时间：2023-07-17 17:23:13
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇油画的艺术特征，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
【关键词】风景写生 特征 教学 风景油画
风景是油画创作的重要题材，是以自然景物为描绘对象，用油画材料进行的绘画创作。20世纪初，西方的油画艺术开始进入中国，风景油画创作成为艺术家们的主要创作题材。通过对西方风景油画艺术精髓的吸收以及对中国传统文化的借鉴，中国的风景油画逐渐形成自己的特色。
西部是中国绘画最富有底蕴的地区，而对于西部地貌、风景的展现，绘画往往要比其他方式更容易引起观者的情感共鸣。西部的戈壁荒城、塞外雪山、冰川河流、金秋胡杨、早春碧柳等景色，多是经过油画家之手跃然于画布。他们往往将自身融入充满西域风情的大自然中，并借助写生的形式来表现完美意境。而我国高校的美术教育也倡导对风景油画的发展进行探索与反思，并加强对写生教学的重视。以下笔者结合西部风景油画的特点，以及写生教学对西部油画发展的影响进行阐述，以期为油画创作者提供更多的借鉴与参考。
一、西部风景油画的特征
（一）民族化和本土化特征
如今，风景油画已经成为油画创作的重要题材，油画家一方面汲取西方油画绘画的特点，另一方面结合中国的传统文化，对我国的风景油画的创作方法进行改进。经过了多年探索，如今，我国的风景油画创作有了新的发展。20世纪80年代，世界各国间的艺术交流越发密切，我国的油画家也开始探索油画发展的新道路，并提出了一些观点。当代油画家从我国的历史文化以及民俗文化中汲取营养，使用一些民族符号和创作元素，将西方油画创作技法与中国写意艺术相结合，从而创作出更具民族性和本土性的油画作品。
（二）西部风景油画的地域性特征显著
西部风景油画展示了我国西部地区独特的自然景观。油画家被这些自然景观所吸引、所感染，用自己的画笔把西部的自然景观展示在画作中，并在画作中融入了自己独特的观念。如我国油画家何勇的油画作品《中国西部风景》中就展现了西部巍峨陡峭的高山，充分体现了西部地区独有的特征与魅力。
（三）向多样性与时代性的方向发展
随着油画艺术的发展，画家开始对油画的绘画形式进行大胆创新，这一形式改变了以往风景油画创作的单一性，让表现形式更具多样化。他们不仅学习西方油画的绘画风格，还研究本地区的民间艺术，在继承传统文化的前提下提高绘画能力，使创作出的作品风格更加丰富，也更好地表现出时代特征。
二、写生对西部风景油画发展的作用
利用写生形式把风景作为绘画的主题，可以直面大自然，使创作更具真实性，也使观众有身临其境之感，从而使作品更具新鲜感。写生教学主要是高校通过“写生”这种绘画形式，让学生更加重视西部风景油画的创作，以提高对于风景油画的创作技巧。在写生过程中，学生要把自己真正地融入西部地区，充分表现出西部特有的风格和意境。
（一）油画风景写生可以加强风景油画的情感表达
通过油画风景写生的形式，可以使油画专业的学生感悟大自然的美丽，从而使作品更具抒情性。通过这种形式创作出来的作品更具情感色彩，不同风格的风景油画也具有不同方面的情感特征。风景油画使艺术家把自己对于外界的看法和感受用艺术的形式表现出来，让他们的思想与绘画有机融为一体。法国风景油画家柯罗曾经说过，真实感才是艺术美的所在，他也用自己的作品践行了自己的主张。
（二）油画风景写生可以提高绘画技巧
1.风景油画写生可以帮助学生进行构图
构图就是在具体的题材和思想的要求下，把所要表达的形象加以组织，从而构成一个完整的画面。构图是绘画意境产生的前提。西部的自然风景丰富多样，然而，风景本身不含有任何情感，只有学生通过写生来描绘画面，选取特定的角度来进行绘画，才能够使风景油画作品具有作者的标志与情感。在教学中要注意，风景油画的构图主要是对油画的比例进行整体上的把握，并且要尽量准确和简洁。风景油画的构图分为斜形线构图、横向水平构图与竖形构图，要注意构图的法则和规律以及构图中的变化和统一。
2.风景油画写生可以提高学生的色彩搭配技巧
要想使西部风景油画更具感染力，首先是要合理搭配色彩，而西部的自然风光，则需要不同的色彩去展示。如学生可以用葱绿色表现春天的生机勃勃；用翠绿色表现夏天树木旺盛的生命力；用金黄色表达秋天人们收获果实的喜悦心情；用素净的白色来表现冬天的皑皑白雪，展示生命的沉睡意境。色彩是风景油画创作的最直接的表现形式，在风景油画创作中的作用也越来越重要。因此，在教学中要引导学生合理进行色彩的运用。通常情况下，每个人的色彩感会存在一定差别，而风景油画写生的形式可以使学生更加真实地描绘出自己对于色彩的感受。
3.风景油画写生可以提高学生的创作思维
想象力是人们在对外界直接感知的基础上，通过对事物的认识对其进行再创造的过程。油画风景写生可以使画家在观察、感受的基础上，通过自己的想象力来对所要创作的作品进行联想。比如学生可以把花草、树木、山水等这些意象通过自己的想象融入到创作中。如风景油画家刘严的作品《黄土・空间》《西部的景之一、之二》等，不仅仅是作者对于西部场景真实的再现，还充分发挥了自身想象力来塑造充满地域特色的场景。此外，学生在风景油画写生中还可以寻找灵感，以独特的思维展开想象，充分表达当时的场景和情感。
结语
近年来，我国西部的风景油画艺术逐渐向着民族化、本土化、多元化的方向发展。而油画风景写生对风景油画的发展具有重要意义，其能够使油画家更好地表达自身情感，并提高绘画技巧。因此，高校在风景绘画的教学中，必须重视写生的作用。我国西部风景油画的创作，充分体现出了中西方的文化交流与内涵，表现出人与自然的和谐之美，既是对现实生活的写照，又具有丰富的想象力，将西部地区独特的人文风情和地域风格描绘融入观者的心中。
参考文献：
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[3]胡霞.对中国当代风景油画中人文关怀的思考[D].湖南师范大学，2014.
关键词：中国油画；意象油画；民族审美；意象造型；意象色彩
中图分类号：J20 文献标识码：A
中国意象油画内涵深刻而丰富。意象油画以中国古典美学中的“意象”为本质特征，并结合意象创作的规律，以油画为媒介，将本土化民族化的艺术特征呈现出来，这在另一方面也将意象油画的诗意境界提升许多。意象油画的表述有自身的特色，其不同于抽象、表现、写实、具象等艺术形式。意象油画的发展随着油画的发展而不断完善，在当时画家更高艺术追求、更高的审美情趣和艺术精神的伴随中创新探索，满足人们不断更新的审美观念和情感变化的需要。意象油画在人们对中国油画价值体系和美学标准的倍加关注中，在中国传统文化继承发展的环境中被提取出来，开创出有别于中国油画的旁支，表现出独有的特性。虽然意象油画发展取得了丰硕的成果，但发展中也呈现出一些问题，如如何使中国油画民族化、如何促使油画中国风的形成等，这些问题若得以解决，将促使中国绘画的民族化和本土化特征完全融入意象之中，结合中国固有文化的基础，表现出中国传统美学文化中“意象”的审美内涵，彰显意象油画的诗意魅力。
一、中国意象油画的发展状况综述
中国有五千年灿烂的文化文明。20世纪初期，出国留学生从国外带回了较为完整的油画技术，从此之后风景油画才在中国开始发展，其发展过程与中国的传统文化产生了碰撞、交汇、融合。在西方油画被吸收、改造的过程中，中国第一代油画家在中西方文化碰撞和冲突中提出了意象油画的概念。西方油画的引进和与中国传统文化发生碰撞，这不是偶然的，是与中国五千年的灿烂文化是分不开的。中国传统文化博大精深，覆盖面积极广，是一种川江湖泊似的文化，也是充满烟雨迷蒙、婉约典雅的诗性文化，我国传统文化中涵盖的书法、绘画这些都展现出与地域性相符的文化特性。从另一个角度来看，也正是因为这诗意文化造就了中国绘画和书法，成为中国典型的艺术形式载体。而中国传统文化和西方传统油画的碰撞、冲突，形成了具有中国特色的油画艺术形式，如果油画中不含有中国传统艺术语言上的诗性文化特性，那就可以说油画不具备中国文化的特性，不能彰显中国传统文化的诗意魅力。
意象油画的概念在中西文化的交汇中提出来的。意象油画不仅仅涵盖了西方传统油画的创作技巧和经验，也涵盖了中国传统文化的浓厚中国特色，这值得我们下大力气去探索研究。中国第一代画家提出了意象油画的概念，虽然概念并不怎么正确到位，但其所涵盖的传统文化为自身的发展做出了贡献，带动了中国油画发展的前进步伐。在当时的社会背景下提出意象油画，需要艺术家做出大胆的创新，打破世俗的羁绊，不仅仅学习到了当时西方先进的油画创作技巧和经验，同时也吸收了西方相关的先进文化理论，也正是他们带动了中国油画事业的快速发展。当时的代表人物有关良、林风眠等，他们凭借自身坚实的艺术功底，将中国绘画中的民族元素巧妙的融入到自己的作品中，其作品焕发出耀眼的光环，表现出东方艺术家独有的意象情怀。
