时间：2022-06-28 02:43:27
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇美术硕士论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
一、对美术高考的现象调查与分析
中央美术学院人文学院光的硕士论文《美术考前班现象研究》中讲述了“考前班的出现，反映了我国基础美术教育和高等美术教育系统衔接出现了断裂，但是美术考前班并不能是我国教育体制中的空白，它只是对于现有的高中美术教育应试的补充。基础美术教育和高等美术教育之间的衔接将是我国美术教育体制变革中面临的重要问题。”谢裕宣的《透视广东美术高考补习现状》介绍了改革开成二十多年来，随着广东高等美术教育的迅猛发展，遍布全省的美术高考补习班如雨后春笋应运而生，成为中等美术教育的补充型的教学模式，形成了以专业补习、生活管理和高考资询为一条龙服务的美术高考补习新产业。作为广州美术教育中一种颇具规模的新形式，寻找他形成和发展的根源，客观全而的透视剖析它给社会和高等美术教育带来的积极意义和负而影响。南京艺术学院黄从威的硕士论文《美术高考现象的分析及建议》一文中指出影响美术高考培训的主要因素是国家考试制度，次因素是美术类专业的扩招产生的，从而说明了美术教育的生态遭到了巨大的破坏。“美术培训”成为功利性的产业而存在，影响着美术高考的正常进行并产生一些不良的社会现象。杭州师范大学硕士研究生尹玲的《美术高考现状调查与分析》中以中国美术学院象山校区所在的转塘镇为调查对象，对现阶段美术高考培训机构发展现状及学生学习现状进行调查、分析和总结，得出了“艺考热”有所降温，总体趋势向理性发展的结论。提出了美术培训的健康发展需要教育主管部门加大相关政策法规的力度和培训机构的大力合作，另一方面也需要学生从理性出发，从兴趣出发而选择美术高考这条路。首都师范大学李泽云的硕士学位论文《校外美术教育市场化初探》提出校外美术教育市场化繁荣背后所隐藏的价值观、师资、教学质量、教育设备、教学管理、教育内容陈旧、部分办学机构不稳定等诸多问题，针对这些问题提出了可行性建议：①政府对美术高考培训既要扶持又要监管；②家长参与教学管理；③教师提高教学质量；④创业者建立并巩固自己的核心教师队伍、强化社会责任感的同时创立自己的个性美术高考培训教育品牌等等。
二、美术高考制度与美术高考的关系
四川工程职业技术学院艺术系谢建华在《美术高考制度的现状分析与对策》通过分析认为目前美术高考制度存在几个方面弊端：①对文化理论课程的轻视；②考试内容的固化和单一导致对中国传统艺术及世界艺术多元化的漠视；③对创造能力的湮没；④美术高考内容与学生所报专业的错位。认为应该从以下几个方面来解决上述问题：①录取时，文化与专业要并重；②美术高考中，对中国传统及民间艺术的侧重；③考题应根据不同专业有不同变化，加大对艺术综合能力的考核；④对考题的审美标准应多元化，强调艺术创造力；⑤在阅卷中，实行初审、复审、终审三步骤，评审老师年龄老、中、青搭配；⑥美术人才的民间选拔与高考选拔相结合。河南省青年管理干部学院的李勃和吴杰的《对美术高考改革之路的建议》跟上文大同小异，都强调了文化和专业并重、传统与民间艺术的侧重、艺术综合能力考核等等。中央美术学院人文学院光的硕士论文《美术考前班现象研究》从高校扩招、社会和需求压力、高校变革等方面阐述了美术高考制度是导致美术“高考热”的根源。
三、美术高考的利弊分析
湖北大学艺术学院的杨帆在《试析美术高考培训产业对大学生就业的积极作用》中对美术高考培训产业的发展现状、高校艺术类毕业生严峻的就业形势进行分析，从美术培训产业对美术类大学生就业具有积极作用。浙江工业大学的王东在《高考美术“速成班”的利弊分析》一文中分析了校外美术教育“火爆”的原因、高考美术“速成班”的利弊分析和如何避开其中弊端的解决方案。
四、美术高考相关的教学方法论的阐述和新解
首都师范大学的席卫权博士在其博士学位论文《国内普通中学艺术设计教育研究》中从新的视野和新的角度阐述并提出了被忽视的设计教育在普通中学美术教育中所体现的更全面的教育价值和综合课程优势。提出了：①归属学校美术教育的设计教育与一般美术教育是“和而不同”的观点；②对国内中学设计教育的发展历史进行的梳理，将国内中学阶段的设计教育沿革概括为五个阶段：追求实用的开端、理想化的成长阶段、渐趋边缘化的沉寂阶段、恢复成长的阶段和向现代设计教育转型的阶段；③根据对中学教育发展史的考察，通过借鉴国外经验、传统文化剖析和师资状况等方面的总结和归纳出现代学校设计教育发展过程中的一些关键方向；④以综合创新、情感慰藉、设计伦理和持久兴趣等为代表的几个关键目标指向作出了较为详细的状况分析、规划策略、课程设计和教学建议等。并从课程建构和教学实施的可行性角度对全文作出了总结和展望。
五、总结
纵观这些研究成果，美术高考培训的研究现状已十分清楚。这是一个十分广阔的研究领域，亟需今人开垦。为数不多的文献为后来者的研究奠定了的基础，已有的研究成果大多论证详实有力，各有创新，但是也存在一些薄弱环节：对美术高考培训的现象调查与分析方面都在大而空的谈一些现实，并没有从历史根源和问题本质上的供需关系去分析和解决这一问题；美术高考制度与美术高考培训的关系方面大多数又过于理想，没能更好地把握美术教育改革和发展过程中遇到的现实和理想之间的关系问题，并在现实和理想的维度中做到行为适度。
影视动画艺术作为融电影、戏剧、美术、文学、音乐等艺术形式为一体的新兴综合艺术,其艺术创作深深的打上了其他艺术的烙印,在它身上也能找到其他艺术形式的影子。如今,影视动画艺术在世界各国都呈现了蓬勃发展之势,而表现民族文化的内涵,成为各国追求的艺术目标。无论是民族文化博大精深的中国,还是兼收东西方文化的日本,亦或是博采众长、开放兼容的美国,都将民族文化元素灌注到动画作品中。
影视动画创作中的民族文化元素包括民族文化题材的选择、民族精神的体现、民族化的造型元素及特有的民族艺术元素等。现在仅就这几个常见方面做一个浅析。
一、民族文化题材的选择
纵观市场上的中外动画,有相当比例都是取材于民间传说、民谣、神话或寓言故事。创作者们从这些题材中吸取精华,加以改编,成为我们看到的影视动画作品的文本。如《宝莲灯》是中国民间神话“劈山救母”的改编版,《神笔》《孔雀公主》《过猴山》《阿凡提的故事》《中华传统美德故事》都是取材于民间文学,《龙猫》是宫崎骏小时候听到大人们讲的传说……就连美国的迪斯尼出品的《花木兰》也是从中国的《木兰辞》、木兰代父从军的故事中提炼的。
二、民族精神的体现
影视动画作品的创作者作为实在的个人或群体,成长于特定的民族文化中,其创作习性、个性不免受到民族文化心理、民族精神的熏陶,并映射于作品之中。作为受众,自然也比较能够接受符合自己价值观念的作品。所以,影视动画作品中的民族文化元素,其中非常重要的一点就是体现了鲜明的民族精神:民族价值体系、民族审美习惯、民族道德伦理等。
中国人受儒家、道家、佛家哲学影响比较深厚,几千年的文化积淀形成了中国人特有的民族心理。《大闹天宫》就体现了很鲜明的儒家“中和”观――孙悟空可谓是受尽磨难,但创作者在结尾还是让他大闹天宫,好好的反叛了一把,让观众都长出了一口气。这种对悲剧的中和符合中国人和谐为贵的儒家思想,“哀而不伤”的创作也符合观众的审美习惯。而在水墨动画《牧笛》中,我们又可以在浅淡的叙事与轻柔的节奏中找到道家文化“简洁、恬淡”的意境之美――甚至所有的水墨动画片,另如《小蝌蚪找妈妈》,都可以感受道家的“无为、虚无”的思想。
日本大和民族受中华文明影响颇深,其传统的民族精神和中华精神一脉同宗。日本人也崇尚禅宗、重视儒道文化。而且大和民族深切的危机意识与奋斗意识也无一不反映在影视动画作品中,成为其独有的特色。看日本动画的代表――吉卜力工作室的作品就可见一斑。“《千与千寻》中的女孩千寻,在宫崎骏创作之初,她在剧中都还只是一个平凡不起眼的日本女孩,扎着一个马尾辫,普通的服饰衣着。她长相普通,也没有特别之处,但随着剧情的演进,千寻为了拯救双亲,在神灵的世界中经历友爱、成长、修行的冒险,她终于在寻找‘回归’的途中发现自身存在的价值。”在困境中学会了生存,并且变得独立、坚强、勇敢,成为人性美的浓缩。其中,我们不难体会到日本人所崇尚的拼搏精神及追求的价值观。
美国人天生不爱被束缚,其乐观和崇尚自由的个性在影片中得以彰显,对于传统和权威的置疑和反叛也是美国动画影片精神特质的一个重要体现,这也反映了美国动画所具有的后现代文化特征。《小马王》中的小马王,似乎就是美国精神的代表。他不屈服于强势,自信、坚定,敢于拼搏奋斗,乐于展现自己。另外,美国的动画片常以幽默的动作及语言给观众留下极为深刻的印象,也是因为美国人天性幽默乐观的缘故。
三、有民族感的造型元素
首先,具有民族特色的角色形象。看中国以前动画中的角色形象,大家很容易找到中国式的面容。如《牧笛》中的牧童,《哪吒闹海》中的哪吒,微吊的杏核眼,东方人扁平的面孔,穿的衣服更是有鲜明的民族及时代特色;日本动画角色因为有日本浮世绘的唯美传统,追求一种唯美的形象,大大的眼睛,长腿细腰,尽管过于不合比例,但却不失美感;美国动画中的形象则是比较“杂”的,也和美国本身就是一个移民国家有关,但是他们做出来的形象还是带有很明显的美国标签。美国动画在角色造型上已经形成了一种特有的风格和样式,这些形象讲究体块感,注重整体效果,肢体和表情动作。他们的“动画造型简洁、活泼,突出大手大脚,大大的脑袋,细细的胳膊,形象十分有趣。另外美国英雄主义卡通也是美式卡通的一大特色。角色形象强悍刺激,雄健有力,动作与速度充分体现强者为王的美国精神。”
其次,具有民族特色的动作设计。中国戏剧的程式化与虚拟化在一定程度上影响了中国动画的造型。《金色的海螺》里,海螺姑娘的动作简直就是戏剧中花旦的动作,特别明显。再有就是,“关于造型‘美人要修长、文人一根钉、武人一张弓’。在线条表现上:‘流水褶子要活套,钱线褶子要挺拔。’”日本动画中的动作设计比较简单,但是生动有趣。美国动画动作设计大胆夸张,有自己已经形成格式的运动规律。
再次,色彩的设计。中国的动画色彩传统上讲求:“要想俏,带点孝。黑配紫,臭狗屎。红靠黄,亮晃晃”。日本动画的色彩以宫崎骏动画作品为代表就是色彩恬淡,充满田园风情。美国动画在用色上比日本动画更加夸张和抢眼,“色彩饱和度高,欲给人很强的视觉冲击力。在用色上多运用油画般深沉厚重的颜色来表现对象,色彩对比度高,有时候如版画般强烈。这样刺激的视觉对比,给人造成一种心理上的反差,具有很强的表现力。美国动画在色彩的运用上,有意识的运用了补色的对比,使色彩有了节奏的变化,满足和丰富了我们视觉上的要求,而不是单一的统一”。
另外,特有的民族元素点缀其中。如《真功夫之奥运在我家》中的四合院、京腔京调;《千与千寻》中独特的日本“沐浴文化”,假面人则是运用了日本艺妓的化妆;《料理鼠王》里厨师大做法国大餐……
除上述以外,动画作品中能体现出的民族文化元素还有很多。这也充分表明,每个国家都可以在民族文化上充分挖掘题材,吸取营养,创作出弘扬民族文化的动画作品。而对于我国动画人来说,这一要求更是极其迫切。这就需要我们共同努力,才能实现了。
参考文献:
[1]余孟洁.《中国传统艺术造型元素在动画角色设计中的运用研究》,硕士论文.2007.11
[2]余孟洁.《中国传统艺术造型元素在动画角色设计中的运用研究》 硕士论文.2007.11
[3]杨学芹.《民间美术概论》 北京工艺美术出版社.1994
关键词： 红色美术 国家意识 时代精神
“红色美术”是中国革命时期产生的、具有深厚时代精神和国家意识的文化艺术形式。无论是题材内容、表现技法，还是展览方式，都体现了中华民族伟大的爱国热情和民族精神，表现了国家和人民的意志与诉求，表达了民族的巨大凝聚力和人民的使命感。“红色美术”因“红色”、“经典”、“美术”等属性，具有独特的阐释深度、强烈的情感力量和动人的艺术感染力，在当今的国家意识、时代精神，以及人文素养养成中具有特殊而重要的地位和功能。红色经典美术作品的传播，可从知识、方法、思想、情感、精神等层面，深刻惠及当代人的人文建构。
