时间：2023-12-19 15:18:28
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇绘画的艺术形式，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
随着信息化时代的不断推进以及计算机技术应用的广泛应用，一种新时代的艺术形式营运而生，那就是数码设计。这种新艺术形式的出现，与当时的社会潮流以及社会科技的发展和进步分不开的，但就从长远发展来看，数码艺术设计还离不开对于传统艺术的继承和发展，尤其是传统的绘画艺术。
1 数码艺术设计的发展
数码艺术设计这门新兴的艺术形式是随着计算机技术的广泛应用发展来的，它是数字化与时展互相作用的产物。专门研究数码图形以及数码艺术的机构成立于20世纪60年代，直到80年代苹果公司的退出，数码技术才开始大范围进入人们的视野当中，而且在设计领域受到的重视越来越多。随着时代的不断进步与发展，在艺术领域上，数码艺术设计开始逐渐形成其自身独特的语言表达形式，而且在一定程度上体现出了很高的艺术价值。到此时，数码艺术才开始迈进艺术的殿堂。但是随着数码艺术设计的高速发展，人们也开始意识到，数码艺术设计除了可以在感官上能够带给人们很多的新鲜感和刺激感之外，对传统艺术美感的体现以及文化内涵的表现好像有所欠缺。与此同时，人们对于数码艺术的认识普遍都还存在一定的模糊性。通过相关研究我们可以看到，数码艺术设计的形式美与传统绘画在一定程度上有着一定的艺术渊源，探讨这一艺术渊源不仅能为数码艺术设计的今后以及美学发展趋势提供明确的方向，同时还能从很多方面促进人们对数码艺术设计的正确了解。
2 数码艺术的形式美与传统绘画的内在联系
2.1 艺术载体的异同
数码艺术的形式美与传统绘画艺术载体存在着不同，计算机是数码艺术的载体，影像艺术是通过计算机创造出来的，所以只有通过计算机这个载体才能够呈现给我们。而传统绘画艺术的载体是纸张，无论科技会进步到什么程度，传统绘画都依然要在纸张上进行创作，因此其载体不可改变，必须是纸张，只有通过纸张才能够将传统绘画艺术完全表现出来。不过有一点数码艺术与传统绘画艺术相同，那就是数码艺术可以通过计算机的后期制作，由计算机输出到纸张上面，这样就可以把数码艺术的载体转移到纸张上来，所以在纸张上也可以表现出数码艺术，而传统绘画也可以输入计算机上，把计算机作为传统艺术的载体。
2.2 表现形式的异同
与计算机艺术表现形式不同，数码艺术是通过真实物象的具体成像来表达艺术的形式，而传统绘画是艺术家把真实的景物加入自己的思想感情后用笔在纸张上创作出来的，传统绘画的表现不仅要形似，还需要神似。数码艺术与计算机艺术相同之处在于，它们表现的艺术形式都是具体的造型和色彩，只不过是数码艺术通过计算机来进行创作，而传统绘画是通过纸笔来创作的，对于同一个要表达的物象来说，数码艺术表达的是真实而独特的视角，而传统绘画艺术表达的画面承载了精神内涵和文化内涵。
2.3 艺术语言的异同
数码艺术与传统绘画艺术语言的不同主要是由于其发源的时间不同，传统绘画的发源是中华五千年文化发展的基础，承载着深厚的中华文化和底蕴，而数码艺术的发源是计算机，它是科技发展的成果，并没有深厚的文化底蕴作为其支撑，其艺术语言也很简单，只是单纯的数码艺术的形式美与传统绘画的内在联系所表述的主题而已。传统绘画却承载了很多的文化渊源和创作者的思想、情感等。根据地域的不同、艺术思想的不同，传统绘画分出了许多流派，而数码艺术只能根据其表达的具象不同而划分为不同领域。不过它们相同的是，无论是数码艺术还是绘画艺术，凡是有价值的艺术品，都能够引起读者们心理上和情感上的共鸣，表达读者的内心，使我们的内心感受到艺术的温度。借鉴于数码艺术的表现手法，传统绘画将写实与写意更加紧密地结合起来，使绘画具有摄影的表现效果，同时又承载了深厚的文化内涵。数码艺术设计的时代性与绘画艺术的传统性的有机结合，不仅能使数码艺术设计的创新和发展更进一步，同时这也是对传统绘画艺术的继承和革新。
3 传统绘画与数码艺术的有效结合点
利用传统绘画艺术可以使数码艺术设计的形式美更上一层楼，要做到这一点就要提到数码图形。数码图形又叫CG，指的是数码化作品。矢量图形作为数码图形的重要组成，在数码艺术设计过程中扮演着十分重要的角色，它不但可以满足数码图形设计过程中的硬边风格，而且还适用于一些其他标志及标准字体的设计，如2008年奥运会的五环标志，就是一个数码艺术设计与传统艺术的完美结合。如果将数码艺术设计的时代性与绘画艺术的传统性进行有机结合，不仅能使数码艺术设计的创新和发展更进一步，同时这也是对传统绘画艺术的继承和革新。这样做不仅能够有效激发观众的审美感官，同时还能减小作品与观众之间的距离感，从而可以尽可能地体现数码作品的艺术美，表现出其艺术价值。在数码艺术设计的过程当中，要不断吸收来自不同文化的有效信息，要在借鉴的基础上不断完善和发展促进自身，这是当代数码艺术设计发展的主要方向。同时也是促进我国文化产业发展的重要举措。
4 数码艺术与传统绘画的发展前景
数码艺术与传统绘画的发展前景很广阔，其主要发展方向是二者相互融合与借鉴，不断完善和发展从而促进自身趋向完美。我们都知道道家文化的精髓是“和而不同”，而数码艺术与传统绘画的发展方向就是日益走向“和而不同”这一境界，未来数码艺术将会融入更多的传统绘画元素，这就使得数码艺术更具人情味，更能贴近人心，同时也承载传统绘画的文化内涵和写意内涵，而传统绘画也将吸取数码艺术的优点，能够实现传统绘画艺术与数码艺术的真正结合，利用计算机技术配色和修改传统绘画。数码艺术与传统绘画的共同发展是在发展中相互借鉴与融合，但同时又有各自独特的艺术形式与魅力，使数码艺术和传统绘画艺术共同发展与进步。
关键词：样式；图式发展；文化功用
中图分类号：J205 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）02-0137-02
手卷是中国书画装裱的一种式样，这种形式可以说是最为复杂的书画类型，是因为从尺寸上来看，它不仅是最长的，而且是在组成构架上最为复杂的一种。它的整体构架是分别有： 绢带、隔水、画心、天杆、拖尾、别子、天头、引首、卷杆。经过千年的蜕变和改良，可以说已经去其糟粕取其精华，每个构成部分都不能缺少，任何一部分也不可增多。
一、传统手卷图式发展
手卷这一艺术形式在题材的发展上，在纸发明之后的早期时候，我们的艺术家大都都是采用手卷这种形式来表达，但是在那个时候，手卷表达的内容都是人物比较多，其他艺术题材和内容都是以人物为依托的，作为一种补充来衬托人物画，并不能独立成为一个门类。是因为早期的绘画主要还是来教化世人的作用，所以那个时候的绘画图式发展是离不开人物的，而且很多都是以歌功颂德为主要。例如阎立本的《历代帝王图》还有敦煌的佛教主题绘画，主要是来宣扬政治以及耀功的作用。到了后来由于一些贵族的审美需要，他们比较喜欢花鸟等题材，这样才使得花鸟画出现在大众面前，最先广泛为大众见到的是昆虫鸟兽这一类的内容，它们广泛流传，再后来出现大量的山水题材绘画。种类也开始慢慢的变的丰富起来，发展到唐代盛期时，创作人物画的画家们也开始丰富题材，一些以前不曾出现的人物题材也开始出现他们的画面上，比如贵族生活场景、宫女的题材等等。一直发展演变到宋代的时候受到政治等因素的影响，道家主义的绘画题材也开始广泛流行，还有一些其他题材的绘画也比较流行，他们主要描绘平民百姓的日常生活，十分的贴近广大老百姓，比较著名的有张择端创作的《清明上河图》。到元代时期中原被外民族统治，这时期的文人雅士都是用画画来平复自己的政治抱负，讲究情趣，是他们带动了文人画的兴盛，而文人画的表达不求形似，但求意到，追求画面生动有趣，正是这样的情形，这时期的人物画创作开始衰退。但是山水画得到了非常巨大的发展。
二、传统手卷的文化功用
立足于不同人士、不同功用的需要，每一种绘画形式都有可能出现。所以不同种类的艺术形式也开始出现比如：手卷、册页、团扇、立轴都相继出现，分别代表着不同时期的社会文化品格，凸显着一种生存方式。作为装饰厅堂的“补壁”一般用立轴来填补，团扇则不仅是装饰物更为实用扇子的装饰品，而手卷的功能形式则是私人的案头把玩与文献传承的对话形式。就目前来看，年代越久远所流传下来的手卷形式的书画精品就越丰富，此外，不管是哪朝哪代，手卷一直彰显的是那个时代的精神与社会思潮，同时兼具重要的绘画表现艺术形式，所以不同的绘画形式出现的原因如下：
（一）绘画在早期是以宣扬文化功用为主的“成教化，助人伦”作用；在绘画题材上又以宣扬佛教的绘画主体，具体形式则表现为壁画。而当时壁画创作的画稿，为方便携带与管理又多制成手卷的艺术形式流传，使得它的精品比较多。
（二）纵观魏晋南北朝到元朝，手卷这种形式的发展繁荣期都是宫廷画为主要绘画题材的形式，院体画也辅助出现，将院体画与宫廷画相比较，他们的共性都是为当时的皇族服务的绘画题材与形式。在此背景下完成的作品的绘画内容必有局限性，即限定在以绘制历代功臣画像和恶以诫世，善以示后的绘画题材范围，再者以描写宫廷享乐的场景题材等；所以，这些绘画题材也必然以长空间为主要选择，所以只有手卷是比较适合的表达方式。
（三）阅览手卷时由于手卷纵深的形制，限定了阅读者需要近距离地逐步进行铺开观看，所以这就使得手卷的绘画难度比一般的艺术表现形式要难得多，是因为手卷在横面展开的长度比较大，不容易控制整个画面的气势与结构，这就对作者提出了很高的要求，这是比较困难的一方面；再者手卷又需要观赏者近距离的阅览，这就又要求画家对手卷上的绘画形式进行布局既要求画面回环连贯，又要做到笔墨精良；因为近距离去观看画面大家一定会对笔墨的要求比较高；所以不管是写意草画的绘画形式还是画面上一些不起眼之处都要非常小心的去创作，这就是另外一个比较难的方面。所以手卷这种绘画形式可以用“致广大、尽精微”来形容，有很高的艺术表现力和艺术鉴赏力。也不难想象这种形式成为文人雅士对绘画形式的主要偏爱形式。就在社会高度发达的今天，几位至友相聚一起，焚香赏画，也是何等有情趣的雅事啊！
三、结语
传统手卷这种艺术形式在历史的变迁中逐渐形成自己特色的存在方式，虽然当今这种形式发展方式有所停滞，但其在图式和功用方面的发展从未停止，并且给我们现代的多元创作提供了更多的元素，给我们的艺术创作提供源源不断的能量。
参考文献：
[1]范晔.后汉书[M].北京：中华书局，1965.
