时间：2024-03-30 10:26:43
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇西方古典音乐的特点，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
一、中国古典音乐的分析
(一)中国古典音乐的概念
中国古典音乐是众多音乐形式中的一种音乐类别。中国古代的音阶分为:宫、商、角、变微、徽、羽、变宫,称为七声音阶,就是现代音乐中的C、D、E、F、G、A、B。七声音阶通常以雅乐和燕乐作为主要载体。通常在宫廷的祭祀活动或者朝会仪礼中会采用雅乐。雅乐起源于我国周代,起初用于祭祀天地、祭祀祖先、宫廷朝会、军事大典等。燕乐指的是在中国隋唐时期到宋朝时期的宫廷宴请所用的歌舞音乐,具有很强的娱乐欣赏性,又称宴乐。宴乐由声乐、舞蹈、百戏、器乐等几种音乐形式组成,其中舞蹈、歌唱音乐在隋唐时期占有较为重要的地位。燕乐中的乐器有箜篌、方响、筚篥、羯鼓、琵琶、笙、笛等。
(二)中国古典音乐的特点
中国传统古典音乐通常具有抽象、深邃和虚幻的特点,可以使人体悟到真实的高山流水、山竹花鸟,随着缓缓的音乐应运而生,通过这种深邃的音乐可以将千古缠绵不绝的生命呼唤显现在人的眼前。那种说不清、道不尽的唯美感觉,就是中国古典音乐所崇尚的一种淡泊、典雅、含蓄、委婉之美,也是中国古典音乐独具之美。中国古典音乐注重的是心灵和心理上的感觉,就是通过音乐将生命的体验和领悟表现出来,最能体现的是中华上下五千年的生命意蕴。中国古典音乐,无论是在心灵上亦或是在感情上,所崇尚的都是一种同大自然的交织相应,显现的都是诗情画意般美的意境。
中国古典音乐注重对情感的反映,通过乐曲可以使听众得到一种主观上的感受,通过乐曲也能够展现出当时的社会意识形态及人类情感世界。中国古典音乐通过作曲者对情感的捕捉,再配上旋律、声调、词、曲等综合形式,把作品呈现出来。中国古典音乐可以通过旋律、声调、词曲等元素的变化展现作品的内涵意境所在。中国古典音乐具有极强的感染力,使听众在听觉和感官上得到一种自然美、人性美、社会美的意境感受。
二、钢琴演奏的分析
(一)钢琴乐器的表现力
钢琴是众多西方乐器中演奏的表现力最为丰富的乐器之一,素有“乐器之王”的美誉,演奏起来非常引人入胜。没有任何一种乐器,可以独自将宏大的气势表现得丰富多彩、绚丽辉煌。钢琴的音域很广,可以达到6到7个八度,通过力度由弱到强的变化,表现多彩的变化,足以同一支交响乐队相媲美,钢琴演奏者可以独自一人通过钢琴创造出一个完美的作品,塑造一场生动的画面。
(二)钢琴演奏的音色特点
在数以百计的音乐弹奏中,钢琴演奏具有其独特的美学效应和发音特色。钢琴具有独特的如歌般的清脆悦耳的灵透的音色,可以将演奏者的情感表达得淋漓尽致,对于钢琴的演奏,要求必须具有纯熟的弹奏技艺,加上演奏者对于音乐深层内涵的理解。钢琴演奏出的音色时而优美甜蜜,时而咆哮愤怒,时而微微细语,时而奔腾豪放,其音色的变化具有极为广阔的空间和延展性。钢琴所独具的音色之美,是其他乐器无法比拟和仿效的。
三、中国古典音乐同钢琴演奏结合所产生的美学效应
通过中国古典音乐同西方乐器钢琴的结合就产生了一种全新的音乐——中国钢琴古典音乐。中国钢琴古典音乐同以往所说的单独钢琴音乐不同,同单独的中国古典音乐也不同,它是一种通过钢琴所演奏出的中国古典音乐,是一种全新的音乐艺术表现手法,是一种东西方的艺术相互结合所产生的结晶。中国古典钢琴音乐演奏具有极强的复杂性,演奏者除了要对音乐深入理解,还要在演奏时极为投入,把握和领会中国古典音乐真正的灵魂及内涵。只有把中国古典音乐与钢琴发音极为巧妙地结合在一起,才能够弹奏出极具中国神韵和静雅风格的中国古典钢琴音乐。
中国古典音乐同西方的音乐,在情感和意境表达、创作手法和表现形式上都有很大区别,中国古典音乐追求的是“神”“韵”“意”的传达和表现,音乐所要展现的是意境和内涵。通过与钢琴的结合,能够很好地弥补中国乐器所演绎的不足,更好地将中国古典音乐通过钢琴的音色表现出来,完美地展现出中国古典音乐的内涵。
(一)对于意境美的表达
钢琴具有极为立体化的音色,可以将中国古典乐曲的意境很好地诠释出来。在中国古典音乐作品中,无法找到纯粹的写实之物,大多是用来歌咏和抒情之作,无论是借景抒情还是借情叙景,都是一种在心理上的感情抒发。下面笔者以几首作品为例,对中国古典音乐用钢琴弹奏表达意境美做更深入的分析。
1.由王建中改编的现代钢琴曲代表作《梅花三弄》通过改编之后,使人们可以透过音乐感受到梅花的时而动态、时而静态的美,并且可以感受到通过傲骨之梅所创造出的意境,从而更加深刻地表达出作者高洁冷峻的情操。改编后的《梅花三弄》不仅再度发挥了原创的艺术之美,并且在原作旋律的基础上,更好地诠释了原作的精神内涵。
2.由陈培勋改编的现代钢琴曲之作《流水》,改编之后,使这首作品更加凸显出作品所要展现的流水之动态和人类同自然界之间相互依赖的意境。听众可以通过钢琴弹奏感受到作品所描绘的流水潺潺的小溪和波涛彭湃的江河,正是作曲者所要抒发的对祖国大好山河的热爱之情。
3.由黎英海改编的现代钢琴曲《阳关三叠》,通过改编之后,成为一首三段式结构的重奏曲。这首改编曲既保留了原作唐代琴歌的音乐特色,又加入了钢琴的特色,融入了一些不同类型的音色,使作品更加丰富,使人能够感觉到更多的层次感,作品改编后,非但没有失去古曲的特色,还增添了音乐的充实感,使旋律线条的音乐更能适应现代钢琴的演奏。
由以上几首古曲改编后的代表作来看,在旋律和音调上仍然具有传统音乐的古朴特点,又在旋律和音调上做了新的创造和发展,使作品不仅能适应现代钢琴的演奏,更创造出了一种深邃久远与现代派融合的意境,彰显了古典音乐的古雅内涵,又使乐曲显得更加余韵无穷。
(二)对于情感美的传递
通过钢琴演奏出的中国古典音乐可以更生动地传递出作曲者想要表达的情感之美,透过音乐的聆听仿佛能感受到作曲者在向人们描述着一个远古的故事。无论何种艺术作品都有其所要表达的情感内涵附着在作品里,听众能够在欣赏乐曲的同时,感悟到乐曲所要表达的情感,欢乐或是悲伤、幸福或是忧郁,都能够在享受乐曲的同时深刻地体会和感受到。
1.感受乐曲美妙情感
对于乐曲美妙境界的感受,是通过钢琴弹奏出的音符来传递的,无论欢快的还是低沉的乐曲都能够带给人全新的体验,使听众跳出现实世界,暂时“停留”在乐曲里进行一种精神层面的享受,更多地感触乐曲中的人与事物。
2.感悟乐曲情感之内涵
透过中国古典钢琴音乐,能够更深层次地挖掘到作曲者的思想意图,从而产生一种情感共鸣,感悟到作品中的灵魂所在,充分感受到作品中鲜活的人物及情感。透过中国古典钢琴音乐,可以把作品中某一时期的情感灌注其中,充分展现作曲者所要表达的意图。
3.灵魂的震撼体验
中国古典钢琴音乐可以拉近听众与作曲者的距离,排除时间的距离,实现两者间的时空对话,灵魂交流。钢琴所发出的的音色,可以使听众体验到作品当时所处的环境,从而通过对听众灵魂的碰触,感受到一种全新的震撼。在人类的灵魂深处,都存在着某种最为真实的情愫,恰巧通过音乐可将其唤醒,通过音乐使灵魂得到一种全新的震撼体验。
(三)对于旋律美的表现
对于音乐而言,其线条之美感是由旋律构成的。音乐透过旋律直接影响听众的听觉感官,使其直接获取到一幅臆造的景象盘旋于脑海。例如《渔舟唱晚》,透过颤音、滑音、跌宕起伏的旋律可以使听众仿佛置身一艘出海的渔船之上,感受到渔船被海水击打的水浪和渔家的歌唱萦绕在耳畔,击浪声、欢歌声美妙地相互交织在一起……中国古典钢琴曲在旋律上力求保留古典滑音、颤音,还加入了新的创造,在旋律上赋予了新意。通过对于音色变化、音乐力度和节奏的把握,使乐曲在旋律上更加丰富生动、起伏跌宕。通过钢琴演奏,不仅能表现出乐曲的古典之神韵,还能够融入西方的复调方法,使乐曲更加具有旋律上的线条变化之美,使乐曲更具表现力等。钢琴演奏更能够帮助欣赏者加深对原作的理解,激发其对美好事物、情感或生活的体验,进而展开对其的追求及创造。
(四)对于古雅典范美的诠释
中国古典音乐通过改编成钢琴曲,可以在保留原曲目的基础上融入西方音乐的曲式结构,形成一种全新的具有古雅之美的乐曲。中国古典乐曲通过改编能够更好地发挥出其古雅典范之美,听众可以透过钢琴美妙绝伦的飘逸质感,呈现古曲的淡泊幽静的古雅之美,更加拓宽了中国古典音乐的美学意境。中国古典音乐通过改编成钢琴曲,会将原有的淡雅从容、从俗到雅的平和幽静展现得淋漓尽致,使这种唯有中国古典音乐独具的博大、深邃、广袤的情怀得到一种极致的展现。如改编后的《梅花三弄》更加深刻体现了原曲的内涵精神,在乐曲的前奏上使用了低音八度的装饰音,使乐曲的音域更加浑厚辽阔,呈现出一种遥远的古雅之美;在乐曲的部分,改编者利用翻滚的音色凸显出梅花的孤傲之雅;在乐曲的结尾上,利用小二度的旋律使整个乐曲的基调变得轻松幽静,表现出古曲的格调及变化创新,让听众感受到梅花不惧严寒的高尚品格,同时又美丽孤傲的淡泊风雅之感。整个乐曲分为六个部分,第一部分旋律较和缓,在缓慢的乐曲中描绘出梅花的透明清秀;第二部分略见活跃之感,利用高音与低音的对比刻画出梅花的淡雅之美;第三、四部分则情绪高昂,显示梅花的刚烈气质;第五、六部分又转入平静舒缓,让听众联想到梅花的典雅之风。这六部分通过钢琴跌宕起伏的演奏给听众一种意犹未尽之感,梅花的超凡脱俗的气度及浑然天成的淡泊之美被一一呈现出来,极致地反映出东方艺术的古雅之美。
【关键词】基础教育 古典音乐 娱乐载体 精神内涵
古典音乐①是人类音乐宝库中的精华。美妙的古典音乐，在我国的基础教育中却遭遇了尴尬：在学术界和学院派眼里古典音乐被奉为经典，在中小学校里却不能被学生广泛喜爱。在我们的中小学校园里，似乎学生感兴趣的只有《江南style》或《小苹果》等流行音乐，后者甚至取代了一些学校校园体操音乐的位置。
探究当下古典音乐的存在状况，不论是发达国家还是发展中国家，同样都面临着古典音乐艺术发展日趋低迷的危机。有观点质疑，古典音乐对于尚在基础教育阶段学龄的学生来说比较难懂，很难了解作品内在的精神表达，好比小学生们背诵古诗词一样，不能即时理解，只在其口未入其心。难道因为古典音乐内涵深刻，讲解耗时就要避重就轻？殊不知，即刻见效的益处多不长久，构筑精神城堡的基石却需长时积累。不是所有的功效都可以立竿见影，但是否不“见影”其价值便不存在？古典音乐在基础教育中的发展已经低迷到了一定程度。更令人痛心的是，当下在中小学校园里，口水歌肆意横行，虽谈不上“毒害”学生，但其终究没有任何的营养。2014年9月9日，来到北京师范大学看望工作在一线的人民教师，发表了引人深思的谈话，其中讲到他很不赞成把书本里的中国古代诗词都给删掉②，他认为古代诗词是中华民族优秀的文化传统，应该让学生们从小就学，继而建立受用终生的民族文化自信。由此可见，古代诗词与古典音乐在基础教育中有着非常相似的不堪境遇。“兴于诗，立于礼，成于乐”③，让学生从小就接受古典文学、聆听古典音乐，即便仅能收获对于内容的记忆，这样也是有意义的。接受过相关教育的学生，他们到了一定的年龄，到了一定的情境当中，那些记忆自然而然就会被重新触动，彼时的眼中物、胸中情、脑中事高度相互共鸣而豁然开朗，这便是早时学习的功用。
古典音乐在学校教育中已如此不被重视，那么在社会生活中扮演重要角色的媒体又是否做了积极引导呢？
在现代的电视与网络平台上，古典音乐也被大量真人秀、生活类、婚恋类节目扭曲，沦为这些节目的娱乐载体。例如，2011年上海东方卫视的《中国达人秀》节目的年度亚军获得者“菜花甜妈”，她将普契尼的歌剧《图兰朵》中的一首经典男高音独唱曲目《今夜无人入睡》填入新的中文歌词，演绎成蔬菜市场版的《送你葱》而博得观众的捧腹大笑。当我们看到该电视节目拥有很高的点击率和很强的娱乐效果时，也会为古典音乐的精神内涵被无情剥离而扼腕叹息。在这类节目里，古典音乐作品内涵中的精神导向层面、能够表现出的精神愉悦与艺术审美的真善美被完全抽掉，取而代之的是纯粹娱乐、追求轻松的大众性消费方式。是因为古典音乐作为人类精神精华存在的小众性，还是因为现当代各种媒体在传播过程中的纯娱乐化制作使古典音乐的精神内涵被无情剥离？众所周知，处于基础教育阶段学龄的学生，他们没有很强的鉴别能力，他们需要媒体节目提供一些有价值的方向性引导。
古典音乐也应与时俱进，不断吸纳现代音乐文化中有价值的、能体现当代精神风貌的音乐元素。不断创新的音乐家也不在少数，理查德・克莱德曼和马克西姆等人就在此方面做得很有成效，集古典和现代之长的音乐作品使我们眼前一亮，也开辟出了一片属于古典现代相融合的音乐天空，让人感受到二者结合的无穷魅力。为古典音乐的传播也找到新的途径，不让其沦为娱乐节目的附庸，也不是成为基础教育中的摆设。
未来的古典音乐在基础教育中要怎样存在？古典音乐常被类比为展厅里的高雅艺术展品，神圣却不可触及。要改变古典音乐的发展状况，要让其走下展台融入我们的音乐生活。或许未来，古典音乐会成为学生们精神领域的信息共享活动，与听者不再是以施与受的形式存在，而是双方相互作用完成共通的一种精神对话。对于学生们来说古典音乐到底是鸡肋，还是佳肴？也将由他们自己去甄别、去选择。
从我国教育的阶段性发展的特点来看，在基础教育中，小众性的古典音乐被某种商业音乐弱化是必然的，被社会娱乐节目扭曲利用也是不可避免的。这也解释了缘何古典音乐在基础教育的窘境中一直发展不善。但是我们不必担心古典音乐作为一种音乐形式、音乐符号，未来在基础教育阶段会被弱化而消失。因为，更具持久生命力的古典音乐有助于此阶段学生规范严谨的求索态度的形成，也有助于多元思维形成，有助于学生们艺术素养的发掘与完善，还能鼓励那些思想敏锐者敢于超越自身传统文化的界限，去发展、去发现。
（注：本文为2014年黑龙江省艺术科学规划课题项目《交叉学科理论的古典音乐发展研究》阶段性成果，项目编号2014B054）
注释：
①本文所指的古典音乐包括西方古典音乐、中国古典音乐和当代严肃音乐。
②人民网消息指出2014年8月27日，上海市教育局将该市小学一年级语文教科书中的古诗词全部删除，仅以听力朗读形式保留。
③北京大学哲学系美学教研室.中国美术史资料选编（上册）[M].中华书局，1980：12.
