时间：2023-10-30 11:18:52
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇电影艺术的发展，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
[关键词] 动画电影艺术；生态美学思想；发展方向；人文美思想
基金项目：本文系中央高校基本科研业务费专项基金项目（项目编号：12szyqn04）。
动画电影，顾名思义就是指以动画为表现形式的电影。动画电影的表现风格多样、可塑性强，因而自从出现起便受到世人的欢迎。在现代技术发展的推动下，动画电影艺术的发展速度也非常迅猛。
（一）动画电影艺术的发展
关于哪一部影片是世界上最早的动画电影这一问题，各方所给出的答案各不相同，到目前为止，也没有一个确切定论。但不管怎样，1926年是电影发展史上重要的一年，在这一年中，德语影片《阿基米德王子历险记》放映。这部动画电影是世界上最早的动画长片电影，在电影史上有着极高的地位和标志性意义。这部取材于《一千零一夜》中的《阿基米德王子历险记》是一部剪纸动画电影。动画台拍摄了25万幅照片，最终选取了其中的96万幅，构成了这部动画电影的主要内容。这部历时3年之久制作完成的电影开创了长篇动画电影的历史。
1926年在动画电影艺术史上的影响意义深远，不仅仅在于世界上第一部长篇动画电影的诞生，也是因为在这一年美国动画电影大亨迪斯尼公司正式成立。迪斯尼公司在疯狂捞金的同时也为动画电影艺术的发展给予了一定的推动力量。自1937年，迪斯尼公司推出了第一部动画电影《白雪公主》起，该公司基本保持每年一部动画电影的出品速度。对于技巧动画和特技动画的使用纯熟，推动了动画电影艺术的发展。在1995年，大胆尝试的迪斯尼公司推出了世界上第一部三维动画片《玩具总动员》。此片播出后大获成功，不仅将迪斯尼公司推向了事业上的另一高峰，也标志着动画电影艺术进入了依托高科技的电影新纪元。
随着动画电影艺术在全球范围内的兴起，其也根据动画手段、电影表现形式、主题内涵等方面的差异，被分成了以迪斯尼为代表的美国动画电影学派、以法国动画电影为代表的欧洲幽默学派、以德国动画电影为代表的抽象动画学派和以日本宫崎骏、大友克洋为代表的日本动画电影学派。其中，美国和日本的动画电影产业较为发达，占据了世界动画电影的主流市场。相较于国外几大动画电影学派而言，中国的动画电影往往融入许多中国传统思想内涵、吸收中国水墨画特点，因而，也被称为中国动画电影学派。
（二）动画电影艺术的特点
动画电影艺术在表现形式上基本可以分为美派和日派两大阵营，其艺术风格各具特点。美派的动画电影在形象设计上偏好夸张风格，而日派则较常走写实路线。在结局处理上，美派动画电影的结局更加的圆满，而日派的动画电影则采用很多的开放式结局模式。在画面的处理上，美日两派有着很大的差别。美派主要依靠技术取胜，以计算机为依托的数字化电影是主流。甚至有人说，美国人中没有“动画绘制人”。与其相对的，日派在画风上追求细致，画面的真实感和精细度都比较高，拥有一批绘画技术高超的动画作家。当然，动画电影艺术还有一些共性的特点。无论是哪一派，动画电影艺术在内涵的设置上，对于梦想的坚持总是永恒的主题。动画电影以一种轻松的手法来体现有内涵的主题，富于人情味。而且，动画电影艺术注重细节氛围的营造，在意境上追求细致而又雅俗共赏也是其重要的特点。
现在的动画电影在高科技手段的推动下不断发展，表现手法真实、故事情节耐人寻味，配合优美而又贴合情境的音乐，越来越多的人能从中得到美的享受和心灵的启迪。动画电影中美学思想的光芒体现深刻、熠熠生辉，使其从单纯的娱乐作品上升到了一种艺术境界。
二、动画电影艺术中的美学思想
动画电影艺术之所以能成为艺术，不仅仅是因为其带给人们的放松、愉快的感受，更多的是因为蕴藏其中的美学思想。动画电影艺术中的美学思想可以体现在诸多方面，音乐美、光影美等都是动画电影艺术的魅力来源。笔者在这里选取意境美、人文美和生态美三个角度来对动画电影艺术中的美学思想进行粗浅探讨和分析。
（一）动画电影艺术中的意境美思想
“意境”是主观情感和客观情景之间的融合与渗透，它超越了客观情境，而使人得思想进入一个更广阔的时间和空间中，从而获得一种情感的抒发和领悟。①对于意境的追求是动画电影艺术的美学特征之一。通过画面、音乐、色彩等元素的结合，使人们在观看影片、体味故事情节的同时，也能将情感升华到人生感悟、自然变迁等开阔的艺术境界便是意境美的影响力。漫天黄沙与悠远号角相配的苍凉、雾水蒙蒙与石板小路相依的宁静，动画电影艺术中的意境美让人在“悦目”的同时也能真正的“赏心”。这种意境美在美派、日派的动画电影中也有广泛的体现。但将这一美学思想体现到极致的便是中国动画电影派。水墨画的墨色留白很容易让人们感受到宁静、悠远和淡然灵秀来。“诗情画意”是中国动画电影的艺术境界追求。将情与景结合，以景抒情、寓情于景，是中国动画电影艺术的审美境界，也是动画电影艺术家们的思想境界。可以说，动画电影艺术中的意境美思想让动画电影超脱了单纯的娱乐，而上升到了一种艺术的境界。
（二）动画电影艺术中的人文美思想
经济迅猛发展，追求利益最大化成了人们主要的价值追求。在这个物欲横流的时代，人与人之间的关系越来越复杂，人与自然之间的矛盾越来越激化。林立的高楼给人们带来了现代化的居住环境却也在同时剥夺了自然界中其他生命的生存空间。而在动画电影艺术中，这个问题也被深刻而直观地表现了出来。展示生命的价值、体现自然对生命的意义是动画电影艺术中重要的人文美思想。正是这种人文关怀，让动画电影艺术的价值感得以体现。将这种人与自然的和谐的人文美思想深刻体现的，要数日本动画电影派。日派动画电影艺术的代表人物宫崎骏可以说是一位人文主义美学大师。宫崎骏的动画电影之所以广受好评，正是因为在他的动画电影中人文美的光辉得以深刻体现。在宫崎骏的动画电影中呈现出的世界往往是完美而又虚幻的。经过一连串的感人情节与动人画面，故事总能够有一个好的结局。而主角也一贯是保有一颗纯真坚定的心。就是在这种自然流畅的虚幻中，观众却总是能发现现实世界的影子。正是通过这种简实、完美中透着现实世界的虚幻故事，宫崎骏向人们展示了生命的价值，展示了一颗纯真坚定的心的可贵。动画电影艺术以一种天真烂漫的动画世界融合了电影所赋予的现实手法，向人们展示了人性的光辉价值，这种人文美思想冲破了时空的界限，感染着一代又一代的观众。
（三）动画电影艺术中的生态美思想
生态美学，这个概念在中国有着深刻的历史基础。早在先秦诸子百家争鸣时期，生态美学理论的一些思想就有体现，如“天人合一”等概念，就有着生态美学理论的雏形。经过数百年的发展，在20世纪90年代，生态美学这一概念和学说才被中国学者率先提出。随着人类的发展，科技的日新月异，生态问题也日益严重。人类迫切的需要一种平衡的、自觉的意识来做到人与自然的和谐相处。动画电影艺术因其自身表现方式灵活的特点，将生态美思想表现得淋漓尽致。在一般的电影中，自然往往作为背景存在，对情节的发展起到烘托和推动的作用。而在动画电影中，自然界有了一个作为主体来展示自身的平台。昆虫、动物、鲜花、绿草，自然界的景物充盈着动画电影的画面。无论是宫崎骏还是迪斯尼，美好的自然经常成为表现的主题，而人类退居配角，作为点缀和装饰存在。动画电影艺术往往通过拟人化的自然景物，向观众展现自然的美丽和自然生物的顽强、活力，使人们在观看动画电影的过程中不自觉的体味自然内外兼修的美好。同时，以自然的角度告诉人们要坚持人与自然和谐相处的重要性。在人类于经济、政治和科技等方面不断发展进步的同时，人类与自然的相互依存、相互尊重和共荣共存的思想也应该不断贯彻到人类的切实行为当中，只有这样才能从真正意义上实现人类的发展和进步。动画电影艺术中的生态美思想不仅仅是一种美学的体现，更是动画电影艺术责任感的体现。
动画电影艺术中蕴涵着浓厚的意境美、人文美和生态美思想。这些美学思想让动画电影艺术区别于单纯的动画片和电影，使其拥有了独特的艺术内涵。动画电影艺术之于观众不仅仅是一个表演者，更是一位教育者，在给予人们视觉美享受的同时，让人们的内心也在潜移默化间得到启示和洗涤。
三、美学思想指导下的动画电影艺术发展展望
当今世界动画电影的发展呈现出多元化的发展趋势，然而，这种多元化的发展必须要建立在美学思想的指导下，只有这样动画电影的艺术性才能更好地展现出来。随着科学技术的发展，动画电影艺术的表现形式越来越多样化，许多动画电影在制作上越来越精良。高超的制作水平使得观众能够得到视觉上的充分享受，对电影情节的感触也更容易加深。科技制作路线，已经是动画电影艺术必然的发展方向。
然而，我们必须清楚地认识到，仅仅依赖计算机技术，将动画电影包装完美是远远不够的。现今的动画电影艺术需要的是更加广阔、更具高度的内在美学视角。立足于人心、人性，充分考虑到人文和生态内涵的作品才能真正的打动观众的内心，才能使动画电影的艺术性超越时空的界限。相信追求广阔的意境、充满人文关怀和生态和谐思想的创作理念会为动画电影艺术的发展指明正确的方向。提高制作水平满足视觉享受的同时，挖掘价值内涵滋养心灵，动画电影艺术必将走向一条“内外兼修”的发展道路。
注释：
① 李季：《中国动画电影中意境美美学风格的形成》，《美术教育研究》，2012年第4期。
[参考文献]
[1] 李季.中国动画电影中意境美美学风格的形成[J].美术教育研究，2012（04）.
[2] 王世阳.解读宫崎骏动画电影的美学特色[J].电影文学，2012（12）.
[3] 刘岳琪.论动画电影《借东西的小人阿莉埃蒂》的生态美学内涵[J].北方文学，2012（06）.