[2]郑午昌.中国画学全史[M].南京：江苏文艺出版社，2008.
[3]杨仁恺.中国书画[M].上海：上海古籍出版社，2006.
作者简介：
【关键词】绘画语言；绘画的观念；现代装饰艺术；融合
1.绘画语言与观念利用到现代艺术中的重要意义
现代装饰艺术，是指在艺术发展的今天，包括艺术领域、建筑领域、环境艺术领域、雕塑领域及壁画领域等方面涉及到的装饰的艺术。由于我国是具有着五千年的发展历史的国家，文化艺术在历史的河流中没有被遗忘，反而因受到时间的冲刷变得更加的璀璨。这一点是现代装饰艺术无法替代的，现代的装饰艺术是在传统的艺术的基础之上进行不断的传承与创新，在不断的适应时代的要求的基础之上遗留下来的瑰宝。现代装饰的概念是指涉及到公共空间的装饰艺术，与传统的纹样的装饰概念不同，墙边饰等具有极为狭窄的装饰发展空间。当今艺术与技术不断发展的今天，现代的装饰艺术有了一种新的发展的空间与趋势，利用绘画语言与观念进行思考，可以使现代装饰艺术朝着更适合时展的潮流的方向进行发展。
2.现代装饰艺术的演变
现代装饰艺术是现代文化艺术发展的一种现象，这种艺术与在画架上进行绘画不同，但是现代装饰艺术又包含着绘画艺术的一些精神，可以理解成是将绘画艺术的相关因素融入到现代装饰艺术中来，使现代装饰艺术具有了新的内涵和不同的意义。在现代的装饰艺术的装饰绘画中应该克服以往的单一的、概念的、传统的和机械的的艺术形式，让现代的装饰艺术创新起来，使之不断的与现代艺术中新颖的艺术手法与观念语言相结合。比如可以借取梵高、康定斯基、米罗、塞尚等大师的绘画作品中的艺术，我们可以从中看到，在这些作品中就存在着现代装饰艺术与绘画艺术之间的融合。不管是在任何一个时代，任何的艺术画派之中，新的艺术的风格的出现往往是通过打破对于传统的破旧的不适合时代的风格而出现的一种新的风格。在一般的情况下，传统的复杂的或者详尽的艺术风格往往会被新的简洁的风格及简单的语言所代替，但是往往这种新的简洁的风格会在新的时代中被赋予新的内涵与意义，而变得更为复杂，因此，就会有一种更加新的、简洁的风格出现代替这种复杂的风格，周而复始。
3.现代装饰艺术与绘画语言与观念进行融合的依据
一般的艺术的风格和艺术的流派往往是通过不同的艺术形式进行体现其中的特色。在社会不断发展的今天，艺术的形式呈现多样化的现象，融合各派的艺术形式，因此作为现代的装饰艺术的未来的发展方向应该是以一种新的形式出现：打破传统的纯艺术的束缚，将传统的纯艺术形式与新的实用的美术艺术相结合，让艺术与技术相结合获得新的表现形式。比如说，众所周知的包豪斯学院，为了创造新的装饰艺术，打破传统的绘画艺术与工艺艺术之间的界限，形成一个以建筑艺术、绘画艺术与雕刻艺术三位一体化的新的艺术的殿堂。再比如说，康定斯基大师的绘画艺术则是完全的与自然的绘画艺术不同，他的艺术表现形式是通过抽象的形式，通过色彩的表达直接抒发自己内心的情感，康定斯基大师的这种艺术表现形式对于后世对于装饰艺术和工艺美术中的艺术表现形式有着很大的影响。但是要说将抽象的表达艺术发挥到极致的就不得不提蒙德里安大师，蒙德里安大师所采取的绘画表现形式与凡•度斯堡等艺术家一起创造的风格流派，对后世在于现代装饰艺术中甚至于在建筑艺术和工美艺术上都有着很大的研究价值。这些艺术表现形式的出现使后人对于绘画艺术和工美艺术之间进行了重新的思考，人们在看待现代的装饰艺术时不再像以往一样单纯的以一种简单的风格进行衡量，而是将艺术眼光从艺术本身中看透，并将艺术思想进行迸发。在传统的艺术表现形式中，其演变的过程是传统到成熟的进行发展的，同时这个过程中具有不断的变化的，也同时呈现出一定的规律性和周期性，在一定的时期中不断地周而复始的变化、创新、完善，使现代装饰艺术的表现语言更加的丰富、完善，同时也作为一种新的推力推动装饰艺术领域不断的发展扩大。因为装饰艺术的发展的变化使得人们对于装饰艺术领域的认识得到了一定的扩展，新的观念不断的深入人心，观念的变化形成了新的探索，使现代装饰艺术具有了新的发展前景和活力。利用传统的纯绘画的语言的表现形式使得装饰艺术、建筑艺术或者工美艺术等作品的视觉更具张力，一写新的随意性、偶然性、不确定性的表现手法的融入使得人类的文化精神在现代装饰艺术中得到体现和回归。现代装饰艺术与传统的纯绘画的语言表现形式相结合，对现代的装饰艺术展开了一定的冲击力，使人类在进行艺术的欣赏时更加的关注艺术作品的精神的内涵和内有的文化，使得艺术作品更加具有现代性、精神性和时代性。在目前的时代中，中国加入WTO组织，处于全球化的大模式之下，艺术的精神文化与世界各国的民族风格和观念相结合，这样所形成的艺术正是我们当代的艺术所追求的所在。
4.现代装饰艺术与绘画语言与观念相结合的重要意义
现代的装饰艺术具有语言、工艺手段和材料相融合的特点，这些特点使得即使有传统的纯绘画的语言艺术进行融合也不会改变现代装饰艺术的本质。而我们就是需要这样的艺术，利用材料作为原有的艺术属性，对材料的新的价值和功能进行深层次的了解和把握，使材料在融合艺术特征之后不仅能够在视觉上和功能之上超过原来艺术的内涵，更能在艺术的观念之上为现代的装饰艺术进一步发展提供大量的思想空间。现代装饰绘画融合了对装饰的语言驾驭和对于艺术材质的美的敏感的探索。装饰艺术与纯绘画艺术不是两个不能相融合的艺术，这两种艺术可以通过相结合创造出新的生命的活力，同时这种艺术的结合对于两种艺术而言是一种新的共生，只有将两种艺术表现形式相结合，现代装饰艺术和纯绘画艺术才能够具有主观和客观相融合的新的艺术特征。在现代的绘画的艺术中有许多的艺术表现手法、艺术的观念都与现代装饰艺术具有异曲同工之妙，比如康定斯基、毕加索、克列等艺术大师的作品，不仅在色彩、构图、观念、造型或者是个性的展示上都与现代的装饰艺术绘画的追求是完全切合的。因此现代的装饰艺术在观念的形成和绘画的语言的构建上与现代的绘画艺术所追求的一致，为改变装饰艺术的概念化和矫饰为目的。但是现代装饰艺术不是纯艺术表现形式，本论文所说的将装饰艺术与纯绘画艺术相结合是指着重关注绘画的语言与观念的变现，不断地对艺术的表现形式进行更新，在打破传统的基础上，对自身的表现形式和材料的运用进行艺术的创新。在对于现代的艺术形式进行借鉴的时候，要注意不能是单纯的借鉴，要在融合的基础上，创造出装饰艺术的新的发展的前景，从中提炼出现代装饰艺术不同于其他艺术的特点，这对于现代装饰艺术的下一步发展具有重要的意义。现代的装饰艺术与纯绘画艺术相结合后，会具有传统的绘画艺术的语言的夸张性，使新的现代装饰艺术具有典型的美，使其美的表达更具有感人性，在新的艺术形象形成的过程中，形成新的艺术个性和艺术生命。现代装饰艺术追求艺术的个性和艺术的多元性，在现代的观念不断的融入中，为其下一步的发展开拓了新的方向，也大大的丰富了现代装饰艺术的内涵，注入更多的艺术表现情感。在新的事物不断地替代者旧的事物的过程中，现代装饰艺术也在不断的向前发展，现代人类观念的进步使得传统的艺术形式变得苍白，变得跟不上时代的脚步，艺术语言的相融合，使得人类通过艺术表达内心情感的方式更为具体，同时也是的艺术作品具有更多的情感。在艺术的表现形式和绘画的语言的时候会发现，两种艺术的相融合使得新的艺术产生了新的观念、新的表现形式和新的思维，同时可以体会得到现代装饰艺术的新的艺术境界、美学思想和独特的艺术品位。现代装饰艺术处于现代生活之中，应该作为一种表现艺术出现，利用新的形式，超感觉的实践方式，创造出新的艺术表达方式。现代装饰艺术与绘画艺术不同，不能应该是作为对图案进行正规化处理的一种表现艺术，应该注重所要创造的艺术的内涵，注意物体本身的题材，自然而然的去表达其内心的观念。绘画语言和艺术所表达的真实的思想是通过内涵进行表达的，现代装饰艺术在表达自己的美学特征时是通过对于自身的美学的基础的重新审视，与传统的艺术进行比较而表达的。如果在艺术的创造过程中，单单利用纯绘画的表达方式对绘画进行图案化的构思，那么这个作品本身就缺乏情感，这种作品的内同容与其表现形式就会产生分离，就会成为完全的工艺化的艺术表现。关注艺术作品的绘画语言，是艺术作品的艺术风格的表现形式更加的积极向上，着重强调艺术家们的内心形式进行表达创造者的思想，并不是简单的在制作一个手工艺术品。现代装饰艺术的语言正在发生着变迁，这一变化正体现出了艺术的意义在现代的转化，现代的艺术的具体面貌是不尽相同的，但是这些艺术作品的艺术语言和艺术的表现形式却是一样的。比如表现主义和立体派等，利用抽象、变形和象征等新的色彩的组合和视觉的语言，创作出新的艺术作品打破了传统的绘画艺术的表达。现代装饰艺术的绘画方面的艺术语言也同时创造出了许多的艺术的规则，这些规则里不是再以传统的单一的现实为表现材料，而是以艺术自身的发展为审美的材料，以达到艺术形式的变革。现代装饰艺术在发展的过程中，不断地融合传统艺术中的语言特点，并与其他的艺术表现形式相融合。虽然现代的绘画艺术不再装饰艺术的表现范畴里，但是现代装饰艺术却能巧妙的与绘画艺术的语言和观念相结合，这是现代装饰艺术现代的一种新的发展的理念，这种发展方式即对于绘画艺术的语言进行了诠释，又能保持住装饰艺术的本身的实用性与艺术的观赏性。现代装饰艺术的语言与纯绘画艺术的语言的表达不同，这种艺术具有自身的特色，不同的装饰的语言形成了不同的装饰的美，与绘画艺术的语言相结合构建成一个新的现代艺术的观念，在与其他的艺术表现形式相结合，使其艺术作品更加具有表现力。
