文艺复兴时期古典音乐

开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇文艺复兴时期古典音乐，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。

第1篇

经过了中世纪后期的战争，欧洲大陆终于又回归了平静。人们慢慢地意识到，他们被宗教和教会“洗脑”了，被统治者们利用宗教约束了这么长的时间，几乎忘记了古希腊、古罗马时期那些迷人的文化和艺术。于是，从15世纪到16世纪期间，出现了许多的文艺青年，就像我们现在有许多文艺青年玩音乐、学绘画一样，欧洲的文艺青年们又重新开始钻研古希腊和古罗马的艺术，这就是传说中的文艺复兴。

欧洲的人们终于想起来了，古希腊的神话多美妙啊！那时候的音乐很纯粹，没有统治者们的思想，是为了纯粹的美而存在的；那时候的绘画、数学都是宝藏，应该重新让它们发光发热，我们要重新攀登古代的高峰。于是，人们又开始学习古希腊时候的知识，努力创作出能够跟当年一样优秀的作品。这个阶段在欧洲持续了两百多年，出现了非常多的大师和好作品。

音乐是最后醒来的

人们终于厌倦了宗教的条条框框。从前一切都是以神为中心，什么都要听上帝的，要听教会的，到了文艺复兴时期，终于慢慢地转变了，人们开始考虑自己的感受。

从诗歌开始，但丁写了一部《神曲》，其中表达了对天主教会的厌恶，批评了教会，人们把他当作新时代最初的诗人。

紧接着，在雕塑和美术方面，开始了大踏步的前进。最著名的就是文艺复兴三杰：达・芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。达芬奇的《蒙娜丽莎》和米开朗基罗的《大卫》，在今天都是无价之宝呢。

随之而来的是哲学家、科学家、文学家的崛起，马丁・路德写了《九十五条沦纲》，哥白尼写出了《天体运行论》，莎士比亚写出了《罗密欧与朱丽叶》。

这个时候，音乐家们并没有出现惊世骇俗的作品，但是他们已经在陆陆续续地总结和声、作曲、记谱等等很多方面的知识了。

对于乐理知识的研究，使人们开始对音阶、音程关系有了新的发展，同时也推进了乐器的改良。

音乐印刷术

在文艺复兴之前，音乐都是靠人们口口相传的，有了简单的记谱方法后，也是依靠手沙的k法，所以乐谱不能被大量发行，很难普及和流传。

其实，比丈艺复兴早了大约400年，中国的北宋时期，毕异就发明了活字印刷术，但是直到1450年，才由欧洲的约翰古登堡加以完善和改进，终于可以印刷带有乐谱的宗教书籍了。

从那个时候开始，优秀的作品就可以得到更好地保留。不过也不是什么乐谱都能够印刷的，很多没有钱的作曲家，支付不起印刷费用，还是要靠手抄写。

乐器的发展

之前我们说过，中世纪时期的音乐大部分是用人声演唱的。乐器的演奏被看作“没有意义”，因为没有歌词，没有中心思想。

但是到了文艺复兴时期，乐器演奏的曲目就渐渐多起来了。所以，从1450年开始有更多的器乐演奏的乐谱，被印刷和保存下来了，让我们在今天可以认识到乐器的发展。

因为绘画艺术的发达，所以很多乐器也被画下来了，我们可以在画中看到它们的样子。

当时的主要木管乐器有竖笛、肖姆管（双簧管的祖先）、横笛、木管号（木制或象牙制的）、小号和萨克布号（长号的祖先），大部分的管乐器声音都比现在的要柔和。

维奥尔琴虽然是现代弦乐器的祖先，但是在当时它们长得还很不一样。它的琴颈上有“品”，有6根琴弦（现在的提琴只有4根琴弦），演奏的时候不需要揉弦，音色更加优雅细腻，弦也不用绷得太紧。

第2篇

摘要：当代古典音乐无论是在中国还是在欧洲都失去了过去的辉煌，这与时展变迁有着密切的关系。在这个流行音乐大行其道的年代，如何将古典与现代更好的融合，使古典音乐能继续被观众所接受与喜爱成为音乐表演者面临的一个重要问题，这也是当代音乐表演的一个新趋势。

关键词：古典音乐；现代音乐；融合

古典音乐最早在欧洲起源，中世纪时期由于人们对基督教的信仰，创作了以演唱圣经为主的教堂音乐，这种音乐以单声部为主，而后在文艺复兴时期音乐仍是以教堂音乐为主，但较之前有很大的发展和进步。直到1750年才真正进入到古典主义时期，音乐的内涵有了大的转变，逐渐脱离宗教的束缚，创作的作品多为展现内心感悟与人生哲理，海顿、莫扎特、贝多芬是主要代表人物，到了浪漫主义时期，作曲家才开始真正摆脱教会音乐。古典音乐有着高雅的美，这种音乐能够使人的心灵产生共鸣，作曲家把自己对人生的感悟，全部融入到音乐里，用音乐表达自己的内心世界。但随着时代的发展，商业化趋势的到来，古典音乐逐渐被流行音乐的浪潮淹没。由于古典音乐强调严肃性，因此，演奏手法单一而程式化，这种单一的古典表演已无法满足人们的欣赏需求，人们对流行音乐的追捧，促使涌现出大量的古典音乐改编作品、新的表演形式，同时大胆的应用了舞台灯光、背景、音效、服装，来丰富舞台演出效果，增加了与观众的互动。这种新的表演形式，拉近了古典音乐与大众的距离，使得整个演出从视觉到听觉都更为丰富。这种演出形式将成为今后器乐表演的新趋势。

过去演奏古典音乐，都是以模仿为主，同时要了解作者的生活背景写作背景，这样才能按照作者的意思来诠释音乐。而当代器乐表演，应该不仅是一种在现的艺术，不再单单是为了诠释作曲家的音乐本意而演奏，而应当注重对音乐的二次创作，在完整演奏与再现音乐作品的同时，站在现代的立场上，以新的审美观，不断的赋予音乐新的内涵与生命，使音乐作品得到升华。英国国宝级小提琴大师之称的奈吉尔·肯尼迪就是一个代表性的人物。在古典音乐作品日渐衰落的今天，为什么由他演奏录制的唱片，却能如此热卖，并获得相当高的评价，得到很多的奖项，就连对古典音乐不喜欢也不了解的人，都能被他的演奏所吸引，其实他吸引人之处就在于他给古典音乐作品赋予了新的生命。对此肯尼迪说道：“如果一个音乐作品只属于它所产生的那个年代，那么在今天它将必死无疑。”

前面谈到了完整演奏再现音乐作品的同时，赋予音乐新生命的表现手法。其实随着时展的需求，大量的古典音乐改编的作品不断涌现出来，利用电子音效伴奏，改编古典音乐作品，使其更符合时代的节奏，赋予音乐新活力，使古典与现代完美的结合。陈美、“古典辣妹”组合，都是典型的代表，他们都毕业于正统的音乐学院，学的是古典音乐专业，有着华丽纯熟的演奏技巧，却把古典音乐进行改编，融入Trance、House、Latin、Salsa等曲风，打破古典与流行的界限，使之融为一体。2001年“古典辣妹”的首张专辑《Born》其中“Victory”一曲就是改编了歌剧《塞维里亚的理发师》之序曲；“Oceanic”则取材自圣桑《动物狂欢节》中的“水族馆”；“The 1812”则改编自柴可夫斯基的同名作品《1812序曲》。这种古典与现代的完美融合，代表了器乐表演在演奏作品方面的一个崭新的开始。

从表演形式上看，古典器乐表演主要有二重奏、三重奏、四重奏等等，大家都是坐在椅子上演奏，除了正常演奏上的肢体动作外，基本没有其他的动作，中规中矩。而现在，一种新的演奏形式出现了，无论是几重奏，演奏者都是站立表演，随着音乐节奏舞动。H.加登纳曾说过：“从某种程度上说，音乐本身最好还是被看成一种延伸了的手势，一种由身体所执行的运动或方向。”这也就是为什么许多对音乐进化的研究都认为音乐使与舞蹈密切联系的。人们会把音乐运动与自然运动融为一体。音乐的强烈的节奏使人们不自觉的跟随音乐舞动身体，刺激人的感官神经。这种新的演出形式，打破了过去死板的演奏形式，大大丰富了演出的视觉效果，同时能使听众全身心的投入到音乐中去。

在舞台背景方面，过去在音乐表演中，演奏者通过对乐曲的理解进行想象和设计，再把这些想象的画面通过演奏表演给观众。音乐本身就是抽象的，对古典音乐不了解的人更难以理解音乐的内涵。而在现代音乐表演中大量的借助电子设备来营造音乐所需要的气氛，在演奏过程中配以背景图像，把音乐要表达的意境用画面表现出来，这种音配画的表演形式，更加丰富舞台效果，使听众有身临其境的感觉，能够更加深入的理解和欣赏音乐作品。

总之，将古典音乐以更通俗、更多样的形式展现给观众，这样更贴近大众，使更多的人能接近和了解古典音乐。古典音乐不再是少数人能够欣赏的高雅音乐。将古典音乐与现代音乐巧妙的融合，赋予古典音乐新的生命力。

参考文献：

王朝刚 《器乐表演技能教学》上海音乐出版社

张洪岛 《欧洲音乐史》 人民音乐出版社

第3篇

[关键词]合唱；电影配乐；艺术表现

合唱艺术是声乐艺术的最高表现形式，是指集体演唱多声部声乐作品的艺术门类。它以人声为表现工具，能够最直接地表达音乐作品中的思想感情，激发听众的情感共鸣，具有音域宽广、音色丰富、力度变化大、音响层次多、表现力强的特点，较之其他的音乐形式有着独特的优越性。因此自公元前9世纪。合唱就成为古希腊音乐的首要特征，成为西方音乐的发端，更是西方古典音乐的基础。从早期的宗教艺术，到后来的歌剧艺术、交响音乐以及当代的多元化音乐艺术，合唱贯穿了整个西方的音乐文化历程，成为人类文化艺术的重要表现。上世纪早期开始，合唱这种古老的音乐形式又成了电影音乐这种新型艺术的重要内容，合唱以其自身悠长的历史内涵，丰富强烈的艺术表现力在电影这种现代艺术中焕发出勃勃的生机。

一、合唱在电影配乐中的历史源流

合唱与电影的合作并不是自电影产生就开始的，早期的电影音乐中纯器乐占据了绝对的统治地位，特别是20世纪30年代。电影配乐逐渐进入了交响化的状态。然而正是作曲家们这种交响化的创作思维，合唱这种具有交响化风格的声乐形式受到重视。1938年普罗柯菲耶夫为电影《亚历山大・涅夫斯基》创作的配乐，为增加表现力，普罗柯菲耶夫在片中使用了合唱，这部作品不仅成为台唱史上的名作，也是电影史上的扛鼎之作。自此，合唱以其卓越的表现力迅速地在电影配乐中普及，至今短短几十年的历程中，电影音乐中合唱的精妙使用不断出现，合唱在电影艺术表现中作用不断增强，成为电影配乐的重要形式。

二、合唱在电影音乐中的功能展现

合唱艺术在电影音乐中的作用是多样的，既可以营造气氛、渲染氛围，也可以体现剧情，表现故事背景，增强影片的戏剧力，在各种类型的影片中都有所体现。

1　营造气势

合唱是一种群体人声的音乐形式，可以表达出强烈的激情，甚至可以与管弦乐队中的铜管抗衡，也可以表达出深深的抒情甚至超过抒情性很强的弦乐。Ⅲ在烘托气氛，营造恢宏的音乐气势上有着突出的表现，常采用声画同步的手法出现在史诗性大片中。如1995年的史诗巨片《第一武士》，作曲家戈德史密斯在描绘亚瑟王告别的一场戏中，就使用了大编制的混声合唱团来烘托气氛，达到了令人振奋的效果。又如在我国的史诗影片《荆轲刺秦王》中，作曲家赵季平，也成功地使用了合唱这一手法。在描写战场的一段配乐中，衬托于撼动山川的鼓声中，铜管乐整齐的滑音之后，影片中响起幽远的合唱声，使音乐立即产生了严峻而遥远的气息。这种电影配乐的创作成为这部电影音乐中非常出色的一笔。此后，这种用合唱营造气势的配乐形式经常出现在这类古装大片中，如电影《英雄》中合唱的使用。

