时间：2023-02-16 18:51:58
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇音乐学毕业总结，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词：声乐演唱；本科毕业论文；管理
随着毕业生人数的不断增长，在近些年的发展过程中，我国高等教育事业在毕业论文管理方面，针对当前毕业论文写作的质量管理和论文管控等方面的改革工作，一直在不断地探索和调整。本科生毕业论文的设计工作是各大高校教学过程中的重要环节，更是检验学生的专业技能或专业理论知识的方法之一。
一、音乐类院校本科生毕业论文的管理体系
（一）组织管理环节
1. 管理方式及内容
按照我国音乐类院校本科生论文管理的具体流程，在毕业论文的设计和指导方面，主要以教研室主任和系主任共同组建起本科生毕业论文小组的形式进行管理。本科生毕业论文小组主要负责本科生毕业论文的选题或设计的确定、分派指导教师、对导师指导过程的监控、对论文答辩工作的组织和实施、对论文或设计质量的评估及对答辩后的理论论文及设计类论文的存档等。针对本科生毕业论文的管理，需要从领导小组组建开始，贯穿整个本科生毕业论文的开题和答辩完成之后的存档等环节中。
目前，我国高校对于毕业论文的组织和管理按照各校具体形式的不同而采取不同的管理制度，如分级管理负责制，主要以毕业论文的具体工作为基础，在教务处的统一筹划和安排下，由本科生毕业论文小组、毕业院系、指导教师、教研室等构成整个毕业论文管理体系，从各自的职业范畴来对音乐类院校本科生论文的管理进行责任的划分。
2. 管理的弊端
分级管理负责制尽管条理明晰，对毕业论文管理涉及的各个负责部门的工作进行划分，以确保论文管理的各一个环节可以按照相关规定顺利开展，但是在具体的操作过程中很容易出现信息传递不及时而导致失败或出现信息传递的失效等问题。音乐类院校本科生论文管理涉及教务处、教研室、各个系、本科生毕业论文小组、指导老师等多个方面，难免因为交叉管理和层级检测而出现制约论文管理规范性等的问题。
此外，由于各类高等院校在进行本科生毕业论文组织和管理的过程中缺乏具体的实践检验和调研单位的参与，如某学生的论文内容主要就某公司所筹办的音乐会的流程和管理等进行研究，在检验和监控论文质量时，指导老师、院方无法就该名学生是否深入实践进行调研而进行检测。此外，针对专业技巧等方面的研究，需要在实践过程中借助案例来检验，但是学校和公司之间缺乏合作，无法为学生的研究提供第一手的研究资料或实验的机会。因此，在此方面当前音乐类院校本科生论文的命题研究方面很容易趋向毕业论文的设计而轻视理论性论文的现象。
（二）管理程序环节
我国各类音乐高等院校在进行本科生毕业论文管理时，最容易出现管理问题的环节主要在管理程序的实施过程中。本科生毕业论文的管理需要覆盖到从选题到论文的写作，再到答辩和论文总结报送等环节中，任何一个环节出现疏漏都会影响本科生毕业论文管理的全过程。按照不同的程序需要，目前每个环节的内容包括以下几点。
1. 选题环节的管理
对本科生毕业论文选题环节的管理主要集中在选题时间、选题方式、选题的具体要求等方面。具体到时间的安排问题上，一般音乐类高校的本科生毕业论文答辩会定在第八学期，选题需要定在第七学期或第八学期。具体的选题时间需要按照各个学校和院系的具体安排来执行。在选题方式上，当前我国高校基本设定为学生自拟或院校代为拟题两种形式。在具体选题方面，学生必须按照自身的专业目标和教学的基本要求来确定选题，题目同时要提交指导教师审核。如果音乐类高校实施由学校代为拟题方式，则需要选择富有教研经验的专业教师来拟定毕业论文或毕业论文设计的题目并提交本科生毕业论文、毕业论文设计领导小组来审核，审核后提报到教务处做题目备案。在拟题过程中，必须要保障题目的设定数目多于现有的毕业生数目，避免出现学生的擅长领域与选题不相符，无法顺利选题的问题。在毕业论文的选题设计方面，以学生本科期间的教学目标和教学大纲的要求为核心，以激发学生创作激情为理念，从助力学生综合使用知识的角度来设计选题。
2. 写作环节的管理
对于选择毕业论文设计的学生，针对此类学生所选定设计的内容和在内容中对专业技巧的运用，校方必须明确毕业设计的流程和要求，对于毕业论文设计和毕业论文撰写两方面按照格式和内容分别列出明确的要求并将此信息传达到学生个人。格式要求由于涉及写作的规范性，因此必须统一，而毕业论文的内容要求则是对学生毕业论文写作的原则的基本规定。
3. 答辩和总结环节的管理
答辩环节在开题环节之前按职责分配到音乐学院的各院系，在具体的执行中同样由各个院系按照学校规定的章程和时间来组织和实施。音乐学院的各院系的具体答辩流程、规定、审核的方式及总结提报要有差异性，在对答辩和总结两个环节进行管理的过程中，主要对答辩的时间、组织方式、答辩的程序、论文成绩的审定等各个方面进行规范。答辩结束后，学生的论文需要报送到各个院系的论文管理小组备案，对论文的归档进行保存，就论文的工作总结报告等方面进行存储并按照成绩进行汇总。
4. 管理中存在的问题
毕业论文的撰写和答辩时间通常集中在第八学期，而此学期一般是就业高峰期。毕业论文的写作时间与就业之间的矛盾同样会影响毕业论文的质量。在毕业论文的选题方面，尽管目前采用学生自主拟题和学校代为拟题两种方式，但是从实际情况来看，由于与企业之间合作的脱节，很多学生缺乏实践经验，因此在具体论证中，只能从理论角度进行论证或设计，实用性并不高。在对指导教师的资格认证方面，目前仅限于对本校的教师进行职称梳理，校企共建中的企业指导教师无法被纳入到本科毕业论文的管理工作中来，论文设计和管理均具有局限性，尤其是校企共拟选题的设想显然缺乏落实的土壤。
（三）监管程序环节
监管环节在不同的学校落实的方式不同，主要借助监督工作来开展，具体包括学校的自检、毕业论文撰写的中期抽查、毕业论文撰写完成之后的抽查、对毕业论文导师的抽查等。其中，学院的自查需要将抽查到的结果提送相关部门，中期检查则主要针对论文的进展和撰写过程中主要存在的问题等方面来进行检测。对于答辩前毕业论文的检测主要在于对毕业论文的重复率、抄袭、拼接等方面进行抽查和检测。前三个环节比较容易实现，第四个环节，即对指导教师和学生之间交流情况的检测，由于受到各类人为因素的影响，在具体的落实过程中很难进行有效的把控。
二、音乐类院校本科生毕业论文的体制改革
（一）明确管理意义，明晰管理方向
针对我国当前音乐类院校的本科毕业论文管理阶段所存在的各类问题，对其进行整改就务必从源头出发，如明确管理体系构建的价值和意义。在社会主义市场经济体制下，音乐类院校的本科毕业论文管理其主要目的并不在于对毕业论文的管理本身，而在于如何以毕业论文为基础，对本科毕业生的知识架构、专业理念、专业技术、艺术素养及综合表现能力等方面进行考核和指导，力争在学生离开学校之前找出学生目前知识和能力等方面所存在的问题，争取在就业之前加以完善。音乐类院校的本科毕业论文管理工作是对学生和教师进行考评的最为直接的标准和评估要素，同样也反映着高等院校的教学水平、管理水平和办学水平等。音乐类院校的本科毕业论文和设计作为一项极其重要的独立二级指标，应体现在音乐类院校的本科毕业论文管理工作的每一个环节里，按照具体的要求来执行考评标准。
（二）确定工作目标，提高质量意识
论文质量是教学质量的评估标准之一，同样也是学校谋求生存和发展的核心动力之一，因此在对论文管理的过程中，务必按照每一个阶层的要求开展工作。在明确工作目标方面，注重管理和组织是首要任务；在监控教师和学生就毕业论文工作开展方面，需要在思想动员的同时，强化绩效考评政策，强调各个环节中管理的质量要求和行为规范要求，尤其在选题把关、指导教师的资格审核、训练指导、中期检查、审阅和评阅、答辩及最终成绩的考核和评定等方面，均需要对学生和教师进行培训和指导。提高质量意识的前提是构建合理、科学的管理体系，以先进的管理理念、认真负责的管理精神和规范科学的管理方法等，力求在增加执行力度的同时，为论文质量的把控提供基本保障。
（三）建立校企共评机制，灵活运用考评标准
在一些音乐类高校，校企合作作为为学生提供实践平台的方法之一，应在对学生进行日常管理的同时引入企业专业人员对学生进行指导，例如，如何筹划音乐会等方面所提供的经验课堂教学指导，在学生进行毕业设计和毕业论文撰写的过程中，企业的指导人员也可以作为学生论文或者设计里，实践方面的指导老师。此种方式更有利于促进学生们在毕业论文撰写和毕业论文设计时，融入更多的创意，在拓展他们思维空间的同时，也有利于就业后视角的开拓和提升其理论联系实际的熟练操作能力。灵活运用考评制度，将原本的传统考核和考评制度及规范延伸到对学生能力和素质的考评中来，将实践作为评分标准之一，转移到企业的考评和管理中来，可以更有利于减少学校在毕业论文管理中所花费的人力物力财力。
参考文献：
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关键词：海南师范大学；音乐学；创业；音乐培训；高考；基础建设；演艺文化公司
1 海南地区就业形势与毕业生情况分析
国务院2010年初颁布了《国务院关于推进海南国际旅游岛建设发展的若干意见》，海南地区迎来的新的发展机遇。国际旅游岛的建设提供很多岗位，对于海南师范大学音乐学专业毕业生来说情况并不容乐观，笔者总结海南师范大学音乐学专业就业难根本原因有三点，第一点海师大音乐学专业毕业生中大部分生源是非海南籍毕业离校后首要选择是返乡，而内地省份相比海南地区就业压力明显较大岗位竞争激烈。第二点在海南地区机关单位招聘中对音乐专业招聘名额有限所提供的岗位数量不能满足毕业生就业的需求。第三点在海南地区专业对口的教师岗位招聘类型主要是竞岗招聘和特岗教师两类，这些岗位多分布在海南基层的县、乡镇中学，毕业生不愿意深入基层工作而放弃就业机会。海南地区这几年随着建设国际旅游岛脚步的加快直接带动了城市的大发展，这是海南地区大发展的转折期，日益增长的人流量带动的是整体的发展。所以鉴于当下就业难的情况主动转变就业思想，变就业为创业以得到个人更好的发展和带动产业的兴旺发展。
2 创业方向分析
音乐学的创业方向选择是多种多样的，可以是音乐专业相关产业也可以从事当下社会流行的创业方向，可以是新兴的电子商务产业也可以的其他行业。但在音乐领域创业项目很多是与音乐专业知识密切相关其他无音乐专业背景的人从事此行业并不乐观，比如钢琴维护、声乐教学、器乐教学等等都是需要专业人才。所以在创业方向笔者建议应该选择与音乐专业相关的创业项目，既符合个人的专业特点也了解行业情况。海南地区发达城市主要是环东线城市带相对落后的地区是中部城市与西部城市，海南省中西部城市的发展建设赶不上东线城市还有一方面的原因是交通不便。
2.1 乐器的销售与维护
从事乐器销售与维护行业是音乐专业毕业生传统的创业模式，这个行业中钢琴销售维护是核心内容，众所周知海南地区不产钢琴等乐器岛内所有的钢琴均是外运而交通发达的海口和三亚已经不是当下乐器销售和维护创业的首选之地，中西部城市随着经济的发展对艺术教育是渴求的，这是一个巨大的潜在市场在未来乐器的发展中会是有所偏向。中西线城市的交通问题是此行业创业的难题，不降低乐器运输成本那么利润将大大降低。国家政策在调整一些基础建设更多惠及到海南中西部地区比如西线高铁的开工建设，中线海屯高速公路的开通等等这对与未来的中西部城市发展是一个大的契机。
2.2 音乐培训机构
音乐学专业毕业生传统的创业不仅是乐器的销售与维护还有音乐专业教学方面。音乐专业培训组成分分主要两个方面一是对音乐艺术兴趣另一方面则是艺考，当然除去这两个主要的方面还有业余喜爱等等共同组成音乐教育市场。艺考热近几年一直是社会中热议的话题而艺考热的实质是高等院校在艺术院系方面招生人数的增加，海南地区高校在近几年中也对艺术专业招生进行了调整。面对海南各地学生音乐培训机构笔者个人认为倾向于围绕艺考进行办学或者开设音乐培训机构，音乐的兴趣爱好者是不能支撑和建立培训机构它的市场定位应该是辅助艺考而进行的，艺考无论是考级、高级中学艺术特长生招生考试还是艺术高考都是需要长期的专业学习和学生投入大量的精力的所以稳定下一定的艺考生源后再开展兴趣培训，这样培训机构的运行模式才能确保长期稳定。运行音乐培训机构要解决核心的问题是稳定生源，稳定生源首要的明确音乐培训机构办学目的，如果培训机构定位是围绕音乐高考为办学目的那么为了稳定生源办学地点应该选择在海口或者三亚等发成城市，招生的范围是面向海南本省各地进行招生以确保生源的稳定，在招生过程中确保宣传到位是关键。
2.3 学前教育事业
学前教育是国民教育体系中不可缺少的组成部分，与艺考热一样入园难也一直困扰着许多家庭。而国家在近些年对民办幼儿园方面是持态度也有所改变，政策调整偏向也十分有利于民办幼儿园。海南城市中随着建设国际旅游岛将会源源不断涌入的新群体将成为民办幼儿园新兴的生源群体。同时除了城市广大的农村更需要建设现代化优质幼儿园弥补学前教育的不足这是一个庞大的市场有待开发，不仅海南农村学前教育事业有待开发全国各地的农村学前教育都需要大量的人才开饭。笔者个人分析学前教育未来的发展方向除了蒙氏教学法外，在出传统的教学也在倾向于向艺术教育方面，音乐学专业毕业生以其特有的专业优势会成为学前教育受青睐的人才和新生力量。
2.4 演艺文化公司
演艺事业在海南省乃至全国都是属于新兴的行业，演艺事业包括很多的方面比如演艺人员、舞台管理、服装管理、营销等等方面，组织演艺文化公司专业从事演艺工作也是对于音乐学专业毕业人才是非常不错的创业方向选择。演艺文化公司的前景是十分可观的，起步阶段很难由于人员存在不稳定的情况以及设备不齐全、演艺影响范围小等多方面因素导致此行业的创业起步艰难所以不建议大规模从事演艺文化公司的创业，创业早期演艺文化公司并不是以纯粹的演艺活动支撑运行公司以多形式和多方面给开展创业，认清市场的行情并巩固一定市场后选择是否继续从事演艺文化公司的创办。
3 创业前景展望
近些年国家对海南省基础建设提供大量援助，海屯高速公路的开通、西线高铁的开工以及航天城、洋浦经济开发区等等方面的影响下海南省建设国际旅游岛未来的发展是光明。对于音乐学专业的毕业生来说创业也是前途光明的，面对大陆省份就业难的不争事实，不如切合实际长期奋斗立足海南本省抱着建设海南国际旅游岛的决心投入到创业中是对国际旅游岛最好的支持。针对音乐学专业岛内需要专业人才从事教育培训、演艺文化传播的等事业。海口、三亚等城市中对音乐培训演艺文化传播等需求是大量的，而中西城市中组需要更多的专业人才从事于音乐相关的教育培训、演艺等工作。随着海南岛内基础设施的完善海南未来城市发展中的工作重心会从海口、三亚等相对发达地区偏向中西部城市，中西部城市的城市化进程将是建设海南旅游岛的下一个重点方向，对于音乐专业创业方向而言稳定海口三亚众多音乐行业外要开辟新的市场范围。所以未来音乐专业创业的前景在海南省中西部城市，除去城市的创业外也应该着重考虑广大的农村市场，海南国际旅游岛惠及的不仅仅是城市广大的农村地区也会得到相应的发展。
参考文献：
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[4]武艳.国外社区音乐教育对促进我国音乐类大学生创业的启示[J].继续教育研究，2011，2（15）.