5.总结
当今的艺术得到了多元化的发展趋势，现代社会中更多的科学家们开始探讨新的艺术的生存的空间，现代装饰艺术以一种新的艺术表达形式，在现代艺术中诞生。从艺术表现形式的多元化到重建语言的表达，这对于我们队现代装饰艺术未来的发展提出了新的思考。重视现代装饰艺术与绘画艺术的表达形式的相结合，使我们的艺术表达形式在未来的发展中有更为广阔的空间。
【参考文献】
［1］徐秋花.关于深化收入分配制度改革的思考[J].求实,2011,(12):44-46.DOI．
［2］余莎莎.城乡统筹视野下的户籍管理制度改革———以成都为例[D].西华大学,2012.DOI．
［3］郑萍.统筹城乡,老有所养———关于加快推进新型农村社会养老保险的思考[J].决策与信息：下旬,2011,(9):286-288.DOI．
农民画是在中华民族传统文化传承以及发展的基础上，结合所处时代的特点，创作而成的民间绘画艺术作品。但是农民画也并非是刺绣、剪纸、布玩具等这样相对较为纯粹的民问艺术形式，而是一种“亚民间艺术”。它既不完全属于民问艺术的历史当中的传统性发展，更不能同化到现在主流的绘画领域当中。陕北作为中国传统文化的主要发祥地之一，其农民画艺术在我国农民画当中占有极其重要的地位。它是黄土高原的精神符号和文化现象，与陕北的地域文化有着密切的联系，而从起源来看，可以追溯到东汉的画像石艺术。
陕北农民画的历史渊源回顾
1.陕北户县农民画
陕北农民画源起二十世纪五十年代的户县，户县在当时仅仅是一个小小的县城，但却由于农民自发形成的绘画艺术，被人们誉为“中国现代农民绘画之乡”，它以其鲜明的艺术特色，成为了我国现代民问绘画当中重要的组成部分。户县作为陕北农民画的发源地，这个小县城尽管只有不到五十万人，但是其中普普通通的农民却都酷爱绘画，户县农民画不仅仅是整个陕北农民画的发源地，而且还引领了整个陕北地区农民画以及民问艺术的发展。
2.陕北安塞与榆林地区的农民画
安塞和榆林地区的农民画可以说是和整个陕北的地域文化有着密切的联系，同时也是在户县农民画的基础上发展起来的，是陕北农民画的典型代表。二者可以说既融合了陕北地区的农耕文化，又同时融合了塞外的游牧文化，在继承和发展了当地画像石艺术的基础上，表现出了粗狂豪迈的艺术特点，二者均以农民本真的绘画意识，着重表达了陕北人民的世界观、人生观和价值观。安塞和榆林地区的农民画主要表现的是改革开放以来我国新农村的精神风貌，是我国新农村文化建设当中的主要成果之一。
因此，陕北农民画可以说是在国家相关政策的扶持以及广大的陕北农民基于刺绣、剪纸、炕国画等艺术形式的基础上，形成的独特的黄土高原的画风。随着近年来全球的民问艺术的不断发展成熟，陕北农民画已经成为了我国独树一帜，影响较大的民间艺术形式，甚至以其独特的抽象、简练的绘画语言，获得了“东方毕加索”的称号。
陕北农民画的艺术价值特色透视
1.鲜明的人文情感
陕北农民画中自然而然的渗透着当地农民独特的人文特色和情感，特别是在其作为黄土高原的农民理解事物的独特的思维方式以及心理特点。陕北农民画以造型抽象而夸张、色彩强烈的画面，鲜明的展现了黄土高原上的农民对于世界当中各种事物的最为朴素和真实的情感。例如，在陕北农民画当中，常常可以看到许多“仿生型”的故事画作。此外，在诸多的绘画作品当中，都主要是以夸张的色彩、简练的风格以及抽象的表达来描绘陕北地区真实的自然风光、温馨的农家生活以及热烈的劳动场面。
因此，陕北农民画不仅体现了当地农民与自然的和谐相处，是人与自然进行密切交流的产物，而且更充分的体现了陕北农民鲜明的人文情感和精神。
2.独特的审美情趣
陕北作为中华民族的发源地之一，陕北农民画自然受到了黄土高原得天独厚的文化土壤的滋养，基于传统的手工工业生产的农民画，自然而然的就成为了陕北人民审美实践追求的结晶。大多数的陕北农民画家都生于斯，长于斯，他们对黄土高原的山问、沟壑都充满了独特的情感，而其思维方式也和整个农村紧紧的联系在一起。故而陕北农民画展现的是当地农民建设社会主义新农村的特有的精神风貌，具有非常强烈的艺术感染力以及生命气息。
因此，陕北农民画是集陕北的艺术、宗教、民俗、信仰以及科学在内的艺术表现形式，它具有民问文化鲜明的个性，饱含着丰富的文化内涵和强烈的人文情感，体现了陕北人民独特的审美情趣。
3.深厚的文化底蕴
陕北农民画是在继承与发展了东汉画像石艺术的审美意识，并在剪纸、刺绣、布玩具、炕围画等众多民问艺术形式基础上发展起来的新兴民间艺术形式。陕北农民画之所以能够成为我国的非物质文化遗产，就是得益于其和本土，特别是农村的社会历史以及不同的文化艺术结构的交融。从某种意义上讲，陕北农民画是在吸收了我国民间艺术的特有的思维方式，并在结合不同的传统民问美学的造型与表现手法的基础上，形成的一种新的，独特的绘画形式。
因为陕北农民画是建立在黄土高原的农村生活之上的，所以不仅充满了强烈的黄土高原特有的农村气息，而且是显示出了农民朴素而浪漫，活泼而又明快的绘画风格。此外，陕北农民画还是天真稚拙却又抽象难名的糅合，是浪漫主义和现实主义的有机结合。可以这样说，陕北农民画既源于生活，却又高于生活，既包含了对现实的描述，又带有农民朴实的主观意愿，充满了浓郁的东方特色，给人以无法忘怀的印象。
陕北农民画发展过程当中存在的问题解析
1.传承困境分析
改革开放以来，随着我国经济的发展以及结构性的转变，其影响也同样会不可避免的渗透到我国的民问艺术当中，而将我国的文化优势转变为商业的优势也同样成为了种必然的趋势。除此之外，随着互联网以及电子信息技术的不断发展，与其他的民问艺术形式相同，陕北农民画同样也面临着难以在继承的基础上进行创新的问题。
一方面，面临着如何实现农民画由家族、门户传承等个人继承向社会继承的转变问题；另一方面农民画还正面临着老艺人逐渐故去，其技艺濒临失传的问题。在全球化进程不断推进的过程当中，来自于西方的各种思潮正在对中国几千年来的民问艺术造成强烈的冲击。现在大部分年轻人也没有足够的耐心去真正的了解和感悟陕北农民画当中的精神实质，更有甚者，觉得这是种非常老土、俗气的东西，完全没有任何的兴趣去学习。
2.原创与复制之间的矛盾分析
随着中国实行市场经济以来，陕北农民画作为一种具有很高的商业价值的艺术品也被推向了市场，这对于陕北农民画而言本来是一件好事，会极大的刺激农民画作者的创作热情，推动农民画的发展。但是，却也导致了许多问题。
（1）之前许多以兴趣为目的的，最原始的、鲜活的、非功利性的绘画意识，逐渐转变为了以商品生产为目的的绘画意识。这样一来，纯粹的创作者悄然消失，而商业化的作品却激增，农民画的创新正在遭遇着前所未有的挑战。正所谓，创新是一个艺术种类的灵魂所在，陕北农民画如果没有创新，那么其后果将是不可想象的。
（2）许多陕北农民画家都是文化程度相对较低的农民，故而他们的法律意识淡薄。但在陕北农民画价值日益显现的情况下，这就给许多的不法商贩造成了可趁之机，他们肆意的模仿甚至复制市场上存在的农民画作品，并从中牟利。而对于许多农民画的老艺人而言，即使是知道了自己的画作在市场上存在着被模仿的现象，但也无能为力。
3.传承文化符号的丢失和产业链单一现象分析
陕北农民画之所以能够有今天的发展，与黄土高原独特的人文地域环境有着十分密切的联系，可以说当前陕北农民画的名声是由于其鲜明的风格，淳朴的意境。但是随着农民画逐渐商业化以来，这些独有的文化符号正在逐渐的丢失，可以想象如果这种让世人都为之赞叹的文化符号如果消逝，那么陕北农民画也会逐渐的走向末路。
实现陕北农民画活态传承的对策选项
1.加强陕北农民画的本真性创作理念