2　渲染氛围

合唱不仅能营造影片气势，还在渲染影片氛围上，效果明显，如在魔幻片、惊悚片中的使用。1976年，配乐大师戈德・史密斯为魔幻片《凶兆》(The Omen)制作了配乐。为了表现影片中的魔幻色彩，戈德・史密斯在整部影片用了超过60％的合唱作为配乐。他还借用了奥尔夫著名的《卡尔米娜・布拉那》中的开场大合唱，营造出庄严神秘的魔界氛围。因为此片配乐的成功，戈德・史密斯获得了他的第一座奥斯卡最佳原创音乐奖。此后，在1982年的惊悚片《鬼驱人》(Poltergeist)中，戈德・史密斯再次使用了合唱这一形式来渲染影片的氛围。正因为合唱在渲染氛围中鲜明的表现力，自20世纪70年代以来，合唱、铜管、电子音效成为魔幻大片的传统配乐形式。

3　展现故事背景

西方的合唱脱胎于基督教，作为基督教的产物，具有浓重的宗教情结。从中世纪合唱作为宗教仪式的重要组成部分，直接宣传宗教教义、体现宗教精神，到文艺复兴时期教堂合唱走向顶峰，合唱的产生和发展都打上了宗教的烙印。因此，作为宗教音乐的重要表现形式，合唱常常出现在宗教类型的影片中。如1986年的英国影片《教会》(Mission)。为了表现影片中的传教内容，作曲家莫利克尼就使用了合唱的形式来演唱圣歌。

同时，为了体现影片的历史背景，配乐家们也常采用“仿古”的手法，用合唱来体现特定的历史时期，或是增加影片的古典风格，如1998年的影片《伊丽莎白》(Elizabeth)。影片将历史上真实的都铎王朝伊丽莎白一世的事迹作为蓝本，以文艺复兴为故事背景。这一时期，教堂合唱和世俗合唱是西方的主要音乐形式，并都达到了一个巅峰阶段，所以为了体现出文艺复兴时期的特殊风格，配乐大卫・希斯菲尔德(Da-rid Hischfelder)就在影片中大量的使用了合唱，营造了特定的历史氛围。

4　体现剧情

合唱有着丰富的表现力，可以由各声部单一的基本音色叠加成无穷多的复合音色，也可以由演唱方式的改变调配成适应音乐需要的各种变化音色，可以随着影片内容、风格的不同而变化不同的音色，体现出人类的不同感情情绪，从而成为影片人物刻画的重要工具。如在1989年的美国影片《光荣的战役》(Glory)中，配乐者詹姆斯・霍纳就在影片中多处使用了合唱来刻画映衬人物的内心感受。影片开始的一场戏描绘的是战争开战之前。此时霍纳采用了鼓乐伴奏的合唱形式，气势磅礴，体现出主人公激昂的斗志。当镜头转换到战后战地医院的场景中时，凄凉的合唱随即响起，配合着主人公茫然惊慌的表情。刻画出主人公此时痛苦无措的心境。紧接着出现的宴会场景中，迷惑不明的合唱弥漫着，体现出主人公从战争残酷到宴会奢华转变过程中的迷茫。短短几分钟的开场戏中人物的语言并不多，合唱却无处不在，它是主人公心灵的独自，随着人物思想、情绪的改变而改变。此时的合唱已不仅仅是一种演唱形式，还是影片剧情表述的重要工具。

又如影片《魔戒3：国王归来》中，在弗罗多和山姆奄奄一息的一场戏中，战争开始了，合唱出现，平稳但坚定有力，然而配乐在慌乱的战争中，不时地后退、消失，但在最混乱的时候合唱与号角嘹亮的响起，人世间所有的仇恨与苦难得到了升华。此后，当魔戒被熔化后，合唱再次响起，画面中一片温暖祥和的中土大地，音乐圣洁、庄严。此段配乐中的合唱，不单纯的只是烘托气势，而是随着影片情节的变化而出现。而且每一次的出现又因为故事情节的变化而转变形象，巧妙地融入影片情节的陈述之中，成为影片表现的重要工具。

5　增强戏剧力

合唱有着丰富的音色、多彩的音量、宽广的音域、多样的形式，可以增强戏剧效果。如在1993年影片《辛德勒的名单》(Sehindlegs list)中。影片讲述的是关于犹太民族的故 事，合唱是犹太民族非常喜爱的音乐体裁，所以作曲家约翰・威廉姆斯在影片中多次使用了不同的合唱形式，这些巧妙的使用为影片增添了强烈的戏剧性。在表现焚尸场面的一场戏中，作曲家原创了一首合唱曲《牺牲我们的生命，我们就得到了生命》来配乐。在可怕的场面中，用极具表现力的合唱来渲染气氛，产生了鲜明的声画对比效果。形成了激烈的反差，增强了影片画面的戏剧力度，使电影的表现具有深刻的震撼感。此外。当影片黑白的镜头中出现红衣女孩独自慌乱地行走在街上，不知世事时，片中却响起一段童声合唱的犹太宗教音乐《耶路撒冷的神》，恰当地描绘出红衣女孩的形象特征，却又展现出她的心理感受。在无声的画面中传达出强烈的视听感受。巧妙地形成了声画对位的效果。

合唱在电影的的功能表现是多样的，既有背景式的，如上述的第一、二种功能，主要用于烘托，渲染；也有叙述式的，如上述的第三、四、五种情况，此时的合唱已经参与到了影片故事情节的展现中，比之前两种情况，对影片的影响更加的深刻。

三、合唱在电影音乐中的多样表现形式

合唱在电影中多是以无声源的主观音乐出现，配乐者们在电影中主要还是利用了它的音乐特性，而非表演形式。纵观合唱在电影配乐中的历史，虽然短暂，但却风格鲜明，顺应着电影内容或是风格基调的要求，配乐中的合唱表现出多种多样的艺术形式。

1　电影配乐中合唱多样的伴奏形式

电影中的合唱既有无伴奏的形式，也有器乐伴奏的形式。如在荣获第58届奥斯卡最佳配乐奖的影片《走出非洲》中，在描绘农场劳作的戏中，与画面同步的就是无伴奏的男声合唱与女声合唱。器乐伴奏的合唱也是电影配乐中常用的形式，并且多样，既有交响伴奏的合唱，也有现代电子音乐的伴奏形式，如在《魔戒3：国王归来》的开始处，合唱被处理得圣洁宁静，就在这种氛围中响起了恍惚的电子音响，表现出大地的颤抖，咒语的吟喃。然而适应于合唱本身织体的多层性，器乐伴奏的合唱尤以交响伴奏的合唱比较普遍。

2　电影配乐中合唱多样的音色表现

根据剧情的需要，影片中合唱的音色是多样的，童声合唱、男声合唱、女生合唱、混声合唱、多元性合唱都有表现。如影片《放牛班的春天》中就大量出现了童声合唱；而《魔戒》中的战争场面则多是混声合唱的(混声合唱是史诗、魔幻大片中常用的手法，多用于烘托气势、营造氛围)；此外，女声合唱也是常用的演唱形式，同样是在《魔戒》中，当精灵女王出现时，在一片暗嚣的神秘音效背景下，影片中飘然出女声的合唱，带着浓重宗教吟诵般的音乐风格，女声合唱低沉、坚毅、庄严，这种低沉的音色非常自然地连接到此后的铜管乐器中，如此自然和协的音色转接可能是其他声乐器乐形式无法达到的，这正是合唱这种声乐形式成为魔幻电影配乐常用手法的重要原因。

3　电影配乐中合唱来源的复杂性

作为电影中的音乐，合唱的来源是多样的，既有原创的，也有非原创的。如《辛德勒的名单》中的合唱《牺牲我们的生命，我们就得到了生命》就是作曲家专门为影片创作的，是原创音乐。而《王者之剑》中的《卡尔米娜・布拉那》就是由德国音乐教育家奥尔夫创作的，早于影片就已经存在，属于非原创的合唱作品。不仅如此，电影配乐中的合唱还存在着原创与非原创相融合的情况，如在1995年的影片《红字》(The Scarlet LeHer)中，配乐约翰・拜里对作曲家巴伯《弦乐柔板》的改编。《弦乐柔板》原是巴伯的一首四重奏的慢乐章，后来巴伯自己将它改编成弦乐版本，在《红字》中拜里则将它改编成了一首合唱。这样的合唱配乐形式，即保留了原作的艺术特点，又根据影片风格进行了艺术再加工。这样的电影音乐来源比之其他音乐形式的音乐来源显得更为复杂。

这些多样形式的合唱配乐形式，体现出了电影配乐的艺术特征：为电影整体艺术而服务。电影中优秀的合唱形式都是根据电影内容的需要而设置的，它可以成为气势烘托的工具，也能成为情节表现的手段。呈现出完美的视听效果。作为西洋古典音乐的重要基础，合唱有着丰富的文化内涵和形式表现，因此在电影配乐中，擅长使用合唱的作曲家多是科班出生，他们都接受过正规的欧洲传统音乐的教育。有着良好的古典音乐功底与修养。

[参考文献]

第4篇

依山古居

普罗旺斯在文化、历史和视觉上都非常的丰富。罗马人是最早发现其魅力的人，他们侵占了这块土地，把受青睐的部队送到这里休养。他们在此留下了许多历史遗迹，比如有很多现在依旧在使用的歌剧院和热浴室。格里尼昂就是普罗旺斯北部边缘的最古老的小城之一。

石砌的村舍围绕着一座小小的山丘攀缘而上，山顶则为一座规模宏大的古堡所占据。几乎所有建筑都是石料的本色，与山体岩石色调相融。远望去，仿佛整个村庄是从这座山丘生长出来。小城的民居如螺丝布局一样，围绕着一座小小的山丘攀缘而上，层层叠叠围绕着位于制高点的城堡。房子大多古朴，以岩石叠成，与山丘融为一体，在远处看来，小镇似是天然而生，没有半点斧凿痕迹。主要干道上布满了精品店，售卖着各式各样有趣的手工艺品，慢慢逛总会有新发现。19世纪时，这小镇可是松露之都，盛产优质的松露，到餐馆吃饭，千万不要忘记点一些以松露入肴的菜式。

像梵?高一样

正如梵?高所说:“多么强烈的色彩，多么纯净的空气，多么生气盎然的宁静。”

这是他从天气阴沉的巴黎来到这里后写道。不知道梵?高最后在这里到底住了多久，他的写生作品里有着大量的普罗旺斯经典风光叙述着这位天才对这片土地的眷恋。

对于每年为追寻薰衣草芬芳而拜访普罗旺斯的世界各国游客来说，这里不是最热门的旅游地，但也正因为如此，这个古老的城市更多了分安静与自得，物价也更加平易近人。每年6、7月花期，格里尼昂所在的山丘如紫色海洋中的小岛，视觉上非常壮阔；而村里芳香弥漫的街道上，所有小店都出售与薰衣草有关的特产:花束、精油、手工艺品、糕点……

母女情深

格里尼昂不仅仅以薰衣草出名。这是因为，这个几百年前就在法国上流社会中颇有知名度、而且在法国文学史上占据一席之地的古村庄，另有自己独具的声名和地位——这是格里尼昂人最愿意讲的故事：有关17世纪的一位夫人，一束信札，一个城堡。