参考文献：
[1]吴文瀚.当代古典音乐传播的景观式存在辨析[J].现代传播，2013（5）.
[2]海德里希・盖格.西方古典音乐在中国的历史与未来[J].曾金寿，译.星海音乐学院学报，2011（3）.
如何突破学科间的界限使英语课堂更有效？笔者以为，教师可以抓住每一单元的warming-up（热身）部分，对教材进行适当重组，并通过对这一单元涉及到的学科知识作一个简单梳理，来激活学生现有的学科知识，为后续的阅读教学搭建信息和语言的支架。基于这样的思考，笔者以Module 2 Unit 5的warming-up为教学内容上了一节探索课。
一、教学背景介绍
本单元的中心话题是“音乐”。warming-up部分呈现了八幅图片，分别代表八种为大众所熟悉的音乐形式，即古典音乐、摇滚乐、管弦乐、说唱乐、民族音乐、爵士乐、乡村音乐和合唱音乐，并要求学生“听音乐匹配各种音乐类型”。两篇阅读文章分别介绍了美国门基乐队（the Monkees）的成长过程和虚拟“人物”弗雷迪与他的乐队——两篇课文讲的都是乐队，没有介绍任何音乐流派和音乐家等信息，与warming-up的相关性不大。
在对音乐形式的探究中，笔者了解到古典音乐中的交响乐、协奏曲都是管弦乐的形式，不能称之为一个音乐种类。古典音乐这一说法本身就是一个非常笼统的概念。广义的古典音乐是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，也包含合唱音乐；狭义的古典音乐是指古典主义音乐，是1750-1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。古典音乐最著名的三位作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。事实上，高一学生在音乐课中已经接触了西方古典音乐发展史中的两个阶段（古典主义音乐和浪漫主义音乐），并基本了解这两者之间的差异。因此，笔者还是决定采用狭义上的古典音乐范畴。中国民歌《茉莉花》，学生也已经在音乐课上进行了欣赏。而说唱乐属于摇滚乐的一个分支，与摇滚乐并列作为一个音乐类别来说并不合理。如果把说唱乐作为一个音乐类型呈现给学生，则宜用重金属摇滚乐作为与它并列的一种音乐形式。
基于以上两个因素，笔者对教材warming-up部分所呈现的音乐形式作了调整，试图引导学生进一步走近这些音乐形式，了解它们各自的特点，而不仅仅是学习几个对应的英语单词。同时，根据本单元的主题，笔者对整个单元的任务进行了重组，打算结合“练习册”（workbook）中的“听力”（listening）和单元后的“趣味阅读”（reading for fun），上一节听说课。本节课的教学目标为：
（1）能够根据音乐片段区分七种音乐形式（古典音乐、爵士乐、重金属摇滚乐、说唱乐、民族音乐、乡村音乐和合唱音乐）及各自的英语表述，并用英语简要介绍这七种音乐类型的来源或特征。
（2）能够运用句式I （don’t） enjoy/appreciate/understand that kind of music because .../I find that if I listen to classical/pop music I feel ...谈论自己喜欢的音乐。
（3）能够听懂听力材料中“莫扎特效应”（Mozart effect）的内涵并提高听中记录关键词、听后组织主旨大意的能力。
（4）能够正确认识音乐的作用并用五行诗（cinquain）来描述音乐。
授课前一天，笔者布置给学生一份预习学案，要求学生每四人合作通过头脑风暴或查阅资料，了解与音乐相关的英语词汇，如钢琴、小提琴、黄铜鼓、架子鼓、键盘手、鼓手、旋律等。这相当于为课堂教学铺垫了一个语言和知识的台阶。
二、教学过程
1. 导入
笔者在课前播放乐曲《茉莉花》，并请会唱的同学一起唱。唱完后，笔者提问：
（1）Do you like the song？ What is the name of the song？ （你喜欢这首歌曲吗？这首曲子的名称是什么？）
（2）What else do you know about the song？ （你对这首曲子了解什么？）
（3）This is where we are going to adventure today — the world of music. Besides folk music， what other styles of music do you know？ （我们今天要进行一场音乐的旅行。除了民族音乐，你们还了解什么其他的音乐形式？）
2. 猜谜游戏
笔者提供一些资料，让学生猜“这是什么音乐类型”（分别是爵士乐、古典音乐、民族音乐、说唱乐、重金属摇滚乐、乡村音乐、合唱音乐）。
（1）It was born in the US around 1890， which was sung by black people and it roots in Africa. （产生于1890年，由非洲黑人传到美国。）
（2）Strictly defined， it means music produced in the Western world between 1750 and 1820. Works by Mozart are very typical of this music. （严格定义，以莫扎特为代表之一的1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐。）
（3）It’s a kind of traditional music from a particular country， region or community.（典型的地域性的音乐形式。）
（4）The words of a song are not sung， but spoken in time to music with a steady beat. It also means “Hip-Hop”. （以在机械的节奏声的背景下，快速地诉说一连串押韵的词句为特征的音乐形式，又称为Hip-Hop。）
（5）It was popular in the 1950s， and has very loud sound with strong beat.（流行于20世纪50年代，并有强有力的节拍。）
（6）Type of music that comes from the folk music of the southern and western US.（美国南部和西部典型的音乐形式。）
（7）It is traditionally a Christmas song， which is often sung in the church on Christmas Day. （源于西方圣诞节时教堂众人合唱颂歌。）
3. 听乐曲片段判断音乐类型
笔者让学生听一些乐曲片段，并要求学生判断听到的音乐属于哪种类型。（Now you are going to listen to some pieces of music. Can you recognize what kind of music they belong to？ ）
学生听音乐片段，并进行连线。
4. 认识各种音乐形式的乐器特点和著名音乐人
笔者让学生说说各音乐类型的乐器特点以及著名音乐人。（Can you just say something more about those kinds of music， including the typical musical instruments and famous musicians？ ）
笔者先让学生介绍他们熟悉的音乐特点，然后再进行补充。基本要点如下：
（1）Hard rock is a form of loud， aggressive rock music. The electric guitar is often emphasized， with the bass and drum. Guns N’ Roses is a very successful hard rock band in America， which has brought a lot of influence in the development of hard rock. （重金属摇滚乐是一种大声、带侵略性的摇滚音乐。电吉他、贝斯和鼓是重金属音乐中常见的乐器形式。美国著名乐队“枪炮与玫瑰”红极一时，并为重金属摇滚乐的发展带来很大影响。）
（2）Saxphones and trumpets are usually employed in jazz. The music style comes from blues. Louis Armstrong， the trumpetist， is called father of jazz. （爵士乐中经常运用小号和萨克斯来进行演奏。布鲁斯是其前身。音乐人路易斯·阿姆斯特朗被称为爵士之父。）
（3）Classical music： Haydn， Mozart and Beethoven are three famous musicians.（古典音乐三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。）
（4）Country music： Guitar is often used in country music. Take Me Home， Country Road by John Denvor is a famous piece of country music. （美国乡村音乐的典型乐器是吉他。约翰·丹佛是美国老牌的乡村歌手，“乡村音乐的代名词”。其代表作《乡村路带我回家》是著名的乡村音乐歌曲。）
（5）Rap comes from America. It is now very popular among youth， even in China.（说唱音乐来自美国，在年轻人中广受欢迎，在中国也有不少乐迷。）
（6）Choral is now widely seen on TV and in life， especially for celebration. There can be no musical instruments in the music form. In our school， there is a choral competition every year in May. （合唱现广泛见于电视和生活。该音乐形式可以没有乐器伴奏。在我们学校，每年五月也有一次合唱比赛。）
（7）Folk music or folk song has a long history in China. Chinese traditional musical instruments are used in the form of music， like flute， Erhu. And there are a few songs that are familiar to us. （中国民乐或民歌已经有较长的历史。通常采用中国古典乐器，如笛子、二胡等。也有一些中国民歌耳熟能详，比如《太阳出来喜洋洋》《茉莉花》等。）
5. 小组对话讨论个人喜欢的音乐类型
笔者要求学生组成四人小组，运用上面学到的知识组织对话（Which of the above kinds of music do you prefer/hate？ And why？），讨论时可以用上以下句型：
（1）I prefer/hate classical music because it makes me feel calm/relaxed/ ...
（2）If I’m worried/frightened/concerned about ...I prefer to listen to ...
（3）I （don’t） enjoy/appreciate/understand that kind of music because ...
（4）I find that if I listen to classical/pop music I feel ...
（5）I attach great importance to ...
6. 讨论音乐的作用
笔者让学生讨论音乐的功能：Music has a function of exciting or relaxing people. But what other functions do you think music has？（音乐除了使人兴奋或放松外，还有什么作用？）
学生讨论的结果如下：
（1）Music is an easy means of communication among cultures.
（2）Music can be a bridge to understanding a language and a person.
（3）Music is a motivational tool for learning another language.
（4）Music helps let out the composer’s feelings or attitudes towards the world.
笔者追问：It is said that music helps improve your memory. Do you believe that？ Let’s listen to the tape to see how it happens.（据说音乐可以提高人的记忆。你相信吗？我们来听一段录音，看看究竟是怎么回事。）
听力材料（The “Mozart effect”）原文如下：
Do you worry about exams？ Of course ， everyone does. Do you find it difficult to remember what you study？ Well， everybody has trouble remembering things from time to time. Do you know music can help you remember things better？
Scientists have shown that if you listen to classical music and especially Mozart while you are studying， it helps your memory. It is called the “Mozart effect”. It would be useful to know if the “Mozart effect” works with all kinds of music. Certainly scientists have done some experiments to find out.
They have tried playing other kinds of music （such as pop music） while students are studying， but it doesn’t work. It seems that the regular rhythms of classical music help develop one’s memory. However， this improvement only lasts for a short time. If you want to improve your intelligence， what should you do？ Scientists think that learning a musical instrument is helpful， especially for improving maths skills. This is because maths and music both use the same part of the brain. So if you want to be good at maths， perhaps you should go to a music class！
【Task 1】 Listen to the tape， and write down what the “Mozart effect” means to you.
Classical music， especially Mozart， helps improve your memory.
【Task 2】 Listen to the tape again， and decide whether the statements are true or false.
（1）Listening to classical music improves your memory.（T）
（2）The “Mozart effect” means listening to Mozart’s music.（F）
（3）To improve your long term memory you need to study maths.（F）
（4）Scientists think the Mozart effect works with all kinds of music.（F）
（5）Listening to music makes you more intelligent.（F）
【Task 3】 Talking after listening
（1）Do yo believe in the “Mozart effect”？ Why or why not？（你相信“莫扎特效应”吗？为什么？）
（2）Have you experienced it？ Give an example.（请给一个例子说明你的经历。）
（3）Do you think it works with other kinds of music such as pop music？ Give reasons. （你认为其他音乐形式如流行音乐有这样的作用吗？为什么？）
7. 创作一首五行诗来描述音乐
笔者让学生用下面的格式创作一首五行诗来描述音乐：
Music
______， ______ （形容词）
______， ______， ______ （动词ing）
______， ______， ______， _______ （单词）
_________ （单词）
8. 趣味阅读（结课）
在结课环节，笔者提供如下材料让学生阅读：
（1）Stick to it and stay with what is true in your heart. Music is fun， and is for your spirit！ Try many different styles of music， and always remember that music will never be a waste of your time.
（Robin Spielberg）
（2）I have never thought of writing for reputation and honour. What I have in my heart must come out； that is the reason why I compose.
（Ludwig Van Beethoven）
（3）Without music， life is a journey through a desert.
