时间：2022-12-20 22:52:24
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇美学分析论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
一、中国古典舞蹈“气韵”之美体现了丰富的中国文化
“气韵”一词最早产生于南齐的谢赫用以论画，明代胡应麟则以诗论，直至清代王士祯籍以提出“神韵说”。可见“气韵”已成为中国古代普遍适用于鉴别绘画；书法等艺术门类的一个美学概念。唐代诗人杜甫在《观公孙大娘弟子舞剑器行》一诗中用“气韵”论舞，一句“来如雷霆收震怒，罢如江海凝青光。”②可窥见剑舞所展现裂石惊云般的“气”，从“来”与“罢”中不难体味到那股游刃有余的“韵”。至今留存在中国古典舞蹈中的“云手”“射雁”等舞姿动势，仍然如行云流水，延绵不绝，如“云手”，它通过“穿手”“划圆”“提腕”“亮相”这个舞姿动作造型，“穿手”为“气”，“划圆”为“韵”，柔中有刚，刚中有柔，紧张与松弛中的高度统一，从内容和形式看，它饱含中国传统文化艺术“气韵”的特点，这和中国传统绘画、书法中“意到笔不到”的内在含蓄性有相同意义。从杜诗中“一舞剑气动四方”③所造出的“气韵”就曾令唐代书法大师张旭“灵犀顿通，草书大进”。张旭受公孙大娘的剑舞气势感动，于是飒然风起，所书写的草书“气韵”十足，字字“传神”。“‘韵’是传神的写照，‘气’的涵义又超出传神的写照。”④它印证了中国绘画、书法与中国古典舞蹈“气韵”的表现手法有异曲同工之妙。可见中国传统文化对中国艺术的渗透无处不在，处处再现着“气韵”为上的美学要旨。
也有人说：中国古典舞蹈就像在“打太极”。无论站在专业或业余的角度，他无意却真实地道出了几千年中国传统文化的艺术底蕴——“气”和“韵”与舞蹈的关系。“太极文化作为传统文化《周易》的分支，具有独特的思维方式和理论体系，从舞蹈文化的‘气韵’所涉及的艺术学、生理学和力学等方面窥视和探索太极文化相比较，实难分出类型。”⑤在中国武术的“太极拳”中体现“气韵”的“沾粘劲儿”，也正是中国古典舞蹈借鉴和利用这一传统文化并运用“圆”和“曲”身段律动的“劲儿”体现其舞蹈“气韵”核心内容。在舞蹈中它又区别于太极并具有自己独特的文化体系和气韵方式。如中国古典舞蹈中“身段”称为“身韵”，一些最基本的要求如“头正身侧，身正头侧”，转身中的“身过留头，头过身留”；又如“拉山膀”“云手”“晃手”等，此外，它也体现在一些程式化层面的舞姿造型上；再如“射雁”“顺风旗”“大鹏展翅”等。它们均生动地传达出一种“气韵”之美，通过动静、虚实的对比和流畅的舞姿传情达意。这些招式及造型的完成，最终的要求是赋予舞蹈其“气韵”结合之“劲儿”，而这些又是“太极拳”无法表现的。可见“气韵”之美，为中国舞蹈“情有独钟”，是中国古典舞蹈的生命之源，这种自身文化的特质显现出民族的智慧之光，并具有相当久远的历史渊源和深睿的思想内涵。
二、中国古典舞蹈“气韵”之美展现了圆融的审美特征
