时间：2023-07-12 17:08:11
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术作品鉴赏分析，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
1.1美术教学模式的重复单一
高中美术课堂上的教学已经形成了僵化的教学模式，其中的原因是多方面的。一方面是由于部分学校的美术教师自身的综合素质不符合美术教学的多元化需求。美术这门学科作为一门综合性学科，对教师的综合素质实际上有着较高的要求。相关的美术教师不仅需要扎实的美术专业知识，而且还需要了解包括文学、哲学、历史等多方面的学科知识。只有这样，美术课堂上的教学才不会泛善可陈、教师也才能引经据典，帮助学生建立起优秀的美术鉴赏能力。其二是新课改后，美术教学课程的课时数不足以完成较丰富的教学内容，一部分教学为了完成教学进度，不得已缩短课本外知识的教学时间，使得整个教学模式仅仅局限于课本。但这种教学模式是非常枯燥而又单一的，使得学生容易丧失对美术课程的兴趣，也使得整个教学模式容易失去弹性和趣味性。
1.2忽视学生作为主体的作用
长期以来，在课堂上，传统的美术教学都是以教师作为主体。让教师作为整个课堂的主导者掌控课堂，而让学生作为接收者接受教师传递的信息。整个教学模式是单方面的，教师单方面的将知识传递给学生，老师讲，学生听，老师不注重学生学会了多少，学生也没有办法向老师提出自己的疑惑。整个课堂没有形成一个互动性，而这种双向的教学理念的缺乏和学生没有能作为主体的教学现象，使得学生的自主学习能力和主观能动性难以发挥，导致美术教学难以达到既定的教学效果。
在绝大部分高中里，学生鉴赏的作品仅仅局限于美术课本中所出现的艺术作品，新课改中所提出的“提升学生欣赏艺术品的数量”的相关要求在大部分高中里只是一纸空文。但若是想学好美术这门课程，学生的艺术作品鉴赏范围和数量都需要达到一定的水准，包括经典绘画作品、中国画、西方油画等等。相关的美术教师需要教给学生进行艺术品鉴赏的方法，学生再通过他们喜欢的艺术作品提升艺术鉴赏的能力，而不是因为自身狭隘的艺术作品鉴赏范围而导致难以学好美术这门课程。
2新课改下，高中美术教育的发展对策研究
2.1合理利用问题教学法，有效提升学生美术学习兴趣
高中生一般具有活泼好动的天性，在心理上更倾向于追求具体的形象事物。因此，想要调动高中生的学习自主性和积极性，并取得更好的美术教学效果，就需要借助一定的教学方法。实践证明，问题教学法对于解决美术课堂教学中的重复单一性和忽视学生作为主体的作用均有着明显成效。实际上，美术课堂上的问题教学法往往以问题作为整个教学的中心，让教学过程不仅仅是单一的教学到学生的知识单向传递过程，而是根据课本知识和学生能力，把整个教学过程问题化，让整个教学通过一种互动的学习方式，让学生学习到新的知识。这样不仅可以使得学生在课堂上能够及时提出对教学内容的不理解之处，也可以使得教师能够根据学生的教学反馈适当对教学内容和教学模式进行更改，从而使得整个课程能够取得更优秀的教学效果。例如，在欣赏《泥土的生命—古代陶器和瓷器》一课中，教师可以提问学生，我们生活中的陶器和瓷器有哪些呢？从古至今、这些陶器和瓷器又发生了怎样的变化？通过这些问题，教师可以有效培养学生的学习兴趣，从而起得比灌输式教学更优质的教学效果。
2.2充分利用现代化的教学工具，提升学生的艺术品鉴赏范围
考虑到美术课程的教学与文化课程相比，并不要太多的板书。因此，利用诸如多媒体等现代化的教学工具进行教学是具有明显效果的。正如上文中所论述的，大部分高中生对于艺术作品的认知仅仅停留在美术课本之中。所以，相关的教师需要借助多媒体，引用大量的艺术作品图片和历史资料，自身再辅以适当的讲解对课本上的知识进行补充，从而拓宽学生的鉴赏视野，帮助学生树立起优秀的艺术鉴赏意识。
3结束语
关键词：科学思维；艺术发展；创作艺术
1 科学与艺术之间发展的关系分析
科学与艺术都有各自的独立性特征，但并非毫不交叉的个体，相反，两者之间具有辩证统一的关系。
（1）人类文明的两大形态就是科学和艺术，两者以人为主体产生能动作用产生内在联系，但两者侧重点不一样，科学思维侧重于揭示内在规律。从某种程度上讲，艺术思维的真高于科学思维的真，形式表现有所差异，但追求的都是“真”的精神。
（2）科学思维的目的是为了服务人类，如果没有这种价值导向，可能会成为祸害人类的工具。艺术作品只有经过艺术的审美处理，才能提炼出作品当中的“真善美”，但需要利用科学思维引出价值导向，实现两者的相互统一，才能共同构成艺术的价值系统。总而言之，科学思维和艺术思维虽然表现形式不同，但是具有共同诉求：科技以人为本，艺术为人。
（3）科学发展是追求自然界和谐统一的过程，探索自然界的科学规律，揭示自然界的和谐与美都会令人得到美的体会。自然界是一个和谐统一的有机整体，这就为科学活动取得审美价值提供了客观依据。科学思维是对现场的客观反应作为人的逻辑力量的展示，必然唤起人的审美感受在美的层面上进行探求。而艺术本身就是对美的追求。美的事物就是符合美的规律的事物，艺术思维在艺术作品的创造中也体现着审美追求。
（4）科学思维的创造性表现于人类通过新的手段与凡是探索客观世界的本质，从而超越原有的认识，并获得新的知识；另一方面，科学思维的创造性表现于人类在认识提高与知识增长的基础上，将新的认识应用于改造客观世界的实践之中，从而推动了人类改造客观世界的能力提升。与此同时，艺术思维也具有创造性的品格，创造性是艺术思维的生命，艺术思维以其独特的方式创造性的认识世界和改造世界。
2 利用科学思维促进艺术发展的建议措施
结合科学与艺术之间的关系，笔者认为科学思维是促进艺术发展的关键点所在，具体内容如下：
2.1 利用科学思维能够提升艺术家素养
作为艺术的创造主体，艺术家为了能创作出杰出的艺术作品，要求他们拥有水平较高的艺术素养，其中包括艺术专业创作技巧、艺术表达能力、艺术创新思维等，只有这样，艺术家们才有可能创作出具有创新性，又不失审美精神的艺术作品，间接推动艺术事业的发展。从这个层面上总结，艺术的发展离不开以艺术家的艺术素养作为基础，而科学思维在提升艺术家素养方面，起到了极大促进作用。笔者认为，科学理论知识和方法是科学思维的前提，可以帮助艺术家在掌握知识的同时，摆脱朴素的自发方式，从而有效地帮助艺术家自觉地学习文化知识，以提高自身的文化素质。科学思维为艺术家提供科学的分析方法，帮助他们在艺术积累中，通过鉴别大量原始材料和理清材料之间内在联系，奠定产生艺术灵感的基础。通过科学思维与艺术思维的交互作用，共同为艺术家的创作活动提供完整、有序、合理的思维基础，以便艺术家更加深入到艺术创作的实践之中。
2.2 利用科学思维加深对艺术作品的理解
艺术创造活动是一个系统和复杂的过程，通过对其阶段性进行合理必要的分析，才能清醒的认识和自由把握科学思维在艺术创作过程中的作用。不过，在艺术实践中这三个阶段并非截然分开、先后出现的，我们不能将三个阶段作机械的分割和理解，而是要层层了解、环环相扣和相互渗透，总而言之，科学思维在这几个阶段中起到了举足轻重的作用，并推动着艺术的发展。
2.3 将科学思维融入艺术鉴赏活动
作为艺术作品鉴赏的主体，鉴赏者通过感官对艺术作品的意蕴进行思索和想象，最后对作品作出评价。笔者认为艺术鉴赏作为艺术活动的最后环节，鉴赏者的满意与否，是推动艺术品产量化发展的关键，因此鉴赏者作为艺术作品鉴赏地方主体，其科学思维对艺术鉴赏的质量和水平具有很大的影响，从另一方面又会促进艺术工作者素养的提升，为鉴赏者的理解和艺术工作者的再创造提供良好的基础条件，因此我们可以将科学思维融入到艺术鉴赏当中，促进艺术的发展。
2.4 利用科学思维能引导艺术批评活动
对艺术作品进行分析、评判和研究等科学认识活动，是需要在一定的理论指导前提下的，对艺术进行批评其实是一种理性的审视，所以他要求批评者具有明晰的理性思维，具有严谨的理论性社会科学知识，科学思维具有概括思维、判断思维和推断思维，艺术批评需要理性，科学思维正好符合这点要求，因此说科学思维在艺术批评中起到重要作用。科学思维提升了批评家的理论能力、逻辑能力和推理能力，从而保障了艺术批评的科学性；科学思维的逻辑性与敏锐性帮助批评家及时把握艺术发展的动态，引导艺术的发展；科学思维的客观性与逻辑性关系到艺术批评的准确性、客观性、科学性并使批评方法得以科学实施。简单言之，科学思维与生俱来的逻辑性、理论性、系统性和敏锐性推动了艺术批评发展。
3 结束语
综上所述，科学思维是一门既有思维科学特性和技术科学特性的交叉学科，其具体特点是理性、逻辑性、系统性以及创新性，而艺术在创作的过程当中，体现出艺术的灵感性特征，以及形象性和抽象性的特征等，科学思维对艺术的发展起着非常重要的推动作用。也就是说，科学与艺术是互相影响的学科，两者的关系与“天地大美，殊途同归”的哲学理念不谋而合，艺术需要借助科学思维获得理性发展，从更高层次上提高意识发展主体的创新能力。
参考文献：
[1]肖翼波.艺术思维形态与科学思维形态[J].艺术与设计，2012（8）：87.