（Pat Conroy）
三、教学反思
对教材进行了充分解读后，笔者把音乐学科的知识与语言学习结合起来，使学生在探讨音乐中使用英语语言，在语言学习中了解音乐知识。这是一种基于生活体验的学习。学生在课堂上表现出了强烈的参与意识。就这一点而言，本节课的效果要远远好于之前笔者尝试的只关注语言的学习。
在话题导入中，笔者通过猜谜游戏降低难度，引导学生区分音乐类型，并呈现本节课要学习的七种目标音乐。然后通过听音乐辨类型，让学生能够在真实的乐曲欣赏中讨论各种音乐类型的特点。该活动既让学生清楚了七种音乐类型的概念，又让学生学习了许多乐器名词和与音乐相关的英语词汇。学生在音乐欣赏中也激发了内心的学习热情。在小组交流和讨论中，笔者逐步把话语权交给学生，让学生成为课堂的主人。通过讨论各自喜欢的音乐类型并陈述理由，学生进一步参与到课堂中来，并学习运用目标句式。这一课堂任务既让学生对教师语言和知识输入进行了一次巩固和产出，也让他们通过思考各种不同的音乐给他们的生活带来的乐趣，为后面的讨论奠定了基础。
听力训练既是对学生听力理解能力的一种培养，更是作为一个引子让学生进一步思考音乐的功能，讨论音乐给人类生活带来了什么（古典音乐是否具备所谓的“莫扎特效应”）。 然而，由于任务设置的重复性，听力部分的教学略显仓促。通过反思，笔者以为，正误判断可以由五道题改为三道题，去掉重复交叉的（1）（4）两题。这样就注重了题干间的逻辑性，相信听力训练的效果会更好一些。
1 泉州市基督教音乐分析
1.1 音乐主题分类
（1）引用西方器乐作品旋律。在基督教的各种仪式中，泉州基督教会中所选用的西方圣乐很多，乐曲主要源于《赞美诗》《圣经选集》等。西方器乐曲与声乐曲都是基督教仪式音乐的重要组成部分。被采用的器乐曲一般是信徒们耳熟能详、朗朗上口的曲子，易于演唱，有利于传播；有些器乐曲的风格情绪、表现力与赞美诗相吻合，诗曲合二为一。例如，赞美诗第18首《快乐崇拜》曲调就是引用了贝多芬第九交响曲欢乐颂的主调演唱，旋律简单，与所表达的诗意相同，体现一种欢乐、喜悦的气氛，一般在圣诞会经常演唱此曲，富于节日的气氛。还有些赞美诗的旋律引用的门德尔松的《无词歌》Op.30，西贝柳斯《芬兰颂》主题旋律，舒曼《夜曲》等。
（2）引用西方声乐作品旋律。基督教源于西方，欧洲古典音乐的发源地，早期古典音乐以宗教音乐为基础，许多作曲家都是教徒，因此他们创作的早期声乐作品大部分均为宗旨作品，如亨德尔、巴赫、海顿、维瓦尔第等早期音乐家，他们创作了《弥撒曲》《创世纪》等宗教作品，目前都作为古典音乐著名曲目保留至今。现在教会也会根据此类西方古典作品改编新曲进行赞美诗的演唱。另外还有借鉴古圣咏的曲调，如借鉴古圣咏合唱曲《众赞歌》中的曲调。
1.2 泉州市基督教圣乐的现代化特征
基督教的音乐称为圣歌，教会中的圣歌除了原有的历史流传下来的曲调之外，随着基督教本土化的进一步深入，许多圣歌均具有民族地方特色。圣歌的创作人并不全是专业的作曲家，而是教会中具有一定音乐素养，或是从事音乐专业的教徒们在业余时间创作的。圣乐并没有沿袭古代的外在音乐形式，圣乐是赞美神的一种途径与方式，是以炫技与表演为目的的，因此当代的圣乐创作是以教徒的演唱需要为主。当今的圣歌创作特点以严谨、简约为主线，旋律简单明了，容易演唱或演奏，口唱心和的赞美主，能够使更多的人参与到圣歌的演唱中。圣乐一般多采用常用的调式，如C大调、D大调等居多，在高音方面最高音一般是在小字二组的do或者re，个别歌曲音乐也会略高一些，节奏一般也是常用节奏，比如4/4、2/4、3/8、6/8拍子；乐曲的结构一般为分节歌形式，分为起承转合四个基本乐句，旋律走向平稳，基本由主题一部分与二部分组成。在谱曲过程中还要注意乐谱的转换，这是个非常重要的问题。因为目前地方教会中的圣乐团的编制已经打破西方原有的配置模式，逐渐本土化，因此在圣乐团中会有中外各种不同的乐器共同演奏圣歌。因此，作品创作后需要每个演奏员根据自己的乐器演奏与音域的需求来演奏转换不同的乐谱。基督教音乐的特点主要是以基督教的教义为核心，因此创作多注重会众的参与性，运用简单悠扬的旋律线条赞美耶和华，让更多的人能够参与进来，将荣耀归于神。
1.3 泉州市基督教堂的执乐主体
（1）唱诗班。第一，老年唱诗班组成人员及音乐特点。老年唱诗班的人员一般年纪较大，以女性为主，因此老年唱诗班的音乐选择一般是对声音要求，选曲的难度、艺术方面的处理等都会与歌词内容及教义教规达成一致的。在曲目的选择方面大部分以单声部旋律为主，唱起来曲调优美，歌词通俗易懂、朗朗上口，音域窄，难度较低的歌曲。也逐渐选择了一部分闽南语作为歌词创作闽南风格赞美诗。第二，青年唱诗班音乐特点。青年唱诗班在主日等重大节日中扮演着重要的角色，是教堂音乐的主力军。其主要成员为泉州当地的年轻人，一般在25～50岁之间。在选曲的难度上有一定的审美，调式较难，旋律的编配除单旋律线条外，还有双声部的重唱，有一部分曲目是原创作品，依据泉州本土音调的特色、唱腔，用闽南语的唱词演唱。使原本具有西方血缘的教堂音乐本土化。
（2）圣乐团。圣乐团是基督教中为圣乐伴奏的乐队，演奏的音乐均为赞美诗与圣歌，主要是为演唱伴奏。
2 泉州市基督教音乐血缘与华化分析
自基督教传入泉州地区后，西方的基督教文化与本土文化互相融合。通过考察搜集大量的圣乐作品，对作品进行整理与分析，发现目前赞美诗的内容呈现多样化的兼容特点。圣乐作品随着社会的不断发展也随之发生了本土性的变化。由最初的单声部发展成为多声部，大量华化与本土化的旋律被采用演唱《圣经》及教义内容，并且运用本土化的音乐作为其仪式音乐。泉州属于闽南丝绸之路的起点，民间音乐文化种类繁多，包括高甲戏、梨园戏、歌仔戏、南音、闽南民歌等。基督教的仪式音乐更多运用了当地民间的音乐素材，使用闽南语演唱，更易得到当地人民的喜爱。泉州的民歌曲调繁多，如灯红歌、五更股、大补缸、长工歌，还有采茶歌、四季歌等，常常被移植到教会的赞美诗曲调中，还有借鉴高甲戏、南音的曲调元素来赞美主。
关键词:音乐艺术;俄罗斯;音乐文化教育;优秀传统;文化特征;艺术教育;文化交流
中图分类号:G40-03 文献标识码:A
Traditional Traits of Russian Classical Music Education: International
Symposium on Music Culture Communication between China and Russia
GUO Meng
中俄关系几个世纪以来在持续发展着,尤其是新世纪以来的发展,开创了两国关系的新纪元。随着我国改革开放的深化和对外交流的进一步扩大,异质文化精华的借鉴吸收,已经成为我们现代化发展的必经环节。正如《望周刊》所说,中国人有着“永远的俄罗斯情结”①,正所谓“情动俄罗斯”。俄罗斯文化年的开展,为我们认识、学习俄罗斯古典音乐文化提供了机会和条件。而本次首届中俄音乐文化交流国际学术研讨会的圆满召开,对深入开展中俄音乐文化交流学术研究,促进中俄音乐交流发展,以及增进彼此合作创造了良好契机。
俄罗斯作为具有悠久历史和文明传统的大国,在世界文明历史中占有重要地位。了解外国包括俄罗斯的文化传统,吸收人类优秀文化精华,是我国改革开放的一个直接目标。尤其是深入了解俄罗斯古典音乐文化教育的发展过程,借以进一步与国际接轨,吸取其异国优秀文明传统,为我国音乐文化教育发展服务。也更希望借此对我国的现代音乐艺术文化教育得以借鉴,直接为我们当代的艺术教育建设服务。
一、俄罗斯古典音乐文化教育及其特色
作为一个充满音乐气息的国度,俄罗斯已经形成了全民爱好音乐的氛围,这种全民爱好音乐的特点,源于它有着古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。而且,21世纪的俄罗斯经过了诸多社会剧变之后,其伟大的古典音乐不但没有消失,反而得到了更大的振兴,此间的原因,如同俄罗斯格涅辛音乐学院硕士生吕冬所说:“对古典音乐的热爱已经深深地嵌在每个俄罗斯人的灵魂里。”②简要概括俄罗斯古典音乐艺术教育的特色,至少有下面几点。
(一)从小培养,音乐艺术教育深入家庭
俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养,并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力,让儿童从小就受到艺术的熏陶。俄罗斯人最喜欢去的地方是戏剧院,常常是父母带着孩子,一家人兴致勃勃地到剧院去。观看演出时,每个人都很投入,时常报以热烈的掌声,演出结束时孩子们纷纷向自己喜欢的演员献花。音乐厅和艺术展览馆也是父母经常带孩子光顾的地方。孩子们从小就聆听许多世界著名的交响乐曲,感受到许多艺术作品的魅力。父母对孩子的这种通往艺术殿堂的引导和熏陶潜移默化地提高了孩子们的艺术修养。
游览艺术博物馆,是俄罗斯人的嗜好之一。在博物馆的艺术品前,年轻父母对孩子耐心指点、讲解。在周末和节假日,父母常常带孩子去公园、郊外,感受大自然的美,在大自然中放歌、作画、读书、凝思。这有助于把对周围世界的美的观察和感受,作为理解和体验现实生活的快乐、生活美的主要源泉之一,把大自然的美作为进行情感教育、审美教育的一种手段。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所言:“我们坐在大陵墓上,四周响起各种鸟儿和谐的大合唱,空气中飘荡着青草的芳香。我们沉默不语,不必给孩子们讲很多,也不必用叙述填满他们的脑袋……”“让孩子们从儿童时代起就喜欢听百花怒放的花园里和荞麦花盛开的田野上那悠扬的乐曲,欣赏春暖草地上和秋风细雨里那悦耳的旋律。”③这种从小给后代以艺术熏陶的做法,无疑为音乐国度的文明继承和发展,提供了绵延不断的艺术张力源泉。
(二)开设各级各类音乐学校,大力普及古典音乐艺术
据《国外学校和教育》④介绍,俄罗斯有许许多多的七年制儿童音乐学校,学生一边在普通学校学习,一边在儿童音乐学校学习。优秀的毕业生可以通过入学考试进入音乐学院。另外,还有大约1000所儿童歌咏学校。这些学校招收4至6岁的孩子,学制6至9年。除合唱外,可学习乐理基础知识和演奏乐器。俄罗斯有好几座儿童音乐剧院。俄罗斯的学校基础音乐艺术教育,分为强制性公共音乐教育、补充性公共音乐教育和音乐夜校等。音乐课在普通学校中是必修课,一般每周1课时。这类音乐教育是免费的,而且是必须接受的。传统音乐课的内容以音乐知识,音乐欣赏和合唱为主。教师授课时有较多的示范演奏和演唱。音乐课有统一规定的教学内容,使用我们国内较熟悉的卡巴列夫斯基的教学大纲。补充性公共音乐教育亦即上面所说的专门的儿童歌咏学校,七年制。音乐夜校也是免费的,包括音乐俱乐部、音乐小组等。音乐教育的多种形式,为俄罗斯古典音乐的普及,提供了良好的条件。俄罗斯中小学音乐教育的特点主要是:强制性公共音乐教育时间的延长,为九年。同时允许强制性音乐教育教学大纲的多样化。目前俄罗斯政府指定可供选择的教学大纲已经有5套⑤,每所学校可以从中任选一套。此外,音乐教育的实践活动非常丰富。中小学生经常利用业余时间排练举办音乐会,他们甚至可以演芭蕾舞剧、歌剧、交响乐、大合唱等一些难度较大的艺术节目。许多地方每年为少年儿童举办“音乐之春”、“音乐团”等活动,充分调动孩子们的积极性。社会各界也都大力支持学校音乐教育活动。有很多作曲家、出版社每年还为儿童出版多种音乐作品集,介绍音乐知识、传播音乐文化,培养孩子们的音乐欣赏趣味,让他们在美妙的音乐声中快乐而健康地成长。显然,俄罗斯古典音乐之历久不衰,自有所本。大力普及古典音乐艺术的结果,直接提升了俄罗斯民族的音乐文化素质。
(三) 政府大力扶持