气韵是指艺术创作中内容和形式高度完美的统一，引导我们得以就中国古典舞蹈的“气韵”之美进行判断和分析。倘若说，在中国古典舞蹈中的“气”还停留在一种内在精神的美的阶段，包括自然美和社会美的成分，那么，“韵”则是一种将其以某些程式套子加以外化的过程而达到艺术美，古人说“尽善尽美”，此中受制于中国传统审美心理的“气”与由之派生的具有中国气派的“韵”就自然、完美地结合在一起了。中国古典舞蹈所言之“气”，受“无平不陂，无往不复”⑥等传统观念的影响，有周而复始的运行轨迹。因而，中国古典舞蹈的节奏、韵律及舞姿造型，都趋于“圆融”。这种审美特征，从留存于戏剧中的程式套子里很容易发现。如程式化舞蹈动作“趟马”“水袖”“甩发”“扇子”“手绢”“长绸”等，这种“神形兼备”‘内外合一”无一例外地体现出中国古典舞蹈“气韵”之美的“圆融”的特征。尤其是戏剧中的跟头，更可谓是中国古典舞蹈之精华，从它的起势到收势，无处不见气韵周行的内在意念和流畅圆融的外部技巧的完美结合。如其中的挂翻跟头，在“收腿蛮子”至“踺子小翻”等连接技巧完成过程中，既强调自始至终的“提气”，也注重全套动作一气呵成，在跳翻腾挪之际，展现的是一种闪串飘顿，连续不断的气派韵致，以“刚柔并济”“以身为本”“一动俱动”反映出的气韵“圆融”之美，具有强烈的艺术感染力。再如：“射雁”“顺风旗”“大鹏展翅”等造型上，运用了“拧”“圆”“曲”结合“气”和“韵”的律动特点，在律动中那种张弛、起伏、和谐、含蓄的动作表象，展现了“动静互补”“以意为神”“内外合一”“兼含并蓄”典型的气韵“圆融”的审美特征。
三、中国古典舞蹈“气韵”之美造就了典型的舞蹈精髓
笔者认为，中国古典舞蹈“气韵”之美所展示的“圆融”，是以深刻的文化背景为依托。它是中国古典舞蹈区别于其他舞种的唯一特点，它之所以成为独具特点的古典舞蹈，正是它具有“气韵”之美这一舞蹈律动的精髓。其成因归根结底源自中华民族朴素的唯物自然观，它表现了一种表里如一的观念。正如美学家蒋孔阳先生所言“中国古典艺术的价值是由它在何种程度上表现了人的境界和表现了什么样的精神境界来决定的。”中国古典舞蹈以这一精髓并生动默契地连接起节奏、表情、构图三大要素，充分表现了中国人借“尽意”之舞，言乐观向上之情的精神境界。这种美学观较西方美学，更为深刻地触到了艺术的本质。美国舞蹈家多里丝．韩芙莉说“舞姿是基于人们长期运用而形成的动作程式。”⑦中国古典舞蹈之所以保留并沿用了千百年的众多舞姿，其原因就是这里面有着中华古朴的人文精髓的传承，同时也有着中华民族的气派和精神，更加展现了“气韵”之美的特性，它为中国舞蹈创新与发展提供了美学的智慧。正如清初画家石涛所说“天地以生气成之，画以笔墨取之，必得以笔墨之生气与天地之生气合并而出。”⑧
我国民族民间舞蹈以载歌载舞、歌舞相间为主要动作特征；而芭蕾舞则是以“外开”“伸展”和足尖技巧为动作特点；中国古典舞蹈是动静结合、刚柔相济，动作讲究“精、气、神”。这种“精、气、神”，就是“气”和“韵”的结合体，“气”是“韵”的生命信息，“韵”是“气”的外在表现，是“气”之“韵”。“气”偏于艺术的内容，“韵”则重于艺术的形式，二者是不可分割而客观存留在舞蹈画面上的。因此，中国古典舞蹈之“气韵”是舞蹈的精髓，它是可以被感知的一种区别于其他舞种的典型标志。
四、中国古典舞蹈“气韵”之美影响了世界舞蹈的发展