[2]刘正伟.思维―――艺术思维发生机制探析[J].青海社会科学，2011（9）：75.
【关键词】数字技术 视觉艺术成果转化 互联网+
1 引言
随着信息技术、互联网的飞速发展和不断更新，全球已经进入了信息化、数字化时代。科技的发展促进了视觉艺术产业的发展，纵观现代建筑、影视、服装等各个领域中的艺术设计无不显现着数字技术的影迹。可以预见，数字技术下的视觉艺术产业将成为下一阶段推动我国经济增长的主要动力。
2 视觉艺术产业
视觉数字技术下视觉艺术成果转化与创新方法研究
文/李婷婷 陈发禄艺术产业是文化创意产业的重要分支，它运用各种材料、工具，以艺术设计方式创造出艺术商品。在当下视觉文化发展的全球化语境中，数字化带来的不仅是技术，更是一种以视觉信息为标示的崭新的思维方式和生存方式。
3 视觉艺术成果转化
视觉艺术成果转化过程中，可以逐步构建“视觉艺术成果转化产业链”。在成果转化过程中，核心的生产要素是高质量、创新型的人力资本，依靠人的智慧、灵感、想象力及创造力，借助高科技技术手段对文化资源的再创造，将艺术与科技进行有机融合。
3.1 数字技术融入视觉艺术产品设计
数字技术为人们展示了一个新颖的视觉天地，以往用手工很难实现的视觉效果，被计算机轻而易举地完成。同时，数字技术为艺术家提供了一种全新的艺术表现形式和空间，开拓了艺术家的创意潜能，将数字技术融入视觉艺术产品设计中将赋予文化创意成果更多的科技内涵，既缩短了创意和成品之间的距离，又能给予人们丰富的想象，实现产品的价值创新。
3.2 数字技术融入视觉艺术产品展示
随着近些年网络信息技术的蓬勃发展，人们对视觉体验产生了更高的需求，为了提升展品的视觉效果和艺术感染力，艺术作品在时与互联网和三维虚拟技术相结合，以高清数字影像包围观众的全部视野，产生强烈的视觉冲击力，再加上环绕的立体声效，可以高度准确地再现真实现场的声音，为观众带来极强的沉浸感和体验感。
3.3 数字技术融入生产阶段
在体验经济时代，随着视觉艺术产业和制造业的快速成长，企业的生产制造应结合数字技术，在设计制作中大量的使用图形图像，并且在构思创作时求新求异，运用数字化手段吸引群众眼球。
3.4 数字技术融入视觉艺术产品宣传推广
数字时代，信息传播渠道的多样化，过去以纸媒介为主的成果推广传播方式已经不能满足数字化时代的需要了。如今，数字化虚拟网络、手机网络、数字电视占据着人们大部分的时间和空间。视觉艺术成果推广也应顺应数字媒体的特点，以文字、图像辅以声音等多种形式表达。在推广中融入文化创意，引起消费者的文化认同，并充分利用多种类的数字化平台打造文化创意品牌形象，最终使品牌推广成为视觉艺术产业发展的强大动力，达到拓展市场的目的。
3.5 互联网+成果销售
虚拟的互联网产业+真实的视觉艺术成果构成创意创新资源共享平台。借助互联网的线上手段，将视觉艺术产业链整合，构建线上线下虚实结合的艺术作品展示平台，并融入数字体验、电子商务、形象塑造还有顾客回馈等模块，打造文化创意成果生存的新空间――创意成果品牌虚拟空间。
4 未来视觉艺术产业发展方向
未来，视觉艺术成果将在游戏、动漫、微电影等方面发挥重要作用，其中离不开数字技术的应用，例如：虚拟现实技术、增强现实技术、幻影成像技术、球幕拼接技术等。“十三五”时期经济社会发展目标指出，构建产业技术创新联盟，推动跨领域跨行业协同创新。数字技术下，视觉艺术创新人才将形成“视觉艺术产业联盟”，为视觉艺术成果转化带来新的活力与生命力。
4.1 利用虚拟现实技术
可以构建虚拟视觉艺术成果展示场馆，并将视觉艺术作品在展馆中进行展示。人们通过互联网平台，采用第一人称漫游方式详细了解视觉艺术成果的样式、材质、艺术价值等信息，为艺术品鉴赏者创造一种身临其境的感觉。
4.2 利用增强现实技术
可以将设计完成后的艺术作品直观地呈现出三维全貌和展品细节，在成果转化论证中，便于专家们对成果设计做出准确的判断和评价。
4.3 利用幻影成像技术
可以将视频画面悬浮在一个实景半空间成像，利用玻璃的透射、反射方式，通过与模型、多媒体等技术相结合，营造出一种亦真亦幻的氛围，运用现代化数字技术为整个艺术品鉴赏过程添上神秘色彩，给人以强烈视觉冲击。
4.4 利用球幕拼接技术
可拼接出半球形银幕，将艺术品鉴赏者包围其中，放映视域范围可达前后180度，左右360度。艺术品鉴赏者目光所及几乎全是绚丽多彩栩栩如生的电影画面，视银幕如同苍弯，加上立体声环音，使鉴赏者如置身艺术海洋。
4.5 利用互联网+技术
可以实现视觉艺术产业联盟。中国视觉艺术产业要实现大发展、大繁荣，需要整合资源，形成视觉艺术产业联盟，打造视觉艺术成果转化产业链，依托互联网技术构建交流合作平台，企业和相关成员间通过合作方式组织创新，提高自身竞争力。
5 总结
因此，数字技术作为现代艺术的一种新型表达方式，体现了艺术与科技相结合的时代特征，在推动了文化创新、艺术创新、经济增长的同时，有利于打造出高技术、高智力的文化艺术作品，繁荣我国艺术品市场，提升我国文化艺术产业的竞争力水平，促进我国文化艺术产业的健康发展，具有巨大应用价值。
参考文献
[1]赵坚勇.平板显示与3D显示技术[M].国防工业出版社，2012.