关键词：国外社区音乐教育；音乐专业大学生；就业；创业
中图分类号：G718 文献标志码：A 文章编号：1009-4156(2011)02-074―03
解决当前音乐类大学生就业难、创业难的问题，除了对当前我国高校音乐教育模式和培养目标进行调整，笔者认为，摆在我们面前的道路有两条：一是就我国现有的经验进行总结深化；二是借鉴国外的优秀经验为我所用。就后者而言，国外通过着力发展社区音乐教育，无代价释放创业资源的发展理念，对拓宽就业渠道、开发大学生的创业机会无疑会起到积极的作用，同时也给我们解决这一问题带来一些启示和思考。本文拟就这一课题作初步探讨。
一、当前我国音乐类大学生就业问题的紧迫性
造成当前我国音乐类大学生就业难状况的原因有很多，主要原因是，音乐专业学生(尤其是音乐学方向)传统的就业方向主要是面对中小学或基层音乐教育，其他就业渠道并不畅通。由于近年来音乐教育专业毕业人数的增加，超过中小学音乐教师岗位的增加，从而导致供远大于求的局面。而以往对中小学音乐教师岗位不屑一顾，秉承“皇帝女儿不愁嫁”优越心理的专业音乐学院毕业生，由于就业压力也争先恐后地到基层教育岗位“插上一脚”，进一步加重了音乐类学生就业难的境况。
新形势下，新的“读书无用论”已有开始蔓延之势，消极情绪开始引发消极的舆情，近年来甚至开始出现部分地区高三学生因就业悲观心理临时放弃高考的现象。大学生就业难业已引发就业心理压力，产生失衡心态，对社会稳定产生了一些不利影响，危及社会的稳定和社会和谐发展。
面对当前困境，如何破解音乐类大学生就业难题?我们能够做到的除了对我国现有的经验进行总结深化，更为重要的就是借鉴国外的成功做法，使其优秀经验为我所用。我们要了解国外社区音乐组织和社区音乐教育的发展史，对于他们在开展社区音乐教育方面所取得的成绩和成功做法，尤其是通过开展社区音乐教育如何有力地整合利用社区资源、创设多元化教育形式、广泛吸纳音乐专业人才以及最大限度地扩大音乐就业岗位的成功做法与经验，深入借鉴，认真汲取。
二、社区音乐教育概述
社区音乐教育以区域民族文化和地方传统文化为基础。作为国民音乐教育的有机组成部分，它是一种旨在提高全体社区成员音乐素养，并有利于人们身心健康发展、普及性较强、充满人文色彩的、面向大众的社区教育活动。
社区音乐教育是对人进行美的教育，其中包括各级各类音乐教育，教育内容课目繁多、教育方法灵活多样、教育形式不拘一格，教育主体与客体交互发展，互为变换，取长补短。社区音乐教育活动的广泛开展不但满足了社区群众心理需求，促进了社区成员身心健康，增强了社区凝聚力，更承载着完善社区成员美德的责任和义务。
三、国外社区音乐教育的形成与发展
国际音乐教育学会(ISME)社区音乐活动委员会(CMAC)于1953年成立，成立大会上CMAC主席依贡・克([德]Egon Kraus)提交了关于加强社区音乐教育建议的报告。随后该组织在推进世界各国社区音乐发展方面做了大量工作，极大地推动了全球，特别是欧美国家的社区音乐教育活动。其中有代表性、具特色的有丹麦的社区音乐学校、英国的社区音乐教育中心、美国的社区乐团、加拿大的群族式社区艺术活动中心、澳大利亚社区音乐纲要基金等，他们均取得较大成就。
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19世纪30年代，以丹麦、挪威等为代表的北欧国家纷纷建立社区音乐学校。20世纪60年代以后，社区音乐所需资金基本纳入政府财政预算。丹麦全国有14个郡(县)，近300个社区。按其法律规定，每个社区相应建立一所音乐学校，所有青少年及儿童必须学习相关音乐技能或理论。师资由聘任产生，专兼职相结合，每所学校教师人数不低于10名，必须具备专业音乐水平。
20世纪中叶，伴随社区音乐教育在英国的迅猛发展，政府也逐步增加拨付款项，当时甚至出现社区音乐工作者供不应求的现象。为有效解决师资问题，约克大学、伦敦史密斯学院等一批学校纷纷增设社区音乐学课程和学位。此外，像盖茨黑德音乐中心等一大批社区音乐组织亦通过短训班的形式培养了众多的社区音乐教育人才。
18世纪初，美国早期社区音乐教育取得初步发展。社区音乐教育组织既得到政府拨付专款的资助，也从慈善机构、公众和社区成员那里募资。美国最具代表性的是，大多数城市拥有社区乐团，乐团坚持定期为社区内的中小学生举办免费音乐会，旨在通过让孩子从小尽可能多地接触高雅音乐，给孩子带来积极、持久、有意义的正面影响。因此，乐团工作得到社区居民鼎力支持与参与，包括出钱出力、献计献策。美国社区艺术学校联合会有41个州的221名集体成员，开设社区艺术课程的学校多达400家。
族群式社区艺术活动中心几乎遍布加拿大的每一个社区。中心开设合唱、器乐演奏、舞蹈等课程，学习对象几乎分布于各个年龄段，此外，还将本民族的传统音乐纳入学校音乐课程。鉴于社区音乐教育对提高国民音乐文化素质所起到的重要作用，社区音乐教育活动在加拿大已经形成制度和规模，甚至成为加拿大社会生活的重要组成部分。
澳大利亚社区音乐纲要基金成立于1978年，政府全额拨款且数额逐步增加，专款专用，坚持和任何商业音乐活动分开，和任何教育主管部门分开，尽可能地杜绝它们对社区音乐教育发展所产生的影响。澳大利亚社区音乐最突出的特点之一，是把参与音乐创作、表演的机会提供给社会弱势群体。
国外社区音乐和社区音乐教育取得蓬勃发展的根源在于，政府、社会各界以及包括学校在内的教育机构普遍重视并达成共识，成为一股合力推动其发展。同时，社区音乐教育运用适时的、嵌入式的教育理念，为社区音乐的广泛开展及时提供了符合要求的师资力量，无疑对推动社区音乐的全面发展作出了贡献。而社区音乐的大发展势必需要不断更新、吸纳大量的音乐专业人才加盟，从而实现自身的可持续发展。，在大量就业岗位的涌现以及对社区音乐教育师资广泛需求的双重刺激下，20世纪七八十年代欧美国家社区音乐学校如雨后春笋般纷纷出现。
国外社区音乐教育发展所取得的成绩，对解决当前我国音乐类大学生就业难问题有启发意义。我们有必要从国外成熟的经验中求根溯源、大胆借鉴，总结其丰富经验为我所用，积极引导学生把目光瞄
向社区音乐这方“沃土”，探寻就业与创业机会。
四、国外社区音乐教育给予我国音乐类大学生就业与创业的三点启示
1.政府应充分重视社区音乐教育的就业途径
国外社区音乐教育的发展经验启示我们，社区音乐教育要获得纵深发展，必须得到国家政府的高度重视，来自政府的政策支持和财政支持是不可或缺的。同时，社区音乐教育的发展无论从主观上还是从客观上都极大地带动了就业率的提升。因此，发展社区音乐教育、多元化拓展就业途径、提升社区人员的文化涵养、有效解决音乐类大学生就业难题等诸多要素在本质上是高度一致的。像美国、英国、丹麦等国通过着力发展社区音乐教育，开办各类社区音乐学校，为社会提供了大量的社区音乐教育岗位。英国甚至曾因为社区音乐的大发展、政府拨款的逐步增加，一度出现社区音乐工作者供不应求的局面，为此，一大批社区音乐组织通过短训班的形式培养了数量巨大的社区音乐教育人才。这对于有效解决当前我国音乐类大学生就业难题无疑具有重要启示作用。可见，把发展社区音乐教育作为破解当前我国音乐类大学生就业难问题的一条有效途径，应引起政府的充分重视。
2.社会各界应着力拓展和整合就业创业空间
国外社区音乐教育的成功，除了政府重视、积极扶植，离不开社会各界的关注和鼎力支持。各级机关、社区、企业、慈善机构甚至公众，都应该积极承担起拓展和挖掘就业创业空间的责任，为大学生就业创业提供便利条件。
其一，协议就业层面：(1)随着社区学校(学院)、老年大学等社区教育机构的进一步发展，需要一定数量的专职音乐教师。(2)社区乐团、乐队、合唱团的指挥，文娱曲目创作、编配，日常社区文艺活动策划、组织，需要专职音乐人才。(3)社区政府宣传部门、社区企业工会和团委、社IX"村官”等岗位，也同样需要在文娱、宣传等方面独具优势的音乐类毕业生。
其二，灵活就业层面：(1)可以通过家教形式为社区音乐爱好者，特别是老人与孩子提供音乐理论、器乐技能训练、声乐演唱技巧等方面的有偿培训。(2)社区内私人音乐培训学校、琴行、艺术幼儿园、音乐书店及音响店同样需要具备音乐专业理论与技能的灵活就业人员。(3)与社区管理部门签订灵活就业合同，以兼职身份参与社区组织的相关音乐教育和文娱活动，同时通过对地方本土音乐进行搜集整理并加以改编，为社区内的业余民间音乐团体提供技术指导和有偿服务工作。
其三，社区创业层面：(1)利用自身音乐专业优势创办社区音乐学校或社区艺术学校，通过招生收取学费；同时根据需要招聘社会资深专业人员或音乐类毕业生以兼职或专职身份解决师资问题。面对不同年龄段学员，既可开展乐器、声乐、舞蹈等技能培训；又可进行基础乐理、视唱练耳、音乐常识、音乐欣赏等理论教学；亦可辅导学生音乐相关知识技能参加升学专业选拔考试。(2)琴童数量的不断增加带动了琴行业的发展，音乐类毕业生创业经营琴行拥有得天独厚的优势。琴行面对社区居民不仅可以销售乐器，依据其特有的优势在某种程度上承载了社区音乐学校的部分功能，一方面可以组织师资招生授课提成费用，另一方面可以为既无乐器又无场地的音乐教师有偿提供教学场地和设备，各取所得。(3)开办音乐特长培训班相比办学校、开琴行，虽然做法保守却收入稳定。毕业生可凭借在声乐、钢琴、器乐、舞蹈或理论方面的一己之长进行专项教学训练，必要时亦可扩大教学队伍，加强师资力量，坚持在某一专业方向做精做细，逐渐扩大影响，最终形成品牌。(4)合唱歌咏活动历来都是群众文化活动的重要形式之一，但社会上形形的合唱团体却基本处于自发状态。针对大众对合唱形式的偏爱，创办社区少年或老年合唱团大有可为。资金来源方面：一是收取学员适当费用保证团体正常运转；二是面向社区大型企业争取长期赞助并以企业名称冠名合唱团；三是为社区企事业单位提供有偿演出活动。
此外，还可以创办音乐书店或者音像店、创办具有音乐特色的艺术幼儿园、创办灯光音响租赁或演艺公司、创办影音媒体工作室或MIDI音乐工作室等。
3.加强大学生对社区音乐教育价值的需求引导
国外发展社区音乐教育的成果显示，在提升全民素质和构建和谐社会过程中社区音乐教育功不可没。着力发展我国社区音乐教育的必要性和紧迫性已不言自明。但长期以来，受音乐专业学习高投入期望得到高回报思想的影响，即使在就业创业难的今天，相当数量的毕业生宁愿待业或做家教而留在大城市，也不愿到条件相对艰苦的社区或基层工作。这种现象一方面形成了社区音乐和基层音乐教育发展的掣肘，另一方面又造成人才资源的极大浪费。
关键词：音乐类大学生；创业实践项目；“费Ф童音乐教育机构”
近年来，我国政府以资金扶持政策等优惠条件激励大学生创业，如视当地情况，可申请“大学生创业资金”。本文通过讨论大学生的创业相关政策以及研究成果，以大学生创新创业训练计划项目“桀学儿童音乐教育机构”为例，着重论述我国音乐类大学生创业实践项目的具体实施和进展。
1大学生创业概念及音乐类大学生特点
大学生创业，是指正在接受大学教育的学生及刚毕业还没有找到工作的大学生，他们通过学校、家庭、社会等方面学习到创业实践活动所必须具备的知识和能力，依据自身经验，发现和捕获机会并由此创造产品或提供服务，并在不断变化和充满风险的动态过程中实现其经济价值、社会价值和自身价值的过程。
音乐类大学生的特点，表现在招生（分数相对较低）、教学（师徒式教育模式）、就业（不愿到偏远地区工作，看不上低收入工作）等方面。西安音乐学院音乐类实训基地和音乐类创业项目的具体事例，说明音乐类大学生有着更高的创业意愿和要求。
2音乐类本科大学生创业
2.1音乐类实训基地
社会实践与毕业前的校外实习可使大学生借此走向社会、获取实践经验，有助于就业和创业，是每个大学生都应参加的学习。
2009年底，我校音乐教育学院在陕西省洛南中学建立起大学生校外实践教育基地。该基地主要承担音乐教育学院本科学生的教学见习和毕业实习两大任务。在基地建设与发展过程中，得到陕西省洛南县政府、洛南中学、西安音乐学院等各级领导大力支持与帮助。基地建成至今，已承担音乐教育学院2007级、2008级、2009级本科学生的大量教学见习和毕业实习工作，使音乐教育学院的教学见习和毕业实习工作得到了极大发展和提升。按照教育部有关通知，“西安音乐学院――陕西省洛南中学艺术学实践教育基地”获批为国家“本科教学工程”大学生校外实践教育基地建设项目。