绘画的表现手法较多，有写实、抽象、具象、表现等艺术手法，而意象却不同任何一种。意象主要要求在绘画上体现出一种诗情画意，从而进入意象境界。在20世纪90年代，中国社会发生了很大的变化，中国油画发生了很大的变化，艺术家们创作的作品融合了自己的“观念”，油画开始朝着个性化的方向发展，这也体现出中西方文化的融合程度又进一步加深了。
但是，任何事情的发展都不是一帆风顺的，意象油画在发展的过程中也出现了鱼目混珠的现象，对此我们要端正态度，理清思路，分清意象油画的本真状态所在。意象油画的边界十分宽泛，这也是和西方传统油画的一个主要区别，但是其内核非常鲜明，蕴含着中国民族的人文特征和文化心理。通俗地说，意象油画可以透视和凸显中国人的文化观念、人格境界和品位格调。
另外，需要注意的是意象油画不是油彩的中国画，它彰显的是中国文化的精深，民族的审美心理和地域特征，它的艺术内核贵在强调“我化”与“转换”。在全球经济的环境下，意象油画也面临着时代的挑战和更新，意象油画将被人们进一步加深认识，这促使意象油画文化民族化历程的稳健深入，将得到更多的文化认同和赞成。
总之，意象油画体现着浓烈的中国特色，为中国油画的发展提供了广阔的前景，意象油画将会在中华大地上生根发芽，充满无限的生机。
二、意象油画民族文化内涵
意象油画传承了中国传统文化的精髓，意象油画的创作是作者在大自然的感悟中，将内心的感受和大自然的景物有机结合在一起，通过独特的艺术语言和艺术形式表现出来，具有一定的风格特色和审美情趣，这也是意象“实”的具体形象。通过“意”与“象”的结合，表现出特定的情思和想象空间，这就是意象“虚”的表现方式。意象虚实部分的结合，不仅仅客观地表现出事物的外在表象，也在精深和灵魂的形象化上得以再现，这也就是塑造之象，强调情的传递和意的表达。
（一）通过写意的表现形式彰显意象之美
意象油画主要强调神韵和意境的表达。在传统的美学观念里，我们认为写实的东西达不到最高的艺术境界，有画人物要“以形写神”、画山水要“搜尽奇峰打草稿”之说。意象的表达不以客观再现对象为目的，意在通过情感的真实来表现意象。如用“神来之笔”来形容中国画中充满神韵的画面，伟大艺术家吴冠中先生曾说，“绘画中干净利索不一定便是优点，而拖泥带水却往往是痛哭流涕的痕迹”，这句话就是这一现象的真实写照。意象油画在创作中注重中国传统书画的借鉴，吸收中国画的“泼墨”手法，在鲜明的探索中不忘强调创作的自然性、随意性和偶然性。
（二）利用中国画的造型观来进行意象造型
意象的造型重在主观表现，却又追求伟大艺术家齐白石说的“似与不似之间”的境界。意象油画中的造型在尊重对象的客观特征基础上，融入自己的思想感情，对客观对象进行合理的处理。这一过程不能受限于客观对象的特点，要根据主观的情感对客观对象进行取舍处理，最大限度地表达出自己的真实情感，如欧阳在进行油画创作中，为追求作品画面的平面化和抽象化，留下大块空白，给人以想象的空间，该手法借鉴了水墨画中以白当墨的观念，再结合西方的色彩，这样创作出的作品，从骨子里透着中国味。
（三）色彩是意象油画的灵魂
色彩作为油画的“特定”媒介，可以唤起人们各种情绪，从而表达主观的情感。在色彩的使用上，只有主观地积极地创造，才能表达出特定的精神内涵。画家要想运用好色彩，就必须对色彩有个人的形象的独特的感受，有个人的艺术创造，这样才能够形象地表达自我感情。西方传统的油画是运用光色原理再现物象的真实色彩感觉，强调追求“真实美”。而意象油画创作中色彩的运用不是以形貌真实为主，不用拘泥于真实光色的束缚，根据创作的需要甚至可以改变自然物象的某些属性，赋予事物新的色彩，以便表达出难言可贵的精神意识，可以做到“寓意于彩，移情于彩，以彩尽意，以彩抒情”。如中国绘画中的竹，一般用墨来画，有时可以用朱砂来画。中国绘画意在强调表达心中的意志和情感，而实际事物的色彩并不重要，要的是事物色彩所能表达的内涵。
（四）意象油画有利于彰显民族文化的特色
油画作为一种手段和媒介主要是用来表达意志和情感的，油画最早起源于欧洲，到现在历经了几百年的历史，已经形成一定的创作规范和理论体系，促成了古典规范和现代面貌的艺术之风，但这并不说明油画已形成一定的表现模式。在实际的发展中，民族绘画在接受外来油画的技术和技能时，可以根据民族自身发展的情况和需要来进行选择性使用。中国艺术家受传统美学观念和趣味的熏陶，在接受外来油画技术和技能时做了适当的“改造”，通过写意特色的展现，彰显出我国民族文化审美趋向“意象”。“意象”是中国古代美学命题之一，也是衡量具有中国文化特征和美学价值的中国油画的重要标准之一。
意象油画是中国艺术形态有的形态之一，它体现了中国人自己的审美习惯，彰显出中国文化的精深、民族的审美心理和地域特征，也是有别于西方油画的“我化”存在。意象油画的发展有利于中国优秀民族文化的发展和传播。如尚辉先生所说：“意象油画不是油彩的中国画。它是中国文化精神、民族审美心理和地域特征对异质艺术内核的‘我化’与‘转换’。它不是一种简单的风格或流派，而是把中国这个民族观照社会与自然的意象思维和叙述经验投射乃至转换到油画语言的审美结构中而形成的油画民族名片。”
总的来说，意象油画是艺术家在中国传统文化的环境中进行的艺术创造，是中国人用独特的体验创造而生成的。意象油画追求生命本体的张扬，不拘泥于具体事物的形体、色彩和内容，是油画现代化和中国化的一种表达，它促进了中国绘画艺术的发展。
三、意象油画的诗意魅力
意象油画是中国当代油画价值体系和美学标准对中国传统文化的日益关注的结果。“意象”是主观情感与客观物象的有机统一体，体现了艺术创造中“物我融一”的情态。意象油画表现出深邃而又丰富的诗意魅力，彰显出气韵之美、意境之美、诗境之美。
（一）意象油画的气韵之美
中国人创造、欣赏、诠释艺术的标准之一就是气韵之美，也是中国艺术在世界艺术独树一帜的价值所在。中国艺术对气韵之美的追求已有很长的历史，早在魏晋南北朝时，顾恺之就曾提出了“以形写神”的论断，并在之后一段时间内成为艺术创作的著名论断，南齐时期的著名理论家谢郝提出“气韵生动”的概念，进一步对顾恺之的说法进行了补充和延续，从此之后，中国人在进行绘画艺术创作便以“气韵”作为最高境界追求。唐代的张彦远评价顾恺之“意存笔先，画尽意在，所以全神气也”（《历代名画记》），将气韵作为绘画中可超一切的标准。而后张璨提出的“外师造化，中的心源”，将审美观点进行了更新，意在追求“心”与“物”要进行交流进行融合，达到主观和客观的相互统一，形成一个崭新的审美意象。宋代推出的“逸品”之说，强调了画家要注重内在生命活力和灵性，要增强自身的主观品味和心境，只有这样才可以创作出好的作品。清代郑板桥作画要求自己“胸有成竹”，意在达到主观与客观相互渗透融合的“意象”，不管是心中还是眼中都有竹之神韵，这也彰显了艺术家潇洒飘逸的风度。
油画在20世纪初由西方引进，在中国历经一个世纪的发展，现今已融人中国艺术的血液精髓中，并成为中国艺术不可分割的一部分。为何能如此深入人心得到广泛推广发展，其主要是“气韵”贯穿意象油画创作的始终。意象油画追求气韵之美，可以体现出物象的神韵，它不仅仅展现出外形切似的人物、景物，也可以通过作品中的人物、景物透射出物象的精神风貌。中国油画作家在进行创作时，应当具备这种要求，也是中国传统文化和传统美学艺术在油画家身上凝聚的体现，将这种力量悄无声息地通过画家的笔端自然地流泻出来，达到画为心声、意在笔先的状态，这样创作出的作品，其气韵跃然纸上。意象油画在追求物象外形切似的同时，也不可拘泥于物象的形体之上，要能够脱离现实，摆脱原有固定模式的束缚，放开心声，通过画中物象表现自己的思想感情，反映画外的余音，表达出超凡脱俗的风雅之美。
在追求艺术创作的气韵之美中，赵无极的油画堪称世界艺术史上的典范之作。他创作的作品表现出“既雕既琢，复归于朴”的高雅审美情趣，将东方美学的精深淋漓尽致地展现出来。曾有人评价“赵无极作画已然不是作画而是写心”，他的创作可以说成为不在形全在神，以其形写其神，取经其意略其迹。赵无极创作出的宏伟壮阔的景致，看后使人产生一种气势磅礴、一气呵成之感，画中涌现出旺盛的生命力。
（二）意象油画的意境之美
意象油画的美感魅力在于意境之美。创作意象油画要追求美感，就要在意境之美上下功夫，只有意境营造成功，其美感就跃然纸上。在中国传统的艺术创作中，往往注重“意”的表达，画家通过客观事物的呈现，展现出其内心的思想感情，实现主观情思对客观物象的移情，形成意境的营造，闪现出“外师造化”与“中得心源”的闪光点。宗白华先生所说的“景中全是情，情具象而为景，因而涌现了一个独特的宇宙，崭新的意象”，意境的营造追求大自然生命的本真状态。