[2]王艺湘.商业展示与视觉导识系统设计[M].辽宁科学技术出版社，2009.
[3]陈宏京.数字化博物馆的原理与方法[M].复旦大学出版社，2002.
[4]张慧.真实感遗址三维重建及虚拟展示技术研究与应用[D].西北大学硕士论文，2010.
关键词： 初中美术 有效教学 欣赏式教学
在初中美术课堂中恰当引入欣赏式教学，不仅能让学生接触到古今中外更多的美术作品，还能使学生在了解与欣赏的过程中强化审美能力，在逐步认识、欣赏、理解的过程中，开发潜力，提高审美能力与鉴赏水平。实施初中美术欣赏式教学，教师可从如下几点做起。
1.调动学生的自主性，营造和谐的课堂氛围
艺术欣赏需要良好的课堂气氛，使学生充分感受到美术作品的魅力。在初中美术欣赏式教学中，教师应当充分调动学生的学习自主性，营造和谐的课堂氛围，使学生获得美感体验。一般而言，学生总是凭借直觉判断自己是否喜爱这件作品，但是直觉往往会受个体经验与知识积累的局限，影响学生对于作品的评价，在感受美的过程中无法获得应有的能力提高。所以，以学生为主体构建自主性课堂，在教师的组织引导下，激发学生的学习兴趣，使学生在求知欲与好奇心的驱使下，深入作品欣赏的探究过程，有效提高初中美术欣赏式教学的效率。例如，在欣赏凡・高的《向日葵》前，教师可以在课前给予学生足够准备时间收集相关资料，让学生在欣赏前对作品获得基本的认识。在欣赏过程中，教师首先向学生展示作品，然后组织学生进行小组讨论，获得作品的第一印象，依次回答教师之前提出的问题，最后由教师引导学生仔细观察画面，鼓励学生发表观点，激发学生的主体意识。
2.让学生动手，从中领悟作品内涵
审美是在情感与理智、客观与主观的具体统一上追求发展、追求真理的一种特殊形式，开展初中美术欣赏式教学，是为了更好地加强学生的审美教育，使学生在美术作品品味过程中获得审美意识的强化。初中美术欣赏课不应该只是让学生一味地观察作品，更重要的是让学生动手，从中领悟作品内涵。教师应主动打破欣赏式教学中纸上谈兵的传统局面，以引导学生发现美作为教学目标，使学生在作品欣赏、评价与临摹的过程中，真正获得美的体验。一方面，教师应引导学生对美术作品进行实时评论，根据所学知识基础，结合作品的时代背景对美术作品进行情感与艺术评价，使学生的鉴赏能力与审美意识得到有效强化。另一方面，教师应组织学生在欣赏完毕后，结合体味作品特点，发挥想象力，创造一幅符合自身心境的作品，真正实现理论与实践的结合。欣赏教学不是一门独立的课程，而是穿插于美术教学中的重要环节，只有将动手与思考紧密结合，才能使学生更好地认识与理解艺术作品的内涵，同时，在欣赏艺术作品之后，引导学生将作品的精华运用到创造之中，使学生在提高自身鉴赏水品的基础上提高绘画能力。例如，在《春天的畅想》的学习中，教师可以先带领学生欣赏关于春天的艺术作品，使学生体会到艺术大家在春天描绘中突显的要点；其次，鼓励每一位学生说出观点，体会作品的价值所在，提升学生对于作品的感悟；最后，教师应组织学生自由创造，既可以参照作品的风格、形象进行临摹，又可以根据所学知识进行春天的作品创造，开发学生的潜力。
3.创设情境，让学生品味艺术魅力
一幅优秀艺术作品的背后总会蕴含丰富的情感，学生在美术欣赏课中总是通过审美直觉获得简单的情感刺激，却无法深入体会作品表达的意蕴。为了提升学生对于艺术魅力的品位，教师应积极创设相应的教学情境，结合学生的知识基础与生活体验，开发学生的创造潜力。在美术欣赏式教学中，教师可以适当添加生活中的元素，或者利用学生的学习经验，适当补充其他学科的知识内容，拉近学生与美术作品间的距离，使学生在欣赏过程中获得与作者的情感共鸣。例如，在《清明上河图》的鉴赏课中，教师可以将历史、音乐、地理等相关知识与作品鉴赏结合起来。首先，播放悠长的古典音乐，带领学生进入古色古香的情景之中，在音乐的感染下，逐渐展开《清明上河图》画卷，结合学生已经学过的北宋时期的历史知识，在教师声情并茂的解读中，使学生体会其巨大的历史价值，引导学生对作品进行深层次分析。之后，教师还应结合学生的生活环境，让学生体会画作中街道、铺面的设置，在与自身生活经验的对比中，使学生发现《清明上河图》的艺术魅力。最后，教师可以组织学生踊跃发言，将自己的所思所想与同学分享，结合自身感悟创造一幅有关自己家乡的画作。将初中美术欣赏课延续成一种创造活动，使学生在作品鉴赏与动手实践中得到启发，提高学生的美学水平。
4.结语
在初中美术课堂中恰当引入欣赏式教学，不仅能让学生接触到古今中外更多的美术作品，还能使学生在了解与欣赏的过程中掌握审美能力，在逐步认识、欣赏、理解的过程中，开发学生的潜力，提高学生的审美能力与鉴赏水平。
参看文献：
[1]王飞.建构主义理论指导下的初中美术欣赏课教学[D].温州大学，2013.
关键词:工艺美术；鉴赏；审美
0引言
中国自古以来就是工艺制造大国，工艺制造可追溯至新石器时代相关石玉、编制、缝纫、牙骨以及陶艺等工艺制造，并随着时代的发展这些优秀的工艺美术作品正如明珠般继续闪耀在历史的长河中。文章通过分析工艺美术材料、色彩、造型以及装饰的特点，进而为人们在进行工艺美术的鉴赏与审美提供更加科学的角度与观点，为工艺美术在当代社会的发展奠定鉴赏与审美基础。
1工艺美术的特点
由于工艺美术的创造灵感多来源于社会生活与实践，因此不仅有造型艺术特征，更具有实用性与艺术性兼具的特点，并随着时代的不断发展逐渐演化成融合当代绘画、雕塑、制造工艺等内容的艺术形式。因为，工艺美术的创作大多来源于物质生产，所以实用性与艺术性在工艺美术中和谐融合，才是工艺美术最主要的艺术特点，促使工艺美术不仅能反映人们的精神追求，而且可以满足人们在生活中的实际应用需求。我国工艺美术发展历史悠久，使得工艺美术类型复杂、种类繁多，造成工艺美术相应的鉴赏与审美角度也不尽相同。工艺美术艺术品鉴赏与审美按照实用性特点主要分为两类：一类是不具有任何使用性能或随着历史发展实用性能已逐渐削弱的工艺美术作品，例如玉器、雕塑、琉璃制品等，均因相关艺术作品的艺术性能过高而用作单纯观赏或收藏等；另一类是兼具实用性与审美性特点的工艺美术作品，例如紫砂壶、陶器、瓷器等，不仅具有一定实用性能符合工艺美术作品的本质特点，而且优秀的实用型工艺美术作品还具有极高的鉴赏价值。
2工艺美术的审美
对工艺美术的审美应在观察材料、色彩、造型以及装饰的同时，从美术作品整体上进行美术审美价值探讨，通过感受整体工艺美术作品所要传达的思想内涵，领悟设计的真实目的。由于工艺美术作品的创作均基于一定的客观环境，因此在工艺美术作品审美时应充分结合设计作品气氛、环境基调等方面观察工艺美术本身与环境的配比关系，从而鉴赏工艺美术整体艺术性。由此可见，若想在工艺美术的审美中升华自身审美能力以及感受工艺美术艺术魅力，应从整体与部分两方面提高自身欣赏能力，最终感受到工艺美术的艺术之美。工艺美术部分审美主要内容有四个方面。
2.1材料
材料作为工艺美术创造设计的基础物质形式，使人们对材料的鉴别与认知成为分析工艺美术作品创造工艺审美性的先决条件。在掌握材料信息基础上，对工艺美术所选材料与作品所要传达创设意图的贴合度、展现工艺作品特征的准确度等有关工艺美术与材料运用关系进行分析思考，从而鉴赏材料在工艺美术中展示审美性，并提高人们的工艺美术鉴赏能力。为了使人们在对工艺美术材料的审美能力上得到更大提高，人们对材料进行审美鉴赏时应做到:不应通过观察、比对工艺美术所用材料的市场价值来衡量工艺美术作品的艺术价值。工艺美术作为一种艺术表现形式，本身就是无法用金钱衡量的，创造的本质是用艺术形式反映社会现状、人文情怀以及设计者的思想意识。由于艺术的表现能力是无限的，促使在工艺美术制造时，从价值连城的玉石珠宝到不值一文的沙石，从罕见的金丝楠阴沉木到随处可取的松柏杨柳都可以成为工艺美术材料，只要材料可以贴合工艺美术主旨，并有效展现出工艺美术的艺术价值以及鉴赏美感，符合工艺美术特征更具有美的本质，那就是最卑微的沙石也能拥有同宝石一样的价值高度。