一
当电影告别了自己技术杂耍的丑小鸭阶段而成为艺术的白天鹅时候，还处在电影艺术的默片时代，然而就在这默片时代，格里菲斯、卓别林、爱森斯坦、普多夫金等天才的电影艺术大师们就创作出了永载史册的电影艺术精品。后来形成的电影艺术史上的第一个系统的电影美学理论——蒙太奇理论，可以说主要就是这种默片时代电影艺术的美学表达和理论自认。那么，这默片时代电影艺术的本性或本体是什么呢?如果参照后来巴赞的纪实主义电影美学关于电影艺术本体的表达方法(巴赞把电影艺术的本体概括为“摄影影像”，亦即著名的“摄影影像本体论”)[1]，则可将默片时代的电影艺术本体概括为“蒙太奇”。也正因为这样，“蒙太奇”一词才不仅作为一种重要的电影艺术方法和技巧存在，而甚至成为电影艺术的同义语。然而电影的这样一种本质或本性存在了多久呢?最多不过20年。然而当声音技术的进步冲破包括几乎所有默片时代的电影艺术大师的习惯与成见的阻碍而终于挺进到电影艺术中来的时候，电影艺术的本体构成无疑发生了质的变化。电影“蒙太奇本体论”把电影的全部艺术可能性都归结为电影画面(影像)之间的自由组接，即蒙太奇上，甚至对用来进行这种自由组接的画面本身都认为是次要的，无关宏旨的。至于声音因素则根本未予考虑。即使在声音因素已经进入到电影艺术中来之后，在这种蒙太奇本体论的理论视野之内，也一直被作为一种次要的因素而附带涉及的(直到艾柯、麦茨等人的符号学电影理论阶段，也仍有这种情况。麦茨的组合理论就基本上没有考虑电影的声音因素)[2]。而事实上如果说运动的电影较之静止的绘画和摄影也不过是增加了一个运动的维度的话，那么拥有了声音的电影较之默片也是实实在在地又增加了一个新的维度——声音的维度。电影艺术在本体构成上的这一重大变革，其意义究竟有多大，其实直到现在也难以概述，但有一点是肯定的，那就是电影由单纯的视觉艺术变成了视听结合的艺术[3]。无论如何，仅就这一点来讲，虽同样被称为电影艺术，而此电影已决非彼电影。在人类的五种感官当中，最重要的是视听，而且迄今为止人类所创造的艺术也无一例外都是诉诸这两种感官的(李泽厚称之为充分“人化”的感官)，非此即彼。而至此为止，电影艺术独自以便捷的方式占据了人类接收外部信息的这两大频道。
此后的色彩技术以及光学镜头和感光胶片等方面的技术革新和进步虽都程度不同地给电影艺术的发展带来一些影响，但基本上都没有触及电影艺术的本体构成，也就是说在声音进入电影之后的相当长一段时间里，电影艺术的发展进步是处于一种量变的积累过程中，真正给电影带来一次新的本体性变革的是电视技术的出现和发展。
二
电视技术的出现在相当长的时间里是作为一种新的新闻媒体存在的。而一旦当电视作为艺术形式出现时，正像声音因素被电影艺术习惯力量视为异己一样，电影艺术也把电视艺术看成是自己的敌对势力，在美国就爆发了持续十年之久的电影电视大战。而事实上在各国都曾程度不同地发生过类似的影视大战。默片时代的电影艺术家当时没有意识到声音的出现是不可阻挡的，它必定要进入电影并使电影艺术进入一个新的时代。前电视时代的电影艺术家们也同样没能及时地意识到电视技术作为一种新的强势媒体对于电影艺术的深刻意味。
如果一定要用一句话来概括电视技术给电影艺术带来的深刻影响的话，也许有一个说法是便捷的，那就是使电影艺术进入了电视时代。在探讨并努力准确表述电视时代的电影艺术的本体存在或者说本性的过程中，有一个广为人们关注的话题，那就是关于电影艺术与电视艺术异同的探讨和争论。直至目前仍有人致力于电视艺术特殊性阐释和论证，即将电视艺术视为电影艺术之后的人类的又一种新的基本艺术形式，而努力收集归纳其有别于电影艺术的特异之处。然而笔者始终认为，电视艺术与电影艺术之间的差异，充其量只是同一类艺术形式内部不同种属之间的差异，而非人类基本艺术形式间的差异，而且这种差异主要的是一些量的、暂时性的、技术性或经济性的差异，而非艺术本体上的差异。也就是说，电视艺术与电影艺术在艺术本体上是一致的，相同的。随着影视技术的发展进步，电影艺术与电视艺术之间的差异和分野正在和已经消失和弥合。“电视电影”这个影视艺术的新品类的出现与存在，清楚不过地向人们昭示了这一点。[4]因此我们完全有理由这样宣布，电视技术的出现和发展，主要的和根本的意义，并不是在电影艺术之后、之外，使人类拥有了一个新的基本的艺术形式，而是使电影艺术又进入了一个新的时代——电视时代。其间变化之大，以致于事实上使我们已不便再用电影艺术这样的词语来意指人类的这一迟来的基本艺术形式，而应选择并习惯于影视艺术或影像艺术之类的新词汇、新概念。不仅电视时代的整个影像艺术之内涵已非电影艺术一词所能涵盖，即使单就电影艺术本身来讲，在电视时代的一系列新生与扩展，如在制作与播放以及观赏方式等方面的变化与进步，都已使电影艺术变得越来越不那么纯粹，不那么像电影了。大约是由于原有思维习惯的作用吧，人们只注意到了电视技术生长出了电视艺术这一重要事实，而且也许是吸取了历史上曾长期无视电影的艺术属性的教训吧，人们不仅一下子便认同了电视的艺术性质，而且似乎把全部的注意力和精力都用来发现和发掘电视作为艺术的区别于电影的特殊性，并急不可待地宣布电视是继电影之后的人类“第八艺术”。结果却忽视了另一个同样重要或者说更重要的一个事实，那就是电视艺术与电影艺术在美学本体上的一致性，更忽视了电视作为一种新的技术进步所给予电影艺术的深刻影响。如果把这种深刻影响所包含的发展趋势也考虑在内的话，我们完全可以做出下面的结论：进入电视时代的电影艺术即使还可以称之为电影艺术的话，也已基本上不再是原来意义上的，即以光学成像为基本技术与手段的电影艺术了。
三
人类社会确是以加速度的形式向更高的文明发展进化的。就在电视技术的发展进步正在深刻而有力地刺激并推动电影艺术向新的深度与高度发展迈进，其势方兴未艾的时候，又一种新的电子技术——电子数码信息技术又勃然兴起于世，并给予电影艺术以及整个影像艺术以更为巨大而深刻的影响。这场变革的来势之迅猛与内力之深厚，使人们真真正正地感到了绝对的应接不暇与别无选择。它既不像声音技术那样允许人们有一个怀疑、反对、认同的过程，也不像电视技术那样给你一个进行十年抵制大战的时间，而是在电视技术已经与电影技术趋于融合的基础上，一下子便出现在电影艺术的内部构成因素之中，它可以在你对其所知甚少或根本处于无知的状态，甚至根本还没有意识到它的出现与存在的情况之下，就一下子从里到外全方位地包围并渗透于你了。
电子计算机成像(CGI)技术的发明是在60年代，进入70年代即开始应用到电影制作领域。1975年乔治·卢卡斯创建了专门为拍摄电影提供电脑技术服务的特技王国“魔光实业”(IndustrialLightandMagic，简称ILM)，这已清楚地意味着又一个电影艺术的新时代即将来临。1991年，柯达公司“数字化视觉效果处理系统”简称(INEON)的诞生，宣告了数字技术支配电影技术的时代的到来。而2000年，美国最大的电脑网络公司——全美在线(AOLI-S)与美国第二大传媒集团——时代华纳公司(TimeWarner)的结盟，则最终标志着最新的电影艺术新时代——后电影时代(Post-cinemaEra)的来临。[5]
这究竟是一个怎样的新时代呢?
从技术层面讲，这一次的电影新技术革命，不是某种单一的技术变革，而是以电脑数字技术为核心的包括电影、电视、电脑硬件与软件、电话、自动化工程、机器人等等新技术长期发展融合的集中体现。从电影特技制作能力的空前提高(已没有什么影像是不可制作的)，到电影制作方式的根本性改变(电影已可以不是拍摄的，而是“合成”的)，再到各类新兴娱乐产品、产业的产生(如电脑游戏，实真经历，互动娱乐等)，再到全新的发行展示渠道的创建(如只读记忆光盘、数字光盘、卫星电视、有线电视、互联网等)，这一切不仅无一不直接引发着电影艺术的本性变革，更以集体的合力最终将电影艺术推进到了一个全新的“后电影时代”。
从艺术层面上讲，在后电影时代，电影艺术在艺术本体上发生的变化主要有以下几点：
(一)电影特技制作能力的空前提高，使电影艺术的奇观本性得到突现，超越了电影艺术的纪实本性而明显处于前景位置，直到产生所谓的“效果美学”[6]
纪实性与奇观性是电影本性的相互关联的两个方面。在巴赞时代，电影艺术的纪实本性得到了最大限度的高扬，“纪实美学”也因之而成为电影艺术美学原则的主旋律。而当电子计算机成像技术、特别是电脑数字技术一经应用到电影特技制作领域，就使电影特技超越了单纯的技术意义而具有了美学内涵。从《星球大战》(1976年制作完成，电影史将这一年称为“特技效果的新生”)到《谁陷害了兔子罗杰》(1988年)，从《终结者》(1991年)到《侏罗纪公园》(1993年)，从《阿甘正传》(1994年)到《勇敢者的游戏》(1995年)，从《玩具总动员》(1995年)到《泰坦尼克号》(1997年)……电脑特技，创造了一个又一个真正匪夷所思的人间奇迹。[7]在20世纪最后10个年头里，电影也正是凭借这种对于传统电影技术来说几乎永远无法实现的银幕奇观的表现而重新定位了自己的大众文化坐标，并再一次战胜了画面小、影像差和音响弱的电视的。而当这种“追求技术魔力”、“致力奇观呈现”的“效果美学”成为时尚、甚至主流时，就不仅悄悄地改变了观众的观影经验和观影期待(从对电影叙事真实性的认同转移到对电影奇观和技术的欣赏)，而且也悄悄地解构着电影艺术本身，将其融入到一个更为广泛的传媒体系之中去了。
(二)电影制作方式的革命性转变，使巴赞摄影影像本体论的电影理论趋于解体，并将最终改变电影本身的本体存在
虽然就全行业来讲，电影业仍然是一个“胶片”行业，但以卢卡斯“魔光实业”(ILM)为代表的数字化新技术正在排除电影拍摄放映的老式机械装置，电脑合成的数据人物和影像处理的仿真场景已经预示着电影工业成为“无胶片”行业的可能。就是说，电影已可以不是排演拍摄成的，而完全是电脑合成的。如果说传统的电影制作方式有一个最大的局限在于它的每一个艺术想象的实现都受到制作技术与条件的限制的话，而随着电脑数字技术支配电影制作，则最终完全超越了人类有限的想象力。它可以合成任何现实的、非现实的视听影像，只有你想象不出的，没有它制作不了的。这样一来，影像与物质实体之间的联系就变得非常脆弱了，影像本身不再保障视觉的真实性。再简单地讲就是，电影已不再是“记录”(Record)，不再是“物质现实的复原”(克拉考尔语)，而是“合成”(Graph)，是“实在的非真实”(Virtualirreality)。显然，当观众已清楚地知道任何影像都可以是数字化地制造出来的时候，人们对电影真实性的确信也必将终结。
(三)新兴媒体新兴娱乐产品的建立和新的传媒体系及发行展示渠道的创建，已经形成人类全新的“视听文化”，亦使电影艺术发生根本性变革，直至消失在新的系统之中
随着电视的出现，以及其后电脑技术的应用，特别是数字技术和互联网的出现与发展，新兴媒体及新兴娱乐产业层出不穷，并逐渐形成群雄并起、逐鹿中原的局面，电影不仅丧失了“大众艺术之王”的地位，更重要的电影与电视、电脑、多媒体和网络之间的界限日趋模糊。电影正在汇入更大的视听媒体洪流之中，这一媒体洪流从摄影化走到电子化，现在又到了网络化新阶段。
在这些新兴的娱乐产品或方式中，有两种产品或方式对电影的影响或者说改造最为深刻。其中一个是“互动娱乐”(InteractiveEntertainments)，及由之而生发出的互动电影。这种互动电影为观众(用户)提供了这样的可能：从一个音像数据库选取素材，建立多种不同的电影叙事走向，事实上就是构造观众(用户)自己的故事。另一个是“实真经历”(Vivtual-RealityExperienes，简称VR)。“实真经历”是对真实的全方位(视、听、嗅、味、触多种感官的信息来源及其综合)人为仿造，并企图最终达成与真实的完全一致。“实真经历”的用户或者说参与者，或游戏者，可以进入一个电脑合成的人为环境，在那里自如地活动，与物体、人物和事件发生直接的相互作用，并直接影响到叙事的结构和发展过程。传统的“视窗展示”方式和静坐式观影方式，让位于“活动中心”(activitycenter)式的“入门探寻”；被动的观看者，让位于能动的参与者。当电影的发展已经到了这样一种水平或阶段时，即便我们仍然将其称为电影、看成电影，也不难理解和想象它同此前的、传统意义上的电影已相去甚远，太远了。从内在的叙事内容与方式及结构到外在的展示方式、场所及观众的“观看”方式直到“观众”——用户由之而获得的艺术体验及审美感受都已发生了全方位的变革。正如有些评论者所指出的那样：“互动电影”与“实真经历”与传统电影的最重要的区别之点，在于其对于经验的强化和对用户控制力的赋予。而一旦用户拥有了这种控制力，则无疑意味着对叙事可能性悬念的摒弃，同时也就意味着对观众的观影欲望的摒弃，因此，单从这一点来讲，已决定此类新电影要保持或形成观众——用户的新的引力或欲望，就必须构建自己的新的电影语法。
虽上述电子计算机等新技术革命所引发的电影艺术本体性变革尚处在开始阶段，许多新的设计和创造还处在初期和试验的水平上，还存在许多有待定型、完善和改进的地方，但其发展趋势已是如日东升。1997年第一部互动电影《黯淡》已制作并发行；“实真经历”也已进入实验试制阶段；网络电影更是早已出现，网民完全可以像电台点歌一样，上网“点看电影”。不仅如此，世界的高科技巨人们正在联手研制被称作“蓝牙计划”(blue-teeth)的可以将所有装置(电脑、电话、电视、音响、家用电器和各种数据库等等)共享的联动终端。其目的是只要动一动手指头(甚至动一动意念)，你就能得到、看到和听到你想要的一切。届时，不仅人类的视听文化将发生前所未有的变化，就是人类文明也无疑进入到了一个更高的新阶段。
四
这是一场正在悄然行进中的电影技术与电影美学革命。经历这场革命之后的电影，即使不是烟消云散，也已是面目全非。而且确已可以看到或感受到使电影走向终结的新事物、新力量。
安德列·巴赞认为，人的潜意识中有一种所谓的“木乃伊情结”。其含义是说，人们总是倾向于把经历过的生活尽可能真实完整地记录下来，仿佛是给时间涂上香料、使之免于腐朽，如木乃伊一般。[1]电影诞生之后，由于其所具有的对于视听信息的方便而直观的呈现能力，便成了这种情结最理想的承载方式。于是巴赞在1946年便提出了一个所谓的“完整电影神话”的概念，认为“电影这个概念与完整无缺地再现现实是等同的；他们所想象的就是再现一个声音、色彩、立体感等一应俱全的外部世界的全景。”[1]进入后电影时代之后，我们发现，这个“完整电影神话”即将和正在成为现实。电影的完整再现与电子游戏的人机互动作为两个向度的理想追求，即将和正在最后阶段实现融合。代表这种融合的就是“实真经历”技术的出现和走向完善。“实真经历”既代表人类真实完整地记录自己生活这一探索轴线的运动极限，也代表了人机互动的仿真追求的运动终点。在“实真经历”的时代，我们将会和正在看到，我们不仅可以完整无缺地再现现实，而且我们将无法区别这再现的现实(虚拟的现实)与实有现实的不同(进入“实真经历”过程的“用户”由于不仅接受了“实真经历”技术所提供的从视听到嗅味直到触觉的全面的虚拟的仿真信息而且被隔绝了全部的现实真实信息，因此直到“实真经历”结束，将根本无法分辨这种虚拟真实与真实的现实)；与此同时，我们还将发现，我们不仅生活在实有的现实中间，我们也同时甚至更多地生活在虚拟的现实中间(比如我们不仅为现实生活中亲人的健康而欢乐，也为艺术虚构中的古人的痛苦而流泪)。其实很久以来或者从来就是如此的，只是今天恍然大悟罢了。更有甚者，我们还将看到，虚拟的现实与实有的现实不仅越来越难以区别，而且处在一种密切的相互渗透与影响的互动状态之中。总之，对于现在特别是未来的人们，虚拟的现实将不仅影响他们的生活，甚至将构成他们的人生。
于是在事情的最后阶段，我们终将发现，人类从完整再现现实的艺术追求出发，最后又走回到了创造现实的生活本身。正如作为心理学家的电影美学家爱因汉姆所预言的那样，与现实不同的才是可以审视的艺术。如果与现实完全相同了，则是现实本身，而不再是艺术。因此，“实真经历”的出现，正预示着电影艺术的终结。[8]
引力与加速度的等价使爱因斯坦发现了相对论，那么，虚拟现实与实有现实的等价又将意味着什么呢?到那时，也许终结的不只是电影艺术，整个人类思维与哲学都将发生目前还无法预想的深刻变化。
短短一百年，电影却经历了如此多的变化，以至即将走向终结。回想它曾给我们带来如此巨大的、长达百年的欢乐，一时确实很难接受，而理智应当告诉我们，如果放在足够长的历史长河中考查，世间万事万物，莫不如此。这也就是存在主义所谓的“存在先于本质”。所以，天才的巴赞才只用一个问句——“电影是什么?”来命名自己的文集。
【参考文献】
[1]安德列·巴赞.电影是什么?[M].北京：中国电影出版社，1990.