中国艺术家在营造意境上和西方传统油画缔造意境完全不同。西方画家重在理性的讲解，他们在对事物的表达上力求细致入微，完全依照科学的依据，正如古希腊艺术家所创造的黄金分割点，它的发现就是文艺复兴艺术家们对人体解剖和透视的精确研究，同样印象画派的光色原理也是依据科学的方法进行分析，再结合绘画的经验技巧得以推演出来，他们的艺术创造建立在推理、演绎和求证的基础上，使其诗意完全丧失。中国艺术家在创作作品时，重在对“意”的表达，让毫无生命的物象展现出逼真的情思来，在这一过程中常常将意境营造中实景化为虚景展示出来，创形象为象征，使人的心理得以超然永恒。中国艺术家所追求的意境和诗意相通，画家创作画犹如诗人写诗一样，不必在特定的场景中创作，可以推移心境，推移时间，创设出一个幽情虚景，幻化出超越自然时空又包含审美观照的自然生命，跨越时间空问，实现实与虚的相互统一、情与景的相互统一、想象与形象的相互统一，达到“似与不似”的地步，进入“无我之境”，将大自然的景观和人心深处的灵境结合起来，探索生命的本源。
中国艺术家营造意境，主要是对景的感悟，情生于景，借景抒情，可以通过“离形得似”、“不似而似”、“似与不似”、“诗中有画，画中有诗”、“笔不到而意周”的意象来实现意境的营造，寻找并掌握对象的生命本质，在意境的营造中，注重“虚”与“实”的结合。“虚”“实”结合也是意境的一个重要特征。这里的“虚”指的是一种心理状态，也是寄情于景的所在，反映了客观景物在主观心中的形象，“实”是作家进行创作时的“借以窥见自我的最深心灵的反映的一个外物”（宗白华语）。营造意象的过程中另一个常见现象就是打破时间和空间概念，追求一种无限时空的宇宙境象。中国艺术家在进行艺术创作时，在大自然中可以不惟一隅，伴随着心中的意愿，可以或远或近、或高或低、或晴或雨、或精神或哲理地任意表现，不用按照西方绘画规定的在一定的时间内、一定的地点、一定的光线环境下、一定的气氛中进行。如果按照西方的规定进行创作，就是一个程序，一个没有思想的玩偶作画。清代画家方士庶说：“山川草木，造化自然，此实境也；画家因心造境，以手运心，此虚境也。虚而为实，在笔墨有无间。”（《天慵斋随笔》）其意思主要是绘画创作的难点在于“虚”的把握，虚堪比神似的妙境，如果创作过多地追求外形的相似，就不能达到妙趣横生的虚景。中国古代艺术家为了方便找到“虚”的境界，还创造出空或无的韵味，正如佛家禅语所言“空即是色，色即是空”，形象地刻画了一种独有的奇特效果。
创作作品充满意境之美的代表人物是苏天锡，他是中国意象油画的杰出作家，从他的作品中，我们可以体会到中国传统文化的意境，他的作品浸润着诗意的表现性和写意性。他作品中的实景清而空景观，在真实境象中可以体会到虚景的美妙，实现了虚实相生，计白当黑，处处皆妙境，他的画给人们一种恍如超脱的审美意境。他在创作时往往选取一副场景，“……春雨潇潇，春日如洗，江南的山色，浇灌湖山，一日一绿，一日一新。谷雨天晴，西湖湖面一片碧绿，连空气也都染上了一丝春味……”（许江语）。曾有一个真实的写照，是他在作品《我站在画布跟前》创作时说道：“我之所感，是诗情还是画意，难解难分——因为她们共生于性情，同飞与联想。……待到情人之时，佳酿渐浓，画中意境，就是那种融入了个人灵性的有别于原生自然的另一种芬芳。”从这里我们可以看出，他为何能够以心灵的意境破解有序与无序的艺术形态和自然形态了。也正是他的“境与意会”画面，“以心灵映射万象，代山川而立言”（宗白华语），给我留下无限的想象空间。
（三）意象油画的诗境之美
在中国传统美学观念里，诗境之美与意境之美同等重要，追求诗的灵性是其开展创作的真谛。北宋郭熙说：“诗是无形画，画是有形诗。”诗之所以可以当作画，是因为其意境中蕴含了画意；画之所以称之为诗，是因为画中洋溢着诗意。美学理论认为，审美活动就是在物理的世界外构建一个意象世界。正所谓“山苍树秀，水活石润，于天地之外，别构一种灵奇，‘所谓’一草一树，一丘一壑，皆灵想之辟，总非人间所有”。在这样的意境世界里，可以构建出一个诗意的天堂，处处洋溢着诗意，实现“情景交融”，意象油画在营造意境的过程中，也是追求诗意的境界。正如“诗中画，性情中来者也，画中诗，乃境趣时生者也”（石涛语）。
论作品充满诗境之美的人物当属吴大羽。在他的作品里，我可以看到作者的满腔激情，让我们走进梦的海洋，体会到如梦的诗意。他的作品充满了意象油画的含蓄性、自在性，以此来挖掘万物之源的诗境，在实现真实外象被转换为寄托心灵的形象之后，进而促成超越真实的自我跨越，让观赏者心灵激荡。
关键词:写意;意象语言;中国文化精神
中图分类号:J223文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)17-0019-01
艺术表现中不同风格的作品对于表现语言的运用有着很大的差异,绘画语言的不同运用产生不同风格的作品。意象油画的形式语言是意象精神赖以存在并构成其外观的物质基础,正是意象油画在实践中呈现出独特的语言魅力,体现出精神的意象追求和意象的画面形态,才使它区别于其它风格的油画。康定斯基说过“对艺术要素的分析,是通向作品内部的桥梁。”
一、笔法
在意象油画中,运笔起着非常重要的作用。一般来说油画颜料的绝大部分都是以运笔来表现的,而且笔触与肌理的形态也是欣赏与表现的重要内容。所以,它能够给人以视觉上的效果并影响着画面的总体感觉。我们知道,中国画是通过勾、皴、擦、点、染等用笔方法结合干、湿、浓、淡等不同的用墨方法来作画,在纸上呈现丰富的笔墨形态,使人在视觉和心理上产生不同的感觉。例如,干而毛的笔墨形态易有湿润华滋的感觉,重而浓的笔墨形态易有深沉凝重的感觉,轻而淡的笔墨形态易有清逸秀雅的感觉,在用笔的轻重力度上,在行笔快慢缓急的速度上,在顿挫的节奏上,以及在转折的走势上的种种不同。
意象油画不是油彩的中国画,中国绘画中的笔墨精神及若干技法语言仍然足以成为构造意象油画“中国文本”的基本要素。实际上,意象油画的发展正是在大量吸收了中国绘画中的笔墨精神及若干技法语言的基础上才逐渐发展起来的。比如意象油画的代表画家苏天赐的油画艺术。就是用书写性的笔法来表现对象的。他用自制的长锋毛笔勾线,所勾画的线条清奇挺秀、富有弹力、韧性极好,不纤弱、不霸悍。其风景画中树枝的线条就是书写出来的,并且十分的简练。他也使用板刷、刮刀等工具,但均十分注重笔迹与刀痕的笔意以及表现力度和用笔的生动性。仿佛书法线条的激情书写,流畅、峻利、遒劲,给人以爽快、果断、下笔无悔的感觉,讲究大笔势,仿佛大写意泼墨的挥洒。
二、造形
意象造型是中国画的重要造形观念。在中国画中,画家对于客观事物不是简单孤立的观照,而是把客观事物的“象”与主体的感受相结合,在头脑中形成“意象”,并且讲究“得意忘象”。“得意”就是得到“意趣”和“意象”:“忘象”既忘记客观物象。这个“意趣”和“意象”已不是现实客体,而是高于生活原型、超越生活原型的对客体精神的、本质的强调与夸张。它并不追求对象的真实再现,而是讲究“意笔草草,聊写胸中逸气”,“不求形似”,只是“取其意气所到”。因此,取舍与夸张变形就成了意象造型的突出特征。意象油画的造形,正是移植了中国画意象造型的观念和意象造型的取舍与夸张变形的手法,使造形获得了无穷的意趣。意象油画不是单纯地模仿自然,是在对自然对象深刻理解的基础上进行主观创造,从而达到抒情表意的目的。
三、色彩和造境
在中国传统绘画中,谢赫的“随类赋彩”概括了传统中国画用色的基本原则。“随类赋彩”是指画家处理画面色彩的时候只表现某类物象色彩的共性特征,而对物象的个别色彩现象给予忽略。“类”的本义是类同和相似,所以中国画的色彩是画家对物象多样化特征的规律性把握,因此,它是超越了自然的表象。凝结了画家心理意志的色彩,具有了最大限度的表现性质,能让画家自由表现,将自身的体悟和情感融入其中。
关键词 古典油画；现代油画；发展进步
一、古典油画到现代油画的发展
油画经过西方特有的艺术发展成为世界艺术宝库的组成部分，经历了漫长的吸收和借鉴以及成长过程。古典油画迅速发展是在17世纪，当时油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。可以说题材方面已经有很大的规模了。在技法上各个流派的画家们也形成了各自微妙的不同，在大方向上这个时代的画家都比较注重整体的颜色，而对笔触的细腻没有那么的关注。那个时代的油画强调了油画的光感，所谓光感是运用色彩的对比来创造出不同画面的意境，比如冷暖色调在油画风景名著上的广泛运用，风景画中经常会用到橙色和蓝灰色的大量运用，虽然这两种颜色似乎没有统一性，但是在他的画作中却能很和谐的共存，并且给了人很大的视觉冲击；另外厚薄层次的运用对光感的创造形成了很大的作用，对于画作上的厚薄层次，大多数文艺复兴前后的画家都运用的恰到好处，比如蒙娜丽莎的绘画技法上，就用层次感塑造出了立体的效果。到了18世纪，油画的风格在前人的基础上更加注重生动感，画家在用笔的时候更加的注意笔触的轻重缓急，所以18世纪的人物油画比起前一阶段更加的深刻而缺乏圆润；到了19世纪，应该说这个世纪油画的发展是起着承上启下的作用的。油画的色彩开始发生很大的变化，很多画家开始对局部着色的关注。色块很鲜艳，比起17世纪的橙蓝色块融合成的褐色，19世纪的油画色块大多用红色和米白等颜色来突出色块的层次；这个时期的画家对于环境的描绘出现在了画作中，使得画更加的和谐和融洽，而且自然主义风格日盛，对于自然风景的描绘这个时期较以往的时期都要多很多；20世纪欧洲油画出现了特别而且富于自由精神的流派，开始不拘一格的创作，这对于画坛的面貌改变起了很大的作用。