陕北农民画属于一种“亚民间艺术”，这种特性也决定了其既不能够完全的融入到传统的民间艺术样式当中，也不能变成当前主流的绘画语言，而应该保持其独有的本真性。对于加强农民画的本真性而言，最为重要的一点便是要利用本质来取代视觉，而要做到这一点，农民画的创作者就必须深入的去探寻传统民问艺术的本质所在，这样再结合现代的生活经验，从而实现种随性而发的绘画表达方式，这样的表达方式是没有功利的目的，没有强迫性的情绪的宣泄；是发自作者内心深处的，同时也是符合现实的。
因此，只有建立在对陕北风土人情的真正理解以及对传统的民问艺术的深刻把握的基础上，才能从根本上实现陕北农民画的本真性创作，才能引起人们的共鸣。
2.提升陕北农民画创作的精品意识
在这里提到的“精品意识”并不是指的画作的精巧，而应该从两个方面去理解。一方面是陕北农民画自身的精品性，而另一方面则是农民画作的品牌性。从前者来看，陕北农民画不但要能够表达出陕北本地的文化特色，而且还要能够反映整个陕北地区的传统的民间艺术形式。从后者而言，就是要能够在整个陕北农民画当中选出具有代表性的团队和艺术家，进而使得陕北农民画在更大的范围内造成影响。这样一来，不仅可以提升整个陕北农民画的水平，而且还可以促使其形成不同的派别，展现出更加丰富多彩的艺术表现形式。
3.完善陕北农民画的产业化体系
陕北农民画的产业化体系的建立，是当前整个陕北农民画面临的新的课题。在市场经济的大环境下，陕北农民画要想得到更大的发展，就必须纠正传统的观念，完善其产业化的发展体系。因此，首要的任务就是要进行平台的搭建和推广。而进行平台的搭建和推广，除了政府的大力支持以外，还需要由非官方的公司或协会等构建陕北农民画的品牌体系。如，对陕北农民画的周边进行开发，利用旅游业发展纪念品以及服装、纺织行业等等。这样的创新发展路径，对于陕北农民画而言，无疑是十分重要的。此外建立完善的农民画的贸易机制也是十分必要，除了常规的贸易形式，如收藏、拍卖等外，还有对与陕北农民画相关的网站进行设计和经营，利用淘宝等互联网的商店，拓宽农民画的经营渠道。与此同时，国际化的贸易平台的搭建也同样是必不可少的，要加快建立陕北农民画的双语交流贸易机制，通过国际以及国内市场的反应，深化陕北农民画的原创发展机制，进而对农民画的发展形成良性的刺激。
结语
陕北农民画作为我国的非物质文化遗产，其活态传承机制对于陕北以及我国的民问绘画都有着非常重要的作用。在市场经济条件下，只有对陕北农民画的创新发展进行深入的研究，使其不断适应社会的发展，甚至焕发出新的生机和活力而不至于被湮没在历史的大潮当中。
（作者单位：延安大学鲁迅艺术学院）
本文课题：
一、陕西省社会科学艺术项目（2015）年度课题“陕北农民画活态传承机制研究”研究成果，项目编号：2015sy077
关键词：民族；艺术形式；动画角色；造型；影响
在21世纪中期，国产动画曾在国际上享有“中国学派”的盛誉，提出了非常多的精致作品。这些作品在角色造型上并没有沿用迪士尼的风格，也没有应用日本的造型风格，而是展现出浓厚的中国特色和艺术风采。本文主要是分析在动画角色造型设计中应用民族艺术形式的方向，从而为我国未来动画事业的发展提供创新的平台。
一、突破模仿，创造独特的民族风格
中国动画正处于成长的初级阶段，依据最开始的模仿逐渐走上了民族化道路。从引用和借鉴中，逐渐获取了更多的工作经验和设计技巧，但若是在模仿中遗忘了自己，就会在发展的道路中出现阻碍。在1920年到1950年期间，美国动画是世界动画的领头军，迪士尼动画在全世界的动画事业中占据至关重要的地位，并且对其他国家的动画产生了很大的影响。中国动画在发展的初级阶段也受到了美国动画的影响，很多动画作品都存在模仿的痕迹。如，我国第一部动画片《大闹画室》不管是内容还是技巧上都是模仿美国的动画《墨水瓶力跳出来》。但是，在我国动画设计人员的坚持和努力创作中，于1956年“中国学派”的第一部代表作《骄傲的将军》完成了。其充分展现了中国京剧的特色，也证明了中国民族艺术形式在动画角色造型设计中应用的有效性，这对我国在国际动画市场中占据重要地位提供了有效的动力，更为后来中国民族风格动画的发展奠定了基础。在那之后，中国有提出了更多具备民族艺术形式的动画如《大闹天宫》就是一部非常具有代表意义的作品，在法国《世界报》中曾说道，《大闹天宫》不但具备如同美国迪士尼作品般的美感，还在造型艺术上突破了迪士尼的技术，其完善展现了中国传统的艺术风格。
二、传统文化艺术形式在中国动画角色造型设计中的应用
（一）京剧元素在动画角色造型中的应用
京剧是中国的四大国粹之一，其中色彩斑斓、变化无常的脸谱艺术得到了众多戏曲爱好者的喜爱，已经被群众认定为中国传统文化的标志。京剧脸谱中更为注重以形、神以及意等方面展现人物的特点，如忠奸善恶等，依据色彩展现角色的性格特点和身份，其中包含了黄色猛烈、白泽为奸、红色是忠勇、粉色是老年、绿色是侠士等用色的特点。京剧中的脸谱艺术、舞台动作等都是中国动画角色造型可以引用的内容。
（二）水墨画与动画角色造型的结合
中国水墨画发展至今已经有一千多年的历史了，其是中国传统意义上绘画的精髓，也是中国独具一格的艺术形式。水墨动画延续了水墨画的特色，笔墨奔放、场景优质、生动、灵活、擅长依据“写意”的形式让整体动画片更为吸引人。同时，水墨动画也展现了中国传统意义上的美学观点和民族艺术形式，在世界动画舞台中占据重要的地位。中国动画在设计中引用传统文化艺术形式的过程中，在结合实际创造特点和人们需求不断的创新，而水墨动画的出现，更为“中国学派”的动画带来了新的发展道路。
（三）剪纸艺术与动画角色造型的结合
剪纸自身具备一种独特的美感和艺术气息，其源自于民间，具备非常浓厚的文化内涵。在实际发展中，民间剪纸受到人们生活习惯、生产内容、历史政治、宗教等因素的影响，逐渐构成了自己的发展空间，并且展现了中国特殊的艺术特色和文化精神，也成为我国传递哲学、美学等内容的重要组成部分。剪纸艺术对于国外观众来说，是一项非常奇特、新颖的艺术形式。而在我国第一部剪纸动画《猪八戒吃西瓜》推广之后，就因为它自身具备的艺术特点在国外获取了多次奖项。
（四）年画元素在动画角色造型中的应用
年画也算是一种民间艺术形式，人们也只有在过年的过程中，就是腊月二十八用来装置物资、增加过年的氛围进行的一种民间绘画。年画的纹样大都展现了人们对新的一年的期望，如风调雨顺、平平安安、健康、家财万贯、避祸躲灾等都是绘画的内容。年画的素材、纹样和颜色都使中国传统文化形式的展现内容。贴年画是中国独特的传统文化习俗。在早期，我国就存在神话色彩的动画作品的角色造型，其中有很多都是依据年画的造型设计出来的，如《大闹天宫》中的孙悟空和《哪吒闹海》中的哪吒等都是神话故事中的人物，也展现了人们的一些期望。
三、中国动画角色造型设计的未来发展方向
随着社会经济的不断发展，科技技术的不断创新，群众的人生观、价值观以及世界观也出现了改变。面对现阶段越来越多形式的动画角色造型的设计，中国角色造型直接引用中国传统文化艺术形式会变得过于单一，没有吸引力，这与现代化人们的发展理念存在一定的差异性。但是这并不表示民族化的理念是错误的、不满足时展需求的。例如，水墨动画创造出的环境优美是其他形式难以媲美的，其依旧符合现代化人们发展的观念。同时，美国在设计动画形象的过程中，也在引用中国元素和民族艺术形式如《花木兰》和《功夫熊猫》在推广中就获取了成功，不但在中国获取了大批观众，也在国际市场中获取了非常多的观众。这些都表明中国传统艺术形式中包含了非常多的潜力。由此，并不是传统民族文化过于老套，而是我们缺少对传统民族艺术形式的创新和了解。在《功夫熊猫》中，美国人可以将中国的两大元素结合到一起，就是熊猫和武术，可见美国在创新自身动画的过程中，也在深入分析中国的元素，并且积极从中获取更多的题材，那么我们就更没有放弃的理由。
四、结语
总而言之，一个民族艺术形式对现实生活中的生活形式、言行举止、审美理念等都会产生一定的影响，并且，民族艺术形式也要人们发扬和优化才能长时间的推广。在动画造型创造中可以引用的民族艺术形式非常多，那些都是人们一直传承和学习的民族精神文化，也展现了传统意义上人们的生活形式，而在动画角色造型中应用，不但可以加速艺术形式的传承，还可以让人们更为深刻的了解民族艺术形式。
参考文献：
[1]陈琳.唐三彩艺术形式下的动画角色设计研究[J].广西师范大学，2015.
[2]杨慧.戏曲元素对动画角色民族化的影响[J].山东大学，2012.