小镇入口有个巨大的鹅毛笔和一个优雅女人的雕像，这是塞维尼夫人（la marquise de Sévigné）的女儿，她曾经居住于格里尼昂的城堡。塞维尼夫人（1626-1696年）当时是巴黎上流社会的名媛，她过去没有进行文学创作，但与女儿分开后，因为思念爱女，经常在巴黎写信给女儿，信里详细叙述巴黎的人情风物，描绘宫廷与贵族之家的豪华生活以及趣闻轶事、田园风光，也评述巴黎文坛动态。

塞维尼夫人以委婉流畅的文笔写下大量信件，内容具有极高的文学和文史资料价值，后来这些书信结集成《书简集》（Lettres）出版，在法国文坛中占据特殊的重要地位，并成为经典的文学作品之一。《书简集》已被翻译成多国语言在世界各地出版，并且深受欢迎。正如《小王子》可以是旅客来到法国的理由，《书简集》亦吸引到万千读者来到格里尼昂，想象自己化身为塞维尼夫人的女儿，在古老村庄里的城堡里，细读着母亲的家书，幻想远在巴黎的风流。

母女之间的书信，不但令格里尼昂声名远播，也造就了一个风雅传统，镇里在每年6月就会举行一年一度的“书信节”，当时熏衣草开得正盛，17世纪的熏衣草味道，大概和现在差不多吧？若适逢期会，你想写信给谁？

而此前的春季，在格里尼昂堡（现在古堡是地方政府拥有的博物馆、和当地举行文化艺术活动的场所），有连续2个月的古典音乐会；接下去，夏季的古堡里又有持续2个月的夜间剧场演出；到了10月，远近闻名的写作研讨会，也在古堡举行；11月，古堡又迎来爵士音乐会……

在这样一个远离尘嚣的古朴乡村里，现代社会的种种方便，却是一个也没有少。村里每个小店铺都接受多种信用卡；小旅馆都可以在网上订房。乡村小旅馆只有10个房间，却有宽带网络接口，和大屏幕的液晶电视……标准也都是四星、五星，果真是要什么有什么！

1 从半山俯览整个格里尼昂的美景。

2 风靡世界的法国奶酪一定要买一块。

3 售价仅为10欧元左右的美味牛排。

4 集市里到处可见老城的又一盛产：橄榄。

5 小店里人民自己烧制的有趣的陶瓷摆件。

6 餐厅、酒吧、旅游纪念品店合三为一的老店。

7 薰衣草的季节里，整个老城仿佛也是紫色的。

第5篇

中世纪时，一种以尖顶大教堂为显着特色的建筑风格大行其道，即所谓的“哥特式”建筑。这种伟大的艺术形式，被意大利艺术家瓦萨里贬称为“哥特艺术”，也就是说，这是一种由北方蛮族哥特人创造出来的艺术风格，与古典罗马文化均衡与和谐的观念大相径庭。而在欧洲的许多地方，哥特艺术一直延续到16世纪才结束。在这400年的漫长历程中，哥特艺术发展并演变成了多种多样的表现形式。哥特文化产生至今，它以一种黑暗美学的表现形式迅速发展和成长，成为各个艺术领域不可缺少的一部分，也带着中世纪古典的美影响着现代设计的发展。

一、哥特文化的起源

哥特(Goth)，最早来源于日尔曼人的一支。公元五世纪，哥特人在高卢南部、西班牙和意大利建立王国，他们的入侵加剧了西罗马帝国的灭亡，直到公元八世纪，哥特民族才完全灭亡。哥特文化时期，建筑、绘画、雕塑都得到了很好的发展，文艺复兴运动开始后，逐渐转为沉寂。自此，哥特艺术长期受到鄙视，直到19世纪浪漫主义运动才得以正名。

此后，16世纪的意大利艺术家瓦萨里把介于欧洲古代与文艺复兴之间的所有艺术都贬称为“哥特人的创作”，“哥特式”之名在艺术史上沿用至今。其实，哥特式艺术与哥特人并无任何联系，它是“罗马式”艺术的更高发展，是中世纪天主教神学观念在艺术上的一种反映。

歌特文化最为坚实地扎根于带有日尔曼民族色彩的国家里，得到了最为持久地保持。不过，歌特式并不直接地受制于任何民族，而属于那个时期的超民族现象，是晚期中世纪的特征，是在包罗整个欧洲人文主义的宗教与教会统一体意识的光芒下，民族区别融化后的现象。

二、哥特文化形式的演变和发展

1.哥特式建筑

哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13－15世纪流行于欧洲的一种建筑风格，主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑技术高超精致，又带有艺术性，在建筑史上占有重要地位。最负着名的哥特式建筑有俄罗斯圣母大教堂、意大利米兰大教堂、德国科隆大教堂、法国巴黎圣母院等。

沃林格尔谈到“歌特式这个词因而与歌特式教堂的影像无法分开，形式意志所拥簇着的能量达到它们的顶点，那是歌特式建筑的璀璨顶点。在这里，我们可以说。歌特式形式意志耗竭了自身，驱使自身走向死亡”。歌特式灵魂追求一个超越实际性与感官性的世界，以其对生命本身感知的混乱而陶醉沉迷，由此体味到永恒的闪现，这种歌特式的对纯精神性表现的偏好正是歌特文化最突出的标志。

哥特式建筑的特点是在设计中利用尖肋拱顶、飞扶壁、修长的束柱，营造出轻盈修长的飞天感，是一种凝固了的垂直方向的向上的运动。整个建筑以直升线条、雄伟的外观和教堂内空闲空间，再结合镶着彩色玻璃的长窗，使教堂内产生一种浓厚的宗教气氛，并表达了人们向往天国的内心理想。这种以高、直、尖和具有强烈向上动势为特征的造型风格是教会的弃绝尘寰的宗教思想的体现，也是城市显示其强大向上蓬勃生机的精神反映。

哥特式风格一直深刻的影响着现代建筑，新哥特式是田同风光建筑流派的又一个分支，它用过去哥特式建筑的元素和构图手法将其应用在不同类别的建筑上，这种在非哥特式整体构成上表现哥特风格的手法，是新哥特风格的一个重要特征，如英国的剑桥大学圣约翰学院，匈牙利的国会大厦。建筑天才高迪将东方伊斯兰风格、新哥特主义以及现代主义、自然主义等诸多元素“高迪化”后，统一在了他的建筑中。他的建筑作品被西班牙列为国家级文物，被认为是20世纪世界最有原创精神、最重要的建筑，是现代建筑艺术的代表。

2.哥特风格的视觉艺术

中世纪时期，哥特风格的视觉艺术主要表现在雕刻玻璃镶嵌画、插图画、壁画和镶板画，多为教堂的装饰物和宗教故事的经卷等。由于典型的哥特式建筑采用了石头骨架结构和宽大的窗子，玻璃镶嵌画取代壁画成为主要绘画形式，并获得高度繁荣。插图画在哥特式绘画的发展中居于主导地位，它的特征之一是边缘画图案的发展，常充满各种人物和动、植物的奇异组合，具有幽默、幻想和浪漫色彩，题材包括神话、幻想、宗教故事和日常生活场景等。

哥特式因素于13世纪开始渗入意大利绘画，并与新拜占庭风格相结合。这一时期，意大利绘画进发出极大的创造力，成为文艺复兴美术的发端，并对西方美术的发展产生深远的影响。意大利哥特式代表画家有牡乔和马丁尼、乔托等，这些画家也经常被归入文艺复兴画家之列。他们吸取拜占庭的艺术原则，并结合哥特式因素，创造出新的绘画空间，经过他们的努力，最终揭开了文艺复兴的序幕。

在其后的画家中，如意大利的浪漫派画家契里柯偏爱黑暗、凄凉的景致，静物的戏剧化，幽闭恐怖的气氛和神奇的象征-l眭的喻意主导了他的创作思想。这些作品和观念引人至深而又让人不安，剥日后的超现实主义画家有银深的影响。超现实主义画派画家也被称为神秘(魔幻)现实主义，有马格利特、达利、米罗、马宋、恩斯特等。画家在创作中把梦境般的象征性物体，在令人惊异的、暖昧的结构中重新组合起来，以具象的方式去描绘物象，以摆脱头脑中惯常的意识，迫使观众接受那种非理性的，逻辑上无法解释的“现实”。哥特式艺术是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，黑暗的元素为其一大特征。

3.哥特音乐

哥特音乐，其实指的是中世纪的音乐。这种音乐风格让人想起中世纪宏伟而辉煌的哥特式建筑，而现在所说的哥特音乐际上是指哥特摇滚，是在20世纪80年代才产生的，是后朋克运动的一个分支。歌特音乐在英国开始，形成于地下，表现了摇滚最黑暗和阴沉的一面。哥特乐队也以戏剧化的服装和它的追随者(称为G0ths)而闻名。

一般来说哥特音乐有如下特点：阴暗，颓废，冰冷，有恐怖的气氛，让人感到压抑和绝望，表现对死亡和黑色的向往，而又富有艺术气质。音色既含有精细的美感、又营造一种不协调觉：在哥特音乐中存在着复古的倾向，包括使用中世纪乐器，借鉴古典音乐，使用歌剧唱腔，歌词和取材都借鉴近代的哥特风格文学，等等。这既增强了哥特艺术的华丽美感，也进一步加深了其颓废空虚的程度。

歌特音乐很快就催生出另一种更为阴暗的、更具宗教文化渊源的音乐DarkWave(黑潮)。黑潮承继了工业噪音运动和后工业噪音音乐元素，并收了欧洲中世纪黑暗文化，再引入电子乐器对歌特中原有的古典音乐元素作进一步延伸，达至一个或气势磅礴、或思古幽情的庞大音乐氛围。黑潮以其几近完美的刚柔并济手法，遗世而立的古典情怀和深不见底的黑暗文化吸引大批地下乐迷蜂拥而至，成为新一代与主流文化分庭抗礼的亚文化。

4.哥特文学

在《牛津简明英国文学史》中，对哥特式小说的描述为：“这一批评术语涵盖了大量的反常性作品，这些作品表现了自然力和超自然力的聚合与冲突。这类小说在十八世纪的最后几年进入繁荣期，它的影饷的余波，它的耸人听闻的手法的重要方面，从勃朗特到狄更斯时期直至当代的英语文学，可以连续地被感受到。“令人快乐的惊恐”在历史废坷；和历史背景中孕育着。”

充斥诡异、神秘及怪诞色彩的历险故事，故事发生的地界往往是幽暗、孤寂的古堡废墟，十分热衷于描写人心的黑暗、空虚面，性妄想、恐怖、神秘……这些题材都在哥特文学作品中被广泛地运用。从18世纪末以来的一些文学作品因为具有共同的基调与文体而被归类于“哥特小说”。

华尔普的《奥特朗托城堡》、安，拉得克里夫的《奥多芙的神秘》、路易斯的《憎侣》，当然还有玛丽，雪莱的《科学怪人》等，包括《诺桑觉寺》、《弗兰肯斯坦》、《简爱》、《呼啸山庄》、《米德尔马契》以及狄金森的诗歌等作品都可称为哥特文学的典范。哥特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如布来恩·斯托克的《德古拉伯爵》，当代畅销书作家安妮，莱斯的《夜访吸血鬼》和布莱特的《时分》等作品也是斯托克式吸血鬼的延续。吸血鬼题材的大受欢迎也为其后席卷了全球的吸血鬼电影提供了丰富的脚本。

5.哥特电影

第一部有影响的哥特电影是德国导演茂瑙的电影《吸血鬼诺斯费拉杜》，自此，吸血鬼正式出现在了大银幕上。而主人公正是斯托克笔下的德古拉伯爵，其巨大影响力很快波及到了大洋彼岸的好莱坞，好莱坞对有票房号召力的题材来者不拒，1931年，美国导演勃朗宁便再次将斯托克的原着着《德古拉伯爵》搬上了大银幕，《吸血狂魔》是世界上第一部有声哥特电影，上映后取得了巨大成功。