2.2色彩
色彩作为一种视觉的体验，人们需通过眼睛将所看到的色彩传递到大脑，从而产生色彩认识，可见视觉是打开人们认识世界这扇大门的钥匙，而色彩是人们看到“大门”内事物最主要内容的表现形式。由于人们长期生活在满是色彩的世界中，使人们对色彩的认识逐渐深入，并产生了色彩审美意识，这种审美意识同样可以运用到工艺美术的鉴赏中。在工艺美术创作时为了更好凸显创设作品的主旨，设计者经常运用各种类型的色彩对工艺美术进行美的渲染。例如，盛行我国唐代且具有极大收藏价值的唐三彩,不仅造型栩栩如生、出神入化，更因使用黄、绿、褐这三个基本釉色加之金属氧化物而演化成具有色泽艳丽特征的工艺美术佳品，既能反应出唐代富丽堂皇、雍容华贵的时代魅力，更能通过各类人物、牧畜家禽等不同形象的唐三彩工艺作品，展现出工艺美术设计时代人们的精神风貌。由此可见，对工艺美术色彩的鉴赏与审美，有利于深入了解作品的内涵与文化底蕴，并感受到色彩带给人们的精神共鸣。
2.3造型
随着时代的发展，工艺美术的造型设计也跟随时展脚步，在传承优秀工艺美术造型手法的同时不断融合时代特征，对造型进行着创新，使得工艺美术的造型越来越多。我国民间工艺美术作品在造型方面有许多独到见解，例如“女做腰、男做胸”是指导人们在人物造型上应注意塑造人物特征，从明显的造型处理上感受到工艺美术成品的严谨性，“一手遮半脸、二手全不见”是针对人体在比例塑造上的造型指导，“若想笑、眉眼吊、若要哭、眉眼坠”是我国民间在人物表象的工艺美术造型上的独到见解，并体现了面部肌肉变化与人们表情的联系。虽然，我国民间工艺美术造型大多较为简单，但是仍能够反映出工艺造型追求的气势、严谨以及韵律的审美特点，还可以通过利落、大方的造型形式，使人们感受到工艺作品的生动和谐的造型美。
2.4装饰
由于我国工艺美术发展历史悠久，几乎每个时代均有自身装饰特点，因此若想深入体会到工艺美术作品的审美性，应首先对所要鉴赏工艺美术作品的历史、文化、社会背景有所了解，从而体会到不同时代下装饰物品在不同工艺美术作品中运用的意义。例如，我国著名苏绣艺术家沈寿的经典作品《圣僧负鸡》,不仅利用苏绣针法将整幅工艺美术作品展现出了“匀、细、活”等工艺境界，更利用逼真的图案、虚实变换、曲直对比等装饰手法，将整幅绣画展示得生动、极具趣味，可见装饰在工艺美术作品中无疑起到了画龙点睛的作用，使工艺美术的艺术性得到了升华，并提升了鉴赏以及审美的高度。虽然，在工艺美术中利用装饰手法可以起到升华工艺美术作品，提高艺术作品鉴赏价值的积极作用，但是并不表示装饰手法在工艺美术设计中可以随意添加，若是只为了表现设计审美性而滥用装饰，将使作品变得混乱无意义可谈。因此，人们在进行工艺美术作品的鉴赏与审美时，不能只单纯将工艺美术图案装饰难易程度、装饰物的多少以及装饰工艺的技术水平等方面作为审美鉴赏的全部内容，应将装饰内容结合工艺美术作品整体进行鉴赏，并把装饰能否反应设计主旨当做审美的中心思想[1]。
3小结
综上所述，工艺美术不仅代表作品所处时代的设计能力，更能反应不同时代的历史背景以及人文情怀，是艺术形式中主要的表现形式之一。因此，人们应掌握从工艺美术所用材料、色彩、造型以及装饰的角度去鉴赏工艺美术，并发现工艺美术的审美性,从而使人们可以与工艺美术设计主旨产生共鸣，增加人们的艺术品鉴力，为当今社会工艺美术发展奠定鉴赏的群体基础，促使工艺美术可以得到更好地发展的同时丰富人们的精神世界。
参考文献:
论文关键词：地方高校，公共艺术选修课，课堂教学，改革
公共艺术选修课主要是在专业教师的指导下，初步了解与我们日常生活具有紧密联系几种主要的艺术表现形态，例如音乐、美术、书法等，对古今中外优秀的艺术作品进行学习和欣赏，把握不同艺术类型的特点和审美要求，从而达到提高学生的文化素养，促进学生素质发展的目的。所以教育学论文，目前全国高校普遍都开设了公共艺术选修课，把开展艺术教育作为深化教育改革，全面推进素质教育的重要举措之一，并且取得了很好的效果，艺术教育的重要性正逐步被全社会认可和接受。
但是，我们同时看到，目前高校中开设的选修课还存在一系列问题，需要进行深入研究和认真探索。例如，相关教材缺乏，教学难易程度很难把握；教学手段单一，难以调动学生学习的积极性；教学监控体系不完善，教学效果难以保证等核心期刊。尤其是对于地方性高校来说，除了面临上述问题之外，还存在着教材缺乏针对性、艺术教学中的地域性内容不突出等问题。而课堂是学生学习的主要场所，也是教育教学目标得以实现的主要阵地。要想解决目前地方高校公共艺术选修课中存在的问题教育学论文，我们认为，可以从课堂教学改革这一角度入手，积极探索提高公共艺术选修课的有效途径。
我们认为，地方高校公共艺术选修课的课堂教学，应该从以下环节来进行改革：
1．努力改变专业课课堂教学中以传授知识和技巧训练为中心的教学目的，引导学生在轻松自由愉悦的状态下感受艺术的魅力，提高审美修养。
选修课与专业课的教学目的不同，选修课主要是针对非艺术专业的学生开设的，是通识教育，不注重专业技能的提高和训练，主要为了扩大学生的知识面，满足部分非专业学生的兴趣爱好，或者发展他们某一方面的才能等。在现阶段，很多高校公共艺术选修课的教学，普遍使用的是艺术史论方面的教材教育学论文，这就造成了过于专业化而忽视了非专业学生的知识结构，影响到选修课的教学效果。所以，我们认为，公共艺术选修课应当以欣赏具体的中外经典艺术作品为主要内容，在老师的引导下，调动学生学习和了解艺术作品的兴趣，使学生在轻松自由的状态下深入领会艺术作品内在的文化精神和人文思想，获得美的享受和感悟，提高审美修养。
2．广泛运用现代多媒体手段，包括声像资料和影视艺术等形式，激发学生的学习兴趣。公共艺术选修课的教学活动，必须要兼顾不同专业学生的心理特点，要切实调动学生学习的积极性和主动性，吸引学生主动参与到教学过程核心期刊。在这一过程中，仅凭老师枯燥的讲解显然无法实现上述目的教育学论文，这就需要借助声像资料等多媒体手段的优势，对艺术作品或艺术现象进行全面而精准的展示和解读，加深学生对艺术作品和艺术发展规律的理解。例如，在中国绘画作品鉴赏中，采用幻灯片的形式进行讲解，可以极大拉近学生与美术作品的距离，提高学生对于绘画作品的兴趣。
3．加强具有地方特色的民间文化艺术的普及和教育活动。目前，国摘要举措。可以采取与本地政府文化部门、博物馆、展览馆、文化艺术院（团）、风景名胜区等机构共建审美（艺术）教育基地，实行多样化的开放式的实地教学，采取实地参观、考察、研究、赏析等方式，加强本地民间文化艺术的普及和教育活动，丰富和扩大学生的视野。
4．通过撰写论文、课堂讨论等形式，培养学生学习的积极性和，提高学生自主学习的能力。为保证教学效果，应重视对艺术作品欣赏的实践能力的培养教育学论文，注重对艺术作品和艺术现象的个性化解读，充分激发学生的想象力和创造活力，要尝试借助布置平时作业或者安排课堂讨论等形式，努力调动学生的学习兴趣和创造能力。在论文写作和集体讨论过程中，不追求标准答案，通过学生自己在课后收集相关资料，经过讨论、辩论等形式，培养学生的审美感受力、鉴赏力和创造力。