2.2音乐类创业项目
“基于五项全能理念下的儿童音乐教育创业实践――桀学儿童音乐教育机构”获批为2012年省级“大学生创新创业训练计划项目”（陕教高[2012]50号[23]）。在“桀学儿童音乐教育机构”课堂中，学会聆听，感受音乐是第一位。在此基础上，快乐学习，全面发展。其教学选用教材基于五项全能理念下，以奥尔夫、柯达伊和达尔克罗兹这三大音乐教育体系为理论基础，做出适当的本土化工作研究。课堂教学安排一分为三：音乐与动作（体态律动）、歌唱、合唱教学。歌唱与合唱教学中除了天然的嗓音乐器，还加入了奥尔夫乐器。
儿童完整的发展应该包括身体、智力和精神三方面。音乐是我们开展恰当教育的首要线索，因为它是人的吸引力和人类生活力量的核心秘密，音乐中的教育和通过音乐进行的教育意味着参与了崇高的、赋予人性的情感。引导学生进入音乐实践取决于是否选择音乐挑战，即学生们面临着亟待解决的语境中的真实问题，而后者则与精心选择的音乐实践的要求和传统相关。我所说的音乐挑战指的是要表演（即兴表演、创作、改编或指挥）真实的、动人的音乐作品（或项目）。
身体动作语汇使得孩子们得到全身的放松与活动，在放松的状态下用身体去表现音乐，体验音乐，正如达尔克罗兹的愿望：“以此引起学生的表现欲望”。每一个孩子对于任何事物都有自己的理解，包括音乐。在参与音乐课堂活动时，通过音乐这一媒介，抒发自己的内心情感。在柯达伊的体系中，孩子们从幼儿园起就已经通过歌唱走进音乐，并伴随他们之后的生活学习。根据笔者本科实习期间在西安市长安区韦曲街道中心小学代课实践了解，小学一、二年级的孩子在音乐课上，对于单纯的教材教唱歌曲环节大多处于被动状态，意思是老师教一句，学生学一句，没有太多的互动与积极性，只是单纯教唱。很明显，教学方法的不同运用完全是两个教学效果。前者被动接受，后者主动参与。而对于音乐课程的教授是建立在学生对音乐本身广泛、深刻地理解上。在此基础上，孩子们去感受、学习歌曲。
3音乐类本科大学生创业展望、意义，以及不足
不少国内外教育专家的研究证实，新教师从教后的五年左右是一个重要的变化期，经过这一段时期的适应与磨练，新教师一般即可成为熟练教师。如伯顿(P.Burden)的研究认为。教师号业发展经历三个阶段：求生存阶段，是教师进入教学第一年的时期：调整阶段，是教师进入教学第二至第四年之间的时期；成熟阶段，是教师进入教学第五年或五年之后的时期。袁克定认为，从教五年左右教师的策略性知识的变化最为明显。国内连榕等学者在以上研究成果的基础上，将教师的成长过程划分为三个阶段：新手阶段、熟手阶段和专家阶段，并将教龄在0至5年、三级职称以下的青年教师定为新手型教师。新手型教师在其教学过程中，往往会遇到许多的问题与困惑，要想顺利成长为熟手型以至专家型教师，必须在此期间获得有效的支持与帮助。
综上所述，受市场经济中厂家对产品“保质期”的规定及“售后服务”的启示，笔者认为，高师音乐院校也应注意做好其“产品”――毕业生的“售后服务”工作。
高师音乐院校做好“售后服务”的原因
1 高师音乐院校毕业生自身存在不足与缺陷
国内高师音乐院校作为基础音乐教育师资的培养基地，由于受专业音乐院校培养模式的影响，长期以来，过分关注音乐教育专业的“音乐”性质(更偏向于音乐技能的培养)，却忽略了对“教育”专业性质的重视，如教育类课程科目门类较少，在整个课程体系中所占有的比重较低；对教育实习等有助于帮助学生形成教育教学实践能力的教育实践类课程亦没有足够的重视。从而造成了业内通病――“重技轻艺”“重理论轻实践”与“师范”教育特色的缺失，造成学生素质不全面(如会弹不会唱，会唱不会弹等现象)、实际教育教学能力不强等不良后果。学生在面对实际教学工作时，往往会感到理论知识(特别是教育理论知识)匮乏，又由于教育教学实践能力不强，而倍感茫然，不知所措。
2 开始的五年是新教师从事教学工作的关键适应期
对于新教师来说，教学工作开始的五年通常是他们教师专业发展的起步阶段，而同时又是他们教学生涯中最困难的时期。虽然他们在入职之前已经非常熟悉学校的环境，但由于自身从学生到教师角色的转变，他们需要对学校环境和课堂环境进行重新认识与适应，自身更要遵守教师的规范，履行教师的职责与义务。他们怀着满腔热情，全身心投入到教学工作中去，一心希望自己能够赢得学生的喜欢，获得学校领导与其他教师的高度评价。但由于教学实践能力不高，缺乏教学经验，在现实教学中，他们往往会遇到许多的问题与困惑，甚至严重的挫折。如高师音乐院校的毕业生在此过程中，往往会切身感到自身教育理论知识的缺乏，对于一些已经掌握的教育学知识，由于领悟不深，亦不能灵活运用到教学实践中；自己的教学方法与手段很难激发学生对音乐的学习兴趣；课堂教学过程难以调控与管理：教学中很难把握与体现“以审美为核心”的教学理念等多种问题。
正如美国加利福尼亚州致力于制定新教师课程和政策的组织者卡罗・巴特尔(carol Bartell)所指出的：“无论他们接受的是什么样的职前教育，新教师都没能就课堂工作和职责完全准备好，他们无法满足快速成长并逐渐变化着的学生群体的各种需要。”
面对此种情况，美国教育学者强调指出：“头几年的教学工作经验对于新教师来说是至关重要的，它不仅决定教师是否会在教学领域内继续工作下去，而且决定他们将会成为什么样的教师。”
的确，新手型教师在最初的成长过程中，应该得到及时地、有针对性地指导与帮助。在解决一些现实的教学问题的过程中，通过不断总结经验与教训，他们会逐渐领悟到一些有效的教学策略，进而形成自己一生的教学风格。同时，新教师解决问题的能力、知识应用能力、课堂管理能力、随机应变能力等，也会得到迅速提高，从而顺利完成向熟手型教师的转变。而在此过程中，如果新教师得不到及时的支持与帮助，他们可能会发展一些消极的生存“应对策略”。
鉴于以上原因，高师音乐院校为了使自己的学生快速适应基础音乐教学工作，不仅要及时纠正培养过程中的错误倾向，更重要的是认真做好“售后服务”工作，为新任音乐教师提供系统化、个性化的支持和帮助，减少他们在教学过程中的挫折感，使他们增强自信心，能够尽快适应教师角色，为日后进一步的专业成长与发展奠定坚实的基础。
高师音乐院校“售后服务”现状
国内高师音乐院校的毕业生在离开大学之后，便与自己的母校脱离了关系，学生的所有问题全靠在职培训的方式来进行弥补与提高。对于新任音乐教师，地方教育管理部门和学校一般首先以岗前集中培训的方式，来加深新教师对学校与教学的认识与了解。但由于培训时间较短，单纯强调理论知识的讲授，学生未能进行教学实践的锻炼，效果不尽如人意。中小学校为促进新任音乐教师的快速成长，常常采用导师制(一般是指中小学校为学校里的新教师指派一位有经验的教师，作为其指导老师，为新教师的教学提供建议、进行指导)。指导教师对于新任音乐教师教学的方方面面予以关注和指导，如设计教案、课堂教学的组织与管理、与学生和家长进行沟通与交流等。而高师音乐院校由于与基础教育长期以来处于一种相互隔阂的状态，在新教师的培训与提高过程中，未能积极参与其中，从而导致由于缺乏有效的理论指导，降低了培训的效率，延缓了新教师成长的步伐。
近些年，由于基础音乐教育改革的推行，新课标的颁布，新教材的使用，首都师大音乐学院通过现代远程教育的方式，在全国范围内。对所有在职音乐教师进行新课改培训，这是高师音乐院校与中小学携手合作的良好开端。
美国新教师专业发展经验与启示
在对国内高师音乐院校如何做好“售后服务”进行构想之前，我们不妨先来认识与了解一下，美国在新教师专业发展方面的有益经验，以期获得深层启示。
1 美国音乐学科新教师指导计划的启示
“新教师入门指导计划”(BeginningTeacher Induction Programs)是美国20世纪80年代教育改革的产物，是加强师资队伍建设的重要举措之一。“新教师入门指导计划”的目的是为新教师在第一年教学中提供系统的、个性化的支持和帮助，发展其实现有效教学必要的知识、技能和专业态度，顺利实现其专业成长与发展。“新教师入门指导计划”在美国受到广泛关注，并成为“发展最迅速的运动”之一。
20世纪90年代，雅马哈公司与明尼苏达州有关城市合作，开发“音乐学科导师指导”计划，对于新任音乐教师的指导工作进行研究。与此同时，“音乐学科导师指导计划”还有大学和组织协会的参与。大学作为合作者，在中小学教师培养方面也发挥了重要的作用。明尼苏达州立大学和明尼苏达州音乐教师协会对于“音乐学科导师指导计划”的经费保证和教育质量保证方面起到了关键作用。另外，明尼苏达州乐队指挥协会在“新教师入门指导计划”中也扮演了重要的角色。协会强调指导教师的作用，定期召开指导教师培训会议，交流指导新教师的经验，为新教师在音乐教学走向专业化的道路上起到了重要的作用。
我们可以看出，在美国，大学音乐院系、音乐学院、音乐协会，甚至一些商业组织，都积极参与到新任音乐教师的培养、培训计划的开发过程之中。大学与中小学之间有着非常密切的平等、合作关系，在两者合作的基础上，通过多方参与，共同携手提高音乐教师的教育质量，促进音乐教师的专业发展与进步。
2 美国教师专业发展学校的启示
“美国专业发展学校是20世纪80年代末在美国兴起的融教师职前培养、在职进修和学校改革为一体的学校形式。一般由一所大学的教育系(或学院)与大学所在学区的一所或多所中小学建立合作关系，其目的是改善教师职前培养的水平，鼓励教师专业发展，促进学校和大学的发展。从严格意义上来说，专业发展学校并不是一个真正的学校形式，但它是一个全新的概念，打破了中小学与大学之间长期的隔阂，把教师教育，甚至整个教育改革看成是双方的共同责任。”
大学与中小学以教师专业发展学校为基地，相互合作、共同指导实习学生的方式，会更有利于促进实习学生对自身教学行为的反思与改进，获得有益的启发与感悟，增加对自身教学行为的理性认识，并进一步提高自己的教学理论水平。实习学生与大学教授所带来的全新教学理念，开阔了学校教师的视野，使他们能够有机会接触到最前沿的科研成果与教育理念，并将之运用到自己的教学中，通过不断反思与总结，做到不断改善、不断提高。在与大学教授共同合作研究的过程中，中小学教师亦会受到系统、丰富的教学理论知识的熏陶与指导，加深自己对一些理论知识的了解，提高解决问题的能力，自身素质得到不断提升。
高师音乐院校做好“售后服务”的设想
受美国“教师专业发展学校”与明尼苏达州音乐学科“新教师指导计划”的启示，高师音乐院校、中小学校、地方教育主管部门三方甚至多方社会力量都应积极参与到新任音乐教师的培训指导工作中去。鉴于国内的实际情况，对高师音乐院校如何做好毕业生的“五年保质期”的“售后服务”，提出如下设想。
在每年中小学校完成其新任音乐教师应聘任务之后，地方教育主管部门应将所有需要培训指导的新任音乐教师进行登记注册，并及时与他们各自的毕业院校以及其相应的就职学校取得联系，三者就如何相互合作，共同完成对该新任音乐教师的“五年保质期”的培训指导达成协议，并签订合同。在此过程中，各方权责明确、携手合作、相互监督，以期达到有效促进新任音乐教师的专业发展与进步，顺利完成其五年过渡期，成长为一名合格的基础音乐教师。
合作过程中，各方的职责范围如下：
1 高师音乐院校方面
首先，高师音乐院校应对毕业生的就职去向进行跟踪纪录，之后设立专用网站，以便与地方教育主管部门以及学生的就职学校随时取得联系，并将之作为五年毕业期学生之间进行教学体会交流的信息平台。院方分别为一至五年的毕业生专门配备一名或多名教师作为指导教师，每天在规定时间内专门为他们提供在线交流与指导，有针对性地帮助每一位毕业生解决他们教学中的问题与困惑。指导教师亦应通过在线观看毕业生教学的实况录像，对每一位毕业生的实际情况做到准确把握，并就他们各自存在的实际问题与其就职学校的指导教师进行切磋交流，找出解决问题的最佳方案。
