时间：2024-01-10 15:09:28
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇人体结构绘画教学，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
人体结构，顾名思义研究的是人体骨骼和肌肉的结构，以及在动态姿势中各体块之间的关系。动画内容的载体是动画形象，动画形象的设计绘制离不开对人体结构的理解，所以动画教学体系中人体结构训练是非常重要的一课。动画片按美术风格可以划分为 Q版、写实版两大类，现在国内动画片主流的类型为 Q版，写实版较少，究其原因在于写实版对创作人员提出了更高的人体结构和动势规律的要求。另外，一些动画类学生毕业后从事的是游戏角色设计，这类职业对人体结构的掌握提出了更高的要求。
动画中人体结构和绘画专业人体解剖的联系和区别
很多动画学生甚至老师并不清楚动画中人体结构和纯绘画中人体结构的学习究竟有什么不同。两者在人体结构在学习训练上既有联系又有区别：动画人体结构的训练和绘画中人体结构的学习在初期的切入点是一致的，随着学习的深入，差异性也随之增大。在写生上，绘画专业的绘画作品强调的是每幅作品之间的区别，写生者希望通过自己细致入微的观察，描绘出模特独一无二的体貌个性，而动画写生却希望从中寻求某种共性，类似于“杂取种种合成一个”的方法。动画写生要尽可能简化、概括，提炼出最重要的线条，这是动画的加工工艺决定的。在默写上，动画的特点更加明显。默写是在对人体动势规律熟悉之后，对人体瞬间运动状态的“编造”，创作的往往是平时写生所画不到的“高难度”动作，如腾飞、跳跃等，这些都是在高度理解人体构造、深谙人体动势规律后才可实现的。动画人体教学，只有厘清以上两者之间的关系，才能使人体结构教学的方法清晰起来。
科学训练方法的探索
人体是部复杂异常的“机器”，206块骨骼 639块肌肉，面对如此复杂的人体结构，什么样的训练方法更适合动画学生，这是我们一直在思考的问题。笔者通过教学实践发现可以从以下几个方面入手：
1.临摹：临摹绝不等于单纯的“照着画”，临摹是吸收营养的过程，因此临摹的作品要认真挑选，首先要选择结构严谨造型准确的画稿，笔者并不推荐初学者大量临摹欧美或日韩的写实漫画作品，欧美写实漫画结构严谨然而作者个人风格过强，比例一般比较夸张，日本写实漫画对人体韵律把握美妙到位，但有些作品肌肉穿插关系上严谨不足，初学者容易产生误解，因此需要寻找中庸而准确的造型临摹，如一些专业的人体结构绘画教程。临摹要具有整体意识，适当的画些辅助线条以确定临摹对象的精确位置，还必须培养圆雕意识，如临摹正面的时候也要思考其侧面、背面的状态，分析人体肌肉的穿插关系，这点至关重要，关乎临摹的意义。
2.写生：人体写生时要避免出现局部“合理”整体“走形”的情况，可运用几何形体归纳法，所谓几何形体归纳法就是将人体看成一个个几何形体的组合，几何形体归纳就像建房子扎的框架一样，一切尽在“框架”之中，如胸腔，骨盆可以归纳成一大一小两个立方体，四肢可以归纳成八只啤酒瓶状的几何形体，该方法有助于整体理解人体结构，观察其透视关系。
3.默写：（1）默写的意义。默写是临摹、写生后的一个必然方向，也是迈向动画艺术的关键一步，默写有更高的要求，是作画者在熟知人体结构和通晓动势规律之后的创造性劳动，相对于写生和临摹它更接近于日后的动画角色设计和原画设计。（2）默写的方法。默写也可采用几何形体归纳法，但这一方法在临摹时有局限性，比如我们用几何形体归纳一精彩的动势时，瞬间的奇思妙想可能就悄悄流逝了，我们需要寻找一个能在更短的时间抓住瞬间灵感的方法，“火柴人”训练法可以轻松胜任这一任务，所谓“火柴人”就是将人体按关节归纳成一根根的火柴杆状，如四肢可用八根“火柴”代替。这一方法可以有效记录下一瞬间的身体状态、动势，呈现一气呵成之势，然该方法也存在一定的问题，“火柴人”过于平面，对于研究透视关系比较不利，这需要较强的基本功才能克服。（3）默写的原则。1）牢记人体重心所在。所谓重心就是人体重量的中心，位于肚脐附近。重心作用着人体姿势状态的变化，是设计人体动势时必须考虑的问题，只有解决好重心问题的动作才是合理可信的。2）性别决定动势。简单说来就是男女的动势规律不尽相同，如走路时男性是手臂带着肩膀摆动而女性则相反，因此做人体默写时要把握性别的不同导致的动势的差异性。3）性格决定动势，如内敛型和外向型性格表现出的动势是截然不同的，如同样为坐姿，外向者可能双腿自然分开，昂首双臂抱于胸前，而内敛者则可能双腿并拢双手放于身体两侧，身体微前倾。理解掌握默写的原则可使我们在默写时不至迷失方向，达到事半功倍的效果。
结束语
关键词 速写 造型 表现方式
速写是在短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画方式，速写最能体现绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受。
一、引言
速写是在短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画方式，速写最能体现绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受。一名画家的成熟主要取决于其对自然的敏锐观察及造型技巧的娴熟，而这些能力的获得正是依靠大量的速写锻炼，在长期的积累中提炼完善艺术素养，发现新的艺术灵感，从而形成自己的艺术面貌和个性特点。是否具有敏锐的观察力对于绘画至关重要。如何在瞬息万变的自然中抓取感人的艺术形象，是速写训练的主要任务之一。艺术来源于生活，来源于自然的生息变化。速写工具简单，手法迅捷，能随时随地表现生活。因此，艺术家经常借助速写收集大量生活素材，位进一步绘画创作打下基础。因为它在绘画中的地位举足轻重因而也成为美术高考的科目之一。
二、在速写学习中要传递一定的基础知识
（一）速写知识
1.速写的概念及工具材料的介绍
根据材质的不同可将常用的速写用笔分为硬笔和软笔两大类。不过在通常的训练中我们经常采用硬笔，铅笔炭笔是我们的常用笔，根据硬度的不同我们可以画出不同粗细浓淡的线来。速写的用纸非常广泛，我们通常使用专用的速写纸和素描用纸。另外还有速写夹和速写本。
2.人体结构与运动规律
（1）人物是速写的主要表现内容，要想画人就必须先了解人体的基本结构及其运动规律。人体结构是有规律可循的。即人体各部位的结构都成比例安排形体结构由体块组成及透视对形体产生的影响。通常采用站七坐五盘三半的比例，把人体结构概括为三体积和四肢。人的形体结构由于转动或倾斜以及观察者角度的不同，都会产生一定的透视感。近大远小是透视的一般规律。通过理解和判断，表现出比例适当关系和谐的人体结构。
（2）人体始终处于各种运动的姿态之中，无论这些运动或姿态何等复杂，都离不开人体本身所独有的运动规律。人体的运动规律主要有以下几个方面：①人体的平衡，衡量人体平衡的标准是看身体重心，重心线与支撑面的关系；②人体的转动，关节是运动的起点和轴心并且决定着活动的范围和规律；③人体的节奏，是人体运动的形式，是一个有秩序的过程。
3.速写的基本语言线的表现力
①在线的运用上要注意线的疏密对比，粗细对比，刚柔对比，和节奏对比；②二线面结合的方法的特点是以线造型为主，明暗皴擦为辅。
4.作画的一般方法步骤
尽管作画的步骤从来就没有一成不变的模式，常常因人而异因画而异，但从中我们仍然能找出一般的基本步骤与方法：
①整体观察
②抓大型
③整体深入
④局部刻画
⑤整体调整
三、教学过程的安排
1.由慢到快；
2.由静到动；
3.由简入繁；
4.默写临摹写生结合训练，写生临摹默写要反复安排在整个学习过程之中，相互渗透。在临摹的过程中体会写生的方法，在写生的时候体会及运用临摹精华部分内容，大量的写生和临摹给默写提供了夯实的基础。在训练的过程中要有目的，有步骤的，不同的类型，不同方法分阶段进行有针对性的训练.如：静态类，动态类，单人类，组合类，场景类等不同的类型进行训练。这就是考试多元化的要求。
四、关于应考速写的评分标准及应考的注意事项。
（一）高考速写的评分标准
1.符合试题规定及要求，合理生动的构图。形象准确；透视比例正确；捕捉对象的形态特征动态特点生动而具体。
2.结构严谨形体厚实，线条疏密有致，虚实关系处理得当。
3.具有一定的细节方面的深入刻画。
4.速写作画材质与艺术表现语言结合天衣无缝，并体现出作者一定的审美感觉力和表现力。
（二）引导学生进行考题与院校进行科学分析
对有意报考的院校通过网络或各种人际关系对以下几方面进行了解：历年的考试试题，考试时间，考试要求，院校风格，评判标准侧重点，录取原则等方面。然后有目的的进行考试的准备，绝不打无准备之仗。
（三）在考场上合理安排时间
把整块考试时间进行合理的分割和利用，安排好几个小项：审题，观察，构图，铺大体色，深入刻画，调整，交卷等。
（四）引导学生调整在考试当中的心理波动
首先情绪要稳定，平常心对待每一场考试，因为考前我们已经进行了大量的准备工作，所以要抱有自信乐观的态度，即使准备工作不太充裕也不要过于紧张，就当是一次练习，我们还有考试的机会，考试的时候头脑要清晰，把自己想表现的按照自己的思路进行表现不受他人影响。只要合理分配有限的时间，调整好心态，放松心情，鼓励自己增强自信。
参考文献：
【关键词】 契斯恰柯夫 美术教学体系 分析和理解能力
【中图分类号】 G623.7 【文献标识码】 A 【文章编号】 1006-5962(2012)04(a)-0176-01
契斯恰柯夫是19世纪俄罗斯彼得堡美术学院的著名教授,他以严格的素描和色彩教学著称于世,被世人称为“契斯恰柯夫美术教学体系。契斯恰柯夫非常重视素描教学,他指出“素描是一切造型艺术的基础,是根基。谁要是不懂得或者不承认这一点,谁就没有立足之地”。契斯恰柯夫认为,素描教学必须要遵守严格的基本功训练过程,特别是他关于有针对性地解决学习写实绘画,分析和理解能力培养的主张。
1 重视分析和理解实践能力的培养
培养学生对绘画的分析和理解能力,是契斯恰柯夫教学体系非常重要的内容,也是俄罗斯写实绘画基础教学的典型特征。