5．注重学生想象力与创造力的培养，加强课堂教学内容与学生生活经验、文化背景和专业技能等之间的联系核心期刊。要引导学生从不同角度分析艺术作品，尤其是从自身所学专业的角度来理解艺术和艺术作品，培养学生的想象能力和创造思维。作为跨专业选修课，上课的学生都分别来自不同的专业，在课堂上要调动学生的积极性，使学生把选修课知识与日常生活经验，尤其是专业技能结合起来教育学论文，使学生从不同的角度来欣赏艺术和艺术作品，锻炼和提高他们的思维能力。例如，经济学院专业的同学可以从经济的角度对于清代中期“扬州画派”进行解读，进而进一步明确政治环境和经济条件与艺术市场之间的紧密联系。
所以，公共艺术选修课对于提高学生的综合素质，树立正确的审美观念，培养创新精神和实践能力具有十分重要的意义。但是，目前地方性高校开设的相关课程还存在着不可忽视的问题，因此必须从课堂教学改革这一角度入手，积极探索提高公共艺术选修课的有效途径，努力提升广大学生的审美能力及鉴赏水平，完善知识结构，促进学生素质的全面发展。
参考文献：
[1]郭原.高校美术教育现状与改革的思考[J].艺术教育,2009,(04):46-47.
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对波普艺术下定义比任何其他美国画家下的都要更确切的是利希滕斯坦，他拿平淡无奇的连环画或者广告画来做他的基本题材，忠实的用油彩或者丙烯颜料将他们放大，以表现他们极为有限的平涂色彩和非常结实准确的线条，结果，就成了硬边题材绘画。
虽然在此没有研究者对“波普艺术”的内涵进行严格而科学的界定，但这些为研究者认可的、修饰波普艺术的定语却为我们界定它的内涵提供了参考。因此，结合自己对波普艺术实践的反思，参考其他研究者的理论阐释，可以这样界定所谓的波普艺术：是一种以普及为目的，以年轻人为主要对象，以流行元素作为创作媒介而进行的一种流行艺术。
极具生命力和现代美学意蕴的波普艺术诞生于英国后，随即受到了美国艺术研究者的关注并迅速在美国达到了鼎盛，从而引起了各国艺术家对其相关艺术实践与创作理论的关注。特别是各国艺术家基于波普艺术在世界各国发展的实践，对其美学问题的关注更具双重的研究价值。这也就是说，对于“波谱艺术理论对传统美学理论的颠覆”及其相关问题的关注，既可以在理论上探讨波普艺术对传统美学理论的拓展，又可以在实践中为本国波普艺术在现实生活中的运用提供美学上的指导。
一、艺术创作媒介的更新
所谓的艺术创作媒介是指波普艺术家进行作品创作时凭借的各种物质。对于“媒介”一词应该从广义的角度对其进行分析和解读。即“媒介”是指使波普艺术作品在其应用过程中联系艺术家与鉴赏者之间的各种各样物质因素。
在以往的艺术创作中，能够联系艺术家与作品鉴赏者之间的创作媒介主要表现为两种，一种是语言媒介，另一种是颜色。前者主要存在于文学艺术领域，后者主要存在于绘画艺术作品之中。然而随着波普艺术的诞生与发展，越来越多的创作媒介进入了艺术创作领域之中。例如，在1971年一款名为“扶手椅”的波普艺术作品出现在了普通人的生活之中。在这款椅子的设计过程中，著名的设计家J·德·帕斯和其领导的设计小组运用动物的皮革作为椅子的面料，运用新兴的泡沫材料作为填充物，利用人手叉开的五指形完成了艺术作品的创作，从而使这款特殊的椅子作品迅速地赢得了市场，达到了普及的目的。
二、艺术应用范围的拓展
波普艺术对于传统美学理论的颠覆还表现在艺术作品的运用过程中。在传统的社会生活中，艺术作品不仅不可能像现代波普艺术这样使其作品在社会生活中得到广泛性地应用，而且也不可能把传统的艺术美像波普艺术这样传播得如此广泛。因为在现代生活所有的领域里都可以见到波普艺术作品的影子，在现代所有生活的领域里都可以感受到波普艺术作品带来的艺术美感。
首先，波普艺术作品把艺术的美感带到了普通生活之中，波普艺术自诞生开始，就狂热地关注着消费文化。在传统的艺术领域里，艺术的美感只有出现在特有的阶层中。即使有某件传统艺术美的作品流落在民间，也会因为众人不能欣赏其本身的艺术价值而使其失去了自己的美感。无论是传统绘画艺术中的《清明河上图》，还是那些具有雕刻术之美的古檀家具，都不可能像现代波普艺术这样把艺术之美传递给所有的普通人。诸如上边提到的扶手椅，诸如上边没有提到的利用波普艺术创作的纸质服饰作品，都可以在现代传媒艺术的帮助下进入平常百姓家。因为这些波普作品不仅具有较强的实用性，而且还具有普通人能够感受到的艺术之美。
其次，波普艺术作品在起到广告宣传作用的同时，把艺术之美感传递给了每一位消费者。可以这样说，现代波普艺术商業广告作品的出现，既推动了经济发展，又促进了艺术普及，这是传统艺术作品不可比拟的。例如，在时装展览会上，模特的衣着不仅代表着时装的流行款式，而且他们衣着的设计也体现着波普艺术对于生活的影响。再例如波普艺术家安迪沃霍尔的可乐品作品，无疑是美国商品经济和广告产业发展的产物。
再次，波普艺术作品拓展了传统艺术品的生存空间。从理论的层面上分析，任何一种艺术形式的产生都是基于一定的生活基础的，当这种生活基础发生变化的时候，也就是当这种艺术赖以生存的经济基础发生改变的时候，这种艺术也应该随之发生相应的变化。然而波普艺术理论在艺术创作中的应用却使传统艺术的魅力在现实生活中得到了再生。之所以这样说，一方面是因为融入了流行元素的波普艺术使其具体的作品在现实生活中得到了广泛地应用，另一方面是因为波普艺术因为继承了传统艺术的精华而使自己最终战胜了传统艺术而在现实生活中赢得了更为阔的生存空间。
波普艺术对于艺术品应用空间的拓展，必然会引起传统美学理论的更新。因为，波普艺术赖以实现艺术品应用空间拓展的手段，不仅革新了传统的艺术创作媒介，而且还取代了传统的创作思路。
三、传统艺术鉴赏的创新
波普艺术对于传统美学理论的影响还表现在艺术鉴赏领域。在艺术鉴赏领域，波普艺术对传统美学的影响主要表现在以下几个方面：
首先，它通过艺术创作知识的普及提升了观赏者的审美水平。现代主义对波普艺术有重大影响，但波普艺术的表现方式，打破了现代主义的紧张感和严肃感，从而使波普艺术完成了对传统艺术鉴赏的创新。波普艺术在鉴赏领域对于艺术审美的贡献表现在两个层面上，在第一个层面上，波普艺术作品通过现代流行元素的参与，使具体的艺术品的美感得以通俗化的展现在众人的眼前。因为它不像古代绘画艺术那样需要专业人员的讲解才能使观众感受到作品的艺术魅力。在第二个层面上，波普艺术通过艺术品的普及过程把现实生活中那种原生态的美感直接转述给了所有的观众。特别是那些直接受生活启发而创作的波普作品更是如此，如上边提到的那款扶手椅就是如此。
其次，波普艺术通过创作造型的更新完成了艺术品的时代化。传统艺术合作以语言作为表现美感的艺术媒介，以颜色及其代表的生活意蕴作为传递美感的依据，然而波普艺术与其不同，它不仅继承性运用这些表现美感的媒介，而且通过创作材料的更新顺利地完成了艺术品造型的时代化。例如随着动画片米老鼠的播映，米老鼠的卡通形象深入人心，于是波普艺术家就把米老鼠与电话机相结合，设计了充满米老鼠情趣的电话机。虽然这个例子简单，但它却体现了一个这样的结论，即波普艺术设计通过作品造型化的变化完成了艺术品对时代性特点的体现。而波普艺术作品这种时代性特点的体现又更能使艺术品的美感更容易得到普通民众的理解和感悟。