高师音乐院校还可利用假期时间，组织“保质期”内的毕业生进行教学基本功汇报表演，或是以专家讲座、聘请有经验的高级音乐教师现场授课的方式，对毕业生进行培训指导。在指导培训的过程中，通过不断反思、总结经验，可以进一步改进、提高院校的教育质量。
另外，高师音乐院校为提高毕业生就职学校指导教师的素质与指导水平，还应对他们进行在线指导或进行假期专门培训。
2 中小学校方面
中小学校在本校范围内可实施“导师指导计划”。在新任音乐教师与指导教师相互熟识、自愿结对的基础上，由指导教师对其实施日常教学指导，从熟悉教材、了解学生、备课、写教案、课堂教学、课堂组织与管理、辅导课外音乐活动、与家长互动交流等环节，指导教师对新教师应进行全面的指导与帮助。在五年指导期间，如没有特殊情况，指导教师不可随意更换，以保证教学指导的系统性与连续性。学校可通过组织教学经验交流会、联谊会等活动，来增进指导教师与新教师之间的情感交流，以提高互动交流与指导的有效性。指导教师还应通过登陆高师音乐院校的毕业生教学指导网站，与该新任音乐教师的高校指导教师取得联系，将其教学实况录像发送给高校指导教师，双方就新教师存在的教学问题展开交流、探讨，最终就解决方案达成共识，尔后由中小学校指导教师实施现场指导。另外，在与高师音乐院校交流合作的过程中，中小学校亦可借此机会，充分利用高师音乐院校丰富的教育资源，为本校全体在职教师创设在线培训的机会，或是选派部分教师到高校进修提高，还可聘请高师教师亲临学校，举办讲座或者深入课堂进行现场指导，提高自己学校全体教师的整体素质，进而全面提高学校的教学质量。
3 地方教育主管部门方面
地方教育主管部门的首要职责便是要为新教师的培训提供充足的教育经费，以确保新教师培训工作能够顺利开展。其次，应研究和制定新教师阶段培训所应达到的教师专业知识和技能标准。在新教师入职之前，进行一次集中培训，设计培训方案，设置培训课程。定期举办新教师教学基本功比赛，或对所有新教师进行教学基本功测评。通过优质课、示范课，或聘请专家举办讲座等方式对新教师进行培训指导。
4 新任音乐教师方面
关键词：高师；音乐表演专业；视唱练耳；教学
近年来，全国各地的高等师范院校相继开设了音乐表演专业，随着招生规模和人数的不断扩大，音乐表演已逐步成为继音乐学专业之后，高师音乐教育体系的另一个重要组成部分。《视唱练耳》作为高师音乐表演的必修专业基础课程，一直以来都是照搬音乐学专业在该门课程上的全套设置，而并未针对自身专业特点，制定相应的教学大纲、课程内容；在教学方法上也大多沿袭旧的传统和方式。本文正是针对这一现象，结合笔者在教学上的总结和体会，对高师音乐表演专业的视唱练耳教学中存在的问题进行分析，并提出一些自己的见解。
一、明确培养目标
培养目标是否清晰明确，是一个专业的教育质量有所保障的重要前提。
国家教育部在2006年颁发的高校音乐学（教师教育）专业的培养方案中指出，该专业的培养目标是：面向二十一世纪，培养德、智、体全面发展，掌握音乐学科和音乐教育基础理论、基础知识、基本技能，具有创新精神、实践能力和一定教育教学研究能力的高素质的音乐教育工作者。[1]
音乐表演专业的培养目标是：具有一定音乐表演的基本理论和基本知识，并具备较高演唱、演奏、舞蹈等的音乐表演能力，能在专业文化团体、艺术院校等相关部门、机构从事表演、教学以及研究工作的高级专门人才。[2]
由此不难看出，与音乐学相比，音乐表演专业更加突出的是“表演”二字，更加强调的是学生在音乐技能（包括唱、奏、跳等）和艺术实践方面的能力。
具体到《视唱练耳》这门课程上，就应该始终围绕“表演”这个中心，使这门基础理论课程与音乐技能和艺术实践更好的结合，从而为音乐表演专业的培养目标更好的服务。
二、制定教学大纲
在明确了培养目标的基础上，为音乐表演专业“量身定做”视唱练耳课程的教学大纲就显得尤为重要，因为它是指导教学工作发展和规划的“蓝图”。
但是，针对高师音乐表演专业的自身特点，在制定大纲时要特别注意以下两点：
1.生源特点
高师音乐表演专业招收的学生，其来源主要是普通高中毕业生，他们大多接触音乐的时间比较晚；有些甚至是到了高三，因为文化成绩差，但又想上大学，所以临时抱佛脚，培训一两个月就报考了这个专业。目前而言，该专业的报考门槛也较低。以音乐表演（声乐方向）为例，只需准备两首歌曲的演唱，不考器乐（仅作为才艺展示），且文化的录取分数线也比音乐学专业要低。
以上各种因素导致了高师音乐表演专业的学生在视唱练耳课程上呈现如下特点：
一是专业水平参差不齐，器乐底子薄弱，有些甚至从没学过任何乐器，这就给该课程的学习带来了较大困难；
二是没有系统而科学的学习过音乐基础理论知识，有些甚至不认识五线谱，乐理也较差，这同样成为本课程学习的一大障碍；
三是即使学过视唱练耳，但也存在唱名法体系混乱，首调、固定调概念模糊，缺乏基本的节拍、节奏意识等方面的问题。
2.联系实际
在充分认识到生源特点的基础上，制定教学大纲时就务必要切实考虑到学生当前的实际情况，以及今后就业的实际需要，一切从表演专业的实际出发。
首先，在教学内容的选择上，切不可完全照搬音乐学专业的设置。高师音乐表演专业主要培养的是“面向社会、一专多能”的适应性人才，就业方向主要定位于市、县文化局、乡镇文化站、社区文化部门等基层文化艺术机构。而这些单位经常会组织群众开展丰富多彩的歌咏比赛、大合唱等文化活动，这就需要我们的毕业生具备诸多与视唱练耳课程相关的基本技能，比如简谱视唱、看谱唱词、速记旋律、即兴伴唱（奏）、指挥常识等等。
因此，在制定教学大纲时，务必要将这些内容考虑进去。
其次，在教学进度的安排上，要更加强调基础训练。前文提到，音乐表演专业与音乐学专业相比，在音乐基础理论知识方面要薄弱许多。因此，在教学进度的安排上，要对视唱、练耳、乐理三大版块加强基础训练。
例如，视唱应加强识谱（五线谱）、节拍、节奏的部分；练耳的音程、基本节奏型、常用拍号、单旋律听记；乐理中的音程、和弦、调式调性等等。
最后，在唱名法体系的选择上，一定要坚持以首调唱名法为主导。前文提到，高师音乐表演专业的学生在视唱练耳上一大突出存在的问题就是唱名法概念混乱。要不就是从未学过键盘乐器的学生为了识谱方便、能顺利考上大学而选择了根本不适合自己的固定唱名法；要不就是首调与固定调混淆使用；少数学生甚至对什么是首调、什么是固定调都搞不清楚。
从教学的立场看，首调唱名更有利于基础薄弱的学生掌握；从就业需要的角度看，当前我国基层音乐文化中常用的记谱方式仍以简谱为主、唱名法自然也以首调为主。因此，在制定音乐表演专业视唱练耳课程的教学大纲时，应坚持以首调唱名体系为主、待学生对这种唱名法建立了相对稳定的感觉和思维后，再适当引入固定调唱名体系的学习。[3]
三、完善教学体系
除了明确培养目标、制定教学大纲以外，高师音乐表演专业的视唱练耳教学体系还有一些方面需要进一步完善，分别是：
1.丰富教学手段、改进教学方法
一直以来，表演专业的视唱练耳教学都是完全延用的音乐学专业的路子，无论是教学手段还是教学方法上都缺乏自身的特点。
以教学手段为例，传统的视唱练耳教学都是以钢琴为主要媒介，进行听音、模仿、视唱等诸多环节的教学。对于表演专业的学生而言，一方面许多人进校前没有学习过钢琴，对这种乐器的音高、音色等都缺乏认识和了解；另一方面，今后在基层文化单位工作，也许没有钢琴这样的硬件设施，更多的会接触二胡、电子琴、手风琴这类便于携带的乐器，这就要求我们的视唱练耳课堂上给学生提供更为丰富的音色听辨，为今后的实践打下良好的基础。
针对这一情况，在教学手段上，我们应该在以钢琴为媒介的基础上，更多的引入多媒体教学，以顺应时代的发展和本专业培养目标的需求。
教学方法上，应将基础训练与音乐实践更为紧密的结合。比如在进行听力训练时，将音程、节奏、调式等诸多知识点通过对一首具体声乐作品的听辨、分析来实现。这样，既使分散的知识串联成一个整体，又使《视唱练耳》课程与表演专业的艺术实践更好的结合起来。
2.有针对性地编写教材
目前，大多数师范院校的音乐表演专业使用的视唱练耳教材与音乐学专业是完全一样的。但作为培养目标不尽相同的两个专业来说，这种现状显然不容乐观。
因此，尽快组织相关人员有针对性的编写一本适合高师音乐表演专业学生使用的教材，是摆在我们面前一个亟待解决的问题。
3.考核方式更加多样化
一门课程的考核，即是对该课程教学质量的检验，又是对教师提高教学水平的一种促进。“音乐表演”作为一个强调音乐技能、注重艺术实践的专业，其在《视唱练耳》课程的考核方式上，显然应与强调师范技能的音乐学专业有所区分，且更趋多样化。
以多声部视唱的考核为例，笔者在教学实践中，常常针对表演专业的特点，将学生分组、采用无伴奏小合唱的形式进行考核。评分标准除了与音乐学专业一致的音准、节奏、演唱的完整性等方面外，还添加了对“表演”部分的评分。这个“表演”包括音色的变化、声音的表现力、肢体结合表情的“舞台化”的表演等等。这样既检验了学生在多声部视唱上的基本情况，又与表演专业的特色紧密结合，对于乐感的培养也大有好处。
四、结语
综上所述，高师音乐表演专业的视唱练耳教学，由于教育侧重点的不同，决定了其在培养目标、教学大纲、教学方法与手段等许多方面都与音乐学专业有所区别。因此，建立和完善适合这个专业自身发展需要的视唱练耳教学体系、突出专业特点，全面提高本课程的教学质量，是摆在我们面前一个十分重要的课题，需要我们共同去研究和探讨。
参考文献：
[1][2]靳晓莉.高校音乐学专业与音乐表演专业课程设置之比
较[J].大舞台,2010(7)：174.
[3]陈雅先.视唱练耳教学论[M].上海：上海音乐出版社：
2006：6.
博洛尼亚音乐学院,全称是博洛尼亚-乔瓦尼•巴尔蒂斯塔•马尔蒂尼音乐学院,坐落在意大利北部艾米利亚-罗马涅大区的地方首府博洛尼亚,是意大利重要的文化、艺术和科学中心之一,也是高等学府集中地,以拥有世界上最古老的大学而著称于世。博洛尼亚音乐学院是意大利著名的8所国立音乐学院之一,有强大的师资队伍,目前钢琴系拥有10名主科教授,其中6位教授和4位副教授,另外有6名副科教师和5名钢琴伴奏。每位教授都拥有相当丰富的经历,他们不仅是钢琴教育家同时也是出色的演奏家。在欧洲、美洲进行的讲学、演奏等交流活动十分频繁。这里曾培养了世界顶尖的音乐大师。其中包括歌剧大师罗西尼、唐尼采蒂;钢琴大师布佐尼等等。
意大利的音乐教育体制与我国不同的是,没有一所专门的师范大学用来专门培养音乐师资人才。所有音乐学院毕业的学生如果想从事教师行业都必须进行额外的教师课程的考试。
根据博洛尼亚进程的规定,为了协调欧洲学位、促进学生的国际交流、便利人才的自由流动、方便学位的国际承认,意大利教育体系正在与欧洲两个层次的大学模式接轨。现在,意大利音乐学院实行新旧两种教学体制并轨,我们所研究的是它新的课程安排。它接收的是完成8年中学音乐方向课程的意大利学生和具有同等学力的外国留学生。在这里,学生在10至11岁进入音乐学院,跟随本科教授系统的学习钢琴演奏,通过3年初中和5年高中学习,经过考核,进入本科阶段。而大学部将本科生和研究生学制分为两个阶段:即高中毕业后继续学习3至4年达到本科生学历要求(BAC+3/4);达到本科生要求后继续学习2至5年可以取得研究生学历。
博洛尼亚音乐学院对于本科一年级学生的入学要求是具有热诚的音乐学习态度、足够的音乐知识和能力、被学院承认的较高的钢琴演奏水平、良好的文化和音乐基础、 足够的意大利语水平与能力(对于外国学生)和 高中毕业文凭。
意大利钢琴专业本科三年的教学大纲,其内容大致可分为四个部分:基础课、专业课、综合及相关课程和其他培训活动。笔者通过学习,感到其中一些理念与课程安排值得我国高师本科钢琴专业学习。再结合我国高师音乐教育的现状,从中总结出四点可以借鉴的经验。
首先,它的基础课程设置是按照由浅入深、由全面到具体、由古典到现代的层次递进的。在意大利本科基础课的设置中,我们看到第一年开设音乐史第一部分(不包括20世纪),第二年开设音乐史第二部分(20世纪),第三年开设钢琴的历史及其曲目。另外,第一、二年开设历史音乐语汇与分析,第三年开设当代与现代音乐语汇与分析(见49页上表)。
