时间：2023-07-30 10:22:40
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇动画电影研究分析，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
[摘 要] 宫崎骏动画电影之所以风靡世界,除了题材以及拍摄技巧等之外,其中一个重要因素在于电影所体现出的“日本特色”,
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[作者简介] 李颖(1976― ),女,河北保定人,大连外国语学院日语硕士,河北大学外国语学院日语系讲师,研究方向:日本文化。
关键词：院线动画电影；产业链；票房；发展瓶颈
中图分类号：J992 文献标识码：A 文章编号：
一、国产院线动画电影的发展现状
动画电影作为中国美术片的重要类型之一，其发展历程可谓是在黑暗中摸索前进。1941年万氏兄弟完成第一部动画长片《铁扇公主》，道路漫漫已经走过了75个年头，从被局限到主动寻求发展，有坎坷也有喜悦。上世纪八十年代后，电视机走入平民百姓之家，传统媒体的介入，让更广泛的中国民众接触到动画电影，目标受众群体的数量从这一时期起进入爆发式增长。
这些80后、90后的目标观众，他们称自己为“粉丝”，对国产动漫有着多年的“情怀”，他们收获的观影乐趣，几乎完全取决于对作品的了解程度和热爱程度。如今，他们已经成长为动画电影市场的主力消费群体。这一群体的基数是庞大的，他们的消费贡献，可以帮助动画产业链持久地运转下去。经典“情怀”之作――《西游记之大圣归来》（后文简称《大圣》）收获9.56 亿元票房，成为中国影史上票房成绩最高的国产动画电影，它的成功正是粉丝电影的效应，也印证了目前国内拥有良好的动画电影消费市场。
但我国动画电影的产业链正面临着发展的瓶颈，低龄化的院线动画占据国内市场的半壁江山，无法满足全年龄消费群体的需求。同样以“情怀”吸睛的《我是哪吒》，豆瓣电影短评给出了“幼稚”的标签；低质量、低评分的影片依旧充斥着市场，仅2016年国庆档上映的四部国产动画电影中，就有三部票房成绩不足千万，其中《新东方神娃》的票房仅为20万元。笔者通过统计豆瓣电影短评，2016年前11个月的影片评分数据显示，国产动画电影评分低于5分的占58.9%，进口动画电影评分低于5分的占4.3%（10分制）。
二十一世纪新媒体的发展，从各个方面深入动画电影领域，无论是前期制作、宣传，还是后期发行、放映，从业需求量也随之增加，政府投入资金、制定政策来培养动画专业人才，填补行业空缺，动画从业人员数量增长显著。据2015年仅杭州地区的数据统计，动漫相关企业已达220余家，就业人数达1.8万，且仍在增加中。
中国动画专业从业人员的制作技术近年来也有大幅提升，与国外的技术交流也在不断加深中。早在2003年左右，中国动画人就开始在三维动画技术方面进行研发了，包括口型动画、模型制作等。梦工厂动画公司（DreamWorks Animation SKG， Inc.）作为美国排名前五位的动画公司，与中国合资组建了东方梦工厂，共同完成《功夫熊猫3》的制作。从侧面体现出，我国动画从业人员已能参与制作高水平动画作品，技术上已经得到了弥足进步。
二、国内外院线票房对比
作为一部成功的院线影片，我们除了探讨它的艺术性价值，还要看它的商业性价值。电影行业的主流运营方式，仍旧是需要人们通过购买电影院门票，来带动整个产业链的良性循环。《大圣》9.56 亿元的票房佳绩，保证了续集的顺利制作，为逐步形成具备优秀民族IP的系列片打下基础，横向带来更广的商业圈和更长久的经济效益。
近几年，国家大力扶持国产动画电影的发展，在政策上给予补贴，在竞争上限制进口片数量。根据《中国动画电影发展报告（2015）》中显示，2015年进入中国城市主流院线并完成上映的动画电影共计57部，票房共计超44.08亿元，票房较上年增长了45%.其中国产占43部，票房总计约20.54亿元人民币；进口占14部，票房总计约23.54亿元人民币。国产动画电影以约75%的上映总量，取得了约47%的票房成绩。
笔者根据2016年1月至11月票房数据的统计显示， 国产动画电影（由中国大陆独立制片）已上映39部，票房约18.34亿元人民币（D1）；同时间段内已上映的进口动画电影24部，票房总计约55.82亿（图2）。总体票房成绩国产不及进口动画电影，尽管刷新了单部影片最高票房，但仍有64.1%的影片票房低于1000万元，大部分低质量影片的产出仍是局限住中国动画电影的绳索。
图1 2016年1月～11月国产院线动画电影票房统计
图2 2016年1月～11月进口院线动画电影票房统计
数据来源：根据中国电影票房数据库（http：//）整理
三、国产动画电影票房的发展瓶颈
（一）投资方对动画产业认知的欠缺
我国的动画电影产业虽然前景巨大，但产业链的规模形成较晚，特别是国内动漫市场的盈利模式的不明确性，使得产业链断裂的风险较大。
首先，投资影响着影片的审美水准。动画电影中体现艺术性的宏大的场面，色彩的极至运用，制作精良优美的画面等等，都是需要耗费大量资金，如果投资金额不到位，直接影响产出作品的质量；其次，从长期投资方面来讲，很多投资方的功利心重于耐心，不敢扶持新人，某一种类型作品火了，就扎堆做相似题材作品。但是动画电影的商业性不仅仅体现在电影本身，由影片而引发的对周边衍生产品的市场范围也不容小觑。如果投资方能将目光放长远，对优秀的动画电影项目多一些信心与耐心，商业回报便不再是水中月、镜中花。
2016年票房破5亿元的动画电影――《大鱼海棠》，曾遭遇资金链断裂的问题。2013年通过影片资金众筹，最终筹得158万元，一度打破了中国众筹融资纪录，也因此引起了主流资本的关注，影片才得以再度重启，为十二年的“跳票”最终画上圆满句号。
（二）主流媒体对国内动画电影及受众群体的“歧视”
国内主流媒体对于进口动画电影的“偏爱”程度远大于国产，在新闻报道的数量上可以直观体现出。通过对百度新闻实时数据的搜索，对比2016年3月同期上映的两部影片的相关新闻的报道数量，国产动画电影《摩尔庄园3》相关新闻标题共计378篇，进口动画电影《疯狂动物城》相关新闻标题共计7950篇，新闻量相差21倍之多。
主流媒体对中国动画类型的认知停留在Cartoon（卡通）而不是Anime（动画），将动画电影的定义局限于青少年甚至幼儿（泛指14岁以下）影片。在一份由盘剑指导的中国动画受众调查报告中显示，在国产动画电影的受众群体中，小学生和成年人对动画的喜爱程度远多于中学生和大学生。
反观近年来国产动画电影票房，不论是2015年票房榜首的《大圣》，还是2016年票房榜首的《大鱼海棠》，都突破了低龄范畴。但相比而言，这两部片子更多针对的是成年人，而中国近些年却没有一部真正意义上的全年龄动画电影作品。反观日本动画电影市场，宫崎骏导演的《千与千寻》、《幽灵公主》等一度创造票房神话，之所以取得如此成就，不单是高超的制作水准，还因为他的作品是面向全年龄的，不论男女、老幼都适宜观看，这使得影片的受众群不局限于一个特殊的年龄段或群体中。
（三）发行方在宣传力度和宣传策略上的错判
随着经济消费水平的提高，搜索网络资源的人将会越来越多、低龄也越来越低、越来越普及。截至2016年12月的数据显示，我国网民规模达7.1亿，互联网普及率为51.7%，仅仅控制线下的平面广告宣传已经不足为道，未来动画电影的市场竞争，面对的是线上网络这个竞技平台。
特别是在影片前期宣传阶段，在上映前狂轰乱炸般的造“势”。迪士尼有一套完整的宣传体系，以媒体报道为主力，配合线下推广，通过实时动漫作品创作历程、展示作品细节等，来拉拢人气、提高受众的观影热情。相反，消极的宣传必然会失去一部分受众。
2011年《功夫熊猫2》在中国创下的5345万元首日票房纪录，2015年《大圣》首日票房1795.6万元。相比于深谙市场运作之道的梦工厂动画，在项目立项时就为未来的发行、排片做好了筹备；《大圣》的出品方是在后期才慢慢介入的，宣传显得弱势和“不作为”。《大圣》能取得较高成绩，离不开以网络为主要阵地的“自来水军”――通过个人观影影评，主动、自发参与电影宣传的方式。正是这种在国产甚至整个电影界都不常见的口碑营销，将《大圣》推到了广大观众面前。发行方如何在动画电影上映前期，正确的预估宣传力度并拓展新媒体宣传渠道，是打开影片市场的重要保障。做好面对全年龄段的精准宣传，便能在电影宣发营销上获得更高效、更具针对性、更好的优势。
（四）创作上的单一和粗糙
由于上世纪末中国动画行业的断层，我们只顾着吸收外国的动画文化，国产动画的原创能力也被逐渐削弱。就创作方面来说，国产题材不够丰富，思维模式受局限导致影片类型不够多元化。《狮子王》、《花木兰》、《功夫熊猫》等，这些贴着外国标签的动画电影背后都有中国的影子。
美国动画电影往往通过故事情节和精致的观影画面，吸引受众的关注。人们主动观看的最主要原因是打发时间和纾解压力、调节心情，真正被其画面、情节和配乐配音所吸引的人并不多，这说明国产动画在创作质量方面吸引力还比较薄弱，尤其以配音配乐为最弱项。[1]248
2015年上映的《汽车人总动员》其制作水平不尽人意，电影宣传海报有抄袭皮克斯《汽车总动员》的嫌疑。作为一部三维动画电影，有网友甚至评论其“动画效果还不如flash软件做出来的好”。豆瓣电影短评对该片评分，破有史以来的最低分―2.1分（10分制）。正是这样的一部粗制滥造的动画电影，该片475万元的票房难以覆盖1千万元的制作成本，诸如此类的低质量、高产出的影片，恰恰体现出了国内对动画电影品质监管、把控的不足。
四、总结
目前，中国动漫产业市场存在不良循环，中国动漫产业链不完善主要是整体环境的问题，投资、制作、宣传，以及围绕在中间的受众群体，任意一个环节决策的失误都会对整个链条产生严重的连带影响。面对好莱坞的强势“入侵”，国产的动画电影仍在艰难中前行。虽然发展的态势刻不容缓，但相比于2014年唯一一部进入“亿元俱乐部”的《熊出没之夺宝熊兵》（2.4639亿元票房），2016年已经有三部的提高，进口动画电影票房动辄上亿的目标也并不是高不可攀的。亿元突破不再是我们的终极目标，如何拿出更多秀的动画电影作品才是下一步路的方向。
这是一个最坏的时代，这也是一个最充满希望的时代。中国动画电影并有因为起步晚、发展一度缓慢而停滞不前，在追赶时代步伐的路上，必将摆脱瓶颈的束缚，让作品更多的提升到文化和艺术层面上来。低门槛的动画电影终将面临时代物竞天择的淘汰，行业监管的门槛也必然会随着发展而提高，无论历程怎样艰辛，但是这个行业仍旧有着无限的可能。
参考文献：
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[关键词]当代美国；真人动画；审美特征
自从1900年美国动画之父莱克顿创作了电影史上第一部真人动画电影之后，真人动画的发展之路也就此展开。真人动画电影与普通电影的发展史近乎相同，但是前者却经历了更加戏剧性的变革过程。所谓真人动画电影，就是运用特殊的摄影技术将真人演员与动画形象结合在一起的电影表现形式。真人电影和动画电影原本是不相干的两种电影类型，真人电影以写实的故事情节和电影画面为主，力求记录或还原真实的世界；而动画电影则侧重虚幻的表现形式，虚拟的动画形象在虚构的时空中演绎故事。看似矛盾的两种电影形式相结合，碰撞出了令人耳目一新的视觉效果。真人与动画的结合，不仅能够凸显真情实感，而且还能表现动画特有的夸张和趣味，而呈现的电影画面也虚实结合、亦真亦幻。美国真人动画电影对世界电影的发展做出了巨大的贡献，前者的发展史也是世界真人动画电影发展史的缩影，研究真人动画电影，美国无疑是很好的范本。文章从童话性、喜剧性、奇观性三方面出发，分析当代美国真人动画电影的审美特征。
一、童话性
真人动画电影凭借着将真人演员和动画形象相融合的特殊摄影技术，向观众展示了亦真亦幻的全新的电影世界。此类电影中所涉猎的丰富的动画元素，自然使其被赋予了浓重的童话色彩。而当代美国真人动画电影的审美艺术中，童话性是非常重要的一项特征。