二、古典油画的特征
古典油画技法上的特征主要是比较单一，大致上只分为两种方法：丹培拉画法和演变的直接画法。丹培拉画法是最古典的油画，调和媒介是鸡蛋清加但马胶，采用的不是直接调色的方法，而是在有色底上提白做出素描效果后进行反复的色彩罩染。后来慢慢的也有直接调色技法。
古典油画的特征主要可以通过四个方面来阐述：
1、画法上采用写实：古典画法的写实主要是指作品上的物件完全与实物类似，只是依靠光和影像来稍微做些修饰，对于风景画大部分是采用采风进行实地绘画为主，表现出了浓厚的写实主义风格。
2、在画作的色彩表现力上，主要是用大色块，浓郁的民族风格色彩进行描绘的，开始关注整体转向对局部的关注。
3、在画画的笔法上，对画作的整体性更加的看重，所以对局部的笔触处理非常的细致，这样就能使色块集中起来，显色很有整体感，被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。
4、从理念上来说，古典油画研究纯艺术，以写实为主，喜欢临摹真实存在的，印象派也是19世纪后开始出现的，之前大多是实物写生油画为主。
三、古典油画到现代油画之间过程中的借鉴和改良
现代油画的发展是以写实画法概念的不断创新为线索的，图像化的风格明显与古典画风中的写生有了很大的区别，如果说古典油画是在不断以临摹的出神入化为线索的话，那么现代油画则是不断地在以画家的思想入画，画家将自己的感觉和主张以及对这个世界的看法不断地融入到了油画当中去，使得油画本身不是风景或是人物的再现，而是成为了反映现实和思想的一种载体。
关键词：超写实油画；抽象油画；审美探析
所有的艺术形式都可以表达人的情感，油画艺术也不例外，写实性的油画主要表现的是现实生活，但是写实中会融入一些抽象的因素。而抽象油画艺术的表现又是在写实油画的基础上，从超写实油画和抽象油画艺术审美的根本上看二者之间的相互影响是不可或缺的。[2]在我国的油画艺术中抽象因素发挥了更加重要的作用。
1 超写实油画和抽象油画的艺术特点
超写实油画和抽象油画侧重的方向不同，超写实油画重视的是油画对现实的真实反映，超写实油画不含主观感情，作品往往和大家用肉眼看到的事物或是用相机拍摄的事物一样，真实、冷漠，保持着自然主义的风格；超写实的油画的绘画通常会放大事物的尺寸，从而产生不同寻常的美学和心理效果。例如，许多超写实油画作家的作品一样有着喜欢以人为作为绘画的题材，有的喜欢对眼中的街景进行描绘，有的对咖啡厅和快餐店投入更多的注意力，有的比较喜欢描绘游戏和玩具。以上根据不容的内容进行真实的绘画的画家，他们的作品 就像极度精确的相机拍摄出来的作品一样，十分的真实。
抽象油画艺术的主要特点是没有具体形象、不遵从理性的思维。抽象油画艺术作品中不会描述真实的世界，不对世界上的客观形象进行展示，更加不反映现实生活。同时抽象油画艺术没有绘画的主体，画家在绘画中往往不顺从正常的逻辑思维，不表达任何的思想也不传递个人的情绪。抽象油画在创作中纯粹性的遵守颜色、点、面等对人的视觉冲击，抽象油画画面中没有形象、没有主题，只是充满了大量的形色。
2 超写实油画的艺术审美
艺术来源于生活，超写实油画艺术就来自对生活的写实，油画作家经过对生活中的感悟进行提炼最终形成了自己的作品。作者将常人在生活中发现不了的美展示在自己的画作中，虽然超写实画家的作品体现的是生活但是它同媒体拍摄的照片之间还存在着一定的区别。首先绘画作品反映的是画家这个群体在当时生活中的观察，其中存在画家对生活的一些感受。例如，画家在对落日进行绘画时，如果作者的感情比较轻快愉悦那么画出的落日颜色给人的感受就比较轻快，如果在绘画中作者的心情比较烦闷那么落日的颜色可能就比较浓重给人的感觉就会比较沉重一些。
超写实油画在绘画中需要对传统绘画方式的技巧进行延续。例如，超写实绘画需要参考黄金比例值，绘画的背景、空间等内容的设计中需要应用相关的数学和几何知识。几何规律可以好很好地满足人们的视觉感受。[3]
3 抽象油画的艺术审美
抽象油画艺术的基本元素是点、面、线以及颜色等符号化的语言。抽象油画中并没有直观的呈现具体的客观形象，也就是说当你面对这一幅抽象油画作品时，你无法看出画中具体的事物是什么。传统的绘画艺术是对真实的事物的描绘和模仿，但是这一标准在抽象油画艺术中被彻底抹掉了。抽象油画艺术的核心就是形式，抽象油画最为关注的就是画的形式，画中的点线等都是在客观事物的基础上抽象出来的精华元素，这些元素可以很好地概括事物的内在和本质属性，因而抽象油画没有必要去苛求事物本身最真实的线条了。在康定斯基的《构图二号》中，人们会被它热烈的线条感动，这些线条同时也反映了真诚的情感，作者为了直接的反映作品中的美而不为作品命名，人们在欣赏时不会感到那种为内容而创作的痕迹。例如，莫奈的《阿山特依的游船》中几乎都是由大大小小的宽窄不一的色块组成，白色的帆船用较大的色块组成，显得十分沉稳洗练，同时和水中的倒影形成鲜明的对比，作者用不多的几笔将万里晴空，碧波荡漾的实景展现在画面上。[4]抽象油画的创作是由外到内的从作品的形式上寻求点线等符号，并由这些符号创造出新的关系和韵律，表达了特定的主观情感和思想观念，抽象油画艺术就是利用这一点将自身的艺术效果同写实油画区别开来，自身就具有了特定的艺术效果。
4 超写实油画和抽象油画艺术审美缺失
油画以其独特的魅力给人的视觉带来了巨大的视觉享受，同时也给了人们丰富地精神感受，人们的思想和艺术审美在油画中得到了巨大的启迪和发展，油画再现了自然美和理想美，其自身的形式美也达到了艺术创作的极高境界。首先，写实油画对于真实事物的反映具有审美的价值，油画利用三维的空间幻觉能力和对绘画对象真实性的展示是其他画种不能比的，超写实画家利用自己高超的绘画技巧来创造自然中的美以及精神上的欣赏之美。其次，油画具有理想的美，艺术虽然来源于生活但是高于生活，油画艺术中的理想美是对现实美的提炼，画家经过对现实中的美进行提炼和规范以后在绘画和表达上迎合了人们的审美需求，在形式上油画艺术在后期的发展中逐渐变得成熟，美的形式更加的精炼和纯熟，由此油画的画法得到了巨大的发展，油画技法在形式上有了多种多样的改革，油画作品的面貌也有了多种多样的呈现。
自18世纪开始，在文化、经济的多种因素的发展和影响下，油画艺术也相应地发生了重大的改变，油画创作中的形体、光感以及对画中色彩等因素的注重有所减少，油画创作者更加重视的是对传统的叛逆以及表达上的与众不同。人们也更加关注油画对于人们宣泄主观情感的重要性，油画艺术在完全成熟后又将面对变形，此时的油画创作从具体走向抽象并最终走向了抽象的极端。
抽象油画创作的出发点是创作者的直觉和想象力，并对具体的形象进行反叛，在绘画手法上更重视油料的色彩堆积以及随意的情绪的发泄，在绘画的结构上重视点线之间的自由勾勒，完全抛弃传统的写实审美观念，抽象油画给人的最大印象就是让人看不懂，抽象油画完全成了创作者自言自语、宣泄情感的艺术表达。油画创作在完全脱离的形象之后十分容易走向内容空洞的区域。
不同于抽象油画艺术的，超写实油画对人物个性的忽略也导致了自然美的缺失，在超写实油画作品中我们可以看到十分真实的人物形象但是感受不到一丝人物的感情，写实油画中的人物往往只是拥有空洞的眼神、呆滞的形态。此外创作者的情感也被压抑了，传统的写实主义可以使人从画面中感受到某个情节，具有一定的叙事性。超写实油画的创作就是对照片的再现，同时又避开了个人的主观情感，对现实生活中的世界进行冷漠的处理。最后创作者过于追求绘画技法忽略的形式美的塑造。
5 小结
油画艺术在不断的发展中经历了写实艺术审美的发展到超写实油画艺术的实现，最后衍生出抽象油画艺术，在油画的发展中无论是更加重视技法还是强调对情感的宣泄，都不要忽视油画创作中对审美的探索和体现。
参考文献：
[1] 王克军.审美的失落――超写实油画艺术和抽象油画艺术的共同特征[J].大众文艺，2011（17）：42.
[2] 周伟.超写实油画艺术和抽象油画艺术的审美失落[J].芒种，2015（11）：163-164.