即使是在经济转型、局势动荡时期,俄罗斯政府对古典音乐艺术教育也没有停止。如1999年7月,俄罗斯普通和职业教育部(2003年俄罗斯政府组织改造后已不存在)就专门颁布了《艺术教育大纲》,鼓励各种形式的音乐教育活动,强调加强全民音乐教育。政府的鼓励、支持和投资,使得音乐艺术教育成为全俄罗斯的小学和初中联邦课程、民族地方课程的重要组成部分。当前,俄罗斯小学和初中的艺术教育包括绘画、音乐、世界艺术和文化。又如俄罗斯政府给出了学校音乐艺术教育的最低限度要求,具体是:学生不仅要掌握音乐、绘画和表演技巧,而且更重要的是还要形成对俄罗斯和整个人类艺术和文化价值的认同以及正确的价值观念。从《大纲》中可以看出,俄罗斯中小学艺术教育注重对学生艺术理论和艺术修养的整体培养。俄罗斯的高等教育,更是重视古典音乐艺术教育,俄罗斯不仅专业艺术院校众多,且有很多综合类大学也设有艺术系。这些院校多年来培养了一批又一批优秀的艺术家。如果说高等学府是俄罗斯音乐教育金字塔的塔尖,那么各地音乐学院、艺术中学、小学就构成了坚固而又庞大的塔身。正所谓“为学要如金字塔,又能博大又能高”。再如,俄罗斯政府放开政策,鼓励支持各种音乐艺术教育活动齐头并进。除了强制性音乐教育之外,还开设有专门音乐学校和音乐夜校,这些都是政府出钱,学生免费接受教育的。正是政府的大力扶持,使得俄罗斯古典音乐文化教育蒸蒸日上,为民族的音乐艺术发展,添加了强大的行政力量。有人统计说,按人口比例来计算,俄罗斯青少年中学习音乐的人数在世界范围内都是名列前茅的⑥。
(四)丰富音乐艺术教育的内容
俄罗斯艺术教育的内容是非常丰富的。不管是家庭教育,抑或是学校教育、社会宣传,都强调教材容量的饱满和古典音乐教育内容的丰富。俄罗斯音乐艺术教育的教材内容突现下述几个特点。
一是大量的古典音乐艺术内容被编进教材。在各级各类学校和艺术学院的教材中,都有着大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈的丰富内容。例如从格林卡奠定了俄罗斯民族乐派的基础以后⑦的音乐艺术成就,都被编进教材。许多优秀的作家作品都成为音乐艺术教材的首选。如格林卡的《为沙皇献身》⑧《鲁斯兰与柳德来拉》等,达尔戈梅斯基(Alexander Dargomyzhsky,1813―1869)的《水仙女》和《石客》等,此外还有五人团⑨、柴可夫斯基(Pyotr Tchaikovsky,1840―1893)、拉赫玛尼诺夫(Sergey Rakhmaninov,1873―1943)和斯克里亚宾(Alexander Skryabin,1872―1915)等。教材中,柴可夫斯基承袭的欧陆浪漫乐风,葛令卡作品的俄罗斯的民族性活化,巴拉基列夫、库伊、鲍罗定、穆梭斯基与林姆斯基•高沙可夫等的国民乐派,以及史克里亚宾的不寻常的音色探索,史特拉汶斯基频掀波澜的经典作品,悉数被编进教材。这些丰富的内容,展现了俄罗斯古典音乐的丰富与繁盛,成为俄罗斯青少年艺术追求的典范。
二是教材将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学,使之成为学生成长的文化养分。如世界文化艺术的基本风格和潮流、古俄罗斯音乐艺术、古代和中古文化艺术的特点、文艺复兴时期艺术的人文主义、17至19世纪上半叶欧洲艺术中的古典主义、17至18世纪西欧的启蒙思想及其在艺术中的反映、19世纪文化艺术中的浪漫主义和现实主义、19至20世纪俄罗斯的艺术生活、20世纪文化发展的基本趋势、20世纪末艺术的新形式和新体裁等等,都成为俄罗斯中小学艺术教材和课程的设置内容。
三是教材主要强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色,包括民歌、民间舞蹈、民间节奏等,选择表现民族特征,具有浓郁的生活气息和高雅的艺术特色。俄罗斯主要音乐家的作品有的深沉宏伟,有的敏感细腻,无不深刻地反映了作曲家们处在剧烈变革时代热烈而又丰富的心路历程。如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》、第六交响乐《悲怆》,拉赫马尼诺夫的钢琴协奏曲、声乐套曲,普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的交响乐、弦乐四重奏等,从诞生之日起就受到了俄罗斯乃至全世界听众的广泛欢迎,时至今日依然是各大歌剧院、音乐厅里经久不衰的保留曲目。这些具有代表俄罗斯先进文化的作品,都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。
(五)继承传统,致力创新
俄罗斯政府和艺术界人士专注于古典音乐的教育和发展,并致力于不断地创新,使得俄罗斯古典音乐在新的历史条件下,放射出了更加璀璨的光芒。多年来,继承了俄罗斯音乐文化优良传统的古典音乐高雅艺术,伴随着具有音乐天才和前卫思想的新生代的加入,正沿着世界艺术的发展轨道前进。俄罗斯音乐教育创新的成果突出表现在融合与推陈出新上。其直接的成果是出现了许多新的剧团剧院,在莫斯科,由叶夫盖尼•卡拉伯夫主倡的新歌剧院和德米特里•别尔特曼领导的盖利公歌剧院就很有代表性。同时还产生了包括把交响乐、爵士乐、歌剧与音乐剧合为一体的新风格流派。
音乐艺术范围逐渐扩大,高雅音乐正在探索一条现代化的道路。比如歌剧中的表演成分越来越多,导演有时会忽略音乐和歌唱的表现之间的差异,力图使演出更具现代感。又如引起观众极大兴趣的国家模范交响乐团与“蝎子组合”的联合演出,也是在寻求传统文化与流行文化的结合点。概括起来,俄罗斯古典音乐教育的继承创新主要体现在以下两方面:
人文性与经典性的结合。俄罗斯人不是把艺术视为单纯的消遣娱乐或单纯的技艺,而是把它视为人类文化的积淀和人类想象力与创造力的结晶,这样的理念具有极高的人文价值。当前,俄罗斯音乐艺术教育在课程设置上将具有艺术史意义的艺术作品和其他相关的学科知识,作为艺术教育和教学的核心内容。如多少世纪以来俄罗斯各民族的文化遗产、艺术发展的联系和价值、俄罗斯各民族的文化对世界艺术和文化的贡献,等等。我们认为,人文性和经典性的结合,就是一种创新。
强调体验和实践创造。俄罗斯古典音乐艺术课程在大量充满情趣的个人或集体的创作、表演、欣赏、交流、评价等活动中,为学生提供丰富的感性材料和信息,使学生尽情地、自由地参与多种艺术活动,体验艺术学习的快乐和满足,获得身心的和谐发展。通过这些具体的实践活动,鼓励学生的创造,音乐艺术课程涉及的各种创意、设计、制作、表达、交流以及多视角的连接和转换,为学生提供了创造性地解决问题和发挥其艺术潜能的机会,赋予他们表现自我和发挥想象力的空间。例如,每个学期,学校、文化宣传部门都要开办节日演出、周末舞会、专题调演等活动,这些都是学生表现自己发展自己,进行音乐艺术实践的极好机会。正是家庭、学校和社会都在大力强调音乐艺术教育的体验和创造,才使得俄罗斯古典音乐艺术在新的历史条件下,仍然保持着旺盛的生命力。这种艺术张力是永恒的。有人说,在柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫之后,俄罗斯的音乐没有静止,没有凝固,没有被所谓的“现代艺术只能屈从浅薄的市场化”理论所吓倒。“俄罗斯的流行古典音乐让人相信,一个血液里流淌着音符的民族,有的是乐观放达的个性,异彩纷呈的生活。”⑩这除了源于俄罗斯民族对音乐的偏好和根深蒂固的艺术情结之外,俄罗斯古典音乐本身的永恒魅力和俄罗斯音乐艺术教育的执著,应该是首要的原因。
二、对俄罗斯古典音乐文化教育优秀传统特色的思考
如果说俄罗斯的古典音乐,以其博大精深和丰富繁盛充实着文明世界,在国际上产生重大的影响,那么,俄罗斯悠久的音乐艺术教育传统所熏染的国民音乐文化意识、高雅的艺术追求,成为世界各国有凤来仪的艺术旗帜,那就显得非常自然了。提高文化艺术素质是举世公认的美化心灵的重要手段。作为一种热烈的社会现象,俄罗斯古典音乐的教育普及,给我们以深刻的启示,俄罗斯在这方面的优良传统有很多地方值得借鉴。
近年来,美育被列为教育方针的内容之一,音乐教育事业获得迅速发展,取得了许多优秀成果;随着国际音乐教育交流活动的日益增多,国外一些可供借鉴的音乐教育思想和教学体系被系统介绍和引进;教学手段正逐步得到改善和提高,这一切都为我国音乐教育的继续发展奠定了良好的基础。综上所述,我们可否探讨和归纳俄罗斯音乐艺术教育的特色并予以思考。
(一)让音乐艺术教育深入人心,感受和体会被良好古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。
在俄罗斯,音乐课全称是俄罗斯音乐文化。通过教材让学生认识俄罗斯民族民间文化和世界音乐文化、现代和古典音乐经典之作,衡量文化与历史之间的关系及其独特的个性。俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养,并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力,让儿童从小就受到艺术的熏陶。
(二)丰富的音乐文化教育内容 ,成为了俄罗斯青少年艺术追求的典范。
大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈等丰富的音乐文化内容被编进教材并成为广大青少年的必修课,将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学,使之成为学生成长的文化养分,强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色,透过音乐反映人类伦理道德。通过对现代艺术的学习,了解自己民族音乐文化,知道二者之间是相互的。这些具有代表先进文化的作品,都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。
苏霍姆林斯基曾经说过“音乐教育不是培养音乐家,首先是培养人。”卡巴列夫斯基自己也说:“艺术课程与技术课程的原则区别,就是在于任何一个真正的艺术作品都要有道德因素和美的因素。”我们可以把这个观点作为理解这一问题的一把钥匙,通过这些,发展学生的思维,拓宽了视野,活的良好感知,使他们感受到音乐、文学、造型、艺术及人类文明历史之间的相互联系,尤其是感受音乐与生活的联系。将此作为一种艺术、一种修养、而不是餐桌上淖袅希不是消遣而是生活中重要的一部分。让学生学习这些音乐知识后,能够积极投入到美好的生活中,更多的参加音乐活动。通过音乐本身的规律和特点来教育,音乐教育是关系整个人类社会的文化事业,如果把社会音乐文化看成是大环境,那么学校音乐则可以认为是小环境。大小环境是相辅相成、彼此影响的。从每一堂课和每个教学环境的营造到相关教育制度的制定,再到整个社会的音乐市场机制的建立,有利于形成高水平的音乐市场与高素质的观众相互需要的环境,正是这种环境成就了音乐教育繁荣和普及的土壤。前苏联著名教育家苏霍姆林斯基认为:“音乐文化是培养道德文明的重要条件之一,美妙的音乐、旋律和音响是人们道德和智慧培养的重要手段。是人们形成美好心灵和纯洁精神的来源。”
① 《中国人永远的俄罗斯情结》,《望东方周刊》, 2006年1月11日。
② 吕冬《俄罗斯古典音乐嵌入灵魂》,《人民日报》,2006年6月28日。
③ 李范《苏霍姆林斯基论美育》,湖南人民出版社,1984年版,第12页。
④ 《网络电子读物》,。
⑥ 同②。
⑦ 格林卡(Mikhail Glinka,1804-1857),为国民乐派的奠基者。确立了俄罗斯民族音乐的发展方向,开启了俄罗斯民族音乐的新时代,被尊称为“俄罗斯音乐之父”。
⑧ 《为沙皇献身》又名《伊万•苏萨宁》,描写一位普通老农为国捐躯的故事,音乐采用了民间音乐的素材,曾被讥讽为“马车夫的音乐”,然而最终还是被承认为第一部俄罗斯歌剧。
⑨ 五人团(又称“强力集团”)是20世纪60、70年代俄罗斯出现的一个作曲家小组,由俄国音乐评论家斯塔索夫在报刊文章中的称谓而得名。详见《西方音乐简史》,省略/pdf/12/ts012100.pdf。
⑩ 吴昊《俄罗斯音乐交响曲》,《人物》,2006年版,第4页。
参考文献:
[1]教育部基础教育课程教育发展中心.从俄罗斯新一代音乐教材看俄罗斯音乐文化教育[J].2009.8.31.
[2]李范.苏霍姆林斯基论美育[M].长沙:湖南人民出版社,1984.
[3]洛秦.世界音乐人文叙事[M].上海:上海音乐出版社,2002.5.
[4]周薇.西方钢琴艺术史[M].上海:上海音乐出版社,2002.12.