首先，当代美国真人动画电影主题的选取具有童话倾向。真人动画电影可以通过卡通动画形象和虚拟的动画空间场景呈现出多姿多彩的想象世界，而最具浪漫气质和幻想氛围的当属其讲述的童话故事。童话不仅塑造了想象和夸张的角色形象，而且充满了曲折离奇的情节，使观众不知不觉便沉迷其中。美国真人动画电影的主题思想在进入当代后便发生了改变，20世纪40年代以前，电影中的卡通动画形象仅仅是用来戏谑和取悦观众的，而40年代后，动画角色在电影中的地位逐步提高，并且不断向童话性质方向转变。以2010年上映的根据路易斯・卡罗的同名童话小说改编的真人动画电影《爱丽丝梦游仙境》（Alice in Wonderland）为例，电影版本完整地保留了原著中的童话特质，除了将文字转换成视听画面外，无论是故事情节还是角色塑造，都依从童话美学的审美要求来进行电影制作。其实早在这部电影上映的几十年以前，迪士尼便将其拍摄成真人动画电影，只不过由于摄影技术的落后使得当时的影片是无声的黑白短片。虽然两个时代的电影拍摄技术相差甚远，但是对这部电影的童话性审美追求却是始终如一的，可见童话性的主题对于美国真人动画电影来说，无论在哪个时期都是不可或缺的审美特征。
其次，当代美国真人动画电影中塑造了众多童话性角色。从童话美学的角度分析当代美国真人动画电影的审美，除了其电影主题的童话性这一显著特征，另外值得提及的便是此类电影中所塑造的童话性角色形象。童话主题的电影必然离不开童话主人公，它们不仅要有夸张和充满想象力的外形，还要有童话特性的行为语言。对于真人动画电影来说，要想塑造成功的童话性角色，真人演员很难完成这个任务，所以卡通动画就当仁不让地成为最佳选择，起用动画形象的便捷之处就在于可以根据角色和剧情的需要进行任意大胆的高难度创造。同样以《爱丽丝梦游仙境》为例，这部童话真人动画电影中塑造了形形的童话形象，头脑聪明却又胆小怕事的兔子先生，非常淘气但拥有超能力的妙妙猫以及身材矮小肚子圆圆的双胞胎兄弟，这些形象在现实生活中是不可能存在的，但是却在童话性的真人动画电影中成为讨人喜欢的重要角色。另一部真人动画电影《蓝精灵》（The Smurfs，2011）中，则塑造了六个通体蓝色，身材只有三个苹果般大并且有着不同个性的蓝精灵，他们不仅有智慧，而且善良勇敢。蓝爸爸是蓝精灵一族的大家长，他也是蓝精灵中唯一身穿红色裤子、头戴红色帽子的角色，他的形象与圣诞老人有几分相似，而他拥有的魔法和智慧使他充满了魅力。而蓝妹妹则是蓝精灵中唯一的女性角色，她本是格格巫制造出来假蓝精灵，在蓝爸爸的魔法下，才变成了一个真正的蓝精灵。类似的，聪聪、笨笨、厌厌、勇勇等角色，也是性格鲜明，各具特色。虽然仅仅列举了两部电影，但是足以证明当代美国真人动画电影对于塑造童话性的角色形象的情有独钟。
二、喜剧性
童话性的审美特征，不仅使得当代的美国真人动画电影在银幕上呈现出一幅幅美轮美奂的童话美景，而且能够让观众仿佛身临其境地重温童年的趣味。而真人动画电影的另一种审美特征是喜剧性，其既可以愉悦观众，又可以传达一定的现实意义。这种寓教于乐式的手法，也是当代美国真人动画电影审美特征中值得研究的一项。
当代美国真人动画电影具有喜剧性的创作思维。由于真人动画在创作之初主要面对低龄观众，所以内容呈现喜剧倾向是其必然的选择。随着真人动画的不断发展，对喜剧性的选择，则不仅仅是面对低龄观众。电影作为综合的艺术表现形式，本身融入了创作者的思想情感，可以传达出更多层次的内涵和意义。喜剧性的电影有很多种类，但是，无论何种喜剧性质的影片都不仅仅是以博观众一笑为最终目的，喜剧创作是为了彰显电影的艺术魅力以及对现实的反思，尤其是面对成人观众时。美国真人动画电影在进入20世纪40年代后，也开始关注并逐渐形成深层次的审美意识，新颖创意加上喜剧性的现实意义是当代美国真人动画电影发展的一种趋势。《泰迪熊》（Ted，2011）作为一部经典的喜剧电影，主要讲述了男主人公约翰和他心爱的玩具泰迪熊之间的一系列逗趣的故事。玩具泰迪熊陪伴约翰度过了快乐的童年，但在成年后，约翰还是和泰迪熊混在一起，相依为命。他们抽烟、喝酒、吸大麻，这种醉生梦死的生活使得约翰成年后变得浑浑噩噩、无所事事。约翰与泰迪在河边的公园漫步时，泰迪甚至轻佻地捏了捏蹲在他身边的红衣女孩的胸部。虽然影片的内容让观众笑声连连，但是在搞笑的同时，这部电影也在传递着富有深意的信息，不仅通过各种情节影射着现实社会，而且在欢笑中让观众进行自我反思。泰迪实际上代表着约翰不愿意长大的一面，他不愿面对成人社会的钩心斗角，也不想承担成人的社会责任。喜剧性的效果只不过是电影创作者表达自我情感思想的手段，在每一个笑料之中，都融入了其预设的创作思维。
始于20世纪40年代的当代美国真人动画电影，其喜剧性的审美特征并非一蹴而就，而是经过了40年代的繁荣、50年代的冷却以及60年代的再度发展才在不断地积累经验和吸取教训中逐渐成熟起来。即使电影创作前期已经设定好了喜剧性的思维，但是仍然需要相应的审美取向的配合才能实现最终的效果，而所谓的喜剧性审美取向在真人动画电影中主要表现为互动性，独角戏很难呈现出精彩的表演，只有连续不断的互动过程才能吸引观众的眼球。以《猫狗大战》和《泰迪熊》这两部真人动画电影为例，《猫狗大战》中既有真人实景、傀儡模型，还有立体动画，虽然三者在现实生活中无法实现互动，但是通过电影的科技制作它们被完美地组合在一起，形成了全新的动作喜剧，这就是在创作思维的主导下向互动喜剧方向聚拢的审美取向。同样，在《泰迪熊》中也是以约翰与动画泰迪熊的互动为故事主线，人格化的泰迪熊和约翰一起抽烟、喝酒、吸大麻，他们之间的频繁互动有时会让观众忘却其虚拟的身份。
三、当代美国真人动画电影的奇观性审美特征
美国真人动画电影的审美特征不断流变，但无论是哪个发展阶段，其所表现出的审美风格都离不开奇观性，即震撼的视觉效果这一最能够体现它与其他类型电影区别的专属特点。视觉奇观是观众走进影院欣赏真人动画的重要原因。现代社会的高节奏，使生活其中的人们一直面对着巨大的压力，而看电影则是放松心情的手段之一。电影必须提供观众所需的娱乐性，才能吸引观众的观看行为，而视觉奇观是娱乐观众的不二法门。虽然奇观也会带来形式大于内容的诟病，但只要有市场，电影中的奇观仍会持续下去。纵观好莱坞的大片，无不是具有强烈的视觉冲击力，而真人动画电影在这一点上也不能免俗。
以前文提到的《蓝精灵》为例，在影片中，蓝精灵居住在中世纪小山村的梦幻森林中。影片开头就以骑在大鸟身上的蓝精灵的飞翔场面带给观众视觉冲击，随着鸟儿在丛林中穿梭，它们进入了森林中的秘境――蘑菇屋营地。营地与人们日常生活中所见的村落完全不同，房子都是蘑菇的形状。在这里，蓝精灵齐声歌唱，准备庆祝“蓝月亮”节。片中，观众可以看到帕特里克・温斯洛一家与可爱的蓝精灵亲密互动，而蓝精灵则在大城市纽约上演冒险，再加上片中华丽的魔法元素，使观众在受到视觉冲击的同时，感受轻松愉悦的心灵冒险。为了强化视觉奇观，美国真人动画电影还在着力由二维动画向三维动画转变。如《加菲猫》（Garfield，2004）中的加菲猫，以及《鼠来宝》（Alvin and the Chipmunks，2007）中的花栗鼠们，都在技术处理后变身为3D立体动画。三维动画的发展是真人动画视觉效果最突出的进步，虚拟性但是逼真的动画形象是新时代的必然趋势。值得注意的是，三维动画的过度使用也为真人动画电影带来了弊端。由于高逼真度的三维动画使电影定位的界限越来越模糊，《变形金刚》和《阿凡达》等大量利用CG技术的电影已经被排除在真人动画电影范畴之外。所以，当代真人动画电影要想保留自己的视觉风格，CG技术的使用也要在一定的限度之内。
真人演员虚拟化，则是真人动画视觉奇观的另一个重要组成部分。真人动画电影由真人实景和动画形象虚拟世界两部分构成，其所展现的奇观画面也是同样由两者共同实现。因此，真人动画电影令人称奇和拍案叫绝的视觉效果，除了越来越逼真的动画形象外，便是电影中偶尔被虚拟动画化处理的真人形象。与动画形象三维化的发展原因一样，动画版的真人形象也是为了满足观众多元化的需求。在《空中大灌篮》（Space Jam，1996）中，作为真人形象出演的乔丹，在电影中其身材被进行了夸张的拉伸。为了配合影片中众多的外星壮汉，乔丹在他们的面前变得矮小。而与自己的队友相比，乔丹仍是颀长的身材。经过科技处理后的乔丹虽然仍被认定为真人形象，但是与原有的真人动画电影中的真人概念已然不同。可见，无论是《加菲猫》和《鼠来宝》一类的高度逼真的三维动画形象，还是《空中大灌篮》这样鲜有的动画化的真人形象，都为当代美国真人动画电影形成独具一格的奇观性审美特征做出了贡献。
综上，真人动画电影作为如今影坛重要的影片类型，已经形成了独特的审美特征，童话性、喜剧性以及奇观性只是其中几个方面。美国真人动画电影已经发展得十分成熟，其成功经验值得我国电影工作者借鉴。我国在真人动画方面起步较晚，《捉妖记》是这一类型中较为成功的影片，但真人与动画角色之间的配合仍有略显生硬之处。有鉴于此，文章研究美国真人动画电影的审美特征，以期对中国真人动画电影的发展提供一定的借鉴。
[基金项目] 本文系黑龙江省艺术科学规划青年基金项目“文化传承视域下的黑龙江地域中国画创作研究”（项目编号：2015C049）。
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［关键词］ 中国人物画；动画电影；应用
动画电影目前越来越成为人们关注的焦点，在全球范围内吸引了一大批爱好者，随着中国市场的打开，不管是国外动画电影还是国产动画电影，均吸收中国文化为之创作提供丰富而宝贵的资源。中国是一个具有几千年悠久历史的国家，文化博大精深，中国人物画作为中国传统文化的代表，成为众多动画电影可以挖掘和可持续发展的重要资源，国外动画电影也受其影响，逐渐吸纳中国人物画的精髓，在动画电影中大量地应用。不论是从技法、构图还是从意境等多个方面，中国画深深地影响着动画电影的设计。本文首先从中国人物画与动画电影设计之间的关系入手，探讨中国人物画在动画电影中的应用，最后笔者提出自己关于中国人物画在动画电影中应用的一些思考。
一、中国人物画与动画电影设计的关系
中国画作为中国几千年的文化资源应该是中国动画片乃至全世界动画市场依靠、挖掘和可持续发展的重要基础和重要方面，中国人物画作为中国画的一种形式，其特点决定了与动画电影不可分离的关系，一方面，动画电影的制作离不开中国人物画的作画特点与原则，另一方面，中国人物画的作画思想为动画电影的创作带来了无尽的遐想与灵感，两者相辅相成。笔者认为，了解并研究中国人物画与动画电影设计之间的关系，才能更好地洞悉中国人物画在动画电影中的应用。
（一）中国人物画的特点
中国人物画的历史比较悠久，长期以来，形成了独特的理论体系和作画方法。中国画的精髓在于它集中体现了中国的传统文化，代表着中华民族的传统审美观，中国人物画也不例外，长期以来，中国人物画表现出以下几个方面的特点。
首先，中国人物画在思想内容方面，中国人物画集中体现了中国传统理念对自然和人、宗教、哲学、社会经济文化等各方面的体现，并形成了丰富而独特的理论体系。其次，中国人物画在构图方面打破既有的时空观念，按照自己心目中的感觉构图，不立足于特定的时间与地点，构图灵活多变，遵循一定的创作法则，在艺术家的头脑中构造出一幅意象图。再次，在透视上，中国画没有西方的焦点透视，而是采用移步换景来构图取物的。最后，中国人物画以其特有的线条和笔墨作为物象的表现手段，饱含对象的形貌、骨法、质地、光暗及情态神韵，这一点在中国传统文化中尤其突出，在艺术家笔下，一个个具有鲜明特征的人物神情各异，各种姿态，让人回味。
（二）中国人物画与动画电影设计的关系
动画是造型艺术手段与逐格拍摄技术的完美结合，具有技术特性、工艺特性、审美特性、功能特性、多元性、时尚性以及假定性等多重特点。其中动画角色的设计则是动画创作的核心，即以艺术的手法来表现人物角色的造型和形态，一般而言，对于造型，一般都在高度假定性的条件喜爱，充分运用夸张、神似、变形等手法来进行表现，设计者往往通过对角色个性的揣摩和研究借助幻想、想象等特征来表现出来。美国迪斯尼动画为什么会长久不衰，主要原因就是动画人物的活灵活现。纵观大多数动画影片，影片是否能得到青睐或受到追捧，关键在于是否有一个深入人心的人物形象。
中国人物画为动画电影设计提供了思路，中国人物画向来讲究的便是意象造型，恰好也符合动画人物形象的设计，随着电影制作技术的不断提高，同时也随着中国文化的传播逐渐深入，中国人物画开始越来越被应用于动画电影的制作当中，其中如何能让中国人物画与动画电影制作有机地结合，成为目前大众和有关人士普遍关注的焦点，也是动画工作者的当务之急。