[关键词]综合材料;油画;中国画;版画
[中图分类号]J211.6 [文献标识码]A [文章编号]1005-3115(2010)14-0072-02
简单地说,综合材料绘画是艺术家将材料作为媒介运用于绘画当中,通过材料的特殊性能,使画面具有特殊的肌理、纹理,从而打破传统绘画作品精细、整齐的绘画效果,用一种新的技法来表达艺术家的主观情感。早在20世纪初,西方国家就出现过综合材料的运用,以毕加索为代表的立体派画家运用一种新的技术与材料,将墙纸、乐谱、油布、硬纸板等东西拼贴到画面中,模仿油漆匠利用类似梳子的工具制造木纹的效果,他们把沙子、木屑及颜料混合以制造特殊的质地,试图制造出各种肌理效果,后来这一创作时期被称为“综合的”或“拼贴的”立体派。立体派画家将综合材料引入绘画的初衷是对传统绘画的背叛,他们打破传统作画方式,给观众以视觉上强烈的冲击。
从立体主义到波普艺术等一系列艺术运动,推动了艺术家创作观念的改变和综合材料的运用。此后,综合材料被西方艺术家广泛运用,他们突破传统艺术形式,开拓新思维,强调材料和技术的综合性、多重性,反映了隐藏在视觉形态中的特征。随着世界文化交流的扩大,许多国内艺术家也走上了探索、尝试和研究材料制作绘画的路程。如今,在现代艺术中材料作为媒介从幕后走向前台,材料、造型、色彩成为绘画要素,重新登上了绘画历史的舞台。
油画艺术产生于西方,大约经历了古典、现代、当代三个阶段。涵盖了文艺复兴时期、巴洛克和罗可可时期,还有新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义及20世纪的各种艺术流派。在历史进程中,油画艺术形成了程式化的作画方式,经过漫长的发展,艺术家试图打破程式化的作画方式,以毕加索为代表的少数艺术家在作品中逐渐运用纸、布等简单材料。油画艺术发展至今,综合材料的运用逐渐改变了传统油画一统天下的局面。油画中运用综合材料技法主要是以油画材料为主,多种材料混合使用,传统油画中,艺术家只能运用画笔、画布,通过画、描的形式表达思想。随着各种油性、水性颜料,染料、矿物色、泥土、化学剂等混合材料在绘画中的运用,激发了艺术家对油画的创新意识。艺术家根据对作品的构思和所要表达的情感,将富有特殊性能的材料运用到油画中,特殊的材料可以出现特殊的肌理效果,特殊的效果可以补充画面中的不足,还可以激起艺术家的创作兴致。因此,材料的介入给油画艺术的发展带来新的前景,多种材料丰富和加强了作品的表现力。
中国画分为花鸟、人物、山水等,绘画语言分为工笔和写意,在世界美术领域中独树一帜、自成体系,其发展同样受到综合材料的影响。中国画是用笔、墨、纸、砚等中国传统绘画工具,按照中国人的审美观点进行创作而抒发主观情趣。传统的中国画是用绢和宣纸作画,宣纸作为中国画的传统材料之一,它的渗透性、吸水性、墨色等和毛笔的顿挫、转折、方圆等笔法,共同营造了中国画特有的审美意境。随着时代的变迁,艺术家和消费者的审美观念都在不断发生变化,艺术家逐渐在中国画领域开始运用综合材料。台湾画家刘国松堪称材料运用的先驱,他对画面的肌理效果十分敏感,尝试在素描纸、水彩纸、油画布上画山水写意。中国大陆也有很多画家都进行了这方面的积极尝试,有的画家在高丽纸和皮纸上运用丙烯和水粉覆盖,尽量掩盖水墨在纸张上的渗透性,达到墨色交融的效果;有的画家则运用宣纸的褶皱和丙烯的反复堆积把纸本的张力发挥到极致。国画家开始突破传统的绘画技法,运用多种材料进行作画。
材料介入中国画的表现有多方面,最主要的是色彩和构图。
在色彩方面,经过历朝历代的不断发展,近现代中国画的发展经历了两条探索之路:一条是维护笔墨但求笔墨的变路,强调中国绘画的民族特色;另一条是不维护传统笔墨,力求创新,在中西绘画的融合下,进行艰苦的探索和改革。在经济、科技发达的现代,艺术家逐渐走上中国画的变革之路,将各种材料运用到绘画之中。材料的运用首先表现在颜料上的突破,除了历来用的矿物颜料和植物颜料,还逐渐运用丙烯和油画颜料,这对中国画色彩的影响较深。20世纪90年代,中国人物画坛出现了何家英、唐勇力等知名画家,他们把一些现代西方绘画技法融合在中国传统重彩的程式中,使中国当代的重彩焕发了新的青春。在构图方面,中国古代绘画的构图形成了固定的构图模式,例如花鸟画的折枝构图,山水画中马一角、夏半边构图模式以及近现代以来画家总结的三角形构图模式等。而材料的运用,改变了这种程式化的构图模式,运用新技法和材料得到特殊的构图。构图模式的改变给画家创作提供了宽松的空间,在花鸟人物山水画中,画家都可以无限制地表达自己的主观情感,材料在中国画中的广泛运用,表达了国画家的现代艺术观念,也丰富了观众的视觉需要。
综合材料的广泛运用自然也波及版画领域,版画出身于印刷技术,经过长期发展形成了自己独特的艺术个性,与印刷术存在一定的区别。版画是艺术家运用刀、笔或其他工具,在金属、石板、木板、纸板、麻胶板、塑料板、绢网等不同板材上进行绘制、雕刻、腐蚀等方法的制版过程,再通过自己印刷而完成的艺术作品。版画按使用材料可分为木版画、石版画、铜版画、丝网版画等,按颜色又可分为黑白版画、单色版画、套色版画等,按制作方法主要可分为凸版、凹版还有近年出现的综合版。综合版画是运用多种材料的一种新型版种,它是对传统版画的再认识、拓宽和综合。传统版画仅限于在金属、石板、木版、纸板、麻胶板、塑料板、绢网等不同板材上进行绘制、雕刻、印刷,其色彩单一、淡雅;综合材料版画的制作过程复杂,随意性较大,材料丰富,色彩可以随艺术家的需要减淡或加深。另外,综合版画制作的版可以反复使用,根据创作思路可以减少或增加制版上的材料再次进行印刷,改变了传统版画一次性使用的特征。综合材料版画的发展有漫长的历程,其广泛性和综合性、制作过程的灵活性和趣味性,体现了时代特征和时代走向。
如何将材料的独特审美价值运用到创作中去、通过材料的选择与运用恰如其分地表现内容和主题,这需要艺术家独特的眼光,是一种从生活体验和艺术创作活动中长期实践和积累得以提升的认知和审美能力。马蒂斯在《用儿童的眼光看生活》一文中谈道:“观看本身就是一种创造,需要某种努力。”毕加索也说:“当我画我的对象时,我是在发现而不是在寻找。”可见,真正的审美价值不是在对象上,而是在心中。因此,艺术家既要用心去观察、发现材料,更要反复实践和探索材料的性质,合理运用材料。
在当代艺术创作中,综合材料在绘画中的运用是时代特征的表现,无论是平面作品还是三维作品都将材料作为其中的一个元素,利用不同的构思和技法表达思想。综合材料并不是艺术家在作品中的大量堆积,而是艺术家利用某一材料的特性,改变材料外形,赋予新的内涵。艺术观念的不断改变,使材料范围不断扩大,材料运用的艺术领域也越来越广泛。艺术家通过掌握更多材料的性能与经验,将传统与创新相结合,创作出适应时代的艺术作品,进一步丰富和满足了消费者的视觉需要。
[参考文献]
[1]许世虎,周廷廷.浅谈综合材料在油画中的运用[J].新西部,2007,(11).
关键词:油画 油画风景 写意性
油画是一种艺术形态,通过油彩在麻布上作画,在汉语画图的视域之外,只到近百年来,才逐渐为国人所接受,相比西方之源远流长的油画艺术传统,中国现代的油画还只能说是处于起步阶段。
一、中国油画民族性
中国传统绘画的写意性体现了中华民族的文化心理和审美意识,而油画这一西方文化语境中的产物体现了西方人的美情感。一代宗师林风眠先生是早期“中西融合”的倡导者、开拓者。他主张“接受西洋艺术,结合中国艺术,融合中西艺术,创时代性的艺术”,把西方后印象主义及现代绘画的观念与中传统水墨和境界相结合并融人个人的人生经历,造就出中融通的艺术语言。如他在作品《渔夫》和《霸王别姬》中,以国画的意韵为主干,画面上的形体变化又是以这种意韵为出点,掺杂了“东方意象”的特征,体现了画面的层次感,给人种意象的美。
林风眠先生倡导的“融合中西,创造时代性艺”对中国油画向本土的写意发展产生了积极的推动作用。而在赵无极油画中,类似甲骨文或钟鼎文的抽象符号, 浮动于虚无的空间和变幻的色彩之中,充满东方神秘的象征意味,体现出“抽象写意”特征,他在欧洲对“中国”的重新发现使其画作借助抽象符号表现物象之外纯粹的象征意义,在更高的层次上向重“神似、讲“意境”的中国美学思想靠近,作品有《 大地本无形》等。中国油画写意性,首先缘于中国传统文化哲学观念,是中国意象美学观于油画中的体现,画中物象之形隐显转换于抽象的意味中,实态与虚形的交融互生等无不体现中国传统意象美学思维在油画中的运用和发展。中国油画在“ 融合发展” 中凝聚着画家的写意性民族情结,使其与中国画家和审美大众有着更多的共同语言。
二、油画风景写生
油画风景最早应发源于文艺复兴前期的宗教壁画中,当时宗教思想统治一切,人物创作是艺术创作的主流方向,而风景绘画虽只作为其背景的辅助物出现, 却已经在逐渐发展了。
当画家在面对大自然的时候,将会出现三个不同层次的图像:一是物理上真实的自然景观;二是心中的景色;三是画面最后出现的视觉效果。这三者之间互相关联,而又互为不同,首先是画家所要面对的真实的自然景观,即我们所要描绘的物象,其本身有着客观的自然规律,例如事物之间的形体关系,前后关系,色彩关系等,这些可统称为写实因素,也就是画家写生中需要参照的重要素材。(特别是对于具象主义画家而言,即便是抽象画家也是在面对物象的时候,从中抽取可使用因素。)就选景而言,画家面对物象的时候,会选择一种适合自己表的景致,或可以入画的景致,例如一些画家偏爱较为厚重的形式语言或豪放的画面气势,较多选择较为开阔的景色,在物象的选择上多喜好具有力量感的高山、平原、长河、落日等体现较为庞大,气势较为飞虹的景色。而偏爱秀丽、清柔的画家则多选择江南水乡,或美学上较为阴柔的景色并在色彩上偏爱自然中的青绿,蓝紫等,以区别于厚重的紫红,黄褐等自然中的色彩,在确定物象之后,画家则进入着手刻画状态,即构图。在确定构图之后,画家便进入对于具体关系的描绘之中。空间则成为第一个首要考虑因素,物象之间的前后透视,或是开阔的一马平川,或是繁杂的纤细精密。