随着时代变迁，“红色美术”的创作活动显现出不同特点和风貌。文化部艺术司曾强调：“组织实施国家重大历史题材美术创作工程，是要充分发挥美术家们的聪明智慧和艺术才华，艺术地再现特定时代之下特定的文化精神以及本民族独特的精神气质，用艺术的方式来塑造国家和民族的形象。通过创作工程的实施，弘扬中国人民在争取民族解放和社会进步的历史进程中，所表现出的以爱国主义为核心的团结统一、爱好和平、勤劳勇敢、自强不息的伟大民族精神。”
“红色美术”的研究成果比较丰富，一部分以回忆录和资料汇编的形式出现，它们多运用叙述性的语言描写延安艺术的基本情况。如：《延安文艺回忆录》、《延安鲁艺风云录》、《延安岁月：延安时期革命美术活动回忆录》、《鲁艺史话》，以及古元的《我们是艺术工作者我们是抗日战士》、蔡若虹的《宏观世界的开辟――关于〈在延安文艺座谈会上的讲话〉的回忆及观感》、胡一川日记选》，等等。部分以资料汇编的形式出现在文集中，如《延安文艺丛书・文艺史料卷》、《延安文艺丛书・文艺理论卷》、《延安文艺运动纪盛》、《文艺思想指引下的延安文艺》。这些回忆录或文集为了解和研究“红色美术”的基本情况提供了丰富详细的文献资料，还为进一步深入系统地梳理和分析从而凝练出明确的观点准备了充足的文献资料。
除上述回忆录和资料文集外，相关研究论文和专著也有一些。黄可的《中国美术活动史话》的第七部分介绍了时期中央革命根据地和敌后抗日根据地的美术活动，其中对延安鲁艺和陕甘宁边及五个主要敌后抗日根据地的美术活动进行了分析，研究视域宏阔，有一定启发意义，但整体上看略显简单，资料也不够全面系统。陈瑞林的《20世纪中国美术教育历史研究》一书在第六章第二节认为《讲话》的发表标志着中国文艺包括中国美术教育的“革命化”、“大众化”、“民族化”文艺方向的确立。另外，还对延安鲁艺美术教育的发展演变状况进行了介绍，把鲁艺的组织状况概括为“延安模式”，认为战争时期形成的延安模式到20世纪50年代以后成为中国社会现代化建设，包括美术教育建设必须遵循的唯一正确的模式，这对我们了解陕甘宁边区的美术教育有所帮助。曲士培的《时期解放区高等教育》一书对抗战时期的高等教育进行了详细的分析，其中有一些部分涉及了艺术教育，尤其是第五章用了很大的篇幅对延安鲁艺的艺术教育进行了较系统的介绍和论述，遗憾的是没有涉及延安以外其他地区的艺术教育。李夏的《抗战时期延安木刻版画民族特色研究》，周爱民的《延安木刻艺术研究》从不同角度对延安的木刻艺术进行了分析论述。周爱民的《延安鲁艺的创立缘起及其美术教育》一文分析了延安鲁艺的创立缘起，且立足当时的木刻艺术论述了鲁艺美术教育的基本状况，但论文因篇幅所限资料不够翔实，论述难免笼统。郭露妍的硕士论文《中国现代版画早期教育研究》立足版画的视角论述了陕甘宁边区的木刻教育。潘耀昌的《中国近现代美术教育史》用了很小的篇幅涉及了陕甘宁边区鲁艺美术教育的大致情况，不够深入和系统。杨德忠的硕士论文《延安鲁艺美术教育研究》在全面收集鲁艺美术教育文献资料的基础之上，通过设备与师资、组织与制度、教学内容与教学方法、学术争论与创作思想四个方面对鲁艺美术教育的具体状况进行了分析，为以后的研究提供了翔实的资料参考，但文章关于鲁艺美术教育观念的论述不够充分，对鲁艺广泛而深入的影响力更是没有论述。
总体来说，前贤在资料的收集整理和初步研究方面做了许多有益工作，这些论文对构建“红色美术”的整体轮廓有借鉴和参考价值。
中国本土美术创作要想“走出去”，必须具备“中国元素”，体现“中国特点”，展示“中国符号”，包含“中国精神”。“红色美术”蕴含深厚的“国家意识”与“时代精神”，切实符合“富强、民主、文明、和谐、自由、平等、公正、法治、爱国、敬业、诚信、友善”的社会主义核心价值观。近年来，随着社会主义现代化建设事业的深化发展，特别是社会主义精神文明建设的迅速提高，“红色美术”更闪现出价值与光芒，对“红色美术”的研究和弘扬依然成为一种热潮，是社会主义和谐社会的重要组成部分。
首先，“红色美术”符合事物发展规律。“红色美术”当代价值的科学实现是理论与实践相互融合、逐步实现的过程。“红色美术”有与物质文明相互作用的规律，与制度文明相互依存的规律，以及在指导下发展的规律。从它的发展看，有既继承发扬优良传统，又充分体现时代精神的规律，有既立足本国，又面向世界的规律，还有有指导实践而又被实践所证明的规律。
其次，对“红色美术”进行系统的梳理整合，结合数字化背景下的文化发展理念及国际趋势，发掘“从传统入手、呈文化底蕴、展时代精神”的当代“红色美术”创作题材发展方向，有利于使科研成果转化为实践经验。
再次，“红色美术”的开展有益于从“研究领域”向“应用科学”转化。将对“红色美术”作品展开“时代精神”和“国家意识”方面的研探，使其对当代美术创作产生良好借鉴。同时，还将探求其自身的传承性、可塑性与应用性。
最后，承传“红色美术”，有益于产、学、研结合。尝试将传统文艺理论与当代创作结合，使科研理论与实践交融，有利于传统与现代相通，促进产、学、研相结合健康可持续发展。
“红色美术”承担并完成时代赋予的艰巨任务，在社会发展进程中发挥着不可或缺的作用。历史证明，一个国家、一个民族的强盛，必须首先具备繁荣文化的支撑。“没有中华文化繁荣兴盛，就没有中华民族伟大复兴。一个民族的复兴需要强大的物质力量，也需要强大的精神力量。没有先进文化的积极引领，没有人民精神世界的极大丰富，没有民族精神力量的不断增强，一个国家、一个民族不可能屹立于世界民族之林”。当今社会，研究“红色美术”不仅有利于加深对“红色文化”本身的认识及把握，探索其变化规律、把握其内涵精髓、坚定其传承信念，还对当代政治、经济、文化、社会建设发挥重要作用，
在文艺工作座谈会上重要讲话的核心思想也涵盖人民性、爱国主义、民族复兴的价值建构及道德崇尚。“红色美术”切实符合先进文化的发展，有益于时代精神的构筑。当今社会，我们倡导“美术作品中的国家形象”，在美术领域，要推广能够反映“国家意识”、“民族精神”的精品力作。例如：表现日新月异的现实生活，展现国家新面貌的作品，从而充分展示国家形象。这就鼓励艺术家要多创作红色题材的绘画作品，更多地展现“美术作品中的国家形象”。
参考文献：
[1]谭天.历史题材美术创作的“国家”意识.中国美术馆，2006（9）.
[2]黄可.中国美术活动史话.上海书画出版社，2006.
[3]宋建林，陈飞龙，主编.中国艺术理论发展史.生活・读书・新知三联书店，2011.
[4]焦垣生，胡友笋.论“红色经典”的经典气质.人文杂志，2005（2）.
[5]张新.浅谈红色文化的时代价值.神州，2012（10）.
[关键词]高等特殊教育：审美教育：统计分析
根据«国家中长期教育改革和发展纲要(2010—2020)»，“美育对培养学生健康的审美观和审美能力，陶冶高尚的道德情操，培养全面发展的人才具有重要作用”。作为素质教育切入点的美育对特殊教育的重要性是不言而喻的，它是提高残疾学生的文化素养，培养他们的审美和实践能力，增进他们的身心健康的最重要的教育之一。本篇论文将就高等特殊教育中的审美教育进行现象考察、理性分析和策略研究，研究特殊审美教育过程中所存在的诸多现实问题，以促进特殊审美教育的变革与发展。
一、教育研究
机构和地域调查自1987年我国成立第一所专门招收残疾大学生的长春大学特殊教育学院以来，经过近30年的发展，中国高等特殊教育已经基本成型，步入正轨。到目前为止，有近20所高校开设残疾人本科和大专专业，主要针对“三类基本残疾”，即视障、听障、肢障学生(近年来，还包括越来越多的轻微智障者)，每年招生名额达到千人。高等特殊教育的办学形式目前大多是依附在普通高校下设的特殊教育学院，或是合作开设特殊中等职业学院和成人高等教育。我国独立设置的高等特殊教育学院目前只有一所，即南京特殊教育职业技术学院(于2015年升为本科院校，现改名为南京特殊教育师范学院)，集残疾人高等教育、特教师资培养、特教专业人才培养于一身。
作为影响特殊教育事业发展的至关因素之一，特殊教育的师资培养无疑是直接影响高等特殊院校专业教育和审美教育的重要因素。自北京师范大学教育学院于1986年开设特殊教育专业的本科和硕士研究生专业以来，我国已有40余所高校设置了特殊教育培养的相关专业。而且，从办学层次来看，特殊教育拥有专科、本科、硕士研究生、博士研究生各个学历层次的教育。但整体而言，特殊教育教师专业化水平还不尽如人意，不论在数量还是在质量上都有极大的提高空间。截至目前，特殊教育研究的主要机构数量有30余个，研究地域呈现出分布广，相对集中的特点。不过，从数据来看，地区间的发展水平存在较大的差异，其中，北京、江苏、浙江、辽宁等地是特殊教育研究较集中的地区。而且，除了国家项目外，这些省份和城市都为特殊教育研究设立了基金，这也反映出这些地区对特殊教育的重视程度较高。
二、专业和课程设置
调查中国高等特殊教育的专业设置是按国家教育部颁发的专业目录执行的，主要根据残疾人学习和就业的双重适应性，以不同障碍类别的特点来设置不同专业。比如，肢体障碍的学生以医学、计算机、会计类的专业为主(近年来随着政策调整，专业限制已经放宽)，视障学生的专业主要有针灸推拿、英语、音乐表演、社会工作、特殊教育学等。相对而言，招收听障学生的学院在专业设置的数量和范围上是最广的，包括了艺术设计和计算机应用两大类，可细分出美术学、服装工艺、摄影、动漫、园林、编辑等30多个专业方向通过表格可以看到，在为残疾大学生设立的所有专业学科中，艺术类专业拥有中流砥柱的地位。由于视障和听障学生主要依靠听觉和视觉来接受外界信息，因此听知觉和视知觉的意义就变得尤为重要，以音乐为主的听觉艺术审美教育和图像为主的视觉艺术审美教育正好契合这种特征。
高等特殊教育的课程设置主要也是参照和依据普通高等教育，一般围绕专业知识技能教育、文化基础知识教育和思想品德教育三大领域展开，其中专业知识技能教育处于核心位置。尤其是对于艺术专业的视障和听障学生来说，艺术教育不仅仅是实施美育的主要手段，同时更是培养创新精神和实践能力，提高自身专业素养与审美能力的重要途径。因此，与艺术教育息息相关的审美教育理所应当应该成为这类高等特殊教育的重心之一。美育不能停滞在以往死记硬背、晦涩难懂的传统美学教学上，应该与知识技能课程更紧密地联系起来，并且还要考虑到学生日后所从事的工作，让美育更加深入生活，更加具有实用性，这也是当前高等特殊教育中审美教育在课程设置和实践活动中所要面临的艰巨挑战。
三、理论研究现状调查情况
中国高等特殊教育的办学始于20世纪80年代，所以，对近30年公开发表的相关高等特殊教育研究论文进行数据统计和分析，不仅能总结出理论研究的情况和特点，还可以在宏观层面上了解该领域学术的最新发展状况，并预测未来的发展趋势。中国知网的检索数据显示，我国特殊教育研究所涉及前十位的学科包括了高等教育，其载文数量所占比重约为3.3％，排在第四位。检索从1989年到2016年间的所有来源期刊的论文时，剔出与研究主题无关的论文后，以“高等特殊教育”为关键词的学术论文可以精确检索到352条，其中，期刊论文296篇，硕士论文16篇，博士论文两篇，会议论文四篇。
从来源数据库来看，占比重最大的是期刊论文，约为总量的84.1％。公开发表高等特殊教育主题论文的相关期刊有146种，«中国特殊教育»作为特殊教育领域的唯一核心期刊，收录了35篇相关论文，占总量的11.8％。对的作者身份进行统计后，可以发现高校专业的研究人员占总量的88％，占据了绝对地位，其他作者主要是来自中国残联、特殊教育中心等残疾人服务机构。在文献类型中，理论研究的数量最多，实践类型的研究比重略次，调查研究排列第三。但无论是理论还是实践，有关高等特殊审美教育的研究都相当单薄。笔者在搜索结果中精确检索“审美教育”，结果只找到两篇论文，而且皆为十年前发表的研究。
也就是说，随着近年来我国对特殊教育的支持力度加大，特殊教育快速发展，不仅基础教育体系日渐成熟，而且也取得了颇为丰硕的研究成果。其研究范围分布广泛，渐成体系，也受到越来越多的关注和重视。从变化趋势来看，期刊和硕士论文等高端成果逐年递增，而且还设立了不少国家级和省部级的课题项目，甚至某些研究近年来成为是中国教育的热点。但是，目前，针对高等特殊教育中审美教育问题的研究，不管是在理论研究层面还是教学实践活动层面都存在着明显的空白和不足之处。笔者也希望通过这些现状的调查，吸引更多的研究者关注这个尚困难、单薄的研究领域，以进一步推动中国特殊教育事业的发展。
参考文献:
[1]邓猛，潘剑芳，关文军.融合教育背景下我国高等院校特殊教育专业建设的思考[J].现代特殊教育，2015(6).