[2]李幼蒸.当代西方电影美学思想[M].北京：中国社会科学出版社，1986.
[3]周传基.电影·电视·广播中的声音[M].北京：中国电影出版社，1991.
[4]王佳泉.电视不是第八艺术——再论电视艺术与电影艺术的异同[J].东北师范大学学报，2002.
[5]游飞，蔡卫.电影新技术与后电影时代[J].当代电影，2000，(4).
[6]虞吉.电影的奇观本性[J].当代电影，1998，(5).
关键词 科技进步；电影音乐；电脑音乐；音响器材
改革开放以来，科技的日新月异、突飞猛进，带动了经济的快速发展，使得综合国力出现了前所未有的增长。同时，科学文化事业，作为经济基础之上的上层建筑，获得了亘古未有的机遇，特别是科技的发展促进了网络、通讯与传媒的日益完善与普及。
从本质上说，科学技术的提高与快速发展，是人类对客观规律的认识与把握的过程。在这个对科技的认识、学习、转变的过程中，人们得到更多的创造价值。当科技用于艺术生产或创作时，就形成了艺术生产力，使得科技在创造艺术价值的领域里获得了更高的回报，也为我们创造了美和艺术的空间。随着科技的不断发展，我们有了陶器艺术，有了青铜艺术，有了摄影机，有了电影艺术，有了电脑音乐、电脑美术、电脑设计等等，这些都说明科技时刻在影响和改变着文化艺术。科学家、艺术家达-芬奇曾说：“艺术借助科技的翅膀才能高飞。”
电影艺术的发展恰恰展示和证明了科学技术在文化艺术领域里的作用，可以说电影艺术与电影音乐艺术与科技发展的相互促进、结伴而行的关系，与时代同步与科学技术相结合。科学技术是各个行业的灵魂，特别是电影艺术这种综合艺术形式，更需要科学技术来强化自身的驱动力。电影音乐在影片中的价值和影响，与科技进步休戚相关。
一、音响器材与电影音乐
当今电影音乐艺术的多样性发展的结果，毫无疑问是科技发展的必然结果。社会的发展、人类文化与观念的转变，人民大众对电影艺术的综合性理解变得尤为突出，特别是现代音乐与流行音乐艺术的发展，使电影艺术更加具有实现性和超前的未来意识。
19世纪末爱迪生发明了人类历史上第一台录音机，从而改变了人们欣赏音乐的方式，大大地增强了音乐的传播，为人们欣赏音乐带来了方便。我们应该记住一个名叫埃米尔・玻里纳的德国移民者，是他于1888年发明了唱片，后经过多次改良，成为20世纪初期最主要的录音音乐的载体，并且成为电影艺术的主要技术手段被广泛运用。1925年世界上诞生了第一个电动麦克风，人声演唱逐渐与器乐交融，演绎着新时代的电影音乐。随之流行音乐的加入更加丰富了电影音乐的内涵，特别是流行歌曲的风靡使得它与电影艺术结下了不解之缘。
二战期间，德国的工程师们，在磁带录音技术的研究方面取得了重要的突破。二战后，美国在电影艺术和流行音乐领域借鉴这一技术，取得了丰硕的成果。直至20世纪50年代，众多唱片公司的发展壮大，带动了电影音乐的迅速发展，并产生了很多的经典电影音乐，多年以后影片的印象模糊了，但是电影中的音乐依然在人们心头萦绕。
到了20世纪60年代，随着晶体管和印刷电路板技术的普及，各种音响器材的功能和效果的提高，活跃和增加了电影技术的革新，从视觉、听觉等方面增加了人们的立体感受和多层次的欣赏乐趣。
70、80年代科技进步的迅猛发展，在推动音响技术发展的同时，在电影艺术领域和流行音乐等方面的发展中起到了关键性的作用。同时，录音技术、唱片、磁带、乐器、麦克、演出音响等一系列产生与发展，对音乐艺术的普及和教育、大众文化传播，起到了空前的推动作用。
20世纪末电子科技迅猛发展，电声乐器诞生并且得到广泛使用，如电子琴、电风琴、电钢琴、电吉他等等，在音色上有了很大的变化，可以模仿和扩大乐器的音色，增强了乐器的表现力。直至大型的电子合成器的出现，使得高科技在乐器的应用方面走到了一个制高点，“人声、动物声、风雨声、科幻声、宇宙声，惟妙惟肖”。同时，也为电影艺术的快速发展拓宽了空间，增强了电影艺术的传媒效果。
二、强势传媒技术与电影音乐
为什么某些歌词平庸、主题内容浮浅、演唱矫揉造作的流行歌曲，以势不可挡的势头掠走了大多数喜欢音乐的人的心扉?一张演唱会的门票少则几百块多则几千块，有的学生听说某某的演唱会，提前几个月开始省吃俭用，为的是省下钱来买一张上千元的门票，之后恐怕只有蹭饭和借饭卡生存了。只要精神食粮还是不行啊!流行音乐无可置疑地占有了大多数人的“休闲和娱乐”空间，这里面的一个主要原因就是流行音乐的传播媒介的广泛与形式多样。
自20世纪20年代广播业逐渐在美国普及之后，由于收听广播是免费的原因，使得广播业拥有众多的听众，影响了唱片公司的销售。随之影视作品的增多，特别是里面的音乐和歌曲的流传，曾经使音乐电影、电视流行一时。网络信息传输新技术的出现，对电影和流行音乐的发展产生了深刻的影响。电影和流行音乐不再局限于电影院和唱片载体形式的传播，人们可以通过互联网在线欣赏影片和音乐，还可以通过下载及多形式的播放欣赏，实现了新的传播的循环和新的消费方式。
网络传媒是一个特色舞台，网络给了人们更大的自由空间。电影艺术这种被人们早已认知的艺术形式，在网络这种新型的传播形式中受益匪浅。很多观众是在网上观看影片和熟悉电影音乐的，影片还没有欣赏，其中的音乐特别是一些歌曲，首先流行开来鲜为人知了。所以，新的发展形式使得音乐与电影艺术依然扮演姊妹关系。
新形势下旧有的电影模式在不断的更新和注入新鲜的血液，电影制作和音乐制作已经成为一家人。21世纪的电影艺术在体现自身价值的同时，也体现了它的商业利益和商业价值。一部影片从剧本、演员、拍摄，都伴随着一种商业利益的炒作，因为它的自身就是最好的媒介，影片的演员阵容，明星效应，加上网络，有线、无线等形式的宣传，影片在没有拍完、没有放映时就已经名声在外了，刚看片名“色戒”就足以震慑你的精神，后来才知道是“色界”顿感乏味了许多。感觉电影艺术的发展远离了电视群体的大众化，走向部分群体化与高消费的形式。艺术形式的多样化丰富了大众的生活，同时也丰富了大众的鉴赏水平，带动了大众的自身演绎与休闲的喜好，也是导致电影艺术走向个性化发展的原因。
三、电脑音乐与电影音乐
广义的电脑音乐概念是在创作、演奏、制作与传播过程中使用电脑技术或设备的音乐。狭义的电脑音乐概念是通过电脑及相关设备进行编程，控制MIDI乐器或数字设备进行创作、演奏和制作的音乐。步入21世纪的电影音乐，在体现剧情需要、人物需要、环境需要的同时，更加注重电影音乐的自身特性、影响力及商业价值。所以，无论是广义还是狭义的电脑音乐对于电影音乐来讲都是有意义和有利益的。
电影音乐借助电子合成器、电脑、MIDI等设备和制作手段开始涉足音乐制作的领域。电子合成器的发明，使音乐创作变得简单而随意，减轻了作曲家在五线谱上的繁琐工作，使其工作变得轻松而富有乐趣了。另外，在计算机上创作，可以即时审听、修改，然后再审听、再修改，直到满意为止，免去了请乐队进行试奏的劳师动众之举。流行音乐和电脑的结合，给流行音乐界带来了强烈的震撼。
关键词：钢琴音乐；电影艺术；独特的魅力；文化渊源
钢琴音乐以一种特殊的语言形式来表达丰富多彩的情感画面。电影画面也是多姿多彩情感画面，但是它需要一种辅助形式来使电影更加的多姿绚丽。钢琴艺术和电影艺术承载着丰富文化内涵的艺术，这样使它们之间的联系更加紧密。钢琴音乐以其独特的魅力架起了一座由电影通往观众的的桥梁，是一种文化的选择，也是一种艺术的倾向。
一、钢琴音乐具有独特的艺术魅力
钢琴音乐以多姿曼妙的音调，来演绎自然界的一切有生命的、充满灵动气息的物体。使自然界的景观、和声响通过音乐来表现其独特的魅力，钢琴音乐构筑了属于自己的空间范畴。钢琴音乐可以描绘出如诗如画的自然风光，也可以诠释人们心灵深处的情感；可以用音符来表现波涛惊骇大海的声响，也可以写实方法来表现抽象的画面。钢琴音乐艺术之所以有独特的魅力，其关键是在于其具有丰富的蕴含及情感表现。用其特有的精神指引人们走入梦想的世界，展示给人们的是丰富的画面，一次次情感的体验。人们可以感受到音乐中包含的的喜怒哀乐等丰富的情感，将自己置于画面中，其心理反应和音乐的真实效果联系在一起，从而使欣赏者的心境紧随着音乐的走势。
二、钢琴艺术具有一定的文化底蕴
1.钢琴音乐之所以备受青睐，是其具有悠久的历史文化溯源及丰富的艺术感染力。能为电影艺术的视觉和听觉提供了一个超越时间、空间的理想的助推器。音乐对电影而言不仅是其重要的有机组成部分，而且使其纵深感能够延伸到电影的剧情当中，以独特的形式深化人物形象。用本身特有的音符、旋律、声音、节奏及色彩等要素，为电影提供了隽永的意蕴和深厚的文化韵律。
2.钢琴音乐源于欧洲，被人们视为欧洲古典音乐，主要是与18世纪中期至19世纪初的古典音乐区别， 注重强调的是它的永久不衰、百听不厌，常常会给人以美的享受， 使人们的文化修养和精神文明有所提升。钢琴艺术作为欧洲古典音乐的主体， 汲取了欧洲历史和艺术的内涵。拥有强烈的历史纵深感和蕴涵艺术美感的钢琴艺术正是电影艺术的完美钢琴艺术的魅力。钢琴艺术汲取了欧洲历史和艺术的养分。拥有强烈的历史纵深感和蕴涵艺术美感的钢琴艺术，正是电影艺术的完美配偶， 声与影、音与画的完美结合更加彰显出电影音乐中钢琴艺术的魅力。
三、钢琴音乐与电影的融合
1.钢琴音乐主要是根据影片的剧情、视频分段叙述的影响下出现的，受影片的限制。为了剧情的需要，在恰当的时间内用来深化剧情。试听的综合感受主要是把电影画面和音乐的音响相结合形成的统一体。把画面和音乐同时展现给观众。电影音乐并不是单纯的时间艺术，把画面与音乐结合起来共同塑造一个具有综合性试听的艺术形象，并通过观众的审美观念构成一个完整的思维形象。
2.现代电影是画面与音乐的有机统一体。画面主要是表露生活内涵的艺术，电影音乐则是以音乐的形式渲染人物性格，深化剧情的。电影艺术和钢琴艺术所具有的功能是不尽相同的，如果两者选择同一个主题时，会出现音画合一的、音画平行、音画对立的局面。然而，钢琴具有独特的魅力，很自然的就会与电影融合在一起，并且可以为其塑造其所需要的艺术形式。
3.优秀的影片常与音乐相结合。在电影作品中有很多是通过钢琴音乐来表达的。在《海上钢琴师》这部作品中，为了延伸剧情，就大量运用了钢琴音乐。影片中描述了一个具有钢琴天赋的孤儿一生所经历过的磨难，塑造了一个集喜怒哀乐为一身的主人公形象，音乐一直贯穿着影片始终，特别是在涉及到二战画面时，与音乐紧密的联系在一起，那种荡气回肠的画面通过钢琴音乐的柔肠煽情来具体表现。在主人公以衣衫褴褛的形象出场的时候，用柔和动人的曲调加以衬托。在剧情悲怆的时候，一首让人称叹叫绝的钢琴音乐使影片达到。在这部影片中钢琴音乐始终用自己独特的魅力牵动剧情， 引导着情节的发展。
结束语：
钢琴音乐以其独特的魅力应用到电影艺术中去，不仅增添了电影艺术的蕴涵，而且也为钢琴音乐本身带来了新的发展空间。钢琴音乐主要是为了渲染和刻画电影画面的，而与电影艺术的结合是现代电影的必然发展趋势。