一、装饰绘画的造型特征
装饰绘画中的造型来源于生活，选择的题材多样化，造型的手法与尺度也没有固定的模式，装饰绘画的造型特征一般讲究规律美、秩序美、平面美、空间美以及结构美。它是在一种可视的形象中讲究秩序、规律，以产生视觉上的韵律感、节奏感，给人以赏心悦目的自然美，它如律诗中韵脚、平仄、对仗所构成的音乐般的和谐美；但是在归纳新的艺术造型过程中也要讲究艺术秩序，在造型上体现平面化，这不仅为了更好地表现对象的手段，选取富有形象特征的角度去造型，而是通过平视的造型方式，抓住外轮廓线所形成的剪影，从而形成具有现代气息的装饰艺术形态。另外考虑到装饰绘画造型的整体性，艺术家在创作时也要体现空间美和结构美，其艺术形象是有形无象的抽象形也是自然形象的结构美。总而言之，装饰绘画的造型特征形式法则是灵活多样的，只有艺术家在创作过程中因创作意图和创作手法的不同而各有差异，不能一概而论。
二、装饰绘画的构图特征
在《辞海》中，谈到“构图”是艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。而装饰绘画的构图形式具有多样性，总体上来讲也是要遵循这一大原则，也可根据艺术家创作的不同的主题和题材来选择不同的构图形式，既可采用自由、多样的构图方式，也可以利用一些传统艺术形式中的构图方式，同时也可以借鉴其他艺术中优秀的构图法则，以求更贴近画面，并抒发作者内心的情感。而这种构图的方式也是对画面形象和结构的全面经营和探索。
装饰绘画与写实性绘画的构图在创作上有很大区别。写实性绘画多考虑透视学的知识，运用的是表现三度空间的焦点透视理论。但装饰绘画在构图上则不拘泥于固定的视点，一般是将内容、形象、表现形式组织在一个整体里进行设计，既可以采用平视体构图，也可以采用综合体构图，在创作构图上显得灵活、多样，并具有诗情画意的视觉感受和装饰性，比如张择端的传统的中国画作品《清明上河图》就是采用了这种平视体构图，把很多事和物表现出来，形态分明，具有韵味；而克里姆特的作品《阿德勒?布罗赫―鲍尔夫人》则是采用综合体构图，这种构图方式可以增加画面的丰富性，有很强的灵活性，装饰意味浓厚。
三、装饰绘画的色彩特征
色彩是装饰绘画艺术的一种重要表现语言。它具有强烈的主观表现性特征，浪漫而具有象征性，它有别于写实性绘画的色彩，有其独特的形式美感，它是在写实性色彩的基础上更进一步自由运用色彩的表现，它可以不依赖光源和自然物体的色彩关系，而是强化艺术家的个人感受，突出画面整体效果的表现，装饰色彩强调色彩调子和画面的整体协调关系，创作过程中可以根据个人主观感受去尽情表现，它不受客观对象的固有色彩限制，但在色彩的运用上也并非任意性，而是在创作中进行提炼、概括、夸张等。
色彩，犹如人的生命的血肉之躯。在一幅艺术作品里，色彩如同燃烧的生命之火焕发出夺目的光华，产生摄人心魄的艺术魅力。装饰绘画的色彩既可以表达个人的感情，不同的人由于性格、经历、情绪甚至所处的环境、时间的不同，对客观事物产生不同看法，对色彩的情感和感受也不同。如“野兽派”大师马蒂斯创作的作品《舞蹈》，在色彩运用上是为了体现慰藉心灵和视觉的愉悦，它摒弃了西方传统色彩表面的模拟性和科学性的同时，把东方装饰色彩的“单纯性”和“愉悦性”引入自身情感色彩的表现之中，色彩运用有强烈的装饰性效果，整幅作品有强烈的视觉冲击力。又比如大家所熟悉的后期印象派大师梵高的作品《向日葵》，就是他对向日葵具有特殊的感情，向日葵正好作为他人格的象征，《向日葵》整幅作品造型趋于一种平面结构，单纯饱满有序而庄严肃穆，而且是装饰意味浓的艺术作品，整幅作品的装饰性色彩运用都已经融入他对事物的理解和独特的感情。
四、装饰绘画的材料特征
装饰绘画的材料特征明显，它不同于国画或者油画画种材料使用单一，装饰绘画材料运用相当广泛，既可利用各种材料的形状、色彩、肌理等自然特征，充分发挥材质的美。一般来说装饰绘画在材料上使用卡纸、宣纸、水彩纸、绢、布等，在颜料上可用油画、国画、丙烯、水彩、水粉、色粉等材料，在其他工艺制作方面，可用漆画材料、陶质材料、金属材料、玻璃、木材、纤维、铁丝网、碎木片、三合板、沙子、蛋壳石、铝合金等日常生活的常见物品，这些材料都打破装饰绘画原有的界限，而且每一种材料都有其自身的肌理效果，不同材料产生不同的材质美感，不同材质组合运用，产生不同的装饰效果。尤其现在很多艺术家在创作装饰绘画作品时也多采用多种形式的综合材料进行创作，很多原先意想不到的材料都可作为装饰绘画的制作材料，从而创作出好的艺术作品。
【关键词】人体艺术；西方艺术；主体意识；绘画表现
无论时代如何发展，人体艺术始终是绘画中不可或缺的一部分。从远古时期在墙壁留下的石刻和图像，一直到在面对模特或图片的写生创作的人体艺术。在这漫长的岁月中，无数艺术家对于人体艺术的研究都在厚厚的史书上留下璀璨的一笔。本文探究西方美术史上极具代表性的一些人体艺术，以及探讨在人体艺术于我国现代以及当代艺术家的发展和突破。
一、人体艺术概述
人体艺术表现人类伟大的生命活力，启发与酝酿了无尽的想象空间和创造，使肉体美和精神美和谐地融为一体。“美”是一个关键的启示。①人体艺术是主观意识和审美意识二者结合的产物。我们研究别人的艺术作品从而获得自己的审美感受，最终当自己创作人体艺术作品时，就会在脑海中浮现之前获得感受和新的理解，并且相应地根据实际的审美感受做出合理调整，与此同时蕴含新的理念的艺术品就诞生了。所以，接下来本文研究两个方面，一方面是艺术家实际对于所做绘画的表现技术分析。另一方面是绘画作品中艺术家真实的情感赋予研究。
二、现代绘画创作中的表现形式
（一）莫迪里阿尼的裸女人体艺术
莫迪里阿尼出生于19世纪，他一生的绘画作品都以“人”为主要题材，涵盖了肖像创作和人体创作。他与现代艺术有着密切的联系，尤其是他的绘画风格突破了时空的限制，打破了当时的绘画风格的制约。对于他的人体绘画主要可以总结为以下几个特点；第一，造型具有古怪奇异的特点。他的大多数作品人体的比例奇特，面部和脖颈以及四肢都变相地拉长，肢体动作就是一些普通生活的自由摆放。比如说，《持扇女子》《围红围巾的安妮》《穿黄衣服的安妮》《坐着的裸女》等等。第二，沉着的色彩表现。他的色彩单纯而不失品味，他的好多颜色是画家独具特色的调和，整幅画面没有过多的色彩冗杂，表现出来的是一种令人忧郁的意味，比如《卧躺在沙发上的裸女》《坐着的珍妮》等。第三，富有弹跳力的线条。与以往的写实绘画不同，莫迪里阿尼的人体绘画是一种大胆的细线勾勒，并且是平面倾向的描线框廓，这种技法的最根本的效果就是高级。
（二）新写实主义的人体艺术家菲利普·珀尔斯坦
20世纪初的美国，经济开始走向大萧条，在这个时间段，当代新写实主义的艺术家菲利普·珀尔斯坦诞生了。受到当时的政治背景影响，艺术家大多与资本主义接轨，服务于经济和政治。菲利普·珀尔斯坦的艺术风格受到传统写实主义、波普艺术和抽象主义的多方面影响，实现了现象和抽象的结合。首先，在构图上，突破了传统的矩形式构图的束缚，采用剪切式构图。例如《梯上的裸女》中就是截取了人体的一部分，留下画家想要表现的一部分。这种截取方式会使整个画具有无限延伸的空间感。其次，在造型表现上，菲利普表现得的是另一种另类的美。之前的艺术家所绘画的人体一般是饱满的积极向上的，而菲利普所呈现的则是相反的冷漠凄凉悲痛的感觉，这大概就是艺术家对于生活的真实写照。最后，在色彩搭配上呈现的则是高级灰。一般对于人体的颜色搭配上，要么就是素描式的颜色处理，要么就是五彩斑斓的情绪式搭配，而菲利普的颜色打破了常规，他以临近的高级灰处理人体的肌肉起伏和造型变化，让他原本剪切式的绘画作品上升到更高层次。
（三）常玉丰满张扬的女性人体
20世纪初的中国，艺术家不断探索着西方的绘画艺术，并且与国内艺术相融合，取其精华去其糟粕。常玉早期研究西方艺术，但巨大落差使他迷茫，不断在传统文化和新奇思想的双重影响下徘徊。最后，他顶住压力开辟属于自己的新的艺术表现形式。常玉将传统的西方媒介材料表达“中国式”的美学精神。对于人体艺术绘画，常玉一直致力于女性人体艺术的研究。在女性题材中，常玉的画面给人以梦幻式的理想自由感。一方面，他结合了莫迪里阿尼的艺术特点，比如画面的平面现代性、勾勒式的线条以及纯粹的色彩平涂运用于他的女性的绘画。另一方面，艺术家常玉最具有创新的就是用油画表现本土的内容和情感表达。当欣赏《粉红裸女》《碎花布上的粉红裸女》等常玉的作品，给人的感觉是朦胧感和神秘感。《西方美术简史》中将常玉女性人体艺术主要分为粉色时期和黑色时期这两大研究历程，二者差异只在于历史背景对于画家的思想情绪的影响。相对于西方的人体艺术绘画，常玉的更具有中国画的飘飘渺渺然。这对于国内现代人体绘画具有破浪式的价值。
（四）潘玉良解脱式的人体艺术
潘玉良作为20世纪初的女性艺术家，她的艺术风格早中期都是受到西方艺术的影响。她的《镜中裸女》《女人体》更像是原始非洲艺术，而后的《照镜》更具有日本浮世绘的风格特点，她的《春之歌》基本上就是中国式的马蒂斯《舞蹈》。潘玉良给中国传统的人体认知感增加外来的创新，使人们更加接受人体艺术形式，鼓励女性的自我解放和发展。
三、现代绘画创作中的人体艺术表现意蕴
（一）克里姆特人体作品的形象的寓意性与符号装饰性