总之，波普艺术理论的普及，既带来了艺术界的革命，也带来了传统美学理论的变迁。在波普艺术创作与应用的实践中，波普艺术对传统美学的影响不仅表现在艺术创作媒介的更新上，表现在艺术作品的应用拓展中，而且還表现在艺术鉴赏方法的与时俱进上。波普艺术不是以“作品”的形式来确证自己的存在，至少，它不是被审美性的欣赏，它也用不着有以往作为一个艺术家所必须的绘画或造型技艺，它不可作为某种范本供学习者临摹，它经过大批量印刷丝毫不会造成效果的衰减，它的原件收藏也不具有艺术价值，甚至它作为一种行为瞬间就消逝来了。事实上，波普艺术只是一种“现象”，这种现象智慧的向人们传达了某种意义，而这个意义只是更集中更强烈的加深了政治、经济、社会、文化等方面已经存在的某种观念或道理罢了。
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“观千剑而识其器，操千曲而后晓声”，在美术教学中，需要学生大量接触艺术作品。新课程标准指出:"通过美术学习,使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性,人类社会的丰富性,并在一种广泛的文化情境中,认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。长期以来,学校美术的评价只是单纯的技巧技能的考查评价,忽视美术欣赏能力的培养。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。在教学中绘画鉴赏分为三个部分。
一：简单描述
绘画是一种平面的造型艺术，绘画语言的表现其一，感性：诉诸于色彩。二是造型。三是表意，也可以说是隐喻。绘画语言最终把我们带入超越物象的意蕴中。所以在欣赏的开始，先是抛开含义、背景、价值等。让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。以学生对这些作品的直观感受为开端。学生对被欣赏对象的第一印象是十分宝贵的。它是新鲜的、生动的、甚至是比较准确的，而且学生对于作品的第一印象也是非常深刻的。在让学生充分地观摩作品后，教师不急于叙述，以免让自己或大众的感受制约学生，而是让学生自己来弄清并叙述作品中所表现的内容。对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。例如法国表现主义画家夏加尔的《我的村庄》为例，开始学生只注意到画面里人的脸和羊头。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中还有挤奶的人、树、扛着镰刀的人、教堂、农舍等等。在学生叙述的同时，面对作品，引导学生进行进一步分析：它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生大胆直率地描述直观感受。
二：形式分析
形式分析是将感性立即转化为理性分析。是欣赏渐入佳境的起点。“构成绘画作品最重要的、最为先声夺人的因素是画面的形式感，营造形式感的首要因素便是绘画语言的使用。”（蒋跃《绘画形式语言研究》）。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，纯度很高的色块也起了很强的烘托作用。
形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。
三：意蕴解释
美术作品的意蕴总是深藏于作品内部，只能靠心灵的体察去感悟、体味。而美术作品的最高境界，往往寄藏在“韵外之致”、“味外之旨”中，是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底。意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。比如郑板桥画的竹、徐悲鸿画的马，这些经典美术作品不仅真实再现了事物的形貌色彩，更重要的是真实地表现了人的思想感情，委婉地传达出画家对生命的诠释。意蕴是美术生命之所在，所以，美术教学不仅要培养学生用自己的眼去看画得像或不像，还要用自己的心去体味美术作品背后所表现的深沉的思想感情，发掘作品的深层意蕴。
我们都知道学校的美术教育并不是为了培养艺术家，作为素质教育的绘画艺术欣赏教育，也并不是培养专职鉴赏家。我们的目的是通过美育，培养大众对美术文化的理解力，学会欣赏周围生活中的一切视觉形式及大量的艺术作品，进而使审美接受不单是视觉接受，也不只是大脑接受，而是整个身心的接受。
在常人眼里，画画远比看画难，其实不然。著名艺术社会家豪泽指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”所以有许多儿童画家，农民画民间艺术家也是文盲；但绝无儿童鉴赏家和文盲艺术家。可见，绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力。
绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。
在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。
那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？
“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。
现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：
第一步：简单描述
在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。
第二步：形式分析
形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。
>如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。
>形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。
第三步：意蕴解释
>意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。
>意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。
>仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。
第四步：价值判断
>价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。
>我在评价达．芬奇《梦娜丽莎》时，除了指出它的“优”外，还有意指出它的“劣”，如：人物与背景的处理不自然，似剪贴一般；边缘线的处理过于生硬；受当时材料的限制，色彩单调;现在的色彩也灰暗了等。这样做的好处是使学生不迷信权威，敢于思考，敢于发表自己不同的见解，明白对绘画作品的判断是多元的，没有固定的结论，仁者见仁，智者见智。教师应尽量收集各种意见，以激发学生的思维，开阔学生的视野。
引言