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电影借鉴了文学的叙事手段和叙事技巧，如人物形象塑造、蒙太奇构思技巧、人物心理表达手法等；电影从美术中借鉴画面构图、色彩光线处理、静态空间创造形象等方法和技巧，实现了电影的动态之美；电影还吸收了戏剧、舞蹈和诗歌的节奏感，创造了音画结合的艺术表现形式，使之成为自身独特的艺术元素。电影对各种艺术的学习和借鉴绝不是简单的叠加和机械的抄袭，而是根据电影的特殊规律使之有机结合起来。［1］各种艺术进入电影之后变成了电影与艺术的结合，如文学与电影的结合形成了电影文学，音乐与电影结合形成了音乐电影，此外还有戏剧电影、散文电影、绘画电影等。当然，电影在借鉴和吸收其他艺术元素时不可能完全消除其他艺术形式的特质，而是包容其他艺术形式的共性，将之作为电影肌体的有机组成部分，进而形成完整的表现体系。
摄影是电影综合其他艺术元素后的一种新颖的表现体系，它能够将各种细节逼真地表现出来，同时摄像机的自由移动，使得拍摄角度可以自由调整，带来了拍摄速度和节奏的变化，既赋予了拍摄对象不同的性质，表现出画面构图的丰富多彩和千变万化，又能够表现出不同的情绪和气氛，造成了画面上千变万化的景别效果。而且通过剪辑和蒙太奇手法可以实现从“静物”到“动物”、“无情物”到“有情物”、“无声”到“有声”、“黑白”到“彩色”“、现实”到“虚幻”的变化，以艺术反映生活的梦想通过电影得到了实现。电影既是各种艺术的综合，也是各种技术的综合。各种艺术是电影发挥艺术创作力的基础，是影片成功的基础；各种技术是电影制作的物质基础，是保证影片质量的物质技术；影片后期的宣传是电影取得经济效益、发挥社会教育作用的保障。由此可见，电影是在综合艺术创造力、技术创造力、经营创造力的过程中发展起来的一门综合性的艺术。
一、电影文学是电影艺术的基础
电影艺术是以电影文学为基础的综合艺术，优秀的电影剧本是电影成功的基础。电影文学可以为电影提供深刻的思想、美的意境、丰满的人物形象、动人的艺术语言。电影编剧被称为“电影文学家”，编剧常以文学手段构造银幕形象，将生活变成艺术，其创作的文学剧本是导演进行艺术构思的依据，只有好的剧本才能拍摄出好的影片。没有好的文学剧本，即使拥有最优秀的导演、最好的演员阵容也无法制作出优秀的影片。由此可见，电影剧本决定着电影的命运。对于电影导演来说，一部好的电影文学剧本是至关重要的，否则导演将陷入“巧妇难为无米之炊”的境地。有了好的电影文学剧本导演就可以从整体上进行艺术构思，确定电影形象。只有在深入分析研究电影文学剧本的基础上，深入地理解生活，才能确定影片的主题和艺术手段，进而将文学形象转化为银幕形象。获得一部好的电影文学剧本，就可以使电影制作达到事半功倍的效果。在对剧本进行深入的分析之后，用文字将银幕形象进行分镜头，从而形成分镜头剧本，这是导演对影片的全面设计和构思，是导演开展工作的主要依据，其主要内容包括音乐、台词、画面内容等。［2］可见，优秀电影文学剧本对导演的整个工作构思起着至关重要的作用。
对于演员来说，电影剧本是他们表演的主要依据，因而，电影文学剧本的好坏也直接影响着他们的表演艺术。演员在拿到剧本之后要认真分析剧本，从整体上把握剧本，确定故事发生的时代背景，明确剧本的主题思想和风格，研究角色及角色间的相互关系，理清故事情节，分析人物性格，明确出场的任务和态度，弄清自己所扮演人物的外貌和心理特征，形成完整的角色构思和表现手段。可以说，文学剧本为演员创造角色提供依据，赋予了文学形象以生命，演员的创造源泉都源自于文学剧本。没有优秀的文学剧本，再优秀的演员也创造不出生动感人的艺术形象，所有感人的荧屏形象都是由电影文学家孕育的。电影文学剧本也是其他工作人员进行工作的主要依据。摄影师只有深入全面地分析剧本内容，才能对影片进行造型处理，将剧本情节变成鲜活的形象；电影音乐家只有弄清剧本的内容与题材，才能使作品符合影片主题思想，从而渲染气氛、增强影片艺术感染力；美术师只有与导演和摄影师共同分析剧本，透彻地了解剧本，才能准确地把握影片的风格，才能对影片的造型作统一构思，才能在服装、化妆、布景等方面进行组织。
二、强化电影文学队伍，促进电影艺术大发展
电影的创作过程主要由三个阶段组成：编剧、导演和剪辑。这三个阶段总是不同程度地交织在一起，甚至互相重叠，很难明确地画出界限，正是这种重叠交叉，使得电影文学无法成为一个独立的文学阶段。电影制作是一个连续的工作，只有在拍摄的过程中，编剧才知道他所安排的台词是否合适。［3］而且在拍摄的过程中，如果编剧不熟悉电影艺术会使得剧本不适合电影艺术，就需要对剧本进行改动。除极个别情况外，导演对剧本的改动只是局部的或技巧性的，不会影响到剧本的主题思想和基本情节。一部电影文学剧本如果不能完整地呈现在银幕上，就不是一部完整的作品。只有当电影文化成为荧屏形象时，才能被认为是电影文学作品。此外，由于电影是一种视听艺术，电影剧本必须以相当部分文字来表达视觉内容，但无论如何这种表达都不会是充分的，因而，导致了电影文学剧本的质量不高，这也是电影文学无法脱离电影艺术而独立存在的重要原因。也就是说，衡量电影文学作品的好坏，不仅要看其文学质量，还要看其完成的影片质量。
目前，影响中国电影艺术大发展的重要原因在于中国电影文学队伍疲软，这已成为制约中国电影艺术发展的重要因素。电影文学队伍主要由编剧、编辑和评论家组成。编剧是电影的第一生产力，无论是轰动的、风光的电影，还是被观众指责的、鄙夷的影片都与编剧有着直接的关系。只有编剧写出好的作品，导演才能迈开第一步工作，演员才能有好的角色。但在现实社会中，人们往往忽视了编剧的重要作用，酬劳得不到保障，劳动得不到尊重。电影编剧行业已逐渐没落。没有第一生产力，电影艺术也就失去了保障。因而，应给予编剧们应有的尊重和关爱，为他们的文学创作提供应有的保障；同时编剧也应当加强自律，承担起应有的社会责任，多关注现实社会，创作与人们生活息息相关的、能反映时代和社会的主流价值的作品。
影响电影艺术大发展的另一原因是电影文学编辑队伍的流失。从某种意义上说，电影文学成就了中国90年代初期电影艺术的辉煌。电影行业改革之前，电影编辑用文学的肩膀托起了电影艺术的光荣。改革后，编辑队伍解散，电影艺术缺乏科学的判断和验证，电影创作重管理和策划，轻落实和扶植。没有电影编辑对电影文学的扶植，电影文学力量普遍缺失。［4］此外，电影评论的跑调与失音也是影响电影艺术大发展的原因。电影评论缺乏理性和操守，无论作品好坏，无论影片质量高低都得捧，评论变成了表扬。面对当前电影艺术中的诸多问题，电影评论应当回归其本质，保持科学和理性，为电影创作保驾护航，坚守自己的职业道德，尊重评论的学理精神和独立品格。同时，部分电影文化创作者的职业道德低下，对批评动不动就“讨伐”、就围攻，导致电影评论沦为可有可无的捧场言论。因而，电影文学创作者和电影制作者应当正确对待电影评论，不能只听得好的。
总之，电影文学与电影艺术之间是相互联系、相互影响的，电影文学是为电影艺术服务的，是电影艺术的基础，同时电影艺术的发展也离不开电影文学的支持。只有重视和研究电影文学的创作理论与实践，才能促进电影艺术的发展，使电影艺术建立在坚实的电影文学基础之上。只有强化电影文学队伍的建设，提高电影文学的创作水平，才能使我国的电影艺术获得大发展，使我国电影艺术跻身于世界电影艺术之林。
作者：袁辉单位：新乡学院新闻与传媒系
关键词 动画特效；CGI；电影艺术
中图分类号：J954 文献标识码：A 文章编号：1671-7597（2014）10-0086-02
1895年12月28日，法国人卢米埃尔兄弟在巴黎的“大咖啡馆”第一次用自己发明的放映摄影兼用机放映了《火车到站》影片，标志电影的正式诞生。电影发展至今已经有一百多年的历史，电影的崛起不断的影响着人们的日常的娱乐性、知识性以及对不同地区的文化和历史的认知性。电影的艺术表现力，让人们在自己狭小的世界里，去感受整个世界乃至宇宙的广阔。尤其是随着动画特效技术的不断发展，在电影中的应用也提到了前所未有的地位。与此同时，动画电影业随着电影的发展步入了我们的视线。而且动画电影的表现手法的丰富程度使得电影艺术大放光彩，电影艺术的表现形式更加多元化，同时也给观众带来非同凡响的观看体验。这都得益于动画特效技术的发展，但是与此同时，动画特效技术对电影表演艺术同意也具有杀伤力。在此基础上本文探讨动画特效技术对电影艺术表现力的双向影响，以此扬长避短，提升电影艺术的表现力。
1 动画特效技术的发展
1.1 动画技术的发展
动画特效技术大致上可以被分为两种类型，即二维动画与三维动画。二维动画一般又被称为传统动画，过去是以手绘为主。比如我们熟悉的米老鼠等。因为是连续的平面图片，所以称为2D动画。三维动画因为基于立体的空概念，所以也成为3D，是相对于二位而言的。经过三维图像技术发展演变出来的三维动画软件制作的，空间操作的随意性也较强，使画面更显真实，从业也使得对观众更具有吸引力。因此目前技术应用也以三维动画最为流行。三维动画是通过人物形象的设计、3D建模、赋予材质、绑定骨骼动画、渲染输出等工序来完成的。虽然这些工序看起来要比二维动画制作的工序复杂很多。三维动画软件中分工非常细致明确，即便没有很强的美术功底，也可以通过软件的命令来胜任这项工作。在人员上得到解放。三维动画技术可以对真实的物体进行模拟。具有真实性、准确性和无限的可修改性，被广泛的应用在各个领域。
1.2 动画特效技术在电影业的应用情况
三维动画特效又可以称作3D特效。目前较为常见的3D特效技术软件主要有 AutoCAD、3DS MAX、Maya等。这些特效软件中，Maya是最为流行的制作软件。Maya是美国公司出品的世界顶级的三维动画软件，主要应用于，影视广告，角色动画，刁颖特技等，而且随着Maya功能的完善，工作也特别灵活，易学易用，做做效果和效率都较高，尤其是渲染真实感很强。Maya极大的提高了制作效率和品质，调节出仿真的角色动画，渲染出电影一般的真实效果，向世界顶级动画师迈进。
由于3D特效技术的逐渐成熟，它的应用十分广泛，其中应用最为突出的领域表现在电影上。尤其是在广大电影观众对电影效果不断的追求新特的需求面前，三维动画特效技术苏虽然后需要完善的地方，但是三维特效技术正在国内外的电影市场中不断的刷新创新成果，优秀的三维动画特效电影层出不穷，三维动画特效动画电影的出现使动画电影市场的竞争变得更加激烈，也使得三维动画特效技术不断的创新与研发。同时3D特效在影片中的合理应用可以为动画电影提供更好的技术支持。使动画影片的成片效果大大提升。视觉效果达到影片的出片需求。最重要的是，有了3D特效的加入，使得动画电影的成本大大降低。从而使动画电影的好评不断。呼声也越来越高。目前看来，一部优秀的电影作品中或多或少都有3D特效技术的融入。特效大片已经成为目前的潮流主打。
2 动画特效对电影艺术表现力的影响
2.1 动画特效技术为电影艺术的提升提供了捷径
动画特效技术使电影通过后期的电脑特效制作，节省出很大一笔费用，可以说动画特效最大的潜在优势是节约成本，节省资源。这位电影的发展提供了更为广阔的发展空间，有利于节省出更多的资源和精力去创作，使电影艺术的发展乘上更快的发展轨道。同时为了达到预期效果，在电影特技拍摄中，不然花巨资制造情景，还要购买大量的器具装置。有时为了最大程度的表现电影艺术，不得不冒险做很多惊险的动作和场景，使特技演员冒着生命危险。动画特效技术的使用，在一些危险的镜头，不再需要替身演员冒死来完成，亦或者用3D技术改变荧幕上替身演员的外貌，让原本用替身会穿帮的危险镜头得以轻松实现。最后动画特效的另一个优势是节约时间，为电影的制作到电影的上市时间大为缩短，为电影艺术的发展提供了快速通道。