文学艺术都是人类社会实践反映的产物，因此随着时代的变幻与前进而不断发展，中国人物画紧随时代的步伐，在不断地出新。20世纪中国人物画的变革最大，成就最突出。它以鲜明的又区别于任何时代的当代性谱写了新的篇章。因此，在动画电影的制作中必须既要考虑到中国人物画的时代性，也要推陈出新，不断与时俱进。
二、中国人物画在动画电影中的应用
目前，中国人物画在动画电影中被广泛应用，不管是国产动画电影还是国外的动画电影，而且以中国人物画为依托的动画电影其中有一些也堪称经典创作，笔者认为，对中国人物画在动画电影中应用进行分析，必须从绘画的角度来分别解释，包括中国人物画绘画的技巧，中国人物画的构图以及中国人物画的意境三个方面。
（一）中国人物画的技法在动画电影中的应用
中国画重视笔墨运用，中国人物画也不例外。通过不同的线条勾勒、不同轻重的墨彩，中锋、侧锋、藏锋、露锋、顺锋、逆锋、转折、提、按、拖笔、战笔、枯笔、飞白、勾、皴、擦、点、染等充分地表现人物形象，中国人物画主张“气韵生动”“形神兼备”。以下笔者从中国人物画的线条技巧、设色技巧方面进行论述。
线条是中国人物画造型中必不可少的手段，动画图片和景象主要是依靠线条来进行勾勒的，在目前国内外动画电影中大量地运用了中国人物画的线条技巧，通过“线”来塑形，一般而言，西方传统的动画人物形象主要是以“面”为主，而在中国，则以“线”为主，在动画中的线条要求准、挺、匀、活，这些都与中国人物画的要求很相似。《三个和尚》动画电影的制作取材于中国民间谚语，里面的角色人物如一个个现代版的国画小品人物，简练、凝括，在对形象特质的抽取、提炼、变形中很好地把传统与现代糅合在一起，朴拙的线条、简约的造型，流露出现代人的审美意向，极具现代美感。
设色，不得不提到中国画颜料。中国画颜料以天然矿石为原料，色彩艳丽永不退色，并且有很强的覆盖力。动画片色彩要求单纯、明确、符号性强，因此整套造型色彩就要以主角为中心，依次排序，再设置次要的用色，才能达到主次分明的视觉效果。这些都与中国人物画类似。中国传统的国画色彩语言丰富，风格鲜明为动画色彩的设计提供了丰富的资源，这样的元素契合了观众的审美要求，被大量地应用于动画电影的制作当中。如《牧笛》画面色彩的明快简洁，配合故事情节让人迷醉其中，《功夫熊猫》背景则为中国山水画，其色彩丰富，让人眼前一亮。
（二）中国人物画的构图在动画电影中的运用
中国画之所以具有无限的生命力和创造力就在于它内在的本质的“道”，即道统和精神，它使中国画经久不衰、日显光彩。古人对绘画的看法是：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置。动画电影制作在构图方面，与绘画构图有异曲同工之妙。动画片的制作前期，导演会绘制各种类似连环画的台本，分镜头台本最关键最核心的问题则是构图问题。日本制作的《神赐太郎》，影片虽以日本本土文化为载体，但是在画面背景方面，犹如中国山水画展现在人们面前，水墨的运用带着中国韵味，在日本动画电影界曾经引起了不小的震动。再如，近年美国动画电影《功夫熊猫》的热映又一次将中国文化与动画电影的结合推向，以上两部电影都糅合了中国画的技巧，将古代的“经营位置”理念灵活应用在当今动画背景绘制中，虚实相应、疏密有致，起到很好的烘托剧情气氛的作用。笔者认为，中国人物画在国外动画电影中的运用将会是动画电影界的一次伟大的革命和创新，丰富了动画电影的内涵，同时更好地传播了中国文化在世界范围的影响力。
（三）中国人物画的意境在动画电影中的应用
中国人物画讲究意境，北宋时期郭熙的“三远构图”强调的是中国人物画的虚无缥缈的意境，从景观而言给人以空间感，从人物来说，给人以立体感觉。由于人的情感丰富，因此从造型而言，中国人物画强调“以形写神”，强调“形似”象形法，强调“写意”人物画，在人物画中常以某历史人物来象征某种人格、寄托某种思想和情怀具有审美价值的造型和形式。
在动画片的实际拍摄过程中，可以表现这样的意境，《牧笛》中，牧童爬上山顶，眺望远山，寻找水牛时的镜头，牧童人物线条的移动，画面中出现的群山、云雾，疑如人间仙境，非常完美地体现了剧情的需要，给观者以美的熏陶。动画意境在动画画面中通过渲染自然环境，通过描绘建筑景观和角色形象，丰富了动画人物的形态和神情，能起到烘托整体氛围，增强视觉冲击和艺术感染力的作用。
总之，中国人物画从各个方面影响着动画电影的创作，为动画电影的创作提供思路，并可以作为一种借助的工具。不管是有形的背景设计、动画色彩，还是无形的角色设计与情节设计，等等，许多电影作品都体现了中国人物画的成功应用。
三、结 语
随着中国综合国力的增强，中国优秀传统文化也逐渐受到各国人民的青睐，被越来越广泛地应用到动画电影的创作之中，许多影片都成为本土文化与中国文化实现融合的成功典范。在这些影片全球热映的同时，也让充满意蕴的中国元素及文化走向世界。
笔者认为，要创造有个性的意象造型，不但不能排斥写实造型能力的培养，相反还要强化各种造型意识。目前中国人物一方面仍然要加强写实能力的训练和提高，另一方面要加强传统人物画从生活原型到意象创造的研究和总结，学习传统人物画过目不忘的默写能力、大胆夸张、概括的能力、自由描绘形象的能力。我们要敞开胸怀去感受、去研究各种风格、各种流派、各种思潮的造型观念。我们不但要在西方古典艺术中研究其美学价值，更要研究19世纪以来西方立体主义、结构主义、表现主义等抽象绘画形式以及他们所创造的“形态抒情性”绘画的造型。动画电影的创作也要大胆地取舍中国人物画的精髓，将最核心的东西融入电影中，将会给动画电影带来生机与活力。
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［关键词］ 动画电影；长镜头；审美体验
动画电影是一个充满了神奇幻想的世界，它的魅力体现在它是由画面的连续运动而形成的视觉交响乐。它所提供的一系列直观的活动影像和声音，通过长镜头画面的变化对欣赏者进行情绪的渲染，使动画电影欣赏者能更好地接受动画电影的主旨，更深入地解读动画电影的内涵，并在潜移默化中完成审美情感的提高与升华。当长镜头画面中的空间、构图、色彩、场面调度等表现形式与动画电影欣赏者预先存在的经验图式吻合时，就会引起欣赏者的愉悦和兴奋感，进而获得审美体验。分析动画电影中长镜头应用的审美体验，能更好地把握动画电影的审美价值和发展意义。
一、动画电影中长镜头的画面特征
动画电影中长镜头的美学概念可以表述为：“在一个统一的时空里不间断地展现两个以上的动作或一个完整的镜头为长镜头。”［1］动画电影中的长镜头正是体现了一种真实的美、一种原创的美、一种诗意化的写实、一种对角色的最佳描摹，其审美价值体现在尊重动画电影欣赏者的选择与思考。
（一）真实再现生活空间，诠释视觉感受的真实性
长镜头是动画电影创作的重要手段，它通过场面调度，用画面空间真实地在连续的时间流程中展现角色与事物的运动状态。镜头画面唤起人们日常生活中的视觉体验，直接对动画电影欣赏者起到心理上的、情感上的和视觉上的感染作用，使欣赏者感到似乎身临其境。长镜头常常在舒缓渐变的时空展示中，包容多种气象，多种可能，埋下多种可以让欣赏者根据自己的生活经验、情感的需求等要素去想象的空间。
（二）连续记录叙事空间，表现造型空间的完整性
动画电影长镜头的时空完整性，不切割空间，不加分解的连续记录角色动作和事件过程，保持了人物动作和叙事空间的连贯性。随着数字媒体时代的来临以及计算机动画电影技术的进步，长镜头可以完全不受时间和空间的限制，天衣无缝地将多维时空融为一体，制造超出人类日常视觉经验的运动效果，弥补了传统长镜头的不足，打破了欣赏者长期以来形成的审美心理定势，把欣赏者直接卷入一个身临其境的超现实的幻觉世界中，为欣赏者带来强烈的审美张力和全新的审美体验。
（三）细致刻画人生情状，营造心理动态的生动性
动画电影中长镜头不仅有记录的功能，而且还有具体描述的功能，既能对外部形态作真实反映，保持空间的真实、完整，又能细致地刻画人物情状，表现角色的内心世界，展示角色内心情绪的微妙变化，使动画电影欣赏者在一种心理情绪和感情的积累中获得一种感人的真实。长镜头常常展现给动画电影欣赏者客观的、不加雕琢的形象，让欣赏者在一个偌大的时空世界里，将整个环境世界尽收眼底，在欣赏中得到博大、纵深的审美体验。
（四）尊重客观事件过程，营造情节事件的关联性
想要在动画电影中运用镜头画面表现同一空间中各元素之间的关系，容易受到视点和框架的限制。若要实现视觉的转换，必须依靠镜头的剪接，这样容易造成空间的割裂。利用运动长镜头可以在一个镜头内完成视觉的转换，既能保持画面空间的完整，又能传达出强烈的真实感；既能保证事件的时间过程受到尊重，又能让动画电影欣赏者看到现实空间的全貌和事物的实际联系。
二、动画电影中长镜头应用的审美体验
动画电影是一种表现创作者审美体验的符号，动画电影的创作与欣赏都离不开审美体验。动画电影创作者在进行创作时，通过重新回味自身的审美体验，将其转化为动画电影形象，并通过镜头语言以律动的方式展现给欣赏者。而镜头语言，特别是长镜头语言的叙事连贯性与完整性，最适合动画电影创作者在创作中忘我地将最真实、最强烈的情感内容娓娓道来。动画电影作为一个审美对象，具有潜在的审美价值，一部好的动画电影作品的长镜头节奏变化，能够激发欣赏者的审美情感，为欣赏者营造出一次奇妙的感官之旅，并最终得到情感的升华。
（一）长镜头空间表达形式的审美体验
动画电影画面是用有限的二维画面去表达无限的三维空间。因此，画面的景别是动画电影创作者营造银幕空间关系的表达形式，不同的景别可以让动画电影欣赏者产生不同的心理感受。因此动画电影长镜头中景别的搭配变化是营造动画电影审美体验的一个要素。
长镜头中景别的变化引导着动画电影欣赏者紧紧跟随动画电影创作者的思维，它规定了故事的信息和角色的态度，也规定了画面与欣赏者的心理距离，同时适应和满足了欣赏者的审美心理需求，使欣赏者发生相应的情感变化。由于景别的分类不同，欣赏者看清楚不同景别的被摄主体时所需时间也是不同的，通过时间的长短可以得出景别越大，节奏越慢，表现出沉重和浩瀚感；景别越小，节奏越快，表现出亲近和活泼感。当镜头画面展现远景或全景时，画面细节被简化，取而代之的是壮观的场景，浓郁的氛围和雄壮的气势，给欣赏者以“孤帆远影碧空尽，唯见长江天际流”的距离感与非参与感；而当镜头画面展示近景或特写时，镜头表达内容逐渐单一，环境空间因素被削弱，使欣赏者在观看时能够更集中精力于角色的动作与表情，产生一种交流感，也产生一种置身于事件之中的参与感。
（二）长镜头构图表达形式的审美体验
构图是动画电影镜头画面的精髓。［2］电影中对构图的定义是：“构图就是要在每一个镜头画面中体现一种画面布局，一种画面结构。”构图可分为静态构图和动态构图。作为动画电影的创作者来说，必须注重动态构图，它是营造长镜头画面审美体验的一种最活泼和最有效的构图形式。
动画电影长镜头中被摄主体运动的速度和方向能够营造审美体验。被摄主体运动速度越慢，节奏就越慢，表现出舒缓、流畅，放松之感；被摄主体运动速度越快，节奏就越快，表现出急促、激动、紧张之感。在镜头画面衔接过程中，被摄主体运动方向一致，则使欣赏者感受到流畅与平稳，如果运动方向不一致，则使欣赏者感受到活泼与跳跃。
动画电影长镜头中摄影机的运动形式可分为推镜头、拉镜头、摇镜头和移镜头，这些运动形式多种多样、风格各异，并且能够营造不同的审美体验，传达不同的审美感情。在推镜头过程中，被摄主体面积越来越大，逐渐占据整个画面。通过推镜头，创作者有意识地引导欣赏者的视线接近被摄主体或者投向某个注意中心，使欣赏者在不知不觉中接受影片的情绪和观点，产生接近感和推入感。在拉镜头过程中，画面景别越来越大，镜头情绪趋于客观，使欣赏者产生距离感。摇镜头在表现被摄主体运动时，经常使摄影机跟随被摄主体的运动而改变拍摄方向。
作为动画电影的长镜头而言，并不是全部过程都要用运动长镜头来表现，有时也会有一些静止的处理，动画电影长镜头中摄影机静止和被摄主体静止都是为了深入表现角色形象，渲染某种特定的气氛，夸大地表现角色的情感特征，它也是对精彩细节表现的一种手段，达到视觉上的真实性。