关键词：音乐文化 历史角度 欧洲音乐 民族性
DOI：
10.16657/ki.issn1673-9132.2016.04.220
随着经济全球一体化的形成以及信息时代的到来，使得世界各民族的文化交往与合作更加紧密。特别是音乐艺术早已经成为世界各民族文化的代表，可以说，音乐文化早已经成为人类的共同语言。音乐不但具有非常鲜明的地域性，而且更具有民族性的特征。以欧洲音乐为代表的西方音乐，不但被世界人民所接受，而且得到了世界人民的传承与发扬。如何更好地去挖掘欧洲音乐内涵，掌握欧洲音乐文化历史发展的民族性对中西方音乐文化相互交流、相互融合与借鉴起到了决定性作用。
一、欧洲音乐文化历史演绎
欧洲音乐之所以能够引领西方音乐的发展，是与欧洲历史无法分割的。特别是欧洲古典音乐的盛行，出现了以德国和奥地利为代表的音乐之国，引领了欧洲音乐的蓬勃发展。到十八、十九世纪，欧洲音乐受文化的影响，开始由古典音乐向浪漫主义音乐发展，特别是十九世纪末期欧洲音乐受民族主义思潮的影响，欧洲一些民族国家的音乐家开始以本国民族语言来创作音乐，采用本民族的英雄史诗、神话传说和人民解放斗争事迹为题材，并将民族音乐的鲜明特点和古典主义音乐的优秀传统以及浪漫主义音乐的艺术风格紧密地结合起来，因而民族感情被赋予了强烈的艺术生命力。这一时期，民族音乐主要以俄罗斯、芬兰、挪威等国音乐为主。如世界著名的钢琴曲《少女的祈祷》就是波兰的女性作曲家芭达捷芙斯卡创作的。当她的这部作品发表后，很快风靡全球，相继以八十余种不同版本发行，乐曲在单纯中显出深刻，亲切、伤感、柔美，抒发了她的祈求和激动。她究竟在祈祷什么呢？你尽可以自由地发挥你的想象去理解、体会。而这以历史时期波兰正在被邻国所蚕食和瓜分，因此作者通过作品抒发了内心的真实感受。
进入到二十世纪后，欧洲音乐发展成为以多元化格局为主的音乐，特别是第二次世界大战之后，欧洲音乐发展流派众多。随着科技的发展，各种电子乐器得到了应用，从而推动了欧洲音乐的发展。
二、从音乐文化的历史角度分析欧洲音乐的民族性
（一）德意志民族风格的欧洲音乐
德意志帝国主要是由德意志人组成的，而德意志民族的祖先正是建立罗马帝国的日耳曼人，因此在音乐文化历史发展过程中，以德意志民族音乐为基础发展起来的欧洲音乐占主导地位。被后人称之为“音乐之父”的巴洛克时期德国著名作曲家、小提琴家巴赫，所创作的欧洲音乐作品正是根植于德意志民族风格之上。巴赫的音乐作品《勃兰登堡协奏曲》正是展现宫廷贵族社会生活的一个缩影，从第一乐章彰显恢弘气势的宫廷庆典开始的活泼欢快，到第二乐章表现德意志人的善于出现的沉思、忧伤情绪，到最后第三乐章再回到热情欢快，其音乐曲式无论是采用赋格曲还是采用民间舞蹈曲都与日耳曼民族文化紧密相关。
欧洲古典音乐是以莫扎特、贝多芬为代表的。特别是古典音乐终结者和浪漫音乐开拓者于一身的贝多芬，同样是德国作曲家，其创作的音乐作品的文化渊源也与日耳曼民族无法分开的。特别是贝多芬最后创作的音乐作品《第九交响曲》融入了太多的民族情节。作品第一乐章展现了德意志人民在艰苦的斗争，冲破重重险阻，前赴后继去取得胜利;而第二乐章中通过乐曲三声中部主旋律中运用奥地利民间舞曲“连德勒”，表现人们胜利后的轻松和谐，富有浓厚的浪漫主义气息;而接下来又是表现战斗没有停止，号角还在猛烈地吹响。可见，贝多芬的《第九交响曲》取材就是描写德意志民族为争取自由、争取独立的战争场面。因此，贝多芬的音乐创作同样是来源于民族发展的历史，具有较为鲜明的民族性。
（二）奥地利民族风格的欧洲音乐
奥地利作为奥匈帝国的一部分，其奥地利民族也同样在音乐艺术上造诣匪浅，是欧洲音乐的重要组成部分。奥地利作曲家海顿被后人尊称为“交响乐之父”，其音乐作品具有典型的巴洛克风格，其音乐作品饱含着热情、典雅，充满了幸福、祥和的气氛，这与当时奥匈帝国的繁荣有着一定的关系，体现了奥地利人的社会文化生活。特别是海顿的《F大调弦乐四重奏》第二乐章“如歌的行板”，就是一首典型的器乐小夜曲，是正向心爱的人表达情意的歌曲，而这正是奥地利民族的真实生活写照。
约翰・施特劳斯，被誉为“圆舞曲之王”。他的作品旋律优美，节奏轻快，以《蓝色的多瑙河》最为著名，这与德奥民间音乐有一定联系。而且，约翰・施特劳斯的多数作品都是取材于维也纳市民的社会生活。而《塞尔维亚进行曲》是纪念世界第一次大战时塞维尔亚青年英勇战斗的情景，这同样是与民族情结无法分开的，因此奥地利音乐同样是植根于其民族文化上的。
（三）俄罗斯民族风格的欧洲音乐
俄罗斯音乐同样起源于宗教音乐，而经过与民间音乐的不断融合，形成了俄罗斯音乐。伟大的俄罗斯音乐大师柴可夫斯基，正是欧洲音乐发展到民族乐派的代表之一。他所创作的音乐作品都是以反映沙皇专制统治下的俄国人民苦闷心理和对幸福美满生活的深切渴望，揭示人们内心矛盾为主的。如《悲怆交响曲》描写了人生奋斗与失败、兴奋与绝望，充满了悲伤、追忆的情绪，这也是当时俄罗斯人民的真实写照。因此，作为欧洲音乐的组成部分，俄罗斯音乐同样是民族语言的表现，是俄罗斯人民的文化体现。
十九世纪初，俄罗斯受到欧洲古典音乐的影响，开始在本民族音乐的基础上发展古典主义音乐，主要以米哈伊尔・格林卡的作品为代表。他的作品在俄罗斯民族和民间音乐的基础上，融入了欧洲古典和浪漫主义音乐的特点，将俄罗斯民族质朴的音乐与专业的欧洲音乐互补，形成了具有俄罗斯民族特色的音乐，使落后于欧洲其他国家的俄罗斯音乐水平得到了提高，并奠定了俄国民族乐派的坚实基础。随着俄国十月革命的到来，俄罗斯音乐更加具有民族性，并逐步成为了一个代表多民族音乐的音乐集合。
三、以音乐文化历史发展观分析欧洲音乐的民族性
音乐随着人类的生存、发展而不断的演进的。音乐从开始记述人类重大事件、歌颂英雄人物、宣扬宗教文化等逐渐形成了一种艺术形式，脱离了人类发展就不可能有音乐的出现。而世界各族人民都有着各自不同的音乐表现手法，如中国有民歌、欧洲有歌剧、美洲有摇滚乐等，这些都与不同的民族生活息息相关，无法分离。前面已经对欧洲音乐的发展史进行了简单的回顾，可以清晰地看出欧洲音乐的发展历史是与欧洲历史相吻合的，是历史文化发展的产物。而且，欧洲音乐代表了不同地区和国家的民族风格，是欧洲民族社会活动的真实写照，可见分析和研究欧洲乃至世界音乐的文化发展不能脱离民族性，民族发展的历史能够通过民族音乐来表现出来。正如中国传统音乐都与民族文化有关一样，欧洲音乐同样是欧洲各民族社会生活的真实写照，是真实反映其民族历史文化发展的音乐语言，从音乐文化所代表的民族性可以证明欧洲音乐是欧洲民族文化的共同语言。
音乐是一种世界性的语言，音乐来源于社会生活，有着地域性和民族性，尤其是音乐作品的创作都是依托民族文化，体现了民族文化。因此，音乐文化正是随着民族的兴衰而以音乐的形式表现出来。欧洲音乐具有民族性，这也是造就以欧洲音乐为主的西方音乐特征的所在。可以说，音乐正是民族语言的一种表现形式，从音乐文化历史的角度上，对欧洲音乐的民族性进行分析和研究，对于更好地传承和发扬欧洲音乐具有重要的作用和意义。这也是世界音乐文化大融合的时代所需要的。
参考文献：
[1]杨久盛.论音乐的民族性――“音乐是世界共同语吗”[J].乐府新声：沈阳音乐学院学报，2008（4）.
[2]罗时东，章小淮.浪漫主义时期欧洲音乐的文化特质[J].音乐探索，2007（2）.
[3]李小兵，彭一敏，傅利民.从宫廷音乐家到自由音乐家――17至19世纪活跃在奥地利的音乐家之社会经济地位变迁阐析[J].乐府新声：沈阳音乐学院学报，2010（1）.
[4]朱超，毕敬.“和谐”与音乐之美――古希腊音乐美学思想[J].学理论，2015（18）.
关键词：爵士钢琴；钢琴教学
想必很多看过著名电影《海上钢琴师》的观众，对1900显示出的无师自通的非凡爵士钢琴天赋记忆犹新。他在一生都在船上的乐队演奏爵士钢琴，每个听过他演奏的人，都被深深打动。爵士乐鼻祖杰尼听说了1900的高超技艺，专门上船和他比赛，最后自叹弗如，黯然离去。爵士钢琴自十九世纪末出现以来，随着众多富有才华的音乐家们对它的不断培育和发展，如今已经形成了自己独特的音乐风格和音乐体系，时至今日，在爵士钢琴的演奏技法上除了传承古典钢琴的演奏风格技巧之外，还形成了很多自己特有的演奏方式和特点，并且还衍生出许多不同的流派，为爵士钢琴积累了大量的经典作品，同时，它亦为古典音乐乃至流行音乐的理解和发展做出了重大的贡献。
爵士钢琴音乐以其独特的音乐文化，以各种不同的音乐形式，音乐风格并与各国民族民间音乐相结合，对中国流行音乐的传播与发展有着重大的影响和深远的意义。爵士钢琴在高师钢琴教学中也有着特殊的意义。
（1）爵士钢琴作品特有的和声、节奏及音调能使音乐富有趣味性，能够激发学生学习的积极性。现在通过艺考进入师范院校上大学的人越来越多，学习音乐的人也越来越多，但是这些所谓专业院校出身的学生其专业水平大多良莠不齐，有些人的水平甚至不如小学生。大多数人是因为真正喜欢音乐而去学习艺术，但也不排除那些仅仅为了考学或是为自己“谋出路”为目的学习音乐的人在。传统的钢琴教育，教材内容单一，几乎全国上的都是差不多的内容，上课形式枯燥无味，练习的时间漫长无趣，而且，许多学生虽然学的是音乐学，但是除了自己学习的乐器之外，对其他的乐器或者说是音乐形式知之甚少。如今，十个人里差不多就有六个人在学习钢琴，但是又有多少人能学出来呢？又有多少个郎朗，李云迪呢？反观西方的音乐教育，技巧并不是最重要的，老师强调更多的是对作品和作曲家的理解，所以才会有人说国内培养的是钢琴家，而国外则培养的是音乐家。因此，爵士钢琴这种趣味性很强，特色突出的音乐形式，为这些不怎么喜欢钢琴的学生开辟了一个新的大门，学生们在满怀兴趣的学习和演奏它的同时，亦能够提高自己的乐感和技巧。
（2）通过对爵士钢琴即兴演奏的训练，能让长期看谱弹奏的学生掌握爵士钢琴即兴演奏观念，培养他们思维能力的创造性。爵士钢琴音乐的真正魅力在于即兴演奏，早起的爵士音乐家们早就脱离了看谱弹奏的模式，常常都是现场即兴，下一秒会出现什么音永远都是未知数，而现场即兴演奏不仅对于常年学习古典钢琴看谱弹奏的学生来说是难点，对于高等师范院校的钢琴教学来说也是巨大的冲击。现代古典钢琴奏法让学生们变成了只会看谱弹奏的机器，对乐谱重难点的反复训练，让他们的技艺日渐精湛，但是他们究竟弹了些什么，恐怕他们自己也是不得而知。对于乐曲没有自己的理解和情感的投入，演奏出来的也只是音符而非音乐。所以高等师范学校钢琴课程的改革应立足于即兴演奏，在教学初期就应当将脱谱演奏，即兴这一概念潜移默化给学生，在爵士钢琴与古典钢琴的教学中寻找出存在的共性，才能提高高等师范学校的钢琴教育水平。
（3）将爵士钢琴应用到钢琴教学中，能够扩展学生的知识面，开发学生的想象力和创造力。我国现有的音乐教育体制仍然是以“一元论”的文化发展观为主体的，导致学生偏科严重，知识面狭窄，难以适应现代社会多元化的发展需求。早在很久之前，就有研究者围绕专业音乐教育体制中存在的弊端以及音乐院校的课程设置展开了讨论。许多师范院校一味追求传统的古典钢琴教育的高精尖人才，导致学生偏科现象尤为突出，而将爵士钢琴应用到钢琴教学中，正是钢琴教育体系多元化发展的一种体现，我们不能限制学生的视野，束缚学生的思维，不能一提到钢琴就让学生的脑海里只有巴赫，肖邦，贝多芬之类的传统欧洲音乐，那样对学生的发展和提高都不利。学习爵士钢琴，它和古典钢琴之间的差异能让学生们更好的掌握西方古典音乐的特征和演奏技法，改善学生因为传统的教育模式而被限制的音乐创造力和狭窄的音乐接受体系，通过爵士钢琴即兴演奏的训练，还可以开放学生们的想象力以及他们对不同音乐的感悟能力。
（4）通过对爵士钢琴的学习，能让学生接触到不一样的音乐文化，对树立学生正确的音乐价值观，把握20世纪现代钢琴音乐起着不可忽视的作用。爵士乐是美国对全世界音乐文化的伟大贡献，现在已经成为了超越种族和国界的共同音乐语言，它不仅支配着当代流行音乐的发展，而且对严肃的古典音乐也产生了深刻的影响。在20世纪的音乐史当中，我们能够看到许多优秀的钢琴作曲大师在自己的作品中都有借鉴爵士乐的素材和手法，比如拉威尔创作的《左手钢琴协奏》，这首协奏曲的核心就使用了爵士乐那种典型的“布鲁斯音阶”，即降Ⅲ级、Ⅴ级、Ⅵ级、Ⅶ级。通过以上的例子，我们可以看到爵士乐对于钢琴音乐的创作产生的巨大影响，不得不说，爵士乐对西方音乐加入了新的活力，这是20世纪任何一种音乐形式都无法比拟的。
目前，爵士钢琴在国内教学水平中相较以往已经得到了长足的提高，但由于爵士钢琴教学并没有像古典钢琴那样有完整的教学体系和可操作的有价值的教材，它的发展还仅仅是缓慢的程度。教材内容的单一是国内钢琴教学普遍存在的问题，作为爵士钢琴老师的话，必须要在上课之前收集不同版本的爵士钢琴曲谱，而且对它进行分析，总结和试奏，并根据不同的曲子将它经行归纳总结，不光是对材料的清理，对于学生而言也要看他们的学习情况和专业程度来决定教授什么内容，所以，这一系列繁琐的工作也是爵士钢琴教学所面临的比较严峻的问题。
因此，将爵士钢琴运用到我们现阶段的高等师范学院的钢琴教学中是非常有必要的，它能改变我们只学习古典钢琴造成的知识面狭窄，离开了乐谱就手足无措的弊端，这种崭新的，多样性的钢琴教学我相信能让学生甚至是老师都以最大的热情投入到它的学习和科研中，从而进一步提高我国钢琴教育的学术水平。
结语：虽然目前在国内爵士钢琴仍然只是小众文化，但我希望通过我的研究，能让越来越多的人看到爵士钢琴，喜欢爵士钢琴，认识到爵士钢琴带给我们价值其实并不比古典钢琴少。
参考文献：
[1] 周梦璐.论爵士钢琴在钢琴教学中的应用[J].吉林教育，2011（11）.
[2] 徐宁.浅析西方爵士钢琴在中国的传播[J].大众文艺，2011（11）.
[3] 吴铮玉.爵士钢琴教育思路浅探[J].音乐探索，2011（2）.