中国古典舞蹈发展至今，是历史的产物，又是现代的产物，内有现代化发展的内涵，外有借鉴创新的趋势，运用自身形成的优势和特色再去影响世界舞蹈文化发展潮流，这是舞蹈发展的必然。如韩国舞蹈在深受汉文化的影响下，也十分讲究“圆、曲”的动作形态。如：“围手”“绕腕手”等动作构成，“气韵”运用已成为韩国舞蹈动作的核心。再者，形成于20世纪20年代的西方现代舞各流派，他们为了解放演员的手脚，打破芭蕾舞那种束缚演员的个性、程式化的动作和机械技艺的表演方式，寻找能表达外部世界给内心带来感受的舞蹈语言，他们把目光也投向了中国，为中国古典舞蹈的“气韵”之美营造出迷人的艺术氛围而欣喜，并且仿效。他们认为在现代舞蹈中贯穿于“气韵”身段，易于把握和演绎作品，能够充分地发挥演员的情感表达。无论中国舞蹈还是韩国舞蹈或者西方现代舞蹈，要生存，要发展，必须走创新之路，形成具有本民族、本地方艺术特色而立足于本国、面向世界的精品。中国古典舞蹈“气韵”的形成，它印证了“取天地之生气合并而出⑨”的永恒哲学理念。超级秘书网
笔者认为，中国古典舞蹈的“气韵”之美，是探究本门艺术价值的重要标尺，它是统帅形式的关键因素，又是作品内在的生命本原。笔者相信，在立足本国文化的基础上，中国古典舞蹈将会以新的理念而不断创新发展，完全可以在不远的将来代表世界舞蹈文化发展的主流，将对世界舞蹈的创新做出一定的贡献。
注释：
①于平．中外舞蹈思想概论[M]．人民音乐出版社2002．
②③杜甫．唐诗选注[M]．北京出版社．1980，237
④叶朗．中国美学史大纲[M]．上海．上海人民出版社1999．
⑤摘自向开明、严德善．太极气韵与朝鲜(韩)舞蹈韵律[J]．北京．舞蹈2002，(8)
⑥周易、韩泰．中国古代舞蹈史纲[M]．北京．北京舞蹈学院
【论文摘要】：罗伯特·舒曼在失去了成为一名钢琴家的机会之后，他并没有因此而放弃音乐，更没有因此而影响他对音乐的贡献。音乐美学是一门古老而又年轻的学科，是美学与音乐学相结合的一门交叉学科，是具有哲学性质的音乐基础理论学科。舒曼则主张"感情论"具有特定的美学内容，带有浪漫主义思潮的深刻烙印。
音乐是一种善于表现人对现实生活的心理感受，尤其是情感态度的艺术。19世纪音乐艺术在浪漫注意思潮的影响下进入了“情感美学”，这个时代由崇尚理性转向崇尚情感。舒曼以一句格言概括了这个时代的普遍心理：“理智有时会错误——感情却不会错误”。
一、音乐美的特殊规律—音乐美学
“科学意义上的美学和音乐学，是随着近代人文及社会科学的发展，在18世纪下半叶才开始出现的，而作为它们下属分支的音乐美学这门学科的建立当然是在此之后。”音乐美学是一门古老而又年轻的学科，是美学与音乐学相结合的一门交叉学科，是具有哲学性质的音乐基础理论学科。1750年，德国的哲学家亚历山大·鲍姆加敦出版了以“美学”为名的美学专著第一卷，这是他首次以“美学”为名出版的具有划时代意义的书。1784年，德国音乐学者丹尼儿·舒巴尔特首次将“音乐”和“美学”这两个概念结合起来，自此产生了“音乐美学”这个术语。
自从音乐美学这个学科被独立起来，由于人们对此的认识角度和研究角度不同，出现了各种各样的观点。虽然人们各执一端，但是这些研究成果都从各个角度丰富了关于音乐美学的理论，为我们能够更好的认识音乐美学提供了重要的基石。在西德摩塞尔的《音乐百科词典》中这样表述过音乐美学这门学科的属性：“音乐美学是一般美学的一个部分……可以按其来源，将音乐美学分为主要两派：哲学家的音乐米学，他们从中的思索出发，也探求音乐；音乐家的音乐美学，他们从他们的音乐出发，力图达到一个总的思索—这是由于本身不同的立场区别所形成的结果……”而日本的神保常彦在《标准音乐词典》里又曾这样表述过音乐美学的属性：“音乐美学，作为关于音乐的美学方面的研究，与一般美学相对而言，可以算是一种特殊的美学。另一方面，当人们把音乐学按体系和历史进行划分时，则又可以将音乐美学看做是按体系划分的音乐学中的美学部门。”虽然上述的对音乐美学的解释不尽相同，但对属性的认识却是一致的，强调了它作为音乐艺术的特殊性。