（三）长镜头视觉信息传达的审美体验
动画电影镜头画面的视觉信息传达最直观的是色彩表现，色彩是一个千变万化的世界，人类的社会心理所形成的色彩心理构成了每种色彩本身所蕴含的色彩情感。当每种色彩都具有自身独特的色彩情感时，它就不仅仅是表现现实世界的手法，更是一种具有独特意义的象征或表意的符号。［3］
动画电影长镜头往往用一种颜色作为镜头画面的主导颜色，从而确立画面的色彩基调。这样做的好处和目的是使镜头画面具有整体感，使欣赏者更容易进入长镜头的气氛与剧情。一般来说，高明度、高纯度的画面给人以积极、明快、轻松的心理感受，而低明度、低纯度的画面则容易给人以抑郁、悲伤的心理感受。同样大小、不同颜色的物体给人的大小感不同：明度高的看起来较大，而明度低的看起来较小，因而色彩也成为影响画面构图表达形式的重要因素。不同的色彩作用于人眼后会形成不同的空间距离感受：同样距离的红色、黄色让人觉得接近，而蓝色、绿色则让人感觉疏远。色彩是最具生命力与表现力的造型因素，因而它经常被用作人物内心世界的外部表象，并且用色彩的象征意义赋予角色性格。红色是热烈、希望，也是蛊惑和邪恶的象征；白色则象征着纯洁和美好。恰当地运用色彩可以营造出丰富的长镜头空间，带给欣赏者不同的审美体验。
（四）长镜头角色与环境场面调度的审美体验
场面调度是对动画电影中被摄主体以及摄影机与被摄主体之间关系的调度。动画电影长镜头以生活为依据，用不同的场面调度方式展现一个完整的事件。
以角色的位移或者以背景的反方向移动构成平面式场景调度，以此来展现空间的长度或者宽度，营造平稳、宁静、惬意、舒适的体验，平面式场面调度与运动镜头结合更有引导动画电影欣赏者浏览空间的感觉。纵深式场面调度则具有很强的三维空间感，在固定镜头中，纵深式场面调度通常选用具有强烈透视感的角度表现场景的纵深感，如果在此场景中有对角色的调度，则多半会让角色的运动轨迹垂直于摄影机镜头，以此增强画面的空间感，并通过角色的运动达到景别的变化，使得一个长镜头中既可以表现角色与环境的关系，又可以看到角色的细微面部表情，极大地拓展了长镜头的容量和表现维度。动画电影长镜头中被摄主体沿画面对角线方向移动构成对角线式场面调度，其运动的方向性，使其比平面式场面调度更有纵深感，也比纵深式场面调度展现的空间要开阔。还有一种通过长镜头运动配合角色与环境的调度，展现镜头空间，表现叙事的运动式场面调度。运动式场面调度通常在一个镜头当中展现两个甚至两个以上的空间，并表现复杂的角色关系。长镜头时间维度上的连贯，又使角色的表演连贯而自然，事件发生真实而可信，创造出活泼的节奏与情境审美体验。每种长镜头的调度方式都具有自己不同的叙事和情绪表现功能，有时为了完成复杂的角色塑造、环境表现、情绪传达，需要灵活地综合运用长镜头场面调度形式在一个镜头内进行调度。
三、结 语
动画电影最吸引人的秘诀就在于其能够满足人们的审美需求。动画电影中长镜头的应用可以最大限度地张扬创作者的个性，将创作者的深厚情感融入其中，赋予长镜头生命力，带来审美趣味和审美体验，让欣赏者与自身的审美经验及记忆中的情感符号对接，引感共鸣。动画电影创作者在长镜头的应用上应该不断努力激发和提高动画电影欣赏者的审美体验，为广大动画电影欣赏者创作出优秀的动画电影作品。
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一、 传承与融合：我国动画电影的民族风格形成与发展
虽然我国的动画事业起步较晚，但是建国后还是取得了长足的发展和进步，并促使动画电影民族风格的形成。[1]
动画电影作为人类的精神家园，通过斑斓的色彩阐释理性，并用以开启历史的隧道，因此人们均倾向于以发展的视角审视动画的出现于发展。动画电影传入我国之后经历了两次发展高峰。20世纪50年代初期，我国的动画电影艺术家怀着建设社会主义新文化的崇高理想齐聚上海，以极高的创作热情，直接促发的我国动画电影的第一个发展。这一时期的上海美术电影制片厂也成为高品质民族动画电影的代名词。特别是当时的著名导演特伟明确提出“探寻民族风格之路”的口号之后，民族化就成为我国动画电影的发展方向，我国动画电影界的“中国学派”雏形初具。
而之后的80年代，脱离政治束缚的动画电影艺术经历了第二个发展高峰。虽然历经20年的停滞，但发展基础尚在，因此这一时期的国产动画电影可谓百花齐放，优秀动画电影层出不穷，内容丰富多样。虽然我国当时已经处于改革开放的新时代，西方文化业已开始对我国动画界产生着越来越多的影响，但是坚持民族风格仍旧是广大动画电影创作者的共识。
总之，动画艺术进军民族化的共识一旦形成，便成为我国动画艺术家创作过程中的的自觉追求。在建国后的动画艺术发展中，动画创作者无论是在民族内容的挖掘上，还是民族形式的借鉴上，都付出了重要的实际努力，并取得了辉煌的成就。无论是剪纸片的问世还是水墨动画的诞生，无不印证了动画艺术民族化方面的锐意进取。尤其是我国首创的水墨动画，将我国传统的水墨画元素与动画艺术相互融合，形成了极具东方文化神韵和审美内涵的动画艺术形式，一度在世界动画界引起巨大轰动。正是由于动画艺术“民族化”方面取得的巨大成就，才促成了动画艺术界“中国学派”的诞生。
动画的本质是一种文化，“中国学派”的动画电影由于结合了本民族的传统文化和精神内核之后，便产生了巨大的力量和成就。[2]中国学派的动画电影不仅是一种创新艺术形式同时更是一种文化传播媒介，因此对传统文化艺术的传承就成为其必须承担的历史责任，也正是由于中国学派的动画艺术家认识并践行了这一责任，才成就了中国学派动画电影的民族性。中华文化向来是兼容并蓄的，动画电影也不例外，中国学派的动画电影在坚持民族性的同时也注重与现代高科技的结合，进一步成就了中国学派动画电影民族性前提下的世界性，并为中国动画赢得了世界性的声誉。
二、 淡而有味的审美风格
我国的动画艺术起源于对美国闹剧式动画的模仿，但这种与中国审美传统格格不入的动画形式随即便被扬弃。[3]伴随着我国动画艺术民族化进程的不断深入，逐渐形成了淡而有味的审美风格。
首先，在动画叙事上，中国学派的动画电影与迪斯尼动画的闹剧式设计有本质的区别，动画设计着眼于生活本身的戏剧性挖掘，通过情节的内在张力来塑造极具人文意蕴的喜剧效果。从叙事上看，中国动画喜剧无论在情节设置上还是细节编排上，都不闹腾，即便是《大闹天宫》也并不“闹”。[4]在整体情节设计上，这些动画艺术作品往往只有影片结束前设计的一个点，与美国迪士尼动画情节跌宕起伏、不断的情节设计有明显区别。中国学派的动画电影的细节编排，不以具有强烈视觉冲击力的画面和人物取胜，极少利用造型怪异、行为夸张爆笑的人物形象以及动作性极强的群殴群斗来塑造戏剧性效果，但是凭借丰富思想内涵的含蓄表达，使动画片具有一种思想领域的深度美。
其次，从情感表达方式上来看，煽情策略在美国迪士尼动画中大行其道，迪士尼动画可以利用一切手段，将某种情感渲染到极致，从而使观众情不自禁的卷入作品的情感漩涡。相比之下，中国学派动画电影深受传统文化的影响与熏陶，在情感表达上注重“中庸”之道，在感情表达上讲究节制和适度，将“乐而不”的效果作为情感表达的重要原则。这种点到即止、隐喻含蓄的情感表达方式，不仅可以使观众与剧中人物产生情感上的共鸣，同时又不至于深陷其中，在保持清醒的状态下作出自己的判断。
最后，在动画的喜剧性营造方面，西方动画电影的商业性特征十分突出，为了满足观众的“俗”趣需求，而呈现出明显的娱乐化特征。反观中国学派动画电影则更多体现出“阳春白雪”式的典雅，并依此为导向达到“雅”趣塑造的艺术创新旨归。与迪士尼动画追求局部与细节上的娱乐性特征不同，我国动画艺术崇尚整体艺术效果的塑造。无论是利用对比手法进行喜剧性暗示，抑或利用委婉的讽刺和幽默来进行喜剧性的表达，都显示出中国学派动画电影重过程、轻结果的美学表达理念。可以说中国学派动画电影的喜剧效果并不是特别直白的突然爆发，而是一种需要细细品味的逐渐累积，“正剧化”的特点较为突出。
三、 动画电影视觉语言的人文关照
中国的传统艺术注重通过艺术形式传达内在的人文精神，并籍以提升创作者与接受者的思想境界与道德水平。[5]“中国学派”作为我国动画界对传统艺术继承的代表性群体，必然会受到上述美学思想的影响，使创作的动画电影承载着深厚的人文精神与道德内涵。
“中国学派”的动画艺术家认为要创作出富有生机的动画艺术作品，不仅需要创作者本身高超的艺术造诣，还需要其具有高尚的人格魅力，这不仅是动画艺术技巧的学习与积累，更是心灵涵养的不断提升。“中国学派”的动画电影之所以能在短期内取得如此高的创作水准并获得世界性的认可和评价，与老一辈动画艺术家自身的高尚品格是分不开的。在动画电影创作中，动画创作者本身的世界观、艺术观和责任感被融入动画作品传递给每一位观众。在这一过程中，艺术家的精神境界获得了进一步提升，而观众的认可又进一步磨砺了艺术家的艺术品性，从而获得了一种良性循环。
儒家思想是我国传统文化精神的核心，儒家强调艺术要“成教化，助人伦，穷神变，测幽微”的功能，这种“文以载道”的思想对我国的传统文化艺术产生着深远的影响。“中国学派”作为动画电影界民族精神与民族文化的倡导者，在动画电影创作中一直秉承和贯彻这一思想，在视觉语言中融入发人深省的人文内涵，让观众在潜移默化中获得教益。例如，动画电影《鱼盘》就利用传统的审美形式表现环境污染问题。
“中国学派”注重利用生动有趣的视觉语言，体现“文以载道”的艺术理念，注重将道理蕴藏于一片欢声笑语之中。在传统理念中，动画片是给儿童看的，即使如此，“中国学派”在艺术表达上也没有丝毫懈怠，不用教条、甚至训导的方式进行思想灌输，而是以儿童易于接受的审美视角和审美形式进行作品创作。也正是如此，才有了中国动画将思想内容与视觉形式紧密融合，寓教于乐的特征才得到最佳体现。
四、 内容与形式方面的不足
动画艺术发展不仅要依靠形式上的创新，同时还需要内容上的不断探索。中国学派动画电影发展的一个主要缺陷就是“新曲弹旧调”，这种利用动画形式诠释传统喜剧的做法，注定在内容方面的探索有所不足，这也是我国动画艺术的形式创新能够产生世界性的轰动，而内容上却鲜有印象的主要原因。
首先，中国学派动画电影多为循规蹈矩的改编之作。我国的优秀动画艺术作品，几乎都改编自民间故事、神话和童话等传统文学作品，而且在动画改编中基本停留在原著的主题层面，并没有在思想和内容上进行深度挖掘和创新，因此难以适应当前的时代背景，更不必说在跨文化传播中获得全世界观众的接受和喜爱了。
其次，中国学派动画电影创作偏于民族性，疏于世界性的特征较为明显。关于艺术创作中的民族性，国内艺术评论家们一直喜欢引用“越是民族的，就越是世界的”的论断，但却不知鲁迅先生提出这一论断时的社会文化语境，如果抛开原有语境，这句话无疑就显得有些片面。片面民族性的坚持使我国动画形式创新有目共睹，但民族动画内容乏善可陈，面对上述现状我国动画形式和内容的不尽协调也是就不足为奇了。
最后，中国学派动画电影缺乏对时尚性的自觉追求。在消费者语境下，动画要获得观众的认可和接受，就必须善于提供“时尚”，只有动画艺术成为社会时尚一部分，才能使消费者获得引领时尚心理满足，从而激发消费者的观看欲望。反观我国动画艺术，仍然停留在以民族性标榜的陈旧与老套之内，缺乏对时尚性的主动追求，这已经成为新世纪动画艺术发展的重要不利因素。
结语
中国学派动画电影基于传统文化沉淀基础上的厚积薄发，造就了一部部动画艺术传奇。反观近年来的我国动画创作，尽管产量之大令人咋舌，但终究掩藏不了缺乏艺术精品的那一丝尴尬和苦涩，究其原因主要在于动画创作存在艺术传承和代际传承的断裂。诚然，传统的并不一定是优秀的，但是彻底抛弃传统而全盘向日美动画趋同，却使我国的动画作品逐步向文化快餐和文化垃圾沉沦。虽然旧的“中国学派”业已成为不可再现的历史，而现在需要做的是弥合裂痕、重塑传统，以完成新的“中国学派”的创建，为我国动画电影事业谱写新的艺术篇章。
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动画电影和实拍电影之间到底存在着怎样的异同关系，高科技影像制作手段的发展给动画电影和实拍电影带来了怎样的变化和融合。
动画电影和实拍电影的区分