契斯恰柯夫认为,“对于初学者,必须要通过系统和严格的对形体结构分析和理解的专业训练,打下牢固的造型基础,从中掌握形体造型的原理和规律。”这一观点,反映了契斯恰柯夫教学体系十分重视在绘画实践中,培养分析理解的能力。在俄罗斯教师的教学中我们已经深深感受到了这种思想,他们以严谨的教学态度治学,对素描教学中分析和理解的训练非常严格,在教学中,要求学生必须具有准确和熟练的掌握人体解剖知识和造型特点的能力,对人体骨骼和肌肉的细微造型特点要有深刻的掌握,要求画家具有熟练画出人体各种姿态、动势的造型和解剖的造型能力,并具有深入分析和表现人体各部分细节的解剖能力,从他们教学的学生习作中,可以明显的看出学生在这些方面的能力极强。
俄罗斯的美术基础教学一直坚持这种严格训练思想,在俄罗斯的画展中,可以看出,俄罗斯的画家的绘画基本功都非常雄厚扎实,特别体现出他们对造型训练中分析和理解能力的重视。由此,我们常为俄罗斯素描教学严格的治学精神而惊叹。在作画实践中,契斯恰柯夫告诉我们,画物体的边缘线(即轮廓线),一定要观察理解它的存在状态,把立体空间同时考虑进去,不能简单地画一个外形,要理解线条是面的缩小状态,所以一定要注意线条在空间的所在位置状态,有虚有实的进行表现。加之对形体要用体、块、面的观念分析理解形体的变化,理解物体的三大面、五大调子的明暗造型特点和规律,更充分的把握物体的立体感与光影的结合和规律,学会分析物体的结构与明暗变化的关系。从对物体的感性认识逐渐上升到对物体理性本质认识的飞跃,使学生的画更有理性分析的依据,也使其物体造型的本质的理解更透彻。
2 重视分析和理解在认识方法上的培养
在认识方法上,契斯恰柯夫认为,应当教会学生表现画面中最有鲜明感染力和生动处理画面的方法,培养绘画的表现能力,使画面更生动传神。为了严格训练学生,他主张“理性——感性——理性”的方法论,认为画素描应把思考和感觉结合在一起、联系的看问题,即一种是研究与物体相联系的立体刻画方法;一种是与对物体的直接印象相联系的“绘画的办法”。他指出,“要研究一切”,绘画要重视理性分析理解,也要重视感性认识,再把感性上升到更高的理性,使刻画的形象更具有高度分析理解的理性艺术处理含量。他在认识方法上重视理性的思想,更加表明他对绘画过程中分析理解能力培养的重视。在表现能力训练上,他强调用理性分析的思想作画,结合感性再深入理解更高层次的理性分析。这一点可以从他的学生列宾、苏里柯夫等人功底深厚的作品中证明。
在我国的美术基础课教学中,受契斯恰柯夫教学思想影响很深,如:在素描写生训练中,坚持整体观察,对形体结构及造型之间的关系做具体的分析和理解等等。但我们的美术基础教学,在严格的理性分析上与俄罗斯教学相比,还存在差距。特别是对分析理解的求实和细节的理性研究上,还需要加强。尤其受现代实用主义思想的影响,人们对长期的把精力用在基本功研究上的做法在逐渐减少,对于这种社会现象和影响,多数人认为,打好坚实的绘画基本功还是非常重要的,这样做非常有助于增强绘画的写实能力。所以,我们有责任对学生进行教育和引导,吸收俄罗斯美术教学的优秀经验,帮助学生把写实的绘画基本功打牢。
总之,契斯恰柯夫的教学体系是非常严格的绘画训练模式,他培养学生注重理性分析和理解的方法和主张,至今,在我国美术基础教学中具有深远的影响。
参考文献
[1] 外国美术教育史/叶峰编.—南宁:［M］.广西美术出版社,2008.3.
关键词：人体结构；服装结构；关系
传统服装设计专业的人体训练大部分局限于技法训练，体现描摹、明暗调子、体积塑造等，而针对服装专业人体基础训练更应是视觉思维的训练，不是简单的去复制视觉所看到的表象“辨别原有形态的能力，才是我们创造力的重要源泉”——阿恩海姆；服装专业是以塑造人为目的；更应深入去感知人体原有形态、动态，发现人体点、线、面、体和服装点线面体之间的结构关系并有目的的在人体之中塑造服装的结构，使之“衣人合一”。
一 人体素描训练
（1）人体结构素描训练
让学生深入理解人体内部结构的外在呈现以及人体结构与服装结构设计之间的关系。评价一件服装作品的优劣并不只是单纯的款式和面料的表面创新而是要充分熟悉人体结构特点、面料性能与人体之间关系控制而最终形成款式、面料、结构三位一体的创新才是真正好作品。人体结构造型复杂，是平面和凹凸面相结合的几何形体，通过人体结构训练，让服装专业的学生认知人体结构中与服装结构设计相关的点，以及两点或若干个点之间所构成的线，点和线所组合的面和体，以及影响服装造型的围度、宽度、长度、角度等，清楚人体各部位受力点的平衡，再到服装结构中点、线、面的关联设定。服装造型的过程是通过平面的面料（分割裁剪塑造体积、控制长度）包裹人体的。与绘画基础的人体结构（见图1）关注点比较服装设计关注人体点更应与服装设计的造型点和线、面有关联。例如骨点是骨面的转折点，是人体结构转折的重要体表标记，也是服装造型的重要依据：前颈窝点——服装结构中的领深有关（领部造型）；胸点——服装结构中的胸高量和胸部造型有关、后颈椎点（与衣长的测量、后领造型有关）、颈侧点（与衣长、前腰节长长度确定有关）、肩点（同肩宽；袖和衣的连接造型有关）、前腋点（与前衣片的宽度、前胸宽有关）、转子点（胯点）腕点、膝盖点、踝点（见图2）等在人体结构点的划分上更侧重于有利于服装的结构设计造型；同时也要掌握人体结构中各支撑部位的点：肩点、肘点、胯点、膝点等，是面料产生垂度、褶裥、转折的关键体表点。另一方面与绘画的人体结构关注的线的比较：绘画人体结构是以骨骼和肌肉的构成来决定体表划分线，而对服装来说，由于人体的外形因素更为重要，因此在区域的划分上更侧重于与服装造型相关的人体划分线：例如颈根围线（与领造型相关）、臂根线（与袖造型相关）、肩宽线、前胸宽线、胸围线、胸下围线、后胸宽线、腰围线、腹围线、臂围线、大腿根围线、膝围线等（见图2）。着重考虑人体结构线如何有利于服装结构点、线的形成，从真正的人体结构中创造服装式样；使服装结构设计符合人体结构要求，进而起到美化人体和弥补人体缺陷作用（见图3）。
（2）人体体型和体态的差异性训练
人体外形轮廓相似的情况下具体的部位比例也会有变化不同；这样的训练有助于学生对人体进行综合分析，确定服装设计对象的人体结构再做细节局部的调整；例如弓型体、前屈体、平肩、溜肩等人体的体态特征与服装造型有关都要做出适当的结构点的调整。例如弓型体、前屈体变化调整的是前腰节和后腰节长；平肩、溜肩调整的是肩斜线。A型体型：臀大肩小；Y型体型又叫宽肩型体型；B型体型细腰宽胯；仔细观察人体的体态特征及需调整相对应的结构点是服装设计学生在人体结构体态课中需掌握的关键。
二 人物着装训练
有别于传统的速写练习的教学目的：绘画人物速写目的是快速概括描述对象的一种绘画方法，能迅速掌握人体的基本结构绘出人物的神态、动态。是训练形象记忆力和表现力的一种重要手段。而服装专业速写训练除了具有上述的目的之外还应具有专业的基础训练的目的。
（1）人体结构与面料之间关系训练
面料悬垂性是服装造型关键因素之一：悬垂性决定服装与人体之间的空间塑造（见图5）。在面料垂感速写练习中使学生掌握：服装上线条的来源—人体静止时面料以人体结构支撑点悬挂时产生的柔和线条（动态线）以及服装设计造型的结构线条（结构线）和轮廓线条（廓型线）；以及人体在运动时，由于人体结构点、线、面的关系而使面料产生硬性的衣褶和折痕（动态线）。（见图6、7）：标注使服装产生褶裥的人体结构支撑点：如肩支撑点；肘、胯点等；识别着装人体上的线条的种类（虚线—动态线、实线—结构线、廓形线等）；另一方面是掌握不同面料悬垂性线条的绘画表现：不同服装面料表现不同的外在垂度线条和廓型——柔软的曲线；建筑感的直线等训练。如用粗而干涩的线条表现厚重面料；用纤细流畅的线条表现轻薄的面料等；使服装专业学生掌握不同面料塑型的区别，能有目的控制人体与面料之间空间形体塑造。（见图8）
（2）动态速写训练
快速，架构比例结构美感；简单中凝练了思考过后取舍的丰富内涵。动态速写训练学生观察、提炼、设计、构图、结构、线条等多种内容的一气呵成，是对学生感官直觉的有效训练。需对人体结构与运动规律透彻的理解和掌握，对落笔的每一个点、线都是根源于服装下的人体结构的准确描述。
（3）慢速写训练
目的是训练学生综合研究服装与人体结构之间的关系：人体的体态特征；人体结构的点、线、面的在服装外在形态的具体表现，以及服装结构线以人体结构为基础而进行的分割变化；面料的垂度带来的动态褶裥表现；面料的肌理对比表现等。
（4）细节速写训练
从微观观察服装与人体之间的深入关系：服装的结构细节与人体结构点，训练学生观察力的深入与延展，从深入的细节描绘中赋予服装外造型丰富的内容视觉层次感。（见图12）
（5）记忆性速写（默画）提炼性速写训练
提炼性默写训练：目的是训练学生抓住描绘对象的最有特点的特征，适当夸张。目的是训练学生对物象的视觉敏感度，以及形象记忆度，和对特点的准确把握度。对将来服装专业中人物体态体表特征的提炼、服装造型及流行敏锐度的提高均有非常重要的作用。
（6）轮廓线训练
把复杂的形体结构高度概括，用长线条画出外轮廓线（图16），注意提炼服装线条与人体结构之间的关系（看似简单的一根线条。哪些是空的服装与人体的空间线；哪些是实的人体结构与服装的结合点与线）训练学生对复杂线条的抽象能力训练，提高服装专业学生对形体边缘的敏锐观察和感知能力以及对服装外廓线与人体之间空间塑造能力（图17）。
从服装专业特点出发对基础课教学的内容和方法进行一些探讨。从专业结果导向去思考，从对人体素描的写实描摹等绘画训练逐步转向对人体结构的深入剖析思考训练：结构素描人体（剖析人体）-结构点线面的剖析（与服装之间关系）-动态速写训练-慢速写训练-局部训练-轮廓线训练——提炼性速写训练让服装专业的学生真正熟悉、掌握人体内外的结构关系；人体与面料服装之间的结构依托关系；真正理解服装设计不是在人体表面简单的披挂和分割而是真正与人体水融。力求使绘画基础课真正起到向专业基础课过渡的桥梁作用；使服装专业人体素描基础课成为服装专业学生职业生涯的真正基础。
参考文献
[1]《服装造型学——理论篇》【日】三吉满智子，郑嵘等翻译.