教授，国家一级美术师，河南大学本科学士学位，中央美术学院硕士、博士研究生学历。中国美术家协会会员，中国陶瓷艺术委员会副主任，中国吴道子艺术研究院院长，河南省国画院副院长，河南省美术家协会理事，河南省美术家协会人物画艺委会副主任，郑州市美术家协会副主席，新疆艺术学院客座教授，河南工学院客座教授，中国艺术研究院访问学者，中国艺术研究院硕士论文答辩委员，政府拔尖人才，享受特殊津贴。从事中国画创作与研究。
作品曾参加中国文化部、中国美协第八、第九、第十届全国美展；中国协全国首届、二届中国画人物画作品展；中国文化部首届、二届、三届全国画院双年展；中国美协二届全国中国画展；中央美术学院首届博士课程“中国画精神展”等。获中国美协“中国画三百家”银奖、中国文化部全国第十二届“群星奖”美术作品铜奖、中国文化部第三届全国画院优秀作品展最佳作品奖以及国际级、全国级、省级金奖(一等奖)11项、银奖(二等奖)6项，其它奖多项。
《黄河女》、《惠安女》、《民国女》、 《》系列等200余幅作品曾先后发表于《美术》、《美术观察》、 《国画家》、《中国美术》、《荣宝斋》、《江苏画刊》、《画廊》、《美术界》、《美术报》、《美术向导》、《艺术收藏》、《艺术界》等专业学术刊物。10多家国家级、省级出版独著画集4部、合著20余部，撰写发表学术论文5篇。
2000年为北京人民大会堂创作大型壁画《黄河小浪底》并被珍藏。
《惠东情》被中国美术馆收藏，《渔女》
中国人物画家在我的印象中有不少佼佼者，张宝松属其中之一。他为人憨厚，表情近乎木讷，也不菩言语，其天资却格外聪慧和内秀。“曲为心声，画如其人”，他的画主要表现女性题材，画中人物柔和、婉约，清纯又明丽，画格清雅别致，有一股明透的气息扑面而来。每每阅之，自然想到出水芙蓉，不蔓不枝，只可远观，不可亵渎。显现出洗尽铅华后的圣洁。张宝松的画里有一种山水诗的意境，恍若一人在恬淡的月下散步，万物都明透而含蓄，清辉下“明月松间照，清泉石上流”，呈现出深幽的意境和人性的光辉。
张宝松的水墨人物画风，落在一个“淡”字上，但此“淡”非“薄”也，道家的“素朴”思想里有“淡、虚、静”等自然之性。老子曰：“道之出口，淡乎其无味，视之不足见，听之不足闻，用之不足既”。意思是说在特定状态下，看得见、听得见、摸得见，不一定就让人满足；反之，虚之，淡之方“妙”不可言。近十余年来张宝松可谓在“静、虚、淡、轻”中惨淡经营自己的人物画。正如评论家邵大箴先生所言：张宝松的画以轻见长，轻中寓重。他的惠安女系列，轻松、明媚，情景点到为止。面面不求满、求全。善于运用淡墨浅绛，营造出“犹恐相逢在梦幻中”的意境。
且用他创作的《圣土》作一番解读和剖析，这幅1999年人选第九届全国美展的作品，表现一组穿夏日长裙的少女，人物面目安祥、端庄，或双手合十，或做捻佛珠状。神情如在宗教的仪式上进行一次心灵的祈祷。纯情湛蓝色的背景，映衬着极具符号化倾向的白玉兰。对少女的叙事，他采用中国古典文学名著《水浒》的白描手法，细线单勾， “看似无情却有情”。面目神态借鉴了龙门石窟中的“女神”造像手法，赋予了自己作品的时代属性。真可谓独具匠心。
张宝松最长于表达的是“惠安女”系列。之前他所创作的作品，从外来艺术、原始采购、壁画，甚至将弗朗切斯卡、波提切利、马蒂斯、高更等艺术名家的元素融入自己的绘画创作中。《黄河女》以非常新的面目人选第八届全国美展。“惠安女”系列出现于2000年因河南省主办的“中原美术新星(3人)第一回展”准备作品，他偶然机会深入闽南写生。惠安女性独特的妆束，整日劳作于田间，她们不畏艰辛，勇挑生活重担的品质和坚韧、善良的性格，深深打动了他，也赋予了他艺术的灵感。经过长时期生活和精神的体验，索有“封建头，民主肚，节约衫，浪费裤”特征的惠安女问世了。其实画惠安女的人物画家并非他一人，重要的是他赋予“惠安女”一种豁达、乐观、不怨天尤人的精神风貌。这种超常的外形美和内在美，加之浓郁的地域文化寓味，展示了张宝松超常的笔墨能力和审美趣味。张宝松的审美天秤开始倾斜了，由原来的表现带有装饰符号化的宗教式女性，转向了平凡、朴素的带有现代生活气息的女性。
显而易见，张宝松对女性的描绘，表达了他内心潜伏的对弱者、对美丽女性的悲悯之感。“女人本身是水做的，男人乃是泥做的”，水做的女人自然聪慧、善良、天真无邪。这种审美定向无疑暗合了《红楼梦》作者曹雪芹的心理拍节。因此，我们常说一个不知感恩，丧失悲悯心的人是不可能成为艺术家的。
2001年之后，张宝松的创作又一变，开始转向人物水墨的实践。这一年他考入了中央美术学院，来美院之前，他将民间艺术版画、年华、剪纸画中许多元素，移植于画中，已取得了一些成效，但画面中笔墨趣味和纯绘画语言的表现明显不够。一年的研修中，他受教于李少文工作室，任教的是田黎明、唐勇力、李洋、刘庆和等老师。即将毕业时他考入了中央美院首届博士生课程高研班。开办这一届博士班是当时中央美院在中国画教育转型过程中一种新的措施。是对现行学院制中国画教学的一种补充形式，目的是培养具有中国文化观念，有传统文化修养的学者型画家。可以说是历史寄予这一批年轻的中国人物画家以厚望。更值得庆幸的是，导师是卢沉先生和张立辰等先生。这期间的学习，让张宝松今后的艺术之路产生了质的飞跃。他的水墨人物画有了明显的进步。这种进步不仅是技法上的，更是观念和思维的重新再认识。
他认识到的中国画的核心是“借物”抒情的，这和西画截然不同，状物不是主要目的，写意才是表现目的，因而要求每一笔必须到位，笔与笔之间，笔与墨之间的关系，是一个平面的结构关系，才能达到造型和造境结合的效果。中国画的空间感和立体感是通过有质量的笔墨形态所完成的平面结构为笔墨结构。这个结构又是通过起笔、行笔、转折、收笔、顿捺、提按的控制来完成的。简言之，人物画要有书写的寓味，每一根线条要有精神的含量。
通过多年的探索和体悟，张宝松对绘画又有了更高的要求，正如他的博士论文中提到的“画贵有气息”。潘天寿所言“画要捉形，但不能捉形不觅神，形神一开始联系，神从形生，无形则神无所依托”。这种关系又回到齐白石提到的“似与不似之间”的关系。齐白石所言：“画要有静气，骨法用笔显露则不静，笔墨跺动则不静，要脱尽纵横习气，要有一种融合之气浮动于丘壑之间。”此段话之涵义后来对他的影响很大，他在自己的文章里写道：“艺术实乃人性、逸气、情愫之释放。有气息则活，无气息则死，人如此，画也如此。有些画看上去并没有太大的毛病，造型也准，构图也讲究，色彩也行，画面也完整，但就是不生动，干巴巴，其原因就是气韵不生动。其原因何为?丧失了画之气息。”
一、传统的研究生培养方式的弊端
研究生培养的方式多种多样，在以前比较传统典型的有两种：一种是师傅带徒弟的方式；一种是办班式的集体授课方式。前一种方式，在20世纪八十年代中国艺术院校研究生招生工作刚刚恢复的时候，较为普遍。那个时候，研究生人数很少，正规的在教室集体上课基本上是不可能的，导师和学生一般是一带一、一带二。导师实际上就相当于民间某些行业的师傅，研究生相当于徒弟。这种方式，导师和研究生关系密切，能言传身教，学生也切实能从导师那里学到真正的东西。但是，这种方式也有其明显的不足，即研究生的学习对象较为单一，在专业知识方面的可塑性小，研究领域狭窄，并且导师的水平往往就决定了研究生的水平。
后一种方式是以课堂教学为主，以一个班的形式而形成的填鸭式的教学方式。这是随着社会的发展，各领域、各学科需要大量各级专门人材，研究生扩招而导致的研究生数量膨胀。而原来的研究生培养师资有限，因此只能采取以办班的形式、以授课的方式来进行，似乎只有这样才能适应新时代研究生培养的需要。我认为，这种方式标志着研究生培养大众化阶段的开始和形成。就具体的学习过程而言，每个专业都有导师组，由不同的老师讲授不同的课程，具有多学科交叉的特点。这样一种研究生培养方式可带给学生更宽阔的知识面，扩大了研究生的学术视野，研究生可根据自己的研究兴趣多方面地选择研究方向。并且，这种培养方式使研究生有可能成为复合型人材，以适应社会发展的需要。但这种方式也有它的弊端，即较难做到因材施教。对专门的研究领域而言，无法培养出学有所长、术有专攻的人材。而另一方面，研究生要应付各门课程的学习，忙于挣学分，导致基础知识薄弱，研究能力相应下降，以至于使近几年的高校研究生培养出现了一定程度的质量滑坡现象。而我们在近些年来采取的以社会课题的研究方式，铺就研究生成长道路的做法，就是为了弥补以上两种方式的不足，实践说明这样的研究生培养不仅在理论上是可行的，在实践上也取得了十分明显的成效。因此引起一些人的关注，也是可以想象得到的。不过，我认为这样的研究生培养方式的理论和实践还只是开始，因此有待于我们加以总结与提高。这也是我们今来谈这一话题的来由。
二、以社会课题带研究生的新思路
国务院最新的《国家中长期教育改革与发展规划纲要》（2010――2020年）提出要“支持建设一批高等学校产学研基地”；“大力推进研究生培养机制改革。建立以科学研究为主导的导师责任制和导师项目资助制，推行产学研联合培养研究生的双导师制。实施研究生教育创新计划”。要“增强社会服务能力。高校要牢固树立主动为社会服务的意识，全方位开展服务。推进产学研用结合，加快科技成果转化；开展科学普及工作，提高公众科学素质和人文素质；积极推进文化传播，弘扬优秀传统文化，发展先进文化；积极参与决策咨询，充分发挥智囊团、思想库作用。鼓励师生开展志愿服务。”
原教育部部长周济2005年1月27日在国务院新闻办公室举行的新闻会上说：“今后将在研究生培养过程中加重科研工作的比例。没有科学研究工作的课题，就不能进行研究生培养工作；没有研究课题的导师，就不能带研究生。周济指出，研究生，顾名思义就是通过研究工作进行学习的学生。”因此，国家在研究生教育培养中将紧紧抓住研究工作，推进研究生培养体系的改革。改革的目标是提高质量，关键是科学研究。
从2005年起，国家教育部实施了“研究生教育创新计划”，推进研究生教育改革。要改革和创新研究生教育体制，完善研究生培养导师资助制和负责制，推行助研、助教和助管岗位制，推进研究生培养成本分担制度改革，深化研究生招生和选拔制度改革，调整和完善研究生学制。要支持研究生参加科研团队、参与科研创新，着力提高研究生教育质量。
最近几年，在中国美术学院美术学与设计艺术学专业，出现了一个引人注目的现象：一方面研究生教育迅速发展。研究生的年培养规模从2000年的50人，发展到2009年的300人，在校人数达800人的规模。另一方面研究生教育质量不断提升。一部分在校研究生在某些方面取得了可喜成绩，如2007、2008年全国百篇优秀博士论文评选，中国美术学院研究生的论文是全国唯一的榜上有名的美术学论文。有关艺术现象学研究、当代艺术研究、艺术市场研究、高等艺术教育比较研究等课题都被列为国家和省部级科研课题。导师与研究生的一系列合作研究成果在一些专业性很强的杂志上发表，承担和完成了一些政府和社会委托的重大科研课题或项目。而据了解，这其中大多是我院这几年来培养的研究生。这说明在研究生培养方面，我院有着一种独特的眼光和一套行之有效的培养方法。我院在培养研究生过程中的主要经验是以社会课题带研究生，产学研互动培养。