不难看出,意大利不仅重视传统音乐的学习,还至少把三分之一的时间花在对现代音乐的教学与研究上。在理论研究的基础上,配合大学三年级专业技能课中开设的20世纪当代钢琴曲库作为专题实践,从而把20世纪音乐放在一个重要的地位给予足够的重视,并且学校图书馆里珍藏有大批的新音乐资料。教授甚至学生的个人电子曲库(spartiti)中,也系统的收藏很多在中国很难找到的作品。其实,这种音乐训练早在学生11岁入学时就已经开始了。经过系统的学习,学生们普遍喜爱并接受20世纪新音乐,学校经常组织各个专业学生举办现代作品音乐会,城市里的各个教堂和音乐厅也经常上演各种形式的现代作品音乐会,并且每到周六都开设爵士合奏课程。
20世纪新音乐是音乐发展历史中一个重要的组成部分。受未来即将走向中小学音乐课堂老师(我们的学生)知识结构的影响,我国大批的新一代少年儿童也将对这方面的音乐越来越陌生,从而也进一步阻碍了20世纪音乐在我国的发展,因此,中国高校教师应注意积累和进行20世纪新音乐的研究性的学习,并形成一套规范的教学方案,使学生充分领会理解现代音乐带来的重大意义。
其次,在专业技能课程方面,钢琴技能课是三年必修专业,由专业教师按照学生的学习能力逐年递进教学,这当然在课程安排和考试制度上要求是相当严格。但除此之外更值得我们注意的是,它的专业课同时也包含前两年的室内乐课程和第三年的双钢琴及四手联弹课程。
国外学生喜欢合作学习,他们总是与同学一起寻求各种组合演奏的方式。学校也重视对于学生合作能力的培养。因此,意大利学生比我们了解更多的室内乐作品,这其中自然也包括双钢琴及四手联弹。例如,很多双钢琴作品,是从管弦乐改编而来,或本身就存在几种演奏形式,为了更好地学习双钢琴演奏,就需要学生广泛了解相关内容,从而扩展了他们的学习视野。大家都知道,钢琴是音响最为丰富,和声最具感染力的乐器。音乐的发展规律是沿着从单线条到多线条,从简单多线条到复杂多线条的轨迹发展的。因此,钢琴的学习者一定要具备非常敏锐的听觉。能在乐句的呼吸间找到声音的平衡。博洛尼亚音乐学院钢琴系在大学一年级就开设了室内乐课程及合唱训练课程,从入学的早期,最大限度上开发学生的听觉能力。我们经常能够听到在钢琴课堂上学生与教师多声部合唱训练。同时,培养学生相互的协作能力。从入学时就将其列为重要课程进行专门训练、一直持续不间断,并不断地向这个方向注入新的内容。例如在一、二年级的综合及相关中的合唱训练、伴奏实践课程训练、三年级的艺术指导训练课等。
再次,在综合与相关课程设置中,第一年,安排了记忆技术、耳朵培训、 合唱训练、伴奏实践(一);第二年,安排钢琴教学法(一)、音响学、合唱训练、伴奏实践(二);第三年,安排钢琴教学法(二)、即兴演奏的训练/声乐演唱指导的训练。
分析这部分课程时,我们可以发现,意大利人重视伴奏实践和即兴演奏。钢琴专业学生大量承接伴奏任务,教师给予悉心的指导。我们经常能够看到两个专业的教授同时为两名合作的学生上课,相互交流意见供学生参考,课堂气氛十分热烈。这不仅使学生了解自己,更从多角度的掌握作品的声音、气息、乐句等等。从而在实践中提高与他人合作的能力。虽然这在无形中增加了钢琴专业学生的负担,但是,从另一个角度说,这些学生在大量的伴奏中也提高了学习效率。
笔者认为,在我国高师教育中,不论是钢琴方向还是声乐方向的学生,都应在钢琴伴奏课程上给予足够的重视,并且鼓励学生大量实践。
【P键词】学前教育；音乐素养；调查研究
中图分类号：G65 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）06-0208-02
一、陕西省地方高校学前教育本科生音乐素养调查的重要作用
学前教育专业音乐素养是指在学前教育专业培养过程中形成的音乐方面的素养和修养，主要包括幼儿音乐教育理论素养、幼儿音乐欣赏素养、幼儿音乐表演素养和幼儿音乐教育技能素养。开展陕西省地方高校学前教育本科生音乐素养调查，具有两方面的重要作用：
第一，契合学前教育专业的发展需求。在学前教育专业发展过程中，音乐素养教育从默默无闻的边缘化角色越来越成为学前教育专业的核心技能。学前教育改革的重要前提就是全面深入地把握学前教育学生音乐素养的真实状况。唯有如此，才能构建具有针对性、操作性、接地气的学前教育专业发展方案。
第二，契合用人单位的新要求。随着学前教育专业的遍地开花，学前教育专业毕业生数量呈井喷式增长。陕西省所有地方高校都已开设学前教育专业，这其中以陕西学前师范学院最为明显。陕西教育学院在2012年3月改制更名为陕西学前师范学院后，举全校之力发展学前教育专业，使得学前教育专业招生人数和毕业人数迅速扩张。陕西学前师范学院2016年学前教育专业本科毕业生675人，2017年学前教育专业本科毕业生为867人①。陕西省2016年学前教育招教考试人数为1000余人。面对供求失衡的现状，用人单位相应提高了用人标准，对毕业生的音乐素养提出了较高的要求。
二、陕西省地方高校学前教育本科生音乐素养调查基本情况
从2016年9月开始，课题组在咸阳师范学院、渭南师范学院、西安文理学院、陕西学前师范学院等学校开展调研。调查方式为问卷调查、面对面访谈、电话访谈、电子邮件调查等。共计发放问卷650份，有效回收610份；面对面访谈15人次，电话访谈24人次，电子邮件调查36人次。问卷发放对象、电子邮件调查对象主要为陕西省地方高校学前教育专业本科生，面对面访谈、电话访谈对象包括陕西省地方高校学前教育专业教师和本科生。
（一）陕西省地方高校学前教育本科生音乐素养基本现状
第一，先天不足，学生入校前的音乐素养普遍较低。调查可知，入校前学生的音乐素养普遍较低，87%的学前教育专业本科生在入校前未接受过系统的音乐教育，仅有15%的学生选择“学过舞蹈、钢琴或其他乐器”。85%学前教育专业本科生接触音乐途径是通过网络、电视、电影等方式，82%学前教育专业本科生接触的音乐类型是流行音乐。这些现状造成的结果是大多数学前教育专业本科生在接触音乐课程时，普遍感到特别吃力。在学习乐理知识时，识别五线谱需要近一个月时间；学习钢琴时，手指较为僵硬；学习儿歌时，唱歌屡屡跑调；学习舞蹈时，身体僵硬，动作呆板。
通过深度访谈，课题组对此现状的原因作了归纳。首先，大部分学生是通过文科或理科招生的口径进入学前教育专业的。在文、理科招生中，考试内容并不涉及音乐素养相关知识，因此学生的精力主要集中在语、数、外等文化课上，仅将音乐作为休闲放松方式；其次，大部分学生来自农村，家庭收入状况处于中等水平，乡镇中小学音乐教学水平较弱，音乐课程往往由其他学科教师兼任，教学效果一般。对于农村普通家庭而言，课堂外的音乐学习费用较高，是一笔难以承受的支出。
第二，后天失衡，入校后的音乐学习效果偏低。在问卷调查过程中，84%的学前教育专业本科生认为音乐学习效果较差。除基础教育阶段积累不足外，对于大学阶段学习主要存在以下问题：首先，在访谈过程中，许多学前教育音乐课程任课教师反映课程缺乏相应的标准，例如钢琴学习应当达到的水平或者舞蹈学习应当达到的水平等，缺乏清晰明确的规范性，这造成学生在大一、大二、大三学习舞蹈和钢琴时缺乏严格的考核制度，导致学习效果较差；再次，音乐师资队伍数量不足。学前教育隶属于教育学科，在陕西省地方高校中一般开设在教育科学学院，该学员师资队伍以教育学和心理学背景为主，具有音乐学背景的教师较少，且一般处于边缘化位置，对于专业建设和课程建设缺少话语权。
第三，音乐教材质量总体偏低。学前教育专业音乐教育教材基本脱胎于专业钢琴教材，弹奏内容基本来自《拜厄钢琴基础教程》《哈农钢琴练指法》《车尔尼钢琴初级教程》和《车尔尼钢琴流畅练习曲》等。这些练习曲目并没有契合学前教育专业特性，未考虑到学前教育专业学生的实际需求，将音乐专业学生的学习标准简单移植到学前教育专业学生的学习标准上，造成学生音乐学习的畏难情绪和倦怠感。
三、陕西省地方高校学前教育本科生音乐素养提升策略
陕西省地方高校学前教育专业本科生音乐素养提升是一个系统工程，需要多方面共同努力，这主要包括建构学前教育音乐课程体系、优化学前教育师资结构、
编写学前教育音乐教材和提升学前教育实践教学环节这几个方面。
（一）环环相扣，建构逻辑严密的音乐课程体系
以幼儿园音乐教学工作和省级幼儿园招聘要求为标准，遵循宽口径、强技能的指导原则，有机建构逻辑严密的音乐课程体系，将乐理、钢琴、即兴伴奏、舞蹈、声乐等课程科学合理地安排在不同学期。并且，明确每一门课程的课程目标，保证每学期课程的内在合理性和外在衔接性，即课程内在的教学目标富有操作性和合理性，契合大多数学生的实际水平；课程外在的目标富有衔接性，符合音乐素养形成的客观规律，保证钢琴、舞蹈学习的循序渐进。
在钢琴教学过程中，教师要有意识地培养学生自弹自唱的良好习惯，使其适应幼儿园弹唱结合的教学要求。保证琴房开放式管理，确保学生每周有足够的练习时间。从戈尔曼的情绪智力理论出发，“理解音乐情感是重要的入门环节。音乐作品的创造者、表演者、聆听者都有各自不同的情感倾向和情感体验。”②因此，在声乐教学过程中，改变“教师范唱、学生跟唱”的教学方式，深入分析儿歌的情绪和内容，提升学生的音乐欣赏能力和表达能力。分层次进行教学，综合美声唱法和民族唱法，提升学生学习的积极性。在舞蹈教学过程中，重视学生基本功训练，帮助学生解决动作协调性和舞蹈心理障碍等问题，提升学生舞蹈学习的自我效能感。
（二）因地制宜，加强教师队伍建设，编写高质量的学前教育音乐教材
提高学生音乐素养，不可或缺的条件是打造一支数量充足、结构合理、业务能力强的学前教育音乐师资队伍。一方面，引进外援，通过招聘高水平的音乐教师提升音乐队伍师资能力；另一方面，内部优化，通过系统培训，提高音乐教师的教学水平。集中力量，编撰适应于学生实际需要的学前教育音乐教材。“课程与教材编制是具有生成性和不确定性的动态形成过程。”③
优质的教材承担课程目标，是课程内容的重要载体。学前教育音乐教材要以学生为主体，应当避免过多的学理性阐述，而偏重于学生的实践能力培养。在教材选择上，应考虑到学生的实际音乐水平，由浅到深，循序渐进，在乐理训练时加强对学生五线谱识谱能力的锻炼。在钢琴曲方面，尽量选取内容简短、形象鲜明、朗朗上口的儿歌配合钢琴练习曲同步进行，以提高学生学习兴趣。在内容选择上，尝试加入本土文化资源，以富有民族特色的母语文化激发学生的文化认同度和文化自豪感。
（三）探索创新，采用奥尔夫音乐教学方法
探索引用奥尔夫教学法，将钢琴学习、舞蹈学习与身体律动、节奏有效结合，在地域性文化和多元性文化中寻找平衡点，实现奥尔夫音乐教育的情感性、律动性、传承性、趣味性的有机整合。奥尔夫教学体系是对现代音乐教育改革产生重大影响的音乐教育体系，其“教学主要特色总结为：节奏教学、身体教学和情感教学。”④理性建构契合陕西具体情况的奥尔夫音乐教育的教学内容，探索其与陕北民歌、陕北秧歌、秦腔、华县皮影戏、关中道情等非物质文化遗产的融合路径，在其中寻找律动性、节奏性强的音乐片段，开展奥尔夫音乐教学。
在具体教学实践中，教师可以有意识地融入富有陕西特色的方言、儿歌、童谣，促使奥尔夫音乐教育贴近幼儿生活世界。理性探索契合陕西具体省情的奥尔夫音乐教育教学方法，例如从“西安”、“咸阳”等地名入手，运用声势教学进行节奏朗诵；与奥尔夫乐器相结合，配合使用幼儿自己制作的简易乐器，进行节奏教学；与实践性、体验式、情境式相结合，开展融入幼儿生活世界的游戏教学。教学评价是音乐教育的反馈环节，我们要理性研究契合陕西具体省情的奥尔夫音乐教育教学评价，以提升W生综合素养为指导，摒弃传统的技能型单一评价模式，实现评价内容多元化、评价形式多样化、评价目的人本化。
参考文献：
[1]陕西学前师范学院就业网.2016、2017届毕业生信息表[EB/OL].http：///，2017-3-2.
[2]于丽.中国学校音乐教育的理论重构和实践生成[M].北京：中国社科出版社，2016.113.
[3]黄瑾等.比较研究视角下的学前课程与教材编制及其启示[J].教育理论与实践，2016，（31）：61.
[4]于丽.论奥尔夫音乐教学法的主要特色[J].音乐时空，2015，（05）：139.