2.2 动画特效使电影艺术表现形式更加多样化
在场景的制作方面，动画特效技术的融入可以帮助电影轻松表现云、雾、雨、水等自然元素，逼真而不失魅力。得到逼真绚丽的场景画面，为影片的场景特效增添生机。可以说动画特效技术的使用对场景的塑造、气氛渲染等意义非凡。在合成效果方面，电影范畴中的现实场景加如动画角色的合成动画和实景的结合体。其合成效果的好坏也取决于3D特效技术的应用与技巧。也就是说，3D特效起着决定性的重要作用。其中在电影色彩方面表达更为出色，色彩作为视觉传达的关键元素，一直以来是电影浓墨重彩的精彩一笔。动画特效技术是电影色彩艺术的表现张力从一个新的角度开始全新地诠释电影。色彩质感、色彩象征的运用成为影片情感、寓意和境界的重要表达方式。
2.3 为观众带来了无以伦比的视觉体验
在早起的电影制作，电影艺术的表现更多的像舞台剧，由于技术的限制，难以表现真实的画面，例如在注明的《第七封印》这部电影里就有一个马车进入寒气逼人的树林的场景，但是由于技术的县级，无法通过画面来真是的展现当时的情景，无奈之下，只能使用对白来表现寒气逼人的树林画面，中国早期的电影业是具有同样的无奈，在中国最为经典的《小二黑结婚》的电影里，也大多使用舞台剧的表现手法，无法为电影的表现较好的视觉效果。动画特效技术在电影中应用日渐成熟，逐渐达到出神入化的地步，在电影效果中，被放大的观众视觉感受最求也变得越来越真实，生动。有时是天马行空，有时是真实刺激，这些都通过动画特效技术的应用而变得完美无瑕。无论是划时代的IMAX《阿凡达》，还是其他好莱坞大片，比如《复仇者联盟》《猩球崛起》等，还有最近革命性的《环太平洋》，本人觉得都比不上《Life of Pi》里的3D震撼力，电影里的3D美得让人窒息，让观众体验到一个真实美丽而且广大无垠的世界，3D是为了剧情服务，而不是为3D而3D，太漂亮的电影了。《魔戒》被搬上银幕，导演完整的还原了这个庞大的世界，除了借助化妆术和模型，CGI技术起了决定性的作用。完全运用CGI技术的电影近年来层出不穷，《2012》、《变形金刚》、《阿凡达》等等都是成功的例子。
2.4 动画电影崛起，更具表现力
随着动画特效技术的发展，动画与实景的结合体逐渐进入人们的视野，并被广大观众所喜欢，这就是正在崛起的动画电影，而且目前正迅速扩大其在整个电影版图中的势力范围。动画电影的发展壮大这不仅预示着电影在未来的创作、生产将会运用更多的动画特效元素、动画特效技术，甚至可能导致未来电影总体的动画性，之所以如此，是因为这种动画性使电影具有独特的真实性，动画特效的适用，使电脑制作的这种“完全的无中生有”比传统真人电影的“物质现实复原”和“以真实表现虚构”更具有艺术表现力，对观众也更具有艺术魄力，动画电影作为艺术具备了无所不能的表现力。由此或有可能带动人类想象力和创造力的空前释放，从而进一步划清了电影与戏剧等相关艺术的界限，强化并提升了电影的本质特征――表现性。
综上所述，电影已经走过百年的历程，从一个儿童已经逐渐成熟，经历坎坷的发展的道路，如今已经因为动画特效技术的加入，电影已经迈入另一个全新的发展时期。随着动画特效技术的进步，电影的艺术表现力也在不断的提升，同时随着电影快餐文化的发展，电影凭借其有效的动画特效表现力，比较完成一次史无前例的进化。最后动画电影也随着3D特效的不断革新而突破新的顶峰。也在电影领域中为动画电影剥夺了一席之位，并且稳固的发展着。以上这些都证明了，三维动画特效技术对动画电影事业起到了推动作用，并且推动了动画电影事业的发展。
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[关键词] 审美现代性 当代电影 反思性 复杂性
一、现代性与审美现代性的内涵
现代性是当今学术界出现频率相当高的几个词之一，当然也是探讨比较多的对象之一。学术界众说纷纭，甚至有些人把“现代性”与“现代”、“现代化”、“现代主义”等混为一潭。现代性是一个很复杂。有歧义。内部又充满着矛盾的概念。但是学术界又有个大致的认同。这里沿用国内学者周宪所说：“现代性主要包含了两个基本层面，一个是社会的现代化，它体现出启蒙现代性的理性主义对社会生活的广泛渗透和制约：另一层面则是以艺术等文化运动为代表的审美现代性，它常常呈现为对前一种现代性的反思、质疑和否定。历史地看。两者之间存在着一系列的紧张关系。”由此可以看出审美现代性是现代性的一个重要组成部分，是与启蒙现代性相对而言的，并与启蒙现代性形成一种张力，作为启蒙现代性的理性主义的反思和批判的力量而存在的。
启蒙现代性是现代科技进步，经济和社会急速发展的产物。是工业革命后资本主义发展的必然的结果，它的表现就是科学技术的进步，社会的发展，物质文明的发展，它主要以工具理性为核心原则，它以工具理性为其手段来达到人类社会的美好的最高目标。通过工具理性来成就其启蒙的目的。实现社会的合理化。但是在社会物质合理化的同时。工具理性的核心原则同样也侵入了人与人、人与自然的社会关系之中。人的内心也如同工具般冷漠，人的内心在冷静、理智的同时。也在不知不觉中淡漠了人最重要的情感。人沦为了科技进步的工具和手段。这正是审美现代性所要批判的。审美现代性的产生是伴随着启蒙现代性的产生而产生的，二者几乎同时构成了现代性这个复杂的整体。而且审美现代性始终作为启蒙现代性的反思力量而存在。“在齐格蒙・鲍曼(ZygmuntBauman)、厄佛曼(U.Oevermann)、哈贝马斯等人的现代性图景中。审美现代性被认为是启蒙现代性的对立面，一直担负着制约、反抗现代性理性专制的使命。二者共同构成现代性赖以发展的内部张力。”后来美国学者卡林内斯库在其《现代性的五副面孔》中也对此作了深刻的分析。由此呈现出审美现代性的内涵：“审美现代性就是社会现代化过程中分化出来的一种独特的自主性表意实践，它不断地反思着社会现代化本身，并不停地为急剧变化的社会生活提供重要的意义。”正如周宪所说，审美现代性“像是一个爱挑剔和爱发牢骚的人，对现实中种种不公平和黑暗非常敏感。它关注着被非人力量所压制了的种种潜在的想象、个性和情感的舒张和成长：它又像是一个精神分析家或牧师，关心着被现代化潮流淹没的形形的主体，不断地为生存的危机和意义的丧失提供种种精神的慰藉和解释，提醒他们本真性的丢失和寻找家园的路径。”
二、审美现代性与艺术的渊源
从工业革命以来，社会物质文明在启蒙的同时，文化艺术也相应的对启蒙现代性做出了自身的反映。审美现代性主要是表现在文化艺术当中。自审美现代性产生之日起就与艺术有着深刻的渊源，而且文化艺术就是审美现代性反思救赎工具理性的最重要的领地。“从韦伯的‘铁笼’和审美的‘救赎’，到齐美尔的‘文化悲剧’。经典的社会理论大师似乎都在传递一个信息。那就是现代性的内在矛盾导致了文化不再是那种服务于社会协调团结的力量。尤其是艺术。”
审美现代性，从其字面上看是审美与现代性联系在一起。是现代性本身的审美方面。这本身就与美学有关。而正如黑格尔所说：美学是关于艺术的哲学。由此审美现代性(有人也叫美学现代性)自其名诞生之日起就与艺术产生了很深的渊源。另外。从文化艺术自身来看。文化艺术自身存在的颠覆性成了审美现代性诞生的重要因素。马尔库塞在其《审美之维》中论道：“在社会的另一极，及在艺术的领域中，对‘给定’的现实存在的否定和抗议传统，却一直固守着自己的天地和自己的权利。”“确实。在艺术的本性中存在着颠覆的潜能。”正是艺术中这种颠覆的潜能在启蒙现代性必需的张力之中显示最为重要的力最。启蒙现代性发展必然需要一种与之抗衡的张力才能保持社会的和谐。鲍曼也说到：“现代性的历史是社会存在与其文化间充满张力的历史。现代存在迫使其文化成为自己的对立面。这种不和谐正是现代性需要的和谐。”再者，根据马克思的思想来看，文化艺术作为精神文化自身对物质文化具有反作用。审美文化的这种对启蒙现代性的反思也是现代性自身物质生产发展所必需的，表现为对现代性本身的文化反叛。
在大众文化蓬勃发展的今天，视觉文化作为一种新的势力凸显在精神文化领域。影视也成为传统艺术之外的第七艺术。甚至成为了当今最为大众所熟悉，影响大众最为深远的艺术。审美现代性主要表现在艺术领域，作为这种影响人数最多的艺术。影视艺术也在现代性的语境之下，也成了审美现代性反思启蒙工具理性的重要领地。尤其是当代的电影艺术带有审美现代性中最重要的反思特征，成为了当代审美现代性重要的寄居地。
三、当代电影艺术的反思性
审美现代性从其产生到与今天的电影艺术相结合有很长的时间距离。毕竟电影是一种新兴的艺术，正如著名电影美学家贝拉・巴拉兹所说：“电影是唯一可以让我们知道它的诞生日期的艺术，不象其他各种艺术的诞生日期已经无法稽考。”但是这并不能说明审美现代性在电影里的表现很肤浅。与此相反，正是因为电影艺术惊人的影响力，使得当今电影艺术成为审美现代性最重要的表现领地。
1.西方新媒体艺术发展分析
新媒体意识最早起源于20世纪初，是由立体艺术演化而来的，毕加索等著名画家在绘画的过程中融入了装饰物、报纸、水杯等日常生活用品，这些生活用品的融入不仅让画面更加的生动，而且生活气息浓厚，人们也可以运用画布之外的空间来进行创作，发挥自己的想象力，而随着信息时代的不断渗透，数字技术也逐渐被人们所认可，并逐渐应用在社会各个领域中。而随着近几年新技术的不断传播，也使得在电影中也出现了很多新的现实内容，观众在欣赏作品的时候也会置身于这一现实幻想中，给观众留下了虚幻的意识，但这一技术所呈现出的画面又是非常真实的，虚拟现实属于一种在虚拟环境与特定范围内所呈现出现的一种以视觉、听觉和触觉为主要呈现手段的现代化技术，这一技术主要是以计算机技术为核心，在经过不同设备之间的交互处理之后，让观众能够以一个自然的方式对虚拟环境中的对象进行沟通。由此所产生的环境就是观众真实感觉的场所，而且在电脑上看到的所有都是虚拟世界中的一部分，如果我们在这其中融入了艺术的成分，那么整个艺术的数字化程度也会随之增多，而此时观众的想象力也就越来越重要。
2.西方新媒体艺术与西方当代电影
电影艺术近几年的发展速度是非常快的，这与新媒体技术在电影艺术中的应用是有关系的，光纤通信技术作为传输效率较高的技术手段，在电影艺术中的应用极大提升了信息自身的传输速度。不仅节省了运行时间，而且效率也得到了提升，有效促进了影视艺术的多元化发展，同时也为西方当代电影的发展提供了全新的指导。新媒体技术在电影领域的应用，从某种程度上来说，改变了传统的电影艺术形式，而且其影响范围也远超之前任何技术的影响，整个电影制作的过程中都涵盖了高科技技术的使用，打个比方，电影在制作、发行以及放映的过程中，都会随着技术的转变而发生一定的变化，而且这些变化在我国当前的电影中也是不可或缺的重要组成部分，而数字技术不仅会影响到电影艺术的内容，而且还决定了电影的表达形式，给我们的电影艺术工作者提供了更加广阔的创作空间，同时也给广大观众提供了更精彩的娱乐体验。现如今，互联网已经深入到电影行业中，并在此基础上不断开发着全新的媒体艺术形式，为当前的电影制作注入全新的活力。电影工作者在运用新媒体数字技术之后所得到的影像作品，实现了对现实的超越，现实中难以出现的现象都可以在电影中展现出来。这样一来，电影艺术的表现空间也变得越来越广。在电影设计中，大部分镜头除了摄影机拍摄以外，通过计算机技术实现的也不在少数，运用这一技术创造出一种开创性的生成图像方法，摄影看不到的东西，计算机技术能够看到，这样一来给人们带来的视觉体验也就更加的强烈。是其他电影形式无法比拟的。很多电影中为了给观众呈现更加立体的观影效果，都会用到特效，而这些特效的实现基本上都是基于真实场景模型和电子模型来实现的，还有一部分特效是电影技术人员运用计算机软件制造出与实际拍摄画面相结合而产生的特效内容，能够实现原始三维空间的展示和四维时空效果的提升。除此之外，传统形式下的电影叙事方法也随着数字化技术的运用而发生了变化，数字技术不仅让电影的展示模式变得丰富多彩，最主要的是它可以让镜头设置的原则更加完整，再加上图片结合空间、时间所做出的夸张情节，最终呈现出来的视听效果也是非常明显的。在很多的电影中，观众也会发现，电影的开头和结尾往往会采用相同的场景转换，如果我们的电影技术人员美育运用数字合成技术的话，这种场景转换基本上是实现不了的，而这种场景转换也能够给观众带来深层次的观影体验，提升电影的内涵。总体来说，西方当代新媒体艺术已经与电影紧密结合在一起了，可以说二者是相互促进，相互补充，相互依存的关系。
