究工作。

本课题为2012年湖南省研究生科研科研计划项目《现代性视域下艺术自律性研究》阶段性成果。项目批准号：CX2011B396。

1 比格尔：《先锋派理论》，高建平译，商务印书馆，2002年，第5页。

2 参见马尔库塞，《审美之维》，李小兵译，三联书店，1989年，第17页。

3 转引自周宪：《审美现代性批判》，商务印书馆，2005年，第256页。

4 转引自周宪：《审美现代性批判》，商务印书馆，2005年，第260页。

5 周宪，《崎岖的思路》，湖北教育出版社，2000年，第52页。

6 比格尔：《先锋派理论》，高建平译，商务印书馆，2002年，第8-10页。

7 特里·伊格尔顿，《美学意识形态》，王杰译，广西师范大学出版社，1997年，第366页。

第10篇

关键词：苏格拉底；美育；思想；艺术；教育

中图分类号：J01文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）18-0064-01

苏格拉底（Socrates；公元前469―公元前399）是著名的古希腊的思想家、哲学家，他和他的学生柏拉图及柏拉图的学生亚里士多德被并称为“古希腊三贤”。他的美育思想在他阐发自己哲学思想过程中展开的，也是在提问中展开的。苏格拉底说：“我的母亲是个助产婆，我要追随她的脚步，我是个精神上的助产士，帮助别人产生他们自己的思想。”

苏格拉底的美育思想主要集中在《理想国》（卷二、卷三、卷十）、《大希庇阿斯篇》、《会饮篇》和《斐利布斯篇》，其中主要涉及到了诗（悲剧诗、喜剧诗、史诗等）和音乐这两种艺术样式，涉及到了美的本质、美感、修辞、文艺教育等美学范畴，尤其是在《理想国》（卷二、卷三）中集中讨论了诗与音乐的教育功能。他的美学核心思想即美从效用出发，有用就美，有害就丑，辩证地探讨了美的相对性，结合社会科学的诸多知识，而在此之前的毕达哥拉斯学派和赫拉克利特等人主要从自然科学的角度去看待美学问题，力求要在自然科学中解释美的含义，到了苏格拉底才开始从社会科学的观点去看待美学问题，在社会中定义美，他和在此之后的诸多哲学家一样把作为哲学的美学从天上拉回到人间，故而苏格拉底也被视为“人类学美学的始祖”（《西方美学史教程》李醒尘，北京大学出版社，2005，p16）。他的美育观念离不开他的美学思想，同样凸显了人之主体性原则。

苏格拉底的教育方法即“苏格拉底方法”，它指的是在解决一个命题的时候采取师生问答的形式，所以又叫“问答法”，它为启发式教学奠定了基础。苏格拉底在教学生获得某种概念时，不是把这种概念直接告诉学生，而是先向学生提出问题，让学生回答，如果学生回答错了，他也不直接纠正，而是提出另外的问题引导学生思考，从而一步一步得出正确的结论。这种问答一般分为三个步骤：第一步称为苏格拉底讽刺，他认为这是使人变得聪明的一个必要的步骤，因为除非一个人很谦逊“自知其无知”，否则他不可能学到真知。第二步叫定义，在问答中经过反复诘难和归纳，从而得出明确的定义和概念，第三步叫助产术，引导学生自己进行思索，自己得出结论，如同助产婆一样，虽不是自己生育，但能够帮助新的生命诞生。他的美育观念也是在这样一个过程中产生的。这样的观念有着极强的包容性和易于掌握理解的特征，尤其是对于极其不确定的美的问题的探讨，更需要细致入微的把握，而苏格拉底的这种方法的灵活性正适用于对于此类问题的把握，同时也让受教育者感同身受，这个过程本身也就是美育的具体体现。以这个方法为出发点，苏格拉底对美育，尤其是艺术的教化功能做出了最具原初形态的观念判定，并影响着几千年的美育观念。

在《理想国》中，诗和音乐只属于，而非理智所提出的要求，所以它们不能带给人真理，不仅仅是这样，它们还迎合人的，破坏理性的法则，败坏社会风气，不利于教育，从而艺术应当受到严格的限制，显然，苏格拉底将美与善、用等联系到了一起，形成了他的功用主义的美育学说。艺术直接关系到了统治者的教育问题，对国家及人生具有重大的意义。在苏格拉底看来，比如绘画，它不仅是对可见的对象的模仿，而且可以是理想对象的模仿，这个时候就有了心灵的参与，它主要表现“精神方面的特征，如面部和眼里的各种神色，各种性格特征和情感。”（《西方美学家论美和美感》p21）画家不光模仿表象，而且模仿表象背后的心灵，使得表象表现人的内心，从而让艺术逼真生动，但与此同时，艺术也具有了道德说教的功能，于是艺术此时应当转向道德理想的完善和心灵的崇高，表现这样的表象才能提高艺术的艺术性，发挥艺术的审美教育功能。与此同时，艺术反应的美应当首先是和善的观念联接在一起的，这样为了达到教化的目的，艺术就不能反映出消极的一面给人看，而是反应具有道德积极意义的方面，尤其是在儿童身上。儿童性格的形成就是从所受的教育开始，决定了他往后的生活及他的生活对国家的影响，其后的柏拉图发挥了他的观念，并将其列为审美教育任务的重中之重。柏拉图从国家利益和人生的角度出发考察审美的教育功能，要求艺术必须有利于国家和人生，对于对罪恶、放荡、等负面因素的模仿是不准带入他的城邦的，它破坏了四周健康有益的环境。