优化风景写生中的笔触与肌理不仅仅是在线自然的一种手段,它也是表达情绪的所在,笔触的流动性和钝拙性在不同的节奏中,使得画面拥有一种鲜活的生命力。它在区别于画室之中的制作,使画家的激情在最大限度上得到表达,这种情感的流露更为真实,更为原始化,更为灵动,它驾驭自然之中的风云涌动,气象万千,并将其化作技术上的心理冲动,加以色彩,形体的辅助,在较短的时间内完成画面,促使画面中的各种元素跳跃起来这种称为现场感的情绪成为风景写生最具魅力的特征之一。
三、中国油画创作中的写意性
油画的写意性起源于中国画,中国画在表现对象时非常注重物象所呈现出来的生命力,采取一种凝练会意、非常直观的手段来表现。这就形成了中国画“尚意造型”的原则,即意向造型。在中国画艺术中,写意指写其大意,即在似与不似之间取象;中国画中的写意性,不单单存在于大写意的国画中,“写意性”包容在中国画的每一个要素之中,从取材的寓意性、形象的概括性、笔墨的程式性、 格调的隐约性、内容的象征性,以及工笔画种类中都体现出写意性,都与中国的文化背景相关联。
油画的写意性强调一种意境,是一种绘画表现手法,也是一种审美活动,发生于主客体之间的情感交融,更是强调形象“似与不似”之间的独特意象语言。中国油画的写意性主要体现在两个方面:
第一,是来源于西方油画在进入中国时,随着画种的传人伴随一些看来相似的理念和表现方式,是其本身所包含的内在成分,例如透纳的一些我们认为具有写意性的作品,还有印象派画家的某些作品,都是在创作当中不自觉地输入自己的理解和情感,这是源于自身文化的基础,并在其创作作品中传达出相似的写意性痕迹。西方绘画自印象派出现以后,由于艺术观念的转变,绘画主体情感意识的觉醒,也相继涌现出不少写意性作品。
第二,是在西方艺术传人中国的过程中,油画与中国本土文化的结合现象。油画写意性与国画写意性的共同之处在于创作者都把自己的主观情感融入到创作中, 采用一种与写实完全不同的表达方式,并用高度概括简练的手法表现出创 作对象,从而体现创作个体的内心境界,达到主体情感与创作客体的高度统一。中国油画创作的写意性始终离不开国画写意性的大环境,在创作过程中吸收本土民族文化的精髓,使得中国画的写意性甚至一些方式方法,被自然融入到中国油画的表现形式当中,同时这种影响具有互通性。
油画从西方流传到中国,在2 0世纪经历了一个曲折变化的过程。经过中国油画艺术家们探讨中西油画的,创作了许多优秀的油画作品。对于油画出现世界化潮流的趋向,曾导致一些地区和国家的传统文化、民族文化、地域文化遭遇 冲击和消解。目前在中国文化西方化趋势仍比较严重。作为艺术家,学习西方艺术的同时,应该提倡和发扬我们的民族文化和国家的传统文化,并且创新和突破自己。
参考文献:
自印象派以来，西方现代艺术开始进行表现主义绘画的创造，表现性油画语言也以各种不同形态被现代画家充分表现与展现。表现主义在艺术中强调主观感情和自我感受，对客观世界采用夸张、变形和抽象表现，用以发泄内心的苦闷，表现内心的感受，认为主观是唯一真实，否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性。表现主义作品给人以强烈的视觉冲动力，提倡直觉表现和创造精神，避免预先的构思，追求随心所欲的创作思想。由于表现派画家采用不同的绘画语言、个人情感和独特的艺术形式，表现形式从具象转变为抽象或意象，它不仅呈现出地域、国别的差异，在同一画派中也有不同的特点，而且与现代主义其他流派形成截然不同的艺术风格。表现性绘画不仅是油画表现形式，而且还是油画内容的体现、精神的传达。表现主义不以客观对象为目的，以被描绘对象为媒介，表现自己的情感、观念、思想等主观世界，脱离了客观物象的形体束缚，将客观对象按照主观意图进行变形、夸张或抽象化运用，从传统绘画的再现客观世界转为主观世界表现。表现性油画独特的艺术面貌不仅源于独具一格的艺术语言、特殊的工具材料、风格特征，还在于表现主义画家经过长期的艺术实践，不断探索和总结形成了丰富多样独具特色的表现技法，表现了现代社会的心理和情绪，反映了工业文明和后工业文明的社会现实。
二、表现性油画的现实意义
通过内部主观世界间接或曲折地表达对外部客观世界反映的艺术理论，称为表现论及表现性艺术。表现性油画在本质上区别于传统艺术的再现方法。经过不同画家的发展演变，虽然它们的主张和实践各不相同，但都否定内容对形式的约束，以新的艺术法则与传统表现法则彻底决裂，探索和追求新的艺术形式，创造纯形式的现代艺术。在西方的传统艺术中早就存在着表现主义风格的元素，西方发展的历史实际是艺术的表现历史，早期古典艺术、中世纪艺术、文艺复兴艺术和西班牙艺术等作品中都可以看到个性的张扬，笔触奔放、变形夸张的形象，表露出强烈的表现主义倾向和表现性的特征，西班牙的格列柯，印象主义画家梵高、劳特累克等应是表现主义绘画的先驱，尔后蒙克的艺术作品更加诠释了表现性的精神内涵。油画的表现性，在油画艺术发展潮流中是一个长期的发展方向，对油画表现语言的研究，是对于油画本质的一种理解和认同，对油画语言的精神价值的研究，是对于油画核心思想的重视和提高。油画语言研究不仅要对欧洲古典油画艺术传统进行传承，还要注意对传统油画的创新与实验，也要关注欧洲油画艺术传统与中国本土文化内蕴的精神融会，建立完整的油画教学体系。
三、表现性油画的色彩特点
1．色彩的表现色彩的表现是表现主义的重要特征，表现派沉醉于色彩表现的研究与探索，创造独特的语言体系。色彩表现体现出表现派艺术家的思想观念、艺术追求、审美理想。形与色独特性是表现性艺术的基本要素，对色彩语言的研究是分析表现性绘画的途径。不同的色彩特性反映不同的心理感受，不同的色彩选择体现着对视觉与心理的不同表述，色彩语言的运用与画家自身修养和精神境界息息相关，色彩的表现不仅在视觉上，而且在心理上和象征上得到释放。色彩语言是传达艺术精神的重要媒介，它不仅是自然物质中看到的色彩，更是视觉艺术中的一种语言形式。表现性色彩是一种暗示，诱发观众对事物的反应，打动观众的心灵，充分展示其独有的魅力。表现派画家按照自己的油画语言去寻找色彩的表现形式，完美地体现出表现性油画的魅力。无论是克利的主观色彩、蒙德里的安三原色，还是波洛克的激情表现，都能体现到绘画艺术中的色彩强烈表现。
2．色彩的感情绘画艺术中最具感情因素的是色彩，色彩情感是绘画中跃动的生命，艳丽多姿的色彩激发我们丰富的联想。表现性作品是艺术家情感的流露和表现技巧的展示，充分利用色彩的感情效果，如色彩的冷暖、表情、联想和象征等，发挥色彩感情表现，使色彩转化成感情的色彩。强调色彩的情感，用心灵感受色彩，是表现派画家的特征。表现主义绘画以感性精神的表达作为一种艺术造型的原则，对艺术形式、情感因素和形式构成进行高度自由的艺术处理。表现性色彩风格的不断完善、对色彩表现的完美追求和对表现色彩情感进行的执著探索，使色彩风格具有鲜明独特的个性特点。表达欢快情绪和快乐生命的夏加尔，他的语言体现了轻松状态，优美自如的人物、动物以及植物交织在一起，散发出轻松、浪漫的情调，创造了朦胧、神秘、梦幻般的意境。
3．主观色彩主观色彩包含艺术的直觉与个性两个方面，直觉表现是表现性油画中的一种形式，是画家在创作过程中的一种自觉行为方式，主观色彩是个性情感的表现，是表现派对色彩的灵气与激情的表达，也是他们对色彩世界的独特发现，色彩风格的完善要求对色彩形式进行执著的追求，致力于色彩的不断完美，使色彩风格具有鲜明独特的个性，主观色彩反映出表现派画家对某种色彩的偏爱和理解，主观抽象地升华色彩的个性，形成了自己独特的色彩面貌。表现性画家认为主观是唯一真实，它否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性。他们在艺术创作中为了表达自己的主观感受和强烈的情绪，在色彩处理上不简单模仿自然色彩，而是以个人的感受和感觉为依据，对自然色彩进行重新组合、调配、强化，在色彩上倾注了强烈的色彩个性，深刻地烙印着表现派画家的思想感情。主观色彩的表现形式体现表现性艺术家的思想观念、艺术追求、审美理想以及文化修养，自由地抒发自我主观感受，传达对象的精神，传达主观感受。梵高把色彩分解、排列、重置，开创了表现色彩的先河，他摆脱了以往传统色彩的制约，主观能动地处理画面色彩，常以黄色、蓝色纯净色彩表现自己的情感。
四、表现性油画的形式特点
1．构图与构成构成按照艺术形式规律进行空间布局。构图是艺术作品最基本的构成要素，反映画面空间关系与结构因素，构图的形式特征如对称性、平衡性和节奏感等反映着画家的个人风格，构成表现性油画风格。绘画的构成由画面各种点、线、面、色块、笔触等造型因素穿插、排列、组合，从而形成艺术作品整体的构成关系。在表现性作品中油画的造型特点与色彩关系形成画面构成结构，如笔触的走势表现张力、厚重肌理触动情感、色彩张扬反映心绪、笔触流动代表烦躁、情节冲突打动思想、内容矛盾代表动荡。表现派油画产生节奏、韵律、关联和呼应等构成关系表达他们的美学观点、主题思想，充分地表现油画作品的构成特点。康定斯基的作品构图充满流动的激情，蒙德里安稳定平和，蒙克的画面紧张躁动等都反映出表现性画家独特的构图方式。
【关键词】中国的意象油画 油画 表现语言
一、意象油画的起源
意象油画是指画家在有意或无意识的状态下，强调人文化的重要性，且将艺术表现形式与人的本质精神结合所形成的绘画表现语言。中国的意象油画以中国的传统文化精神为内在核心，把西方的“表现形式”与中国的传统“意象”结合在一起。意象油画是中国文化精神、民族审美和民族特征对西方艺术语言的转化。不同风格的作品运用不同的语言表达，不同绘画语言的运用产生了不同风格的艺术作品。
二、中国意象油画的表现语言
中国油画和西方油画相比，借鉴、吸收了西方油画的优点，将中国优秀的传统文化渗入进去。中国的意象油画基本摆脱了时空的观念控制，不像写实油画那样真实，也不像抽象油画那样夸张。
意象油画的表现语言是意象精神赖以存在的实体。