[2]《时装画技法培训教程》【英】贝斯安.莫里斯著，方茜译.
摘要：乌克兰国立美术学院全名为乌克兰国立艺术与建筑学院，前身为基辅美术学院。乌克兰国立美术学院的素描教学秉承了苏联美术建立的素描造型法则，又融入了现实主义传统。但随着20世纪90年代苏联的解体和乌克兰的独立，乌克兰国立美术学院在继承“苏派”素描传统的基础上推陈出新，渐渐形成了自己的教学特点和独具特色的素描教学。
关键词：素描教学；课程设置；结构；形式；材料
一、素描教学体系
乌克兰与俄罗斯在造型艺术上属于一个体系，在素描教学上也同属于一个体系。李天祥曾经在《乌克兰国立美术学院素描》一书的前言中指出：“这一体系源于欧洲文艺复兴，成熟于十九世纪，苏联时代集其大成，形成了今日与欧美有所区别的俄、苏体系。”①这一体系源于彼得大帝执政时期，在此期间，俄国全面学习西方，艺术方面则是按照法国和意大利的模式建立了皇家美术学院。皇家美术学院在造型艺术上严格遵循文艺复兴时期建立的造型体系，讲究透视、构图、结构、光影等造型手段和古典美范式的审美标准，通过从石膏像到人体的写生课程训练，以达到表现古典审美标准的理想造型。直到19世纪末期巡回展览画派的出现，才打破了这种标准化的造型要求，列宾、苏里科夫等现实主义画家是这一时期的代表画家。这批画家受到了法国现实主义思潮的影响，将目光集中到了普通劳苦大众身上，更多地关注现实、表达现实、批判现实，俄国绘画因此得到了发展，形成了继承文艺复兴的优良传统和深切关怀现实、表达现实的造型理念。20世纪初期，由于受到欧洲现代主义艺术的影响，许多俄罗斯和乌克兰的艺术家探索艺术民族化和现代化的道路，后来发展出了注重点、线、面的形式元素和表达情绪的抽象表现主义作品与理论。苏联时期艺术又回到了“功能化”的作用上，成为政治宣传的工具。这一政治上的要求逐渐在苏联蔓延，乌克兰国立美术学院也延续了这套体系，体现在素描教学上则是以具象写实的方法为出发点，以写生为主要训练模式。这套造型体系拥有独特的优势，使苏俄绘画在世界艺术潮流中独树一帜，具有鲜明的本土特征，但也阻隔了与欧美尤其是与其曾经学习的欧洲体系的艺术脉络。所以，许多画家在20世纪末期新世界格局形成后大量汲取现代主义的营养，在一定程度上突破了“苏派”的传统造型体系。如，乌克兰国立美术学院的素描教学较多地沿用了苏联模式的教学体系，以人物写生训练为主，重视基础教学，但在工作室教学中赋予素描教学更大的教学空间，教师有较强的自主性，能够按照工作室的研究方向形成自己的教学风格，所以在素描课堂作品中能够看到多元化的艺术价值取向。
二、素描课程设置
素描课一直是乌克兰国立美术学院的重要专业课程。在学时安排上，本科四年的总课时量为1377学时，仅次于油画课程的1809学时。在硕士研究生阶段则为351学时，也是仅仅少于油画课的594学时。折合到每一天来讲，就是周一至周五，每天5个专业课的学时中有2个学时为素描课程。这种大量的素描训练，造就了乌克兰国立美术学院学生过硬的造型功力。课程安排是从一年级起开始人物写生训练，从人物肖像逐步过渡到半裸胸像、人体半身像，再到全身人体。这样的训练要持续两年。时间的安排是每张作业4周，即40学时，均为长期作业。尺幅为肖像、胸像4开纸张，半身像2开纸张，人体1开纸张。这样的课程架构能使学生由浅入深地掌握人体造型原则，从而具备扎实的人体造型能力。大一、大二两年基础部的课程学习结束后，学生选择报考希望继续学习的工作室，导师本着择优录取的原则选择学生，实行双向选择，学生继续进入不同的工作室学习。乌克兰国立美术学院造型专业共有7个工作室，由7位导师各自主持，每个工作室按照导师的研究方向有不同的专业研究方向。这时的素描学时设置如同基础部，每天2/5的时间为素描课程，由专任的素描教师按照工作室的方向引导学生学习。工作室素描教学的课程设置与基础部的课程设置一样，由浅入深、循序渐进地增加课堂写生的难度。如，三年级第一张素描作业为男人体素描，在接下来的一学年里，学生要进行男人体不同动态、角度的素描写生训练。进入工作室的第二年，也就是四年级，开始进行女人体的素描写生训练，学生要在一年的时间里对女人体的不同动态及角度进行素描写生。在这两年的时间中，学生要对男、女人体进行全面的研究。到了五年级，也就是研究生阶段，开始进行双人体的素描写生训练。模特摆出不同的姿势，还会搭配衬布、静物等道具，这一阶段的素描要求对环境进行描绘。工作室的素描教学虽然有着严格的课程系统要求，但每个工作室在结合本工作室的专业特点的基础上独自设立适合自身特点的素描教学。如，自由创作工作室的主要教学目标是培养具有不同绘画风格面貌的学生，所以在素描教学中十分注重对基本规律的探究。教师尤其注重对结构知识的讲解，引导学生追求最根本的素描元素，因此要求课堂作业不过多地描绘环境、光影等表面因素。而宗教壁画工作室的学生将来要承担诸如教堂壁画等大型宗教绘画作品的绘制，体现在其素描教学中，首先是作业尺幅较大，在光线和衬布的设置上也较为讲究，经常设置不同的光源和不同质感的衬布组合，主要目的是训练学生处理气氛和通过不同质感的衬布营造画面氛围，较为注重光影、质感、环境等能够营造氛围的因素。风景创作工作室由于需要表现外光下的环境，所以在素描教学上设置有外光素描写生课程，目的在于使学生把握人物处在外光环境中的素描关系。大型纪念碑壁画工作室在素描教学中强调画面构成等形式因素，目的是为学生将来设计绘制大型装饰绘画打下基础。历史题材创作工作室则是让模特处在具有历史氛围的环境中，或是让模特穿着历史服装，这与该工作室的专业研究方向一致。传统架上绘画工作室则是选择具有生活气息的道具和人物姿态，强调画面感和绘画性的表现。
三、素描材料实践
素描的材料实践也是素描教学中的重点内容。在基础部里，教师要求学生用硬材料进行课堂写生，学生用铅笔描绘，纸张为白色素描纸，不允许使用炭笔、木炭条等软性材料描绘。这样做的目的是让学生掌握人体各个部位的结构组织关系，一笔一画地将人体整体和建构人体的各局部描画出来，不会因为材料而将局部一带而过，造成含糊、理解不清的结果。学生进入工作室以后全部使用软性材料进行描绘，因为在基础部中学生已经能严谨地描绘人体，已经掌握了人体结构，所以在接下来的时间里开始训练运用软材料增强素描的表现力。软材料素描一般使用牛皮纸，要先将纸打湿后裱在画板上，再在纸上刷一层明胶胶液，目的是便于擦和修改。软材料一般使用俄罗斯、乌克兰特有的素描材料，如索斯、歇宾、散基那、炭笔、木炭条等。索斯是常用的素描软材料，能够溶于水，可以进行干画法、湿画法和干湿结合法的绘制。索斯拥有不同的色彩，如灰色、棕色、白色等，所以可以结合不同的色彩进行素描作品的绘制。软材料素描在技法上一般是先做底色，这样能使画面形成一层色调，缩减了绘制中间色调的复杂工序，然后在这层色调的基础上继续进行绘画。画的过程中则是使用毡片蘸软材料色粉进行大面积铺色，再用笔勾线条和打调子等。结语乌克兰国立美术学院的素描教学沿袭了苏联时期建立的素描教学体系，仍以具象写实为主。但在新的历史时期也有所改进，较为重视形式和语言因素。从这个方面看，乌克兰国立美术学院的素描教学延续了东欧地区东正教的圣像画传统和现代主义时期的艺术成果。相较于苏联时期的单一写实的面貌，20世纪90年代至今的乌克兰国立美术学院的素描教学更为开放、自由，呈现出与苏联时期不同的新特征。此外，在毕业创作阶段，学生要绘制同毕业作品等大的素描稿，所以在形式上能够与创作相结合，形成了与“苏派”不同的、较为注重绘画语言的新面貌.