高师音乐舞蹈教育的舞蹈教学的目的都与纯舞蹈专业有很大的不同，主要目的是培养有综合音乐素养且兼具舞蹈教学、编排能力的中小学音乐老师，相比专业舞蹈教育来说，音乐舞蹈教育更注重学生在舞蹈方面的实用能力和相关知识结构的整体性。中小学的音乐美育重视基础，不需要培养高精尖的人才，而舞蹈在美育教育中是音乐之外的一种辅助，仅要求学生了解各种舞蹈的基本体态轮廓，通过舞蹈练习塑造学生的优美体态，陶冶他们的情操，让学生对音乐和舞蹈有一定的鉴赏基础，为学生的全面发展奠定基础。作为专为中小学美育教育培养人才为目标的音乐舞蹈专业，舞蹈课程的主要内容也是以此为出发点和目的，因此，其课程安排和设置都与纯舞专业有所差别，以四川音乐学院音舞教育专业舞蹈课程设置为例如表。
由此可见，本院音舞专业的舞蹈教学在课时量和学分的设定上都以舞蹈基础的教学为重心，特色内容是有针对性的民族民间舞训练模块，并不追求对某种舞蹈的高精度学习，更注重多种多样丰富的教学内容。
二、高师音乐舞蹈教育中钢琴伴奏的现状分析
现状调查：目前，音舞专业舞蹈课中的钢琴伴奏教材都基本使用专业舞蹈的伴奏教材。这些教材中的部分音乐是可以直接用于我们的课堂的，但有半数以上的音乐是为专业舞蹈而作的，不适合我们的舞蹈课程。音舞专业学生的音乐理论基础薄弱，舞蹈基础能力有限，复杂的专业性强的音乐会成为他们的负担，并不能让他们体会到乐与舞的和谐之美。那我们的课堂现状有什么问题？学生对钢琴伴奏有什么希望和建议？钢琴伴奏究竟该往哪发展？笔者针对这些问题对四川音乐学院音乐舞蹈专业学生做了一次问卷调查，一共30份问卷，回收23份。统计结果显示：
1、希望在课堂中用古典音乐来伴奏的占68%
2、希望在课堂中用通俗流行音乐来伴奏的占59%/
3、希望在课堂中用原创音樂伴奏的占45%
从以上的问卷调查中我们可以清晰的看到无论是本专业的舞蹈老师还是学生都希望钢琴伴奏能有所改变，有所创新来解决现实中的问题和矛盾，促进我们的教学向更广阔的天地发展。而从宏观上来看，不断发展的社会教育需要上层教学机构的同步发展，任何一项教育工作都必须与时俱进，才能为教育事业培养出能学以致用的实用
性人才。
三、改编应用多元化音乐在音舞专业舞蹈课钢琴伴奏中的积极意义
近年来，音乐教育者都十分重视将多元化音乐融入实际教学中，在国外更是备受推崇。钢琴伴奏看似陪衬但却是我们将多种音乐元素融入舞蹈教学的唯一途径，并能弥补我们在教材上匮乏，让课堂生动活泼，消除学生对单一枯燥音乐的倦怠感，以此来提高我们的教学效率。其次对提升学生的审美层次也意义巨大，多元化的音乐才能让他们领会到世界音乐的奇妙和美，而不是仅局限于书本中的音乐，做一只骄傲的井底之蛙。同时还能提高学生的创造意识，懂得教学要不断的创新，在各个方面都需要大胆的摸索才能让自己的教学不落后于人并不断发展。
四、将多元化音乐改编应用的具体方法
（一）古典主义音乐的改编与应用
无论西方或是中国的古典主义音乐都是一种能让人深思，使人高尚，经得起岁月历练的音乐。它们的结构规整，旋律之美能让人反复回味，和声分句系统有规律，节奏也突出明显。音舞专业舞蹈课中进行的都是形式和内容都比较规整的舞蹈训练，对音乐的要求主要在于节奏清晰、片段规整，能给学生明确的旋律起伏感。经过改编后的古典音乐，是可以达到要求的。
如：F.J.戈塞克《加沃特舞曲》主题旋律和柴可夫斯基《四小天鹅舞曲》都适用于小弹腿（Battement frappe）。G.威尔第《大进行曲》主题旋律部分适用于大踢腿（Grand battement jete），《快乐女战士》可用于古典舞的小跳组合，钢琴曲《春舞》主题旋律部分可用于民间舞课的赛乃姆组合等等。这些乐曲中有些也是学生们正在学习演奏的钢琴曲，与舞蹈相结合后能让他们更直观的体会到乐曲的形象和节奏感，促进他们找到演奏的情感。古典音乐也是一种理性的艺术，它们的旋律走势有预见性，曲调优美，曲风高雅，节奏规范易把握，让学生易于配和舞蹈动作，并在和伴奏的同时能广泛接触到各类型的古典乐曲。丰富的知识量是提高他们的艺术修养的必要基础。
（二）通俗流行类音乐的改编与应用
通俗流行音乐是一个时期社会潮流文化的缩影，受大众的喜欢，易于传播和接受，包括流行歌曲、轻音乐、电影配乐或插曲和爵士类乐曲等。这类乐曲能引起学生的共鸣，音乐响起的瞬间会看到学生们的脸上一抹轻松的微笑。其特点是旋律朗朗上口、结构短小精干、节奏明确、形态丰富、这些特点都适合音舞专业的学生。因为他们中大多数并未通过多年专业的训练，甚至未接触过钢琴伴奏的舞蹈课程，而通俗轻音乐是学生平时听得最多，接触最多的，既符合他们的音乐水平又能明显提升课堂的活跃性。学生能把更多的注意力放在舞蹈动作的学习和规范上。时代音乐元素的融入，也有助于学生开阔思维，提升不拘于形式大胆创新的意识。改编流行音乐要遵循以下几点原则：
首先，高师音舞专业的学生是将来基础音乐舞蹈教育的人才，他们必须传播一种积极向上的正能量，因此我们要摒除内容不和谐、不健康、难登大雅之堂的通俗音乐。其次，要选择符合音舞专业学生听力水平的音乐，旋律感要强，不规律节奏和自由散漫的节奏都需要我们去规范改写。再次，通俗流行音乐大都没有古典音乐那样规范，我们一般选择保留其主体旋律，根据舞蹈的节奏韵律做出相应的旋律扩展或缩减。如歌曲《九儿》要改编为古典舞控制的音乐时，要将整体速度放快，太过于缓慢的节奏对于能力较差的音舞学生来说是很难完成如此长时间控制的，歌曲中的几处自由延长音要规整为4拍或8拍结束。最后是左手伴奏应选用适合舞蹈节奏的织体结构，和声的配备尽量少用和弦外音，以古典和声体系为主。
如：《神秘园之歌》可用于音舞专业芭蕾舞把杆体态练习或者手位组合，久石让《Always with me》可用于单腿蹲（Battement fondu），歌曲《九儿》可用于古典舞的控制组合，歌曲《莫尼山》可用于民间舞的藏族旋子组合等等。
（三）将爵士元素融入钢琴伴奏音乐中
在西方，爵士乐被认为是可以让人动起来的音乐，在很多电影电视剧中都常常见到人们在爵士乐中随心欢快的舞蹈。虽然这类大多节奏自由性很高，音舞专业的学生要抓住这类音乐的节奏点是不易的，但学生们喜欢时尚潮流的音乐，并且近些年也越来越受到大众的喜爱，所以，为了让学生能学习吸收丰富的音乐知识且学以致用，可以适当用爵士风格对音乐进行二次创作。
如：巴赫的《西西里舞曲》这首曲子可用拉格泰姆节奏改编，用于转（Pirouettes）的练习。弹奏时，在旋律中适当加入滑音和颤音，伴奏声部避免使用过于自由和繁琐的节奏型，尽量把曲调、节奏和节拍重音都表达清楚，又不失爵士乐自由摇摆的特点，有助于学生去找到旋转这一练习中点线面流动的空间感，这种风格的乐曲对活跃课堂气氛也有很好辅助作用。《万岁千山总是情》这首歌曲可用摇摆的节奏型来改编后用于古典舞的五位擦地组合，但不能太过于自由，要突出节奏点和重拍，才能让学生找到每个动作的发力点。
（四）创作钢琴伴奏音乐
在這个提倡创新教育的时代里，作为音舞专业的钢琴伴奏者也应积极突破，尝试自己为教学创作一些音乐。笔者通过近两年创作的实践，总结了以下几点创作伴奏乐曲需要把握的要点：
1.创作乐曲要符合舞蹈的风格。芭蕾、古典和民间舞都各赋一格，芭蕾舞源于西方，乐曲风格高雅、干净且意境纯美。而中国古典舞音乐则需要婉转优美的风格，民间舞音乐需要以民族音乐的节奏特点为基准来创作。
2.音乐结构和节奏的设置
首先，乐曲必须由方整性乐句组成。音舞专业舞蹈课组合重视基础训练和规范化，几乎不出现不规整的动作语句，因此，钢琴伴奏音乐也必须方正有序。
第二，曲式结构要简练。常用单段体（A），二段式（A+B）和三段式（A+B+C）或（A+B+A），但必须配以准备拍和收尾音乐才能保证舞蹈和音乐的完整配合。加之音舞专业的学生大多数未经过系统的舞蹈学习，甚至从来没有接触过钢琴伴奏下的舞蹈课，因此必须照顾他们的弱项，仔细观察舞蹈组合的模块组成，选择相适应的曲式结构来创作乐曲。
第三，乐曲节拍以2/4、3/4、4/4拍为主，尽量避免使用3/8、6/8、2/2等较为复杂的节拍。音舞专业学生的乐理知识普遍欠佳，复杂的节拍和节奏型会加重他们的学习负担，让伴奏音乐变成和如五位擦地、小踢腿、小跳等比较欢快有力的组合可以用2/4拍为编曲节拍，划圈、中跳和单腿蹲可用3/4拍来编写，一位擦地和控制可用4/4拍节奏编写。
第四，伴奏织体的编配要尽量简化，以舞蹈的节奏为编写基准，常用的有以下几种伴奏织体如图：
【关键词】流行钢琴；文化特征；理查德·克莱德曼
偶然的一次午餐后，听到邓丽君歌曲的钢琴改编曲，那优美的旋律，迷人的音响效果令人陶醉，为什么流行钢琴音乐会这么引人入胜呢？我反复思考，发现了流行钢琴音乐特点：其优美的歌唱性旋律，协和的古典和声和清晰明快的钢琴织体，是流行钢琴音乐的魅力所在。
一、流行钢琴音乐的概念
流行器乐曲与流行歌曲是构成今日我们所称的“流行音乐”的两大组成部分，对于流行器乐曲中的钢琴音乐，无论是从概念、内容乃至比较统一的称谓都还没有完全一致的结论。笔者认为，流行钢琴音乐是指：含有现代流行元素或民族元素的钢琴音乐表现形式。
所谓“流行”，在曾遂今著的《音乐社会学》中提到，流行是指社会上的一部分人在一定的时期内，由于受某种特定心理需求而追求某种特定的音乐行为方式，致使这种唱、奏、听某一种曲目或运用某一风格的行为方式及其对象在一定的社会范围内扩展蔓延，并形成不同程度的社会风靡与社会群体性狂热。所谓现代元素或民族元素，指在钢琴音乐的表现形式上加入了电吉他、键盘（合成器或电子琴）、电倍司、架子鼓、二胡、琵琶等元素，在演奏技巧和乐曲结构处理等方面具有鲜明的通俗性（民族性）和现代特征，乐曲旋律优美。
王小元《关于在高等师范院校钢琴集体课中引入流行钢琴音乐的几点思考》中，提到了流行钢琴音乐，他也没有直接给出流行钢琴音乐的定义，而是通过流行就是通俗，以及《汉语大词典》关于通俗文学的解释，“专供文化水平较低的成年人阅读的图书报刊，”进而认为通俗音乐“就该是文化水平较低的人听的音乐了”学生据此理解王老师文中的流行钢琴音乐是指，文化水平较低的人听的音乐了。但，不敢苟同。主要理由是：流行或通俗的不是文化水平低的人的专供。
二、流行钢琴音乐的内容与形式
（一）内容
顾名思义，通过钢琴演奏而得以流行的音乐都是流行钢琴音乐。如理查德·克莱德曼和马克西姆演奏的流行钢琴曲、由影视音乐改编的流行钢琴曲、由爵士乐改编的流行钢琴曲、流行歌曲的钢琴伴奏等。
（二）形式
流行钢琴音乐在表现形式上大体可分为四类：
（1）钢琴独奏的形式。在钢琴独奏中利用一些钢琴演奏技巧来达到表现民族乐器的效果，从而在这一民族地区得以流行的乐曲。如在钢琴上加入装饰音的手法来模仿中国弦乐器的刮奏或拨奏；采用反复性和弦来模仿非洲打击乐的演奏等。
（2）钢琴协奏的形式。主要是与民族乐器的协奏，体现出的民族特征而得以流行。如1995年，中国音乐学院民乐系的12个女学生用12把二胡与克莱德曼合奏《我的祖国》，开创了二胡和钢琴合奏的先河。
（3）为流行歌曲伴奏的形式。如邓丽君的流行音乐改编曲。
（4）与现代流行乐器的结合。如加入打击乐器、电子鼓、电子琴的古典钢琴曲或现代创作的用现代乐器配乐的钢琴曲等。
（三）典型代表
流行钢琴音乐的典型代表当推理查德·克莱德曼和马克西姆。
理查德·克莱德曼——本名菲利浦·罗贝路易·帕杰斯。出生在法国巴黎的一个小镇。他5岁开始学习钢琴，并创作了其人生第一首钢琴曲——《菲菲圆舞曲》，6岁，克莱德曼的技巧已经非常纯熟，12岁考入巴黎国立音乐学院学习。16岁开始演奏并作曲。1976年至2004年间，他在60个国家举办了2000余场音乐会和电视晚会，录制了约900首钢琴曲。
马克西姆——1975年生于克罗地亚的希贝尼克。9岁开始学习钢琴。12岁，就能够和交响乐团合作演奏海顿的《C大调钢琴奏鸣曲》。1999年，马克西姆在布达佩斯赢得了鲁宾斯坦钢琴大赛最高荣誉。2000年，马克西姆定居巴黎，师从伊戈尔·拉兹克。2001年，马克西姆获得巴黎庞拓斯钢琴大赛第一名。2003年，发行专辑《钢琴玩家》。2004～2006年，先后发行了6张专辑并大获成功。
相对于理查德·克莱德曼来说，马克西姆是流行钢琴界的后起之秀，虽然他的音乐没有像克莱德曼的那样影响巨大，曾经喜欢克莱德曼音乐的人们也许已经接受不了马克西姆更为现代的流行钢琴曲风格，但是，马克西姆却吸引了众多的上世纪70、80年代后出生的一大批年轻人开始关注他们眼中的“严肃音乐”，引领了另外一场更为强大的流行钢琴音乐风暴。
三、流行钢琴音乐的文化特征
流行钢琴曲和其他艺术形式一样，随着社会的快速发展而成为了一种全球性的文化现象，是大众文化的一个很重要的组成部分，也是音乐文化不可或缺的一部分，流行钢琴音乐具有大众音乐所具有的一般文化特征，也具有明显的个性文化特征：
（一）雅俗共赏