在近几年的教学和研究过程中，我院尝试着采取另一种研究生培养模式，即以特定的社会课题研究方式，让研究生参加到社会课题组开展的各种研究活动中，在对具体问题的研究中培养研究生发现问题、提出问题，通过论证解决问题的能力。因为研究生培养是一种严格的学术训练，如放任自流，随便选题，敷衍成篇，是达不到学术训练的效果的。所以，由导师或导师组所申报与提出的社会课题，在导师指导下，带领学生共同完成这些社会课题，能使研究生得到高强度的学术训练。因为这种研究有时间、水平、学术成果、层次的要求，有课题评价体系的限制。而同时，以社会课题方式带动研究生培养，可以创造一起研究、自由讨论、相互碰撞、共同提高的氛围。我院认为，这种与实践、任务相联系的研究生培养方式，可弥补前两种方法的不足，也能适应时展的要求。使研究生培养在不可避免的陷入大众化趋向的困境中，不失其精英性质，成为一种有效的、可行的培养方式。
关于我们的研究生培养质量的下降，教育界和社会上也曾经有所议论。有的人认为八十年代的本科生就相当于现在的研究生；有的人认为九十年代以来的本科教育是失败的。因而研究生教育也不可能有真正的质量。我认为中国的高等教育必须面向大众，为造就更多的人材而努力。这是中国现代化建设的需要，也是适应世界各国的经济与政治发展趋势的。英美各国的本科教育比我们的要差，这是公认的事实。如果我们的教育特别是本科教育一定要保留在精英教育的水平，如果只有很少的人受过高等教育，那我们的现代化是不可能建成的。研究生教育相比于本科生教育来说是精英教育，但既然本科教育质量有所降低，那研究生教育的质量与以前相比有所降低也是自然的事。但我不认同现在的研究生教育质量有了绝对的下降。根据我所了解的情况，我们的研究生培养质量是有所提高的。因为作为导师来说，我们的要求是提高了，而不是下降了。我们的要求是更加具体化了，而不是更加抽象化了。
我们知道，每一个研究生往往都发表过好几篇学术论文，并且有的发在重要的学术刊物上。我院所指导的研究生在我们所举办的学术会议中，往往也都发挥了非常重要的作用，这与我院这种培养方式有较大关系。
在1999级和2000级研究生中，我提出了“中外高等美术教育比较研究”的课题，被列为“全国教育科学十五规划教育部级重点课题”。我还拟出了 “国外高等美术教育发展趋势”、“ 中国高等美术教育发展现状”、“民办高等美术教育”等题目，与研究生一起共撰写了4篇有关“中外高等美术教育比较研究”的论文。研究生孔莉莉发表相关论文2篇。我本人也写了10万余字的《中外高等美术教育比较研究》的论文。这样一些论文在中外高等美术教育比较研究中中国处于理论空白的情况下，进一步推动了人们对艺术教育管理研究的关注。
学生成就的取得，当然不仅是哪一个方面的原因，也不是哪一个导师单独工作的成果。导师在为研究生上课，提出课题和研究方法，收集资料中虽然付出了辛勤的劳动，但研究生的努力和大量的时间投入也是课题推进的重要基础。当然，在我所指导的研究的人生之途中，我所起的作用比较大一点。在这几年的研究生教学实践中，我特别注重要求研究生尽早选定自己的研究方向。如果入学后一学期内不能选定，那就要由导师指定。这一点我是很明确的。因此，在05级、07级设计艺术学专业的研究生培养中，我提出了海派设计的研究课题。
上海是中国近代工业和近代设计的发源地。上海在中西文化融合领域里的影响，上海在中国经济改革开放中的地位度不容置疑。在中国19世纪到20世纪初的年代里，海派文化是重要的文化流派。中国学术界对这一时期的研究侧重于石库门文化，高度肯定其创作的成就，研究论文达数百篇。而对于海派设计，却很少有人研究。且研究成果档次不高，数量不多，影响也较小，研究的侧重点在建筑。对广告、包装、产品、服饰、珠宝首饰、旅游纪念品、礼品等方面的研究很少。国内有关海派设计研究的硕士论文，几乎没有。而我个人认为，海派设计是很有研究价值的。因此我提出了一系列选题，来对海派设计进行重新发现和评价。这些选题包括：“百年上海、百年设计”、“设计成就上海”、“上海设计产业发展研究”、“上海设计产业三年规划”等。对于这些选题，每一个研究生选一个题目，经过对原著的反复阅读，仔细思考，拟出提纲。并且组织讨论――老师和学生、学生和学生之间多次讨论，反复推敲，最后形成正式的毕业设计论文和毕业设计作品。而作为我个人来说，也完成了《上海设计产业三年行动计划》、《上海工业设计产业三年发展规划》、《上海工业设计十二五发展规划》等3个上海市经济委员会的年度课题，撰写了一部40余万字的海派设计简史研究专著《上海设计简史》。这也说明我们的课题研究对于本专业的研究生成长发挥了很大的作用。
同时给研究生树立了一个怎样发现问题、提出问题、通过论证解决问题的标本。在整个研究过程中，老师和学生可以说是一次又一次地集中讨论，老师思考问题的角度和研究问题的方法，往往对学生产生了直接的影响。使学生完成较好的论文并得以在相关的学术期刊上发表，引起了学术界的关注。因为此前学术界从来没有如此集中地谈论这一话题，因此也形成了设计产业发展研究的小小热潮。另外，有两位研究生的毕业论文选题就是以“海派设计”作为研究对象的。像周益竹的《上海设计博物馆设计》、金泠泠的《新海派设计》等。研究生金泠泠、周益竹以海派设计研究作为毕业设计和论文题目，取得了相当优异的成绩。这说明这样的社会课题研究与讨论，对我们专业的研究生的学术研究及其学术道路是有影响的。
在2003级研究生中，我承担了主持了国家级设计孵化器――上海都市工业设计孵化器项目的建设工作。我带领研究生花了大量的时间，不断地进行调研论证发现：设计产业是需要培育与孵化的。尽管上海已经成为全国甚至是世界品牌的聚集地，名牌产品在智利生产、在这里销售，却不在这里发源。设计产业是无烟产业，适合在闹市高楼大厦中发展。培育与发展设计产业，建设一个有关高新设计与创业服务的设计孵化器，不乏是一种新思路。于是，一个在闹市高楼大厦集中空间中，为设计企业创办和设计人才培养提供共事空间、共事服务及扶植企业的优惠政策，推进合作与交流，使之逐渐走上发展道路的设计孵化器的创意策划方案新鲜出炉了。经过努力，这一项目后来被国家科技部认定为国家级设计孵化器。
在2004级研究生中，我提出了“艺术设计类大学后职业培训研究”的课题，向上海市人力资源与社会保障局提出申请，组织研究生共同进行这一课题的研究，最后由中国劳动社会保障出版社出版发表了《工艺美术师》、《机构形象设计师》、《玩具设计师》、《商业美术设计师》、《旅游纪念品设计师》、《三维广告设计师》等近9部教材，在全国设计杂志上6篇，9个调查报告。结合职业培训，我还组织了研究生承担了上海市创意职业培训公共实训平台建设的项目。在我的组织和指导下，研究生直接参与了该项目的策划、设计、施工、教学、管理工作，在获得最新设计科技方面的收获极大。研究生们在导师的指导和设备供应商的培训下，掌握了大量的最新设计科技，如时间凝固系统、蓝箱抠像技术、VR虚拟现实技术，以及各种先进的计算机辅助设计软件等，在设计教育与管理的实践方面得到了很大的锻炼。
三、强调社会课题研究是研究生科研能力培养的重点
从以上谈论的状况来看，我院所推行的这种方法的确是行之有效的。那么，我院为什么想到要以社会课题研究方式来铺就研究生成长的道路？关于这个问题，主要是基于以下几个方面的考虑：
第一，能适应国家、长三角地区社会经济文化建设发展的需要。导师根据国家、地方经济和文化建设发展的需求，申报选择一些政府下达的纵向课题，以及通过招投标形式争取社会相关企事业单位委托的横向社会课题，这是设计艺术类研究生教育以社会课题带研究生重要的培养方式。因为设计与国民经济的发展息息相关，设计在中国已被认为是即科学技术以后的又一新的生产力或“第二生产力”。设计教育不重视产学研合作、不为国家和地方的经济建设服务，就失去了学科原有的价值和意义。因此，我们明确的提出了设计教育要服务于张江（学院所在的社区――国家级高科技园区）、服务于浦东（学院所在的地区――中国最具开放的前沿地区）、服务于上海（学院所在的城市――中国最大的工商业中心）、服务于长三角（学院毗邻的更大范围的地域――中国最发达的城市经济圈）。
第二，能体现导师的学术积累和学术眼光。我们知道，每一个导师在自己的研究领域中，在他多年积累、开垦的领域中，是有着浓厚的积淀的。哪些问题是研究的空白；哪些问题是薄弱环节；哪些问题具有进一步的研究价值；哪些问题能体现出研究的前沿性；哪些问题研究到什么程度了，能开发出哪些重要问题，在具体研究中还需注意一些什么问题等等，作为导师来说都非常了解。因此，他能够提供给学生多年积累的资料，能让学生明确认识到哪些材料是真实可靠的，哪些材料是需要重新考证的，哪些材料是虚假、以讹传讹的、不可靠的。因此，他能让研究生直接地、便捷地进入研究门槛，抵达学术研究的殿堂。
第三，能够为研究生的学术研究和实践提供思路。这实际上是一种命题课题方式。导师提出的话题都是值得讨论和研究的，而且往往会把自己的思路、研究的角度、思考问题的方式、理论观点的运用及学术研究的方法，在这一过程中直接传授给学生。这方面最能体现出导师的学术个性、学术传统和学术风格。对学生今后的发展往往有着直接的影响。
第四，能够防止抄袭和剽窃行为的发生。因为这些题目规定了思路，学生在写作过程中是否综合别人观点、沿袭别人材料导师很清楚。如果不是这种命题课题，由学生任意选题，在短时期内写文章，容易导致抄袭、剽窃行为的发生，导师也不容易发现这种现象。学术研究是有规范的：一是创新规范，二是引用规范，三是格式规范。学术研究必须有创新，没有创新就没有必要写论文。只有在前人基础上有所发展，有新的见解和新的观点，才能形成学术论文。因此，这种命题研究方式，为学术创新奠定了坚实的基础。前几年曾经出现过有的研究生在硕士论文撰写的时候，不能按照老师的思路进行修改的现象。后来那个老师不同意其参加答辩，是有道理的，因为如果你不能按照老师提的意见对自己的论文进行修改，那么就说明很可能你的论文的整个思路是抄来的，那很可能出现非常大的问题。研究生是导师负责制，那导师的确有这个权利与义务。因此，采取命题课题的方式要求研究生撰写论文并达到发表水平，可以最大限度地避免抄袭等学术腐败现象发生。
四、研究生的专业方向与课题研究的社会命题（选题）
强调社会课题研究会不会出现这样的结果，即研究生在三年的学习过程中忙于应付导师所分配的课题任务，除了写出两三篇文章外，对于基础理论知识的掌握是不是有所欠缺呢？