注释：
①王梅元.乌克兰美术学院素描.黑龙江美术出版社，1998.
作者:胡雪涛单位:山东工艺美术学院
摘要：在绘画艺术教学中，基础素描教学训练是不可或缺的一个环节，学生通过单色的素描练习可以完善对造型、空间及光影等的理解。只有深入了解基础素描教学的意义，才能使基础素描课程发挥更好的作用。
关键词：基础素描教学；绘画艺术教学；意义
一、素描的起源
素描的起源可以追溯到旧石器时代，当时人们用简单的工具与材料描绘值得纪念的生活场景，这种绘画形式在法国拉斯科洞穴壁画、西班牙阿尔塔米拉洞穴壁画中都可以寻觅到痕迹。此后，素描艺术伴随着人类文明的进步也发生了一定的变化，到古希腊、古罗马时期，素描又以新的面貌出现在艺术创作中，作为壁画或者雕塑的草稿，素描已应用到绘画艺术的方方面面，是最古老的造型艺术之一。14至16世纪文艺复兴时期，涌现出大批对艺术发展影响至深的画家，这一时期的画家将艺术与科学结合起来，甚至把透视学、解剖学、明暗学等学科的知识直接运用于素描作品的创作中。这一时期的达•芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等都是西方艺术大师，他们在进行油画创作前，用了大量的时间绘制大型油画作品的素描稿，留下了一批完整性极强而值得后人研究与学习的珍贵素描手稿。在素描稿的绘制中，大师投入了许多精力，反复揣摩与修改，以求找到最佳的绘画语言表达画面的情感。由此可以看出素描在绘画艺术中的基础性作用，素描是画家完成色彩画创作必不可少的绘画步骤，为画家记录了最直观的艺术情感。
二、基础素描教学的发展
文艺复兴时期，素描得到了长足的发展，这一时期的素描作品包括写实性的人物素描、解剖学范畴的人体解剖素描和探索性的器械设计类素描等，内容丰富，画面细致唯美。此后，素描艺术得到了较好的传承与发展。16世纪末17世纪初，意大利的美术学院开始将素描作为造型艺术专业的基础课程，主张以科学理性主义的思想研究和表现对象的造型特征，包括对研究对象的形体比例、解剖结构、透视关系等方面进行研究。通过科学、理性的观察方法，以写实的绘画表现形式，真实地再现研究对象的形态，这种写实性素描的教学理念一直沿用至今，仍是许多艺术学院素描绘画训练的基础要求。在写实性素描得以发展并投入教学之后，随着17世纪末现代艺术思潮的到来，素描艺术也有了新的艺术表现语言，原本单一的写实性素描已无法满足人们需要创新艺术思潮的要求，随之而来的是多种素描表现方式的蓬勃发展，这种变革持续到19世纪末时，体现为夸张、抽象、变形等素描表现形式。随着素描风格多样化的形成与发展，素描在教学中的应用也增加了另一方面的内容：素描从原本只作为造型艺术基础的训练手段，发展为一种带有创造性的独立绘画形式。这一变化直观地体现为完整的素描创作类作品的面世。素描艺术作为造型艺术的组成部分，逐渐以丰富多样的艺术表现形式感染着观者。素描是绘画者最直接的情感记录，能让观者直接地感受到绘画者所要表达的思维和情感。素描这种表现情感的方式也可以直接过渡到其他绘画形式中，如油画、国画、水彩画、版画、雕塑及设计作品。如，达•芬奇在素描作品中，用优雅的线条刻画了不同的人物形象，对不同观察对象的神情与形体特征的描绘极其细致、生动，这种绘画手法在其油画作品中也得到了极好的呈现。油画创作的时间较长，通过大量的素描作品才得以及时记录生活中让画家感动并被捕捉到的精彩瞬间。又如，伦勃朗的绘画作品中，大量的素描作品记录了画家所画模特的生动神情与优雅的装束，乃至画家不同时期的自画像，都可以在其素描作品中找到相应的艺术呈现。伦勃朗在素描作品中所表现出的对光影关系的深刻理解与艺术表现力，在其油画作品中也可以得到相应的体现。从这些例子中我们可以看出，素描作为造型艺术的组成部分，既可以发展并完善成为一门独立的绘画艺术种类，又可以为其他艺术表现形式提供基础的绘画研究，其作用是不可忽视的。基础性的素描教学应用到绘画艺术教学中，其意义尤为重要。
三、基础素描教学的类别及其意义
学生在系统地学习绘画艺术时，往往以素描训练作为绘画训练的开始。素描是一切造型艺术的基础，学生通过素描课程的训练能更好地提高对观察对象造型、空间及光影等方面的理解。素描以单色的表现手法，简单明了地以线条和大块面的体量感为人们呈现创作者最初看到观察对象时的印象与感动。素描通过铅笔、炭笔、粉笔等简单的绘画工具，以最直观的表现手法概括、提炼出对象的形体特征。素描这种脱离了色彩表现的艺术表现手法，跳出了物象固有色的影响而更为直接地呈现出画面整体的光影关系及其造型结构。素描在教学中的应用逐渐发展为三个不同类别的素描表现手法：全因素素描、结构素描、设计素描。这三个类别的素描着重点不同，观察表现的手法也各有千秋。作为绘画艺术教学的开端，这些基础素描教学的训练能够帮助学生提升观察、表现对象的能力，提高自身素描绘画的表现能力。在绘画教学中，全因素素描着重要求学生观察和表现对象的形体结构、光影关系，甚至其体积感与自身的质感也在画面中得以体现，这种素描也称光影素描。全因素素描要求细致观察并表现完整的物象关系，由整体出发到细节的刻画可以深入发现观察对象吸引我们关注的细节，并在画面上呈现出精彩的局部细节。早期的中国素描教学中，徐悲鸿先生留法所带来的法国素描体系和俄罗斯契斯恰科夫素描体系对中国的素描教学影响至深，写实性的光影素描是其中主要的素描表现手法。全因素素描能全面地表现画面的整体感觉与和谐的画面氛围，是许多绘画专业学生必不可少的基础教学课程，通过这种全因素素描的训练，学生能更好地理解不同物体在光影变化下所具有的丰富多变的效果。深入的全因素素描训练能够发掘正确的观察方法与表现手法，其不单可作为绘画艺术教学的基础训练，更可发展为专业的素描创作手法，以完成画面效果丰富的大型素描创作作品。结构素描不同于全因素素描。在结构素描中，观察物象不受光影关系变化的影响，只要求表现对象的形体结构，用穿插变化的生动线条表现对象准确的结构特征，分析对象外在与内在的结构，通过线条的深浅变化体现画面中物体的前后空间关系，画面中没有明暗调子的描绘而同样能体现观察对象的形体结构与整体画面的空间层次感。结构素描的起源相对较晚，不同于传统素描概念早在西方文艺复兴时期就已经基本确立，直到1919年德国包豪斯学校开创了结构素描教学，结构素描的理念才被正式提出来，并且在教学实践中日益显现出它的开拓性和重要性。20世纪80年代，结构素描才逐渐引入中国，直到20世纪90年代才真正开始深入学院素描绘画的教学体系。结构素描以理解和表达物体自身的结构本质为目的，结构素描的观察常和测量及推理结合起来，透视原理的运用自始至终都贯穿在结构素描观察的过程之中，而不仅仅注重直观的直接观察方式。结构素描的表现方法相对比较理性，在结构素描中，学生可以忽视对象的光影、质感、体量感和明暗关系等外在的因素，离开明暗关系的刻画，更为直观地在画面中呈现出观察对象的形体结构，因此形的准确度在结构素描里要求极高。没有了明暗关系的光影刻画，画面的大关系和物体的细节需要用变化的线条概括，线条的运用是结构素描训练的重点，学生通过结构素描的训练能更好地提升对物体造型的把握能力。在结构素描教学中，形的要求至上，石膏几何形体结构、静物结构、人体结构都是素描教学中结构素描训练的主题，这些基础课程的训练为学生以后更好地进行专业绘画训练打下坚实的基础。设计素描是不同于全因素素描与结构素描的、带有现代设计表现性的素描表现形式。在工业设计过程中，设计素描是设计师收集观察对象的形象资料，表现产品的造型创意，进行设计方案交流的语言和手段。设计素描是针对设计专业学生设置的素描基础训练，旨在培养设计专业学生的独立思维和表现能力，设计素描教学是认识形态、创新形态的重要途径。设计素描区别于传统意义上的素描类型，设计素描训练不再以写实再现为目标，而要求在观察对象现有特征的基础上进行设计创新，或拼接重构，或抽象变形，在现有对象的基础上加入创作者自身独特的设计理念与创新思维，形成与既有观察对象不同的，带有独特设计韵味的素描作品。设计素描的意义在于培养学生发展独特的艺术创新思维，使学生更好地理解并掌握设计类绘画的方式方法，从而创作出独特的素描作品。这三种素描的种类构成了当下素描教学体系的几大课程类型，教师可针对不同专业的学生采用不同的素描训练方法，由此达到提高学生专业绘画技能的目的。全因素素描主要针对纯绘画艺术专业的学生，而设计素描应用于实际教学中，更多的是针对设计专业学生进行具体的课程设置。这些不同的基础素描训练类型构成了基础素描教学的内容，针对不同专业的学生进行不同方向的基础素描训练，学生通过对观察对象的形体特征、结构关系及画面整体效果的理解与把握，在基础素描教学训练中提高并完善自身的艺术表现力，为之后的基础色彩教学乃至绘画艺术创作做好充分的准备，这一时期的素描训练可为以后的绘画艺术学习打下坚实的基础。结语基础素描教学是绘画艺术教学中不可或缺的重要组成部分，基础素描教学能使学生更深刻地理解绘画艺术。应用于绘画艺术教学之中，基础素描训练使学生学会分析、理解观察对象的形体特征和结构关系；细致观察、表现观察对象的生动细节；掌握、提升素描绘画技巧。对不同专业的学生进行不同的素描训练：全因素素描教学使学生学会把握整体的素描关系，从细节到整体都是训练的重点，对美术学专业的学生而言意义尤为重要，对高年级的绘画艺术教学发挥重要的基础研究作用；结构素描教学注重形体结构的训练，对观察对象形体特征的深入分析有利于高年级更复杂的色彩绘画的学习；设计素描教学为设计专业的学生发展独特的思维创造力提供了有利的条件，对设计理念的形成具有重要的意义。由此可见，基础素描教学应用到不同专业的绘画艺术教学中，其重要性不可忽视，只有了解并重视其作用，才能使基础素描教学在绘画艺术教学中发挥更好的作用。