1.中国意象油画注重运笔。在运笔时，中国的意象油画笔触与肌理的形态注重随性，所以，意象油画中的笔法是一种思想的表达，通过不同的思想表达给人以不同的视觉效果，并影响意象油画的总体画面。中国油画的传统笔法有勾、皴、擦、点、染等，将这些不同笔法运用、结合在纸上呈现出不同效果的笔墨形态，使人可以产生不同的视觉效果。丰富的笔墨形态呈现出不同的感觉，有清新、劲健、凝重、飘逸的感觉。如干而毛的笔墨形态给人一种湿润华滋的感觉，重而浓的笔墨形态给人一种深沉凝重的感觉，轻而淡的笔墨形态给人一种清逸秀雅的感觉。在用笔的轻重缓急、提笔的速度快慢，以及转折的各种各样的走势上，都给人不一样的感觉，而这也正是画家所要传达的不同思想。
中国画注重画面的整体效果，力求形神兼备、色彩丰富。中国绘画的基本要素注重笔墨、运笔力度和方式。意象油画和油彩的中国画不尽相同，但是，中国的意象油画不但吸收了中国绘画中的笔墨精髓，还加强了语言技法的使用，笔法给画家带来了灵感，如画家罗尔纯绘画时，多采用书写性的笔法，用多种笔法结合错落有致、不同力度的线条，随心所欲地将自己的主观情感体现在画面中。吴冠中的油画注重笔墨的使用，他的作品以线性结构作为构成画面的主体，在他的作品中，借鉴了中国画的表现方法，采用水墨和油彩两种形式画成，并将同一题材，运用不同的绘画语言描绘体现出中国文人画传统和情趣的不同风格的作品。赵无极、聂欧、洪岐等画家将油画与水墨交织进行创作与实验，这足以说明中国绘画中的笔墨精神及技法对建构意象油画语言的意义。
2.意象造型属于中国的传统体系，是中国画绘画的基础。意象造型注重的是物的意象，而不是其形、色的描绘。在中国画中，画家以客观事物为参照，但又不局限于客观事物的再现，把客观事物的“象”与主体的感受相结合，把物的象和创作者思想在头脑中形成“得意忘象”。“得意”就是得到“个人的兴趣”和“事物的意象”，“忘象”是指忽略了客观事物的形象，将个人的兴趣和“事物的意象”这种主观和客观的感受反映到油画中，它不是对象的真实再现，而是讲究“不求形似”“取其意气所到”的境界。因此，个人的取舍与对物象的夸张成了意象造型的突出特征。
我国意象油画的造型是我国传统绘画的造型理念。绘画者在很早接触意象油画时，就已经吸收、运用这种理念，使造型获得了无穷的意趣。意象油画不是单纯地模仿自然，而是进行深刻理解，主观创造更多地超越地域、洋溢着中国韵味和气派的作品。吴冠中善于捕捉事物的瞬间性和物象给予的瞬间灵感，通过对画面进行适当的取舍与夸张变形，将不同色彩、不同个性和不同的感受相结合，并使用不同的笔墨，将节奏美、型的韵律美在意象油画中展现。例如，吴冠中的作品《水乡》洋溢着十足的中国韵味和气派，他将抽象的“线结构”运用到油画中，然后加以放大和夸张，画面上的点、线、面恰到好处地结合，使得观赏图画的人不禁陶醉在水乡的诗情画意中。该幅画的造型可谓“笔简形具”“出于意表”，将中国画意象造型发挥得淋漓尽致。
3.色彩是有生命力的绘画语言。色彩是最具有感染力的，是艺术最直接、最独特的符号力量。当代意象油画色彩，既有西方油画色彩的瑰丽之美，又有中国绘画艺术的音韵之美。所以，中国画的色彩是画家对物象多样化特征的规律性把握，以主观性为主，但又不会失去色彩的生动性。因此，它是超越了自然的表象。意象油画的色彩运用，借鉴了西方的印象派色彩，并将中国画的色彩优势运用到意象油画中，打破具体时空色彩的限制，充分运用色彩，反映出意象油画的主题、意境、情感。
4.中国传统绘画追求的是一种诗意般的境界，即“画中有诗”，画面构图追求含蓄隽永，注重运用虚实、藏露与“计白当黑”的手法创造出意境。宋代马远的《寒江独钓图》江面几乎全为空白，画面上呈现出一条船上垂钓的渔翁，整个画面很少运用色彩，却给人塑造出一种空旷渺茫、寒意萧条的气氛，给观赏者提供了一种辽阔而富有诗意的意境，让人忍不住想象画面的空旷。
意象油画的基础是将中国画中以诗意性语言构建唯美的意境，采用诗句来造型，打破真实时空的束缚。在造境时，运用不同笔墨和不同的色彩，利用中国的线和西方的面结合，让人在视觉上产生强烈的形式美感。如一幅山水画，创作者在作画时，融入了中国的传统文化和传统的笔墨，注重线条和色彩的搭配，给人一种仿佛就生活在画中的感觉。
总之，意象油画作为油画艺术的一部分，追求不同创作的思维方式和审美，使意象油画的表现语言具有丰富、鲜明的个性，且富有内涵。意象油画将中国文化精神和民族精神相结合，将“意”与“象”和谐地融合，展现出意象油画的不同特点。
参考文献：
[1]姚灏娟.中国油画中的意向情结[J].美术大观，2011（8）.
[2]邵士德.油画的形式语言[J].艺海，2011（9）.
关键词：素描；写实油画；艺术创作
素描是一种单色的绘画形式，深层次上解释是用来学习美术技巧、探索绘画的形体规律、培养绘画专业习惯的一种训练过程。素描对于写实油画的创作有重大的影响和作用，随着绘画艺术的不断进步发展，我们对于素描和写实油画也有了更深刻的认识。充分探索和运用素描技法，不断丰富写实油画的艺术手法和表现形式，以此来创作出更多高品质、高水准的写实油画艺术作品。
1素描和写实油画两种绘画形式的关系
1.1素描与写实油画区别之处
简而言之素描是一种单色绘画形式，同时素描包括的种类也很多，像中国国画中的水墨画、白描以及速写和绘画的草图在广义上都属于素描的范畴。可以说素描是绘画的基础和骨骼，同时亦是最节制和最需要理智来协助的艺术形式。写实油画是属于具象艺术的艺术形态，也是绘画的一种表现手法。写实油画是由绘画者观察和描摹外部的物体形象，结合自己的亲身感受对外界物象进行再现的艺术创作过程。写实油画的艺术作品符合了观察者的视觉经验感受，为观者提供了感官的审美愉悦之感。
1.2素描与写实油画的联系
素描是写实油画艺术创作的前提，是一切绘画创作的基础。素描是写实油画创作中的一个重要的设计构图工具，绘画者经常要进行素描的练习，这样有利用他们更加准确地掌握并理解物象形体，在素描学习中逐渐熟练地运用线条来勾勒出物象的形体，初步掌握这一基础绘画形式的要点和精髓。在油画的初级阶段所进行的准备工作大致上可以说是着色的一种严格素描训练，拥有较为高超的素描技术可以使得绘画者在物体造型和色彩的结合上更加具有气象。总而言之，在写实油画的创作中素描是必不可少的重要部分。
2素描在写实油画创作中的应用
2.1素描在写实油画空间构造的写实性中的作用
在绘画的发展过程中，空间特征经历了从二维到三维的一个转变发展。由于之前的二维绘画形式缺乏层次感和立体感，不能够生动形象地展示实物的具体状态，因此绘画者逐渐探索，充分利用素描中对于物体远近、明暗以及透视虚实的构图技巧来增强写实油画的表现力。使得写实油画的绘画者在平面上塑造物象的写实性和画面的感染力增强。
2.2素描在写实油画创作的题材和内容上的应用
随着写实油画绘画技术的不断提高，其题材和内容也不断的创新发展。素描可以使绘画者更加注重光、质感和空间的运用，在五彩缤纷的大千世界中用一双善于发展美的眼睛来进行艺术创作。素描技巧的娴熟运用，会让创作者在写实油画艺术创作的题材选取、色彩抉择和内容确定上更加遵从内心，从而创作出更好的作品。
2.3素描在写实油画创作中形体上的运用
素描绘画的基础是物体的形状和轮廓，形的问题主要在于素描技巧的运用。例如素描绘画中，通常将体当做立方体来描摹，把形视为平面形，形可以作为一个独立体存在并且体依赖于形因此形体结构是一个物体在空间中的具体存在方式。写实油画中的物象都是具体存在的，不过在创作过程中需要绘画者把自身的感受运用线条来勾勒出来，对于曲线和形的有效运用会使得写实油画的整体性和绘画性更加的突出。
3素描对写实油画创作的影响
3.1素描对于写实油画创作风格的影响
不同的绘画形式有着自身独有的特点，同时各种绘画技术也可以取长补短。素描是写实油画创作的前提即基础，素描家作品风格的不断变化也潜移默化的影响着写实油画的发展。淳朴、柔美的素描绘画会使油画创作中显示出一种宁静致远的风格特点。有些素描作品，通过对人像细节的绘画来展现人物丰富的内心变化，这样的作品也会在油画的创作中对人物神态的描画产生启发。
3.2素描对写实油画艺术创作表现形式的影响
不同绘画者对于素描绘画技巧的掌握程度不同，素描包括很多的表现手段：远近虚实、明暗透视以及前后等构图方式。每个绘画者对于素描的理解程度也不尽相同，这样的差异会具体的反映到写实油画的作品展示中。擅长于线面构图的绘画者会在油画的创作中突出线面的展示方法。在素描的明暗技术掌握娴熟的创作者会在写实油画的光线设计中展现出自身对于空间明暗的独到构思。画家对于不同素描技巧的侧重点会使得写实油画的表现手法呈现出不同的风格形式。
关键词：油画；作品；意境美；创作
一 我国意境美感油画创作的现状
我国现代油画绘画的发展主要借鉴写实加意境美感刻画，写意加意境美学价值引导为主的绘画风格。中国油画发展源于西方绘画艺术，西方美学绘画艺术的发展历史更为悠久，油画绘画背景更为正宗，油画绘画名家更为丰富。中国油画在长期发展的过程中，成长较慢，发展较平稳，在画家创作意境美感绘画风格时主要考虑的问题是我国民族文化的意向美学价值的刻画，我国也将绘画的主题向着民族文化意境美的角度发展，利用绘画表达了民族文化和民族美感，加强了民族美学价值的表现，让民族文化与民族美学价值在具体与抽象两者之间形成了发展优势，协调了民族文化意境美学价值的发展，中国美学价值一直以朦胧美为主。现阶段的意境美感油画必须是强调象征、写意、表达感情几种不同方式的融合体，强调了意境美感油画的重要性特点。中国油画大家的发展从当前角度分析，必须要结合现有美学价值和意境美感互相结合，结合当代绘画理念进行大胆探索、实践,使油画的意象化趋向凸显,丰富了油画的表现形式,增强了油画的美感,而油画的意境表达也得以显现。
二 中国油画与西方油画的意境美感
中国油画发展的历史已经有100多年了，从借鉴西方油画绘画特点和技巧发展做起，到中国油画发展的独特性与个性化时期，中国油画经历着巨变。我国从借鉴西方文化发展和表现西方文化内涵开始到强调我国写实美学价值和写意的感情价值描绘，中西方油画绘画的交融的确拥有着不一样的创新。中国意境美学价值都注重古典写实的绘画描写，注重在写实与写意之间的美学价值描写，提高审美价值，树立清晰的感彩，不断加强自主化与本土化的特点为主。而西方美学价值和油画绘画的特点是不断加强意象美，西方现代主义主要是波普艺术、意象派、超现实主义、表现主义、抽象主义等,波普艺术用实物现成品构成作品的“象”,抽象主义、表现主义用幻象及抽象的形与色,这种不确定与不完全对应的表现方式,固然有着它自身的审美意象含义,但与中国古典美学中的“意象”说却有着本质的区别。