1959年，法国导演乔治斯·弗郎吉的《无颜之眼》成为第一部没有吸血鬼形象的经典哥特电影。这部采用了黑白影像的电影，有着诗意的氛围，赋予了哥特电影全新的气质，丰富了哥特电影的表现手法。

20世纪90年代，哥特电影迎来了发展的黄金时期。作为一部里程碑式的哥特电影，《剪刀手爱德华》的意义深远。影片中没有吸血鬼，没有巫术，也没有宗教背景，但同样编织出了一个黑色的、讲述孤独、死亡和痛苦的精彩的哥特画卷，给哥特题材注入了全新的生命力，拓展了哥特电影的题移‘范围。i992年《惊情四百年》以好莱坞的方法彻底重构了德库拉伯爵的故事，影片大气恢弘。特技眼花缭乱，很快席卷7全球的电影市场。而名为《乌鸦》的电影对哥特文化淋漓尽致的诠释为它赢得了“哥特教科书”的美誉。

进入21世纪，哥特电影已在全世界遍地开花。2001年，法国电影《狼族盟约》，糅合了悬疑、巫术、惊悚、异域等多重色彩，精致而又细腻的在银幕上还原了一个以哥特文化为背景的精彩故事。2003年，法国的3D动画片《盖娜》成为世界上第一部有影响力的哥特动画长片，是依托科幻背景对哥特宗教内容的一次全新演绎，是创作者对宗教传统的独特反思，而这种反思，正是承袭了哥特文化中的异教传统时至今日，史诗性的哥特电影浪潮已经过去，但哥特电影的题材却越来越广泛。

三、哥特文化的发展及对设计的影响

歌特文化以一种黑暗美学的表现形式迅速发展和成长，成为各个艺术领域的一部分。其对设计的影响最早出现在建筑上，发展至今，歌特艺术已在服装设计，工艺品、插画、字体设计、摄影等设计领域进行着新的诠释。

哥特风格服装有着特有的哥特元素，在中世纪法国的服饰中，服饰的整体轮廓，袖子，鞋子的造型，帽子的款式，都呈现出锐角三角形的哥特元素。在八十年代，哥特服饰时尚为染黑的长发、苍白的皮肤、紧身黑衣、尖皮靴和大量银饰(多用早期欧洲和埃及宗教性的设计)。到了近现代，哥特服装风格再次盛行。一些大牌的服装品牌设计师也开始关注哥特时尚，比如：Kenzo、AnnaSui等。被冠以哥特式的时装常常是不对称的，也使用类似纹章的印花图案。当下的所谓哥特式时装更多地带有商业色彩，和时尚气息。

歌特式的工艺品，大多以阴暗，腐朽的美丽为主题，来表现生命边缘的美，多有金属骷髅头、的玫瑰等哥特元素。其虽然以阴暗和腐朽为主题。但并不缺乏美感，反而比直白的美丽更显的真实而有力度。当下的很多玩具也取材于歌特文化，如来源于电影《鬼娃新娘》《僵尸新娘》角色的玩偶，纽约艺术家Voltaire设计的邪恶之熊Deady更是多次出现在潮流玩具中。

歌特风格的插画，主要以超自然现象和巨大的废墟、坟场、骷髅、异类、死亡等等与之类似的场景现象为表现对象，从而揭示深刻的主题。主题多表现生命、战争、生活压力、社会等。代表插画师有美国的eraldBrom,他以个性独特的人物造型。残酷邪恶的画面直指社会暗面。柴本是日本最华丽的歌特插画家之一，其作品充斥着深深的绝望及无奈，给人一种难以抗拒的魅惑。而当今歌特风格的插画师还涉足于3D和玩具制作领域。

歌特字体，出现于文艺复兴时期，属于中世纪文字，是一种华丽优雅的字体。它有粗旷的外形和精致的边缘修饰，复古却又不失现代设计感，字体饱满丰富，给人一种贵族高雅的审美感觉。现代多被用在精装书籍里。

源于中世纪的歌特式家具，装饰精巧多变，由起支撑作用的柱腿和贴面的薄板组成，演变成了豪华家具，在各个地区产生了多种多样的样式。哥特式的卧具可在床柱上撑纱帐，这种华盖意味着把一种建筑形式用在了家具艺术中。

第6篇

一、西班牙钢琴音乐的发展历程

众所周知，西方古典音乐自从文艺复兴时期展露萌芽之后，一路蓬勃发展，经历了巴洛克、古典、浪漫、近现代等几个重要的历史时期。相对于欧洲主流音乐的发展，西班牙的音乐无疑无法与德国、奥地利、法国、意大利、英国等相比。

在18世纪左右，欧洲主流音乐的发展全都依赖于各国皇室及贵族们的青睐，由于西班牙皇室内政混乱，强调军事力量，并不重视音乐，导致18世纪以前流传至今日的键盘作品几乎完全没有。

19世纪上半叶的西班牙钢琴音乐，虽然有了一定的发展，但大部分的音乐风格受当时以多梅尼科?斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti，1685-1757年）为首的意大利键盘作品的影响，并没有发展出能够代表西班牙音乐风格的作品。

19世纪与20世纪的交接之际，西班牙真正意义上的迎来了一个在音乐发展上的时期，带有西班牙民族风格的作品数不胜数，犹如雨后春笋，其中具有代表性的音乐家分别是：伊萨克?阿尔贝尼斯、恩里克?格拉纳多斯、曼努埃尔?德?法雅，他们3人的音乐风格成为了当时西班牙最为主流的音乐表现形式，他们的音乐作品，最大限度的表现了西班牙人热情如火、欢乐愉悦的民族风格，同时也表现了他们对于西班牙浓郁的民族情感。后世的人们也把这一时期看作是西班牙音乐发展的黄金时期。

二、西班牙音乐黄金时期的代表人物

在讨论阿尔贝尼斯、格拉纳多斯、法雅等，这些西班牙音乐的“先驱者”们对于西班牙音乐发展的贡献时，不得不谈及另一位西班牙作曲家――费利佩?佩德雷尔。

费利佩?佩德雷尔（Felipe Pedrell，1814-1922年），西班牙作曲家、音乐史料研究家、音乐教育家。他被称为“西班牙民族音乐之父”，他的一生都在积极的支持着西班牙民族音乐的发展，引导着西班牙民族音乐的复兴，几近狂热的民族主义情感促使着他对于西班牙民族音乐发展的坚定信念，他大量的整理编辑了古老的西班牙民族音乐作品，并教导后人从西班牙民族音乐元素中摄取能量，鼓励创作出属于西班牙民族风格的作品。他的理念极大的影响了阿尔贝尼斯、格拉纳多斯、法雅等人对于西班牙音乐作品的创作，为西班牙民族音乐的发展做出了巨大的贡献。

伊萨克?阿尔贝尼斯（Isaac Albeniz，1860-1909年），西班牙著名作曲家、钢琴家。少年时期曾获得西班牙皇室的资助前往布鲁塞尔音乐学院学习并获得钢琴大赛一等奖，此后，他在西班牙国内大量举办音乐会，并在德国、奥地利、法国、英国等地进行巡回演出，名声大噪，在钢琴演奏方面已达到了他个人的巅峰。在创作方面，由于受到恩师佩德雷尔的影响，创作出大量充满浓郁的西班牙气息的钢琴作品，例如：《伊比利亚》、《西班牙组曲》、《西班牙舞曲》和《西班牙随想曲》等。晚年时期，他移居到英国、法国等地，除了定期的音乐会活动之外，他继续深入研究自己作品的创作，对于早年的创作深感不足与欠缺，从他的晚期作品中，我们可以看到丰富的内涵以及复杂的作曲技巧，一如不变的是他那与欧洲印象派及浪漫主义音乐相融合的西班牙民族音乐风格。

恩里克?格拉纳多斯（Enrique Granados，1868-1916年），西班牙作曲家、钢琴家、教育家。格拉纳多斯12岁时才开始学习钢琴，16岁时在普霍尔学院举办的钢琴大赛上获得了大奖，这给当时的著名作曲家佩德雷尔留下了深刻的印象，在这之后，格拉纳多斯便跟随佩德雷尔学习和声及作曲的技法。作为演奏家，他曾多次在西班牙、欧洲各地及美国举办音乐会，并与许多世界著名的音乐家合作；作为教育家，他创办了巴塞罗那古典音乐协会、格拉纳多斯音乐学院等这些重要的音乐教育机构；作为作曲家，他将他的一生都无私的奉献给了艺术，他的钢琴作品既富有西班牙气息，也富有浪漫主义的诗意。他拥有“西班牙的肖邦”的美誉，他的钢琴作品既带有肖邦式的柔情与温暖，又融合了西班牙人们的欢乐，这使他的钢琴作品拥有了新的元素，并不是表现直率的欢乐，而是夹杂着一丝忧郁的色彩，使这种欢乐更加真实，更加升华，从而表现出更为深层的情感。

曼努埃尔?德?法雅（Manuel del Falla，1876-1946年），西班牙作曲家，最具西班牙当代音乐精神的代表人物之一。法雅从小就受到了良好的音乐教育，他的妈妈便是他的音乐启蒙老师，少年时期的法雅就开始接触钢琴及作曲的学习。在跟随佩德雷尔学习作曲期间，激发了他对于西班牙民族音乐的兴趣，尤其是他的故乡弗拉明戈，当地的风土民情以及民间音乐形式对他产生了深远的影响，这可以从他的作品中看得出来。1907-1914的7年里，他移居巴黎，在结识了德彪西、拉威尔等法国印象主义大师之后，深受他们的影响，他尝试结合印象派的表现手法来表现西班牙音乐情调。他的钢琴与乐队作品《西班牙花园之夜》就是这种风格的代表作之一，以安达卢西亚民间音乐为基础，一方面表现民间音乐的韵律，另一面又不拘于民间音乐的形式，作品中又穿插着印象主义的情感，使整部作品拥有惊人的吸引力。

三、其他音乐形式对西班牙钢琴流派的影响

世界上任何一种音乐形式的发展，其所有到的影响都是复杂而繁多的，这里我们只是简述两个对西班牙钢琴流派影响最多的因素：

（一）吉他对西班牙钢琴音乐的影响

在西班牙音乐的发展浪潮中，吉他这个乐器占据着重要的地位，几乎一直影响着各类西班牙音乐的发展，有许多西班牙钢琴作品中都存在着模仿吉他演奏的部分，甚至大量的西班牙风格的音乐被精心改编成吉他曲，流传后世。由此可见，在西班牙，钢琴音乐的发展无时无刻不受到来自吉他音乐的影响。

（二）西班牙民间舞曲对西班牙钢琴音乐的影响

结合西班牙独特的人文历史和地理环境，其民间的音乐形式富有特色，音乐资源也极其的丰富。西班牙的舞蹈对世界音乐文化产生着重大的意义，西班牙一直都是以舞蹈闻名世界，很多西班牙形式的舞曲体裁，都被欧洲主流音乐艺术所采纳，众多伟大的作曲家都以“西班牙舞曲”这种素材来进行创作，比如，柴可夫斯基、肖斯塔科维奇、莫什科夫斯基、李斯特等，其中的代表作品有《西班牙舞曲》、《西班牙狂想曲》等。

第7篇

【关键词】跨界；界定；古典钢琴音乐；流行钢琴音乐

一、关于界定

“界定”一词在现代汉语词典中的意思为：划定界限，确定所属范围，也就是我们所说的概念。“跨界音乐”这一概念的使用最早起源于大约半世纪以前的美国乐坛。本文所讲的“跨界钢琴音乐”是“跨界音乐”中的一种，或者说是由最早的声乐上的跨界现象延伸到钢琴音乐上。在音乐中的“跨界”不是指地理中所说的领土、领空范围中的界限，而是指音乐中各种音乐元素、类型分类过后的由两种或两种以上类型的相互渗透。