在绘画领域中，克里姆特追求的是抽象意味和重构性质的艺术风格。他是奥地利维也纳分离派的代表性人物，同时他的人体艺术风格是一种装饰性艺术，一方面，克里姆特的艺术风格摆脱了传统的再现客观现实。而是属于主观自我表现点线面色彩等具有特殊价值的符号。另一方面，克里姆特的人体绘画中蕴含着死亡与性的象征意味，这与画家所处的时代背景有密切的关系。克里姆特的人体艺术绘画作品主要以爱情、悲剧和生死为主，他深受弗洛伊德和尼采的人体理论的影响，绘画作品上所要表现的是画家对于人的繁殖、爱情以及死亡的深刻理解，这就在画面上表现的就是具有一定抽象概念的绘画要素的象征表达。相对于同时期的传统绘画。克里姆特的人体艺术还具有平面装饰感，其次还有整体概括性的轮廓线以及神秘气息的特殊符号堆积，这都让人体艺术绘画超脱了时代的思想限制，具有现代绘画的创新和突破。
（二）达利手工制造的梦境艺术
与20世纪初的众多艺术家不同，达利的艺术形式更像是具有现代气息的神秘壁纸。仔细研究他的一些人体绘画作品，他更倾向于原始模样的拉扯变形以及迷幻的色彩运用，这就很容易让欣赏他的作品的人感觉到新颖和创新。达利的人体艺术绘画代表作品是《丽达》，这幅画的绘画特点主要有平面的色彩表现和无逻辑的构图，不过画面主要的女性呈现的则是宁静的美好，他许多作品内容是荒诞的梦与理想的现实的叠加的突出表现。达利的绘画给人的是画家想要表达的情感和思绪，而不是具体的绘画内容，这是现代绘画与传统绘画最大的区别。欣赏者会被画家带入他的精神世界，或者达利的互相矛盾的艺术理念中。
（三）夏加尔的人体自由文学
夏加尔是自由的人体文学大师。他的作品风格融合众多艺术，比若说野兽派的变形与强烈的色彩、立体派的几何画面形式、表现派的激情、达达派削弱理性因素以及超现实主义的梦幻。他的艺术风格是建立于与众多艺术形式上的超写实，这也就让达利成为现代绘画史上的伟人。他的艺术作品充斥着天真和魔幻的气息，以独具个人的形式表达对于情感和理想中的景象的象征意味和情感抒发。他的代表作《生日》就是以一种人像飘浮于空中，并且将人体结构的扭曲变形，但总体上是以纯净和谐的色调呈现宁静美好。《大红裸女》的感觉是大胆扭曲的行为艺术和鲜艳热烈的奔放色彩。《在维台普斯克上空的裸女》则表现的就是毫无逻辑的空间安排以及纯净的色彩安排。达利的许多作品都有其现代绘画的特点，给予封闭的艺术理念猛烈的抨击。
（四）毕加索的“人体形式实验”
毕加索作为“立体主义”的伟大先驱，为20世纪的现代艺术提供了重要的理念支持和启示。他的绘画作品在发展高峰期进行了对于形体的重构，并且否定了一个视点的观察和表现，所以在毕加索的画面能够看到其他视角的内容。毕加索的画没有缤纷的色彩，更没有特殊的形式构图，他最主要的就是块面的重新组合以及高度概括的客观事物抽象化。《亚威农少女》是毕加索典型的人体艺术作品，也是毕加索立体主义的开篇之作。整幅画通过扭曲的空间和裸女，以及几何形体的构成烘托出画家心中的理想美，画家完全摆脱传统的透视规则，形成了和学院派相反的全新的艺术美。
（五）原始情趣的再现人体——米罗
米罗是和毕加索、达利齐名的20世纪超现实主义绘画的绘画大师。他的绘画是把儿童艺术、原始艺术和风俗艺术等融为一体的全新的艺术形式。欣赏他的绘画作品，能够让人感觉到自由的气息。米罗的绘画没有具体地再现事物，也没有传统的透视、构图和色彩的美术逻辑，他采用的是一些线条，一些类似儿童涂鸦的形状或符号构成理想的抒情艺术世界。米罗的人体艺术代表作《站着的裸女》，这幅画色彩奇异，构图新颖，画的具体内容仅仅只能看到女性人的外部轮廓，基本上在看到这幅画的时候，都有一种云里雾里的朦胧感，这也是米罗艺术形式的特殊感觉，米罗的画总是在迷蒙中透露着纯真质朴和和谐美，也正是这种平静的形式给予聒噪的世界全新的艺术美。
四、现代绘画人体艺术的总结
就近展史来说，西方绘画在二战后发生了翻天覆地的变化，这时期的人们思想由于战变得更加开阔，观念变得更加新颖。在现代绘画领域中，各艺术流派在人体艺术风格鲜明且独具特色。一直到现代人体艺术，以往的人体始终是较为封闭的发展，无法突破客观实际的表现与主观思考之间的界限。新时代中表现人体艺术美的形式多姿多彩。一方面在表现上突破了原始的绘画材料限制和绘画技法捆绑，让更多艺术家有多种形式来表现。另一方面，艺术家现在所处的时代相对于以往没有显著突出的时代影响，画家在进行艺术创作时可以不被政治经济等外界因素影响，他们可以无忧无虑地表现心中之美、人体之美。画家作品所要表达的就是单纯的“美”。
五、结语
关键词：画种界定后现代性技术 数码画技术
就本体而言，任何一个画种都包括技术和艺术两个方面，所谓数码画艺术就是一门借助于数码技术手段进行绘画创作的艺术。然而与数码画相关的技术到底有哪些，传统绘画的技术、机械复制的动画技术与数码画的技术关系如何?目前理论界尚没有做出明确和系统的回答，对于这一问题的回答直接关系到什么是数码画以及数码画所涵盖的艺术类型究竟有哪些。本文重点从后现代性技术视野下对数码画的技术展开阐述。
一、后现代性技术与数码画的技术限定
界定数码画首先要对数码画艺术中的技术因素进行界定，这一技术有别于传统绘画的前现代技术，机械复制的现代技术，我们把它定位在后现代性技术。在西方的艺术史长河中，技术因素是直到现代社会才充分重视起来的。
在现代之前，由于生产力落后，和艺术相关的技术发展水平也一直比较低，所以在思想家的眼中艺术的本质更多地是和历史、理念、精神、信仰等因素结合在一起。而人类进人现代社会以后，飞速发展的科学技术对艺术产生了重大影响，艺术品从制作、传播到接受都发生了本质变化。
技术，尤其是现代科学技术能从形式和内容两个方面对艺术产生巨大影响，关于此，德国思想家瓦尔特.本雅明的理论尤其值得重视，哈佛大学的学者林赛·沃特斯这样概括本雅明的理论:“艺术作品中没有一个突然出现并能够解决一切难题的艺术创造者;相反，那儿却有一个机器，它与人一起创造了如电影和摇滚乐等一些思想高超的人宁愿其流产的艺术形式。这其中，隐含的话语是有一种技术(那是代表机器的技术)参与了艺术品的创作，由此可以看出，艺术中的技术自此分为两个层次，一是以人的“肉体”为基础的“技艺”，即艺术家制作艺术品的技能二是以机器为基础的“技术系统”，前者是主体所具备的技能技巧，后者是指人类社会发明的机器所构成的系统，这个系统可以帮助人们扩张自己的技能技巧，它是独立于艺术品和艺术家的技术体系。后者是在前者的基础上被发展起来的(其发展的动力就是科技进步)。或者说被“科学化”的技艺构成了数码画的技术系统。应该说，数码画技术的这两种含义是统一的，因为技术系统的功能应该是人类自身技艺的延续和拓展，就像麦克卢汉所说的，技术是人的延伸，人是技术的主人。因此在技术现代性的背景下，数码画的技术已非传统绘画的“肉体技艺”，而是包含了“机器的技术系统”。该系统包含了现代的机械复制技术系统以及后现代的数字仿真技术系统，本文论述的重点不是前现代的“肉体技艺”，也不是现代的机械复制技术而是与数码画相关后现代的计算机的技术，它涉及到数码画的创作、传播与接受环节。这些技术主要分为三大类，一是数码画的制作(生产)技术，包括类传统绘画技术(非真实渲染静态作品的技术)、三维技术、动画技术等二是数码画的传播技术(网络等技术);三是数码画的接受技术(多媒体互动技术等)。
生产数码画的技术，数码画技术的核心是其创作(制作、生产)技术，即数码画的创作者在创作数码画时使用的技术，它能够直接造成数码画的独特艺术形式及类型。它实际上包含了接受环节与大众互动的技术以及在创作环节与其他画家或大众互动的技术，在创作数码画的时候同样也要考虑到数码画的传播环节与接受环节对数码画创作技术上的限制。
1.非真实渲染静态作品的技术
计算机科学的迅速发展对人类的艺术活动产生了广泛而深刻的影响，提出了许多新的命题和挑战。在视觉艺术领域数字艺术迅速成长和壮大，渐渐成为主流的艺术形态。数字艺术以崭新的理念和多样的形式向我们展示了它的迷人魅力，但是我们也惊奇地发现，在数字图形图像的研究和表现领域还存在着一种以模拟传统绘画风格为目标的技术和艺术，它在满足艺术应用领域需要的同时，也体现了人们对传统艺术的留恋之情。对传统绘画的数字仿真，专业名称叫“非真实渲染”，又叫“非照片真实感绘制”，顾名思义，是“指利用计算机生成不具有照片般真实感，而具有传统手绘风格的图形的技术。非真实渲染以模拟传统绘画效果作为自己的目标，很自然的我们就会想将它与传统艺术进行比较，非真实渲染和传统手绘都是在二维平面上以点、线、面等造型元素构成的一种艺术形式，因而所呈现出来的视觉特征总体来说是一致的，而且，非真实渲染就是把模拟传统手绘的效果作为自己的根本任务，传统绘画的艺术效果正是非真实渲染技术所孜孜以求的。
2.基于三维建模的模拟绘画技术
传统绘画中由于透视规律的发现大师们创作出了在二维平面中描绘深度空间的杰出作品，数码画中的三维技术则虚拟性的统摄下创造了类似雕塑圆雕的全方位的空间效果，就是说我们可以从任何一个角度欣赏数码画，这进一步拓展了绘画表现的空间，三维技术是数码画的一项主要专业技术，应用三维软件建模后再导入绘画软件，可以在三维的空间中实现模拟绘画的效果，或者在三维软件建模后直接渲染出绘画效果，目前在创建的三维模型上可以渲染出国画等画种的效果，至于渲染的其他更多更好的绘画效果有待于软件师和画家们的共同努力。
3.计算机动画技术
计算机动画技术是指使画面由单纯的静止状态流动起来的的技术，包括二维、三维技术，一般来说，按电脑软件在动画制作中的分类，电脑动画有电脑辅助动画和造型动画两种。电脑辅助动画属于二维动画，造型动画属于三维动画。电脑动画的产生大致有这样几个程序:(1)关键帧(原画)的产生;(2)中间画的生成;(3)分层制作合成;(4)着色;(5)预演。传统的数字动画就是静图的连续播放，而新的动画技术允许通过各种特殊的插值技术产生动画系列，Flash动画甚至允许用户互动，动画给数码画带来了新的有别于传统绘画的面貌，数码画不仅需要动，而且动的技术是数码画的核心技术之一。