作者：冯菡子
【关键词】素描 比例 透视 解剖 明暗 形体结构
大部分高师美术专业的学生入学前都具有较好的素描功底，在大学学习期间更需要加强素描基本功的训练。因为素描基本功是绘画、艺术设计人才必不可少的基本功。所有的造型艺术领域都涉及素描训练，只是训练内容和方法不尽相同。
素描的训练方法主要有两种，一种是直观的感性认识，强调运用感官认识事物。另一种是用抽象思维间接地概括性地表现事物本质的特性。
在素描基础训练当中，只要说到“形”就一定是立体的，有形就有体，也就是说形和体是不分家的。形体是基础素描研究的本质，无论是画面中的线，还是调子，都是为形体服务的。不管是用直觉感知还是用理性概括，都要把东西画出形而且要立体，这便是基础训练的目的。为了达到这个目的，教师一般以简单的几何形体开始研究，几何形体是从千万个复杂的物象中提炼出来的最简约、最基本的形体。把相同的、不同的若干个形体排列或组合，这就是形体的结构关系。形和体是互为依存的两个方面，没有形就谈不上体，没有体的形在西画体系的素描中是没有意义的。一个面是平面的形，多个面是有形的体，把多个形体组合在一起，多个形体之间的组合关系就是结构关系。把形体拆开再组合是一个训练造型的过程，也是一个分析、研究形体结构的过程。只有理解了的东西才能更深刻地感觉它，这种理性认知与基本造型能力有关，因此，学生必须学习和掌握如比例、透视、解剖、明暗等基本知识。
比例——是绘画中重要的因素，尤其是涉及人物的时候，比例关系非常重要。有很多人觉得人体的比例是有规定的数字，比如中国古代人物画对人的比例有“站七坐五盘三半”之说，又如达·芬奇的人体比例实验图，但是人体的身高、比例不可能总结出标准的、理想的数据供画家直接来用。合适的人体比例是有的，理想的人体比例也是有的，但它不是在某种数字或公式中，而应该在画家的眼中。绘画中的比例，包括人体比例都应该由画家来决定。
透视——日常生活中我们随处可见到一种近大远小的现象，这便是透视。透视学是一门研究和解决外界景物投射到我们眼睛里的景物外形变化的科学。透视的基本原理是由眼睛的视觉作用所形成的物理现象，它和照相机的道理有些相似。外景反射的光线通过瞳孔投射到视网膜上，形成一个视角，距离眼睛近的物体视角大，所以成像大，距离眼睛远的物体视角小，所以成像就小，这样就造成了视觉上有近大远小的现象。透视主要分为平行透视、成角透视、曲线透视，这是画素描最常用的。
解剖——解剖学是医学的分支学科，被绘画运用最早是在欧洲文艺复兴时期。那个时期的画家、雕塑家为了正确地表现对象，开始研究解剖学，他们甚至亲自解剖尸体。西方传统画家几乎都是解部学的高手，有些画家可以凭想象画出处于任何姿态中的人体每一个局部。研究解剖学就是要知道人体不同剖位的形体是如何拆开再组合的，这便是解剖结构，画家要利用解剖来了解人体的结构关系。
明暗——是画素描最常用的一种手段，一些画家认为，区分表面颜色和调子十分重要。严格来讲，明暗关系并不是素描关系，它和造型几乎没有关联。色彩有三个关系，即明度关系、纯度关系和冷暖关系。明暗很显然应该属于色彩关系中的第一大关系——明度关系。把明暗关系划到素描训练中，无疑是把除颜色以外的因素都归于素描范围。这种对素描的理解主要是以俄罗斯为主，俄罗斯素描教学体系曾经把素描中的明暗调子分为三大面、五大调子。这给中国的美术院校素描教学带来很大的影响，至今有很多人认为素描的本质是明暗，是三大面五大调子。
素描的本质是对形体的表现，而明暗只是色彩关系中的一部分。可以说，素描是画能摸到的东西，色彩是画能看到的东西。色彩是光反射的一种物理现象，所以在有光的情况下我们才能看到色彩，也就是说在有光的情况下色彩才存在，才谈得上色彩关系，也就能谈得上明暗。而素描反映的是形体，没有光的情况下形体结构是依然存在的，没有光的时候我们虽然看不到物体，但物体的形体、结构、比例关系都存在。所以在没有光的情况下，色彩关系是没有的，而素描关系是不变的。
画素描最常用的两种手段是线和调子。线条是一种抽象的艺术形式，也是用于表现形体结构最直接的手段，是素描的本质。调子在素描中是线的辅助，是线的外表，是一种另类线条。调子虽不是形体的本质，但它是绘画中单细胞因素的组成，是绘画痕迹的一种基本表现。而痕迹是绘画单细胞因素，是绘画本质所在。所以，从某种意义上说，调子在绘画作品中的地位是不可忽视的。利用块面造型的方法是画素描常用的方法，它运用几何形的方式，把物体的体积概括出来，并用明暗调子把它分出来。画画不能完全依赖画家的眼睛，用理解和经验来帮助自己处理一张画面，往往效果更理想。块面造型便是通过对形体的理解加以概括和归纳，把观察到的东西表现出来。素描教学就是不断重复着原理，循序渐进，把观察与经验相结合，这也是作画时的基本思路导向。如果说块面造型是把无数的形体加以概括，那么还有一种方法恰恰相反，它是把大的形体拆成若干个小形体然后再组合到一起，这叫做链状造型。链状是一种比喻，说的是小形体像链子一样连接起来，变成一个大的形体。这种画法不但是一种表现方法，也是对形体结构的一种理解方式。
素描的各种因素都不是独立存在的，它们互相依赖、互相制约，是相辅相成的，如何正确地处理好这些因素之间的关系，与画家的认识程度、绘画技巧及艺术修养都是有关的。我们要学会用辩证的思维方式处理好各种因素之间的关系。比如画一条线的时候不能忘了其他因素的存在；画一个小形体的时候不能忘记它所依存的大形体。前面谈到的比例、结构、明暗等因素，画家只有熟练地运用诸多因素之间的关系时，它们的价值才能充分显示。也就是说要想画好一幅素描，必须学会同时驾驭各种因素，并且把握好它们之间的相互关系。要辩证地看待各种因素，尤其整体与局部之间的关系。画面是一个整体，只要作画都是从局部开始。所以说，整体画是相对的，而局部画是绝对。画家要做到心中有整体，至于着手是整体还是局部取决于画家的方法。主观与客观的问题也是相对矛盾而又不可分割的两个因素。画家通过对客观事物的认识，把现实生活中的形象表现出来，这不但是对物质世界和社会生活的一种再现，也是画家绘画创作的主观表现。生活不等同于艺术，而艺术却来源于生活，齐白石讲的似与不似之间，就是反映画画的主、客观矛盾。世界是由一个大的矛盾体组合，矛盾无所不在，在素描教学中，一种为了表现客观真实，一种为了主观的自我表现，这正是一种辩证的关系。感性认识是理性认识的基础，理性认识是感性认识的深化，感觉到了的东西不一定就能理解，理解了的东西才能有更深刻的感觉，这就是认识论的辩证法。在素描训练中，感性和理性是互相依存的，二者互不可缺。我们应首先培养正确的方法，增强感性的认识，深化理性的理解，发现其内在的本质和规律，再通过感性表现出来。
思考如何素描的问题，几乎是每个学画画的人在大学时期都要面对的，没有思考过素描问题的人很难在画面上做太深的文章，这是必须要通过的门槛。笔者认为，应改变高考前那种模式化的素描，从寻求真正意义的传统素描着眼，从课堂教学实践中入手，形成一整套新的对待素描的方式。把传统素描大师作为榜样应该是这段时期最好的学习方法，寻找与自己气质相近或是自己喜欢的大师，体会他的观察方法和思维方式，以此研究素描的造型规律及表现手法，对学好素描会有很大的帮助。
笔者有幸从事高考的指导工作，进行了一些新的尝试策略。
一、以站姿为突破口
1.掌握重心、构图的知识点
初学者从简单的站姿开始，笔者认为是最明智的选择。因为站姿的结构、动态相对坐和蹲而言变化不大。再者这个阶段学生容易不知从何下笔。笔者首先从临摹局部入手，先是头像，再是上下肢，然后是脚和鞋子。高中阶段学生对新知识接受的能力是较强的，不必担心临摹的种类多。在此阶段，要求学生有一定的认识，局部的结构上不精准属于正常现象，作为教师不必担忧。其次，笔者做了个小的跳跃，局部的写生练习，目的是考查学生临摹后获得的知识有多少，从写生中加强局部。紧接着，笔者开始进行整体的站姿临摹，在临摹中重点把握重心、构图。临摹到一定的程度，进行写生的重心、构图要求，让学生在写生、临摹交替中把握好重心、构图的知识点。
2.把握站姿的大动态和基本的比例
说到动态，学生必须理解人体结构、同时理解人物在不同的站姿时产生的人体头、胸、臀三大体块的运动韵律。现行的人体动态书籍教材多应用《伯里曼人体结构绘画教学》，这本书讲了很多人体的动态原理。笔者给学生临摹其中的人体动态，不断地讲述三大体块的变化。学生在绘画站姿时有了一定的分辨能力，了解了哪些不符合人体的变化规律。动态的写生选定的动作要有“造型性”，可以指定某个动作，不论怎样的动作都离不开上下肢的伸曲、前后，三大体块的旋转扭动规律。另一个是动态的美感。只要我们稍加留意，就可以在教室中发现很多的日常动作，例如，跷腿坐向后仰的动作、站着弯腰的翻书动作等等。 了解了人体结构变化、自然美感，紧接着就是在动态速写训练中抓住人物造型和人物的“动态线”。动态线是人体中表现动作特征的主线，动态线一般表现在人体动作中三大体块的变化关系上。当人物侧面时，动态线往往体现在外轮廓的一侧；当人物正面时，动态线会突出于脊椎和四肢的变化。抓住动态线对于画好动态速写是至关重要的。
临摹写生并用后，学生在人物的比例上已经有了一定的判断力。通过本阶段的学习，学生用笔量头长的现象减少，对站姿的比例能一眼分辨。
3.站姿动态线条的表现