在高校开展美术教育工作的过程中，提高学生综合素质水平已经成为了当前高校素质教育工作开展的重要需求。纵观现阶段我国高校的美术鉴赏教学工作，其整体教学体系和评价体系还不够统一，教学过程中存在种种不足和弊端，整体学生的美术基础过于薄弱，整个教学工作受到了诸多的限制。针对于上述的种种问题，我们必须要对于高校美术鉴赏教学进行合理的创新，采取行之有效地的策略进行应对。本文就对于高校素质教育中的美术鉴赏教学的相关内容进行了分析与探讨。
现阶段我国高校的美术鉴赏教学工作中的问题
1.整体教学体系和评价体系不够统一
一些学校的美术鉴赏教学开展的过程中，其整体的教学体系都不够统一，并且教学中所应用的教材和评价标准也都缺乏足够的一致性。一些学校的教学开展中，并没有选择一般性的公共艺术教育类的教材，而是应用其他专业院校的教材。美术鉴赏教学本身属于公共艺术课，其艺术实践需要依靠众多优秀的艺术作品来对学生进行吸引，而通过艺术教育的方式显然是行不通的。
2.学生的美术基础略显薄弱
在教学中，有一些学生艺术基础欠缺，对于艺术内容的接触较少。在美术鉴赏教学中，有些教师对于艺术方面的教学上还不是太深入，仅仅采取简单的视频播放和讲解，这些也影响学生的艺术审美能力的成长和发展。
3.教学过程中存在的不足
一些教师在教学的过程中，缺乏制定一个科学的教学计划。所以，教师在教学的过程中，需要帮助学生提高对鉴赏的作品进行深入的理解和鉴赏的能力，要指引学生在学生观赏的过程进行合理的引导和疏导。此外，在教学过程中，教师要启发学生的主动性，让学生真正而又积极地投入到艺术欣赏当中，从而强化课堂教学效果。
开展美术鉴赏教学的思路
第一，对美术鉴赏课程的教学目标进行明确。美术鉴赏教学对于非美术专业的学生来说，其可以提高学生的创新意识和潜能，对于学生开发智力，提高分析思维和理解能力有着至关重要的作用。美术这一门艺术形式，其中蕴含着深厚的美感和文化内涵。学生在鉴赏的过程中，可以提高自身的思维能力和想象能力，提高学生的精神状态，让学生保持良好的情绪心态。另外，生活与艺术是密不可分的，美术鉴赏教学的开展，也可以让学生在生活中发现艺术和发现美。教师在开展教学的过程中，要有意识的对学生的多方面能力进行培养。在未来的社会中，人才的综合素养是决定人才自身实力的重要关键，而优秀的艺术素养，是人才脱引而出的一项重要内容。从社会宏观层面来讲，学生自身艺术素养的提高也对于整个民族文化素质的发展进步和社会发展也有着非常重要的意义。
第二，对美术鉴赏课程的教学内容进行创新。美术鉴赏的过程，不只是学生独自欣赏，也不只是教师的单独讲解，而是学生与教师之间共同合作与沟通参与的过程。教师要重视每个学生的主动参与，让学生获得足够的艺术教育。教师可以通过自身的艺术鉴赏的有关理论分析，对于学生的欣赏过程进行引导，帮助学生进行分析与判断联想，让学生在感悟美的过程中，理解美术艺术和相应现象。在进行鉴赏的过程中，教师也要从学生的角度出发，以学生的思维进行思考，分析学生欣赏过程中的思维方式和方向，教师再辅以有效的引导，让学生保持良好的精神状态，富有激情和想象地对美术作品进行欣赏。另外，教师也要对于各类教育资源进行有效的利用，组织学生走入美术馆以及博物馆中，对于多种艺术资源进行科学的规划利用，进而提高美术鉴赏教学中的多样性，创新教学内容，以丰富的课程结构体系来满足学生的艺术鉴赏能力的成长需求。
第三，对美术鉴赏课程的教学形式进行改进。对于多媒体技术的利用上，我们要以辩证的眼光来看待，把握好多媒体教学的尺度。虽然多媒体教学本身可以打造更加生动的课堂教学环境，给学生带来愉悦，提高课堂教学活力。但是，多媒体教学的过程中，其本身信息的展示量较大，信息的传递速度较快，这在另一方面，也对学生的思考过程进行了压缩。因此，在多媒体技术的利用和选择上，教师要进行细致的研究，避免适得其反。美术鉴赏教学的最重要目的，是为了提高学生的审美情趣和审美能力，让学生感受艺术美，讨厌学生的情感。课堂教学的过程中，教师要走入学生，采取多种多样的教学手段，对于不同类型的作品鉴赏进行合理的划分与分类。多种多样的教学形式，可以提高学生的学习效率，让学生的思维得到更好的转换，满足学生对于艺术美的追求。
结束语
总而言之，作为一门重要的公共艺术课教学内容，美术鉴赏教学过程中，其对于美术这一门艺术的内涵和魅力发挥得淋漓尽致。在开展教学工作的过程中，要对于当前教学中的一些弱势和不足进行弥补，并且创新教学目标、内容和形式，将艺术教育进行良好的渗透，突破公共艺术课程教育的局限性。教师本身也要加强进一步的学习，并且对美术鉴赏教学的特点和形式需求进行深入的分析，结合学生的整体情况，真正的保障整个美术鉴赏教学的效果，发挥这门课程的重要作用，帮助高校更好地实现素质教育。
【关键词】美术鉴赏 教学方法 讨论式
外国美术鉴赏课在非艺术院校是一门公共选修课，对提高大学生的审美能力、培养学生的创造力和想象力、构建他们健全的知识结构体系、丰富课余文化生活都起着重要的作用。当今社会是信息化、网络化的读图时代，人们的观念在更新，教师必须积极探索与时代相适应的美术教学方法，更新教育理念，才能提高课堂教学质量。本文结合外国美术鉴赏课的课堂教学，探讨讨论式教学方法在课堂教学中的运用。
一、精心备课是讨论式教学的基础
备课的质量决定课堂教学的质量，好的教师能从不同的角度把一个事物讲得很清楚，这就要求教师业务一定要精，真正做到有渊博的知识和传授知识的能力。讲授美术鉴赏课的教师要对美术史发展的脉络、美术家所处的时代、美术家的生平及个性特征等都要充分地掌握。总之，教师在上课前要精心备课。
一是备知识点。针对美术鉴赏课，不仅要有美术史方面的知识，同时还要在知识基础上有自己的观点和看法。不仅要有自己的观点和看法，还要坚持艺术创作实践。因为在画布上创作实践与只是观看思考出来的观念是有距离的。这就保证了教师从理论观点到创作实践获得活的学问。笔者认为这种学问学生在书本上是很难看到的，应该是对学生有教益的。
二是“备学生”。只有了解了学生对本学科知识掌握的程度和学生的审美鉴赏水平，才能因材施教。“备学生”深一层的含义是要很好地让学生做好上课的准备，提前告诉学生下节课所要讲内容的关键词，比如印象派、马奈、莫奈、塞尚、梵高等，学生通过各种媒体（书籍、网络等）去收集资料。在查找这些知识的过程中学生已经开始主动学习。学生在课下查阅的知识碎片教师在课上给串联起来就容易了。当学生在课堂上表述他了解和掌握的知识和见解时，也满足了他们的表现欲和自我价值实现的心理，激发了学生的学习兴趣。
三是备教法。适宜的教学方法是提升课堂教学效果的关键。将课程的知识内容与学生的整体特点结合起来，确定适宜的教学方法。比如，基本理论的内容可以优选教师为主的讲授法，对于一幅作品的鉴赏，可以说没有正确答案，每个人可以从不同的角度去评价，可以用讨论法，大家可以共享彼此的观点。
二、讨论式教学方法的形式
讨论式教学方法能活跃课堂学习气氛，学生可以合作学习，自由交流，这样的“教”与“学”的方式非常适合美术鉴赏课。因为艺术作品鉴赏没有唯一的答案，它可以有多种解释和理解。鉴赏既受作品本身特征的规范，又需要调动鉴赏者自己的想象力，它需要每个人情感的参与和对美术作品的再创造。教师既要鼓励学生发表自己的个人观点，同时又要进行启发，引导学生正确鉴赏。
（一）分组讨论