关键词：数码绘画；传统油画；现代科技；数字化
中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）06-0043-01
在21世纪的中国，我们处在一个被数码包围的时代；我们处在工业化复制品包围的时代；我们处在手工精神尽失读图的时代。当代艺术更多的是涉及到艺术的社会性，无论是形式语言、主题内涵、还是审美功能与理念，都呈现出一种多元的、折衷的、融合的和混杂的局面。
计算机图形技术和图形图像软件的发展不仅为电脑绘画注入了新的活力，同时也使数字化得以介入传统绘画的创作。如今，艺术家们已能通过数字手段生动逼真地实现各种传统绘画的艺术效果，尽管数字化的传统绘画创作与真正意义上的传统绘画作品有着相似的视觉效果，但作为数字模拟的产物，它们仍在绘画的创意思维方式、创作手法以及传播形式等诸多方面与传统绘画有着本质的区别与特征。
一、传统绘画之油画
油画不像音乐那么抽象，也不像文学那么具有阐述意义，更不像电影那么具象。她是人类视觉反映的单纯感受。
首先是要了解油画的发展及其重要性，其次通过练习到正式上布创作，以此来提高油画技术含量并加以运用色彩学的基本理论，提升艺术感染力。传统绘画结合数码这一特殊的现代表现形式，将图片与现代化的工具相结合起来处理，并在电脑上进行不断地尝试，不断地更新，不断地造型，甚至进行各种想象的创作。至此之后，才开始运用到油画布上。可以直接上画布，也可以方便地用喷绘的手段上画布，以至于让数码绘画构成了一种新型的绘画形式，同时掌握好数码这一现代化工具对传统油画的帮助与改造，展现出斑斓绚丽的世界。
二、数码绘画的发展与崛起
随着计算机图形技术的发展，作为绘画工具的电脑逐渐绽放出新的生命力，为电脑绘画提供了不可或缺的硬件、软件支持。
数码绘画，对于生活在现代的人们来说，实际上并不是什么新鲜事物，早在二十世纪八十年代初，一些发达国家就开始应用，而且发展迅速，九十年代中期传入我国，现已经广泛地应用于各个领域。
传统绘画被称作是“贵族式”的绘画，因为绘制一幅油画或是一幅国画，往往需要大量的时间和精力，数码绘画不仅可以在短时间内完成，还可以在一眨眼的功夫里复制。相对来说传统绘画的价格要比数码作品高很多，但是无法实现数码作品大量传播的功能，所以传统绘画是被极少数人所拥有的贵族式享受，数码绘画是大多数人所拥有的“大众式”艺术，更强调的是艺术的实用价值。
对于数码绘画，社会上存在着一些趋于肤浅的看法，主要有两方面误区。一是万能说，认为电脑的模仿能力是万能的，可以完全模仿传统绘画然后取而代之。电脑万能说是对现代科技的崇拜和夸张，没有认识到数码科技的局限性，以模仿的技术代替艺术的原创可以说是非常幼稚的认识。二是认为数码绘画与传统绘画的区别只是简单工具的不同而已，现在的数码绘画其实还是和传统绘画一样没有什么大的改变。而现代科技对于传统绘画只是起到影响的作用，很明显是没有意识到现代科技的关键作用，甚至是主导作用。
无论哪一种观点都是片面的，都企图掩盖另一方的重要作用。这种观点无疑将会阻碍数码绘画的健康发展。传统绘画与现代科技的结合所产生的数码绘画，绝对不能忽略其中任一方的关键作用，他们的结合不是简单的二者的相加而已，所产生的新艺术形式拥有不可比拟的优势。作为传统绘画与现代科技互相借鉴、吸收，融合的产物――数码绘画，一种顺应数字时代的潮流和要求而产生的新型绘画艺术，它拥有新事物的新生命力。时代给予了它广阔的发展前景，传统绘画在与数字技术结合后形成了自身独特的艺术语言，也开拓了广泛的欣赏群体，与此同时也拓新了更多更广阔的应用领域。而这一些数码绘画的特点正好与这一日趋发展的时代需求接轨。
随着数字化时代的到来，越来越多的艺术家将关注的目光投向了数码绘画领域，通过数字化手段模拟，创作出一幅幅生动传神的绘画作品。传统绘画与数码绘画仍是两种截然不同的艺术形式，传统绘画的数字化创作是一种非传统的绘画表现形式，为传统绘画的表现提供了新工具和新方法，它的数字化特征为传统画提供了全新的思维方式、创作工具和创作手法，也使绘画作品的传播力度具有得天独厚的优势。充分发挥数字化创作所独有的艺术魅力，使数码绘画作品绽放出与众不同的生命力。
一. 小游戏（一）
1.请用你的脸部表情夸张地表演以下形容词
眉开眼笑 怒目而视热泪盈眶愁眉不展
2.请同学上黑板画出喜、怒、哀、乐表情
师小结：同学们表演的喜怒哀乐非常形象，我们一起来欣赏一下这些表情。（视频播放各种各样的脸）
二．小游戏（二）
师：我们继续做游戏，考眼力：比比谁能发现与众不同的奇特的脸。
师：谁发现了？
师：它是一个漫画形象，夸张了人物的牙齿，增加了趣味性。
师：这节课我们就来学习《一张奇特的脸》
三．欣赏中外作品
1．《少女的脸》
师:我们一起欣赏艺术大师毕加索所画的《少女的脸》
师：人们认为脸是对称的，而在画家毕加索笔下则把少女的脸不同角度都表现出来了，可见他是一个想像高手。他线条用的非常好，整个人物画的特别美，人的神态特征描绘的淋漓尽致。
2．埃及法老面具
埃及的法老就相当于中国古代的国王，法老是古埃及的最高统治者，法老自称是太阳神阿蒙之子，是神在地上的人和化身，令臣民将其当作神一样来崇拜。
埃及法老面具图案化的线条以及人物的面部表情的刻画显示了法老的威严，冷暖对比色的运用显示了人物的高贵典雅。
3．三星堆青铜面具
在三星堆遗址，出土了许多青铜人面具，三星堆青铜面是最具有特色和精神文化内涵的文物，它是出土最早规模最大的面具之一。这件面具最奇特的是:双眼呈柱状外凸达16厘米，被人们俗称为"千里眼、顺风耳"。这样的造型在全世界都是独一无二的。它古朴怪异的艺术造型，给人们带来了艺术的震撼及神秘感。
4．京剧脸谱
京剧脸谱，是一种具有中国文化特色的特殊化妆方法。这种脸部化妆主要用于净（花脸）和丑（小丑）。京剧脸谱以“象征性”和“夸张性”著称。它通过运用夸张和变形的图形来展示角色的性格特征。脸谱鲜艳的色彩一定的内容和含义，它是表现人物性格的主要因素，因而，脸谱被誉为角色“心灵的画面”。
5.师小结：奇特的脸的奇特之处
脸型变形五官夸张表情丰富色彩鲜艳
四．下面我们一起看制作方法
播放视频，轻黏土制作奇特的脸。
五．欣赏同学们的作品
除了可以用轻黏土制作还可以用绘画的艺术形式表现奇特的脸。
六．创作
现在就请你制作或者绘画一张造型奇特的脸吧
注意：
1、运用夸张和变形的表现手法，制作或者绘画一张奇特的脸。
2、色彩要丰富、多变。
七．展评
将同学制作或者绘画的作品粘贴到黑板上。生自评，互评，师评。
八．拓展
同学们，我们除了用轻黏土制作和绘画的艺术形式表现奇特的脸，还可以用水粉，砂纸画，刮腊画等艺术形式表现奇特的脸。
关键词：数码艺术；传统绘画；美术
1 二者融合
从国家的发展来看，一个国家若要获得长久发展，必须做到继承以前的优良传统，吸收原有的与国外的精华部分，使当前国家的发展和现有社会元素相融合。艺术的发展和此类似，不管任何艺术形式，它的发展过程不可能一帆风顺，肯定要遇到许多困难和坎坷，也一定存在自身的发展优势，它的发展一定会吸取有关学科的优点，弥补自身的缺点。数码艺术形式的出现，冲击了我们思想当中传统的绘画观念，但我们应充分认识到传统绘画以其顽强的生命力必定与数码艺术同时存在，我们既要继承传统的绘画艺术，追求中华民族的特殊韵味，也要接受数码艺术这种新兴事物，数码艺术是时展的产物，主要能够体现当代人的艺术追求，对二者认识的最佳形式就是使它们融合在一起，相互取长补短。我国传统绘画历经千百年的锤炼，各种绘画技巧与手法均已达到炉火纯青的地步，假如数码设计能把这些饱含中华民族韵味的元素应用到自身当中，一定能够使得数码艺术获得空前发展。
经过许多年的发展实践，能够得出，我国传统绘画与数码艺术若想获得发展，必须要相互学习和互相融合。勿庸置疑，现在发展水平的数码艺术，若想取得突破性进展与发展的活力，必须重新建构对传统绘画的理解，吸收其精华部分为已所用，这样才能最大程度提高作品的质量；传统绘画历经数百年的变迁，其本身的绘画技术已为人们所熟知，也需要吸取其他画派的精要部分，更新自身技术，而数码艺术的创作语言为传统绘画开拓了一个崭新的领域，找到了有利于自身发展捷径，力求突破本身技艺的局限性。由上能够发现，寻求多种方法使传统绘画和数码艺术充分融合，才能使二者共同发展，这是当前我们的主要任务。
2 共同发展
第一，创新应用数码艺术。随着科学技术的迅猛发展，计算机技术已得到广泛推广，深入千家万户，发展至今，计算机技术已趋于稳定，能有力促进数码艺术的发展，数码艺术存在的缺点是画面较呆板，不易使人接受，这种现象要求数码技术必须寻找发展契机，大胆创新，充分发挥自身现有的优势，如表现形式多样、多种渠道传播等，把传统绘画与数码艺术充分融合，使自己的思维超脱两者的局限性，不计得失，把自己的意图尽情展现在画面上，如果作者能够达到这种境界，足以说明传统绘画与数码艺术在创作思想上已经全面融合，例如作者把自己的创作意图运用数码艺术在计算机中创作作品，运用特殊打印设施，这样制作出的作品笔法、色彩形象生动，山石树木错落有致，使人如临其境，如同国画大师亲手绘制一般。如能达到上述创作效果，不但能使作者的创作速度大大加快，与此同时，人们对作品的赞誉也能有效推动数码艺术的发展。