音乐美学涉及的内容也相当的广泛，主要有三大体系：音乐美的本体、音乐的审美经验和音乐美的价值，音乐美学与哲学、音乐学、心理学、社会学、人类学、教育学都有着密切的关系。音乐美学的研究方法有很多，哲学的思辩方法是音乐美学的基本研究方法，而心理学、社会学以及形态分析学的研究方法对于音乐美学研究则具有重要的借鉴意义。“音乐美学是美学的一个分支，同时又是音乐学的一个组成部分，它是从美学的角度来研究音乐的本质、音乐的构成、音乐的创造、音乐的鉴赏、音乐的价值的一般规律的。”
二、音乐美学中的“感情论”
在西方十九世纪以前的漫长发展的历史过程中，关于音乐美学的探讨大多是在哲学的领域中进行的，从十九世纪起，发生了明显的变化，音乐美学领域被哲学家独占的时代结束了，音乐家开始进入这个领域，而德国的音乐家舒曼是勇敢地进入这个领域的先行者。
情感论音乐美学作为欧洲一种源远流长的音乐美学流派，成为十九世纪最主要的音乐美学思潮。情感作为音乐的内容，决定了在音乐中的重要地位，舒曼就将情感论音乐美学的取向表达的非常鲜明，他说：“只能够发出空洞的音响，而没有适当的手段来表达内心情感的艺术乃是渺小的艺术。”在西方的音乐美学史中称舒曼是个“感情论”者。因为在舒曼大量的音乐评论文章里都贯穿着“音乐是感情的表现”这样的一个观念。舒曼身为浪漫主义时期的一位音乐家，常常把现实同幻想对立起来，在艺术中为自己创造一个幻想的世界，用以抒发自己的感情，在幻想的世界里寻找精神上的寄托和感情上的慰籍。用舒曼自己的话说就是：在艺术的幻想中寻找现实的幻想的代替物。在舒曼强调的感情表现及其所具有的幻想因素之中，有很强烈的主观性。“这不仅表现在他的音乐别注重个人内心生活和感情世界的发掘，而且更体现在题材本身常常同他个人的生活经历和感情体验有直接的关系。爱情往往在这种经历和体验中占有特殊的位置。”舒曼的声乐套曲《妇女爱情与生活》是他艺术歌曲中的重要作品，其情感论音乐美学特征是显而易见的。音乐与诗歌相结合的审美取向。舒曼的艺术歌曲大多是以德国浪漫主义诗人的诗作为歌词的。舒曼将音乐与这些诗歌结合的天衣无缝。正如很多人描述的：“这些歌曲的音乐与诗歌的结合达到了水融的程度。他对诗词的敏捷而直接的洞察力，使他的歌曲形式富于变化、表情亲切，旋律热情而富表现力。”“也许由于舒曼有着更高深的文学修养，他在歌词选择方面非常注重诗歌本身的艺术性，他希望通过音乐的手段，使诗歌焕发出了更加动人的诗意情趣来。”《妇女爱情与生活》这部声乐套曲体现了浪漫主义时期注重音乐情感内容并将音乐情感作为音乐审美的美学观。19世纪是各种音乐体裁极大发展的一个世纪。“舒曼的‘感情论’美学是在德国浪漫主义思潮影响下的产物，它在很大程度上同这个思潮有血缘关系。然而，可贵的是舒曼的美学思想并没有完全被浪漫主义所束缚和被它所俘虏。舒曼不但在许多方面克服了浪漫主义的某些消极因素，而且还能有所突破，同新的文艺潮流相接近。”
三、舒曼认为的音乐