当前电影领域的发展主要是以数字电影为主，而数字电影又强调形象本身的娱乐价值，要确保观众是融入画面中，而不是游离在画面之外，要让观众享受到电影带来的视觉体验，而不是对着屏幕中所表演的故事情节进行客观识别，技术人员在运用数字技术的时候，不仅可以起到丰富电影内容的作用，而且也为当代影视的发展提供了很好的契机，更观众带来的观影体验也更加的真实。
［关键词］ 色彩；审美；美学意蕴
在电影发展的进程和艺术实践过程中，众多导演充分意识到色彩在电影中的造型功能和表达功能的重要性。有的导演甚至别具一格地夸张和强化某种色彩。在这些导演手中，色彩成为一种总体象征和表意的因素，色彩在电影中不仅起到表现客观事物的写实功能，而且起到烘托环境、表现主题、塑造人物形象的重要作用。
一、电影色彩与电影画面
电影作品是靠镜头来进行讲述事情的，而这种叙事方式决定色彩的运用特别重要。电影作为一种视听艺术，高明的影视艺术创作者不但善于利用色彩进行美的构图，而且善于利用色彩刻画人物、烘托主题和发展情节,把色彩变成一种艺术语言，来展示作品的深层意义。导演把色彩当成一门艺术语言进行研究和探索，它涉及了许多理论领域，如符号学、电影学、心理学、哲学、美学以及绘画色彩等。电影不仅从色彩基础理论出发，还将绘画色彩与电影色彩相结合，透彻分析色彩在物理学、生理学、心理学、化学上的依据。像《辛德勒的名单》《红衣女郎》等电影作品就是通过对大量影视作品色彩特性、结构、造型手段、表现形式的解析，从而自身掌握影视色彩规律，并培养敏感、良好的影视色彩感受力。继而成为优秀的作品。一种旋律和基调的东西，是赋予作者创造思想的重要因素。例如，一部音乐作品要有它的节奏与主旋律，而一幅美术作品在色彩上要有色彩基调，这些旋律与基调是表达作品的中心，体现作者创造性思维的重要因素。一部电影作品，要有它的色彩基调。现在，中外一些电影导演喜欢拍摄黑白影片。黑白，也是一部电影的色彩基调，并且它也是电影色彩语言的一部分。有一种现象值得注意，彩问世后，很少再有人使用黑白色彩，不容忽视的是在黑白电影时代的佳作精品在现代电影艺术中独烁其华，究其原因，电影艺术中的黑白反差能营造出的是一种特殊的艺术效果。影片色调的整体关系，一是指它的统一，使一部影片达到协调一致的色彩基调。二是讲它的对比，在对比中形成影片的色彩基调。三是电影色彩的整体运动，在运动中形成对比又统一的整体色彩关系。从而建立起一种色彩基调及整体视觉感受，更好地渗透主题思想。黑白使电影艺术制造出两度空间，其形成的画面无一处还原自然的真实原貌，但可以引发出一种独特的艺术创作效果。
二、电影色彩与电影特色
色彩不仅是一种贯注了审美经验和审美意识的手段，而且是影视影像还原物质世界的一种感光元素。它不仅创造节奏、氛围、风格，它还被用来展示和刻画人物，最重要的是它也可以被用来表达思想的宗旨。以前艺术家拍的电影在文学艺术上都不敌当今，普通观众都不愿意看的原因是因为以前的技术问题，在很大程度上是色彩的普遍性。以前观众的欣赏能力，还不如现在这么挑剔，现在的观众群体是看惯了国外视觉特效的群体。已经不满足被拍摄物体的真实还原上，现在都讲求视觉效果的震撼，这里对电影视觉色彩要求更高了，影片的色彩除了还原画面真实美感外，它自身还要在观念和叙事中具有独特的表达功能。现在的电影色彩已经从最初的追求真实表达和胶片技术性上，上升到追求电影风格的独特性上了。准确地运用影视作品中的色彩可以很明确地塑造表达人物的内心活动的状态。在现今的世界里不同的民族、不同的群体都拥有自己象征性的色彩，都体现了个性与共性并存。从原始社会起，人类就懂得使用颜色来表达多种象征性的色彩作为一种人类活动的心理表达，在潜移默化中支配着人们的审美方式与表达方式。作为文化象征的电影，电影艺术的色彩不仅仅只是在对现实的自然反映，也不仅仅是现实为人们提供的感知整体的叙述，它是艺术家经过创造的色彩的重新组合，是具有相当约定性的符号系统，它正是以转换的方式链着观察者与社会的联系。银幕色彩是最容易穿透人物的表层空间直达人物心灵的，像摆物品那样通过视觉传达给观众。所以说，色彩和我们的社会是密不可分的，它对我们影响太多。色彩与电影作品的主题是密切相关的，恰当地利用色彩可以弥补非语言艺术在展现主题方面的疏漏。可以利用色彩的变换帮助观众来阐明作品的主题与表达观念，利用色彩造成的视觉冲击力来深化作品的中心思想。在影视作品中，有意识地搭配使用一些色彩，还有助于凸显作品的个性情节，增加作品情节的起伏跌宕，增强作品情节的感染气氛。对于这样一门与现代生活息息相关的新兴艺术，还应该把它放在社会的大背景下，作为一种文化现象来探究，探讨它的文化内涵与社会的互动关系。文化和美的关系是一个永恒话题，一方面，美在现实中不可能是抽象的存在，只能渗入在具体的文化中；另一方面，文化只有走向美，形成模式的具体化，达到独立传播的规模。在美学中，我们研究的是美的文化模式。在文化中，我们关注的是美学的深厚底蕴。
三、电影色彩与电影表达
电影还具有艺术性和商品性，它不但是电影艺术的根本属性，而且二者的高度统一，可以创造出商品价值与艺术价值都极高的作品。从根本上说，这种既体现在现在，又体现在未来的电影艺术作品商品价值和艺术价值的不断实现，是以电影艺术作品本身艺术性为根本保证的，它也是因受众群体欣赏能力的不断提升与接受而散发出不衰竭的艺术生命力。所以，只有具备适应受众审美接受水平相应艺术性的影片，才是电影艺术实现其商品价值的重要保证。只是电影接受这种主动性是以其被动性为前提的，主动性融入于被动的状态当中的传统的对于深度的审美追求与当代的对于平面的审美追求，显然同样蕴含着局限性，然而如果考虑到传统美学成功地概括了对于深度的审美追求中所蕴含的美学表现，现代美学是否能够成功地对于平面审美追求中所蕴含的美学表现加以理论概括，就绝非无足轻重了。
四、电影色彩与电影审美
电影是一种雅俗共赏的艺术形式，而色彩在电影艺术里是一种表达情意的手段。不论是从电影语言、内容还是从形态、技术角度看，电影都拥有着无数的可能性，它是永无止境的。故事情节的发展和人物形象的塑造都是重要工具与组成部分，而且离不开色彩在这部影片中成为整体基调的奠定作用，为我们以后在广告领域正确地掌握及运用色彩起了很大的启发作用。时间结构使影视不同于其他艺术观念，电影美术也是基于时间之上的视觉艺术，这种视觉观念首先是对时间与空间的思考，这都是基于电影的特点与时间紧紧相随的时间与空间观念而形成的。其次是对色彩表象的情感深入探究，然后回到电影美术创作的本身。运用色彩进行交代、强调、暗示、提醒与评述。在欣赏与接受电影艺术时要突破色彩层面进行解析，那么观众可以通过美感中最大众化的形式色彩的感觉解读电影艺术，探寻出电影艺术通过色彩在呈现客观生活情景时，其中充满着情趣和情感，使情感与理念相辅相成达到哲理和情理的充分融合，现代电影艺术使用色彩表达情意已成为电影人的一种创作理念，电影艺术创造的过程中通过色彩把主题、情感、理念、意图灌注其中，色彩成为最具表现性和叙事功能的一种表现手法。色彩包含着深厚的美学意蕴，既符合审美受众的情感逻辑，又符合审美受众的思维逻辑，带给观众的一定是强烈的美感和共鸣。优秀的电影艺术已能够自觉创造生动的色彩视觉冲击力，进而对生活做出有趣的诠释，传达出的是对现实、社会、文化、生活，思想观念的反映。没有色彩，就无法构建现代电影艺术的内容，更无法有效地表达情感与思维。电影艺术中色彩美象征地表达出情感与主题，色彩之间的相互配合又构成完美的艺术效果，促使电影文化和精品的视觉作品不断涌现。电影艺术的色彩美创造已形成一定规律，离开了色彩的支持和诠释，电影艺术将会黯然失色。画面含义更加丰富多彩，从而达到与观众的审美有交流性的沟通。在影视艺术的天地里色彩是我们视觉审美的一个重要部分。色彩之所以具有积淀记忆情绪，能折射出创作主体的观念、思想、情趣与个性的审美意味，是因为它承载着人们对生活的体验。色彩是最具吸引力的视觉因素之一，在构成影视画面语言的视觉诸要素中。影视中如果没有色彩，将会丢失它的优势从而失去大量的观众。马蒂斯说：“色彩能够传达每一事物的本质，同时配合起强烈的激情。”自彩色画面在影视作品中出现后，色彩在影视中便上升为一种富有意味的造型元素而存在。影视作品作为视听的艺术形式，其画面的色彩具有独特的视觉魅力与造型功能。电影艺术的艺术性及其艺术生命力，是来自于以满足人的生命愿望为核心的艺术内容以及对人类生命存在的意义和对生命的价值的揭示。影像的意义同样需要受众的主观参与，影像虽然直接取自生活本身的物象，但并不是对自然的单纯记录和对客观现象的复制，而同样遵循艺术选择性和凝聚性的原则，是对自然现象外貌的某种选择和截取，以局部的呈现来暗示和概括整体，实现对叙事的讲述，在某种程度上也是需要受众借助于其经验和想象空间来补充的。影像虽然非常直观、确定，但其含义并非单一，相反，影像的非概念性、直观性使其含义更具有空间性和未定性，增强了其含义的模糊性和不确定性，这就为观众带来了品味的自由，并由此形成了多义性的理解。
五、电影色彩与电影艺术
现代电影艺术应该具备艺术美的本质，会给未来电影注入更多姿多彩的新元素，为广大观众提供更优质、更丰富的生活娱乐享受，使电影艺术价值得以充分发挥。影视的发展与创作实践，使人们对色彩在影视中的作用有了进一步的认识。随着色彩的合理运用成为作品整体构思的重要组成部分和感染观众的有力造型因素，影视作品的创作人员应认识到色彩在画面语言和艺术造型中的重要作用。通过影视创作实践的发展，人们对色彩在影视中的作用有了新的认识。色彩不仅仅是影视影像还原物质世界的一种感观元素，而且是一种贯注了审美经验和审美意识的表现手段。它创造节奏、氛围、风格,它也被用来展现和刻画人物，甚至它也可以被用来表达中心思想。对色彩的造型表现、处理方法和拍摄技巧应给予正确掌握与合理运用，力求在准确还原色彩的基础上利用色彩的配置造成不同的效果，赋予画面色彩更多的表现性和象征性，使作品中的画面含义更加丰富，让影像充分发挥其既可供欣赏又具艺术魅力的心灵疏导作用。
［参考文献］
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［4］ 张会军.电影摄影画面创作［M］.北京：中国电影出版社，1998.