二、“跨界钢琴音乐”的一个前提

跨界钢琴音乐必需要有一个前提——钢琴音乐的界限。只有有了界限才有跨界这一词可谈。在音乐中的各种界限都是我们将音乐进行的分类。钢琴音乐中的分类是多样的，根据不同的分类方向可以分为各种不同的类别，通常我们按时间顺序分为：

早期键盘音乐，1709年意大利人巴尔托洛奥﹒克里斯托福里（Bartolomeo Cristofori）制造出第一架钢琴标志着钢琴时代的到来，直至以后的中世纪与文艺复兴时期的钢琴音乐。1600——1750年音乐开始进入了巴罗克时期。这时的钢琴音乐与当时的建筑以及美术等审美一致，以豪华、绚丽、带有很强的装饰性为主要特点。1750——1820年钢琴音乐发展到了鼎盛时期，具有平衡、清晰、严谨、有节制等特点。1820——1900年钢琴的浪漫主义时期所表现的钢琴音乐特点是过分华丽、充满戏剧性的对比色彩、注重感情的表达。印象主义时期大约是在1880---1930间，在音乐表现上通过和声与音色唤起人们的感官印象，从而表现出模糊的意象。在钢琴音乐上通常是通过弱音踏板使颤动的和声与音色飘浮在空间。进入20世纪后，音乐的表现不再是那么统一，而是每个作曲家都有自己的一种表现音乐思想。

这种按时间进行顺序进行分类的统称为古典音乐，与古典音乐相对应的是流行音乐。钢琴流行音乐中以爵士音乐及情调音乐为多。

钢琴爵士音乐具有一定的即兴演奏性，但也有较多的是通过一些已有的乐曲为题材进行改编的。在节奏方面大量运用切分音节奏，长期或连续地打破原有按小节划分的强拍，表现得极其复杂。钢琴情调音乐以理查德﹒克莱德曼为代表，通常作为一种背景音乐。

有了这些分类，才有了界限，有了各种各样的界限才能够去谈“跨界”音乐。从宏观上看，在古典音乐与流行音乐这两大音乐艺术流派之间的跨界，从微观上看古典音乐和流行音乐在各自的内部各种不同的时期及不同类型之间也是可以跨界的。从演奏上看，这种跨界可以是一种技术上的跨界，即某一演奏者可以以自身的高超的演奏技术来演奏不同类型的钢琴音乐，也可以是演奏者在演奏某一首钢琴曲，一首钢琴曲的演奏效果和技巧已经超越了这两种或多种风格和技巧，以达到两种或多种风格和技巧的大融合，从而能够形成一种新的风格与技巧。如理查德·克莱德曼最初是演奏古典音乐的，后来转入了流行音乐。作为一名出色的钢琴演奏家，他能够自由地行走于古典音乐与流行音乐之间，同时他又能以自己高超的技术以流行音乐为表现形式地来演奏古典音乐（如致爱丽丝），从而行成了自己独特的一种超越于古典音乐与流行音乐的演奏风格。

三、跨界音乐与拼贴音乐的异同

拼贴音乐，是把完全不同的作曲家、流派和风格等音乐粘合在一起，使其作品中“引用的材料的时空跨度和对比度等方面达到前所未有的程度”i，这种音乐通过解构和重组对传统音乐进行新的解释，建立起新的意义。跨界音乐与拼贴音乐常被人误认为是相等的，虽然两者有相类似的地方，但两者还是不同的。

拼贴音乐与跨界音乐的共同点：它们都是由多种风格多种音乐元素进行的一种融合物，都具有复杂性。这种融合可以是多样的，如各个时间段的不同，各种流派的不同，各种风格的不同，各种类型的不同等内部的融合（巴罗克时期钢琴音乐与浪漫主义时期的钢琴音乐）及外部的融合（情调钢琴音乐与古典主义时期的钢琴音乐）。

拼贴音乐与跨界音乐的不同点：两者的组合程度不同，拼贴音乐是要将所要组成的各种音乐元素做出最大程度的对比，所讲究的是各种元素的不同，是一种对抗与分离状态，而跨界音乐与之相反，它所要求的是将各种音乐元素做最大的融合，这包括技术的融合和音色的融合，是一种多合一的状态。两者的组合形式也不同，拼贴音乐具有板块性或局部性，在一段时间内所表现的是某种固定的音乐元素或风格或流派，而每一个板块都可以单独作为一个整体，跨界音乐由于各种元素或风格的融合从而具有统一性，整体性。

四、对“跨界钢琴音乐”研究的意义

“跨界钢琴音乐”是新音乐中的一个小门类，对于新音乐的研究已是音乐学研究的重点问题，2011年5月23日至25日在北京现代音乐节上专门就“中国新音乐的现状和未来”进行了研讨，在本次研讨会上将“跨界”作为一个重要议程。“跨界音乐”已是音乐发展到今天不可回避的研究对象，它是音乐向前发展中寻找突破的一个徘徊时期。

对“跨界钢琴音乐”的研究具有科学与实践意义。科学意义：在当代人类社会中，各行各业和人类的需求都趋向于一种全新的社会化现象发展——跨界。作为人类不可缺少的音乐文化，当然也同时向着多元化的跨界现象发展。这是一种历史发展的必然结果，是历史发展的产物。哲学告诉我们，任何一种事物都不可能孤立而单一地出现，它都是依靠于其它事物，而同时去发展。社会是发展中的社会，音乐也是发展中的音乐，要想音乐有所发展，如果只靠音乐中的某一单一现象或某一单一元素来发展音乐，那是不可能的。从音乐发展趋势与长远的价值来看，音乐只有相互融合，相互渗透，相互学习，才能够有未来，有长远的发展，有更好的音乐。本文所讲述的是乐器之王——钢琴音乐的跨界，这对钢琴音乐理论的发展与创新具有很大价值。

实践意义：钢琴的跨界现象将钢琴音乐进行了内部融合，从而使得钢琴音乐大众化。通过跨界中的钢琴音乐，将带动人们去接受不同的钢琴音乐，同时也使人们去慢慢了解不同的钢琴音乐，从这个角度来说，跨界钢琴音乐对于听众起到了一个过度和大融合的作用。那么对于演奏都来说，演奏跨界钢琴音乐是一种新的挑战，在挑战的同时，演奏者也可以不断提高自己，从而寻找到更高，更新的自身要求。作为一个对钢琴音乐跨界研究者来说，对这一现象的研究是必要的。通过研究这种现象的发展方向与趋势，才能够提高我们自身的研究水平和演奏水平，才能够在今后的钢琴音乐理论发展中不断提高和寻找到新的观点。

注释：

i 沈旋 谷文娴 陶辛 《西方音乐史简编》 上海音乐出版社 1995年 472页

【参考资料】

[1]《新格罗夫音乐与音乐家词典》[Z].英国麦克兰公司出版，2000.

[2]雷金纳德，史密斯.布林德尔.新音乐—1945年以来的先锋派[M].人民音乐出版社，2001.

[3]张式谷.西方钢琴音乐概论[M].人民音乐出版社，2006.

[4]宋学军，王小夕.中国新音乐的现状和未来——2011北京现代音乐节·中国美育论坛之新音乐跨界论坛综述[J].人民音乐，2011（8）.

第8篇

关键词：素养；舞蹈；音乐；教学

中图分类号：G642 文献标识码：A 文章编号：1003-2851（2013）-05-0222-02

音乐素养包括读谱、视唱、听音、节奏、和声、写作、音乐欣赏和音乐史等多方面的综合理论基础，是学习音乐的一门基础课、必修课。如何把培养学生音乐素养渗透到专业教学各个层面，让艺术的共通性发挥作用来提高学生的音乐素养，也为其艺术的创造做铺垫，推动学生艺术创造的进一步发展，是广大专业教师需共同思考的课题。下面是对舞蹈基训伴奏课程、音乐欣赏课程与提高学生音乐素养之间相互渗透作用进行的探索、应用。

一、舞蹈基训课伴奏新理念授课

舞蹈是以经过提炼，组织和艺术加工的人体动作为主要表现手段，表达人们的思想感情，反映社会生活的一种艺术形式。舞蹈的基本要素是动作的姿态，节奏和表情。舞蹈从一出现便与音乐联系在一起，两者相辅相成，不可或缺。在舞蹈中情感的发挥需要音乐的渲染，动作的体现需要情感的推动，情感与音乐支撑着舞者完成所要表达的内容。音乐可以作为一种基本节奏和旋律伴随舞蹈始终，这种形式的关系是音乐烘托舞蹈表演全程，音乐的快慢、强弱、节奏的伸缩性，直接影响着肢体的表达，舞蹈的发展变化从始至终被音乐主导着。在专业学校的教学中，舞蹈教学是重要的组成部分之一。在舞蹈教学中渗透入音乐节奏化和完整化教学这两种提高学生音乐素养的元素，让学生学会结合音乐进行艺术创造及再创造。

1.钢琴伴奏音乐节奏化教学

刚进校的舞蹈专业学生，开始接触舞蹈基本训练的同时，其他配备的专业课，例如视练课、乐理课、欣赏课也才刚开始接触，要求学生一开始就掌握音乐节奏的特性并运用到舞蹈动作的学习中并非易事，需要在学习过程中多方面的积累和运用。

首先，让学生感受节奏在音乐中的重要性。在舞蹈基训课中每一个组合会根据动作的快慢来选择与之相适合的伴奏音乐，教师也会在讲授动作要领后带着学生进入到音乐中。节拍节奏的运用在这时显得极其重要，节奏感较好的学生对音乐会稍有感觉，节奏感差的同学需要在老师的强调下，找到节奏点，更准确地完成动作。伴奏老师在这方面也起到一定的协助作用，例如头部组合、蹲组合和腰部组合所搭配的音乐速度大多是中速，节奏点不容易感受到，但动作的连贯性需要音乐旋律的韧劲与之相配合，在挑选伴奏音乐时应考虑选择旋律容易记忆，拍点明显的旋律。例如蹲组合可选择由孙希康曲的一段伴奏（见例1）[1]，

速度慢而稳，旋律优美，在弹奏时应根据旋律高低做渐强或渐慢处理，推动学生的情绪，培养学生对节奏的接受能力，在重拍与重拍之间从容地做蹲的动作，让学生感受到节奏在舞蹈中的地位是不容忽视的。

其次，让学生把握音乐伴奏中的各种节奏型。舞蹈的动作与各种节奏型有着密切的联系，例如擦地组合可选择由郑国安曲的一段伴奏（见例2）[2]，

节奏型“XX | X XX | X X |”贯穿于整首旋律，与擦地动作脚尖擦出去脚跟收回来的节奏相吻合，教师要强调伴奏中节奏型与动作之间的默契，从而体现节奏型在舞蹈中的作用。小踢腿组合可选择由孙希康曲的一段伴奏（见例3）[1]，

典型的节奏型“XX XXX | XX X |”每两小节的最后一个音是相对的长音，与小腿踢起来后的控制配合得天衣无缝，教师可根据音乐形象引导学生把握音乐节奏型与动作间的联系。

最后，让学生把握音乐伴奏中节奏的伸缩性。节奏中的重拍与具体的节奏型在教师的引导下不难掌握，节奏的伸缩性就不容易感受得到了。例如单腿蹲的伴奏音乐（见例4）[1]，

由买吉提·木哈买提编曲，旋律中的节奏“X.X X”附点节奏每句都出现，伸缩的感觉就随着音乐体现出来了。教师应在音乐中找出节奏的特点，引导学生在缓慢的动作中找到力度的支撑点。

钢琴伴奏音乐节奏化教学是一个新的尝试，经过一段时间的磨合与积累，应该能让学习舞蹈的学生既提高音乐素养又使舞蹈创作更进一层。

2.钢琴伴奏音乐完整化教学

舞蹈靠动作来呈现而音乐靠旋律来渲染，虽然各有不同，但是在段落结构这方面有一定的关联性。音乐旋律的写作有一定的规则，从每一个音到小节到乐节一直到句子，几个句子再形成乐段，作曲家根据不同的音乐形象写成完整的旋律。而舞蹈教师采用完整的旋律是为了促进舞蹈乐思及形象的表达，学生在完成动作的同时展现出一定情感，从而深化了舞蹈的内涵和增强了动作的完整性。例如由戴树屏编曲的江苏民歌《茉莉花》（见例5），