讨论是就美术作品的某一方面发表各自的看法。这种讨论形式的组织是非常重要的，教师根据班上的人数分成几个讨论小组，每个小组推出一个代表发言。讨论的内容教师要提前准备好，比如，同样是风景画，塞尚的风景画和梵高的风景画有什么不同？有的小组认为塞尚的风景画更多的是对自然风景中形色等绘画语言和技巧的研究，他想把鲜艳的色彩和古典坚实的造型结合起来，他的风景画更加强调艺术家对自然的理解。有的小组认为梵高的风景画是用激情的笔触和漂亮的色彩来表达他对生活的渴望。通过比较感受作品之间不同的风格和特征，学生运用比较的方法可以举一反三。再如，现代的风景画与古代的风景画有什么不同？东方的风景画与西方的风景画有什么不同？每个学生从自己的角度品读作品的内涵，以讨论的形式使学生在探索中学习。
（二）分组辩论
辩论就是对美术作品见解不同的人彼此阐述观点。在实际教学中把对同一美术作品意见不同的学生分成两组，让他们各自提出自己的观点和看法，通过辩论使学生达到对美术作品进行鉴赏的目的。在学生辩论前教师把相关知识点介绍给学生，比如毕加索的生平、经历和立体派的风格特点以及毕加索的个人生活状态等内容。辩论的题目是教师课前准备好的，比如毕加索的画是美的还是丑的，有的学生感觉是美的，也有的学生感觉不到美，还有些学生感觉是丑的。学生就自己的感受进行争论，教师在学生争论的基础上进行总结，发表自己的观点。有些作品的呈现是美的，但只是一时吸引人的眼球，没有承载更多的思想和观念。有些作品虽不是很美，却能引起别人深思和情感的共鸣。毕加索的艺术是让人思考的，他的作品给了人们新的观察世界的角度，他和勃拉克创立了立体派。立体派是美术史上的一次革命，引领了那个时代的审美。
三、教师在讨论式教学中的角色
教师在讨论式教学过程中既是设计者也是组织者，既是知识的提供者也是共同学习者，这就是学问共同体的力量。美术鉴赏讨论课课堂气氛民主、活跃，充分发挥了学生的潜能，教师要及时总结课堂讨论的结果，在学生鉴赏的基础上提出自己的观点和看法，并要求学生做好知识总结。为配合学生的讨论学习，教师可以组织学生观看高水平的美术作品展览，让学生在原作面前感受作品的魅力，同时在学校的橱窗、走廊或教室为学生举办作品展，其目的是营造一个良好的艺术氛围，给学生一个更大的交流、讨论和展示的平台，间接帮助学生提高审美修养。
讨论式教学方法克服了注重教师“教”而忽视学生“学”的死板的课堂教学样式，学生成为学习的主体，充分利用多媒体的辅助作用，增强学生学习的趣味性，课堂气氛活跃，教师成为学生学习的指导者。讨论式教学提高了课堂教学效果，同时对学生提高学习能力和创新意识起到积极的促进作用。
参考文献：
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一、品鉴诗歌的内蕴美
古代诗人不仅是技艺高超的文字巧匠，更是深远睿智的的思想家。
作为诗人，他们具备普通人不曾具备的高尚的道义感和神圣的使命感，无论身处变幻无常的政治漩涡中还是身陷风雨飘摇的战争风云中，均能够从容不迫地聆听风雨、直面现实、书写华章。如宋代词人苏轼的《水调歌头•明月几时有》，以无比旷达之心将自己遣世独立的孤独情怀与传说中的美丽神话巧妙融合在一起。在皓月当空、月圆人圆的中秋之夜，在月亮运行的阴晴圆缺的自然规律中，渗进浓郁的哲学意味――“人有悲欢离合，月有阴晴圆缺，此事古难全。但愿人长久，千里共婵娟”。这便使之成为一首将自然美景和社会现实高度契合的写景抒情名篇。
作为智者，他们所具备的人文精神和高尚情操，能够使诗歌表现出“究天人之际，穷苍茫彼岸”之崇高和唯美境界，并以反复锤炼、炉火纯青的语言艺术赋予古典诗词众心所会、世代流播的哲理与思想等美学意蕴。如宋代爱国名将文天祥的《过零丁洋》，全诗以激昂悲壮的语言抒写了作者慷慨激昂的爱国激情与视死如归的崇高精神，表现了作者舍生取义的高尚情怀，展现了中华民族的传统美德。尤其是诗歌结末的“人生自古谁无死，留取丹心照汗青”之句被古今中外读者视为千古名句而广为流传。
因此，在教学上述古典诗词时，我们应该从知人论世的角度导入课文，引导学生了解作者身处逆境甚至危难之境所拥有的旷达、崇高、唯美、坚韧之情怀。反复品读文本，让上述古典诗词中蕴涵的丰富而又美好的情感内蕴渗透出开启学生美丽心扉的绵远之力，让学生美丽纯净的心灵在充满诗情画意的古典诗词阅读、品鉴中获得高尚品格的熏染与陶冶。
二、品鉴诗歌的形象美
古典诗词中的形象，是诗人对现实生活的人、物、景等各种现象进行艺术概括后所创造出来的艺术形象，具有某种思想内蕴和艺术感染力，具体生动鲜活。古典诗词中的艺术形象一般包括人、景、物等。其中，人物形象既可以是诗人在文本中创作的自我形象，也可以是诗人在文本中塑造的艺术形象。无论哪种形象，都寄寓了诗人无限真挚的情感。因此，认知、感悟古典诗词中的艺术形象，有助于引导学生深入品鉴诗人寄寓于诗歌中的思想感情。下面，我们以文天祥的《过零丁洋》为例，谈谈引导学生品鉴古典诗词中艺术形象的具体方法。
教学时，首先要引导学生快速阅读《过零丁洋》文本，在学生基本读懂文本大意的前提下，引导学生进行如下鉴赏：首联“辛苦遭逢起一经，干戈寥落四周星”是作者自叙生平；颔联“山河破碎风飘絮，身世浮沉雨打萍”是对山河破碎的国势和对自己家破人亡的凄凉情境的具体描写，表现出诗人对国事的担忧以及对自身命运的概叹；颈联“惶恐滩头说惶恐，零丁洋里叹零丁”继续叙说艰难的处境和凄凉的心境，流露出满腔的悲愤与惶恐不安；尾联“人生自古谁无死，留取丹心照汗青”表现出诗人视死如归的壮志豪情。然后再引导学生综合上述分析，一个心系抗金事业、满怀报国热情、视死如归的诗人形象便屹立在学生的面前。
三、品鉴诗歌的意象美
在古典诗词中，诗人通过精美的语言塑造意象，以此寄寓诗人内心的情感。故此，在古典诗词中，意象往往是诗人“心象”的具体表现，是诗人内心情感的物化形态。中国古典诗词讲究含蓄委婉，诗人在文本中常常不愿直抒胸臆，而是把自己真挚、纯美的情怀投射到诗歌作品的具体意象中，使意象成为具有丰富内涵又充满诗情画意的美学元素，使古典诗词文本呈现“绚烂之极归于平淡”之美。教学时，引导学生展开丰富的想像与联想，充分感受古典诗词文本中的意象美，有助于加深学生对文本意蕴和作者情怀的了解与品鉴。
比如，陶渊明《饮酒》（其五）中“采菊东篱下，悠然见南山”中的“菊”，意象看似寻常，实则意蕴深远。教学时，笔者引导学生将之与周敦颐散文《爱莲说》中“晋陶渊明独爱菊”和“菊，花之隐者也”两句话联系起来品鉴，引导学生展开丰富的想像，用文笔或者画笔描绘想象之中的唯美画面。结果，学生在这种充满诗情画意的随堂练习中，几乎都能准确把握诗歌中“菊”的意象所蕴涵的丰富意蕴，“自然”、“悠闲”、“恬淡”、“隐居”、“闲适”、“隐逸”、“悠然”等词语频频亮相，描绘的画面也如恬静淡雅的水墨山水画一般。由此，我们感悟到诗歌中的自然意象“菊”所折射出的诗人的悠闲、淡泊、宁静、超然物外的美好品质。
四、品鉴诗歌的语言美
古典诗词语言的个性美，与其他文学艺术作品中的语言个性美一样，是指不同古典诗词文本中各不雷同的语言独特美，是不同古典诗词作者在语言表达中所独有的风格与特性。
古往今来，真正优秀的诗人，无不是由其独特的人生阅历和与众不同的文化熏就了独一无二、性格鲜明的艺术人格，并由这种独特的、鲜明的艺术人格所决定而创作的独具风格与韵味的古典诗词语言。纵观中国古典诗词历史长河，愈是流传千古、脍炙人口者，其语言的个性化色彩愈是鲜明和强烈。充满个性化的古典诗词语言，可以有效启迪和强烈影响学生，培养、发展、完善学生所拥有的、体现自己鲜明独特的个体生命和精神风貌的个性化语言，从而满足学生充分表达个体生命意愿和独特审美体验等诸多需要。故此，教学时，我们有必要引导学生充分鉴赏古典诗词文本中极具个性化的语言美。