中国意境美感的油画创作追求的是以物体为主的绘画写真追求，讲究以绘画者内心的感情表达为主，讲究与欣赏者之间心灵的沟通为主，注重以心服从于物，要以心为主的发展，利用美学心境驾驭画卷，对于创作画卷的主体而言，要不拘于一时一地的表现，而是需要不断提炼绘画主题本身的美学价值，提高对绘画主题审美价值观的印象和情感的表达，要注重意向油画自身的特点和重要性。西方的意境美学价值观念注重在意象油画美学的展现，注重视觉审美价值，并强调意境美学在画卷之中结构的组合，强调以画卷的形色搭配，强调自身文化特征的发展与特点，不能仅仅满足在外形、光彩、颜色的描绘过程中，通过写意造型加强实体本身的刻画，要不违心、抽象、重在意象的刻画与描写。
三 中国意境美感油画的创作手法与意境
两者绘画的过程中都比较热爱对油画绘画发展的一种欣赏与表现，让观赏者内心情感与外在表现融合在一起，形成统一化的动力，更强调表现中国油画与西方油画之间的共性与特点。西方油画创作中以意生色,光色是油画的灵魂,有如中国画的水墨,意象光色,既是浪漫、梦幻、错觉的光色,又是具有地域特征和人文特征的光色。以意抒写,一方面将油画笔触书法化,讲究笔性、笔意和笔韵。而中国创作油画作品重视对感彩的抒发，强调美学主体价值的体现，要不断丰富油画作品之中的一种色彩美搭配的表达或精神内在动力的表达，体现出中国文化特色与民族特色的特有美感，表现出中国文化价值和民间美学价值的美感。吴冠中是我国著名的油画创作家，其对油画创作的创新开发拥有较强的潜力，吴冠中在美术学院的环境熏陶下，将我国油画创新的角度瞄准在了中国文化与色彩融合升华的发展方向上，让油画 充满浓郁的中国文化色彩是其主要发展要点，吴冠中在绘画中强调了彩墨凸显了日常生活场景的点、线、面,色彩之间富有节奏和韵律的形式构架。可以说,不论油彩还是墨彩,都构成了吴冠中中国文化神韵的“有意味的形式”。在我国江南水乡和北国初春的风景刻画之中，详尽的表达了意境美感的油画色彩，对我国油画创作的美学价值和精神动力提出了全新的发展标准，他对白墙黑瓦和小桥流水的刻画都注重色彩的搭配与刻画，描绘了对自然的最真实的感受和对景物最贴切的情感表达。
四 油画作品中意境美感创作的技巧
大自然的力量会给人们许多美的视觉享受，如彩虹、冰、树、钟乳石等被称为“自然的造化”，而将人的活动与自然的造化进行对照就产生了绘画，这些画不仅仅使人在视觉上感到满足，且还突出地展现了人在自然中的位置，要更加突出自然与个人在油画创作过程中的重要性，要不断协调和发展好油画作品之间的协调性与美学价值的可持续发展性。风景本身就是一种无限美好的意境美感画卷，要了解意境美感画卷内在的价值与美学意义才能真正实现油画创作的升华，提高美学价值和欣赏能力，改善美学意境欣赏能力的不足和缺陷，要积极讨论风景油画的内涵和意境美学文化价值的内在体现，利用色彩搭配和色彩配置的科学性构建美学文化价值体系，意境美学文化带给人们的是全新意义的美学文化与欣赏价值的升级，而不是简单的风景油画的意境表达，更多的是注重画卷与欣赏者心灵和感彩的沟通，意境美感的表达并不是神秘玄奥的色彩，而是文学艺术家思想感彩与描绘对象的和谐发展。在油画作品的创作中必须要加强对色彩的应用和对艺术价值的欣赏才能完整的提高油画创作本身的价值体现，改善绘画情感与欣赏价值。
参考文献
[1] 杜艺.论“意境”与油画风景.大众文艺.2010.02；10-12
油画之所以有魅力，是由其不可替代的特质决定的。我们在改造和发展的同时，其价值的核心部分是不能丢弃的。此外，还应注意的是：1.油画源于西方，其材料、媒介、技法及语言特性，已经是一个非常完整的体系。就目前的科技水准来说，改造的空间不大。2.油画在表现题材、反映观念及新样式的探索上，中西方差别非常大，有较大的发展空间。在对油画民族化改造的同时，既要坚持油画的本源特征，又要紧密联系东方文化的基因特性，只有这样才能将二者完美地融合在一起。
对油画民族化这个课题而言，国内不少学者对此进行过研究并取得了丰硕成果。作为一名长期从事油画创作的工作者，笔者对油画民族化问题做了探索和研究。基于此，笔者结合在艺术实践中的体会，谈一谈对这一问题的理解和认识。
一、中西方对油画特性理解的差异性
油画是一个古老的画种。西方教堂中世纪壁画中，已有油性颜料的使用。这种在颜料探索上的持续性，奠定了意大利文艺复兴时期油画的大发展。杨・凡・爱克是尼德兰文艺复兴时期的代表人物，他在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方，即在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒介剂速干，创作出了纯粹的油画。
自杨・凡・爱克之后，油画在材料、工具、绘画流程上形成了完整的体系，油画的绘制也有了规范的要求。油性感和色层语言是油画的独有特征，在绘制过程中恰到好处地呈现出来便是油画的语言美。油画颜料的油和极强的可塑性是其他画种无法比拟的，它既可厚堆又可薄涂，这种特性使油画在观感上产生出能与人们思想情感共振的节奏与力度。厚薄语言的运用造成了画面的肌理感，画面的肌理直接传达着艺术家的心理感受，是画家心理情感波动在画面上的直接反映，它加强了作品的感染力度。肌理语言的运用能对细腻和粗糙的质地对象加以塑造，并能表达画面的韵律及艺术家的情感。这种肌理语言往往超越质感的局限而将精神之气贯穿于整个画面，成为游离于具象语言之外的抽象语言美。
相对于西方的画家而言，我国的油画家普遍对油画特性研究不够，对油画特性和油画语言认识和理解仍然处在一个较低的水准。
二、中西方对油画材料理解的差异性
西方油画经历几百年的发展，已经建立了完整的材料体系。油画颜料的选料以及调和油的选用和添加剂加入等都十分讲究。
油画材料选择不当会直接影响油画作品的品质。2007年在中国美术馆展出 “从提香到戈雅”西班牙普拉多博物馆馆藏作品，其中有凡・爱克、鲁本斯、委拉斯贵支等大师的作品，虽经400年风雨仍然鲜亮如新，令人惊叹。同时展出的中国美术馆馆藏优秀作品，其中有些作品虽是上世纪八九十年代创作的，但已经色泽灰暗，两者之间的差异十分明显。
产生这种差异的原因首先在于我们的颜料制造工艺不过关。西方人在颜料的研制上有严格的科学工艺，其制造技术虽然流传到我国，但我们并未掌握其核心技术。其次，油画的绘制流程不够科学。西方人在油画制作上有很严格的程序，即便是一些当代表现主义作品，看似奔放无序，实则在实施中极有层次和章法。我国的画家在油画制作上，对章法重视不够，表现出无所顾忌的姿态，造成颜料之间的无序搭配和制作程序上的混乱。
油画不是简单的拿来主义，要做缜密的剖析和深入研究，通过对油画材料的透彻了解，由表及里地体会其精神。油画的学习不是材料和技术的无序释放，它是材料和技术遵循章法而有序的控制。因此，我们要重视油画材料和油画特性的研究。
三、中西方对油画语言理解的差异性
西方自文艺复兴以来，其油画语言不断发展。在之后的几个世纪里，西方的油画语言不断完善，造就了一大批艺术大师。追踪这些大师的艺术历程，不难发现他们除了有极好的艺术天赋外，大多都有很长时间研习油画的经历。他们有很好的师承关系，有严格的学习态度，可见掌握完整的油画语言对他们是多么重要。他们把油画语言的学习与掌握，看成是从事油画艺术的基础。早期规范、严格和科学的学习，造就了以后他们在油画制作上的讲究和工艺环节实施过程中的科学性。
油画语言在油画创作中不是孤立的，它与造型学、材料学以及规范科学的流程都有密切的关系。油画从技术功能上讲，就是型塑得好，色彩运用得好，二者缺一不可。这就要求画家有极好的造型能力。西方的油画大师都是终身画素描，并从中不断体会艺术的奥妙与规律。
我国的一些艺术家虽然也重视油画语言的学习，却存在一个严重的问题。一些油画家在技术达到一定水平时，普遍出现停顿和油滑现象。一些画家自出校门后，几乎不画素描，他们没有将艺术探索和研究进行到底，而是一味寻找捷径，对作品进行简单的复制。这种随性态度影响了他们对油画的深入研究。
把我们的作品和大师的作品放在一起，差距显而易见。笔者认为，应加强对油画的理解和对其艺术语言的掌握，缩小与西方的差距，甩掉我们“土油画”的帽子，然后再谈油画民族化问题。油画民族化问题最终是一个文化现象，不要将油画民族化剥离于我们的油画现状，更不要降低标准来换取名分。
四、中西方对油画发展趋势理解的差异性
20世纪是油画艺术快速发展时期，产生了大量流派。有很多流派持续时间都不长，比如极少主义。流派和样式如此急速变化，给我们几点启示。一是反映出绘画自身规律，永远求新求变。二是艺术家们偏重于观念和样式的出新出奇，忽略了对其深度的研究。三是简单地认为新的就是好的。20世纪是科学技术快速发展时期，科学的发展推动了艺术的发展，并影响着我们的生活。对此，我们一方面表现出对现状的不满足，同时也表现出对新观念和新样式的应接不暇。
油画发展趋势的话语权，一直掌握在西方人手中，他们有自己的文化观和美学认知度。国内油画同西方的差距还较大，造成这一局面的因素有很多。第一，从一开始我们就接触不到真正的油画，看不到大师高水平的真迹。第二，我们的美术院校在艺术教育上，同西方存在着较大差距。西方在学生的艺术素养、审美情趣和创新上下功夫，技术学习和艺术创作是一体化的。而我们却一味地教学生所谓技法，将艺术规律的各个环节孤立化。两种完全不同的教育方式，当然是得到两种不一样的教育结果。
中国油画还有很多问题需要解决，中国油画民族化也不是喊口号就能实现的。中国有世界上从事油画最多的人，只要我们静下心来，深入研习，理解油画的精神，将中国文化融入其中，中国油画民族化一定能实现。
参考文献：
[1]贡布里希.艺术发展史[M].天津：天津人民美术出版社，1991.
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