因为我们的研究生都是百里挑一挑出来的，本来就有了比较扎实的基础。研究生阶段当然也是打基础的阶段，那只是相对于研一阶段而言，但研究生是必须进行研究工作的，是必须在这个过程中经受严格的学术训练的。研究生阶段不可能什么书都读，什么知识都要了解。因为已经分了专业，如设计艺术学专业的每一个研究方向都有很大的专业差异。每一个研究生都要有坚定的方向感，即我的研究生的研究方向是研究设计艺术教育与管理的。那研究生对于本研究方向的书是必须读的，而不能将主要精力放在设计史或设计实践方面去。因此，命题课题是必须在广博知识积累的基础上才能完成的，是要经过长时间的准备才可能完成的。每一个研究生不论是命题课题还是非命题课题，他也只能选取某一个非常专门化的问题来进行分析与研究。而他自己再选取一个题目是很难的。如果没有导师的指导，半年时间甚至一年时间也选不出一个真正有意义的题目。那才是真正的糊里糊涂地过了一年、两年，自己耽误了自己的时间。
况且，我们一般给研究生分配课题与选题，是从二年级开始的，这时，他们已经过一年的专业理论知识的系统学习。并且，在导师组或不同老师相关课程的学习过程中，对本专业所涉及到的相关的基础理论知识有较为全面的了解和掌握。在这一基础上，让他们参加一些具体社会课题的研究，实际上是对所学基础理论知识的一次检验，是如何把所学知识转化为能力的一次最好的实践。研究生在学术上如何成长，是必须有实践的。研究生在做社会课题的过程中，会碰到一系列的问题。他们一方面会和导师讨论这些问题，另一方面，这些问题会引起他们的反思，会让他们主动地去回顾学习过程中的漏洞。所以参加课题组研究，实际上是对所学基础理论知识的一次巩固。
“命题课题”的方式其实是给每一位研究生提供的一个如何把所学理论知识转化为实践的一个平台，但这种培养方式对于导师而言要花费大量的精力。我院虽然身兼数职，但我们在工作中始终是热情饱满、精力充沛，而且乐在其中。那么，我院是如何平衡这几个方面的工作的呢？
首先是我对于自己的学生是充满热情的。自己的学生就是自己的子女。自己的生命也许是有限的，但如果我们的研究生有很大的发展，相当于我们自己的生命特别是学术生命得到了延续。其次，我与研究生的讨论时间是固定的，即每周一的晚上和每一个月的第一个星期天的晚上。前者是单独讨论，后者是集体讨论。如果有学生要与我讨论关于开题报告与硕士论文在写作方面的重要问题，则需要与我事先约好，我再安排时间。也就是说我与研究生对话的时间是有计划的。因此我所花的时间和精力也不是特别多。前提是讲究效率、讲究结果。第三，我往往将刊物编辑、学科建设、学术会议、设计大赛、设计论坛与研究生培养有机地统一起来。研究生帮我们做了许多事，在这个过程中自己也得到了少有的训练，比如每年一度的上海旅游纪念品设计大赛，连续三年的一等奖获得者均为我院的在校研究生。如果没有这样一些实际的工作由研究生来参与，研究生的成长不可能像现在这样的迅速。其实，这也是一种像社会课题研究本身一样的方式，也是带动研究生群体成长与发展的一种重要的方式。我这几年能够做到的，就是工作再忙，也没有忘记自己的学生。自己的事情再多，也没有将研究生培养的事放在很靠后的地位。因此，我所指导的研究生才有那么多人，也才有那么多的教学和项目管理经验。
除以上所谈到的，设计基础和应用研究方面也是我目前研究的一个重点。《设计基础》和《设计与制作》是我所申请到的一个国家教育部项目――全国普通高校美术学（教师教育）专业教学指导纲要和同编教材的编写。由于这两个课题所涉及到的设计范畴和作品特别多，做起来有一定的难度，所以我让研究生先按一个一个内容的作品做，并且也取得了阶段性的成果。如1999级和2009级的研究生，每一个人都写《设计基础》和《设计与制作》方面的教材与论文。并且基本上都将此作为他们硕士学年论文的题目，目前正在进行中。他们对于《设计基础》和《设计与制作》的研究，是从大学在校期间对这两门课程的认识开始的。并注重查阅国外的文献资料，所以做得非常扎实、也非常艰难。这门课的课时少、内容多。我们采用了直线型和螺旋形的两种编排方式。这个课题我一直进行了10年的研究。从平面构成、色彩构成、立体构成到光构成、动态构成，也有新的发展，现在还在进行之中。但我相信这种创新的教材和论文会很有意义与价值。
五、导师资助研究生是以社会课题带研究生的一种新形式
由导师资助自己所带的研究生是国际惯例，世界著名的大学基本都采取类似的做法。教育部《2003―2007年教育振兴行动计划》“推进‘研究生教育创新计划’”中提出的“改革研究生选拔制度，推进学分制并调整修业年限，推行研究生培养导师负责制和研究生助研、助教和助管岗位制，推进培养成本分担制度改革”，也是为了与先进国家的高等教育接轨。导师资助研究生的方式亦可理解为是导师责任制的组成部分。但中国大学的校情毕竟不同于国外大学，笼统地讲“导师资助制”，不仅让局外人不解其意，导师自己也如入云里雾里。
导师资助制，当然是指导师拿出科研课题的部分经费，对研究生的研究工作进行补贴。按照国外的做法，导师一般是用社会课题经费的一部分负责研究生的科研支出，乃至生活费用的。这样看来，“没有课题的导师不能带研究生”的论断，也没有问题。但国外的导师一般都有课题经费，不仅有而且此项经费足以支撑和支付他所带研究生或者担任他的研究助手的基本开销。这样优厚的条件，国内大多数研究生导师都不具备。因此，实行导师资助制的首要的前提条件，是导师必须有充足的自主支配的科研课题经费。
充足的和自主支配的科研课题经费的获得，说起来可能很容易，按照成本分担的原则，只要国家拨一部分、学校拿一部分，导师从研究生的学费中提成一部分，加上导师申请课题项目经费，这些只要划归导师使用即可，但实际操作起来却并不简单。
国家拨款，学校资助的力度应该多大，导师提成多少才算合适？按人头平均拨付是一个办法，但要知道近些年，研究生的招生规模不断扩大，数量大大增加，资金的缺口也相应变大，这部分钱显然难以彻底弥补缺口。部分专项资金的到位虽然聊胜于无，但毕竟是杯水车薪。如果导师的科研经费都不足，又怎么有余力，资助自己带的研究生呢？
解决导师的科研经费问题的办法之一，自然是社会课题项目的申请。但这里仍有个课题项目数与导师人数不对称的问题。各级各类的纵向和横向课题项目每年都有，但导师能争取到的比例并不高。这一方面是由于资源有限，但更主要的是有限的资源配置不尽合理，基础理论和设计艺术学这些最应得到资助的社会课题，受资助的比例却最少。而应用性强，自身能够产生经济效应的设计艺术应用性社会课题，却不断得到巨大的投入，其结果只能是富的越富，穷的越穷。另一方面，课题项目的分配同时存在着许多不公平、不公正的现象，也加重了“贫富不均”。一个设计类项目本来是不需要太多经费的，但因为某种科研以外的因素起作用，有的课题如政府下达的纵向课题一下可以拿到几万。有的横向项目属于重大设计工程，如我主持上海集成电路科技馆、虚拟西方艺术馆、上海大学生创意产业创业基地、上海都市工业设计孵化器等项目更是上千万。不能说，所有获得重金资助的项目都没有社会意义或学术价值，但确有项目在价值与投入上不成比例。如果这部分经费，合理地投入到许多看起来并不“重大”，但却有学术潜力的社会课题上，对中国学术研究发展的切实而深远影响，将远远超出一个哪怕是“重大工程”。由此推出实行导师资助制的另一个前提条件，应该是科研经费的资源配置的合理化，课题分配的公正化。
参考文献：
1.《科学时报•大学周刊》，2006年7月18日
2. 教育部《2003―2007年教育振兴行动计划》， 新华网，2004年3月30日
关键词：蒙古族 传统家具 图案特征
一、喀尔喀蒙古部溯源
1. 地理位置
喀尔喀蒙古部是一支历史渊源悠久的蒙古族部落分支的总称，据文献记载，“喀尔喀”这一称呼始于清末明初，是中国清代漠北蒙古族诸部的名称，该词源于著名的喀尔喀河。从地理位置分析，喀尔喀蒙古东接呼伦贝尔，西至阿尔泰山，南临大漠，北与俄罗斯接壤。
2. 历史渊源
分布于喀尔喀河的蒙古诸部落统称为“喀尔喀蒙古部”，喀尔喀蒙古部的形成的历史渊源可以追溯到公元15世纪末叶。15世纪末叶，元太祖15世孙巴图孟克（达延汗）统一东部蒙古后，将漠南、漠北原来各不相属的大小领地合并为6个万户，分为左右两翼。喀尔喀万户属左翼，共十二部。内五部居喀尔喀河以东，巴图孟克封授第五子阿尔楚博罗特；外七部居河西，封授幼子格埒森扎・札赉尔珲。巴图孟克死后，内五部逐渐南徙，清初编旗，属内札萨克旗，今中国内蒙古；格埒森扎留居故地，其号所部为喀尔喀，辖地逐渐扩大，据有漠北地区，今蒙古国。
根据上述有关地理位置对蒙古族渊源的描述，内蒙古地区蒙古族部落属于“漠南蒙古”，喀尔喀蒙古部也称为“漠北蒙古”。
3.
鉴于喀尔喀蒙古部的历史渊源，其也保留了较为完整和淳朴的，进而又影响到了喀尔喀蒙古部的民俗民风和生活用具的方方面面。
“佛教”和“萨满教”是喀尔喀蒙古部传统的两大。佛教分为藏传佛教、汉传佛教和南传佛教。喀尔喀蒙古部及中国境内内蒙古地区信奉的佛教均为藏传佛教。
蒙古族是一个包容性很强的民族，这也体现在其对各种宗教的广泛接纳。在蒙古族聚居的地区原来流行的宗教有佛教、道教、伊斯兰教、基督教、萨满教等。蒙哥汗时期 （公元1209～1259年），蒙哥汗和皇族除信奉萨满教外，也奉养伊斯兰教徒、基督教徒、道教弟子和佛教僧侣，并亲自参加各种宗教仪式。元朝时也采取同样的政策。元朝时期伊斯兰教徒的建寺活动遍及蒙古各地，基督教也受到重视和保护。国师八思巴曾向忽必烈及其王后、王子等多人灌顶。
藏传佛教传入蒙古族地区经历了漫长的过程，但是对于蒙古族传统文化的影响却是至深至远的。公元1247 年蒙古皇子阔端台与萨迦派首领萨迦班智达的凉州会晤，标志着蒙古族与藏传佛教正式结缘的开端。在这之后，藏传佛教（主要指格鲁派）逐渐在蒙古草原传播开来，与萨满教共同构成了蒙古族传统的两大主体。
萨满教是喀尔喀蒙古部古老的原始宗教。萨满教崇拜多种自然神灵和祖先神灵。蒙古族的先祖成吉思汗信奉萨满教，崇拜“长生天”。直到元朝，萨满教在蒙古社会占统治地位，在蒙古皇族、王公贵族和民间中仍有重要影响。皇室祭祖、祭太庙、皇帝驾幸上都时，都由萨满教主持祭祀。
二、喀尔喀蒙古部传统家具图案特征
1. 图案的原生态特征
喀尔喀蒙古部传统家具图案具有很强的原生态特征。“原生态”一词原指没有被特殊雕琢，存在于民间原始的、散发着乡土气息的民俗文化及艺术形态，是一种可以称为“非物质文化”的代名词。在这里借用“原生态”一词指代没有被外来其他文化侵袭的，具有喀尔喀蒙古部传统特征的图案及表现形式。
“纹样”是蒙古族传统绘画艺术中一项重要的创作类型，而在喀尔喀蒙古族传统家具中这种艺术形式表现得尤其具有地域特征。在喀尔喀蒙古部的传统家具彩绘中，多数实物样本中的绘画均采用图案化的特征，具象的图形出现的较少，大量实物样本的调研很好地例证了这一“原生态”特征。
实物样本“双屉朱底金漆彩绘植物纹木桌（图1）”上出现了不同形式的边角纹样、连续纹样和中心纹样，这样的全部采用纹样的组合来装饰家具表面的做法在其他喀尔喀蒙古部传统家具上均有反映。调研中的有些复杂而精美的图案令人叹为观止，这些彩绘图案用今天的印刷工具甚至都很难完成，而在过去全由工匠手工绘制，由此可见喀尔喀部传统手工匠人的高超技艺（图2）。