多被用来作为舞蹈身韵组合的音乐，旋律柔美，结构完整，句头句尾间的起伏明显，有具体的音乐形象，为舞蹈组合呈现了完整的乐思。教师可以针对所要表达的舞蹈形象和情节为学生选择完整的音乐，提高学生的音乐素养和增强创作的完整性。

二、音乐欣赏课授课新理念

中专学生开设音乐欣赏类课程是非常有必要的，既可提高音乐审美能力，又能了解各个时代音乐的风格，有助于提高音乐素养，增强艺术创作能力。音乐欣赏本来是简单的，是一种纯感性的审美活动，只要你洗耳聆听，便可以感知、可以欣赏。然而中西方音乐历史悠久，名家诸多，风格千变，流派纷繁，许多作品都或多或少与当时的社会历史文化、政治经济动向、哲学、宗教、文艺思潮乃至人们的喜好有所联系[3]。把单纯的一种欣赏与复杂的音乐历史知识融和到一起时，就应该要考虑到学生接受能力和欣赏能力的高低，探索新的授课方式。

（一）音乐欣赏课程生活化教学

西方音乐历史从古希腊古罗马音乐，中世纪和文艺复兴时期的音乐开始，到西方音乐历史上最重要的流派——巴洛克音乐、古典主义、浪漫主义、民族主义、印象主义直至20世纪现代主义，所有人物与音乐历史都纳入到音乐欣赏课中来。虽然复杂，但不难发现，它与我们的生活息息相关。莫扎特是我们熟悉的古典主义作曲家，1756年出生于奥地利的一个宫廷乐师之家，他被称为“音乐神童”，在其短暂的一生中，为人们创作出数量惊人的音乐瑰宝[4]。莫扎特的音乐作品体裁形式涉及各个领域，笔者以莫扎特音乐欣赏这个主题，探索音乐欣赏类课程生活化的教学。

1.提醒学生善于发现和感受我们身边经典而又熟悉的旋律。在我们生活中，莫扎特音乐无处不在。（1）胎教音乐：科学家们称之为“莫扎特效应”。莫扎特音乐对于宝宝的智力全面发展确实存在一种特殊的促进作用。而经过制定编排过的莫扎特的作品，更加能够在实际意义上提升宝宝的智力潜能。通过莫扎特音乐丰富的旋律变化以及明快的节奏组合，使宝宝的大脑各皮层活力增强，思维更加敏捷。例如《摇篮曲》；（2）广告音乐：用莫扎特的旋律作为广告背景音乐。起亚汽车的广告背景音乐用的是莫扎特的《安魂曲》，这是莫扎特的绝笔之作，我们可以在电视上看得到；（3）主题音乐：采用莫扎特音乐作为电视剧主题曲或主题节目主题曲。经常关注电视剧的学生应该注意到电视剧《同事三分亲》的主题曲采用的是莫扎特的《土耳其进行曲》。它是莫扎特《A大调钢琴奏鸣曲》中的第三乐章，旋律明快、流畅。这首钢琴奏鸣曲是作曲家于1778年在巴黎写成的，当时他才22岁。初学钢琴的人，有兴趣弹奏它；著名钢琴家们，也把它作为经常演奏的曲目之一；（4）课堂教学：在我们最重要的钢琴课堂教学中，很多同学接触过莫扎特的作品。例如我们的教材中有这样一首作品，莫扎特的歌剧《魔笛》的序曲改变而成的，音乐织体简单化，但主题旋律依然清晰。这些在我们身边不难找到，但如果学生音乐敏感度不够也不容易注意到并运用到学习中来。

2.仔细欣赏和讲解莫扎特各个领域的经典作品和作品风格。通过上一个步骤，学生们已感受到了莫扎特的音乐与我们的距离靠近了，对其音乐的风格也有稍稍的了解，学习的兴趣也会稍有提高，具体作品的欣赏会慢慢地让学生们接受。学习声乐与器乐的学生通过了对作品风格的了解，在演唱与演奏中就能体现出具体作曲家或具体创作时期的总体特征，这也是音乐素养得以提高的表现。

（二）音乐欣赏类课程兴趣化教学

1.流行音乐是属于一种有着广泛听众，极具吸引力的音乐，相较于古典音乐更容易被学生们接受。在音乐欣赏课程中，加入学生们感兴趣的知识点、熟悉的大众音乐或当前被广泛关注的音乐事件等。例如，也可以与学生谈谈台湾歌手周杰伦，一起听听他的歌曲《双节棍》。虽然周杰伦是流行音乐歌手，但他从小也受过古典音乐的熏陶，再加上他的创作才华与独树一格的唱法，颇受年轻人欢迎。诸如此类，通过拉近与学生的心理距离，吸引他们上课的注意力，改善课堂沉闷气氛，以求达到进一步提高授课质量的目的。

2.当进入到西方音乐浪漫主义时期歌剧欣赏阶段，歌剧选段的欣赏极其重要。例如，欣赏歌剧《图兰朵特》中的选段《今夜无人入睡》。第一步教师可以先讲解故事大意，其中吸引学生注意的有歌剧作曲家普契尼选取了中国古代的宫廷故事作为素材，还采用我国经典的民歌《茉莉花》作为旋律的主题，提起学生注意后才开始看视频；第二步，教师可选择由世界三大男高音同台演唱的视听版本给学生欣赏，既可以让学生了解三大男高音是帕瓦罗蒂、多明戈和卡雷拉斯，又可以让学生感受他们演唱时的震撼场面。欣赏完可以分别具体介绍一下三大男高音，例如普拉西多·多明戈：PlacidoDomingo，1941年出生，著名的西班牙男高音歌唱家。他的演唱嗓音丰满华丽、坚强有力，胜任从抒情到戏剧型的各类男高音角色。他塑造的音乐形象，气概不凡，富于强烈的戏剧性和悲剧色彩。他还演唱过不少脍炙人口的小歌，又是位颇得好评的钢琴家和指挥家。在2008年奥运会闭幕式上他与中国著名歌唱家宋祖英合唱闭幕式主题曲《燃烧的火焰》。第三步，提供另一段视频：在宋祖英的鸟巢演唱会上，多明戈、宋祖英与周杰伦同台合作，中与外的音乐，古典与流行音乐在此进行了交汇。学生们不但知道了普契尼的歌剧，还知道了三大男高音还有古典音乐与流行音乐的交汇，既拓展了学生的知识面，又提高了学生的音乐素养。由此可见，在授课中适当加入学生感兴趣的内容是非常有必要的。

总之，提高学生的音乐素养是专业教师必须认真探究的一个长期课题。而进一步提高学生音乐素养的途径相信是多样化的、没有条条框框的。只有不断的创新教学理念，改变教学思路，在教学实践中继续摸索，才能培养出具有较高音乐素养的学生。

参考文献

[1]孙希康.芭蕾舞基本训练钢琴曲选[M].人民音乐出版社.

[2]民间舞基本训练钢琴曲选[M].人民音乐出版社.

第9篇

关键词：阿卡贝拉 发展 传统合唱 风格

一、阿卡贝拉发展概况

阿卡贝拉是意大利语“a cappella”的中文译词，最早出现于教堂音乐盛行的15、16 世纪的欧洲，原意指“教堂风格的”，并没有特指无伴奏的意思。只是随着教堂音乐摒弃华丽复杂、提倡朴实的歌颂，再加上此类歌曲均以无伴奏的形式记录，因此，阿卡贝拉被释义为“无伴奏合唱”并沿用至今。并且在器乐流行之前，阿卡贝拉成为最重要的音乐表现形式。

阿卡贝拉的出现和发展都是基于人们对于用声音表达情感的渴望。文艺复兴时期教堂风格的阿卡贝拉演唱中音乐还只是文字的辅助，其表现能力受制于朴素的音乐结构以及单一的演唱方式。17世纪之后器乐代替阿卡贝拉成为音乐表演的主体，几乎所有与音乐有关的表演形式都要有乐器的存在，使得合唱、歌剧等演唱形式有了革命性的变革。这一时期，虽然阿卡贝拉的表演形式进入了衰退期，但这个时代对其编曲以及唱法的影响具有划时代的意义。随着古典主义时期和声方法的确立，合唱作曲家开始模仿古典音乐的记谱和编曲方式，将人声用音色分成女高音（S）、女低音（A）、男高音（T）、男低音（B）四个声部，并确定节奏与音高，作品因此变得复杂而结构鲜明。其中，女高音就像管弦乐队中的弦乐，是主旋律的表演者；女低音像木管乐器，是低频与高频音色的桥梁，把整体的音色柔化抛光；男高音则像铜管乐器，明亮有力，撑起整个声音的骨架；男低音等同于低音提琴或贝司，通常有很低的音域，作为和声织体的基础，起到稳定和声和稳定节奏的作用。总之，从这个时期开始，阿卡贝拉的编曲结构趋于严谨，和声更具张力，真正的做到声音的“横向的流动”和“纵向的和谐”。

20世纪初，以美国高校和非洲裔美国人社区为起点，开始了对阿卡贝拉崭新的尝试。1906年，耶鲁大学14个男生成立了第一个阿卡贝拉社团（Yale Wiffenpoofs），同时期在美国的非洲裔社区里，一个名叫Barbershop的四人合唱形式开始兴起。学院派的阿卡贝拉怀旧一般地延续了中世纪的教堂音乐，同时用学院派的方式尝试演唱流行歌曲。非洲裔美国人的无伴奏演唱形式则是为了省乐器的运输经费而被迫形成的。他们只是用简单的语言和与生俱来的音乐天赋倾诉情感，这种音乐来源于生活，并不精巧于结构，但他们对于阿卡贝拉日后音乐风格的多样性做出了独树一帜的贡献。

20世纪中期是一个过渡期，随着流行音乐风格爆炸式的发展，阿卡贝拉也在逐渐改变自己以顺应时代。由于没有乐器声音略显单薄，年轻人开始绞尽脑汁想尽办法“模仿”乐队一样奏出华丽丰满的乐曲。人们模仿一切可以听到的乐器和声音去充实演唱。当架子鼓出现在乐队演出之后，人声打击乐也紧随其后。在电子音乐发展起来之后又融合了音效，最终形成现代的BeatBox艺术形式。

从20世纪末到今天则是阿卡贝拉真正的大发展时期。当代的阿卡贝拉演唱包罗万象，已经不再是单纯的无伴奏人声合唱，而是不依靠任何乐器，由人声来演奏的声音艺术。单纯从声音的多样性来看，让人觉得“凡所应有，无所不有。虽人有百手，手有百指，不能指其一端，人有百口，口有百舌，不能名其一处也。”让人很难想象如此丰富的声音是由仅仅几人发出的。

二、阿卡贝拉与传统合唱的区别

一是表演形式的区别。阿卡贝拉乐团不像传统合唱团庄重的站在舞台上，表演者需要配合乐曲的行进编排舞蹈、肢体动作、表情、剧情、幽默等形式，与观众形成互动，所以更加有趣味性。并且阿卡贝拉乐团人数明显少于传统合唱团，这样便于在没有指挥的情况下控制节奏。同时声音会更加聚集，可以进行更加复杂的表演和情绪的表达。成员之间靠眼神交流和肢体动作（跺脚、挥手、点头等）便可以调节整首歌曲的节奏和韵律，不再需要单一的指挥。