在中国，1978年的改革开放政策为国家的经济和文化发展注入了勃勃生机。在此后的十多年里，中国普通百姓的生活质量有了前所未有的提高和改善。与此同时，以西方文化为主体的世界多元文化的输入，对中国自身的文化建设和发展产生了深远的影响。它使人们再次获得了展望世界、博采众长的机会，同时也促成了群众文艺和艺术教育的蓬勃兴起。这其中自然也包括了对流行钢琴曲的接受和普及。
随着克莱德曼的钢琴音乐在中国的迅速传播，那种简洁、优雅的曲调让当时的中国人找到了一种既浪漫又不露骨的美。从音乐成就上看，克莱德曼并不是一个世界顶级的钢琴家，一些内行人士甚至经常嘲笑贬低他的音乐，然而在中国，正是克莱德曼并不“纯正”的钢琴曲赢得了最广泛的受众：从白领到民工、从5岁到50岁都为他的乐曲所陶醉。马路边、酒店大堂里，到处可以听到他弹出的悠扬悦耳的琴声。在中国，不知有多少人的心灵被《秋日的私语》融化过，被《致爱丽丝》蒸发过，被《命运》震撼过。
（二）普及推广
随着理查德·克莱德曼的钢琴音乐在中国的迅速传播，“孩子从小要有一技之长”的培养观念也在广大教师和家长中积极酝酿。克莱德曼把古典钢琴曲演绎的简单、浪漫，好像音乐直接在与听者沟通。中国的很多小朋友便是在这种简单而又华美的曲调中充满了对音乐、对钢琴的幻想，一场前所未有的钢琴学习热潮在中国的各个城市迅速展开。到了上世纪90年代，克莱德曼的钢琴曲为一大批中国的琴童做了“启蒙老师”。他把一些古典名曲演绎的轻松、华丽，使很多深奥难懂的钢琴曲一下子变得随和、亲切。许多孩子就是在这样的感召下，迷上了钢琴，开始了他们的钢琴学习之旅。
很多人听不懂古典钢琴音乐，但是，一些流行歌曲改编的钢琴曲曲目形式多样（有独奏、重奏、四手联弹等）、曲调优美清新，极易被大家接受。这则使他们通过一种他们熟悉的曲调对钢琴音乐产生了浓厚的兴趣，有利于流行钢琴音乐的推广和发展。
（三）民族互融
最初的流行钢琴音乐走进中国时，是具有典型西方音乐特点的，并且人们在接受的时候，并不排斥这种流行元素与古典音乐的融合，反而相当欢迎。但对于大多数中国人而言，在欣赏流行钢琴作品时，依旧是以民族传统审美精神为出发点，在此基础上接受这种流行与古典结合的一种新的文化创造。
虽然，理查德·克莱德曼的钢琴曲流行十分广泛，但是最能让他和他的音乐在中国人的心里根深蒂固的是他改编的许多中国民歌钢琴曲。理查德十分喜爱中国的音乐，为了向世界宣传中国，理查德把很多中国歌曲改变成钢琴曲，是目前世界上改编并演奏中国音乐作品最多的外国艺术家。他将中国各时期的流行歌曲改编成了钢琴曲，曲目覆盖面之广令人叹服。克莱德曼的《红太阳》等钢琴曲席卷了中国大地。一时间，克莱德曼几乎成为了一种文化现象。《花心》《爱如潮水》《浏阳河》《与往事干杯》《何日君再来》《梁祝》都被改编成了钢琴曲。一些歌曲《太阳最红》《一条大河》《我爱北京天安门》经过克莱德曼的演绎，焕发了青春，成了当时最流行的曲目。《梁祝》、《山歌好比春江水》、《太阳最红，最亲》等作品感动了无数中国人，理查德正是用钢琴这个西方的乐器，用西方文化的表达方式，融合了中国的音乐来表达对中国观众的敬意，弘扬了中国的民族文化。
（四）时代娱乐
流行钢琴音乐作为一种大众文化，不论是其存在还是表现，都具有很强的外化特点。它相对于古典音乐来说，更多的强调感官的刺激功能和娱乐功能，相应的抑制了审美功能等其他方面，更多的满足大众个体的需要。其中，科技的进步为流行钢琴音乐的产生和发展提供了必不可少的支持。唱片、无线电广播、电视、网络，使流行钢琴音乐的传播手段更加多元化，为流行钢琴曲的广泛普及提供了可能。另外，现代乐器的加入、电子音响合成技术的使用，是流行钢琴音乐的音响变得更加丰富，电子扩音设备的出现更是丰富了流行钢琴曲的表现风格，如果离开了这些现代可以手段，将大大影响流行钢琴音乐的传播。
流行钢琴曲的题材大多取材于日常生活，也偶尔会有涉及反战等内容，作为大众文化，还是以普通大众作为文化的中心和主要消费群体，因此会更加注重自身的娱乐性和消遣性。其中，情感的宣泄与寻求心理的共鸣，又会引起巨大的社会影响力。为了使更多的人接触钢琴音乐，娱乐性成为流行钢琴音乐最鲜明的特征。
（五）市场运作
作为流行音乐的一种，流行钢琴音乐，也是在市场经济体制作用下出现的音乐商品。从策划到宣传都秉承着商业化的运作机制。30多年间理查德·克莱德曼录制了超过1，200首的曲目，唱片销量超过了8，500万张。获得了超过340张的金唱片和白金唱片，唱片的盗版销售可能超过了3，000万张。如今，他已经录制了近1000首旋律，并且在全球范围内的销量已超过了九千万张。据统计，他拥有267张金唱片和70张白金唱片。有关资料显示，克莱德曼是当今世界上拥有金唱片最多的钢琴演奏家。
同克莱德曼一样，作为流行钢琴界的后起之秀，马克西姆的专辑销量也拥有傲人的成绩。2003发行的专辑《钢琴玩家》从发售起就大受好评，特别在亚洲，马克西姆在中国、新加坡、马来西亚、印度尼西亚的音乐CD销售量都获得了金奖，在台湾和克罗地亚都分别获得了白金奖，在中国香港更是获得双白金奖。这张唱片在香港HMV国际流行音乐排行榜中连续12个星期获得第一名。
对于一直低迷的钢琴音乐唱片市场来说，这些惊人的数字和成绩，不仅带动了唱片市场的繁荣，更表明了一种普通大众对钢琴音乐需求的方向，流行钢琴音乐需要得到更多的重视。
参考文献：
[1]王思琦.中国当代城市流行音乐——音乐与社会文化环境互动研究[M].上海教育出版社，2009.
[2]刘小龙.中国钢琴发展60年（7）——钢琴普及教育与克莱德曼钢琴曲[J].钢琴艺术，2009，（10）.
[3]潘利红.文化的融合——高师流行钢琴音乐教学探析[J]大家，2010，（16）.
[4]陈倩.跳跃在黑白键之间的曾经与未来——记流行钢琴音乐[J]大众文艺，2011，（4）.
[5]一言.马克西姆——从钢琴玩家到电音玩家[J]视听技术，2007，（8）.
[关键词]新时期；电影音乐；创作特点
中国电影的发展从1930年联华公司出品的影片《野草闲花》以蜡盘配音的方法配制了中国第一首电影歌曲《寻兄词》开始，至今已有近80年的历史。近年来，随着中国经济在国际地位的迅速崛起，中外文化艺术的交流逐渐增多。电影音乐在学习和借鉴西方先进的电影技术手段的同时，以风格多样的表现手法和富于民族特色的叙事语言，让中国电影屹立于世界电影之林，中国电影音乐的现状突出表现在以下四个方面。
一、音乐创作专业化
早期的电影音乐创作。由于受经济和技术条件的限制，除了由电影音乐工作者配写主题歌及少量插曲外，大部分电影音乐都是引用现成的音乐作品或由民谣、小调改编、填词而成，旋律简洁、篇幅短小、形式单一；建国初期，专业的电影作曲队伍和电影乐团成立，加速了音乐由编配为主向创作为主演变的进程，作曲家在深入生活、向民族和民间音乐学习的同时，重视借鉴苏联电影音乐创作经验，使电影音乐在民族化方面取得显著成绩。一批在创作实践中成长起来的音乐工作者成为电影音乐创作的主力军，如任光、章彦、王云阶、陈歌辛、李伟才、雷振邦等一批作曲家为我们留下了大量脍炙人口的优秀电影音乐作品。
进入上世纪80年代以来，音乐在电影中的地位和观众欣赏品位的不断提高，使电影音乐创作的重要性日益得到重视。越来越多的专业作曲家加入到电影音乐的创作队伍中来，形成中国电影音乐独特的“学院派”现象。“学院派”作曲家大多在“纯音乐”创作领域成绩斐然，涉足电影使他们找到了音乐的另外一种表达方式。他们都接受过系统而严格的专业训练，凭借扎实的音乐功底，良好的音乐修养和严谨的作曲技巧为电影谱写配乐，并多方面、深层次挖掘音乐表现的潜在魅力与其他可能性，在主题构思、和声配置、曲式规模、配器手法等方面不断创新，同时根据影片需要灵活驾驭并综合运用古典、流行与民族等不同音乐风格，努力探索全新的电影音乐语言，追求耳目一新的视听效果。在继承和弘扬中国民族音乐传统的同时，吸收和借鉴西方先进的作曲技法，并寻求新的突破，形成鲜明而独特的中国电影音乐特色。
除此以外，一些作为后起之秀的年轻作曲家也开始在中国电影乐坛崭露头角，使得“学院派”创作群体呈现出老、中、青三结合的局面。与前辈相比，年轻作曲家在创作理念和创作手法上更为大胆和超前。这无疑为中国电影音乐的繁荣和发展积蓄了后备力量。
二、音乐风格多元化
21世纪的中国电影音乐，呈现出古典、民族、流行等风格并存的多元化局面。作曲家已不再单纯满足于把音乐作为电影的附属品去填补语言与音效的空白，而是根据影片的不同时代背景，不同人物、情节，打破传统规则的创作模式，采用不同风格的音乐语言，或引经据典，或洋为中用，或中西合壁，恰到好处地突出影片风格，参与揭示影片主题。同时。音乐还能够紧扣时代主题，充满个性化色彩和生活气息。特别是在制作、出版。发行渠道逐步完善和健全的今天，电影音乐专辑先于影片发行完全成为可能。多元化的电影音乐满足了不同影片风格以及不同文化层次观众的需求，很多人因为看过电影而记住了电影音乐；还有一些观众则是因为听过了电影音乐而走进电影院去观赏影片。
早在默片时代，大量的古典音乐就被用来在影片放映现场掩盖放映机的噪声和烘托现场气氛。进入“有声片”时期以后，原创音乐逐渐成为主流，但仍有一些导演和作曲家喜欢在自己的作品中引用古典音乐，并使其与剧情有机融合，为电影增色。如陈凯歌导演的《和你在一起》，几次引用了柴可夫斯基的《D大调小提琴协奏曲》，在片中成为一种象征：琴童小春只有达到这首作品的程度才能证明学有所成。这部电影的音乐不管是原创音乐，还是片中主人公演奏的巴赫、柴可夫斯基等大师的作品，都很具艺术震撼力，对烘托人物、情节和强他主题都起到了很大作用。此外，谭盾为电影《卧虎藏龙》谱写的配乐之一《永恒的誓言》获第44届格莱美“最佳古典音乐”提名。以我们的理解，这部作品无论如何都应该属于“新音乐”而非古典范畴。谭盾的解释也许更能说明其含义：“在西方，我的音乐是古典音乐，古典音乐的概念是永远在持续的概念，就像中国的文学，是一个从古到令持续不断的概念。”
民族音乐风格从最初的民谣小调到后来的民歌改编曲，直至具有民族特色的原创作品，民族音乐始终是中国电影音乐的主流。流传在不同地域、不同民族。用不同语言演唱、不同乐器演奏的古曲、民歌、民谣等音乐素材一直都是作曲家为影片配乐时取之不尽的宝贵财富，也是中国电影音乐吸引世界观众的重要因素。
别林斯基说，只有民族的，才是世界的。中华民族五千年文化积淀孕育的音乐博大精深，有自己的“根”和“魂”，当代电影音乐家中的有识之士，继承、弘扬并发展了历史悠久的音乐文化，在尊重传统的基础上，通过改变和声、配器等手段打破了民族音乐原有的单旋律线的局限，使其拥有了现代的音乐语言。
三、制作合成数字化
20世纪40年代，电子计算机的发明引发了一场全球范围的新技术革命，进入70年代以来，数字技术迅猛的发展让通信、网络、广播电视等领域发生了翻天覆地的变化。1999年《星球大战――幽灵的威胁》在美国首次进行数字化商业放映，标志着电影从此迈入了数字时代。在我国，一批敏感而时尚的导演在他们的电影《紧急迫降》、《冲天飞豹》等片的特技镜头中采用数字技术加强视听效果，产生了强烈的艺术震撼力。同样，在数字化进程的影响下，我国电影音乐的制作手段也有了根本的改变。
以往作曲家的创作大都通过脑子想、嘴里唱，手上弹、谱上记的办法，制作过程复杂，制作周期较长。作曲家的个人技术，参与演奏者对作品的理解以及演奏水平的高低，甚至录音乐器的好坏都成为制约作品优劣的因素。而令，我国电影音乐的制作大多采用数字技术与电脑合成的方式。旋律编写、节奏安排、配器选择、和声设置、速度调整等一系列过程都通过电脑的软件模拟完成，在程序中形成独立的信息块，并使它们之间建立起网络化通道，用不同的排列组合方式，通过MIDI通道，用监听、屏显、复制等方式反馈给作曲家，建立、更新、取消等操作都非常方便。传统制作过程中需要百人甚至数百人才能完成的效果，在电脑上只需轻点鼠标就可以瞬间完成。数字化制作手段省略了二度创作对作品理解造成的缺失，使编创者和演奏者合二为一。同时还可以运用先进的剪辑技术根据影片情节的需要将不同的音乐分解或组合，做出力度、速度、音色等各种不同的变化。
数字化给今天的中国电影音乐带来了前所未有的震撼和触动，在当前和未来很长一段时期，数字化制作手段都将是中国电影音乐制作的主流。竞争是残酷的，一批曾经在电影音乐创作领域叱咤风云的作曲家，因无法驾驭全新的数字化制作技术而渐渐停下了手中的笔；而一直活跃在中国电影乐坛、自建国后就一直为大量影片配乐的中国电影乐团，在80年代电声音乐以及近年来数字音乐制作手段的冲击下，不得不接受逐年走下坡路的事实，从幕后走到台前，面向观众，通过“多种经营”获得效益，在市场中寻求发展。
有人说，数字化是一把双刃剑，在为音乐制作提供便利的同时，有可能抹杀作曲家的激情与创造力。因此，清醒面对数字化，合理应用其先进性的一面，会在创作过程中收到事半功倍的效果。
四、音乐创作国际化