“在舒曼看来，一部有价值的音乐作品必须是高尚的思想感情内容同独创的艺术形式的结合。”那到底音乐应该发挥什么样的社会作用，什么样的音乐才是好的音乐呢？舒曼坚持认为“音乐决不是供人娱乐，供人在茶余饭后消遣解闷的东西。它必须是一种更高尚的东西。更高尚的东西是什么呢？用舒曼的话来说就是能”照明人类心灵的深处”的东西，能提高德国人的思想”，能像贝多芬的音乐那样以“伟大的思想启导我们国家”的东西。这正是舒曼对于音乐的社会作用的理解和要求。无非是要求音乐应该具有真正能触动人们内心感情的、具有高度思想性的内容。对于艺术形式的要求，舒曼指出：“艺术家必须上升到卓越的精神高度，把掌握技术性普遍知识不当作目的，而只是当作一种必须具有的手段。”
舒曼之所以对音乐有他自己独特的见解，在他的创作里有很多让人难懂的东西，甚至他的一系列关于音乐的评论都那么生动泼辣、尖锐犀利。问题大概就在于他的性格，他是那样一个自由而孤独的人，他的所有音乐创作都是来自与灵魂的创作，他的音乐美学包含着明显的唯物主义因素。社会在向前发展，人们对音乐艺术的认识也在不断的深化、改变，然而，舒曼对于音乐的高度思想性艺术性的要求，对于我们以后研究音乐美学还是具有很现实的历史价值的。
参考文献
[1]帝姆·道雷.《舒曼》,江苏人民出版社,1999.
[2]李斯特.《李斯特论肖邦和舒曼》,音乐出版社.1962.
[3]张前.《音乐美学教程》,上海音乐出版社,2002.
关键词：平行研究；可比性；总体文学
平行研究的可比性问题，是比较文学理论和实践中的一个不可规避的重要问题，也是比较文学学科受到质疑的一个关键问题。因为如果望文生义，可以对一切“没有事实关系的跨文化的文学现象”进行比较，也就是具有“无限可比性”，那它就“堕入漫无边际的、为比较而比较的滥比，那就失去了它本身的质的规定性，也就取消了自身存在的合理性”{1}。
的确，“平行研究”与“影响研究”相对应，标志了美国学派不同于法国学派的理论主张和方法论，这一术语突出了美国学派对法国学派只注重“文学遗传”的外部事实关系研究的反拨，有相当的合理性和鲜明性。然而，“平行研究”这一方法论的提出有具体的话语语境，它有相当丰富的外在表现和实质内涵，绝不是“没有事实关系”可以一言以蔽之的。对“平行研究”这一比较文学学科基本概念的梳理、廓清和重新认识，可以使我们对平行研究的可比性问题有深刻的认识，并切实指导我们的研究实践，避免“乱比瞎比”、“浅层比附”等现象的发生。
那么，“平行研究”这一术语是何人、何时、在什么样的情境下提出来的呢·它为什么可以作为美国学派的“标志性”方法流传至今并广为人知呢·
在1958年教堂山会议上宣读的那篇讨伐法国学派的檄文《比较文学的危机》中，韦勒克虽然明确反对法国学派的“唯事实主义”、“唯科学主义”、仿照自然科学模式以因果关系来解释文学的机械主义，但并未明确提出“平行研究”方法，作者也并未重点强调没有事实联系的文学之间的“平行”研究。突出没有事实联系的文学之间的类比关系，明确提出和论证“平行”研究方法的合理性，是在紧随其后的雷马克的论文《比较文学何去何从：诊断、治疗和予后》中。该文专门考察教堂山会议中两个学派关于比较文学本质的大辩论，辟专章重点对没有事实关系的文学“类比”研究的合理性和价值进行了详细探讨。{2}后来，在60、70年代，阿尔德里奇、韦勒克等人在论著中都指出对没有任何关联的作品进行平行的类同比较的必要性。例如，1970年韦勒克在《比较文学的名称与实质》一文中指出：比较不能仅仅局限在历史上的事实联系中，比较的价值既存在于事实联系的影响研究中，也存在于毫无历史关系的语言现象或类型的平行对比中。{1}