在这里我之所以用动画电影和实拍电影这种浅显的称呼来区分二者的关系是有原因的。我国在电影种类的划分上分出了四大片种，它们分别是故事片、动画片、纪录片以及科教片，可见动画也是归属于电影范畴内的。在其它的国家里也有把动画片算在故事片范围之内的，比如像美国就把电影分为纪录片、故事片和先锋派三种，而动画片就包含在故事片当中。他们之所以这么划分的理由是从二者的本质上来讲的，因为一般的动画片和故事片都是具有一定故事情节的影片，所以这么划分也不无道理。其实电影分类并没有一个什么明确的标准，只要是在道理上能讲的通，怎么分类都是可以的，所以本文为了避免出现这种在影片种类划分上而产生的歧异，就直接用了动画电影和实拍电影这两种浅显易懂的称谓来区分二者的关系。在过去我国一直把动画电影作为美术范畴中的一种艺术形式，“美术片”一名由此得出。虽然动画艺术在视觉元素中借鉴了好多美术上的东西，但是究其本质我们不难发现动画电影和实拍电影一样也是以画面和声音为媒介，在银幕上运动的时间和空间里创造形象的一门艺术。动画电影所具有的这个本质特征恰恰就是电影艺术的本质特征，所以动画艺术还是应该归纳在电影范畴内作研究并找寻其规律。然而动画电影在电影范畴中无疑又是极特殊的一份子，因为其在制作手段上与实拍电影迥然不同，所以我们不能简单的把动画电影和实拍电影的关系说成完全一样或完全不一样。我们得在“电影”这个大家庭下，来分析动画电影和实拍电影这对本质相同外貌却迥然各异的亲兄弟。
一、动画电影与实拍电影之间的异同
1、本质上的异同
动画电影和实拍电影都是电影范畴中的不同片种，二者都是以画面和声音为媒介，在银幕上运动的时间和空间里创造形象的一门艺术。这使得二者在电影的基本理论上都是相通的。所以我们要想在电影美学、电影哲学、电影的蒙太奇理论、电影的摄影以及电影的声音等这些电影最基本的元素去比较二者的不同是行不通的，必须得回到二者如何不同的出发点，也就是在制作手段上来进行比较。二者的制作手段恰恰就决定了二者在本质上究竟有何不同。我们在下文就重点论述一下二者究竟有何本质的不同。
2、关于逼真性的异同
实拍电影在视觉表现上所呈现的逼真性是动画电影或其它艺术手段无法企及的，这种逼真性主要是外在的逼真性。实拍电影在视觉表现上所呈现的逼真性包括两点：一是能够纪录现实的人和事物，二是还纪录了现实的人和事物的运动和发展，所以这种逼真性使其它的艺术手段只能望其项背。动画片是以绘画或其他造型艺术形式作为人物造型和环境空间造型的主要表现手段，间接记录了现实世界的人和事物的运动和发展。人物造型、环境空间造型等都是来源于现实生活中的造型，只不过是经过夸张、神似、变形的手法来加以表现。动画电影还是反映了一定的生活本质，所以说动画电影和现实比起来其在画面上是不具有逼真性的，但是其在表现内容上却是具有一定的逼真性的。画面的逼真性就是实拍电影和动画电影二者最大的不同之一。
在动画电影中还有一类叫做真人实拍动画电影，在逼真性这个问题和实拍电影也存在一定的不同。首先，从制作手段上来说，实拍动画用的是逐格拍摄手段或者是抽帧的手段来完成的，运动上呈现给人的是一种非自然的运动频率，让我们感到并不逼真，但这却是实拍动画所追求的运动方式。其次，从实拍动画的表现内容上来说，多以夸张的手法来表现人物的行为或动作，主要就是来表现现实中不可能实现的看似荒诞的内容，不是去刻意追求实拍电影所具有的那种逼真性的艺术形式。
3、关于假定性的异同
（1）.实拍电影在视觉表现的逼真性上具有假定性。这一点包含了两个方面：第一个方面，画面展现的最终不过是现实的影像，而绝不是现实本身。就拿贾章柯导演的《三峡好人》来说，通过这部影片反映了一群人的生活状态，绝非韩三明本人。视觉上虽然很逼真，但是这种逼真性上就具有假定性。第二个方面，画面展现的立体空间和运动本身就是一种幻觉。我们在电影银幕上看到的立体空间是一种光影营造出来的假象，电影银幕本身就是只有高和宽二个维度的平面。电影上的运动就是通过一帧帧静止的画面进行快速播放而产生的幻觉，是具有假定性的。
（2）. 蒙太奇将现实的连续时空分切后重新组合，形成了电影时空，这种时空是虚拟的假定时空；蒙太奇连接静止的形象所形成的运动感是假定性的运动感，动画电影和实拍电影在蒙太奇上的运用是完全相同的。
（3）. 镜头角度和景别的选择等的运用，渗透着创作者的主观意识；在这一点上动画电影和实拍电影是手段不同本质相通，没有什么本质区别。
（4）. 声音与画面的部分结合方式是打破现实中视听逻辑的非现实性结合，在这一点上动画电影和实拍电影也是相同的。
（5）. 银幕形象、故事结构、感情意境都是艺术家对现实的选择、提炼以及个性化的创造，并受样式和风格的制约，动画电影和实拍电影也都具有这一特性。
（6）．动画电影比起实拍电影来说在这方面还多拥有了一种假定性——高度假定性。
虽然动画电影和实拍电影之间存在着很多的差异，但是，由于现在的高科技影像制作手段的发展使得实拍电影和动画电影相互融合的元素越来越多，这让我们不得不去进一步的深入分析，下面我们就从几部电影中分析一下这个问题。
二、 高科技影像制作手段的发展使得动画电影和实拍电影相互融合
1、 高科技影像制作手段的发展而带来的改变
过去的实拍电影在对非现实一类题材的选择上是很谨慎地，因为非现实题材在实拍电影中光靠道具是很难完成的。但是高科技影像制作手段极度发达的今天使得电脑动画技术也融入到了实拍电影中，例如《阿凡达》、《指环王》、《加勒比海盗》、《罪恶之城》等。电脑动画技术在其中的大量运用，才使得这些非现实的幻想题材随处可见、天马行空的想法得以实现，这就是电脑动画制作技术对于实拍电影的帮助之处。既然这种以动画形式出现的角色和场景大量的出现在实拍电影中，那么我们该怎么定位这些电影是实拍电影还是动画电影抑或二者兼有？
第一种情况就是上面举例的那些片子。它们有一个共同的特点：虽然电脑动画制作技术在它们每部片子里都大量的运用，但是电脑动画技术没有发挥自己的高度假定性的特点，而是配合实拍电影去追求逼真性，努力营造一种逼真感，使其能融入到实拍的部分中去。所以这种类型的电影从本质上来讲还是应该归类到实拍电影中去。电脑动画技术只是作为后期手段，去辅助片子的完成其实拍中无法完成的具有逼真性的画面。
第二种情况就是像《黑暗扫描仪》这类的片子。虽然这类的片子在一开始是用了实拍的方法拍摄的，但是经过了后期的处理和修改，其在画面上呈现了动画的风格，也就是在画面上追求的是一种高度假定性。所以这类的片子还是应该划分在动画电影的行列里。
第三种情况就是像《加菲猫》以及《精灵鼠小弟》等这种实拍和动画相结合的方式。这种类型的电影，他们既发挥了实拍电影的逼真性的特点，也不避讳动画电影高度假定性的特点。使二者有机的结合到了一起。
高科技影像制作手段及其发达并且还在继续发展的今天，我们已经得到了太多得惊喜。未来的电影究竟是能发展到何种地步，已经是我们不敢想象的了。
【关键词】中国动画艺术；《喜洋洋与灰太狼》；特点；研究与分析
1 中国动画艺术所包含的中国元素
20世纪60年代，动画艺术开始发展起来。作为一种复合型艺术，动画在各生活、生产领域中的应用非常广泛。无论是教育行业、生产工业、娱乐行业、广告行业，动画都可以通过艺术表现力展现出其独特的魅力。自改革开放以来，中国动画艺术发展速度缓慢，由于动画制作技术的落后，前期我国制作的动画作品的艺术表现力、艺术价值都很低。中国动画艺术表现的中国元素有：①传统民族文化色彩，其动画人物形象设计和人物对白都可以体现出中国传统民族文化和民族精神；②故事情节和背景中插入中国元素，故事情节是动画艺术创作的主要依据，在传统动画作品中，中国元素在动画故事情节和背景中都可以体现出来。
进入21世纪后，伴随着各行业的发展，我国动画产业逐渐兴盛起来，呈回温态势，如何把握这一发展机遇，将中国动画艺术推广至世界，是新时期动画工作者研究讨论的热点问题。中国动画的艺术特点和发展方向，将引领我国动画产业进入全新的发展时代。
《喜羊羊与灰太狼》动画电影，在中国动画行业中不仅创造了收视奇迹，还挽救了我国动画产业低迷的现状。在复杂的动画发展环境，《喜羊羊与灰太狼》取得高票房并非偶然，其成功得益于它鲜明的艺术特点，本文针对《喜羊羊与灰太狼》电影动画表现出的艺术特点进行深入研究。
2 《喜洋洋与灰太狼》的艺术特点
2.1 可爱的艺术形象
2.1.1 动画人物造型设计
《喜羊羊与灰太狼》采用的是Q版造型设计来制作动画形象，Q版动画设计人物的特点是将头的比例加大，使头和身体的比例严重失衡，这种“失衡”的艺术创作手法可以增加动画形象的趣味性，展现出的动画形象滑稽可爱。
2.1.2 动画人物名字设定――中国词汇
人物的名字和性格定位也相得益彰，乐观向上的美羊羊、好逸恶劳的懒洋洋、善良老实的暖羊羊、大智若愚的慢羊羊，阴险毒辣的灰太狼，暴躁易怒的红太郎，善良纯真的小灰灰等，这些艺术形象和代表它们的名字非常契合。暖羊羊、喜羊羊同属于中国词汇――喜洋洋，暖洋洋，所以人们会很容易记得这些人物的性格特点[1]。
2.1.3 动画人物的特色装饰
《喜羊羊与灰太狼》动画电影的主角是“羊”和“狼”，这些人物表现的性格特点各不相同，为了更好的区分它们各自的人物特点，动画人物造型师通常会为其制作特有的装饰，如懒羊羊头上有坨屎，美羊羊头让会别发卡，灰太狼脸上有个很长的刀疤、红太狼身披红袄手拿平底锅等。这些颇具特色的装饰对表现动画形象的人物特点具有重要影响意义。
2.2 搞笑的台词设计――哲理性语言
台词是表现动画艺术的主要媒介，一个动画作品要想表现出其独特的动画艺术，必须要在突破其台词瓶颈。同时又因为动画作品的受众人群大多为小孩儿和青少年，所以在设计动画台词时，应注意其语言的幽默化、通俗化、规范化。《喜羊羊与灰太狼》动画电影的台词非常经典，台词中的内容紧跟时代潮流，著名歌曲、网络流行语、网络热门人物应用率非常高。在简单幽默的台词中加入富有内涵的哲学思想是动画台词设计的一大难点，《喜羊羊与灰太狼》动画电影的台词很好的做到了这一点，如在《牛气冲天》中，羊族祖先软绵绵说过一句经典的台词：“宽恕你的敌人，也是一种很大的勇气！”这句台词对小朋友的说教效果非常好，让小朋友知道该如何宽恕他人[3]。
2.3 老少皆宜的作品风格
众所周知，动画电影的观影的主要人群是儿童和青少年，这种受众人群的特殊性，在一定程度上也抑制了动画电影的发展。《喜羊羊与灰太狼》凭借其独特的作品风格，满足了不同年龄段的观影人群的观影欲望。在《喜羊羊与灰太狼》热映时，经常会看到很多家长带着孩子、家长和老师一同观看电影的情景，这种“一拖三”的场面不仅可以提高动画电影的收视率，还能扩大电影的影响力。《喜羊羊与灰太狼》并没有过分追求画面绚丽的视觉效果，而是将重点集中在剧情设计和人物对白上，因为剧情和台词能准确把握整个动画电影的作品风格[2]。
3 中国动画艺术的特点
《喜羊羊与灰太狼》的成功很重要的原因就是在于富有创意，如人物个性鲜明、台词高效幽默、时代感强等，反派形象灰太狼和正面形象羊族的斗争虽然恶劣，但却充满正能量。
通过上文对《喜羊羊与灰太狼》动画电影作品进行分析可知，一个成功的动画电影作品必须具备独特的艺术特点，目前中国动画艺术特点，主要表现在以下几个方面：①人物性格特点突出，动画电影中表现的人物应具有鲜明的性格特点，只有这样才能让这些性格各异的人物发生“化学反应”；②人物造型设计具有表现力，人物造型是展现动画电影作品风格的主要表现方面，动画人物造型师应针对不同人物，进行特色造型设计，使每个动画人物能够被观众清晰的记住；③故事情节内涵丰富性，情节是推动故事发展的主要线索，人物和台词都需要为情节而服务，所以一个好的动画电影作品必须有一个别树一帜的情节设计，将观众深深的吸引在情节中，使整个动画电影表现出的动画艺术更能让观众记住、深思[4]。
4 结论
综上所述，动画作品要想表现出独特的动画艺术，必须要摒弃传统的动画制作方法，不走制作捷径，尽量避免翻拍、情节重复。中国动画艺术特点是中国动画艺术发展的重要依据，《喜羊羊与灰太狼》的成功也预示着中国动画艺术将进入一个全新的时代[5]。
【参考文献】
[1]石荣兰.实验动画艺术短片角色造型的中国绘画元素探究[D].西北大学，2012（10）：134-142.
[2]吴乃群.试论中国动画“民族化”的传承与发展[D].哈尔滨理工大学，2012（11）：101-113.
[3]白宁.影视动画《喜羊羊与灰太狼》的民俗文化解析[D].山西师范大学，2013（04）：135-152.