区别二是对声音的运用。阿卡贝拉乐团不再局限在模仿乐器和自然的声音，更多的一些声音被创造出来，如“海豚音”、“复调泛音”、“黑嗓”等等不同音乐流派的声音艺术被运用到演出当中。这样用有限的资源去创造无限的可能，人们不断地探索自己，发现自己独一无二的声音，再将重新发现与再创造的自己传达给别人，这也把阿卡贝拉推向一个新境界和新高度。同时，阿卡贝拉的编曲超越了曲谱和语言所能表述的范围，是想象力的具象化，也是人类创造力的体现。西方有句名言：言语止于音乐，而声音艺术是超越文字与音符得更高层次的表达与交流方式。

第三个区别是阿卡贝拉更注重个体的表现力。曲谱与文字无法完全描述表现阿卡贝拉音乐内容的一个重要原因就是编曲要配合个人的演唱特点。传统合唱追求声音的统一与融合，要求所有的成员消除个性，只保留共性，所以无论换多少合唱团，只要谱子不变，表达就不会有的大的差别。而阿卡贝拉编曲一般声部数量与人数相等，每个声部也是与个人演唱风格和特点紧密结合，以求将个人能力发挥到极致。这就导致很多歌曲无法完全再现，每首作品换另一群人唱出来就完全不同，这种独特性的魅力也正是阿卡贝拉能够兴盛的最重要的原因之一。

三、现代阿卡贝拉的流派与风格

第一种叫古典派，这是一种配置延续了SATB的清唱团，有时男低音声部会客串人声打击乐。与传统的无伴奏合唱相比，古典派阿卡贝拉对于声音的运用更加丰富。代表乐团有英国国王歌手合唱团（The Kings Singers）。他们的发声方法还是传统美声的方法，但是表演诙谐幽默，表演古典音乐时就像一个“交响乐团”一样，分工明确，各司其职；但对一些细节的处理会让人眼前一亮，充满惊喜，同时他们开创性的改编赋予了古典音乐作品新的生命。

第二类是流行乐派，也被称作“人声乐队”，整体配置与标准的摇滚、朋克乐队相似。队员分为主唱，女二或男二，贝司和beat box。专业的流行乐派乐团都是五到六人，表演时用扩音设备和效果器，以加强beat box和贝司的低音以及声音效果。代表团体有美国的Pentatonix。与古典派和学院派的团队可以在保持整体结构不变的同时也能保证团员流动性所不变，流行乐派的团员一旦更换就无法重现之前的作品，而别的团队翻唱时也必须修改乐谱。

第三种是将阿卡贝拉这种音乐形式发挥到极致的乐派，以北欧国家的乐团为代表，他们运用极限的人声，极其精湛的声音控制以及对于效果器的运用达到登峰造极的演唱效果。芬兰的Rajation、皇者之声（Club for Five），瑞典的真实之声（The Real Group）等团体都是顶尖的阿卡贝拉乐团。这些团队的的每个人都经过严格的古典音乐训练，对于声音的控制极其精细，演唱时放松愉悦，但带给观众的确是灵魂的震撼。他们的音乐大多为原创，改编已有曲目也是在前作的同时保留精髓，结合一切世界上可以运用的音乐风格，将作品打造的既与众不同但又震撼人心。

四、结语

阿卡贝拉是一种集体创造力的体现，是一种跨越很多局限，打破桎梏的音乐形式。当同样的内容由众多声音一起表述，构建起声音的建筑，这样的音乐便直击灵魂、震撼人心，这也正是阿卡贝拉的魅力所在。而每一个参与其中的个体，成为这个声音建筑结构中独一无二的一部分时，在表达和聆听中“子之心而与吾同”，便是十足的珍贵。

第10篇

丽笙坐落在上海浦东国际新博览中心附近的时尚新天地“大拇指广场”上，是一家五星级酒店，由全球酒店业的翘楚――卡尔森环球酒店集团负责管理。丽笙是全球领先的高水准、提供全面服务的酒店品牌，在63个国家有着超过413家酒店。

酒店经理方兴先生来自于欧洲的“世界音乐圣殿”奥地利。丰富的国际酒店管理经验以及在中国十多年的工作背景使得他对管理国际酒店游刃有余。方兴先生的管理理念是“贴合中国的国际化”。他说：“既要重视每个员工的个人职业规划发展，同时也强调整个集团品牌的建设。”因此他努力向身边同事们传播最新的管理理念，融汇贯通先进的企业文化，将他多年积累的专业经验与激发员工的聪明才智相结合，并将其视为企业的发展之本。

“做好自己的本职工作，就是在为中国的繁荣建设添砖加瓦，也是我乐意去完成的一份义不容辞的责任”，方兴先生开门见山地表达了他对工作的敬业和热忱。

“萦绕着轻柔的古典音乐、散发着迷人百合幽香，客人一进酒店的大堂，浓浓温馨拂面而来，有种宾至如归的感觉，我们的服务是第一流的”，这位奥地利人颇为得意地说。在他的指点下，笔者看到整个大堂的设计是一个巨大的红色盒子，一角放置着的雕塑《大拇指》是法国艺术家凯撒・巴尔蒂切尼的代表作品，正面的金色浮雕艺术品则表现的是一个古老箱子上的铜锁。大面积使用了红与黑两个主色调，显露出中国元素在现代艺术中的强大力量。

方兴经理自豪地说：“在上海的浦东，想找一家大酒店是一件相当容易的事，但有艺术内涵又精益求精的恐怕只有丽笙一家。”

确实，丽笙大酒店内陈列的收藏级艺术珍品件件别具匠心，从对色彩使用的大胆把握，到悉心选配的各种内部装饰均堪称赏心悦目。浓厚的艺术色彩从大堂一直伴随至酒店的每个角落，优雅气质和不刻意张扬的艺术气息真是无处不在。

交谈中得知方兴先生在中国已经多年，在北京和深圳都工作过。当他听我问起本地管理的酒店与一些国际著名的品牌管理集团在经验模式上有什么区别时，很有感触地侃侃而谈，“就拿我们卡尔森环球酒店集团来说，是一个非常成熟优秀的国际品牌管理系统，已经超过了100多年的经营时间，覆盖的范围很广，而本地经营的酒店，受本土的影响更深。两者各有优势，同样也都存在欠缺的地方。”

他还说：“我们都要对当地的社会有一份责任，国际品牌的酒店同样也义不容辞。但国际品牌的酒店除了本地的客户资源外，全球性的客户资源更为广泛和丰富。尤其是餐饮市场的销售，以及酒店所有需要管理的硬件方面都有更高的要求，因此也就更胜一筹。”

少小离家今未还，方兴先生为了他热爱的工作，近30年来辗转在世界各地，当我问起想不想祖国奥地利时，他长叹了一声：“当然想！但既然年轻的时候选择了这一行业，就得走下去。当时主要的原因是可以周游列国，随着时间的推移，我已经意识到这不单单是为了旅游和转换工作的地方，而是在当地踏实地生活，融入当地的文化。我非常想了解不同国家的风土人情，能将自己的工作和爱好结合在一起，我深感荣幸。”

方兴先生1978年就离开了奥地利，成为了一个“世界公民”。一般工作3～5年，他就会与太太商量：“我们感受到了什么，下一步应该何去何从。”“无论是在新加坡、百慕大、美国，还是在中国的深圳、北京和上海，我都会感觉自己是那地方人，身在哪，心在哪，就是哪个国家人。”

方兴先生深谙美食之道，特别推崇意大利菜。他说：“现在全球口味都在改变，偏爱清淡、简单的菜肴，因此意大利菜更受广大消费者的青睐。现在我回到家乡或者欧洲的一些国家时，发现当地人的饮食习惯也变得简单起来，以前会尽可能点五六种菜，现在则只点一道两道。”

第11篇

    音乐作品概念的兴起与确立

    戈尔选择了与分析哲学相背的历史研究法,她认为音乐作品概念具有五个特征:(1)开放性特征。这意味着作品概念具有历史可变性,其内涵由实践中的不同用法决定。(2)作品概念与实践理想相关。所谓理想,即人们在实践中努力趋近的东西。如要求表演与乐谱完全相符是古典音乐演奏实践的理想,它反映了该实践中关于作品和表演之关系的看法;而在爵士乐表演中,即兴发挥才是理想。(3)作品是一种规范性概念(regulativeconcept)。即作品概念不是发号施令,而是人们行动中默认的信条。人们未必明确想到这一点,却不自觉地受它影响。如“在音乐厅‘郑重其事’演奏贝多芬D大调小提琴协奏曲时,我们不会即兴发挥”。瑏莹(4)作品概念是投射性(projective)的。作为一种概念,它存在于人的头脑中,当被投射到某音乐产品中,人们便把它看成“仿佛”是一个独立于表演和乐谱的作品。(5)作品概念是逐渐兴起(emerged)的,从孕育到稳定并最终被公认。经过占全书四分之一有余的铺垫后,戈尔摆出了中心论点:“鉴于18世纪晚期的某些变化,思考、论述或创作音乐的人们,头一次得以将音乐创作活动理解为或看作是主要涉及谱写和演奏作品的活动。作品概念于此时赢得其规范性作用。”为了证明这一观点,作者考查了从古希腊至20世纪音乐史发展的方方面面,以揭示作品概念兴起前后西方音乐文化的不同特征。戈尔认为,18世纪末以前,西方人多从“外在于音乐”的角度看待音乐,而非视之为独立的艺术作品。(1)从观念层面看。古希腊人相信音乐是摹仿现实、净化灵魂或道德教化的手段;中世纪时候,音乐服务于宗教歌词的表现,过于丰富的音调使注意力偏离歌词,必须限制;文艺复兴时期,音乐是反映或影响品性的手段,人文主义者虽对音乐形式发展贡献不菲,却默认音乐借助歌词传达激情与道德,由此,器乐曲地位低下;17、18世纪中,教会影响依旧强大,如奥地利作曲家福克斯(JohannJosephFux)虽在对位法实践中卓有建树,却坚信应“从最伟大的上帝本身出发,着手工作”。瑐瑡(2)从实践层面看。16世纪的记谱法仅标记旋律和数字低音,由此,即兴演奏盛行,人们并不认为作品具有不变性并可长存;直到18世纪,作曲家仍未获得创作自由,音乐所有权属于教会、宫廷或出版社;普遍强调功能性的音乐美学观使作曲家不得不为应景而作,其作品可随意被引用、改变、中断,观众无需专注聆听;公开表演的大多是声乐曲,器乐曲地位较低,仅供娱乐和练习使用。以上种种迹象表明,18世纪末以前,作品概念并不明确。1800年前后,西方音乐文化出现了新动向:(1)从观念层面看。其一,音乐和生产型艺术(productiveart)这两个概念的融合。18世纪中叶前,音乐多指技艺娴熟的演奏,生产型艺术则指有形产品,如绘画、雕塑。当二者逐渐重叠时,音乐便获得了有形性。其二,“想象力”、“美”、“崇高”受到推崇,这不但促使美学诞生,也使艺术渐渐独立于科学和道德。其三,无功利美学和自律美学的兴起,使艺术品的美感价值区别于功用性,并彰显艺术结构本身。其四,浪漫主义推崇艺术揭示永恒真理的能力及对世俗世界的超越性。在这些新观念的合力下,音乐从宗教、伦理、世俗功用中解脱出来,最具纯粹性的器乐曲成为理想音乐的代表。(2)从实践层面看。作曲家逐渐摆脱教会、贵族势力,服从于音乐市场,并对作品所有权有了自觉,版权法应运而生;地位的提升促进了作曲家的“原创”观念,他们意欲精确记谱,要求演奏者不得篡改自己的成果,“忠实原作”的表演观念由此兴起,它甚至影响到听众,人们开始安静赏乐。以上事项说明作品概念已然确立起来,加之音乐厅的建造、音乐学院的成立、以“大人物”和“杰作”为线索的音乐史的编纂等,作品概念得到了进一步的强化。