线条的表现力能够使人物有生气、协调、舒展，对于增强画面的效果，传达作者的审美意向具有十分重要的作用。人物速写中的线条有三方面的基本要求。（1）主线条表现人物主要姿态。（2）穿插线条表现人物衣纹、结构。（3）虚实长短线条表现人物的层次、结构。同时，应避免把人物的外形及线条的轮廓处理得死气沉沉，缺乏健康的气息。如果能够在线条的使用上有更多的变化，那么作品定是一幅佳作。学生刚进行写生时，不知从何下手，所以训练时，笔者仍然采用写生临摹相结合，有针对性地进行练习，遇到困惑的多看书参考。例如临摹衣纹，写生也是同角度的衣纹，观察与对比同时进行，让学生学会提炼、取舍。通过一段时间的学习，学生学会了抓主线，观察后能处理好主次线条，线条的穿插也考虑到其中，作品会越来越好。在此阶段，笔者特别注重评画，在线条的应用上不断地提出要求。
二、坐姿、蹲姿的练习
与站姿相比，画坐姿、蹲姿的难度是很大的。但是， 有了站姿的绘画基础，坐姿、蹲姿的习作练习就迎刃而解了。在此阶段，重点是人物结构的变化，特别是臀部、腿部、脚部的透视变化。同时要注意人物的比例、构图的大小，对于线条的取舍、线条穿插不必再强调。这样，在此阶段就可省略讲解很多的知识点。
三、单个人物的记忆、默写
学生在临摹、写生的交替中不断地积累素材。在此阶段，笔者采用先画出大动态线，接着观察两分钟的方式，最后进行补全的方式训练。进行一段时间后，选择先观察后默写的方式。这样，人物的速写就可以提高到另一个层次，单个人物画好了，组合人物就好解决了。
人物速写是一种实践性较强的艺术表现形式，也是对学习者毅力和恒心的考验。只有坚持不懈的精神，才能练就一手好的动态速写，体会到收获成绩的喜悦。
参考文献
摘要：设计素描在艺术教学中具有重要地位，在素描教学中如何提高学生潜在的艺术素质和创造能力，如何将素描的绘画性和创造性有机地结合起来，使学生具有扎实的素描表现与创造才能，是高等艺术院校培养复合型设计人才的关键。
关键词：素描教学设计素描创造力
当今素描在高等艺术院校的重要地位早已被大家所认同，但如何使素描教学更有效地发挥作用一直是大家探讨的话题，围绕着素描教学如何有机地同提高学生潜在的艺术素质和创造能力结合起来已成为焦点。早在包豪斯学院时期，艺术教育就提倡艺术与技术的统一，并聘请伊顿、康定斯基、克利、蒙特里安等当时颇具影响力的艺术家组织双轨制教学，目的是培养具有艺术修养和科学实用设计思想的综合人才。克利认为：“不应该模拟自然，而是遵循自然的发展规律和法则，法则造成自然，而不是单纯地再现自然的外表而已。”这种观念曾经被人们所淡忘，但在经历了近百年的历练后，人们再次发现了它的内在价值。这也提醒人们，素描作为艺术教学的基础课程所担负的重任，如何培养复合型的设计创作人才成为大家关注的重点。
当前设计专业的素描教学内容已超越了写实与具象表现的范畴，要求把培养学生的综合艺术素质放在首位。这一点可从19世纪末20世纪初的艺术家中得到启示，他们把艺术语言的创造观念发挥到了极致，塞尚采用几何化的手法概括和改变对象的形体，分割画面，打破了传统忠实描绘对象的手法，这种主观的艺术处理给人一种崭新的视觉冲击，而毕加索则进行了更为大胆的尝试，不仅对物象的外部形态加以变形，更在神态上进一步夸张，采用种种反常规的手法，从而达到艺术上的惟妙惟肖的效果，这也反映出这位大师摆脱了客观物象的束缚，在观念和手法上达到随心所欲的完美境界。马蒂斯则注重画面的构成形式，强调画面的色块对比及画面的装饰意味和情趣。塞尚曾经说过：“艺术不是自然的简单再现，而是在自然中找出严密的秩序，然后重新构成画面，从而创造出新的自然。”说明完美的艺术作品的产生源于创造。而另一位艺术大师罗丹也曾说过：“仅满足于形式以达到乱真，纠缠于无足细节表现的画家，将永远不能成为大师。”从以上两位大师的话语中不难理解艺术创造的重要性，其最终目的是发掘表现事物的本质，这种观念给后来的设计师们造成了巨大的影响，对于设计专业的素描教学也是非常值得借鉴的。设计素描教学内容应遵循渐进的原则，重视学生的创造才能的同时也不能忽视他们造型能力的培养，避免走极端的做法，使设计素描的绘画性和创造性有机地结合起来，使学生具有扎实的素描表现与创造才能。首先从线条的角度练习几何形体结构素描、超写实素描，认识和掌握线语言表达的不同状态，如：情感、材质等。掌握用线条虚实表现复杂组合形体的空间穿插结构关系，锻炼学生学习空间思维想象的能力，着重理解、区分，表现石膏几何形体与不同材质形状的物体的质感、形状组合特点，了解规则形体与不规则形体之间的搭配组合关系，及实际生活中不同形状、质感、量感的物体，如何用线条、明暗、肌理等素描语言去描绘他们的本质特征，此阶段还包括物体自由组合默写素描，可借鉴实物，但要求学生主动地从构图、形体、材质、色调等诸多方面去创造一种新的画面构成语言；另外，为了加强学生学习静物素描的积极主动意识，可结合设计创新思想去进行艺术加工与处理，如变形、平涂、对比、夸张等美学法则，同时提供范画以增强学生的形象思维理解能力，提醒学生注意画面色调的整体布局及构成关系，提高学生对画面的宏观调控水平。其次是人物头像与人物全身着衣素描写生与创意，目的是提高学生造型能力的同时注重人物解剖结构的分析与处理，因学时所限，故以速写形式为主要表现方法去认识人物结构与衣纹变化的关系，以及认识人物在不同姿态下的比例关系和构图关系，增强学生的速记和默写能力，提高学生的审美意识，为人体写生做好铺垫。人物创意练习主要从形态、比例、重心、结构、构图、色调等方面去进行创造，采用平涂、肌理、变形等方法，可以是一个或多个人物组合，充分体现对象的特征和神韵。再次为风景速写与创意，描绘对象的内容可以是校园、公园、街景和乡村景色等多种题材，速写是锻炼学生对事物的敏锐感受及对画面的主次、取舍、空间等构图关系理解的最好途径，以及怎样处理好复杂事物和如何形成画面对比关系的能力，艺术源于生活，是在生活中发现、整理、创造美的形式，也是艺术专业一贯倡导的学习方式，风景速写中注意造型关系、透视关系的同时，应提高学生对线条的理解，每个描绘的对象要有详有略，不要让学生认为画的越精细越繁琐越好，要讲究线条的虚实与粗细、画面黑白灰的对比关系的表现。风景创意要根据已完成的作品去体会和感受并加以创造，创造是对生活原形特征的高度夸张与概括，不要在创造中失去物象的原始特征。最后为人体设计素描写生与创意，它有别于绘画性素描，强调以速写形式为主去描绘在不同角度、姿态下的人体变化规律，这样学生既提高了写实能力又掌握了人体的结构比例关系，人体素描写生是设计素描学习的最高阶段，人体速写还锻炼了学生快速捕捉对象特征的能力。在此基础上进行人体创意表现，充分发掘人体在设计中的魅力，实现设计以人为本，并最终为人类服务创造条件。
在设计素描教学中应针对不同专业的特点，教学训练表现方向应有所侧重，但设计素描所追求的设计思维意识、设计思维理念是共同的。设计创意素描能够让学生主动地观察与思考问题，锻炼学生的创造力和想象力，培养学生的创造性思维方式。创意初期凭空想象对学生有一定的难度，可采取局部借鉴的形式，随着能力的提高，则要求学生独立创造。设计素描创意大体可归纳为超写实素描创意，运用素描写实技巧把不同物象加以重构，产生离奇、荒诞、幻象等非常规和非逻辑的图式，形成画面新的含义，或者就物象的某一局部进行超写实表现，造成一种视觉冲击使人过目难忘，产生一种特殊的感染力；对画面图式进行抽象性素描创意，根据对具象形态认识理解的前提和基础，诱发创造性的抽象思维，画面形象可采用纯抽象的元素或具象和抽象相结合的方法，运用平面构成的形式美法则创造出个性化素描的形式；材料肌理素描创意，材料是视觉传达的重要途径，也是视觉语言创作过程中不可或缺的重要条件。设计素描的学习过程中可借助不同材料去表达素描语言，也可以依靠辅材料和素描绘画语言构成画面肌理效果，丰富的肌理效果能够启发学生的创作灵感，赋予素描作品以新的形式和意义。
设计素描的地位和作用对于每位学生或设计师来说都是不容忽视的，它是记录设计理念的一种表现形式和手段，是整体设计过程的一个环节，设计素描的表现过程也是创造的过程，是造就设计大师的前提和基础。
在绘画领域，“简化”不是简单化，而是绘画利用自身的语言――线条、色彩，在平面内用尽可能少的结构特征把复杂的材料组织成有秩序的整体。因简化律形成的平面、色彩、线条及彼此间关系形成的有意味的形式即张力结构，主体视知觉能在此简化形式中感受到的再造艺术空间和线条色彩的生命力。在教学过程中，我们可以从以下几个方面进行教学活动。
一、关系的简化
“简化”不是简单化，简单指事物相比之下量的减少和质的降低，是和复杂相对的概念。一支民歌比一曲交响乐简单，一幅儿童画要比大画家的名作简单。“简化”是视知觉在绘画艺术中的运作方式。画利用本身的语言在平面内对视觉式样作整体把握，整体形象是绘画语言加工过的语法结构，提供“语言”加工的素材就是视觉概念形象，视觉概念形象是主体视知觉对视觉式样的整体形象把握，视觉式样作为刺激对象作用于我们的视网膜时，因为光线明暗或主体所选视角不一的原因，主体对同一视觉式样的概念形象并非同一化。视觉神经中的锥体细胞对刺激信息作出筛选，视觉概念形象并不是对视觉式样在视网膜上刺激的机械复制，而是形成主体自我的视知觉形象。其认知形象遵从视觉的简化律原则，简化律立论的根基是在视知觉的大脑力场中，视觉概念以求简单、稳定、有序、平衡的形状和色彩掌握视觉式样，比如相互之间距离相等的平面内四点，我们会把它知觉成一个正方形，很少把它看成是两个三角形的组合或者一个三角形外加一点。人体的各部分结构，诸如一双眼睛、一对耳朵、头部、躯干、四肢都趋向分离，因为其中有趋于简化的各种稳定的形状――近椭圆形、近柱形、近球体，但若不四肢与躯干并为一个整体就没有分开更为趋简有序，更容易把握；但若一个人坐在床上或椅子上，人与椅子的分离是很明显的，我们的视觉绝不会把人体的某一部分混同为椅子或床的一部分，也不会把床或椅子的某一部分作为人体的一部分，因为各自的外观色泽及外在形体各异而呈现分离状态，因为简化律，人与物件分别形成一个整体，二者分离。绘画艺术形式是对视觉概念的再现和创造，“手中之竹”不等于“眼中之竹”，绘画自己的存在方式二维平面与视觉概念的三维相对，“语言”媒介是色彩和线条并非视觉概念立体形象和固有的色彩搭配。绘画作品要凭借自身媒介表现对象的结构特征从而形成整体形象，同理，视觉式样的特征图式尽可能用绘画的语言在二维平面内表现出来，视觉对象的自身存在要在二维平面内得到展现，内部结构和部分间的关系需要经过线条色彩的表现力得到表达形成有秩序的整体。视知觉对视觉式样形成的视觉概念在绘画作品形式中呈现趋简趋向，但绘画的魅力是空间和“语言”能表达对象的结构特征形成有意味的形式即张力结构。