［关键词］ 音乐电影；电影艺术；发展前景；电影营销
一、音乐电影概述
（一）音乐电影的产生
由于早期的电影并没有声音出现，所以早期的电影很难令观众长时间地坐在剧院里面欣赏画面，于是一些大型的剧院纷纷请来一些有名气的演奏乐队，在播放电影的时候配合电影内容，为观众献上与之相配的精彩演奏。严格地说来，从默片时代开始，电影艺术与音乐艺术就产生了千丝万缕的关联。直到1926年8月6日,世界第一部有声短片《唐•璜》在美国上映，世界第一部有声电影正式问世。其中使用了一种被称作“维他风”的唱片伴音系统,但这部影片中的声音还只限于一些音乐。
（二）音乐电影的概念、定义
音乐电影是以音乐为题材的一种电影艺术形式,是目前为止出现的一种新的音乐电影艺术的表现形式。音乐电影的组成是由普通电影和Music Video糅合而成的新的音乐电影表现形式。一般会以一个单一的故事为中心，创作出指定主题音乐和其他辅助音乐的片段，再按照电影拍摄的逻辑顺序将音乐作为主要叙事手法制作而成的短片。但听电影原声唱片，又跟看电影是什么关系呢？有人会因为音乐而喜欢上一部电影；有人也会因为喜欢上一部电影而四处寻找这部电影的配乐。由此看来，音乐电影的定义需要满足以下条件：
1.必须有一个完整、独立、具备戏剧冲突的故事情节，其特点是音乐电影与音乐短片、情节MV等区分开的重要之处。
2.影片长度较短，这是新类型音乐电影与传统歌舞片的重要区分特点。音乐电影一般在10~20分钟左右，远远短于传统电影90分钟的分割线。
3.以音乐为题材，电影中穿插专门以音乐为主题的电影。
（三）音乐与电影艺术的完美结合
电影不仅在过去的世界中影响人们的思想、情感、人生价值观、道德观念，被称为最具生命力的艺术外，对现在和将来的世界也具有不可替代的影响。电影被誉为是声、光、影艺术的完美结合。然而“光与影”都只是体现在技术层面对电影作出的贡献，只有音乐这种世界通用的语言，是在艺术上完美地与电影结合在了一起。音乐与电影两者有机地结合，利用视听的触动，使人们更完美地表现自己心底的思想感情。音乐用不同情感不同音调来营造与影片贴切的气氛，并能诉述一些心底无法表达的纠缠，还能传递心灵感受，用音乐突出某种动作与动态，恰当的音乐让观众对于影片的情感能更直观地理解。有了音乐的加入，不但提高了电影艺术的品味，也使视听艺术更加丰富，本来静态的画面借助动态的持续不断的音乐形式达到了完美的时间和空间上的延伸。
二、音乐电影与普通电影的区别
（一）主流电影的分支――音乐电影
作为主流电影的一个分支，音乐电影并不像其他类型片一样容易融入大众的视野。严格地讲，音乐电影应该算是新媒体电影的其中一个流派。
素有“暴力美”之称的著名导演吴宇森捧红尼古拉斯凯奇的电影《变脸》(又译夺命双雄)中，一名男童戴着耳机，子弹在他身边飞舞，柔美的音乐响起，这一镜头堪称暴力美学的典范。
Nino Rota现在的至高声誉不仅仅是因为他曾为《教父》谱写了令人动容的音乐，更是对他在电影配乐界至高无上地位的真实评价。他在早年进军好莱坞之前，在意大利电影界的地位就已经非同一般了(11岁就写了第一部宗教剧配乐)，后来为19部费里尼电影担任了配乐，被后者称为“就像是上帝派来帮我完成电影的人”。1968年，由他创作的《罗密欧与朱丽叶》电影配乐原声带正式发行上市，创下了300万美元以上的收益，也使得电影原声带成为风靡唱片市场上的一种赚钱的重要手段。
对于《我的父亲母亲》来说背景音乐的烘托也起到了很大的渲染作用。伴着悠扬的曲调和电影情节，“奔跑”在整个影片中起到了贯穿全文的作用，从初见的兴奋，到追恋人的急迫，再到雪野中的焦急，到最后通向幸福的奔跑。每一次奔跑的姿势都各自不同，心情也会随着当时的心境起伏变化，同时传递的一个相同的主题，就是爱情。音乐的与奔跑节奏配合的极为巧妙，让观看者的血液也随之沸腾。
（二）音乐电影与其他类型片的区别
我们可以将音乐电影看做是歌舞片的精简版。然而并不是所有类型影片都适合改变成音乐电影这种电影形式的。受制于影片长度，如功夫片、警匪片、故事片这种需要铺垫的影片并不适合新媒体电影去追赶未来电影的发展潮流。音乐电影相对来说更加独立，它不再是故事为单一主线，音乐烘托情节，而是把二者真正地结合在一起的新形态艺术。这也是音乐电影与其他类型片最大的差别所在。
（三）音乐电影的优势
音乐电影最大的优势就在于它的营销发行渠道具有多样性。从中国媒体经济的发展水平来看，整个经济模式是一个缺乏规范法律体系的领域，电影营销也就顺理成章地成为其中的一个表征。音乐电影中，音乐与电影没有上下级关系，两种艺术相辅相成，是互为依托存在的。所以在后期的宣传攻势中，电影故事可以增大音乐发行方的力量，而影片本身又以音乐元素为卖点，进行交互式宣传，截取影片片段与音乐的结合运用在宣传中，吸引人的注意。在现代电影声音创作观念和科学技术的支持下，中国的电影声音正在构建着具有中国民族特色的创作体系，使得当下中国的文化语境及文化创意产业的发展态势给电影艺术产业领域带来了无限生机与活力，电影声音创作在此氛围中形成了独有的本土特征与发展趋势，并立足国际舞台。中国电影声音的学术研究仍落后于中国电影的其他专业领域。因此当中国电影艺术创作和制作领域渐次地在一般人的眼光中从事业性领域转变成了商业性和产业性并重的领域以来，认真研判、梳理、考量每年的中国电影声音艺术创作状况，并思考中国电影声音将朝着怎样的方向继续发展，不仅是电影声音工作者和研究者的责任，亦可为下一个电影发展周期的总体策划和酝酿、为进一步地提高中国电影声音艺术的创作质量水平、为中国电影走向全球并在文化创意产业的语境下能吸引更多的观众走进影院铺设出一条基本之路。
三、音乐电影的发展前景展望
（一）音乐电影的历史
音乐电影的演进过程是不断创新的过程。在音乐电影发展的过程中，每个时期都展现出当时的社会风气，每个时期社会风气也构成音乐电影本身的延续。以下将以时间的先后来简述电影音乐的发展过程与每个时期的代表人物。
1.默片时代追溯电影音乐的历史
1895年在巴黎的卡普辛大道餐厅，卢米埃兄弟放映了电影史上的第一部商业片，放映的同时还邀请了钢琴家做现场的伴奏，所演奏曲目均是通俗的音乐，这次音乐与电影的交汇就证明了两者有一个切入点与结合处。
1912年，温克勒出版了名为《音乐指示谱》的乐谱合集，专门为当时放映电影的现场来使用，得到大众的好评。
1913年各家出版商开始将音乐的类型分门别类应用于适用的情节中，其中以《动画音乐集》最为有名。
第一位正式将音乐引进电影中的是电影之父葛里菲斯，他创作的《国家的诞生》影片，首次与音乐家布瑞尔创作的美国歌谣完整结合，这是电影音乐的一大转折点。
在默片时代电影音乐总谱已经出现，作曲者事先编谱完毕后在电影放映时由交响乐团或室内管弦乐团现场演奏。最著名的是默片大师卓别林从1918年起为自己的电影创作的音乐，除了写曲之外，他还身兼提琴手、钢琴师与管风琴师等。
2.起飞时期的电影音乐史
1927年对于电影史的发展是关键的一年，因为影像与声音结合的技术渐趋成熟，使得有声电影正式崛起，观众终于能在听到音乐的同时听到演员们的声音了。
有声电影制片商对电影音乐开始关注，以音乐注入电影中的方式来建立公司电影的形象，同时也尝试其他不同的音乐表现手法，以达到更成熟的电影音乐语言。1927年的《爵士歌手》是第一部片中主角能开口说话的有声电影，此后不到三年，声音的出现让电影表演更具生命力，有声电影自此席卷了整个影坛，成为主流。
（二）今天的音乐电影
今天的音乐电影以音乐与形态表演被人们接受，并形成一套完整独立的叙事的美学体系。音乐是可以独立存在的，而电影却无法不在音乐中体现情绪的升级，这就是音乐电影的显著特征。音乐电影也可以叫做音乐故事片，从理论上讲音乐电影是一种集音乐、电影于一身的艺术表现形式，从其诞生之日起，已经涌现出很多优秀的音乐电影：《音乐之声》《歌舞青春》《摇滚青春》《歌剧魅影》《海上钢琴师》。现今电影音乐改变了以前电影必须是用形体方式构成的传统观念，与电影中的对话、场景等结合，形成了新的整体叙事的表现形式，有时音乐与语言结合，有时音乐和音响效果结合，有时与两者都结合来恰如其分地表现抒情性、戏剧性气氛。
（三）音乐电影的未来
电影音乐的重要性与将来的发展是一个空间巨大的未来电影行市，各种新创意、新体裁、新风格的音乐电影会不断涌现。随着电影思想的多样化和大众眼光需求的多样化，音乐电影将越来越被人们所关注和认可，不久的将来，在电影市场会占有不可估计的广阔市场。
四、结 语
电影音乐最常用的手法是根据影片的主题思想或主要人物的性格创作一个(或几个)富有表现力的音乐主题。此外还有一定数量的其他音乐作为陪衬、对比和补充,但并非惟一的手法,它随着情节进展而重复(或变奏、发展)，成为贯串发展的主体。这种主题称为主导主题或主导旋律。当代西方也出现了许多不用主导旋律的电影音乐，仍然取得了良好的效果。音乐艺术的发展已经进入一个多元化时期,电影已有几百年历史，随着电影技术的不断发展，音乐已成为这门技术中不可缺少的重要组成部分。音乐形式的多样性与独特的艺术性已渐渐被大众所了解和接纳，从只有形体表演的无声电影到配音配乐电影艺术、从单纯的语音表达到丰富的形体展示，到现在以音乐带动电影情绪的发展，音乐电影已作为第三产业的一个门类被提出，推动并加速各行业的发展与社会的进步。
［参考文献］
［1］ 狄其安.电影中的音乐［M］.上海：上海音乐出版社，2008.
［2］ 曾田力.影视剧音乐艺术［M］.北京：中国传媒大学出版社，2009.
【关键词】本体论 体用观 影像 叙事 本质
本体论是西方哲学体系的重要组成部分，而像艺术本体论、电影本体论这样的论题很能吸引人们的注意。但是，使用一个概念之前对其进行适当的分析和澄清显然是十分必要的，否则就很可能出现望文生义或将错就错之类的问题。如果哲学意义的本体论并不适用于电影艺术的理论建构，那么就应该将其摒弃，并代之以更有包容性的理论视角。
一、本体与本体论
作为形而上学的重要组成部分，本体论是探讨存在本原、世界实质的学说。早在亚里士多德时代，本体问题就已经和“神”发生了密切的联系。而在整个中世纪，这种联系更加密切。正因如此，康德在《纯粹理性批判》中反对把本体论看作是一种追寻本原的演绎方法，因为本体论所涉及的问题超出了“可能经验的一切范围之外”。在康德看来，本体论问题就像“用我们所具有的不知其来自何处的知识、基于对不知其起源的原理的信任而马上去建立一座大厦，而不对其基础预先通过仔细的调查来加以保证”。①从18世纪末开始，作为过去哲学根基的“本体论”已经日暮途穷。
当代中国学者从语源学的角度对“本体论”的译名提出了质疑。“经过哲学家的改造制作，‘是’本身就成了具有最高、最普遍的逻辑规定性的范畴。”②因此，本体论实际上不是关于“本体”的学问，而是关于“是”的学问。把Ontology译为“本体论”是一个影响很大的误读。“它是一门关于‘是’的学问，其较适当的译名应为‘是论’。”③
可见，本体论所讨论的问题与我们对其字面含义的理解大相径庭。实际上，当我们探讨电影本体论问题时，更倾向于对这门艺术本质的探求，也就是把一个艺术学、美学问题披上一件绚丽的思辨外衣。退一步说，我们承认“电影本体论”这一提法的合法地位，也只能理解为关于电影的“本体”的学说或理论。这里“本体”一词不是西方哲学意义上指称世界本原或存在根据的那个本体，而是使事物成为其自身的那些部分。与“本体”相对应的是“用”，即功能和作用。
二、影像――电影艺术之“体”
通过考察电影文化中的各种要素，诸如编剧、导演、摄像、声音、舞美、灯光、技术、发行、运营等方面，我们会发现从电影诞生到当今电影制作进入数字化时代，所有一切都处于变动之中，只有一件事情是不变的，那就是制作或者说创造影像。法国印象派、先锋派电影导演，同时也是哲学家、作家、演员的阿倍尔・冈斯曾经充满激情地宣称：“画面的时代来到了。”并且，他还为这个宣言加上了诗意的注脚：“一切传说，一切神话，一切不平常的事件，所有宗教的创立人和宗教本身，所有历史上的大人物，几千年以来人民想象中一切客观事物的反映，都在等待着光来使他们复活。”④对此法国电影史学家马塞尔・马尔丹做了更为理性和凝练的概括：“画面是电影语言的基本因素。它是电影的原料，但也已经是一种特别复杂的现实。它的产生实际上是以深刻的双重性为标志的：它是一种技术装置――能准确地、客观地再现所面向的现实的装置――的自动运转的产物，而这种运转同时被引向导演确定的方向。”⑤也许人类的天性中有懒惰的一面，通过影像直观认识世界、分辨事物的便捷性轻而易举地战胜了通过文字符号了解世界、获得快乐的传统方式。
作为一门综合艺术，电影不但是各门艺术的综合，还是现代技术与艺术的高度综合。但电影艺术首先是一门依靠影像而存在的艺术形式，它和其他视觉艺术一样，最终的作品或成果是建立一个不同于现实世界的独立空间，它的优势就在于把时间这一要素完美地包含于空间之中，形成一个统一的时空结合体。而不像绘画和雕塑那样，时间只是对作品起到保存、消褪或分解的作用。因此，影像或动态的影像就是电影艺术的本体。
三、体用观与本质观的比较
我们探索艺术的本体和功用是了解其内在特性和发展规律，用传统哲学的观点看，这是一个探索艺术本质的过程。但我们在这里强调：尽管我们在研究和批评电影作品时难免会涉及艺术本质这样一些“根本问题”，但基于主客对立的本质主义的下定义方式有着太多独断之处，从总体上妨碍认识的全面性和多元性。本体不是本质，功用不是现象。电影艺术以影像为“体”，并不意味着把影像当作电影的本质。
为了更好地说明这一点，我们可以看一下黑格尔对本质的界定：“本质是扬弃了的有。”“要认识这一事物的本质就要离开其自身，到它的背后去寻找。”这种思路与柏拉图的分离理论、中世纪神学的实在论如出一辙。当然黑格尔的本质论又是辩证的，这是其超越前代本体论的关键所在，他认为：“本质之所以是本质，如它在这里所成为的那样，不是由于对它来说是外来陌生的否定性，而是由于它自己的运动，即有之无限运动。”⑥
正如过去有人曾把蒙太奇看作电影的本性，“但是无论蒙太奇多么重要，并不能概括电影的全部可能性。”“电影像其他艺术一样，它的‘本性’的概念也是发展的，因此过早地概括出它的‘本性’，或认为它有一种持久不变的本性，并不符合它的发展历史。……和‘艺术是什么’并没有得出结论一样，‘电影是什么’也是争论不休而无结果的。”⑦与其从本体论的视角去探索超越于电影艺术之上的本质，不如通过区分“体”与“用”的方式把握电影的形式与意义。
注释：
①康德.纯粹理性批判[M].邓晓芒，译.北京：人民出版社，2004：6―7.