    评论与思考

    以上便是《博物馆》的主要内容,下面谈谈本人的几点看法。一、全书最为突出的特点莫过于戈尔始终在社会历史的视野中审视作品概念的兴起与变迁,由此,它不仅是一种观念,也体现在实践的诸方面。作品概念不仅与某时代居于主导地位的艺术观念、评价体系相关,还与作曲家的社会地位、表演观念、欣赏习俗相关,甚至与记谱法的演进、作品题献行为、作品编号行为、音乐出版行为、版权法的定立、音乐厅的建造、音乐史与传记的编纂等实践相关。从某种意义上看,《博物馆》向读者展示了一幅错综复杂的音乐社会史图景,作品概念既生成于其中,又与其他各种因素构成了福柯(MichelFoucault)所说的权力与被支配的关系。美国着名音乐史家理查?塔路斯金在《文本与行为:音乐与表演文集》中指出:“‘作品概念’,如莉迪亚?戈尔在其近期关于音乐博物馆文化哲学的着作中出色地指出,它不仅是我们的音乐态度,也是各种社会实践。它支配着古典音乐群体所有成员的行为,无论是作曲家、表演者,还是听众。比如,它在听众身上强加了严格的礼仪;对于表演者而言,它从根本上固化、扞卫着表演与创作角色之间的界线,这一界限先前并不明确且易于被跨越。由此,作品概念冲击着实质上无生气的音乐体制。”瑐瑢崇尚历史方法及对实践的关心,使戈尔无法同意分析哲学的思路。作为传统音乐本体论研究的代表,分析哲学常以思辨方法追问音乐作品的本质是什么,构成作品的必要条件、充分条件是什么。此研究方式虽努力追求作品概念的清晰性与纯粹性,却割裂了概念与实践的联系,流于空洞。戈尔则另辟蹊径,把“是什么”(What)的发问方式转换成“何时”(When)、“何地”(Where)、“为什么”(Why)、“怎么样”(How)的方式,即追问作品概念在何时、何地兴起,其原因为何?不同时代的人们是怎样运用这一概念的?由此,在本体论研究中带入了历史与社会的维度,瑐琐作品概念与其文化土壤之间的因果联系得以呈现,形而上的思辨与形而下的经验现象得以联通。作为读者,不得不佩服戈尔整合各领域知识、发现材料间因果联系的能力。她曾说:“本体论论点应与其相关论题之历史和概念的复杂性相一致”,而自己的研究任务正在于“对本体论重新加以认识,使之与历史难分难解地联系在一起”,瑐瑶提出某种“文化实践的本体论”。瑐瑥以上思路显露出戈尔理论的反本质主义、经验主义倾向,对音乐美学研究是十分有启发的。虽然《博物馆》并未提及波兰音乐学家卓菲娅?丽萨对作品概念的看法,二者却得出了一致的结论,丽萨说:“音乐作品这个范畴是一个历史的范畴,也就是说,它是音乐美学、音乐理论中的一个历史上相对的范畴。”瑐瑦二、《博物馆》以史带论,为音乐史学、美学提出了一些有趣或值得进一步思考的问题。(1)西方音乐的博物馆式文化。博物馆本是陈设美术作品的场所,为什么戈尔要提出“音乐作品的想象博物馆”这种说法呢?一部美术作品往往呈现为物理实体,占据着一定的物理空间并可长存,但音乐作品却无影无形,无法被陈设,演奏过后立即消失。但西方人似乎不甘于此,他们在观念上不断赋予音乐以独立性,在实践中则发展出精确的记谱法并复制、出版乐谱,让作品严格地重复表演,还兴建音乐厅,要求听众专注赏乐,加之20世纪录音技术的发展,不仅乐谱可以复制,声音本身也得以复制。这一切努力,似乎皆在把音乐实体化,使之如同美术作品那样得以陈列。戈尔曾说,音乐厅成为保存并展示音乐的场所,她意欲以安德烈?马尔罗的说法“想象的博物馆”来指示某种“潜在的造型艺术”。瑐瑧在此,“潜在的造型艺术”正是在观念和实践中实体化了的音乐作品。至于“想象”二字,本文认为,一方面意味着“博物馆”仅是比喻意义上的,另一方面也反映出(戈尔所说的)作品概念的投射性特征。概念是人头脑中的精神性存在,人将其投射到外界事物之上,如把音乐产品看作音乐作品,把展示音乐的物理或精神空间看作“博物馆”。当人们总是如此这般地看待音乐,便会在实践中如此这般地塑造音乐。以上有关投射性的观点多少带有现象学哲学的色彩,如美国音乐美学家爱德华?李普曼(EdwardLippman)在评论《博物馆》时说:“这个投射性的存在明显是茵加登纯意向性对象的对应物。”瑐瑨(2)音乐作品概念产生于1800年前后还是16世纪初?戈尔提及一则史料,即1527年,德国音乐理论家里斯特纽士(NicolaiListenius)曾在其着作中提到“Opus”(作品)概念,即“在劳动之后留下某种opus,如同某人写下音乐或一首歌曲时,其目的是一件完整的、完成了的opus……当制作者死后,仍留下一件完整而绝对的opus”。瑐莹这则史料常被一些学者援引并用以说明作品概念早在16世纪初便出现。戈尔的主要辩护理由在于:首先,里斯特纽士的“opus”与18世纪末的作品概念确有关系,但在16世纪初,音乐实践的方方面面似乎并未显露出作品概念已然稳固。此时的作曲家无论拥护人文思潮还是服务于教会,都以歌词作为音乐创作的依据,外在于音乐的目的仍压倒音乐本身,声乐仍压倒器乐,音乐的自主性并未凸显。加之记谱法的局限,作曲家所有权意识和原创意识的淡薄,还未习俗化的表演与欣赏行为等,都不能满足戈尔所理解的音乐作品概念的条件。这一切的真正改变始于18世纪末,而在贝多芬时代,作品概念才真正成熟。笔者以为,戈尔与其反对者的区别在于,前者始终把作品概念与音乐实践联系在一起,正是实践的广泛变化折射出新概念的确立;后者则把作品概念出现的证明仅仅寄托于音乐思想史史料。当然,双方并没有根本的矛盾,我们或可将16世纪初的“opus”概念视为音乐作品概念的萌芽,把18世纪末视为作品概念的成熟期。正如戈尔所说,对一个概念本源的探寻和对其如何成为规范性概念的探讨是不同的。瑑瑠(3)对“概念帝国主义”的批判。戈尔指出,在今天,几乎任何一种音乐形式都被称之为作品,从帕莱斯特里纳、维瓦尔弟,到凯奇、斯托克豪森的音乐,从即兴表演的爵士乐、民间音乐,到流行音乐、电影配乐等,皆被称为作品。这种无限制的概念泛化正是概念帝国主义。正是出于概念的泛化,我们用18世纪末以来的作品概念看待巴赫的音乐,才会坚信他创作了音乐作品,但他本人则未必作如是观。概念的泛化进而引起了音乐评价标准和行为的泛化:“很多人因为深信古典音乐之伟大,便找出理由将天下所有类型的音乐,无论是哪一种,一概以基于作品的诠释加以描述。他们认为,任何音乐越接近于体现浪漫主义作品美学所确定的条件就越是高雅。”瑑瑡流行音乐因此成了幼稚感情的表达,爵士乐手也改穿燕尾服,进入音乐厅表演,并希求获得对严肃音乐家那样的尊重。以上观点是有启发的。作品概念本是西方文化土壤特有的产物,现在却被强加了不属于它的内涵,同理,当那些非西方音乐也被视为作品,以作品标准评价或改造时,它们也被强加了不属于自己的东西。戈尔并非唯一持此观点的学者。卓菲娅?丽萨曾区分了“音乐作品”和“音乐产品”概念,认为作为西方音乐文化之产物的音乐作品是音乐产品的一部分,音乐产品却不一定是音乐作品,它还可能包括其他音乐现象,如民间音乐、即兴演奏的音乐、先锋派的拼构音乐等。瑑瑢值得思考的是,概念的理论纯洁性和相对不精确的现实使用之间的矛盾是否可能消除?批判概念帝国

第12篇

    将现代信息技术引入到美术教学中,利用网络资源开放美术课堂,不仅让学生获得了知识与能力,而且使他们的态度、情感、价值观发生根本的转变。

    一、利用网络,拓展美术的学习领域。

    传统的美术课堂非常封闭,其地点是固定的,仅仅局限于某一班级;其时间也是固定的,每周只有一节课。计算机网络技术可以突破传统媒介的局限和障碍,拓展时空概念。通过互联网,学生可以随时随地进入学习美术的课堂和实践活动,运用美术去交流和沟通,拓展美术的学习领域。例如在上八年级美术欣赏《波提切利——春》的前两天,我便将活动内容向学生公布,并引导学生利用网络资源可以查阅相关的资料,找许多相关的意大利文艺复兴时期艺术作品加以比较,理解波提切利的艺术特色,以及他的艺术作品形成的原因,这个过程学生有浓厚的学习兴趣,而且学生的选择范围更宽。

    网络辅助教学,充分调动学生的视觉、听觉,激发学生的多种感官功能,实现了多种感官的有机结合,从而使知识能打破空间时间的限制,多层次、多角度、直观形象地展示于学生面前,最大限度调动学生学习的积极性和探究欲望,活跃课堂气氛,大大提高课堂教学效率。

    二、通过网络,开放美术的学习内容。

    美术教材不仅限于教科书,形形的图书教材、视听教材都丰富了美术的教学内容,而网络资源的补充更是锦上添花。网络信息,特别是图像、动画、影像、声音使教材更为生动形象,使得凝固在教材中的静态美升华为动态美,即将教材中蕴含的意境美、音乐美、艺术美充分表现出来,同时刺激学生的生理感观,激发学生的各种积极心理因素,调动审美主体的心理功能活动,从而产生强烈的美感效应,因而大大提高学生的学习兴趣,网络使美术教学内容更富开放性,真正使学生爱学、乐学。如:《建筑艺术欣赏》一课,欣赏各地古今建筑并了解其特点是必要的一环,但书上图片不多,又没有与教材配套的挂图,欣赏实景更是不可能,这时候网络就是最好的辅助工具。课前我布置学生查找相关资料,将各处搜来的图片扫描进电脑,并精心分类。上课时,学生在优美的音乐的伴随下欣赏,营造了愉悦的学习氛围。

    在美术教学中,我们可充分利用网络拓展课堂容量,增加很多与教材内容有关的动画、影像、图片等素材,创作模拟仿真的教学课件,让学生多个感官并用,提高教学的实效。这也是新课程改革中教材多样化呈现方式的要求。

    三、贴近网络,创建美术自主学习平台。

    “改变学生的学习方式,让学生自主学习是本次课程改革的重点之一。教师应鼓励学生开展自主式学习、探究式学习”。网络环境下的美术教学活动,突出了学生学习过程的自主性,主要体现在对学习内容和学习方式的自主选择上。 例如,我在中国古代山水画教学中,先列出多条研究性课题:山水画中情境的体现、从山水画里的树种看现代环境保护、山水画与古典音乐的联系等十多条。学生可以选择这些课题进行研究,也可以从中得到启发,依据自己的兴趣爱好重新选择课题,有的学生就自定了。如:从山水画看现代旅游资源、山水画里的名山大川、山水画里的宗教气氛、水墨山水画在现代家庭装饰中的品位等优秀的选题。在确定选题之后,教师指导学生利用搜索引擎查找相关资料,下载保存后继续分析直至完成分析报告。这样的研究过程本身就是最好的学习。利用网络信息技术,让学生选择适合自己的学习内容和学习方式,使美术课真正实现了教学过程中尊重学生个体差异,因材施教的要求。

    在计算机技术走进美术课堂的当今,计算机因具有快捷而强大的信息搜索能力、存贮能力和处理能力,必将成为学生“自主性学习”的最佳的资料搜集和存贮处理工具,更会成为学生美术素养、美术创造能力提高的平台。让学生本着自主学习的态度,运用信息技术手段高效能、高质量地解决令人关注的现实问题。这为学生学会学习和日后从事知识创新打下扎实的功底。

    四、走进网络,促使师生关系的民主平等。