二、有意味的形式
“有意味的形式”，克莱夫・贝尔在《艺术》中认为“形式”就是真正的内容，是指线条、色彩的表现力，以及彼此间纯粹的关系，不涉及再现对象和传达信息，仅仅是形式感，贝尔的真正形式是艺术的素材，是不值一提的。现实主义传统的绘画特别是再现历史题材作品的价值在贝尔的眼中是大打折扣的，现代主义的绘画作品则备受其青睐。这里所用的“意味的形式”是指绘画的张力结构，只有拥有张力结构才能成为绘画，主体的视知觉能否在作品中固着状态中感受到类似于“物理力”的视知觉力，具有自身的位置、距离、方向和强度。
绘画仅拥有二维的存在空间，主体视知觉的张力没有让绘画的艺术空间固着于二维空间，视知觉力类似物理力对二维平面有拉拽的力量，有了三维空间的深度，视知觉概念的三维空间得到合理复原，视觉式样获得更大活动自由，存在方式获得超越。杨・凡爱克《阿尔弗尼夫妇像》是彻底的写实主义作品，前景中的地毯，还有通过镜子反射的通道，夫妇处于空间的正中央，背景中各种餐具和墙面，空间中的各形象各得其所，又统一于整幅画作之中，画中人物恰似复活，观赏者有身临其境之感，二维平面很自然地得到三维空间的延伸。达・芬奇《圣安娜与圣母子》三人物之间的关系亲密无间，人物栩栩如生，仅有的平面对人物的塑造在三度空间中获得补充。中国传统绘画是“线”的艺术，对线条的运用很广泛，众多水墨山水画能让我们感受到涓涓细流，泉水叮咚，花树争春斗艳，高山大气磅礴，著名画家马远号称“马一角”，往往只选取尺幅内一角作画，所画之处与空白之间因为视觉力的存在，结果无画处皆成妙境。中国山水画特有的意境是以有限的线条牵引出无限的想象和再创造。徐悲鸿的《奔马》气宇轩昂，仅凭借线条形成的形状和墨色浓淡之间的视知觉力让马的气质和神态一览无遗。西方绘画是色彩的艺术，“严格来说，一切视觉表象都是由色彩和亮度产生的，那接顶形状的轮廓线，是眼睛区分几个在亮度和色彩防哪个面都决然不同的区域是推导出来的”。艾尔・格雷柯《圣母同圣乃斯和圣泰克拉在一起》，各人物的主次是画面位置所决定的，但人物圣母与天使和圣徒间的关系，是靠着装颜色构成联系，视知觉感受到的色彩之间的吸引和排斥，最后达到动态平衡。现代派中野兽派的代表马蒂斯名作《奢侈》大快红、黄原色及绿色的使用，相互之间形成互补、对立和制衡，给人耳目一新的感觉。
在教学活动中，我们运用这些方式理解绘画的“有意味的形式”，有利于学生对绘画理论知识的掌握和理解，能提升学生绘画修养，从而更好地指导学生绘画的实践创作，并发挥积极作用。
一、仔细讲解绘画步骤, 提高学生基本技能
美术创作的过程是有一定步骤的。首先, 要从欣赏入手, 再按照静物速写、风景速写、人像速写、动态速写、主题性速写这一顺序进行由浅入深的创作。初中生对于速写并不感到陌生, 虽然这一阶段的学生具有一定的造型能力, 但是并不细致, 同时也欠缺主观情感表达能力。对于这一年龄段的学生, 他们的笔法往往比较简洁, 绘画生动活泼, 可以在较短的时间内用有趣的图画来表达自己的真情实感, 这是初中生难能可贵之处。作为初中美术教师, 我们一定要把握学生的年龄特点, 发挥学生的优势和长处, 引入多样化教学手段, 给学生讲清楚绘画的具体步骤, 让学生做到心中有数, 从而提高学生的绘画水平。实际上, 速写的题材与内容都非常丰富, 可以画静止物体, 如:文具、书包、花盆等, 也可以画人物, 如:家人、朋友等, 还可以画大自然景物, 如:大树、鲜花、小桥、房屋等。速写的基本步骤如下:一是从整体上看实物;二是观察实物, 找出基本特征;三是找到最佳的入手之处;四是依次绘画;五是对整幅画进行补充和修改, 最终完成一幅画。由此可见, 贯穿速写画始终的就是两个字观察, 每一步都离不开观察, 观察力强的学生必定能画出优秀的作品。又如, 在画人物画时, 学生应先用简洁的线条勾勒出人物的形体和动态, 这几根线就是主线, 然后再画出其余次线。在人物画像中, 只要是贴近人体结构的线条就是实线, 一定要画得准确;只要是不贴近人体结构的线条称之为虚线, 要画得生动与流畅, 加强画面的节奏感。还有一种速写方法是按照从大到小的顺序进行绘画, 先从大的形块入手, 可以画得比较有情趣、比较生动。此外, 教师应指导学生掌握人体的解剖结构, 以免在形体结构上发生错误。教师只有让学生熟悉速写技法, 并掌握整个绘画过程, 才可以化难为易, 激发学生浓厚的绘画兴趣。
二、贴近生活实施教学, 拉近与艺术的距离
艺术来源于生活, 任何成功的艺术都离不开生活的熏陶, 所以在美术教学中, 教师应贴近生活实施教学, 不能脱离实际。教师通过生活挖掘学生感兴趣的内容, 站在学生的角度选择教学切入点。通过实践教学, 我们发现很多学生不愿动脑思考, 总喜欢模仿别人的作品, 所以出现很多雷同画作。面对这一现状, 教师要鼓励学生张扬个性、凸显自我、大胆创新, 将自己的思想融入作品当中, 让自己的作品富有灵感。例如, 在教学静物素描时, 教师可以让学生选择自己身边的事物作为素描对象。首先, 教师将自己的一幅作品导入新课中, 让学生对这幅作品进行评价, 并相互交流, 在这一过程中引导学生掌握素描的构图技巧和关键点。由于素描知识相对枯燥, 为了激发学生的学习兴趣, 让学生对物体形状和阴影变化有更深的了解, 教师应引入生活中的实例实施教学, 让学生联系生活主动学习, 充分了解物体形状与光影的变化。贴近生活引入实例, 不但可以吸引学生的注意力, 而且能够拉近学生与艺术的距离, 促使学生主动发现生活中的闪光点, 让美术与生活更加贴合, 使学生在艺术殿堂中感受生活的温暖。
三、利用电子白板技术, 凸显教学的人文性
每一件艺术作品都是由人创造的, 那么其中就蕴含了各种各样的人文思想, 具有很强的人文性, 尤其是古今中外的艺术佳作, 蕴含了丰富的道德、情感、意志等思想特征, 需要学生深层挖掘。但是传统美术教学中, 教师大都采用书本或挂图呈现艺术作品, 这样的呈现方式相对单一, 而且不能将作品的空间存在形式展示出来, 无法满足学生的认知需求。当然, 这种展现形式也缺乏美感, 不能调动学生的审美欲望, 更无法从中把握作者想要表达的思想情感。因此, 随着多媒体技术在课堂教学中的应用, 教师应充分利用电子白板软件, 从网络中精心选取教学素材, 结合学生实际, 创建每个章节所需要的资源文件夹, 根据具体的教学内容, 从中选择不同历史时期、不同国家的艺术作品呈现给学生。为了让学生对作品产生更为深刻的认知, 教师可以利用三维或四维空间功能, 将作品全方位地呈现在学生面前, 便于学生观察每一个细节, 引导学生从不同角度进行分析, 并充分感受作品中蕴含的人文思想, 深刻体会优秀作品的艺术魅力。例如, 在教学古代书画内容时, 教师可以利用电子白板呈现工笔画的花鸟图和写意画的花鸟图, 让学生对比分析其中的不同之处, 再给学生呈现水墨山水和青绿山水, 并讲解画的发展史, 同时鼓励学生相互交流、讨论、探究、欣赏, 并提出自己的心得体会。通过多媒体呈现, 学生能够在仔细观察中对比分析, 发现美术艺术的丰富多样, 并采用不同的绘画方法展现不同的视觉效果。这不但有助于激发学生浓厚的学习兴趣, 而且能够培养学生良好的鉴赏能力, 并在潜移默化中渗透人文思想。
总之, 作为初中美术教师, 我们一定要注重采用多样化的教学方法和手段, 深入挖掘美术教学的艺术价值, 让美术课程在素质教育中真正发挥作用, 提升学生的整体素质。
参考文献
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关键词：动画教学；素描；课程设置；教学安排；造型方法
Abstract: With the development of CG technology, animation industry fragrance for AI, how to cultivate the creative and practical ability is our teacher faces new challenge. As animation students sketch is not only to solve complex technical problems, more want is in the art of judgment and choice. Therefore, animation students sketch and traditional painting majors in the curriculum teaching of sketch, arrangements, and the modeling method to be different. The following is my professional film and television animation sketch some understanding for your reference.