白色被蒙古民族视为圣洁的颜色，白云在蒙古族中是吉祥圣洁的寓意，云纹是蒙古部传统家具中应用较多的纹饰图案。在喀尔喀蒙古部传统家具的彩绘图案中，对云纹图案没有进行过多的变形处理，而是用了较为淳朴的绘画方法，将云纹直接沿小木桌的束腰处连续围合绘制，再在云纹中填以金漆，这样的图案及彩绘方法也决定了该木桌作为供奉的明确用途（图3）。
2. 图案色彩的多样化
喀尔喀蒙古部传统家具的图案彩绘用色丰富，具有多样化的色彩特征。这一特征在橱柜类家具中表现得尤其突出。在内蒙古地区的蒙古族传统家具彩绘图案中，色彩搭配采用较接近的色彩，一般不会采用明度、纯度或色相相差太大的配色方案。但是通过对喀尔喀蒙古部传统家具实物样本的调研，使我对蒙古族传统家具的图案色彩有了重新的认识。在相当数量的样本中，图案色彩采用了色彩相差较远的搭配方法，这不仅没有让图案色彩混乱，反之这样的“非常规”的配色使得家具整体视觉感受变得更加丰富。实物样本“三屉红底单面金漆彩绘盘肠纹木橱”中红色做底，加以金漆彩绘花纹和浅蓝色彩绘边框装饰（图4）。另一件实物样本“五屉红底单面彩绘卷草纹木橱”也采用了类似的色彩搭配方法，这样的色彩搭配案例是在内蒙古的蒙古族传统家具中没有的（图5）。
在蒙古族传统家具的图案用色中，偏好使用红色和金色，黑色较少出现，黑色的使用也是很慎重的。关于蒙古族传统家具图案彩绘中使用黑色的案例，在内蒙古地区蒙古族传统家具中均未见案例，但在喀尔喀蒙古部传统家具中，这样的实物样本也使得我对黑色在蒙古族传统家具的图案彩绘中重新审视。实物样本“翻盖红底单面金漆彩绘卷草纹经卷盒”（图6）中间“池子”部分用黑色做底，在其上施以金漆彩绘，加之这件家具的结构，决定了它的功能是收纳经卷所用。另一件实物样本“红底单面金漆彩绘植物纹木桌（图7）”也采用相似的彩绘技法，是不可多得的该类家具的精品。
图案色彩的多样化还体现在其他方面，如同一家具上相同图案采用不同色彩但又采用对角线呼应的彩绘方法，“对开门红底彩绘团花盘肠纹橱柜”就是这样一件精彩实物样本（图8）。其他在同一家具上具有丰富色彩搭配的实物样本均印证了喀尔喀蒙古部传统家具“图案色彩的多样化”这一特征（图9）。
3. 图案的宗教气息
喀尔喀蒙古部传统图案的具有强烈的宗教色彩，表现为具有明显的佛教题材特征。如实物样本“翻盖红底三面彩绘生命树小盒（图10）”中，绘制了佛教有的生命树，其所绘形态同时也可视做或喻为萨满教中的“长生天”。由藏传佛教萨迦派的第五代祖师八思巴（公元1235～1280年）创建的八思巴文对后世影响深远，在喀尔喀蒙古部传统家具实物样本的图案彩绘中可见其一斑（图11）。为了表达对美好、善良的追求并寄托蒙古人的精神世界，彩绘时将八思巴文加以美化，升华了图案彩绘，创作了赋予精神追求的、经过美化的八思巴文纹饰（图12）。其他实物样本中均不同反应了浓郁的宗教题材，“红底单面彩绘佛教故事纹经卷盒（图13）”上的图案是佛教八宝纹样和佛教故事纹样的结合，“束腰红底单面金漆彩绘摩尼宝珠纹供桌（图14）”样本中图案为佛教中有美好吉祥寓意的莲花座和摩尼宝珠纹样的结合。
三、结论
通过对喀尔喀蒙古部传统家具的实物样本的调研和初步分析，可以得出一个结论：宗教对喀尔喀蒙古部家具图案特征的影响巨大。具体体现在三个方面：1.图案的原生态特征；2.图案色彩的多样化特征；3.图案题材的宗教化特征。
在宗教对喀尔喀蒙古部传统家具图案的影响中，又数藏传佛教对喀尔喀蒙古部传统家具的影响最大，主要表现在“绘画”和“雕刻”题材两方面。家具表面彩绘中大量佛教题材的绘画、图案和文字使家具的装饰更好地服务于功能，这样的家具用于供奉、诵经和藏经，家具表面各种关于佛教题材的内容寄托了使用者虔诚的祈祷和企盼。在普通牧民家庭中常见的诵读经文的诵经桌，既有诵经的台面又有储藏经卷的抽屉，这便于虔诚的信仰者在草原上随身携带经卷、随时诵经（图15）。
在喀尔喀蒙古族的传统家具上，装饰题材较多地使用了“佛教”题材。通过调研发现，佛教文化的影响深入到喀尔喀蒙古部传统用具和家具等方方面面，这种在家具上施以宗教题材的彩绘和雕刻更反映了喀尔喀蒙古族人民对宗教的虔诚信仰。
对于喀尔喀蒙古部传统家具的研究才刚刚起步，随着研究的不断深入，研究成果也将逐渐得出，这些研究成果有助于我们深入了解喀尔喀蒙古部的传统艺术和文化特色，对完善草原文化研究体系也将作出有益的补充。
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夏加尔在1910年在《阿波罗》前卫杂志首次展出作品,并公开发表言论支持新艺术形式,从此夏加尔开始了现代艺术之旅。自从夏加尔来到巴黎后,他就与现代主义艺术运动结下了不解之缘:起初,他受到了后印象主义画派的影响,尤其是塞尚的绘画艺术;1910年至1914年在巴黎结识了许多了立体派的领军人物,这些艺术家对夏加尔以后的艺术创作影响至深;在1914年夏加尔在德国的举办了自己人生中的第一次个人展览,引起了轰动,很多评论家都认为他的作品对当时德国表现主义的兴起产生了直接的影响;1923年返回巴黎后,超现实主义运动的艺术家对他推崇备至,甚至想奉他为自己画派的先驱;1941年在美国流亡期间,他又和许多新的现代艺术家交往甚密。由此可见,夏加尔是与众多现代艺术流派的艺术家有着密切关系的,然而夏加尔又是独立存在的,夏加尔的绘画艺术总是无拘无束地表现事物最动人的一面,他喜欢在绘画表面使用那些仿佛产生于幻觉之中的想象之物,给我们不经意间造成一些视错觉,形成了他独立的艺术风格。
与后印象派的关系
对二十世纪现代艺术起着重要奠基作用的后印象派绘画,对夏加尔有着深深的影响。夏加尔对塞尚、梵高、高更的作品极为推崇。这些后印象派大师作品中的光线、明亮而带有强烈主观情感的色彩深深吸引着夏加尔。在1910年夏加尔创作的《安息日》这幅作品中,那明亮鲜艳的略带狂放的色彩可以使人很容易感受到梵高《夜间咖啡馆》的气息。从夏加尔早期的作品中可以清晰地发现塞尚的影子。例如1909年创作《圣者家庭》,这幅作品注重对形体的刻画。在对形体的处理上,喜欢用高度概括的形式并十分注重体积感,从画面中女人的头发和衣褶上可以使人清楚的感受到这点。另外这幅作品对边线的处理也十分严谨。这些手法使得画面中的人物形象厚重而结实,对表现犹太家庭那种朴素和谐的生活这一主题十分契合。
与立体派的关系
立体主义,1908年始于法国,以塞尚后期绘画的抽象视觉分析“自然界的物象皆可由球形、圆锥形、眼通行等表现出来”为法则。1910年夏加尔到了法国后,与勒泽、劳伦斯等立体派画家交流,并与毕加索、阿波利内尔成为密友,为了表达对阿波利内尔的尊敬和感激,夏加尔创作了《向阿波利内尔致敬》这幅作品。立体派对于夏加尔而言,既是他的老师,又是他在艺术道路上得以发展的一个重要平台,他使用静态几何来孕育出某种动态的情感世界,把那种各种充满深刻含义的题材和这种机械的、理性的重组方式相结合,使得自己更加自由的去表达内心丰富的情感世界。这可以从他的作品中有所发现:如在《我与乡村》中,以圆和三角做出辐射状把牛和“我”面对面的空间表现出来;在《向阿波利奈尔致敬》中,在四周伴有放射状的圆形切面当中他把亚当和夏娃两个人体重构在一起等。这些都是采用立体几何分析的方法将事物和不同时间不同时空发生的故事同置在一起。夏加尔认为立体派相对来说较为容易理解的,这是由于它向我们提供的只是对象的一个方面——或是光和影的关系,或者是它的几何关系,然而仅有物体的一个方面,不足以表达出完整的艺术主题。它过分地限制了绘画的表现内涵,如果坚持用一种表现手法,而绘画就局限于这一种表现形式和其他更自由的绘画方式,因此夏加尔认为立体派是具有它的局限性的。夏加尔虽然受到立体派的影响,但是他本人并未完全顺从,就如他自己所说:“我所追求的艺术是更特别的。”他在汲取立体派绘画风格的同时,又与立体派划清了界限追求自己的创作方向。
与野兽派的关系
野兽派即野兽主义是自1898年至1908年在法国盛行一时的现代绘画潮流,继续后印象派的探索,追求更为主观和强烈的艺术表现,野兽派画家依靠构图不顾体积、对象和明暗用纯单色来代替透视。夏加尔继承并发展了野兽派的绘画理论,在自己的绘画创作中取得了巨大的成就。在夏加尔的诸多作品中我们都可以看到强烈原始的红色、绿色、黄色、蓝色被他组合成新奇梦幻的画面,毕加索这样称赞夏加尔“马蒂斯死后唯一懂得色彩的画家。”但是夏加尔的绘画又与野兽派有所不同。法国的野兽派追求纯粹的装饰画效果,大块的有些随意并且鲜艳的色块,夸张而原始的造型,粗犷的线条成为它的招牌表现手法,但是对于主题,野兽派是不涉及的,它追求的只是强烈的视觉效果,鲜明的色彩呈现;夏加尔的绘画中也有鲜亮而且对比强烈的色彩,但是夏加尔非常注重绘画内涵的表达,在他的画面中有着诗性的倾诉,形象色彩甚至有着故事的情节都透射出一种深刻的寓意,例如:热闹中带着沉静与忧伤的马戏表演、两次世界大战带来的伤痛和恐惧与妻子甜美而浪漫的爱恋,对家乡的思念等等,他把自己对自己本民族最虔诚的信仰会在了他的作品中,使得夏加尔的绘画在本质上与野兽派就有不同。
总结
夏加尔的绘画语言的形成受到时代、社会文化多种因素的影响,其艺术具有复杂性,因此很难将夏加尔的绘画准确的归属于一种流派。二十世纪超现实主义画派曾试图推举夏加尔作为这个流派的先驱,但是夏加尔拒绝了,他认为自己的绘画并非“幻想的”,“一切都是现实的,恐怕比我们目睹的世界更加现实”。由此可见,夏加尔只是把自己的真情实感给以一种特别的方式给表现出来罢了,他总是非常的希望一般的观赏者能一起分享他对宗教、情感、故乡、童年等这些事件的感受,从而理解他内心的真实情感,他注重的是自身的生活体验的表现。夏加尔就是一个独立的夏加尔,如果非要把他归属于一个画派的话,那就是二十世纪初的“巴黎画派” 了。这些画家是在两次大战之间聚集在巴黎的一个外国艺术家团体。他们都是在血液里共同存在着犹太民族的那种怀乡与哀愁、坚韧与抗争的性格的犹太人,因此,这些画家之间虽然没有共同的理论主张,在画风上各树一帜,但即使如此,他们的绘画都富有浪漫的色彩,表现内心世界、而非解释外在世界采用了抒情性的表现方式成为他们共同的潜在的一致。正因为如此,从这种共同的民族精神出发才将他们看作是一个画派。
贡布里希认为是夏加尔是原始主义艺术运动的中坚力量,他总是用那最为单纯的,具有原始风味的艺术像把他那单纯而且率真的情感充分表达出来,因此夏加尔虽然经历了多个现代艺术流派的洗礼,但是他始终坚持自己的创作,发展属于自己的绘画语言,树立了个人的风格,成为现代绘画史上占有重要地位的艺术家。
参考文献:
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[2]吴姗姗.内容与形式—解读夏加尔的艺术[C].曲阜师范大学硕士论文,2008.