近年来，在“全球超市”思维的影响下，中国电影国际化倾向变得越来越清晰。很多中国导演、演员、摄影师勇敢地走向国际市场，而国外的资金、明星、相关制作人员也频繁地出现在中国电影的投资领域和拍摄过程当中。如《大腕》、《冲出亚马逊》、《刮痧》等影片充分体现了这种国际化合作。与此同时，中国电影音乐的创作在扩大国际交流与合作的过程中，不断增进与国外同业者的相互了解，走出去，请进来，让音乐成为融合东西方文化精髓的世界语言。对外合作交流的国际化，让中国电影音乐站在了世界电影乐坛的前沿，同时也让中国电影音乐面临着更大的挑战，如何在竞争中立于不败之地，在交流与合作中寻求更大发展，是每一位音乐人应该深思熟虑的问题。
本书内容共分十章。分别从声音的性质、人耳的功能和音乐的基本理论；声、音、律，节奏、拍节、板眼及工尺谱；音色、律学、均、宫、调及调关系；曲调和曲式、传统多声部音乐、传统记谱法、中国传统音乐的美学特征等不同的板块对中国传统乐理作了系统的研究。在第一章中，作者从声音的物理性质、人耳的生理构造和功能以及人类的语言三方面分析了音乐产生的基础；在第二章，作者引用东汉学者郑玄之说区分了中国传统基本音乐理论中有关音高的三个概念――声、音、律；作者还向读者讲解了中国传统的五声、七声音阶，并列举出许多有特点的传统乐曲的谱例。除此之外，作者还特别描述了极具中国音乐特点的“摇声”，指出构成传统民族器乐曲、民歌、说唱、戏曲的不同风格特点之原因，都取决于不同的“摇声”，故掌握不同性质的摇声是学习中国传统音乐的关键。在“节奏、拍节、板眼及工尺谱”一章中，作者就节奏、拍、工尺字，板眼、板式、句逗、段落的记法及其它记号、简谱对工尺谱的影响及简谱的改造等方面，对中国传统基本乐理进行了较为详尽的阐释。关于音色，作者从音色的类别与构成、中国传统音乐的音色多样性、中国传统器乐的音色组合以及中华民族的音色审美倾向几方面作了阐述。对律学一章，作者概述了十二平均律、五度相生律、纯律、二十四不平均律以及各种律制的应用。关于中国传统音乐的曲调与曲式，作者叙述了我国两大类曲调――声乐曲调、器乐曲调的曲调风格和进行方式，曲调的发展手法，曲牌和传统音乐中的其他曲式。在第八章中，作者叙述了传统多声部音乐的织体类型以及传统和声两大方面。在第九章中，作者介绍了琴谱、燕乐半字谱、律吕字谱、曲线谱和锣鼓经等几种重要的传统谱式的一般常识。此外作者还讲述了传统乐谱和演唱、演奏的关系。在最后一章中国传统音乐的哲学基础和美学特征中，作者指出中国传统音乐有着“天人合一”的哲学基础、“气盛化神”的审美追求和“立象尽意”的最高境界。综观全书，我们认为它有四大特点：
1. 统揽全局，凝练概括
本书涵盖了中国传统基本乐理的角角落落，小至声音的性质、人耳的功能、声音律、节奏、拍节和板眼，大至传统的曲调曲式、传统的多声部音乐、传统记谱法和中国传统音乐美学特征等各方面都有着较为全面的叙述。有关中国传统乐理的各种基本概念或理论，本书也都作了概括性的讲述。
2.轻重适度，彰显特色
作为中国传统乐理教程，本书始终不忘突出中国音乐的传统性、民族性这一特点，这对传承和传播中华民族传统音乐文化，使中国能在世界民族音乐之林独树一帜做出了重要的贡献。例如本书所提及的“摇声”和“润腔”，是中国传统乐理和西方乐理的一个非常基础性的不同之处，尤显中国传统音乐的特点，传统民族器乐曲及民歌、说唱、戏曲的不同风格特点都取决于不同的“摇声”和“润腔”，分析特殊的“摇声”和“润腔”的特点是掌握一个民族、一个地区音乐风格的关键。又如中华民族有着非常独特的审美倾向，表现在音色多样化、乐器个性化、重视运用嗓音、偏爱人声音色和强调“清、亮、透”的色调。再如中国传统律学方面有着诸多的成就，但各种律制在应用中又各有选择、各有侧重、灵活多变，在二胡等拉奏弦鸣乐器上，主要选用五度相生律，遇到和声时又须转入纯律，旋宫时又用十二平均律，出现不停变换律制的局面等。
3.放眼世界，视野开阔
由于20世纪初西方音乐传入中国的影响，以及西方音乐文化在世界范围内的普及，许多音乐学习者入门学习基本乐理，均以西方基本乐理为蓝本，致使学习者们对我们中国自己的基本乐理缺乏必要的了解，为了便于读者的理解以及体现中西乐理的不同，书中许多地方在进行中国传统乐理的阐述时，经常将两者进行比较。例如“一板三眼”用简谱记录虽然为四拍子，但实际上它的律动感觉和西方音乐中的四拍子是不同的；虽然板眼与用简谱所记录的西方音乐中的节拍形式相似，但板眼的强弱循环却未必与西方音乐中的强弱循环相同。又如旋宫与犯调，经借助西方大小调体系基本乐理中的“转调”这一概念后，就变得相对更好理解了。又如中国传统音乐中的泛音性多声和音，表面上看来与欧洲古典音乐的三度结构和弦相同，但是两者间的构成原则和具体构成方法却是不同的。再如中国传统音乐的操作系统与西方古典音乐的操作系统相比较，前者较为开放，演唱者、演奏者对乐曲可以根据自己的理解作出较为自由的阐释，后者却不然，是较为封闭的。作者这种放眼于世界之眼光，体现出本书理论视野的开阔。
4.繁简明晰，重在承续
既然是中国传统乐理“基本”教程，就需要向音乐爱好者与学习者提供一个集中国传统乐理于一体的良好范本。因而，作者自始至终把自己的研究与写作定位于此，从而形成了自己的一个独特而又鲜明的特色。全书具有体例繁简明晰，内容则重在承续的特点。
我们认为本书主要在两个方面有所欠缺。第一，从本书的框架结构看，第一章“声音的性质、人耳的功能和音乐的基本理论”和第十章“中国传统音乐的美学特征”的内容稍显薄弱。其中，本书第一章存在两个问题，一方面，讲中国传统乐理是否非得从声音的性质、人耳的功能和音乐的基本理论谈起，这与讲西方传统乐理有本质的区别吗？如果没有就没有必要涉及。另一方面，即便是存在本质区别，即便有必要，作者的讲述也是欠深入的。第二，本书还没有真正体现“中国传统”四字。关于这一点，高厚永先生说得很清楚“这本教材虽添加了有关音色和美学特征等章节而有别于西方乐理，但并没有摆脱西方乐理的框架，还是按照西方人的分析性思维模式，从声、音、节奏、节拍等具体细节入手，尚未能够按东方人综合性的思维模式，遵循我国文化的传统，从更高、更宏观的方面去审视和论述。”[2]
参考书目
[1][2]杜亚雄《中国传统乐理教程》上海音乐出版社2004年版。
自《卧虎藏龙》上映以来，片中优美的音乐得到众口一词的好评，作曲家谭盾再次为世界所瞩目。在音乐中，他加入了许多中国传统元素中的戏曲元素，《月亮爱人》《永恒的誓言》等都是《卧虎藏龙》中的优秀作品。其中，《月亮爱人》是电影的原创歌曲，《永恒的誓言》是流行音乐和古典音乐相结合的作品。他用中国传统的音乐表达形式和西方的音乐相结合，并结合得恰到好处，音乐所散发出的古典美、现代美带到影片中，烘托影片剧情，使影片散发出一种独特魅力，效果极好。这部影片音乐的创作独树一帜，同时也获得了奥斯卡电影节最佳原创音乐奖。影片是以含有悲伤情绪的大提琴为主旋律，这样的声音不禁让人联想到中国古典的乐器———二胡，二胡演奏的忧伤情绪最能感染人，然而，谭盾不走寻常路，他用大提琴代替二胡，所奏出的声音依然让人折服。在音乐中，他也把东方古典乐器的演奏和西方乐器的演奏结合得很好，在音乐中得到充分的体现。古琴和大提琴的配合奏出了浓厚的戏曲味道。在“南行”一章中，他运用了笛子，婉转悠扬的声音把江南秀丽的美景表现得淋漓尽致;在“交锋”中，又运用了琵琶，让人感到胆战心惊;在“穿越竹林”中，他运用了萧，使整个情节都充满强烈的江湖杀气;在“思慕青冥剑”中，又巧妙地运用了二胡，给人一种空灵的惬意;还有维吾尔族乐器和葫芦丝的运用，都表现出了一种神秘的音乐文化气息。
《卧虎藏龙》让谭盾被更多的人所熟知，他为东西方音乐的结合作出了巨大的贡献。后来，他又为张艺谋导演的《英雄》作曲，再一次充分发挥了自己的特长，把东方音乐的神秘和西方音乐的浪漫完美地融合，创作出了优秀的作品。在《英雄》的音乐中，谭盾使用了许多让人意想不到的音乐创作方法。他把小提琴的琴弦换成二胡的琴弦，使发出的声音呈现出一种深远、苍凉的音乐曲风，他用这种方式来表现大漠的荒凉、孤寂、辽阔，准确地表现出古代大漠的风味，很好地表现出电影所要表达的意境。谭盾对乐器的改造还体现在多种乐器上，他把中国东北的二人转与西洋交响乐曲相结合，把西方的爵士乐和摇滚与鼓点相结合，这样的设计把东西方的音乐有条不紊地融合在一起，将影片中的情节和音乐很好地结合，给人一种画面与想象相配合的感觉。在《英雄》中，那种气势磅礴、唯我独尊的气势是从管弦音乐中来的，管弦音乐在千军万马中迎面而来，构成了让人为之震撼的画面。“闯秦宫”一段中，谭盾使用了一种很古老的乐器———古铙。古铙大约有4000多年的历史了，是一种极具东方特色的乐器，发出的音乐低沉而又神秘，如泣如诉。谭盾邀请了极具东方特色的日本著名的鼓童和西方浪漫主义的小提琴演奏家帕尔曼，并找了50名男低音共同演绎了这段音乐。在这段情节中，打斗的场景在古老钟声的气氛中沉浸着，再加上小提琴和男低音的淳厚使得电影演绎出一种空灵缥缈的感觉，三者结合表达出一种很独特的效果。同时，这段音乐也是这部电影的主题音乐，电影一开始的时候，是鼓曲和交响曲的结合，流露出一种苍茫大地的情怀。谭盾是大胆的，他把古琴和小提琴巧妙地结合在一起，表现出中国的雅致和西方的唯美。这种东西方的结合，获得了别样的音乐风格。“在水一方”的水战，打斗很激烈却听不到一点声音，这与谭盾独特的音乐创作有关，缥缈而又安静的画面，给人独特的视觉享受。在“永别英雄”这一段中，把二人转和秦腔的旋律与小提琴相结合，奏出了一种苍凉而又宁谧的感觉，成为电影音乐上的经典。
《英雄》中所表现的音乐是粗犷的、沧桑的，并且要表现出大漠的辽阔。谭盾所创作的音乐中，是柔情和阳刚相结合的，在《卧虎藏龙》中表现了南方的柔情;在《英雄》中，则表现的是粗犷宏伟的音乐。《卧虎藏龙》大部分都是以简单、清新的风格为主，配乐就像故事情节那样单线条发展。两者虽然一个粗犷，一个细腻，但是两种音乐风格都有一个相同的特点，也是音乐最独特的地方，那就是传统的音乐用西方的音乐形式表现出来了，把东方的传统音乐和西方的弦乐相结合起来了。《夜宴》的音乐创作把谭盾的事业再一次推向高峰。《夜宴》中所呈现的音乐给人一种耳目一新的感觉。在配乐中，谭盾再一次巧妙地把我国的民族音乐用西方的音乐形式表现出来，把东方的静谧、神秘感表现得淋漓尽致。这种结合，使他又一次大获成功，给影片增加了许多亮点。《夜宴》中的音乐《越人歌》《我用所有报答爱》为影片的成功作出了重要的贡献。
谭盾在《夜宴》的音乐制作中，为了渲染出唐代的盛世，抛弃了大提琴声音悠长的优点，而是用钢琴的低声区来表现，又把周迅声音的沙哑、张靓颖声音的悠长和泰戈尔声音的低沉巧妙地结合在一起，描绘出一幅美好的画面。影片的开头是《越人歌》，歌曲声音委婉、唯美，与影片情节相得益彰，把影片的情节烘托得恰到好处。其中，钢琴和弦乐的配合，使乐曲很有层次，也将画面呈现得错落有致。片尾是《我用所有报答爱》，悲伤的旋律让人们沉浸在影片中无法自拔。任何事物都不会凭空而来，《夜宴》也是如此，《夜宴》的成功创作离不开《哈姆雷特》的影响，莎士比亚的《哈姆雷特》中富含丰富的西方音乐特质，而在《夜宴》中，谭盾巧妙地将东西方音乐结合在一起，将中国文化元素寓于西方音乐之中，从而完成完美创作。正如《夜宴》和《哈姆雷特》一脉相承，两部作品中反映的世界观极其相同。但在东西方不同的环境中，人们的反映就会不同。小提琴在配乐中富有一种神秘感，不同的人会有不同的理解，这种奏出的曲调要人们自己去细细地品味、体会、解读。每一部作品都有其要强烈表达的东西。《夜宴》这一作品是想挖掘人内心最深处的寂寞，让人们在这份寂寞的感染下去寻找那份希望，从而达到心灵之间的共鸣，最终使不同文化不同地域得到完美结合，形成一个完美的整体。《夜宴》所讲述的故事较之《卧虎藏龙》要早1000多年，其音乐也比《卧虎藏龙》的音乐更加古朴与唯美。仿佛来自千年之前的天籁，在时空的罅隙连绵不断，而结尾处摇滚音乐的闪现与古典音乐形成强烈的对比，视觉与听觉的双重刺激，将人们从遥远的唐朝拉回到现实中。古典与现代的完美结合，给人一场跨越时间与空间的盛宴。通观整部影片，音乐随着剧情的发展不断变化，时而紧张凝聚，时而舒缓凋落。音乐的不断变化将人物的悲与喜表达得淋漓尽致，中华民族含蓄内敛的情怀在西方古典音乐热烈、深厚的风格中燃烧，将那份深藏在内心深处的情感毫无保留地表现出来。
谭盾创作的电影音乐都是以中国古典纯正的文化为根基，再将西方的乐曲技巧、乐曲形式很好地融入其中，这就弥补了东方传统文化拘谨、扭捏的短处，也创造了富有东方情调的音乐硕果。深受广大观众的热捧，为中国传统音乐的发展提供了更大的空间。谭盾敢于打破常规，挣脱陈旧俗套的创作思维的束缚，将古典与民间融合，传统与现代结合，民族与地域结合，从而酝酿出别有一番韵味的音乐曲调。其实，创作电影音乐本就需要敢想、敢闯、敢突破的头脑和任其自由飞翔的领域天地，一味地墨守成规只会令音乐停滞不前。谭盾的敢想敢闯的精神着实令人折服。他为中国现代音乐和中国电影的发展创造了更为广阔的发展空间，让国际上更多的人对中国的传统文化与音乐色彩有了更深的了解，也为中国电影音乐营造了新的传奇。（本文作者：刘超、李佳 单位：河北农业大学艺术学院）