Key words: teaching animation; sketch; curriculum; teaching plan; modeling method
中图分类号：C41文献标识码： A 文章编号：2095-2104（2012）06-0020-02
1、课程设置上
1.1 人物写生练习，在动画片中，人物永远是主角，即便是动物也是用拟人化的手法来表现的，学生在学习的过程当中要不仅要掌握人体的解剖知识，要学会观察、体验、分析人物，同时要把人物的特点准确的表现出来。人物写生通常可以分为人物头像写生、人物半身代手写生、人物着衣全身写生、人体写生等。
人物头像写生相对全身及人体写生来讲容易一些，在进行人物头像写生时要考虑头部个体之间的差异性。头部的个体特征分为头部的外形特征与五官的特征这两方面，所以在写生时要抓住人物的外形特征的，它决定了人物的基本特征。而人物的性格及思想感情是通过五官反映出来的，在写生当中要认真的体会，仔细研究人物的五官的特征例如嘴角、眼角、皱纹、眉毛等等，这样通过对整个面部形象的探索、研究、表现最终会形成一个生动的头部形象。
人物半身带手写生练习主要是解决好头、劲、胸、腰、肩及腿部之间的关系。写生时虽然人体大部分是被包裹衣服里，但人体结构的基本形体特征决定着整个外形，尤其是躯干部分，它影响着人物的整个造型，也可以说掌握躯干的造型是画好半身带手写生的基础。在写生当中，可以根据躯干肌肉的走向以及胸部的构造，把躯干形体分成为若干个大块，这有助于我们掌握躯干的形状，更好的理解和表现形体。同时要注意手的造型结构与变化，手通常被认为是仅次于颜面的第二表情，对于他们的整体形状，位置及运动后的变化必须作仔细的研究。虽然手的结构关系很琐碎，但它确是画好手的关键。
人物着衣全身写生练习，这部分主要是放在人体结构的关系与衣纹的组织与处理上。在动画作品中，人物的衣纹是不可忽视的重要组成部分，它不仅在表现人物身份，气质等方面有重要意义，而且在艺术表现方面也常常起着衬托与对比的作用。着衣人体仍旧保持着人体的主要结构特点，表面上是在画衣服，其实质仍然是怎样画准人体。由于衣纹会因服装自身的重量，质地以及外在风力等产生各种变化，因此学生要仔细观察和体会，找出其中的规律。
人体写生是绘画中最难控制的学科。学生必须勤学苦练有了画好人体的基础。其他的物体就迎刃而解，画人体时最主要是要了解人体的基本结构，可以将人体的各个局部性状概括理解成具有相应特征的几何形体，如立方体，球体，与圆柱体等等，这样便于学生掌握人体的基本结构，同时还要观察人体的动态动作最终掌握人体的运动规律。
1.2 动物写生练习，有很多的动画片是以动物为主角的如《狮子王》《海地总动员》等。以配角出现的则更多，数不胜数。因此把动物造型训练纳入基础课的训练就显的十分的必要，而对动物进行解剖结构分析是画动物的基础。要熟悉和理解骨骼和肌肉之间的关系，更重要的是要表现它们结合在一起所构成的形状，以及在运动中的伸缩规律，学会对动物结构的简化，不必学习整个骨骼结构的所有细节。由于课堂授课的局限性，学生相关的解剖知识多从解剖书籍中获得，仅仅目识心记是不行的，还要多画，多临摹。令外，画动物与画人一样，不仅要多观察各种各样的动物，了解动物的习性和运动规律，更要善于归纳和概括，同时在掌握了动画的运动规律和解剖知识外要加强对动物形象的夸张和变形的练习，毕竟在我们今后的动画创作中动物往往是以拟人化的形象登上银幕的。最后在写生练习时不要过多的关注动物美丽的皮毛和漂亮的图案，要抓住动物的本质，只有这样才能创造出有个性特点的动物形象。
1.3 风景写生练习主要是以描绘自然风景，建筑风景配以人物。动物为主的写生练习，写生中大量收集创作素材是非常重要的，这也是动画教学的特点，巨大的风景和建筑造型也是奠定动画片风格和基调的因素之一。通过风景写生可以培养学生敏锐的观察力和表现力，更能够感受大自然的美，提高自己的审美趣味，从而升华出动画创作的灵感。风景写生一方面要符合自然的正常的透视规律。准确地表现天地，建筑花草之间的关系，另一方面是要发挥自己的主观创造性，对实景合理的进行取舍，使画面更符合形势美的规律。重要的是要在写生中养成好的取景习惯，要既有大场景也有大特写。同时要熟悉不同地方，不同的人所居住的房屋、生活环境、四季的不同；气候中阴、晴、雾、雪等天气的变化。了解大自然，热爱大自然，它们是一部动画片成功的因素之一。
1.4 景物的写生练习，这部分可以把它分为静物写生和室内环境写生，对于这部分的练习相信学生已很熟悉，在这不做更多的表述，但对动画专业的学生来讲除了能够表现静物的质感，色彩肌理等，还要会设计经静物，因为在以后的动画设计当中大到一座城堡，小到一件首饰都需要一番设计，这些能力的培养多来自静物写生。室内环境写生也一样，通过对环境的写生练习及设计能够培养学生的空间意识及透视概念，为今后的创作做好准备。
2、在教学安排上
动画专业的绘画课程除了沿袭了美术院校的传统外还具有快，短，多的特点，要长期作业与短期训练相结合，要加强速写的训练，学生通过这种大量的短期作业的训练才能达到质的飞跃，同时这种训练方法也更符合动画的专业需求。这缘由于在动画片的制作过程中大量的绘制工作，尤其是传统的二维动画，哪怕只是一部动画短片，也需要绘制成千上万张图画。即使是一秒钟的简单动画也要绘制十几，甚至是几十张画稿。因此，动画学生在此方面的能力培养，就依赖于平时进行大量的短期素描和速写的训练，培养学生迅速掌握对象动作，表情的描写能力。另外，默写也是必不可少的，默写是在反复地观察，理解记忆及实践的基础上进行的，默写能力的提高，它将在以后的创作中安排画面，勾勒草图上带来很大的帮助 。
3、在造型方法上
素描教学一般用线造型，面造型及线面结合的方法来表现对象，而线与面之间是可以相互转换的，面的转折处就是线；线的连续移动至终结就形成了面。在二维动画中线的运用是最广的，许多角色及场景都是用线来表现的，线的表现力也最强，中国画的线描堪称是线画中最高级、最丰富、最完美的形式之一，据有极高的表现力，速写也通常是用线来表现的。线条具有很强的生命力，线条有粗有细、有长有短、有虚实变化。由于线条丰富多样的表现力使得它他成为最实用最精炼的造型方法。面的造型方法是同过光线照射在客观物象上的直接外在的感受的描绘，用写实的手法表现对象在不同光线，不同角度下的形态特征，这与三维动画中建模贴图的概念相同。学习掌握面的造型，通过对形体的分析，归纳不断的提高自身的造型能力，为今后的动画创作打好基础。最后就是线面结合的方法，在绘画当中它是折中主义的艺术手法，也是表现形体的重要方法之一。