②③俞宣孟.本体论研究[M].上海：上海人民出版社，2005：16，27.
④阿倍尔・冈斯.画面的时代来到了[C].柯立森，译//外国电影理论文选，上海：上海文艺出版，1995：69.
⑤马塞尔・马尔丹.电影作为语言[M].吴岳添，赵家鹤译.北京：中国社会科学出版社，1988：10.
⑥黑格尔.逻辑学（下卷）[M].杨一之，译.北京：商务印书馆，1976：3，4，8.
［关键词］ 艺术特征；从属关系；电影音乐；动漫音乐
在人类从事的艺术活动之中，各艺术门类之间总是会有着千丝万缕的联系。这些联系不但体现出各艺术之间的相互渗透，也反映出各艺术之间的相互需要。艺术之间的渗透其实质就是一种多元化的横向发展。不仅能拓展该种艺术的发展空间，同时也能从另一侧面积极促进该艺术向纵深化不断发展。各种艺术之间渗透和结合方式的日益更新，也会导致艺术结合的双方在从属关系上的变化。电影与音乐两门姐妹艺术两者之间的从属关系，就很好诠释了这一情况。
音乐是一门以声音为构筑手段的艺术，在漫长的发展过程中形成了独有的艺术形式和体系。电影蒙太奇艺术的发展时间只有一个多世纪。但是两种艺术从初次结合到多元化的融合，无不体现出一种十分深切的紧密关系。纵观音乐与电影结合发展的历史来看，两者之间的从属关系共发生了三次戏剧性的变革。
一、音乐与电影从属关系的确立
电影是一门视觉冲击效果较强的艺术形式，有着不可比拟的生动性和形象性。自1895年世界上第一部电影诞生以来，电影凭借着独有的艺术气质与魅力，成为一种生命力极强的新生事物。人们长期以来对现实生活和情感的渴望，终于可以通过蒙太奇艺术的媒介形式形象地表达出来。但是要想表现一个有形、有色、有声的世界，仅仅依靠影像的连动效果是不够的，还应该附有惟妙惟肖的声音，才能还原生动的物质世界。音乐正是一门相对抽象的听觉艺术，能提供给人们无穷无尽的想象空间，与形象的电影视觉艺术形成了良好的互补。虽然两种艺术所存在的形式与构筑手段截然不同，但都以动态艺术形式去反映主观以及客观世界发生的一切。因此两种艺术的融合有着不可替代的基础。
早期的无声电影虽然是黑白的，但是人们还是能够克服这种视觉效果审美缺憾；可是对于缺少声音，人们却难以接受。人类获得信息的途径就是视觉与听觉两种信道。缺少了声音人们会觉得世界太过于寂寞。
为了能吸引更多的观众来影院观赏影片，电影院的经营者开始聘请乐队对电影进行现场的配音伴奏。这种从商业盈利角度所进行的活动，却为两种艺术的融合提供了最初的尝试。这种形式的结合方式一旦出现，就意味着在概念上确立了音乐与电影之间的从属关系。音乐在电影中的功能被明确了，即为烘托和渲染电影气氛，所进行的配套伴奏部分。音乐为电影而服务的功能属性从而确立起来。
在无声电影时期，由于没有过多其他音效的参与，音乐在电影中的比例是十分突出的。当时电影中的音乐完全是由乐队根据剧情的变化即兴发挥的。即兴演奏的准确性以及与影片的对应效果都存在着很大的差误，即便是这样还是为当时的电影提供了一种良好的音效补偿。
1927年美国人开发出一种名为“维他风”的唱片伴音系统，将电影与音乐的结合固定化、专业化，形成了有声电影。有声电影的出现标志着电影真正成为一种视听艺术。
随着电影艺术的不断发展，电影中声音的制作和分工也越来越系统化，由人声配音（独白、旁白）、特殊音效以及电影音乐等几个部分组成。音乐在电影中的比例额度已经不像无声电影时期那么突出了，但是功能却日趋系统化。音乐的内容也受电影情节的限制，不能随意安排，而是要专门针对电影中各个部分的特殊情节进行准确对位。按照不同的功能划分为片头曲、片尾曲、主题歌曲、插曲、背景音乐等几个主要部分。其中片头曲、片尾曲相对旋律比较完整，对整部影片起着风格上的暗示。通常情况下，主题歌曲就来自片头曲和片尾曲中。背景音乐比较片段化，经常在主人公对话时或情节紧张时出现，对局部的故事情节起着衬托作用。而电影插曲是电影音乐中创作起来最为困难的，通常被安置在比较重要的电影片段上。有着严格的时间限制，基本上很少有对白，更重要的是音乐要随故事情节发生变化。这样一来插曲就有着比较明确的内容。电影音乐的发展带动了音乐创作、音乐制作、录音事业的蓬勃发展。
在这几种电影音乐的共同作用下，电影艺术显然已经成为一种具有综合元素的视听艺术。不管音乐在电影中的功能发展多么完善，分类多么系统，创作技术多么先进，都没有改变音乐从属于电影的事实。电影第一性，音乐第二性的关系根深蒂固。两种不同艺术的融合提供了我们发展艺术模式的新思路，如今的电影音乐已经成为人们喜闻乐见的一种艺术形式。经典的电影音乐经常可以直接被人们去欣赏、传唱。欣赏电影音乐可以带给人们美感的享受和心灵的碰撞；还可以让人们回味电影中的经典片段。
二、电影与音乐从属关系的颠覆
两种事物的融合，并不意味两者的关系总是一成不变的；在某种角度来看，两种事物的位置在条件容许的情况下还会发生转化。艺术之间相结合，最大的益处就是会产生创新点，这种创新会催促艺术之间的协调发展，也会分裂出新的艺术形式。创新不仅是艺术形式上的，也可能会在观念上完全改变原有两者之间的本质关系。在电影与音乐的结合上，由于电影的综合艺术特征，使音乐从属于电影。同时也成就了一种新的音乐发展模式――电影音乐。在两种艺术磨合的过程中，人们总会发现新的转换视角。
1982年，美国著名的流行音乐之王迈克尔•杰克逊，推出了自己第一张带有影像的音乐专辑THRILLER（《颤栗》），并在美国的MTV电视台首次播出，很快就风靡全球。MTV就是Music TV，是以音乐为主要陈述媒介、以影像为辅助的艺术手段。为了更好地让观众感受和理解音乐中的内容，采用电影拍摄和剪切手法，让相对片段化的视频为完整的音乐服务。即用最好的歌曲配以最精美的画面，使原本只是听觉艺术的歌曲，变为视觉和听觉结合的新艺术模式。 迈克尔•杰克逊本人也成为现代MTV音乐的创始人与里程碑。
这一事件标志着音乐与电影从属关系的改变。长期以来，电影支配音乐的地位被颠覆了。在电影中，影视是完整的，而且是主要的陈述媒介，音乐则是片段化的，不完整的，成为完善电影效果而进行的必要辅助手段。而MTV程式中，音乐是完整的主要陈述媒介，而影视是片段化的，是根据音乐中的旋律情感变化以及内容要求所作出的配套图像。那么电影就成了为完善和渲染音乐表现所进行的辅助艺术，即音乐第一性，电影第二性。这种变化不仅是观念上的，更是在实际意义上推动了整个音乐与电影艺术发展方向的改变，为两种艺术的融合开启了新的模式。这次改变是具有历史意义的，是一场艺术思维的变革，必将引领音乐与电影沿着多元化的轨道不断前行。
三、电影与音乐关系的新变革
在音乐与电影结合发展的历史上，两种艺术混合之后，都各自产生了新的艺术表现形式，电影音乐与MTV。两种艺术在各自的艺术形式中，都充当了主要的陈述媒介，并且起到了支配作用。两种艺术、两种文化在各自探寻发展完善的过程中，相互借鉴，共同完善发展。
音乐文化中的一些历史、文化事件，经常会被作为电影创作的题材。这些题材既包括音乐家的故事，如《柴可夫斯基》《肖邦》《莫扎特》；也有包括音乐文艺背景的电影模式，如《音乐之声》《出水芙蓉》等影片。尽管电影取材于一些音乐历史事件与典故，但是并没有直接根据音乐作品本身的旋律、节奏节拍、音色音区等构成元素进行构思以及创作。MTV虽然是先有音乐后有电影片段，而且电影片段也是根据音乐情景所设计的；但是这里存在着一个相对明显的特征，就是音乐是完整的，而电影是片段化的，而且影视只是增加音乐剧情的渲染效果，而不是准确的一一对应式的。画面与音乐本身联系并不是很紧密，甚至画面是可以替换的。无论是电影音乐还是MTV，所呈现的关系都不是一种两个艺术主体都完整的紧密对应的融合方式。这也就为产生两种艺术结合的第三种方式提供了可能。
1940年美国著名电影导演詹姆斯•阿尔加，为迪斯尼公司所创作设计的动画电影《幻想曲》，堪称一部电影艺术精品。这部影片采用一种新颖的创作理念，诠释了音乐与动漫电影结合的伟大历史意义。该影片于1942年获得了第14届奥斯卡“最佳音乐”及“杰出贡献”两项大奖。这种全新的影音结合方式，是以古典主义音乐本体为电影的全部创作元素。利用高科技手段让动画影片对音乐中发生的情节以及情感变化，进行针点式的精确对位。在影片中每个音符和节奏变化都有准确的动作回应，达到了影音同步精美绝伦的艺术效果。《幻想曲》不是一部剧情片，它是由“故事音乐”“无主题音乐”“交响音乐”三个部分组合而成的。编创者对抽象音乐作品的理解想象，都形象地采用动画电影手法呈现出来。多年来一直被电影以及音乐爱好者所青睐。1990年迪斯尼公司在《幻想曲》的基础上又推出续集《幻想曲2000》，不仅推动了动画产业的迅猛发展，同时也将音乐与动画艺术结合的革新继续到底。
这部动画电影的问世开创了电影历史上的很多项创新。是第一部音乐与动画的电影，也是第一部立体声电影。它的出现也导致了音乐与电影艺术关系上的又一次变革。电影的内容是音乐的本体，而不再是音乐的背景。两种艺术的结合都是完整的，没有任何一方是片段化的、辅助的。两者关系不是从属的关系，而是一种平等并重的关系。《幻想曲》的诞生又孕育了动漫音乐产业的未来。可以说在电影与音乐结合的发展史上，有着划时代的意义。
四、结 语
在电影与音乐结合的发展历史上，两者之间的关系不断发生着微妙的变化。这种变化不仅验证了哲学中的辩证思想，同时也验证了当今艺术的发展正沿着一种多元化的趋势前进。艺术之间的有机融合，正是一种横向的、多元化的发展模式。艺术之间这种联系的发展，不但可以推动自身领域的深化研究，还可以孕育更多新的艺术种类。随着人们对艺术领域的不断探索和创新，相信在电影与音乐结合发展的道路上，一定会开出更加绚丽的花朵。
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