关键词：纳西；东巴；传统美术；旅游工艺品
1 概述
古老的东巴象形文字和丰富多彩的宗教活动、多神崇拜、纳西人民对理想生活的向往组成了多姿多彩的纳西东巴传统美术。东巴传统美术将纳西民族的神秘性、地域性、民族性特点表现的淋漓尽致。纳西东巴传统美术的内容有：东巴图腾符号、东巴舞谱、东巴图画象形文字、东巴绘画等内容，其包含的主要内容有：（1）东巴象形字及经书，丽江东巴文字为世界文化遗产，在东巴象形字及经书中带有图画色彩的象形文字有1400多个，是世界上唯一活着的象形文字，具有象形性、符号性等特征。（2）东巴画，包括木牌画、纸牌画、布卷画和经文画几大类。东巴画包含古代了纳西族的世俗生活、民族信仰、理想世界的描述等，画中鸟兽虫鱼、树木花草、人物形象，如“青蛙、大鹏鸟”等数不胜数。（3）东巴仪式中产生的传统美术，东巴仪式集唱、舞、纸扎、绘画于一身，纳西族有众多图腾崇拜，由此衍生了许多集体祭祀活动，如祭天、星、风、山、水、火等。在宗教祭祀仪式中制作使用的绘画、木偶、面偶、泥塑和各种竹木编扎品等祭祠用品。（4）明代壁画，丽江有3处10多幅明代壁画，集儒、佛、道于一体，列为国家重点文物保护单位。（5）纳西民族传统手工艺中产生了众多美术作品，如纳西木雕、丝织、皮革工艺等，众多工艺中产生了许多独具特色的美术作品。
2 纳西东巴传统美术与现代旅游工艺品设计之间的关系
2.1 形势所趋，条件具备
丽江旅游资源丰富，独具特色，旅游业的发展对丽江的经济发展有着重要影响，随着丽江旅游市场的兴盛，丽江相关的旅游工艺品也相继发展。旅游工艺品进行开发设计、生产经营能带动相关产业的发展，对其进行设计经营对于旅游行业经济效益的提高有着重要作用，旅游工艺品可挖掘的市场潜力大，消费弹性较大。再者，旅游业的发展对丽江的东巴文化和传统手工艺是一种保护和传承。通过丽江纳西旅游工艺品规划，将对丽江旅游经济的发展、旅游市场的开拓、东巴文化保护、纳西传统手工艺传承起到极大地推动作用。探讨纳西东巴传统美术与现代旅游工艺品设计之间的连接有着重要作用和意义。
2.2 合理利用，限度开发
丽江纳西族东巴传统美术的艺术特色与现代工艺品的设计相结合的方式可通过：（1）华，保精髓。纳西东巴传统美术主要记录了东巴祭师在祭祀活动中装扮成各种各样神佛人物、东巴神话传说、妖魔鬼怪的形象等。寥寥数笔就将人、物、形等形态跃然纸上，生动自然，从侧面反映了纳西东巴对图画的理解和对画面的处理能力。在现代的工艺品设计中，吸取其精华，将东巴绘画中的形的绘制形完整的表现在现代的民族工艺品设计中，或者对其形中完美的部分进行保留，对其不太完美的形或进行修改或重新设计。又如纳西族建筑上的悬鱼板图案以富有吉祥和镇宅寓意的鱼、双鱼、莲花、八卦，或精雕细刻、或抽象的概括出图案形态，上有镂空、浮雕、线刻等形式将数个图案相连。在对其进行研究和设计时，可对其进行深入观察分析，找到合理的部分，如利用它的制作工艺，利用它的完整图形等，华，保精髓。（2）用现代的设计方法进行再设计。东巴传统美术有着不可替代的历史文化意义，需要用现代的设计思维来重新审视这一古老文化。纳西东巴传统美术，由图案、纹样、造型、色彩、材质、制作工艺等造型要素所构成。形上：对其用现代的设计技巧技法、以现代的设计审美观念，从纳西东巴传统美术中提取形的要素，结合现代的构成手法手段，如：打散重构、变形、置换、切割、变异等方法。对丽江传统美术中提取的形的再设计再创造，这种再设计是在对形理解的基础上，取其“形”而传其意。应用的步骤为：以传统图形为起点，通过联想寻找素材，引发想象产生新形，把相关形象加以提炼、分解、解构、重新组合，从而产生新的图形。色彩：吸取东巴传统美术原图形中的色彩，将其色彩应用在工艺品设计中，同时也对色彩进行现代化再设计。材质和加工工艺上可进行原传统美术中的材质，也可替换材质。总之应用现代化的手法对其进行再设计，即二次设计。形态、色彩、组合、材质、肌理表现，按照旅游工艺品的主题将这些造型元素以符合美学规律的形来呈现，这样的东巴传统美术元素能从自身的形态中传达的精神属性。（3）传统元素与现代技艺的结合：将东巴传统美术结合传统手工艺技法，开发设计出具有丽江地域特色、民族特色的旅游商品。将东巴文化引用于现代工艺设计中，它将赋予新的含义和新的生命，寻找到适合能展现东巴传统美术的工艺手段，如金属工艺、漆画工艺、毛皮革加工、木工艺及编织工艺等，将不同的东巴传统美术结合不同工艺的特点、表现技艺的不同表现手法、表现形式。设计出具审美价值和实用功能相统一的旅游工艺品。对于如何将东巴绘画中的各元素融入到自己的设计创作中，使之更为适应当前市场的消费需求，并让来丽江的旅游者在旅游过程中对丽江的特色工艺品有所了解，并产生消费欲望，并付之行动，推动丽江纳西族独特文化和民族工艺的持续发展。（4）尊重其信仰进行再设计：在对将东巴传统美术进行设计时，不能‘操刀切肉’简单式操作的，而是深层的认识、清楚的剖析。纳西传统美术中彰显民族对自然敬畏和欣赏，在民族心目中，崇尚生命本体、歌颂人的群体力量。如：丽江东巴祭祀时，在神坛挂有大鹏食蛇的神轴幛，这是纳西族信仰崇拜的神轴图形。如纳西族的“七星披肩”，源于日、月、星、辰的崇拜或是青蛙图腾崇拜。纳西族在色彩运用方面，具有强烈的阴阳、善恶观，如黑白二色，白色代表正义与善良，黑色相反。在对图形和色彩进行再设计时，应该注意尊重本民族的风俗、习惯。尊重本民族的信仰为前提，尊重其民族禁忌。站在从对将东巴传统美术传承与保护的角度，设计师应有这样的责任和义务。
2.3 相互促进，和谐共生
以纳西族的审美意蕴为途径、以旅游工艺品的功能性设计为途径。将东巴传统美术引用于现代旅游工艺品设计中，它将被赋予新的含义和新的生命，将其与丽江兴盛的旅游市场进行结合，这是对东巴文化的延伸与发展。东巴传统美术现代旅游工艺品设计提供设计源泉，提供设计思路，同时文化能提升旅游工艺品设计的内涵，为工艺品设计带来文化附加值，将东巴传统美术引用于现代旅游工艺品设计中也是旅游工艺品设计行业走民族化、时尚化、个性化道路一次探索。
3 结语
旅游工艺品设计来源于生活，来源于文化。东巴传统绘画有着丰富的内容，我们对它的研究不应仅仅停留在祭祀仪式的整理、经文的翻译等方面，应更注重对其现代实际价值的挖掘。以期开发设计更多更好的适应游客需求的旅游商品，使其对活跃丽江的旅游商品市场、促进旅游经济发展、塑造丽江的良好形象都起到积极的作用。
参考文献：
关键词：数字化学习;研究性学习;数字网络化;计算机数字技术
中图分类号：J124-4 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）11-0170-01
现今世界正被计算机数字技术和新媒体艺术代表的信息科技所改变，传统的美术教学形式也正受到这种信息科技的冲击和挑战，故此美术教学自身正发生着无声变革，教育者们正努力探索数字化时代内美术教学实现其技术与美育契合的可能，这些变革的实施正改变着今后传统美术教学的生存空间，更是变着美术教育的思维方式和学习方式。
一、计算机数字化学习的内涵
教育界论坛给出数字化学习的学习类型，指明在计算机数字化的学习环境中，学习者借助数字化资源，运用计算机数字化的学习方式开展学习。计算机数字化学习包含如下观点：计算机数字化学习的基本要素包括：数字环境、数字资源、数字方式。
计算机数字化学习模式给予计算机辅助美术教学很大的理论支持，过去对数字化技术在教学中仅仅是单纯呈现，忽视了技术与课程的有效整合，如今，教育者更多地认知计算机数字化学习的基本要素、重要特点、核心价值、技术特点和学习模式，这为提高学习者的美术学习成绩起到至关重要的作用，为探索基于计算机辅助美术教学的研究性学习具有指导作用。
二、研究性学习的含义
目前，国内教育者对研究性学习的教育理论有很多观点和解读，这些各异的观点和解读是由于教育者所处在不同的角度和立场而发出的。华东师范大学霍益萍教授对研究性学习给与了布角全面的解读，提出研究性学习的广义和狭义两个层面的界定：广义的研究性学习“泛指学习者主动探究的学习活动，是一种学习的理念、策略和方法，适用于学习者对所有学科的学习”;狭义的研究性学习是“作为一门独立的课程，指在教学过程中以问题为载体，创设一种类似科学研究的情境和途径，让学习者通过自己收集、分析和处理信息来实际感受和体验知识的生产过程，进而了解社会、学会学习，培养分析问题、解决问题的能力和创新能力”。
国内外对研究性学习的解读虽有着不同的观点，但究其对培养学习者提高学习能力，探索未知事物有着共同的特性，主要都重视发挥学习者的主导性和团队协助行;重视培养学习者对知识信息的探究素养;重视培养学习者获知的严谨态度和科学研究的方法;重视培养学习者的创新意识和实践技能;依靠教育者的指导辅助作用。研究性学习是教育者指导辅助学习者，由学习者主导探索未知事物，通过其对问题的观察思考、数据择控、数据分析、结果猜测、后续探究等过程，解决问题最终得出结论和报告等。
三、计算机辅助美术教学的研究性学习的含义
基于计算机辅助美术教学的研究性学习是计算机数字技术与美术艺术研究性学习的整合，是计算机数字技术支持下的美术教学课题的学习研究，是发挥计算机数字技术的开放自由、互动自如、信息广阔、异步相通等优势，输送研究性学习的研学思想理念，建立符合艺术特点的自主探究、协作学习、个性化学习等专业学习方式。
计算机辅助美术教学的研究性学习具有以下一些鲜明的特点。
（一）学习者具有开放的学习空间。基于计算机辅助技术优势的研究性学习，使得学习者无现实空间和时间的局限，计算机数字环境下的虚拟空间给予学习者无以伦比的开放特性。
（二）学习者具有数字网络化的学习过程。学习者更多的学习内容、资料来自于计算机数字网络;学习结果和成绩可网络交流、资源共享;学习结果运用数字网络平台与世界同步，并随之全球。
（三）学习者借助计算机数字技术特性开展多样化学习方式。在计算机辅助美术教学的研究性学习中，设计美术课题的学习情景是多种多样的，可以是计算机数字网络平台上开展，也能是计算机单机条件下开展，更可能是兼顾计算机数字网络及数字单机共享条件下开展。
四、总结
在当今数字化科技浪潮的影响下，基于计算机辅助美术教学的研究性学习更像是在现代教育教学理论的指导下，以网络技术和多媒体技术为支持，旨在培养学习者创新精神、主动探究意识和运用信息技术进行实践的能力，促进学习者发展的新型的教学模式，这种模式是现代乃至今后的美术教学的发展趋势。
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（一）双因素理论的含义
双因素理论是基于需求的激励理论，该理论认为影响人们行为的因素主要有保健因素和激励因素。保健因素是属于工作环境或工作关系方面的因素，如组织的政策、人际关系、工作条件等。激励因素是指与人们的满意情绪有关的因素，是属于工作本身或工作内容方面的，如工作机会、工作愉，工作成就感，对未来发展的期望等，激励因素真正提高人的工作积极性，产生激励作用的因素。
（二）双因素理论的积极作用
该理论把实际上指出了激发人的活动的因素分为内部力量和外部条件，是对马斯洛的需要层次论的重大发展。这一发现提醒管理者不要期望只通过外在激励（来自保健因素）激励员工，必须重视内在激励。
（三）双因素理论的缺陷
该理论缺陷产生于调查研究本身的设计及研究样本数量的局限性。一些实践中证明，高度的工作满足不一定就产生高度的激励，甚至许多行为科学家认为，不论是有关环境的因素或工作内容的因素，都可能产生激励作用，而不仅是使员工感到满足，这取决于环境和员工心理方面的许多条件。但是，研究表明，对某些人来说，保健因素确实也起激励作用。因此，赫兹伯格对双因素及其职能的划分过于绝对，实际上保健因素和激励因素、外部因素和内部因素都不是绝对的，它们相互联系并可以相互转化。
二、 激励的涵义
美国管理学家贝雷尔森（Berelson）和斯坦尼尔（Steiner）认为激励是“一切内心要争取的条件、希望、愿望、动力都构成了对人的激励。――它是人类活动的一种内心状态。”指出人的一切行动都是由某种动机引起的，动机是一种精神状态，它对人的行动起激发、推动、加强的作用。在管理中，激励指调动和发挥人的工作积极性的过程。在心理学中，激励指激发人的行为动机的过程。在人力资源开发中的激励主要指通过采取一定的政策和措施，调动员工努力工作、爱岗敬业、提升个人绩效、实现自我价值，并最终促进组织发展和绩效提升的过程。