[关键词] 流行语；《里约大冒险》；翻译研究
目前，电影翻译成为整个翻译领域的一大热潮，伴随着国外电影逐渐引进到国内，我国也对英文电影的字幕翻译颇为重视，同时，观众也对电影字幕提出了更高的需求，这些都不同程度上促使电影翻译应保证规范性的翻译质量。近几年，美国动画电影也受到国内观众的追捧，在社会上引起了广泛的影响，并深深吸引了众多的观众去欣赏，例如美国动画电影《玩具总动员 3》《功夫熊猫》等。这些动画电影取得如此可喜的成绩，从中不难发现流行语在动画翻译中发挥了举足轻重的作用。在进行这些动画电影的字幕翻译过程中，人物的对白基本上都采用了当前最受推崇的流行语、俏皮话等，而这些富有新意和生动的语言也引起了众多观众的观赏兴趣，同时还能有效平缓由于两国语言转换而造成的文化缺失现象。事实上，在英文电影的字幕翻译中采用流行语也成为一大热门，并且许多专业的学者也对其进行了深入的研究，在动画电影《怪物史莱克》等中都较多采用了网络流行语言，本文以美国动画电影《里约大冒险》为入手点，对其采用的流行语进行分析。
一、动画电影《里约大冒险》
动画电影《里约大冒险》是美国的蓝天工作室经由《冰河世纪》系列后，又以此重磅出击的高效动画电影。该电影主要围绕着一只鹦鹉在寻找自我以及真爱的历程中所遭遇的种种奇幻和冒险经历而展开。故事讲述了在美国一个小镇上一个鹦鹉布鲁，自诩为世界上独一无二的金刚鹦鹉，但在某一天却得知了一个消息，即在里约热内卢也出现了一个蓝色的金刚鹦鹉，于是布鲁就挣脱了笼子，并决定去里约热内卢寻找另一只鹦鹉珠儿，而最后这两只鹦鹉被链子捆绑在一起，于是就一起开启了一场惊心动魄的冒险旅程。这部电影是美国具有代表性的动画电影，其中流行语作为其中的翻译语言具有鲜明的特征，例如“脑残”“蹬腿”等流行语时常在影片中出现，让中国观众在欣赏电影的同时感到异常的亲切，并便于观众理解影片的主题内涵，感受到动画电影带来的真实的快乐之感。
二、《里约大冒险》中“流行语”的翻译原则
在进行动画电影的字幕翻译过程中，适当采用流行语能给观众营造轻松、愉快的气氛，并收获良好的效果。但是，并不是所有的网络语言和流行语都能用于字幕翻译中，应该遵循一定的翻译原则。
（一）与影片的感情基调相一致
影视作品中的人物语言本身就是为了能凸显出人物的形象和性格特征，并为电影创设一个良好的语境，简言之，就是充分为电影受众而存在的。电影台词作为电影语言中的一个精炼的部分，更应该能表现出人物的性格特征，并与电影整体的感情基调保持一致性。基于这一原则的基础上，再恰当和准确采用流行语，就能更好地为电影受众服务，传递影片的幽默因素，不仅促使观众感觉到一种自然的感觉，还能感受到影片的语言魅力。影视作品的翻译不能忽略源语的创作风格，所以影视翻译必然要还原电影本身的风格特征，在进行字幕翻译的过程中，应该以电影的感情基调为主，并尽量再现源语中的幽默氛围，从影视语言中体会到人物的形象和性格特征。
（二）综合考虑影片的受众群体
美国动画从一开拍就已经拥有了许多热衷的粉丝，特别是梦工厂、迪斯尼等动画创作群体，在广大年轻观众之间产生了深远的影响力，这也促使进行美国的动画翻译时应考虑到这些年轻观众的主观感受，并创设出富有年轻感和时尚感的动画；另一方面，这些年轻的观众也是当前网络时代的一个强有力的支柱，他们对于网络语言十分熟悉，所以也为流行语的应用和字幕翻译打下了坚实的基础。影视翻译的根本目的并不是要求译文和原文要实现对等性，更多的是要求能还原观众预期的审美感受，动画电影的翻译或者是以教育为宗旨，或者提供娱乐的作用，但只要采用观众乐于接受的语言都能收获良好的效果。
（三）运用广泛化的流行语
影视作品本身就是供观众娱乐的一门艺术，并因为有不同年龄阶层和认识水平的观众，他们对于动画电影的理解都不一样，所以在字幕翻译的过程中应采用观众较为熟悉的流行语，这样不仅能缩减翻译者面临的翻译困境，还能让观众感受到一种娱乐的主观感受。如果字幕翻译中观众对其运用的流行语感到十分陌生，那么它也不能与观众产生共鸣，必将不能实现预期的观赏效果。
三、《里约大冒险》中“流行语”的翻译策略
在进行美国影视作品的字幕翻译中，会经常采用异化和归化两种翻译策略来更好地服务翻译。前者是保留源语文化，并在翻译的过程中更多倾向于源语，同时也尊重源语中表现出来的文化特色；归化翻译策略则是站在目的语观众的角度来进行翻译，它主要在目的语中找寻到与源语相关的词汇来代替，其目的是为了便于目的语观众对影片的接受和认可。
（一）异化翻译策略
当前，伴随着网络信息化的逐步推进，网络流行语已经在广大观众的生活中发生了潜移默化的影响。网络语言本身就是在特定语境下的一种异化，并随着网络的迅猛发展也相应地得到发展，它与传统的语言具有鲜明的区别，一般来说，它是采用一种较为简单和生动的形式出现，并自从它诞生后就受到了许多网友热切的推崇和认可，并且网络语言的发展也十分快速和普遍。网络流行语也逐渐成为了众多网民既定的语言表达方式，它具有两个鲜明的特征，即年轻性和文化性。在异化翻译策略的指导下，促使动画电影《里约大冒险》的语言更加具有惊奇的感觉，并且网络语言也赋予了影片一种别样的幽默语境。例如在电影中发生在布鲁和珠儿初见面时的对话场景中，布鲁以为珠儿要吻他，但是转眼才发现是他自己想错了，于是就出现了：“But just for argument sake，what are you doing？”在这句台词中，如果只是按照较为传统的翻译方法，则只能把其中的意涵解释给观众，也就谈不上能营造幽默的氛围，同时也很难把布鲁的性格特征凸显出来。于是翻译者在进行这一处的翻译中，大胆借用了网络流行语来营造一种搞笑的气氛，于是就采用了异化翻译策略把“But just for argument sake”翻译为“弱弱的问一句”，这一流行语则取得了很好的语境效果，不仅把布鲁当时内心中尴尬的心理表现出来了，还刻画了他性格中胆怯的一面，让观众感觉到特别亲切。
在动画电影《里约大冒险》中还有一句台词为：“I thought I was the “bird-mad” until I met you.”在这一句中能发现，“bird-mad”是原文自创的词汇，这种词汇在英文电影中时常出现，但是这些词汇却增大了翻译者的困难。由于自创词汇本身在中文中就很难找到相对应的词汇，而在翻译的过程中则要充分表达出其中的意思，就需要借用异化翻译策略来巧妙处理这一难题，所以“bird-mad”在异化翻译策略的指导下，就译为“鸟控”。在网络语言中，“**控”本身就是一种流行性的语言，并表达出对某一种东西非常的在行或很痴迷，例如“帽子控”等。
（二）归化翻译策略
流行语能够表现出一个国家或者一个地区的人们所热衷或者关注的事物，在各个时期会出现各种不同的流行语，而这些流行语在无形中成为反映社会的一种状态，更凸显出社会中的各种变化。中国的流行语在很大程度上都受到热播电视剧、小品等影响而产生，并具有强烈的幽默感。但把这些中国流行语运用在美国动画电影翻译中，能取得双赢的效果，让中国观众感觉到语境亲切感的同时还能真正领略原影片中的搞笑风格。例如在动画电影《里约大冒险》中，女主角琳达还处在莫名的状态中就被推上了舞台，而向来性格内敛的她对此感到十分震惊，所以在这一处中就有一句台词是称呼琳达的，“Cheese and sprinkles！”在进行这一处的翻译中，由于这一句是美国十分广泛的俚语，所以翻译者综合考虑到中国观众的接受程度，并尽量在翻译中还原影片当时的情境。在一些美国影视作品中，当主人公处在一种几乎发狂的地步时，就会在其中设置俚语，而观众也能凭借自己的理解来猜测其中的意涵，但是在这一过程中，也必然会导致影片幽默风格的丧失，而俚语的翻译不仅要求能表达出真正的意涵，还要保留搞笑的语言风格。于是翻译者在进行翻译的过程中，就采用了归化翻译策略来辅助这一台词的完成，并在中国流行语中找寻到与之对应的词汇来代替，可以把它译为：“我七舅姥爷的三外甥女哎！”同时，这一口头语也是出现在中国的一部情境喜剧中，也是用来表现人物感到十分震惊时的语言。
在影片中的另一处还采用了中国流行语来进行翻译，当珠儿在嘲笑布鲁只是飞而不会说话的时候，就出现了一句台词为：“Bobo here cant fly.”这是一句极其简单的句子，但是要把它的原汁原味翻译出来也是对翻译者的一项挑战。在进行美国动画电影的翻译中，把源语中的幽默感传递出来才是字幕翻译的目的，因此在进行这一句的翻译中，翻译者采用了归化翻译策略，并在中国流行语中找寻到与其相关的，于是就把它翻译为“俺家亲爱的不会飞呢！”这一句具有十足韵味的乡土翻译，把珠儿当时的心情都充分表达出来，同时也让中国观众联想到小沈阳的腔调，不禁为此开怀大笑，与影片中的人物性格语言风格十分贴切。
四、结 语
总之，美国动画电影《里约大冒险》的字幕翻译中采用了大量的流行语，并在异化和归化翻译策略的指导下，并没有违背翻译的基本原则，流行语的运用促使影片的语言更加生动、活泼，凸显了时代的特征。同时，今后还应注重流行语的规范化，便于流行语在英文电影中的翻译。
[参考文献]
[1]彭国斌.从《里约大冒险》解构美国式动画电影创作特征[J].电影文学，2011（19）.
[2]段阳.“蓝天”版鸟类总动员——体验《里约大冒险》之色彩魅力之行[J].电影文学，2011（21）.
一色彩设计在动画电影中的地位与作用
1色彩设计的独立性地位在动画电影中，色彩以从一种外在形式变成了荧幕视觉效果的内在构成者和参与者，它参与了剧情，形成了造型语言与场景语言，是动画内在生命的外在表现。色彩设计在动画电影中具有独特的视觉语言与形象，展示着独具特色的艺术风格。动画电影与卡通绘画以及一般影视在色彩上的巨大区别就在于独立的色彩语言与色彩审美。色彩在视听艺术范畴内的动画电影中具有不可估量的创造力和美学价值，在完成其视觉美感创造力使命的同时，还为人们提供了对电影极其丰富的联想与想象空间，启发着观众理解、思考其内涵。正如迪士尼公司的众多色彩设计师所说，色彩感是动画电影中首要的也是最普遍的感官，色彩是塑造动画艺术的主要手段之一。在《白雪公主》之后，色彩动画电影中的色彩语言与色彩设计进入到动画电影之中，成为了打动人类知觉和感情的重要力量，这也被称为电影艺术的第二次技术革命。在众多动画电影如《埃及王子》、《萤火虫之墓》中，我们感受到了运动的色彩美。再如，动画电影《风中奇缘》，让我们惊叹着那种和谐的、美不胜收的色彩处理效果。正如其片名一样，影片中的色彩设计带领观众进入到一个风中绮丽的世界之中。2色彩设计在动画电影中的作用关于色彩设计对于动画电影的作用研究有许多，但大多流于表面，缺乏对于色彩与电影本质属性的结合研究。笔者认为，对于色彩设计的运用能够让人们全心地投入到动画电影之中，并且获得色彩升华后的意境和思考，这才是色彩设计在电影中的本质作用和内涵。一部优秀的动画片，除了有丰富、有趣的剧情内容外，其受欢迎程度也与色彩的运用有很大关系。虽然没有真实的拍摄场地与演员，但在色彩处理中，动画电影更为强调主观创作的视觉美感应该来源于生活中人们对色彩的感受。如果能够真正投入到动画舞台中的生活和人物中，就可以利用和享受色彩来给我们带来真实的生命感受，感悟生活的奥秘。当画面要着重表现某些喜悦的故事或者心情时，色彩便可以利用它独特的魅力来渲染这种美好的画面；而当故事中的人物用嫉妒去对待这个世界时，画面中便利用色彩反射出一种苦闷抱怨的调子。概括来讲，动画电影中，色彩用来传达思想、表达情绪、体现主题或制造动感和空间感。
二色彩意境在动画电影中的构成