作者简介：
白 婷（1995-），女，陕西洛川人，咸阳师范学院学前教育专业本科生；
【关键词】普通高校；音乐专业学生；音乐会；举办研究
自2000年以来我国一些普通高校纷纷开办了艺术专业，作为艺术专业中音乐专业在校生，参与一场音乐会的演出或是独自举办一场音乐会都是必须要经历的，也是得到艺术实践学分的重要途径，同时也给师生们提供了锻炼的机会和展示自己、展示教学成果的平台。那么如何在普通高等学校这个大环境里，艺术类专业学生成功的组织一场音乐会就是本文研究的内容。
一、音乐会的由来
音乐会这种艺术形式的形成并非是某个人或者某个集团在一朝一夕之间凭空臆造出来的，也不是音乐史的一个突然的巨变，它是随着人类的发展，社会制度的进化，科学技术的进步，音乐美学观念的变更，音乐受众的改变，市场需求的逐步扩大，经过四个多世纪的发展和演变才慢慢形成的。 [1]
二、国内外音乐会演出项目市场运作模式
无论是国内还是国外，面向市场的音乐会都有专门的商业演出公司运作，运作模式已经很成熟。在保证演出质量的前提下，票房是最重要的。国内市场以北京为例：“打开音乐之门”――“高水准、低票价、带讲解”的演出品牌。“打开音乐之门”是普及型的系列音乐会，旨在提高市民尤其是青少年的音乐素养品味。这一系列音乐会一经推出，立刻受到了普通市民的的热捧。但低票价并未降低演出质量，它云集了中国水平最高的乐团、知名度最高的音乐家和最受尊敬的音乐教育家。同时在国家大剧院精心策划了一系列艺术教育活动，主要内容有：周末音乐会、经典艺术讲堂、走进唱片里的世界、大师会客厅、公开排练等，多层次多角度的满足了观众的需求。[6]
三、我国高校音乐会演出的发展
萧友梅，这位我国近代历史第一所独立的专业音乐院校――国立音乐学院（上海音乐学院前身）的创始人，他对音乐会的提倡，并积极组织音乐会，更是有着开创性的意义，对我国近现代音乐事业发展有着举足轻重的作用。[2]
如今，各类型丰富多彩，形式各样的音乐会演出形式已经很成熟，也已经被大众所接受，特别是在有音乐专业的高校，对参加学生来说音乐会一是对自己多年学习的总结汇报，二是完成专业课程学习的必要环节，三是提高艺术实践能力的重要途径，四是检验专业水平的一种有效手段；对于观看音乐会的专业学生来说，音乐会一是提供了相互学习的机会，二是对于不同研究方向的学生能够起到触类旁通的作用，三是从他人音乐会的不足中总结经验，以便让自己的音乐会顺利举办；对于非音乐专业的学生来说，校园里的音乐会演出一是极大的丰富了学生的校园文化生活，二是通过音乐会来普及音乐知识，三是培养良好音乐会礼仪习惯。
四、高校艺术类专业音乐会演出组织实践
1、音乐会演出项目的任务类型
目前在普通高校艺术类专业音乐会演出大致分为以下几个类型，即汇报音乐会、学术交流音乐会、系列音乐会和其它形式的音乐会。其中汇报音乐会又分为学年学期汇报、毕业汇报、课程结业汇报、比赛获奖汇报；学术交流音乐会根据专业和被邀请单位或人员的规格可以分为示范性学术交流、专家讲学（大师课）、一般性学术交流；系列音乐会可以分为作曲家作品系列音乐会、毕业生系列音乐会、某个乐器系列音乐会、还有主题或专题音乐会；其他形式的音乐会应该包含对一些突发事件的义演、巡演等。
2、 音乐会演出项目组织流程
音乐会演出项目组织流程应该由项目开办、实施、评价和项目的改进四个方面构成。具体表现为以下五个环节前期策划、宣传、会场布置及接待、正式演出、后期报道以及制作。（1）策划。一个好的音乐会策划是刺激观众需求的决定因素[6]，策划整个流程，根据专业的不同要考虑服装、舞台布置、人员结构、邀请人员以及经费预算等等一切事宜；（2）宣传。音乐会演出宣传在整个组织流程中占有很重要的位置，开任何音乐会都要有观众，准备的再充分，没有观众一切无从谈起。宣传工作主要包括海报、节目单的制作、张贴，请柬的送达，重要观众的通知以及音乐会各方面的报道等等；（3）会场的布置与接待。首先根据不同音乐会的需要装饰舞台，要注意风格要匹配，然后在观众席要区分开嘉宾席和普通观众席，调试好音响，安排礼仪接待以便观众有序入场，同时还可引导观众规范鼓掌；（4）演出。前面一切的工作都是为第四个环节演出而服务的，演出时的自我心理调适、与观众的互动与其他演员的配合、以及现场的发挥都是非常重要的，也很大程度都决定着音乐会演出的成败；（5）后期制作。音乐是时间的艺术，现代科技的高速发展现在已经可以记录下这种艺术形式，音乐会影像资料的录制、编辑、整理以及制作都是音乐会演出结束要做的重要工作，同样也为以后的学习留存宝贵的材料。
3、音乐会演出项目的控制点
成功的音乐会演出除了要有完整的流程以外，还要注意几个重要的环节。（1）彩排的重要性。一台综合的文艺晚会演出之前的排练大致分为四个阶段：单独学练、连排、响排、彩排。[3]彩排是正式演出前的最后总排练，彩排时演员必须化妆、着正式服装进行表演，所有要求与正式演出一样，在彩排中发现问题可以及时纠正解决，以保证正式演出顺利进行；（2）音乐会节目设置。音乐会节目的设置不能仅仅依靠个人喜好，要根据不同的情况遵循以下三个原则：一是要选择符合并能够发挥表演者自身水平的作品，二是要考虑到前来观看音乐会观众的群体，是否能够接受的作品，三是根据主办者的要求选择符合音乐会主题的作品；（3）音乐会主持。音乐会主持包括主持人和主持词两个内容，主持人为舞台上的主角和台下的观众搭建桥梁，起着穿针引线、调动观众情绪、控制演出节奏的作用。[4]因此，选择一位合适的主持人值得认真思考。主持词是音乐会演出主题的重要体现之一，它包括开场词、串联词、结尾词三部分，每一部分都有它相对固定的框架和内容；（4）演员的造型。音乐会的造型包括服装、发型、饰品等，这些只有一个原则，依据音乐会的风格而定；（5）音乐会的成本控制。本文研究的音乐会演出均为无任何经济收入的，故要考虑运行的成本，尽量满足支出少效果好的原则。（6）各部门之间的协作类型。成功举办一场音乐会是需要多方通力协作的，无论是演员、后台服务、礼仪接待、灯光摄影、舞台监督等等缺一不可，所以承担不同任务人员既要独立完成，又要加强联络，以保证演出的顺利完成。
五、普通高等学校艺术类专业音乐会演出制度保障
目前我国音乐专业教学本科阶段的毕业汇报音乐会在课程设置上没有作为必须完成的一个环节，那么学生举办音乐会纯属自
愿。还有我国高校音乐院系组织的交响乐团等表演团体，一般是有任务时学校才安排排练时间，没有专门作为一门课程，这样就影响了演出质量和学生表演水平的提高。普通高校音乐会演出项目的顺利实施，从来就离不开学校的推动，无论是具体政策上，还是机制的建立上，学校起着决定性的作用。西安石油大学音乐系的毕业生汇报音乐会以及各种实践性音乐会从2011年开始已经成为一项制度，与学生的课程以及艺术实践学分相结合，从制度上保证音乐教师的专业素质不断提高，音乐会演出质量不断提高。
希望本文的撰写对准备举办音乐会的单位和个人具有一定得借鉴意义，从而更为顺利的、保质保量的圆满举办。
【注释】
[1]胡晓. 音乐会建制的起源与形成研究 .海音乐学院2006年硕士论文.
[2]潘家奎. 国立音专音乐会实践研究 .中国艺术研究院，2011.
[3]王德彰 “彩排”前无须加“带妆”. 咬文嚼字，2012.04.
[4]王荣荣. 毕业独唱音乐会举办的研究.福建师范大学.2011年硕士论文.
【关键词】钢琴艺术指导 教师培养 综合素质
“钢琴艺术指导”（Konzertmeister）一词源于德国，原意指（管弦乐队）首席小提琴手，后来演变成能给予乐队调节和指导意义的人的专属名词，如乐团的首席、钢琴艺术指导、乐团和合唱团的副指挥等。
乐团首席通常由首席小提琴手担任，负责协调乐队中很多问题，包括提琴手的弓法、乐队的音准等。副指挥在乐团中经常由首席小提琴手兼任，除了协调弓法和音准外还要准确理解乐曲和指挥的意图，并将其传达至整个乐队成员。钢琴艺术指导多用在音乐小群体，对声乐、器乐、舞蹈进行引导和建议，使其更具艺术表现力。
国外在20世纪初就开始重视该专业，苏联在40年代就开设了钢琴艺术指导专业，所有钢琴系的学生都必须学习这门课程。乌克兰从中学就开设钢琴艺术指导课和合奏课，到了音乐学院还要增加室内乐课程。
一个好的钢琴艺术指导既要具备必要的钢琴演奏技巧，又要知晓其他乐器，更要对指导对象（作品和人）有深入了解，具备沟通表达能力。钢琴艺术指导教师，还要具备教师的各项素质，除了一般的心理学、教育学，还要了解音乐美学、音乐心理学和音乐教育学等有针对性的学科。这些学科并不是音乐学与美学、心理学和教育学之间简单的一加一的关系。音乐美学从审美角度研究音乐艺术，再将这种研究的理论运用到音乐实践中进一步促进音乐艺术的发展；音乐心理学是研究音乐与人类心理变化的交叉学科；音乐教育学是从音乐教育实践活动中总结理论和方法，经过研究再指导和促进音乐教育活动。
一、国内对钢琴艺术指导专业的认知
很多学生误以为钢琴艺术指导是对“钢琴伴奏”这一称谓的美化，认为“钢琴专业的人都能弹伴奏当钢琴艺术指导”，有学生说：“那是钢琴弹得不怎么样，考钢琴系考不上的人才去上的专业。”有这种想法的人还不在少数。针对刚才讲的作为钢琴艺术指导教师所需要的条件，试问有几个钢琴专业的学生能具备？钢琴系弹得好的学生是否能胜任钢琴艺术指导？
二、我国钢琴艺术指导专业的发展历程
我国的钢琴艺术指导以前一直作为附属品存在于音乐活动中。从1998年我国引入“钢琴艺术指导”这个词开始，意味着中国的音乐体系又向前完善了一步。而伴奏，一直就在从属的地位。这不是简单的所谓的“美称”，而是让学生既从概念上准确把握该专业，又能从意识上真正重视该专业。声乐艺术指导赵碧旋教授曾讲到：“不能说刚毕业，刚从事声乐伴奏就是艺术指导了。也可以说钢琴艺术指导是一个需要不断努力的方向。”从20世纪90年代末以来，有很多艺术院校都开设了钢琴艺术指导专业。如武汉音乐学院在本科阶段就开设了此专业，更多的院校则是在研究生阶段进行这方面的学习和研究。而师范院校在对该专业教师的培养方面还很薄弱。原因在于，我国相对西方国家该专业还处在摸索阶段，特别是师范类院校对这个专业尚未有清楚的认知；比较缺乏系统培养出来的钢琴艺术指导专业教师；这一专业的学生，一方面对这一专业不甚了解，一方面综合素质较低。
三、我国钢琴艺术指导专业问题及解决方法
首先，每年艺考大军是全国瞩目的对象，音乐专业中钢琴专业学生不在少数，随着高校扩招，音乐院校的钢琴生会在几年后加入就业大军，这些学生在不放弃专业的情况下能从事哪些工作？当职业演奏家？进专业乐团？似乎都不太现实。当钢琴教师比较现实，但每年名额有限，谁能保证自己就是那个幸运的分子而不是分母？相比之下，近年来培养出来的钢琴艺术指导活跃在各个音乐岗位，既能胜任钢琴专业，又能承担学校、企业等各种场合的音乐艺术活动。某种程度上，这个专业既提高了学生的综合素质，又缓解了高校毕业生的就业压力。让高校和考生认识到这一点，对于高校该专业的设立和考生的报考都有很大的推动作用。
其次，教师作为学生与学科间的传播媒介和知识载体起到关键作用。音乐是无形的，没有公式，更没有标准答案，唯一标准是能否通过乐谱的弹奏将情感传达给学生（听众）。这种情感，不是教师自己的情感，而是作曲家的情感，教师要将自己挖掘情感过程的经验方法教授给学生，更多地让学生自己去感受和领悟。国内钢琴艺术指导没有教学大纲和教材，教师的作用更加凸显，不但要自己准备教材，还要以学生为本，因材施教，制定自己的一套教学方法。中国学生非常聪明（国外教师普遍看法），只要教师引导得当，肯定能成为优秀的钢琴艺术指导人才。
最后，学生关键要从观念上改变。笔者留学的导师曾说，他们国家学生高中毕业后都是由自己决定是否考大学，考取后普遍学习效率比较高。而中国的大学生两极分化非常严重，一部分是学校的尖子生，也有一部分“不得已”而上大学、学习落后近乎垫底的人。导师说，中国学生其实比他们的学生聪明，但区别就在于观念。只要“自己想，自己要”，遇到问题和困难就会自己主动想办法解决。作为一个在中国刚起步需要大量学习和钻研的专业，这种转变是必不可少的。
四、不同艺术指导分类
“多听”是音乐学习的关键。首先，多听自己的演奏。很多成名的演奏家都得益于此，但很多技术很好的学生就因为没注意到这一点而变为“匠人”。其次，多听世界一流音乐艺术家的演奏，毕竟他们的演奏得到了世界大多数专家和听众的认可，有助于我们理解乐曲，避免走弯路。“多看”，让学生通过视觉进一步增强对音乐的感受，有助于培养学生对音乐的领悟能力。“多练”是音乐学习的必要手段，学生只有通过实践练习才能达到表现音乐的目的。此外，教师最应强调“协作配合”，可以说这是钢琴艺术指导与其合作者的灵魂所在。除此以外，钢琴艺术指导教师要根据不同的指导方向分别制定计划：
（一）声乐艺术指导
声乐艺术指导可以说是我国开展的相对较早的钢琴艺术指导门类。教材上，最初可以选择舒伯特的艺术歌曲，钢琴伴奏部比较典型，伴奏和声的运用已经与人声融为一体，不单是为烘托人声而存在。还可以选择一些简单的中国作品，如《红豆词》《花非花》等。
下一阶段可增加对歌剧咏叹调的学习，钢琴要承担整个乐队的伴奏，要了解各个乐器的音色和在乐谱中所处的位置，伴奏部不再单一，从而体会歌曲与演唱的高度融合。“合唱课”在国外师范音乐院校贯穿整个大学课程，是学生的必修课，有条件的学校，还可以选择一些合唱歌曲。
歌词也是我们要研究的对象。好的声乐艺术指导要掌握一到两门外语。在演唱之前要将歌词“说”一遍，了解歌曲大意的同时熟悉每个分句，找到歌唱的呼吸口。小提琴家帕尔曼（Perlman）在一次采访中讲到自己如何打动听众时说：“音乐不是演奏（play）出来的，而是说（talk）出来的”，帕尔曼的表达是最自然的，也只有最自然的表达才能深入人心。
（二）器乐（室内乐）艺术指导
我们在教学上可以优先考虑双钢琴作品，同属性的乐器配合最容易产生共鸣。莫扎特《D大调双钢琴奏鸣曲》k.488就是比较著名的一首，还可以弹奏钢琴协奏曲的管弦乐伴奏部分，一方面训练配合能力，另一方面还能学习和了解管弦乐器。为小提琴奏鸣曲而写的钢琴伴奏也是我们理想的教材，例如，莫扎特《G大调小提琴奏鸣曲》k.301和《变奏曲》k.360 。随着进度的增加，加入更多的乐器，尝试更多时期的作品，比如海顿的《f小调钢琴三重奏》，勃拉姆斯的《c小调钢琴四重奏》，都是可供选择的优秀教材。
（三）舞蹈艺术指导
舞蹈，能将视觉和听觉艺术完美结合。国内的舞蹈伴奏多停留在对舞者日常节奏、韵律的训练，准确地为舞蹈的训练营造氛围，让舞者能迅速进入角色，达到最好的舞蹈效果。
我国文化部曾分别在1998年和2000年召开了两届“全国钢琴艺术指导学术研讨会”，再到十年后2010的纪念研讨会。从邀请的专家和开展的研讨，到大师班讲座、音乐会，都体现着国家和专业院校对钢琴艺术指导专业的重视。让我们关注钢琴艺术指导人才培养，不断壮大钢琴艺术指导教师队伍。
参考文献：
[1]杜新谷，徐明基.第二届全国艺术院校（系）钢琴艺术指导学术研讨会综述[J].天津音乐学院学报，2000（4）.
[2]吴昊.对中国声乐艺术指导专业若干问题的思考――纪念“全国钢琴艺术指导学术研讨会”召开十年[J].乐府新声：沈阳音乐学院学报，2010（1）.