第二，在传统绘画中渗透数码艺术。和数码艺术相比较，传统绘画能够使人在欣赏作品时产生共鸣，能从画中找到作者的创作主题，并能体验当时作者的思想，这些元素都是数码艺术所不具备的。所以，在数码艺术迅速发展的同时，传统绘画也应寻求发展时机，如前面提到的，传统绘画的创作手法历经千百年，已为人们所熟知，而数码艺术为传统绘画在表现形式上开拓了广阔的领域，使传统绘画更具发展空间，能够令传统绘画获得多渠道发展。现在，有很多的艺术家已认识到了这一点，逐渐在自己的作品中融入数码艺术的元素，他们运用国画的传统技法，注重笔墨技巧的变化，运用数码艺术的表现形式，制作当代题材的作品，这些作品不但在各种画展中出现，也逐步走向了年轻人喜欢聚集的歌厅等娱乐场所。这种形式的发展，不但能使传统绘画的技术得以传承，同时也使作者的创作思想得到升华，传统绘画重拾强大生命力，得到创新性的发展。
第三，全面提升作者的综合素质。不管是传统绘画，还是数码艺术创作，都是作者创作思想的体现，能够从中看到作者对于世界万物的理解，计算机的应用，在一定程度上方便了人的创作，但经计算机创作出的作品，也是人对此操作而产生的效果，同样离不开人的作用。所以，美术事业若要获得长足发展，只有提高人的综合素质，要做到两点，第一，文化知识，自古以来，历代国画大家提倡的绘画境界是：所描绘的实物并不一定要相似，重要的是形神兼备，诗与画要充分融合，所谓诗情画意。要想达到这种绘画高度，只有绘画技术是远远不够的，要求画家必须具备丰富的传统文化知识，具有远大的眼光和广阔的胸怀，同时也要了解国家的发展历史，只要这样所绘制的作品才能为大家所接受。现在的画者不但要掌握专业的绘画技术，也而全面了解其他领域的知识，特别是数码艺术的应用技术，熟练运用绘画软件和自身具备绘画技术，才是当代所需要的绘画人才。第二是对艺术的理解，任何事物都在向前发展，艺术当然也包括其中，只有画者拥有崇高的艺术修养才能促进艺术的发展，现在数码艺术的发展，不但要求画者能够熟练操作计算机软件，更应具备一定的艺术修养。
第四，数码艺术要同时具备民族性、艺术性、创作性和时代性。数码艺术从欧洲国家引入我国，使我国的绘画局势发生了重大改变，同时也把欧洲的创作思想和思维方式带入我国，这些创作思想和思维方式的缺点就是“拿来”，极其缺少创作作品，都只是原来作品的放大或缩小。再由于数码艺术在我国的发展属于起步阶段，有关此方面的理论尚不完善，很多的作品只是为了迎合商家的愿望，忽视了它本身所具有的艺术性。从上面可以看出，要想大力发展美术事业，只有多方面技术还达不到发展的要求，绘画作品必须具备自身的艺术欣赏价值，才能使其得到长远地发展。所以，只有重视作品的创作和艺术魅力的体现，才能使数码艺术获得快速发展，同时也应注重使绘画作品适应时代的发展形势，依据当前的艺术要求，结合传统绘画的艺术表现手法，创作高质量的数码艺术作品，使我国的文化传统得以传承与发展。
3 结语
当前的社会发展突飞猛进，在提倡吸收国外先进思潮的影响下，大量的新科技、新观点进入我国，虽然使我国的传统艺术受到一定程度的影响，但也给众多的艺术家带来了新的思考，在这种情况下，应力求理清它们之间的关系，去其糟粕，主动吸收国外艺术的精华部分，并与国内相关艺术形式相融合。数码艺术的创作形式虽然能够减轻人的许多负担，但缺乏传统绘画创作中的那种激情，所以，我们应寻求多种方法与途径，大力提高二者的融合度，随着时代的发展，它们之间互相融合的程度将会越来越深，让我们共同关注它们的发展，继续对其进行研究与探讨。
参考文献：
[1]王燕.绘画艺术的延伸与发展：数码艺术[J].内蒙古师范大学学报：哲学社会科学版，2008（S3）.
[2]任斌.论数码艺术设计的形式美与传统绘画[J].西北大学学报：哲学社会科学版，2003（01）。
当代都市佛教题材绘画艺术呈现功利化、多样化、多元化的特征。主要表现在佛教题材绘画作为流通物品在收藏者或投资者来说是可以交易的，而对于艺术品创作的主体而言也是带着功利化心理来迎合这种社会市场需要，因此带有潜意识的功利化特征，而在艺术家创作佛像作品中，艺术题材和艺术内容则多样化，在审美取向和艺术语言以及艺术形式上面则出现多元化的风格特征。
一、“功利化”
艺术品在艺术市场这台称重器上成为买卖交易的主要流通物，市场的资源配置掌管天平的平衡，在一定的时期和特定的物件上，掌握秤砣重量的大小则是市场消费。从佛经和有关史料中发现，佛教特别重视采用绘画艺术手段进行其教义的宣传。古代传统的佛像或佛教绘画是非功利化的。佛教造像佛教在中国的传入，一开始就表现出经、像并重的特点。佛教造像成为膜拜的主要载体主要以佛像艺术形式来教化和供奉，是佛教流贯的做法。在艺术的潜移默化中，心志升华，自然会顶礼膜拜佛教，仁禽义兽的美德善行都集中附会在释迎牟尼身上，使其成为超人化的崇拜偶像。佛像或是佛教绘画自古以来就是人们精神信仰和心中对美好生活的祈求对象，是精神世界的功利性，而不是作为物质性质的功利性。它洗涤人们内心的杂念，使人向往高洁善良的人生追求，和对美好生活的向往。古董、佛像等艺术品对多数投资者和收藏者来说终究只是投资，商品涨多了必须回档以调解市场成为他们获取自身利益的一个物品，当今，国富民强，佛像或佛教艺术品升值空间巨大，为投资收藏者提供了积累财富的源泉的机会。而神性和膜拜的心被现实消费利益驱使。实际上来看，艺术家们心中明了，在这个以消费为主的时代，物质的过度消费造成人们强大的精神压力，可以说当代人的生存压力是历史上前所未有的，人们心理极度孤独，极度泛滥成灾，想平静下来但现实又不应许，这个时候就需要找到这样一种东西――能平衡现实和精神、心理压力的媒介，正是这样，艺术家们用明锐和极富洞察力的双眸看出了这个世界的藩篱。创作出符合人们心理创伤能抚平心中消费物质欲望的佛像作品。从这一点来看，艺术家是在找自己艺术作品发展和销路的方式和媒介，大多数绘制佛教艺术品的艺术家是无所谓信与不信佛教信仰的，他们只是用佛教绘画这个招牌来招揽买家，所以说“功利化”在当代都市佛教题材绘画艺术是很明显和突出的。
二、艺术形式和语言的多样化
佛教题材绘画艺术的多样化是指，当代都市佛教题材绘画作品在题材和绘画内容以及艺术形式和创作语言上很广泛。综观中国古代佛教绘画，从题材上大体上可以分为像和图两个类别。
在当代都市佛教题材绘画内容中主要形态有佛像 “佛”亦即“佛陀”，小乘佛教一般只限于指释迎牟尼。而大乘佛教则一切“觉行圆满”者。佛教佛像的绘制要求有规定的范式，而这些范式均出自佛教的佛典。佛像，菩萨、罗汉、弥勒、飞天等题材，在当代佛教题材艺术的发展中占有很大的部分，从事佛教题材绘画的艺术家不只仅限于对传统佛画艺术的赞叹，也开始站在时代的历史层面，运用现代艺术的笔触和绘画技法以及艺术语言，来绘制具有现当代艺术审美趣味的佛教题材绘画作品。比如油画家曾浩，对传统佛教飞天艺术形象进行大胆革新，他采用西方样式思想和浪漫古典主义情怀，用油画技法和风格来表现具有当代性质的佛教题材绘画艺术样式，创作了一系列的油画艺术作品，创造了神奇般转换飞天形象的视觉感受，出现了我们从未有过的飞天艺术形象，很具有开拓和创新精神。
三、创作观念的综合性
当代都市佛教题材绘画艺术在题材内容的多样化的前提下，佛教题材绘画作品的艺术创作观念呈现综合性。由于大众文化和审美趣味的多变，艺术创作形式、审美方式等艺术创作理念发生了很多的变化，出现了综合运用各种艺术创作观念来描绘佛教题材绘画艺术作品。传统的审美方式比如：“秀骨清像”是南北朝时期人们审美理想和社会审美风尚的集中体现。现而今对佛教艺术的形式而言不再是传统意义上的四样式创作观念，而是多种艺术形式和艺术语言的综合体运用，从绘画艺术形式来看，当代都市佛教题材绘画艺术主要有：传统国画形式、西方油画形式、水彩形式，比较有代表性的艺术语言主要有：传统写实意义上的佛像艺术语言、当代对传统佛教艺术进行革新运用的艺术语言、抽象艺术形态以及消解主义形式语言等，在传统佛教题材绘画的艺术样式里进行革新于改造。使其成为当代最具表现性的佛教题材绘画艺术。
当代世界范围来看，中国不少艺术家在艺术实践上引起全球目光的关注，运用中国传统的汉字解构出的天书艺术形象，解构中国传统文化的意义硬壳，解放了禅悟灵思。而艺术家曾浩借助西画和中国传统飞天艺术形象创作出独具一格的新形象飞天造型受到国际的喜爱。而西方现代主义思想的传人使艺术从易感转变为费解，创意观念和新颖的思想成为艺术获取胜利的焦点，传统意义的审美从过去的感性审美走向理性审美的范畴。很多艺术家以现代人的思想和艺术创作观念重述着历史、重塑着偶像、大量的绘画艺术品成为愚乐大众的“新亮点”，当代艺界看似一派欣欣向荣，但却乏杰作。
佛教题材绘画艺术的创作需要我们对美好形象的塑造，而形象的塑造来源于对传统佛教绘画艺术的吸收和发扬，吸收是为了更好的发展佛教题材绘画艺术，吸收先进的艺术思想和表现形式，可以运用西方的各个艺术样式和创作观念来为我们所有，发扬是在吸收的基础上，博采众长，去粗存精，在表现这些宗教内容时，要把艺术家独特的佛教理解融入到创作当中，不仅需要艺术家运用当时的感情进行现实的审美再创作，而且要表现佛教题材绘画艺术的真谛和内涵。佛教题材绘画艺术是一种水恒的宗教形式的艺术表现，不管是对传统佛教绘画的遵从还是革新意义上的中西融合，或者还是以西改中，艺术的演变都是沿着自己既定的轨迹进行创造性的转化而发展的。佛教题材艺术作为人永恒的精神世界的领导力量，无不彰显其巨大而独特的艺术魅力。艺术家是对美的缔造者，我们更是应该担负起一种历史职责，通过自己的时代感，艺术表现形式，来再现、继承和革新佛教题材绘画艺术，把它作为一种取之不尽，用之不完的绘画创作题材，让更多的人欣赏到佛教艺术美的真谛。
（作者单位：西南大学）