1塑造角色动画角色的色彩设计是动画电影中一个至关重要的环节，角色不仅是构成影片的主要成分，而且还承担了传递情绪的作用，好的角色设计可以用他自己的情感去吸引和感染观众。而创作者们常常会利用色彩来表达动画电影中某一角色的人物性格、命运等。例如，我们看到的如《千与千寻》等好的动画电影作品都是善于抓住人物身上的色彩设计细节，然后利用精雕细琢的色彩来表达其中隐藏的视觉效果，让观众在看到了表现化的人物之后，再进一步通过色彩领会其中的人物情绪以及性格。对于角色的认知，除了基本的名称、造型和大小、类别等区分外，最突出的就是利用色彩设计去区分。就电影艺术而言，诉诸于视觉色彩比诉诸于记忆的名字更为生动和直接，也比造型等更为清晰。以国产动画片《葫芦娃》为例，创作者们似乎并没有想在外型上给七个葫芦兄弟以区别，甚至在单独看到他们的脸时也分不清楚究竟是哪个，创作者们利用了红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种不同的颜色将葫芦兄弟给予区分，观众便可以利用颜色分辨出他们的个性和特长。除了强化角色的外在特征外，色彩还可以强化角色的内心和情感。动画电影在角色塑造上的色彩要求是要恰当的点缀，既要有真实性，还必须有装饰性的存在，从而构建一种角色的性格或者关于角色的某种暗示。以动画片《白雪公主和七个小矮人》为例，其中的王后便是黑色的衣服配上蓝紫色的冷色装饰，与穿着洁白无瑕的白雪公主形成了极大的对照，从而暗示出王后性格中的阴险与黑暗。动画电影中的角彩设计，总体是要以表现全片主题为目标的，在这个总的要求下，使得角色性格与作品主题和气氛密切关联起来，成为为主题服务的色彩符号。因此，在动画电影中，任务通常不具有现实生活中的复杂性、客观性和丰富性，而是变成了用色彩传达的符号。这就是动画电影在人物上的一个突出特点，性格是单层且有明确指向的。2烘托氛围在动画电影中，色彩意境不单单表现在区分角色的特征和表现角色的情感上，它还构成了影片的场景，来烘托出特定的气氛。例如，勾画出梦幻般的仙境，或者节奏紧张的恐怖场景。以2005年的动画电影《马达加斯加》为例，故事主题概念很简单，就是如果把四只来自动物园的动物重新放到野外，那么这四只离开人类世界的动物们将会怎样呢？为了表达这一主题，创作者们在描绘纽约这个国际都市时，利用了混乱、眩晕的色彩，使画面表现出城市中充满光污染的环境，而与此形成鲜明对比的便是影片中的非洲大草原，而在非洲大草原的色彩描绘中则显示出纯洁、干净的颜色，一望无际海水、繁盛茂密的热带色林、纯净闪光的沙滩等。这样的色彩烘托让人觉得心中无比激动，从而使人们不自主地对城市产生厌烦感，而对自然产生了无与伦比的向往。除了强化主题和引起人们心里的情绪之外，色彩在动画电影中还具有最为基本的和最为重要的陈述功能。例如，《出埃及记》这部动画电影，讲述的是摩西如何经受住考验并带领以色列人离开埃及获得自由的故事。这段来自《圣经》的故事，要求画面的色彩设计必须严密而慎重。为了使观众能够更加理解故事内容，创作者们在创作时利用了色彩的叙事功能，在塑造了严肃和神圣感的同时，也增加了故事的背景叙述。动画的色彩采用了壁画和雕塑风格，动画中埃及神殿上的壁画让人很轻松地联想起了尼罗河的古老文明，联想到了原始艺术的粗犷，还有埃及金黄色的时代文明。这种色彩设计还利用了强烈的对比，整体的背景呈现暗色，而红色在其中就显得十分突出，使人赏心悦目，增加了视觉上的观赏度，深化主题并且补充了剧情的矛盾冲突，让观众更容易看懂故事究竟在讲述什么。3讲述故事色彩意境除了在视觉效果中的塑造人物与烘托场景氛围之外，还具有推动故事发展的作用，这首先要得益于色彩的联想功能。我们知道，色彩除了其表现光的物理属性之外，还具有超出其本身的情感作用与联想作用。例如，红色会让人想到热烈的爱情、残忍的鲜血或者暴乱的革命；而蓝色会让人想到静谧的海洋；绿色会让人联想到茂密的森林等。而动画电影运用色彩讲述故事就是基于色彩具有联想能力这一点上。例如，动画电影《鬼妈妈》便利用了这一特点，在现实、虚拟世界和打破虚拟世界三个阶段运用了不同的色彩搭配，让观众容易联想到不同世界的特点。当然，除了基本的联想作用与叙事之外，色彩还可以帮助影片做起承转合的连接作用。
三例释动画电影中的色彩设计
本部分将具体提出几部动画电影的色彩设计，以便在特例中说明动画电影如何进行色彩设计和色彩语言的作用。1《花木兰》的色彩设计与色彩语言动漫电影《花木兰》，首先在人物造型上，当木兰还在家里时，从头到脚就是一个平凡女孩的装束，衣服色彩鲜艳，使人能够感受到花木兰性格的活泼，而当她离开家毅然加入军队中，则是满身的铠甲戎装，着装色彩便变得单一，而当她结束军队生活重回家里时，则又回到了过去的婉约动人。其次在场景设计和故事叙述上，匈奴进犯时采用了阴暗的色调进行渲染，随后色彩开始发挥叙述性作用，讲述木兰如何与匈奴进行抗争，并且在极其激烈的打斗场面中加入了强烈的颜色对比。这一段故事以木兰的胜利而结尾，在篇末，设计师采用了绚烂的烟花来表达故事的结局。2《鬼妈妈》的色彩设计与色彩语言国外的动画电影还有十分出色的色彩设计案例，这就是上文曾提到过的《鬼妈妈》。鬼妈妈塑造了现实与虚拟的两个世界，在这两个世界中间，影片的色彩设计起到了很大的对比和烘托作用。现实世界总体运用冷、暗的灰调，而幻想世界则采用明亮、鲜艳的暖色来描绘。而当卡洛琳的幻想消除“，鬼妈妈”的阴谋被揭穿后，原本明亮、鲜艳的色彩迅速被灰色所取代，而原本镜像世界的温暖的灯光也瞬间从黄色调变成了诡异的绿色调。在这样的冷暖色调转换中，创作者表达出了现实与幻想之间的取舍态度，揭示了影片的主题，并引起观众的共鸣。影片最后告诉观众，珍贵的亲情也许看似就像灰白色调一样卑微冰冷，但却是最温暖的。
四结语
本文结合具体的动画电影实例，分析了在动画电影中，色彩设计的独立性与审美特色，并提出了色彩意境的具体作用。
作者：许磊 李丽 单位：河北工业职业技术学院讲师 石家庄经济学院华信学院助教
一、改编类动画电影异军突起――国内外市场的新支点
与往年不同的是今年国产动画电影的档期较为集中，市场指向更加明确；影片风格各异、题材多样。其中既有轻松幽默风格的3D电影《兔侠传奇》，又有注重人文精神的《魁拔》、《藏獒多吉》。既有原创题材故事又有诸如《赛尔号》、《摩尔庄园》这样的依据网络游戏改编的动画电影。不难看出，创作来源多样、题材多样、技术手段丰富成为今年暑期五部动画电影的特点。
1.暑期五部国产动画电影投资与票房情况比较
很显然，出于影片投资方等诸多原因，电影院线方将欧美动画大片不同程度地安排出了暑期档，尤其是7月这个黄金档期。这就为国产动画电影提供了肥沃的市场土壤，同时也给了这五部影片同场竞技的舞台。
据8月末的票房数据显示：投资数额较大的原创题材影片如《兔侠传奇》（投资1.2亿）、《魁拔》（投资5500万）、《藏獒多吉》（投资6000万）三部影片票房均不理想，分别为2000万、350万、135万，投资与回报率比值极低。反观依据网络游戏改编的影片《赛尔号》、《摩尔庄园》的票房均过千万，其中《赛尔号》的票房达到了井喷的4200万，而其制作成本仅为1000余万。这让许多以高投入、大制作见长的制作出品公司汗颜。小题材小制作的影片独领，让人不可小觑。这种低投入高产出的以前期市场培育为特点的创作营销模式极大地表现了其市场优势，令人深省。
2.动画电影《赛尔号》、《摩尔庄园》成功的主要原因
影片《赛尔号》、《摩尔庄园》均改编自同名儿童网络社区游戏，其商业运作模式引来业界的广泛讨论，剖析其市场成功的因素主要有两个方面：一是直接获取了前期培育的市场、二是准确的受众定位。
市场营销中最重要的原则之一是“最大化地发现市场、最大化地满足市场”。而这两部作品恰恰很好地满足了这两点。制作方在策划初期并没有闭门造车，而是广泛地搜集市场信息，将已培育成熟的网络游戏市场资源直接利用，游戏用户直接就变成了潜在的观影群体，这样就做到了最大化地发现市场；在影片受众定位上并不追求全年龄层的“普及”，而是明确针对7-14岁的少年儿童这一群体，并且将游戏中“健康、快乐、探索、创造”的主题直接转化为同名影片的主题，使游戏与影片的主题内容具有连通性，从而在将影片推向市场时迅速获得较高的关注度，抢占有利时机。同时，正是由于这种连通性，使故事内容能够引起观者的强烈共鸣，可谓最大化地满足了市场。
3.国外改编类动画电影大放异彩，前期市场培育模式已孕育成熟
国外动画产业发达的国家早已注意到前期市场培育这一创作营销模式所带来的市场利润，市场资源整合进一步突出，改编的影片题材包括漫画、电视动画、游戏在内的不同市场领域。近年来日本及欧美国家制作的改编类动画电影已占据了整个动画电影市场的半壁江山。《变形金刚》系列、《蓝精灵》、《爱丽丝梦游仙境》等已得到市场的一致认可和好评。成为动画电影市场的一个新的支点。
二、前期市场培育营销模式的优势及其原因
《赛尔号》、《摩尔庄园》的成功让我们深切认识到前期市场培育这一新的创作营销模式的优势以及它所带来的巨额市场盈利空间，而归结其优势及原因可以从影片投资、制作和受众三个角度来进行分析探讨。
1.市场成熟，投资风险降低
对于影片投资方来讲，最关注的自然是影片最终的票房收入和市场美誉度，这关系到投入成本的回收、利润的产生乃至品牌的长期打造。而一个影片的题材、内容以及它所带来的市场前景成为前期投资立项时的一个必要的调研评估环节。经过前期培育且成熟的市场自然让这一风险降到了最低。近年来网络游戏市场的繁荣和长盛不衰使得其周边市场空间日益膨胀，商家及用户不再满足于游戏本身，相关配套的衍生产品、动画产品丰富了市场的文化需求和娱乐需求，这样的产业结构给动画电影带来无限的潜在市场空间，市场资源的跨界整合也成为了必然趋势。当这种市场资源整合的时候，原先市场的忠实客户直接变成了另一个市场的潜在客户，这种市场资源的移植是规模巨大的但同时也是轻而易举的，可谓四两拨千斤，大大降低了投资风险。
2.创作模式有章可循
动画电影的策划制作环节关系到最终作品的成败，即使在立项前期对影片进行了全面的市场调研和数据评估也无法完全保证影片将来制作完成直至投入院线播映后能得到良好的市场预期和理想的票房。但前期市场培育这一营销模式几乎可以避免这一风险。原先市场的客户群就是影片的受众群，原先市场的卖点就成为了影片的卖点，如法炮制，影片的定位和策划不再盲目和冒险。与此同时，影片的人物设定、场景设定、风格定位等等因素有章可循，节约制作成本的同时又保持了与原先作品一脉相承的关系，这种“拿来主义”成为节约制作成本并实现理想市场回报的关键所在。
值得一提的是，影片与原先作品在风格、故事内容和人文精神上要有较高的契合度，不仅在形式上更要在内容上与原作保持传承关系，否则，市场营销的结果将会前功尽弃。
3.作品内容易被大众迅速认知和理解
作为走进影院的观众，面对所有同一档期上映的影片，在不熟悉影片故事情节的情况下最吸引观众注意的是他们熟悉的某部影片的某种元素。这种元素可能是观者熟悉的演员，可能是观者熟悉的影片类型，也可能是影片背后被改编的熟悉的原作。然而最后一种情形是最容易架起影片与观者之间产生共鸣的桥梁，这种市场竞争中的先天优势显而易见。这一部分观众自然成为了该片忠实的追随者。同时，由于观者对原作的熟悉更能加深对改编影片内容和情节的理解，这对影片获得更多的美誉度提供了保证，从而使得影片获得高票房、高市场回报率也不足为奇。
三、体验经济下的国产动画电影发展战略
当今世界已进入体验经济时代，这是继农业经济、工业经济、服务经济之后的第四个人类经济发展阶段，也可称为服务经济的延伸。体验经济现如今已渗透到工业、计算机业、互联网、商业、餐饮业、旅游业、娱乐业等等诸多领域，并呈现多元化趋势。作为文化产业的一个重要分支――电影产业更是将体验经济模式诠释得淋漓尽致。整个观影的过程就是一个人的情感体验的过程，尤其是在社会大发展、工作压力剧增的现代社会，人们希望在观影的过程中得到难忘的感受和体验以达到舒缓精神、放松心情的目的。这是体验经济在电影产业的价值所在。
作为电影产业的一个重要组成部分――动画电影在人的观影体验中发挥着其他类别电影无法企及的超越现实的想象力、表现力、塑造力以及由此带来的无与伦比的精神体验的作用。可以说，动画电影走在了体验经济的最前沿，是最具市场活力的产业。而国产动画电影如何在这体验经济的浪潮中实现自身的发展并实现在国际市场的突围成为我们最为关心的课题。
1.短期内以市场整合式创作营销模式为先导，拓展和培育中国动画电影市场
中国动画的发展任重道远，动画电影水平的提高更不会一蹴而就。必须经过一段时期的探索、培育、总结、实践，慢慢找出适合中国动画电影产业的发展之路。分步骤、分阶段地发展我国动画电影产业，使之真正成为国民经济新的增长点。而短期内则需要以培育和拓展动画电影市场为主，使之成为大众观影主要选择的类型片之一。
（1）促进动画电影产业稳步攀升，提供培育温床
中国电影目前正在蓬勃发展，银幕数量已突破6200余块，而回首上世纪九十年代国内的电影院却大都门可罗雀，电影产业严重滞后。然而之后的几年随着几部欧美大片的引进，强烈的感官冲击、跌宕起伏的剧情和丰富绚丽的画面使得观众又重新回到电影院，并为那张价格不菲的电影票买单。随着欧美大片的进入强烈刺激了电影市场，电影产业随之兴盛起来，国产电影在这种浪潮下也探索出了自己的发展之路。中国电影在国际影展上也屡获大奖。
中国电影市场整体的发展模式非常值得动画电影市场借鉴。应抛弃“一步到位”、“急功近利”的思想，短期内首先做好市场的培育和铺垫。以市场资源整合式的创作营销为先导，通过翻拍和改编已获得市场成功的作品为突破口，聚合人气，慢慢积累动画电影市场，提供培育温床。
（2）聚集社会关注度，吸引投资反哺动画电影产业
以影片《赛尔号》和《喜羊羊与灰太狼》之贺岁片为例，当整合创作营销发展到一定阶段时便会吸引更多的社会关注度和市场参与度，从而将会吸引更多的企业参与动画电影的投资，这些投资将会反哺动画电影产业的发展，为将来中国动画电影水准的整体提升打下了良好的经济基础。
2.长期打造国产原创动画精品的发展之路
短期内以市场资源整合式发展之路可以给国产动画电影带来培育的温床，也发挥了其在产业发展中的促进作用，但从长远角度看，这并不是未来中国动画电影产业的发展方向。虽然这种发展模式可以在短期内赢得市场的成功但难以培育出优秀的、高品质的动画电影，其动画作品更难以代表中国动画电影的发展水平。要实现中国动画强国之梦需要走长期循序发展之路，逐步打造国产原创动画精品。而动画影片的具体创作要素应从以下四个环节着手：
（1）确立观者的中心地位