“我说关于每件东西都有三种技艺：应用，制造，模仿。”（《柏拉图文艺对话录》p63）苏格拉底认为物的特性具有这三层，模仿即是一种特殊的技艺方式，对于模仿这种技艺来讲，一般人认为“他只能根据普通无知群众所认为美的来模仿”，苏格拉底形成了早期的模仿说，采用了艺术模仿自然的学说来解释艺术的起源问题，认为模仿不是抄袭，画家雕塑家当“表现出心灵状态”，使人考到觉得是种活在的形象，这一切得以具备的基本条件都在自然之中可以找到，同时艺术的美可以比现实的美更高更真实。这提高了审美教育的价值和功能，也为审美教育的发展奠基了坚实的基础，同时也指出了审美教育的发展方向，即它应当直接作用于人的心理，从而影响社会环境，乃至政治环境的改善。

虽然在很多方面苏格拉底把美等同于效用，但这也不美的根本品质，有用的东西之所以美，还具有它的合目的性，合目的性是美的基础与根本，它将审美价值体系强化了起来。苏格拉底的合目的性是事物的逻辑原则，同样美也是合目的的，这个合乎的目的就是有用的，任何一件东西如果它能够很好地实现它在功用方面的目的，它就同时是善的又是美的，但美和善只是在内形式上是有区分的，所以美具有自己独立的形式，模仿只能模仿事物美的一面，而善是借助美来显现的，在艺术中做到尽善尽美就能起到启人心智的教化作用。

总之，苏格拉底重视艺术的教育功能，提出了美的相对原则，要求美应当具有效用，在这个基础上对艺术反应人的心灵内容及其反作用力提出了见解，将教育与人的德性的建构、知性的塑造和它的社会功能联系起来，一直影响着几千年来的美育观念。

参考文献：

[1]张大均.教育心理学[M].北京：人民教育出版社,1999.

[2]郑维铭.人生・社会・道德[M].广州：广东高等教育出版社,2000.

第11篇

摘要：　观念艺术已经成为当代艺术家重要的艺术表达方式。观念艺术改变了人们传统的艺术观，拓展了艺术表现的空间，丰富艺术表现的语言；观念艺术继承了传统艺术的批判功能；观念艺术成为我国当代艺术与世界当代艺术沟通的重要中介。中国的观念艺术真正走向国际，摆脱西方人的“被看”，还有很长的路要走。

关键词：　观念艺术　批判　“春卷”　文化策略

当代艺术越来越呈现出哲学化的趋势，观念艺术已经成为当代艺术家重要的艺术表达方式。正如柯索斯所说：杜尚以后的所有美术都是观念的，因为美术只是以观念的方式而存在。从艺术追求观念方式上讲，波普艺术、大地艺术、行为艺术、装置艺术等等都可以归入观念艺术的范畴。观念艺术在国内的发展有着深刻的国内外思想根源，从历史原因来说，复制时代的来临，消费社会的到来，“反艺术”的出现，合伙把艺术推到了观念艺术的领域。观念艺术鼓吹艺术走向了生活，走向了大众，但其并不被普通的大众所理解，说明观念艺术还没有真正消除精英与大众之间的界限。这种让人思索的观念艺术，在当代艺术中有何价值与意义?在其发展过程中又存在什么困惑?是本文探讨的主旨。