引言
为了使音乐师范教育更有效，必须解决一系列多方面的现实问题，要求教师必须是：1）专业音乐家；2）学生学习和音乐发展方面的专业人士；3）音乐学习环境的高效管理者。这种环境中，新技术和电子媒体的作用越来越显著。这三种期待都十分重要，但是其中还有一些相互矛盾的概念。例如，教师应该专长于哪种音乐？是一种还是多种？有没有一种关于学生学习和音乐发展的既定研究成果，可以适用于所有情况和所有学生？什么是有效的音乐学习环境管理？在这种环境中，非正式音乐学习的理解，学校外的音乐以及信息技术是否越来越重要？要实现有效的音乐师范教育也必须意识到音乐学习和行为的广泛社会文化环境，及其与年轻人日益显现的音乐特点的相关性，这种特点通常具有群体性，比如性别、民族、经济地位及同伴。
本文的目的在于通过伦敦大学教育学院在英国的当代研究例子，探讨有效的音乐师范教育的广泛背景和挑战。
教育学院
伦敦大学教育学院是一所研究院，成立于1902年，不仅是世界级的教育研究机构，也是英国最大的社会科学研究中心。
音乐师范教育是本院的重要特色。每年英国有大约10％的新任中学音乐教师做为学位教师教育证书课程PGCE(英文全称PostGraduateCertificateofEducation)的一部分，通过教育学院获得合格教师资格QTS（英文全称QualifiedTeacherStatus）。学院的音乐导师定期受邀加入官方的工作小组和独立的咨询机构，讨论英国和世界范围内学校音乐课程所面临的变化和革新。
教育学院的音乐教育研究
除了基础的师范教育课程（全日制、非全日制和灵活的选择方式），学院还拥有全球最大的音乐教育研究生群体之一，共有八十多人攻读硕士和博士学位。研究范围十分广泛，包括对各种背景下学生的音乐行为和发展的调查，音乐教师发展，中小学和高校的音乐课程，新技术的使用，音乐感知和认识，社会文化研究，音乐在其他领域的应用，如言语和发音治疗及儿童癌症治疗。
除了以上学生主导的这些研究，导师也在外部资助下开展广泛的研究项目，这是倡导研究的学院在国际国内激烈竞争中的正常工作要求。研究的重点包括中学音乐课堂中的非正式学习，如何培养具有国际水准的乐器演奏家，音乐对儿童阅读能力发展的影响，促进特殊教育中的音乐发展，以及专业音乐机构实现其教育目标的有效性。
目前有两大挑战：一是导师如何在教学和研究之间找好“平衡”，使两者都能有效；二是要保证研究具有社会生态效果，有潜力影响现实世界中音乐教师和学生的多样性。
国内环境
和大部分国家一样，音乐通常是英国学校教育中不可或缺的一个组成部分。音乐是学前教育的选修课（培养创造性的一部分），小学（5岁到11岁）和初中（12岁到14岁）的必修课，高中（14岁以上）和继续教育（如职业教育和高等教育）的选修课。英国政府有法令将音乐做为“国家课程”的一部分，目的在于为不同年龄阶段的人们提供接触音乐的机会，无论选修或必修。但是英国有四个部分（英格兰、威尔士、苏格兰和北爱尔兰），各有各的音乐课程，它们略有不同，比如苏格兰就不是强制性的，而是指导性的。
基础师范教育
基础师范教育(ITE)是为了使新教师能够胜任不同年龄阶段教育的需要。虽然在英格兰获得合格教师资格(QTS)的途径有很多（也许是世界上种类最多的），但是获得合格教师资格的基础是满足英国教育国务大臣的合格教师“标准”。这些标准是正式公布的，由政府监察员定期审查。
在一年的基础师范教育课程中，这些实习教师有三分之一的时间留在学院本部，其余三分之二的时间在三所不同的学校参与实习教学。目前面临几种挑战，一是高等教育的导师不像其他学校的老师那样有那么多的时间关注进修教师的思想和发展；二是有必要保证导师和教师共同密切工作，让学生体验“联合”课程；三是教师目前与学校签署的合同中并没有要求他们支持学生，所以教师从事基础师范教育是自愿的，（尽管鼓励高校为安排在学校里的学生付工资）；四是学校的课程是受到定期审查的，这就要求有针对师范教育相应的评估和改变。例如英格兰的学校从1992年国家音乐课程第三版(2000)出版后即予采用。
英格兰学校音乐教育质量
英国教育标准局(OFSTED)代表政府评估音乐教育的质量。这是一个非行政的政府部门，直接向英国议会报告。教育标准局由一位资深公务员领导，负责检查并汇报学校和基础师范教育质量。根据前一学年的检查情况，首席督学年度教育质量报告。2000年初，对初中（称为年龄段3[KeyStage3]）(见图一)义务音乐教育质量的不稳定提出了广泛的担忧。有点不可理解的是，小学（年龄段1、年龄段2[KeyStage1/2]），尽管通常由非专业人士任教，评级却常常较高。评定的高中（年龄段4[KeyStage4]）音乐教学质量一般也高得多。
图一：2001—2005年（含）英格兰学校音乐教育质量，源自教育标准局年度报告中的综合检查数据判断。检查数据分为两组：优秀/良好/较好或满意/不满/很差。年龄段1、年龄段2=小学（5岁到11岁）；年龄段3=初中（12岁到13岁）；年龄段4=高中（14岁到16岁）。非专业的音乐教师通常在小学任教；专业音乐人士，通常是本科毕业学生，在中学任教。音乐课5岁到13岁是必修的，14岁以上是选修。
尽管2001年以来，教育标准局已经发现初中音乐教育的质量在稳步改善，但是整体质量仍然低于其他学年段，原因可能是：1）小学的课程组织结构是一个班的老师教所有的课，因此能够更好地了解每个孩子一学年的情况，从而根据个体需要安排音乐课；2）国家课程中的小学的音乐学习期望值比中学低（在音乐行为的复杂性方面），这使得督学（可能不是小学音乐专家）给予更高的评价；3）高中的音乐是选修课，面向一小部分群体，大约7％，他们已经选择继续学习两年音乐直至16岁的考试；4）初中音乐是必修课，面向所有学生，这一阶段是音乐认同个人发展最集中的阶段(塔兰特、诺思和哈吉维斯，2002)。
学生对学校音乐的看法
教育学院最近的研究表明了学生在学校音乐方面的不同经历。例如，在小学男女生对学校音乐的喜爱是不同的，随着年龄的增长尤其如此(乔伊斯，2005)。尽管男女生在学校外面唱歌都感到快乐，但是只有三分之一的男生喜欢将唱歌做为学校课程的一部分，不到三分之一认为在学校唱歌会使他们唱得更好。
在中学，通过分析过去六年的数据显示，大约只有7%的年轻人愿意在13岁以后继续学习音乐(斯旺德斯，2006)。不过这一小部分的人中，女生的比例(8%)高于男生(6%)。但是，音乐是年轻人生活中非常重要的组成部分，是培养个人和群体认同的不可分割的部分。例如，大部分人（80％）经常以电子的形式听音乐，包括听广播，平均每周10小时。到2004年，三分之一以上的人通过因特网定期购买音乐。AppleiTunes网址下载最近达到十亿次(2006年2月)，包括2005年最后七天两千万次来自英国的下载，原因在于年轻人开始使用他们的圣诞礼物MP3播放器。这巨大的音乐消费数据和很少的年轻人愿意14岁以后继续学习音乐比起来，意味着初中的音乐教育可能不像督学们想像得那么成功。对于大部分青少年来说，参与音乐是学校以外的事情。
但是，一些中学已经能够扭转这一趋势，甚至对于一些在其他科目成绩欠佳的学生，在音乐课程考试中仍有上佳表现。例如，最近对伦敦中部的非洲加勒比黑人人口比例较高的各中学的分析数据表明，非洲加勒比黑人学生中高达62％的学生愿意学音乐（学校的平均水平是24%），远远高于同一学校其他学生的比例8％(斯彭斯，2005)。而且，这些孩子在他们的16岁以上音乐考试中的成绩高于其他科目，如英语、数学和自然学科。
采访这些年轻人经常发现，课堂内容如果与他们知道的、喜欢的或能够演奏的音乐有关，他们会更喜欢。他们也更喜欢尊重他们的音乐老师。这些正面的情感上的介入看起来是他们“学校音乐”相对成功的原因。
正在进行的对初中学校音乐的研究中的部分数据进一步揭示了为什么有的年轻人在学校的音乐课学习中比较成功，有的却不成功(斯旺德斯，同上)。这些研究关注音乐必修课程最后一年（9年级，13岁以上）的学生。这一年他们要决定是否继续学校音乐的学习。研究分析一所学校44名学生访谈的记录显示，学生们倾向于将自己看做以下五类中的一类。
表一：初中9年级（13岁以上）学生的关于课堂音乐的自我识别分组(选自斯旺德斯，2006)
五组中只有一组是完全参与学校音乐（传统西方音乐家），部分原因是他们正式的乐器演奏技能以及可以成功认同学校音乐课内容的能力。然而其他四组都是有一些另类的、不太正面的看法，一些人认为自己不是音乐家；一些人有自学的乐器演奏技能，但是不认同学校音乐，尽管他们是多才多艺的音乐家（“另类西方音乐家”）；一些人在传统意义上是多才多艺的音乐家，但是认为学校的音乐毫不相干而且威胁到他们的“音乐家”地位（“传统的自由西方音乐家”）；有一些人认为他们自己的音乐技能和学校要求的技能不匹配，威胁他们做为音乐家的自我概念（“另类自由西方音乐家”）。总体说来，相当多的年轻人（错误地）认为自己不适合继续进行音乐学习。但是事实上做为消费者、听众和或实践者，他们成功地和学校外的音乐相联系。除非学生发现“学校音乐”的成功之处，否则他们很容易脱离（放弃参与）学校音乐。对其他三所学校学生访谈的研究分析也证实了以上发现。
从学校教育到高等教育和师范教育的音乐进程
只有很少一部分学生愿意在高中继续学习音乐，由此带来一个非常重要的影响是其中更少的人选择继续深造（16岁至18岁，这7％的人中只有10％到15％）。接下来更少的人会攻读音乐学位。例如，2004年，21岁音乐专业的毕业生只占那些2001年18岁时参加高级程度（AdvancedLevel）音乐考试人数的15％，占1999年拿到中学毕业证[GCSE]人数的2％。（见图二）
图二：举例说明1999年16岁参加国家音乐考试(GCSE)的人数、2001年18岁继续参加高级国家音乐考试(A级)的人数以及2004年21岁获得音乐学位的人数在逐渐减少。系英格兰、威尔士和北爱尔兰的数字（苏格兰的学校中没有统一的音乐考试体系）。
图三：对比1997—2004年官方数据，包括：1）初中音乐教师空缺数；2）政府通过教师培训机构(TTA)规划基础音乐师范教育的职位数；3)通过一年学习并获得教师资格证的新音乐教师数。
结果，能够加入基础师范教育的有能力的音乐毕业生的“人才库”就相当少了，在英格兰，每年大约有450名新教师获得音乐教师资格证书，可以去中学任教。这不足以满足教学需要（见图三）。自1997年以来，英国政府已经稳步增加了基础师范教育(ITE)的职位数量，资助35％以解决短缺问题。然而，尽管基础师范教育已经能够提供更多的职位，但是愿意成为教师的人数仍然没有什么变化，获得教师资格证的人数仅增加了12.5%。
并不是每个有资格做新教师的人都是遵循中小学、本科、研究生这一路线进入工作职位的，一些人在当教师之前已经毕业几年甚至许多年了，或者在20岁出头到25岁左右时获得了额外的证书，或者在30岁或更大年龄的时候彻底改变职业，这种多样性对于音乐教师职业来说应该是重要的资源。而且，最近对未来的音乐教师进行了一项纵向研究，涉及他们的最初准备阶段到随后的学校阶段的经历。研究表明，合格人员中只有二分之一多一点的人做全职的中学课堂音教老师(哈吉维斯和维尔奇，2003；维尔奇等，同上)。其他人选择不同的教育职业，例如兼职教师，从事特殊教育、私立教育、继续教育（18岁以上）、器乐（声乐）教育或高级进修。一个有趣的发现是，在音乐能力方面认为自己水平越高的人越不倾向于担任全职中学音乐教师。
做一名全新的音乐老师
招聘并留住足够多的高质量全职中学音乐教师很困难，原因有很多，本科生通常说毕业后他们首先要做的是音乐表演。如果问他们是否考虑当教师，他们首先担心的是课堂纪律、行为管理和学校的工作条件（如工资、班级大小、工作时间、文牍工作和官僚作风）(普尔维斯等，2004)。而且，大部分本科生学习的是西方古典音乐传统。大部分新任音乐教师的音乐背景和专长都反映出这一点。然而当代中学生似乎希望他们的教师了解其他音乐，包括当代流行音乐(见Spence，2005；Saunders，2006)。
最近的其他研究也反映出这种期待，调查中询问了新获资格的教师第一年工作中期对教学的印象(哈吉维斯及维尔奇，同上；维尔奇等[此研究由政府经济与社会研究理事会(ESRC)资助，非正式名称是TIME（音乐教育教师特点）项目]。新获资格的教师说他们需要更多地了解学生的音乐以及良好的沟通和人际交往技能。新获资格的教师把即兴创作（演奏）、视唱（视奏）和歌唱音准的把握放在与主修专业同等重要的地位，以及最擅长的乐器（见图四）。相比之下，未毕业的本科学生更重视高水平的乐器演奏（演唱）、古典（西方）曲目知识和公开表演的能力。
那些愿意成为音乐教师的音乐专业毕业生说他们选择这一职业很大程度上是受他们对中学音乐教师的好印象的影响。看起来成为一名好的音乐教师（感情丰富，善于交往，了解不同种类音乐，见斯彭斯，2005）能够为其他人树立职业的楷模。
图四：有关“音乐家的重要技能”调查问卷的回答。纵向的数据对比新获资格的教师在：1）完成基础师范教育时；2）实习教师第一年实习期。数据搜集的间隔是六个月。
国际环境