三、 影响高校教师激励的因素
根据有关调查，高校教师各项需求程度从高到低依次为：人文关怀或个性化服务、个人发展机会、尊重和认可、信息共享和学术交流、工作环境、个性张扬和创新、权利。高校教师未满足的需求排行从高到低依次是：高薪酬、高福利、更多个人发展机会、舒适和谐的工作环境、更多的尊重和认可、更高的成就、信息共享和学术交流、个性张扬和创新、更多的权力及其他。
四、艺术类高校专业教师特点
（一）艺术专业教师获取金钱的能力较强。由于专业的特点，艺术专业教师通过个人授课、艺术培训等市场化手段，往往获得远高于学校支付的工资薪酬，因此仅靠工资福利奖金奖励等单纯物质手段，很难持续激励教师全身心地投入学校的事业发展。
（二）专业水平与其职称并不完全等同。艺术专业教师由于职称的评定受到论文、英语与计算机等条件限制，虽然现在职称评定逐步放开了职称英语与计算机条件的规定，但是低职称的艺术人才依然在专业圈内占有一定的数量，并且在业内具有较高的认可度，因此无法完全用职称来激励高水平但是较低职称人员。
（三）不同专业、不同阶段的艺术人才的需求与追求不同。首先，不同专业的艺术人才评价标准并不相同。艺术门类中的音乐、舞蹈、美术、设计等专业评价标准就有较大差异，同一专业类别中理论专业和实践专业的评价标准也大不相同。如果采取统一的激励手段，很难对所有教师起到应有的效果。其次，不同发展阶段的艺术专业教师不尽相同。对于处于专业发展初期的艺术人才来说，工资、福利待遇和工作乐趣对他们具有较大的激励作用；对于处于上升期的艺术人才来说，受认可程度和发展机遇则能发挥更大的激励作用；对于处于成熟期的艺术人才来说，责任感和成就感将产生较大影响。艺术专业教师自主意识较强，倾向于在宽松的、高度自主的环境中工作。创作成果及教学效果不易直接测量和评价，过程难以监督控制。此外，艺术人才的成长有一定的周期性，短期内不易看到专业创作和教学培养的成果。因此，考评绩效标准应适当分层分类制定。
五、基于双因素理论的艺术高校教师激励的策略选择
（一）正确处理保健因素与激励因素的关系。不应忽视保健因素，但又不能过分地注重于改善保健因素。双因素理论指出，满足员工保健因素，只能防止反激励，并没有构成激励。赫兹伯格通过研究还发现，保健因素的作用是一条递减曲线。当员工的工资、奖金等报酬达到某种满意程度后，其作用就会下降，过了饱和点，还会适得其反。
（二）建立健全激励机制。在激励机制的建立和运用中，要把握好物质激励与精神激励，内在激励与外在激励，正激励与负激励，公平激励与倾斜激励，整体激励与局部激励，统一激励与个性激励等几项关系。
双因素理论实际上说明了对员工的激励可分为外在激励和内在激励，外在激励是指外部的奖酬或在工作以外获得的满足，如工资福利等。而人除了物质需要以外，还有精神需要，工作本身对员工的激励是较为持久而高效的。
重视激励的发展性和全程性。高校教师的短期需求大多为薪酬、奖励和晋升，这些都直接关系到教师的工作积极性，长期需求一般立足在个人未来发展和成就。
实行针对性激励，重视个人需求和集体需求。如教授等高收入阶层，应注重为他们营造良好的工作氛围和宽松的学术文化环境；对于一般青年讲师、助教，注重提高他们的物质待遇，提供更多的个人发展机会。重视个人科研创作教育的需求，同时给予集体项目解决经费、教学设施、实验设备、图书资源等工作协作要求的集体需求。对有突出表现的个人给予重大奖励，个人贡献较平均的给予集体奖励和荣誉。
（三）建立公平的薪酬制度。一是要重视薪酬分配的绩效公平，提高教师的内部公平感和满意感。设计与以岗位责任大小、承担工作量、教师贡献、业绩与津贴、奖金基本对称的薪酬制度，并建立稳定的工资增长机制，保证教师个人薪酬呈阶梯增长趋势，提高教师的自我公平感和满意感。薪酬制度要满足教师的内部公平感，适当向教学科研一线和青年教师制度倾斜。不能搞平均主义，但在体现职称、职务等级差别的同时，又要保证差距不要过分“悬殊”。二是保证教师薪酬的外部公平感。及时了解比较高校所在地区的平均薪酬水平和其他同类、相近行业知识工作者的平均薪酬水平，提高高校教师薪酬，保证薪酬标准在本地区平均值之上。可探索建立弹利制度，除规定的一些福利措施外，提供一些灵活项目供教师选择，并作定期修订。
（四）完善职称聘用、目标考评等激励方式。所以高校管理者在面对高校教师这一类高素质的群体时要满足不同教师对奖酬内容的不同需要，要教师自己来选择适合自己的奖酬内容。除了经济诱因之外，高校管理者还必须把提供挑战性的工作、个人的发展和成长，组织的认可、职务（职称）的晋升、给予荣誉称号、树立典型等作为一些非经济性的重要诱导因素。这些诱导因素产生的激励效果更强大，更持久，因而在为高校教师设置奖酬资源时，更要重视这些非经济性的诱导因素。
制定岗位、职称等聘任合同要包括以下几个内容：聘任合同期限、岗位及职责要求、岗位纪律、岗位工作条件、工资待遇、聘任合同变更和终止的条件、违反合同的责任。对双方的责、权、利要有明确的规定，教师要履行与岗位相应的责任，这样才能使学校对教师的管理明确而有效，也防止双方在终止合同时有不必要的纷争。
完善考核目标评价体系。要依据各岗位职责要求来制定具体相应的岗位考核指标体系。在具体操作时要简便易行，要使操作一目了然。在实行操作时要严格操作程序，做到公正有序，认真核实证明材料，实事求是提出评价意见，增加考核的透明度，保证考核结果的公平、公正。
（五）优化环境，构建良好的激励氛围。努力改善校园条件，为其构建安静舒适的办公环境、营造沟通协调的人际关系环境，加强知识分享和交流，从而提升学术水平、增强竞争力，把教学科研设施建设纳入学科建设的总体规划，为教师创设一个良好的教学科研创作环境。
建立领导和教师互动交流的沟通平台，通过电子邮件、书面信件、单独交流或座谈等方式与教师进行沟通，了解情况，听取意见建议，改进措施，加深联系和交流，营造一种互相信任、互相关心、互相体谅、互相帮助的友好氛围。
高校教师是一个特殊的知识群体，他们有非常强的自我管理能力，也有非常强的参与管理的需要。让高校教师参与学校民主管理，使高校教师在思想上和行动上有为学校发展事务做决定和处理的亲身感受，可以使教师树立强烈的认同感和责任感，既可以充分保证他们行使民主的权利，又有利于实现学校的管理目标，做出更好的决定，同时促进学校组织成员的成长和发展。
（六）思想上积极引导。基于高校教师需求的激励必须以了解和把握教师需求为前提，采取物质精神与精神激励并重等多种激励方法，不应偏颇，积极引导教师需求合理化，通过座谈会、报告、讲座、个人交谈和宣传等方式加强宣传教育，增强教师社会责任感，满足教师合理需求，充分调动教师工作积极性，引导他们做“四有”好老师。
[参考文献]
[1]彭娟，基于高校教师需求的激励研究，教育经济与管理专业，湖南大学硕士学位论文，2007.5.
[2]张敏，激励教师专业发展的校本途径研究，教育管理专业，上海师范大学硕士学位论文，2007.5.
[3]赵德成，绩效工资如何设计才能有效激励教师――基于心理学理论的分析，中国教育学刊2010.06.
[4]吴志华，艺术院校教师柔性激励机制探究，美术教育研究，2013年23期.
[5]李仰祝双因素理论在高校教师激励管理中的应用研究，河南大学硕士论文，2012.5.
[6]杨潇，双因素理论在管理激励中的优缺点，新浪博客，2011.5.
一口烟，一杯茶，诗性建筑师
当中国美术学院建筑艺术学院院长王澍教授荣获2012年普利兹克建筑奖的消息传开时，他正在美国讲学。这位获得“建筑界诺贝尔奖”的49岁建筑师，既是中国获得比项殊荣的第一人，也是全世界最年轻的获奖者之一。
王澍教授刚回国，就带着太太第一时间奔赴自己任教的中国美术学院象山校区，而这座位于杭州转塘，据称由700万块不同年代旧砖弃瓦砌成的建筑作品也是他的匠心之作。
王澍还没有倒过来时差，常常说着说着就忘了记者还问了什么问题，但他很自然地保持着耐性，努力地把每个问题都回答清楚。
王澍悠闲地吸着烟，时不时轻轻吐出几个烟圈，回答间歇抿一口茶，然后再不紧不慢地应对大家的穷追猛逼，并安慰没有插上话的记者：“不用慌，每个人都有机会。”
当然，这个会不自觉皱起眉头的中年男人，是一位建筑艺术家，总会有些独特的地方——他说话不大拐弯，透着狠劲。譬如他说，中国建筑界总是停留在开端的状态，“梁思成要是到了现在，怕是要变成王国维了”。
与王澍对话，你会发现他不只是一个建筑师，更多的是一个有情趣的诗人。
在谈到建筑的历史寻根时，他说自己很喜欢读普鲁斯特的《追忆似水年华》，然后吸口烟，开始望向窗外灰蒙蒙的小山丘：“回忆不是某个具象，而是你在院子里与朋友围炉茶话，你们之间隔了一个世纪的遥远而深邃的目光……”
王澍自称不会用电脑，也不上互联网，所以从来不会刻意去关注外界对自己评价：“我觉得不管外面刮风下雨，风起云涌，必须保持内心的平静，才能创作出美好而诗意的作品。”
一位西方记者追问王澍：“如果你不做建筑师，你会做什么?”他想都没想，毫不犹豫地回答“作家”。
“你们现代人不会理解的”
在成为2012普利兹克建筑奖获得者之前，王澍不是国内最出名的建筑师，却可能是国内最特别的建筑师之一。
从某种意义上来说，王澍的建筑是不合时宜的：非标准化、没有速度、不追求效益。他唯一一次设计商业住宅，是他花了两年时间才谈下来的“钱江时代”，那时，开发商最后下定决心：“我也理想主义一回。”
中国美院象山校区是王澍个人最大的作品，用的全部是废旧砖瓦，整个校园像个迷宫一样，找不到出口。
“教室太暗了，岂不是会违背建筑的功能性?”
“那为什么不到走廊上上课呢?走廊我设计得很宽。为什么不到院子里上课呢?爬到屋顶也可以，或者像释迦牟尼佛陀一样坐在树下讲课。”王澍回答。
“刚入校的新生找不到教室的门。”
“找不到门，不是一件很有趣的事吗?”王澍的思维不是一般人能够理解。
特立独行并不仅仅在此时，年少时的王澍已然是东南大学校园里有名的“愤青”。毕业十年后的校庆典礼上，系里一位青年教师碰见他，还忍不住提起旧话：“每次你从走廊走过来，我们都感觉你不是一个人走过来，而是一把刀走过来，那把刀是带着寒风的，大家会不自觉地避开。”
上到大二，他便公开向老师们宣布没有人可以教他了；大三的时候，他翻烂了康德的《未来形而上学导论》，能背出《世说新语》；24岁那年，他写出长文《当代中国建筑学的危机》，从梁思成一路批到自己的导师：他在硕士论文答辩会上宣称“中国就一个半建筑师，我算一个，我的导师齐康算半个”。论文答辩全票通过，王澍却最终没能拿到学位证书。
“我觉得我生在17世纪，我每天与李渔见面对话，在迷宫一样的建筑里寻找出口是我们那个年代的乐趣，你们现代人是不会理解的。”凭着对中国传统文化在建筑中的高超表达，以及对不同建筑材料组合的巧妙把握，王澍的作品有着一种独特的中国文化象征性和延续性。当大家拼命赚钱的时候，他说自己“花了六七年的时间来反省”。
“中国有那么深厚的文化，而现在到处在拆古老的建筑，当年那些有尊严的材料，如今像垃圾一样被丢弃，所以我们要用智慧的方式让它们复活。”
这个观点，也是他得奖的一大原因，评委会主席帕伦博勋爵评价道：“中国当今的城市化进程，正在引发一场关于建筑应当基于传统还是面向未来的讨论。正如所有伟大的建筑一样，王澍的作品能够超越争论，并演化成扎根于其历史背景永不过时甚至具世界性的建筑。”
孤独地“寻找”中国
被哈佛大学研究生院聘为“丹下健三”荣誉讲席教授的王澍，在一场讲座中回顾自己当年的心路：“对于我，上海不是中国，我回杭州，就是回中国。”让他失落和痛心的是，作为美丽城市样本的杭州，如今建筑密度已向香港看齐；中国想要成为美国，国土上近80％的传统建筑已经消失。
在寻找自己心中“中国”的路上，王澍赢得了世界的敬意。如果说，以杭州为代表的乡土中国里蕴涵了保罗·里柯所说的两种可能——“我们处在一条隧道中，一头是古老文明教条主义的黄昏，另一头是参与普世文明对话的拂晓”。王澍大概走通了这条隧道，只是很长一段时间里，他几乎踽踽独行。