一、观念艺术改变了人们传统的艺术观，拓展了艺术表现的空间，丰富了艺术表现的语言

观念艺术不同于传统的审美中心主义，审美中心主义是古典艺术和形式主义艺术的要旨。古典艺术认为，艺术就是要表现和谐、典雅，表现理想美。西方现代艺术认为，艺术表现的核心是丑，是怪诞，似乎可以通过“丑”的形象对抗异化的现实。而当代的观念艺术的态度是中和的，艺术无所谓美，也无所谓丑。美、丑与艺术并没有什么天然的固定关系。观念艺术也不注重个人风格的流露，在文化形态上，观念艺术应属于后现代的范畴。它只是通过生活中不同材料的组合形成一种观念，表现一种感受。当然观念应以与日常语言方式有异的方式呈现，因此进入艺术语言状态体现出一个差异结局，有一个“陌生化”的处理过程。艺术也因此将自己与哲学和其他文化表达方法相区别。在国内，20世纪90年代开始的观念艺术方式的影响不仅在绘画上，更多在新出现的媒体如装置、行为、视像等其他综合艺术形式中体现出来。观念艺术将艺术从传统的“架上”绘画解放了出来，排除传统艺术的造型性，打破了艺术和非艺术之间的界限，拓展了艺术表现的空间。装置应该说是与绘画的平面方式，三度空间的雕塑方式并称的第三种方式。所不同的是，前两者是艺术家用各种美术材料来塑造形体，而装置则主要用现成品的拼装来表达观念，体现艺术家个人感受。艺术实体完全消失了，转移到艺术的“意会”上，观念艺术不仅取消了造型艺术的形象、色彩、结构，而且还取消了绘画、雕塑本身，它运用不同于传统的多种媒体和形式来表达，强调了艺术作品背后的作者思想和观念。因而西方学者把观念艺术定义为“哲学之后的艺术”。美国学者阿瑟·丹托认为“随着艺术时代的哲学化的到来，视觉性逐渐散去了”，“因为艺术的存在不必非得是观看的对象”。当艺术不是被人看时，艺术必然走向终结，艺术将终结在观念里、哲学里。另外，观念艺术非常强调观众的参与。观念艺术家认为，他们作品中传达的观念只有传达到观众的心灵之后，才是成功的艺术，而且，只有经过观众参与之后形成的观念，才是完整的观念。创作者从某种意义上说，是观众参与活动的组织者。

二、观念艺术的批判功能

观念艺术的批判功能首先包括了对现实生活、历史、道德的批判。观念艺术创作目的不只是解构主义式的游戏与嬉戏，也不同于西方形式主义所说的“艺术是永远独立于生活”，“艺术除了表现它自身之外，不表现任何别的东西”，通过艺术的“自律”排斥艺术的“他律”。观念艺术家始终坚持“生活即艺术”的观念，将作品走向生活，走进观众。从艺术与生活的关系上来讲，观念艺术与传统艺术是契合的。不过，观念艺术毕竟属于后现代的艺术范畴，它经过了解构主义、后现代的洗礼，他的批判方式和目的已表现出与传统艺术的差异。观念艺术并不表现为传统艺术的宏大叙事、深刻的批判功能，更多的是借用西方的波普艺术和装置艺术的手段与人们耳熟能详的流行文化符号相结合，产生一种新的观念或视觉冲击力。王劲松的摄影《百拆图》通过拍摄众多的城市拆迁时留下的各种拆字来表达的他感受。“拆迁”伴随着希望，“拆迁”伴随着破坏，甚至伴随着暴力，在艺术家的作品中，画了圈的“拆”字是一种强势话语。王庆松的数码观念摄影作品《我能与你合作吗?》就是利用中国古代绘画作品《步辇图》的构图方式，将皇帝改为洋人，旁边的小姐手中的华盖成了可口可乐、麦当劳的广告牌。队伍前面原图中几个小一号的人则是摄影记者。该作品极大地批判了当今以西方为时尚的社会风气，同时也对传统中的主从地位进行了讽刺。作品体现出的批判方式明显

第12篇

【关键词】城市公共艺术；园林景观设计；探究

为实现2020年全面建成小康社会的宏伟目标，作为新时期背景下的园林景观设计人员，应始终坚持可持续的发展理念，在城市园林景观设计中应用城市公共艺术，以构建和谐生态的园林城市为己任。基于此，以下笔者结合自身工作实践，就城市公共艺术的园林景观设计做出以下几点探究。

一、浅谈城市公共艺术特点

就城市公共艺术特点来看，主要的特点就是公共性，其体现的社会价值与其自身的艺术价值要显得更加重要，其体现出现共性比其体现的个性也要重要得多，因而在园林景观设计中体现的城市公共艺术应体现其与生态环境之间的和谐化。与此同时，开放性也是城市公共艺术的主要特点之一，因而在园林景观设计中的公共艺术的开放对现代人的生态环保意识的提升具有十分重要的意义。由此可见，城市公共艺术的公共性和开放性是园林景观设计中的核心所在，这也是构建和谐生态园林城市的基本特点。此外，公共艺术的地域性、文化性与参与性也是城市公共艺术的主要特点。就地域性来看，就是在城市的特定区域之内的所有自然环境与社会文化因素形成的组合体，注重的是公共艺术品的规划与分析，并将整个城市的整体低于规划到城市发展中来，尤其是加强城市独有文化的延续性保护。而公共艺术的文化性来看，注重体现的是城市文化艺术的展现，通过城市园林景观公共艺术的设计将城市的文化魅力展现在世人面前，这对设计人员的设计水平有着较高的标准，而参与性则是在城市公共艺术设计中通过增设城市公共艺术评价机制，引导和鼓励公众参与到城市公共艺术设计之中，将城市公共艺术的参与性表现出来。