对比国际上对音乐教育的看法表明，在某一特定的文化中，不同的“传统”共存于音乐教育研究的首要问题中(维尔奇，2004)。此外，这些首要问题是随着时间变化的。例如在20世纪80年代，澳大利亚学术界从课堂音乐教育和课程发展转向了广阔得多的研究领域，包括乐器教育、创造力、心理学、历史和传记、音乐治疗和特殊教育(史蒂文斯和麦克弗森，2004)。然而，斯堪的纳维亚的研究学者倾向于遵循传统，整体上（比英国）更关注于历史和理论，更重视音乐师范教育研究(乔根森，2004)。相比之下，对斯堪的纳维亚社会群体和音乐（性别、家庭、社会地位、种族、民族、宗教）的研究少于英美(普赖斯，2004)。
在南美，研究文化更“年轻”，研究人员受英美趋势的影响，将研究包括在评估、音乐发展、新技术的应用和非正规的音乐学习之中。还有表明对音乐心理学强烈感兴趣的证据，尤其是在阿根廷(亨特斯克和马丁内斯，2004)。德国的学者更关注音乐的理解和理论，而不是实践为基础的学习。最近还关注德国社会内的音乐和文化多元化，可能是对过去三十年来移民日增的反应(格鲁霍恩，2004)。相比之下，1997年以来，香港的研究人员除了关注西方音乐表演的早期传统外，表现出对中国音乐更多关注(Cheung，2004)。
每一文化侧重点都将影响人们对“音乐应如何在学校情景中构建”的预期。反过来，学校的课程重点也会影响音乐师范教育的内容和特性，无论是基础教育还是持续教育。例如在英格兰，立法关注“包容”的理念，强烈影响到学校音乐课的设置和音乐基础师范教育。人们期望基础师范教育可以帮助学生了解有关平等机会、种族和残疾歧视的法律要求。人们希望导师可以将音乐教育实践和研究结合起来，着重于如何解决当代音乐课堂中的性别、民族和特殊教育需求的问题。自1988年颁布国家课程以来，英国政府的另一个重点是改善音乐学习和教学评估的质量。这包括最近对确保不同学习阶段之间有效的衔接（从托儿所到小学、中学、继续教育和大学）的关切，包括音乐教育的衔接。
总结和结论
总之，伦敦音乐师范教育的内容和挑战的一些方面可能与很多国家和文化一样。尤其是研究表明我们要保证我们的学校音乐教师：
是多种音乐的专家，包括流行音乐；
具有有效的非音乐技能，包括良好的人际沟通能力，表现出情感领悟能力，丰富的时间与（教学）资源管理能力，逐步精通音乐信息技术；（教育学院新近引进的首个远程音乐教育课程，使用可广泛获得的免费软件。）
用研究辅助政策和实践——“有根据的实践”；
理解“课程”是一个富争议性的概念，不是单一课程，而是很多不同的课程；
在群体教学的环境中，能够支持个体的音乐发展；
有基础教育和继续教育课程支持，以此为依托，大学导师与富有经验的学校教师共同构建有效的合作关系；
有相应的技能、知识和理解力，使年轻人的音乐兴趣和学校音乐课程的内容与教学步骤更加吻合；
懂得团体对于学生学习成效的重要作用，包括在音乐方面的自尊心和自信心；
处于一个能保证充裕师资补充与高质量新从业教师的系统；
经历大学教育和基础师范教育，培养广泛的、有创造性的音乐技能，尤其是即兴表演技能；
经常有机会吸收其他文化传统，以丰富课程内容；
工作得到支持；促进对于不同年龄段音乐教育中学生的（学习）“经验”与（音乐教育）“观念”良好连贯性的形成；
能够与从事音乐研究和教学的大学导师接触。
18日，来自北京师范大学、上海音乐学院、首都师范大学、华东师范大学等全国52所高校近百位代表陆续来到了清爽宜人的吉林省省会――长春，他们的到来受到了东北师范大学音乐学院领导和老师的热烈欢迎。作为钢琴教育委员会的副主任和承办方主要负责人的张慧教授，更是以极高的热情带领其学生迎接各位代表的到来。
一、在交流中学习进取
9月19日上午会议正式开始，由高校音乐教育专业委员会钢琴学术委员会主任唐重庆教授主持。首先由中国音乐教育专业委员会理事长杨瑞敏同志向大会致词，杨瑞敏理事长高度赞扬了成立于2004年9月的高校音乐教育专业钢琴专业委员会是一个求真、务实、高效的工作团队，并明确了学会的中心任务就是为基础教育机构培养合格的师资人材；然后钢琴学术委员会副主任、华东师范大学李和平教授宣布第一届全国优秀钢琴教学论文评比结果，并进行了颁奖：最后由唐重庆教授做钢琴学术委员会工作报告。在报告中，唐教授总结了近两年来学术委员会工作完成的情况内容有：1．根据各地广大老师的建议，按照教育部“全国普通高等学校音乐学(教师教育)专业主干课程指导纲要”的精神，由唐重庆、张慧、李和平三位教授于2005年初讨论提纲并执笔编写，并由人民音乐出版社于2006年7月正式出版了《全国高等师范院校钢琴教材》：2．为了促进全国范围内的钢琴理论学术水平的提高，学会于2006年1月举办了“首届优秀钢琴教学论文评选活动”，并于9月圆满结束。同时，进一步强调今后钢琴学术委员会的工作重点是提高全国高校音乐教育专业钢琴教师的教学水平和能力，提倡教师要搞科研、搞演奏，计划于2007年组织全国范围内的钢琴教师音乐节等系列活动，为全国教师提供一个展示和交流的平台。当日下午，会议分成两个小组进行了钢琴教学的学术研讨活动，先是由在本次论文评比中获奖的教师对自己的论文进行宣读，然后是大家畅所欲言，就各自工作单位的教学情况、在教工作中遇到的问题、心得体验、困惑等等进行了发言和交流。研讨会上大家就感兴趣的钢琴集体课教学、钢琴教案的写作、学生实践能力的培养、教师自身修养的提高等问题进行了气氛融洽而热烈的研讨，教师之间互通有无，把自己的教学科研成果毫无保留的传授给同行们。研讨会后许多老师意犹未尽，相互留下联系方法，相约在以后的工作中继续交流、学习，共同进步。
当晚与会代表欣赏了东北师范大学音乐学院的专场演出。整个音乐会可以说是东北师范大学音乐学院现有钢琴师资力量的一次集体展示，这是一支年轻的、充满生命力的队伍，全部老师都是硕士研究生毕业或者在读，其中还有正在攻读博士学位的教师，他们先后演奏了《热情的快板》、《弄臣》、《变奏曲》、《钟》等世界钢琴名曲，获得了代表们的好评。虽然在演奏上还说不上是尽善尽美，有的演奏还有些遗憾，但是对于工作在教学第一线的教师来说，能够在繁重的教学工作之余坚持练琴，并且有勇气在全国钢琴老师面前进行演奏就很了不起了，值得我们其他院校的老师们学习。
二、在学习中开阔眼界
此次会议特邀了俄罗斯专家和中央音乐学院盛原老师做了精彩的学术报告。俄罗斯专家阿拉・格丽戈里叶娜・卡乌佐娃女士做了卡巴列夫斯基、肖斯塔科维奇、斯克里亚宾的专场报告，现年70高龄的阿拉・格丽戈里叶娜・卡乌佐娃女士毕业于莫斯科国立柴科夫斯基音乐学院，师从于俄罗斯著名钢琴家和教育家米里斯坦和伊贡诺夫教授，现任莫斯科国立师范大学教授、博士导师。
卡乌佐娃教授首先介绍的是卡巴列夫斯基(Dmitrv B．Kabalevsky,1904-1987)，他是苏联的作曲家、教育家、音乐社会活动家。他的钢琴作品具有丰富的旋律。将理性与浪漫主义风格完美结合，作曲手段看似简单，却能用简洁的手法融合高深的音乐理念，特别是他的《青少年钢琴作品》13册，共计一百五十多首，在俄罗斯被认为是可以和舒曼、巴托克、柴科夫斯基的儿童题材作品相提并论。卡乌佐娃教授为大家示范演奏了《第三钢琴协奏曲》(Op．50)的第一乐章，在欢快简洁的旋律中似乎看到了苏联少先队员活泼可爱、积极向上的精神面貌。在音乐教育专业钢琴教学研讨会上介绍这样的音乐家也是有一定现实意义的，它引起了我们对中国音乐界“卡巴列夫斯基”的呼唤。要使中国音乐教育能够健康、迅速的发展，除了优良的师资培养外，时代更需要这样有坚实理论、高超作曲技巧并愿献身于普通音乐教育的音乐家参与。
其次，介绍的是肖斯塔科维奇(DmitriShostakovich，1906-1975)，他是苏联最杰出的作曲家之一。肖斯塔科维奇生于彼得堡，从斯坦贝格学习作曲，从尼古拉耶夫学习钢琴。13岁时创作出管弦乐《谐谑曲》，1926年第一部交响曲首演于列宁格勒。其后的生涯中，他留下了编号共147首作品，他的笔触几乎遍及了音乐创作的各种体裁，其中的15首交响曲更是为他带来了不朽的荣誉。不寻常的经历，使他的音乐形成了鲜明的风格和人性。在以艺术家的道义和良知去面对个人的荣辱和社会风云的变幻时，肖斯塔科维奇的音乐达到了感人至深的程度。卡乌佐娃教授主要介绍了他的《序曲》(0p．34)，这套作品写于1933年，虽然离战争还有十年，但从中也体现了一个普通人对前途的彷徨与忧虑以及命运对个人幸福残酷的掠夺。特别引起与会者兴趣的是，很多小调的作品，俄罗斯专家却总是以“明朗”、“高兴”等来形容，和我们所认识的小调应该充满着忧郁、哀伤。在演绎上有较大的不同。
最后介绍的是斯克里亚宾。斯克里亚宾的创作可以分为三个时期。第一时期的作品细腻而富有诗意，这使他博得“20世纪的肖邦”的雅号。这是模仿时期，在这些作品里，可以看到他个性的萌芽。其中最重要的有《小奏鸣曲》四首、第一及第二号《交响曲》、《升f小调钢琴协奏曲》等。第二时期他开始和印象乐派接触，对新式和声的组合极感兴趣。在探索中产生许多新颖的成果，从而引起世界乐坛的注意，认为他是一个革命的、前进的作曲家。这使他成为新音乐的标准作家之一。他自称所创造的最奇异的和声组合为“神秘的和弦”，这是继德彪西全音阶后的又一进步。他所用的和弦不是根据大小音阶构成，他独创的音阶及和弦，使得近代调性观念发生变化。第三时期所写的“神秘剧”的习作和草稿，显 然有属于恶魔和天使两种不同的心情，神秘的心情支配着他，他想用寻常音乐的言语来表现他的喜悦。他的《第七奏鸣曲》充满了神秘的幻想。这一时期的作品除了奏鸣曲以外，还有管弦乐《喜悦的诗》、《普罗米修斯》以及一些钢琴曲。他的早期作品均为钢琴曲，包括一部钢琴协奏曲、10首《玛祖卡》、12首《练习曲》、24首《前奏曲》、2首《即兴曲》等。创作深受肖邦影响，音乐富于浪漫色彩和幻想性，也不乏戏剧性的激情。1900年起主要创作交响音乐，包括第一和第二交响曲、第三交响曲《神圣之诗》、管弦乐《狂喜之诗》和交响诗《普罗米修斯》(又名《火之诗》)。后期潜心探讨唯心主义哲学，音乐创作运用多调性和无调性手法，并自创神秘和弦(即四度和弦)。在《普罗米修斯》中使用“色彩风琴”，以求得音乐与光和色的协调通感作用。他的10首钢琴奏鸣曲中自第6首起放弃任何调号，调性模糊。10首中较有名的有第二《奏鸣幻想曲》、第三《精神状态》、第五《狂喜之诗》、第七《吉利弥撒曲》等。他在近代俄罗斯音乐的发展上有一定影响。斯克里亚宾在音乐史中一直是位有争议的人物，近年来对他的研究又开始升温。他的哲学思想、神秘主义观念、综合艺术理念和非传统的创作技法给后人留下了许多不解之谜，并对现代主义音乐影响极大。他对传统和声功能的瓦解和在现代和声上的探索，成为在19世纪与20世纪音乐的转型中搭起的一座桥梁。斯克里亚宾对生活有三种信念：相信人的伟大、美丽的心灵、艺术能够对世界具有改造力，所以在他的作品中有积极的浪漫主义思想和对生活的特殊渴望：积极的思考生活，渴望理解、反映生活：贯穿其一生的创作中，集合了两种极端，即很自由、飞翔的抒情性和受折磨、痛苦。越来越紧张的悲剧性史诗，所以他运用的音乐手段有：1．利用感情的迅速变化与传统的平稳和思想性相结合：2．与音乐语言的变化相联系，多用离调和十二音列；3．旋律线条结合不仅有平行和垂直，而是用非常复杂的类似于人的神经结合的排列，较多用重音或具有神经质的节奏，序曲在他一生的钢琴音乐创作中占有较大比例，有如他的生活日记。作品16号的五首曲子可以独奏，但是每一首的结尾和后一首的开头是浑然一体的，第一序曲，旋律平稳，用一个三音列表述一直向上飞翔的渴望，开始时的旋律是从矛盾的环境中开始，直到结束时才下降，在思考中进入第二序曲，第二序曲在开始时带有一点紧张的神经质的节奏。17、18小节越来越紧张，直到结束时用较长较响的和弦使紧张的情绪达到了极点。第三序曲是类似颤音的练习，整个音乐的空间在不停的颤动。第四序曲不仅是技术上的难点，音乐还逐渐走向阴暗，在钢琴上产生了很多不同的层次。第五序曲是悲剧性的史诗，紧张与不安有如“钟”的声音，类似警钟或地震，拉赫玛尼诺夫在纪念斯克里亚宾的音乐会上每次都以演奏此首曲目为结束。
卡乌佐娃在讲每位作曲家的作品时都背谱范奏。她的演奏气息宽广，音色丰富，博得了与会代表的阵阵热烈掌声。据主办方介绍，为了这场讲座，卡乌佐娃教授精心准备了两个月的时间，她的艺德深深感染了每一位与会代表。卡乌佐娃教授所选定的曲目并不像我们目前在教学中所追求“大”、“深”、“难”趋势的那种类型，但是无论从艺术价值、演奏价值都有较为深刻的现实意义。
20日晚上。欣赏了俄罗斯双钢琴演奏音乐会，俄罗斯钢琴家巴隆斯基・安那托里与巴隆斯基・艾里维拉是夫妇二人，是当今俄罗斯著名的钢琴教育家、钢琴演奏家，特别是在远东新西伯利亚地区，更是钢琴乐坛的风云人物，闻名遐迩。他们二人都是以优异的成绩毕业于新西伯利亚“格林卡”国立音乐学院钢琴系，他们的独奏曲目非常广泛，涉及到整个的古典派、浪漫派和近现代派作品，尤其是演奏俄罗斯近现代的作品，如演奏拉赫玛尼诺夫的第二、第三钢琴协奏曲和“第一、第二组曲”、《音画练习曲》及柴科夫斯基、肖斯塔科维奇、普罗科菲耶夫、斯克里亚宾等人的作品，可以说是正宗诠释，独领，使我们能聆听到俄罗斯钢琴音乐的真谛。
最后一天上午，中央音乐学院的盛原老师作了巴赫专题的讲座。主要讲解了巴赫作品的记谱和声音的要求；使用踏板的必要性及其运用；乐句的划分及音乐的设计；装饰音的弹法；附点的几种弹法；声部安排等。作为世界钢琴大师、研究巴赫的权威专家图雷克的学生，盛原对巴赫有着很全面深入的了解，他的讲解和示范都极为到位，让巴赫的作品鲜活了起来，对我们理解和演奏巴赫起到了很好的引导作用，对我们以后的教学工作有实际的指导意义。