观影人群是一部电影的最终接受人群，是电影产业链的消费终端，同样也是影片品质市场检验的主体，其重要地位不言而喻。早在上世纪六七十年代西方文学艺术领域就曾提出过“接受美学”的理论概念，其核心是强调文艺作品应从受众出发、从接受出发，注重研究观者的接受过程，确立受众的中心地位。由此可见观众在整个电影产业中起主导作用。动画电影作为文化产品有明确的受众群体，并不是“闭门造车”、“孤芳自赏”的乌托邦，而是需要依据受众口味、满足受众群体精神需求的文化产品。观者的观影目的达到了，票房也自然上去了，市场繁荣的同时也标志着项目运作的成功。
（2）加强人文精神和艺术张力
影片的人物性格和故事情节需要有一种人文精神，即影视作品的艺术灵魂。这在体验经济潮流下显得尤为重要。观众走进电影院想要看到的不仅仅是一个完整的故事，更是需要在接受这个故事的过程中感受剧中人物和情节的精神内涵，体验一场难忘的心理过程。这种精神内涵将角色和故事内容串联成一个统一的整体，向观众传达着影片的主旨思想和情感，而正是这种思想和情感吸引着观众，使观众的感情与剧中人物的感情命运产生共鸣。这不仅增强了影片的艺术感染力更增强了观众的观影体验，从而达到对该片较高的认可度和美誉度，直至成为这部作品的忠实观众，品牌的价值和效应由此显现。这一点在日本和欧美动画电影里得到了深刻地阐释。例如著名动画大师宫崎骏的代表作《千与千寻》中对主人公千寻面对困境、不断发掘内在潜能战胜重重挑战的勇气进行了大量艺术描写和渲染，使整部影片的精神层面得到了升华，感染了观众。
此外，艺术张力也是附着在影片精神内涵上的一个重要因素。如今国产动画电影取得了长足进步，但在艺术表现力上还尚有欠缺。这种艺术表现力体现在每一个细节：人物造型、神态、语气、性格的刻画，环境的渲染以及配角的表现等等。缺乏这种艺术张力的作品虽也能讲述一个完整的故事但艺术感染力不够，不会带给观众一个强烈的观影体验，会让整部作品平淡无奇。以美国为代表的三维动画系列如《里约大冒险》等等影片十分注重艺术张力，剧中每一个角色都做到性格鲜明，生动且富有人情味，而这些具有鲜明性格特征的角色和离奇的故事情节产生的合力使得整部作品给人感情饱满、酣畅淋漓的感受。
（3）不能忽视的娱乐性
体验经济的特点之一便是娱乐性。作为服务经济的延伸，体验经济一直在试图创造一种“难忘的经验”，让人得到身心的放松和情感的愉悦是这个“难忘的经验”的重要组成元素。动画电影正是这种体验的很好的载体。据一份权威机构作出的调查问卷中显示，观众喜爱欧美动画电影的原因列前三位的是：“情节轻松，幽默搞笑”（占27.6%）、“技术高超，制作精美”（占22%）、“画面精彩华丽”（占14.2%）。由此可见，具有幽默娱乐风格的影片更受大众欢迎。
影片的娱乐属性不仅仅指幽默诙谐的风格类型，也包括情感体验的风格类型。一部动画影片如果不以轻松诙谐动人，那么它一定要以情感动人，否则，再精美的制作也只能望洋兴叹。其艺术价值和故事情节平淡无奇，这就是某些只重视形式和技术忽视内容和情节的动画电影铩羽而归的原因。
（4）亟须提高影片的制作水准
［关键词］国产动画电影;奇观化叙事;视觉;人物形象;“视觉”叙事
中国早期的动画电影不乏经典之作，如《小蝌蚪找妈妈》《天书奇谭》《神笔马良》《雪孩子》等，无论从画面风格，还是从叙事艺术上看，都各具特色，具有很高的审美价值。中国早期的这些动画电影也称为“美术片”，与当代国产动画的创作形式有着很大的区别，其中最突出的便是后者的奇观化叙事。奇观化叙事是现代商业影片发展的一个重要特征和趋势。对于动画电影来说也是如此，动画电影与真人电影相比有更多的创作自由，并且，动画影片的视觉审美往往是对观众最具吸引力的地方。现代电影技术为观众提供着一场又一场视觉盛宴，不断地激起和提升观众的视觉审美欲望。当代国产动画电影的奇观化叙事正是对这一视觉审美文化走向的一种回应与迎合。本文从奇观与视觉、奇观与人物形象、奇观与“视觉”叙事三方面出发，分析当代国产动画电影的奇观化叙事。
一、奇观与视觉
营造视觉，带来超越现实的梦境化体验，是当代国产电影奇观叙事存在与流行的基础。视觉审美是一部电影最基础的审美诉求，动画电影尤为如此，现达的媒介技术使得电影创作者能够最大限度地实现其艺术想象。对于动画电影来说，精细到每一处色彩、每一个细微线条都能够完全以创作者的意图予以呈现。虽然早期的动画也是根据电影人的艺术表现要求进行创作的，但若要创作出如现代电影这般画面绚丽丰富、节奏变化自如多样的作品，要耗费的人力与时间却是无法想象的。可见，现代电影技术为国产动画片的奇观叙事奠定了基础。动画与真人电影不同。在现代媒介技术的支撑下，真人电影能够逼真地呈现出现实世界中并不存在的事物。由于其以客观现实和真实的人物为基础，当真实与虚拟自然地融为一体时，这种虚实交错的景象本身，足以构成强烈的视觉冲击。经典的如《异形》《侏罗纪公园》《星球大战》等。动画则不然，很多画面呈现的景物和人物本身与现实相差甚远。换句话说，它在很大程度上超越了现实生活，与传统的真人电影相比，动画本身便富有“奇观性”。因此，动画影片通过奇观来冲击和俘获观众视觉的方式与真人电影是不同的。一方面，动画影片的视觉奇观建立在人物和场景的高度拟真性上。电影创作者利用现代技术手段，赋予这些虚拟的、通过绘画产生的事物生命，让其变得立体鲜活。近年来，三维动画的发展便是对这一视觉审美需要的回应。2014年的《秦时明月之龙腾万里》便是采用了3D技术，“动态捕捉”与“面部捕捉”也运用到影片的制作中来。除去影片叙事上的薄弱，《秦时明月》在视觉审美方面是比较出色的，与目前国产动画影片相第15期/2016年/总第660期比，堪称其中的佼佼者。如，影片中荆天明这个人物性情纯真开朗、活泼敏捷。影片开始抱打不平的荆天明用“玉米机枪”与几个秦国士兵交战、追逐。3D技术在很大程度上使人物的表情与动作更加流畅，面部表情的细微变化、人物动作上的连贯自然，增强了人物的真实感和立体感。而影片中的沙漠场景也是颇为壮阔逼真。细腻的沙粒、轻薄的沙雾，天与地、人与景在细腻光影效果的衬托下亦真亦幻。而沙漠追逐中画面节奏的变换自如、张弛有度，既有真人电影的现场感、人物的逼真性，又不乏瑰丽壮阔的奇观景象。这正是动画电影奇观呈现的魅力所在。另一方面，与传统动画电影相比，当代国产动画影片的视觉奇观还在于动画与真人的结合上。将虚拟的卡通人物与现实世界浑然天成地拼接在一起，这种视觉审美体验对于观众也是颇具吸引力的。如，2015年上映的动画与真人相结合的《捉妖记》，其票房和口碑的成功与此有着密切的关联。《捉妖记》与以往此类动画影片不同，真人与动漫人物并置于一起，并非作为一种画面点缀，而是通篇的结合，是视觉审美的核心。影片借助IMAX3D技术，不但影片中的小妖王与大反派巨型血妖看上去惟妙惟肖，人与“妖”在画面中的无缝对接，更是带给观众独特的视觉体验。可以说，《捉妖记》为国产动画影片的创作提供了一个新的方向。由此可见，对于动画影片来说，奇观所带来的视觉，不仅在于为观众呈现惊心动魄的场面和叹为观止的景观，也在于其细节处理，在于向真实世界的无限接近。
二、奇观与人物形象
近年来，国产动画电影越来越多地重视视觉审美诉求，以各种奇观场面吸引观众走入影院。《大圣归来》《龙之谷》以及《熊出没之雪岭熊风》等，都在视觉奇观方面做足了文章。无论是宣传海报，还是预告片，都无一例外地强调影片的画面特效，以激起观众的消费欲望。但单纯的视觉刺激，无法保证观影热度的持续。人物是一部影片的核心审美客体，电影通过呈现人物的心理活动、生活经历及其与周围环境的动态关系来叙事和表现主题，动画电影也不例外。奇观的展现不仅是一种表象，其造型设计、变化本身，都要求与影片内在的整体审美诉求相统一。在人物形象的塑造、精神世界的烘托方面，起到相应的审美职能。首先，与真人电影一样，奇观景象与英雄叙事通常在动画影片中成对出现。纵观近年推出的国产动画，在追求大制作、大场面的过程中，与之相对应的正是英雄叙事的发展。在视觉奇观的背后，讲述的是有关英雄人物的传奇经历。奇观场面与富有传奇色彩的英雄人物相呼应。《秦时明月》中的项少羽、《大圣归来》中的悟空，其人物原型都来自于历史和古典文学作品中的英雄人物。《魁拔》中的蛮吉则是六代魁拔转世，是天地两界各种力量全力打击的恐怖角色。即使是以低龄化受众为主，讲述动物们守护大森林的《熊出没》，在搬上大银幕后，亦加入了山神这一形象。熊二则被塑造成平复山神震怒，拯救白熊山的大英雄。山神震怒的场面，影片浓墨重彩地给予呈现。被激怒的山神身形激增，雪白的皮肤开始碎裂，通体耀眼，遍布红色纹路，背上长出了密集、硕大的冰刺。山神从温顺善良变得凶狠可怖，所到之处皆是炽热的冲天火柱。这一场面实际上正是为烘托英雄人物而设。熊二在平复这场可怕灾难的过程中，完成了自己从普通人向大英雄的蜕变。其次，奇观场景与人物形象经常在影片中成为两种对立的因素。这两者之间的反差，使人物形象更加生动丰满，也能够在很大程度上增强影片的戏剧性张力。奇观画面与普通小人物的并存，已经成为当代国产动画影片创作者愈发青睐的叙事手法。以奇观激发视觉审美欲，以小人物实现情感认同，已逐渐发展为国产动画的类型叙事。《秦时明月》《魁拔》《熊出没之雪岭熊风》等，这些近年上映的影片无不如此。2015年，《大圣归来》更是被视为一部现象级国产动画。影片借用了古典名著《西游记》的齐天大圣形象，以颇具现代性的叙事风格，将原著中的不同人物，给予新的诠释。人物的重塑、影片浓郁的好莱坞英雄叙事风格与3D技术的配合，既满足了观众的西游情怀，又添加了许多新的审美要素。影片开始展现了孙悟空腾云驾雾，独战一众天兵天将的精彩画面。而500年后，悟空在江流儿的帮助下冲破冰封的场景亦颇为壮观。但影片塑造这样一幕幕恢宏的奇观场景，并非为烘托大圣的盖世本领。重获自由的悟空，已经并非当初的齐天大圣。在法印的束缚下，它只不过是一只普通的猴子而已。因此，影片是在环境的强大与人物的渺小之中展开叙事的。这样在尾声，悟空重燃斗志，并最终回归自我时，影片的场面和喷薄而出的情感才更显震撼。纵观近年推出的具有一定影响力的国产动画片，这种奇观加英雄的叙事模式将是未来商业动画的主流模式。这一叙事方式实际上是美国好莱坞已经发展得极为成熟的商业创作手段，有着极为广泛的受众基础。中国动画电影创作者所要解决的主要问题，是如何将这种现有的成熟模式与中国元素更好地结合起来。
三、奇观与“视觉”叙事
当下，包括动画电影与真人电影在内的奇观化走向，不仅仅在视觉审美的层面影响了现代电影的审美特质，也必将在多层面和多角度上深刻影响电影的创作形式、精神内核和审美方式。在奇观电影中，蒙太奇组接的理性原则已经转向了视觉奇观性的快乐原则，完整的叙事线性结构被奇观要求所颠覆。也就是说，奇观电影的首要任务是通过画面的组接来传递具有视觉吸引力和的影像。奇观蒙太奇全然不同于叙事蒙太奇，它不再拘泥于叙事的意义关系，而是直接服务于视觉生产。这就意味着一个重要的变化，亦即画面的组接依赖于表层的、直接的视觉，而非内在的、深度的叙事意义关系，这必然造成奇观对叙事的解构。如果以这一思路反观中国动画电影的奇观化叙事，或许可以得出这样的结论:一部动画电影的成功不在于其内容上的连贯性，精神内核的完整与清晰性，而在于影片在叙事的过程中，是否能够持续吸引观者的视觉注意，并在观众脑海中留下最能体现影片整体审美风格，并极具视觉审美表现力的代表性画面。显然，这种判断有失偏颇。从本质上讲，国产动画电影由叙事电影到奇观电影的转变，其背后是媒介科技发展的强大助推作用。它将观众带入一个前所未有的视觉体验时代。与其说是快乐原则，不如说是一场场技术试验与视觉冒险。电影自产生以来，创作者对特技技术的探索从未停止过，其目的与结果正是令影像摆脱了对现实世界模仿的关系，获得更多自主性。很显然，这种越来越多的自主性，已经反过来对现实世界产生深刻的影响。因此，奇观性本是电影应有的属性之一，也是电影艺术区别于其他艺术形式的重要表现。它的出现并非仅以视觉为核心，而是电影艺术发展的内在要求。同时，奇观在满足观众视觉需求的同时，并不能替代观众对影片的文学性审美需求。如，被视为国产动画新高度的《大圣归来》，在奇观呈现上的确优秀。但随着动画影片在经济支撑和技术支撑上的逐渐强大，实现画面的精良、奇观的新颖并非什么难事。这部动画片能获得较高的评价，绝不仅仅依赖于此，而是其对传统文学经典的创新型借鉴方式。无论在叙事还是人物形象上，都是富有新意的，并在改编的过程中，形成了自己新的精神内核。这是该影片能够脱颖而出的根本原因。因此，奇观不会，也不应该脱离审美客体本身的能指与所指。只是电影创作者在经历了一场场技术狂欢之后，需要更多的冷静，去探索奇观作为一种重要的视觉语言，正在以怎样的方式对传统叙事进行着解构与重构，并如何将其正确地纳入到电影的艺术语言中去。综上，奇观化叙事将成为国产动画电影未来发展的一种主流趋势。商业诉求、科技支撑与电影内在的奇观性本质是决定这一方向的主要推动力。奇观在一定程度上解构了电影的传统文学性叙事形式，但并非对电影叙事本质的颠覆。只有为奇观而奇观的动画作品，才会损害电影的完整性和整体审美表现。这是电影创作者需要冷静面对的问题。
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