二、分析城市公共艺术的园林景观设计面临的问题

公共艺术作为城市园林景观设计中必不可少的艺术元素，通过公共艺术体现出园林景观设计的艺术品位。虽然当前我们认识到了构建和谐生态园林城市的重要性，但在城市公共艺术的园林景观设计过程中面临很多问题。尤其在生态园林城市的构建与城市公共艺术的体现的矛盾尤为突出。

第一，园林景观设计中的公共艺术体现的生态性和整体性以及和谐性较低，城市公共艺术并没有纳入城市的生态元素，很多时候体现出来的公共艺术的艺术性差，而整体性的缺乏则是在设计过程中没有考虑周边因素和整个城市的环境氛围，和谐性的缺乏则是园林景观环境与城市生态环境的协调性低，对构建和谐而又生态的环境的作用甚微。

第二，设计过程中缺乏整体的规划，往往由于局部微观的开发对宏观的城市生态环境的构建使得产生负面的影响，很多时候人为因素的原因还使得本应设计的园林景观设计所体现的城市公共艺术与生态环境的构建相违背，尤其对可持续地发展理念的融入更是难上加难，而这也是城市公共艺术的园林景观设计面临的主要问题，这不仅会影响和谐生态园林城市的构建，还会对设计机构的经济效益产生影响。更不利于和谐社会的构建。

三、基于城市公共艺术的园林景观设计探究

（一）园林景观设计中着力体现城市公共艺术的核心所在

新时期背景下的城市园林景观设计应将公共艺术体现出来，并将其作用发挥到最大化。这就需要在园林景观设计中着力体现城市公共艺术的核心所在，但在城市中并不可能在每个公共空间都存在公共艺术，加上公共艺术的欣赏需要更多的人去欣赏，才能将公共艺术的作用发挥到最大化。因而在园林景观设计中体现城市公共艺术时应分别在成绩的休闲文化区域和文化生活区域，如在广场、道路、公园、街道、社区等区域中以公共艺术的形式进行设计，因而必须在园林景观设计中着力体现城市公共艺术的核心。

（二）基于城市公共艺术的园林景观设计内容

基于城市公共艺术的园林景观设计内容包含了植物、水体、小品、道路、广场等方面的设计，而设计的目的旨在将各种设计内容进行有机和完美的结合，形成亮丽的风景线。园林设计作为多种艺术形式的有机结合体，所涉及的公共艺术能将城市环境进行有机的结合，虽然说公共艺术是园林景观设计的手段，是通过园林景观设计才能将公共艺术更好的展现在公共空间，但公共艺术也是园林景观设计的主要内容。

（三）园林景观设计中城市公共艺术的应用

园林景观设计中，城市公共艺术的应用已经十分广泛，很多公共艺术已经是园林工程中的主要景观。尤其是很多雕塑作品已经将周围植被环境进行了有机的结合，已成为园林设计之中的经典，更是公共艺术在园林景观设计中应用的主要体现。

（四）对城市公共艺术和园林设计的追求与期待

应该说城市公共艺术在将来将越来越多地应用到园林设计当中，以此不断丰富园林设计的内容和风格，这是公共艺术和园林设计发展的必然趋势。对于当前的共公艺术应该主要从中国传统文化中深入挖掘内容和形式，从老百姓喜闻乐见的艺术形式中寻找灵感、寻找突破，以宣传中国传统美德、宣传和谐社会为主要内容，尽量不要选择太过于抽象的，除了“好看”老百姓想不出来其他内容的艺术形式。对于园林设计应该向着更加生态化、更加人性化、更加文化的方向发展，要重点突出公共艺术功能和作用，在不破坏原有生态系统的基础上自然且系统地修护与改造，达到园林设计的目的。

四、结束语

总之，探讨城市公共艺术的园林景观设计具有十分重要的意义。作为新时期背景下的园林景观设计人员，应在着力提高自身专业技术水平的同时结合实际，根据城市公共艺术特点与园林景观设计内涵和城市公共艺术的园林景观设计面临的问题，采取针对性的措施着力体现城市公共艺术的核心所在，加强城市公共艺术的应用，着力提高园林景观设计水平和能力，为构建和谐生态的园林城市贡献绵薄之力。

【参考文献】

[1]董奇，戴晓玲.城市公共艺术规划：一个新的研究领域[J].深圳大学学报（人文社会科学版），2011（03）.