显然，从雷马克明确提出文学之间类比研究的合理性和价值，到美国学派其他学者对平行研究方法的认同，平行研究已经是美国学派公认的方法论基础，这其中与平行研究这一术语极强的包蕴性有直接关系。该术语的提出，围绕着美国学派学者贯穿始终的核心精神和一系列理论主张，有相当丰富的具体表现和本质内涵。
一、平行研究的具体表现
众所周知，平行研究的突出表现是“无事实影响关系”。正是围绕着“无事实影响关系”这一核心话题，美国学派的学者展开和发挥了自己的论辩和理论主张。首先，针对法国学派实证性的“史学”特色，美国学派论证和辨析了“无事实影响关系的文学是否可比”这一问题，从而将文学批评引入文学史研究，构建了文学史、文学批评和文学理论“三维一体”的比较文学理论框架。这样，美国学派将文学作品的“美学性和艺术性”合法化，并在此基础上，得以从研究实践上拓展比较文学研究的视野。以“认识作品的美学价值和提供一般性解释”为目的，美国学派的平行研究实践在时空和知识谱系两个维度得到了拓展：其一，在时空上，平行研究拓展到“无事实影响关系”的不同民族、区域之间的文学研究。例如，时空相距较远的东西方文明之间的比较文学研究。其二，在精神和知识谱系上，平行研究拓展到看似“无事实影响关系”的不同知识谱系之间的研究。例如，文学与科学、心理学、历史学、哲学等其他学科的比较研究。
（一）无事实影响关系的文学是否可比·
法国学派的比较文学研究属于“文学史”的一支。雄辩而又才华横溢的韦勒克曾在《比较文学的名称与实质》中，通过分析不同历史阶段的“文学”的名称与实质，深刻地分析了法国比较文学的“史学”特色及其内在缘由。他认为脱胎于19世纪的法国比较文学，其含义是“文学进化的一般理论，即文学要经过产生、成熟、衰亡这样一个进化的过程”。因而，法国学派注重研究文学的遗传、渊源和影响等事实关系，在法国学派看来，无事实影响关系的比较文学研究超越了文学史的边界，是不可比的。这样，强调实证性、历史性的法国比较文学，就将文学的美学性明确排斥出了比较文学学科，注重文学作品内部的美学评价和分析的文学批评常常被认为是“不可靠的”、“推测的”。卡雷在那篇纲领性的《比较文学》序言中，明确指出：文学内部的美学分析（卡雷将之称为影响研究）依靠的是“不可称量的因素”，经常是“靠不住的”。
关键词：俄罗斯文学；博士生；课程设置
中图分类号：G643 文献标识码：A 文章编号：1002-4107（2014）11-0066-02
随着中俄全面战略合作伙伴关系的深入发展，俄语专业也再次成为我国高校的热门专业。目前，国内有近100所高校开设俄语专业，然而拥有俄语语言文学博士招生与培养资格的院校依然屈指可数。其中，黑龙江大学俄语语言文学专业是国家级重点学科，拥有较为完善的本、硕、博培养体系。本文以黑龙江大学俄语语言文学专业的俄罗斯文学方向博士课程设置为例探究俄罗斯文学博士培养模式。
一、立体复合的课程体系
目前，我国的高等教育是分段式的教育体制，也即分为高等专科教育、本科教育和研究生教育。研究生教育又分为硕士研究生教育和博士研究生教育。博士是最高学历，其教学目标是培养适应普通高等院校和其他各类科研机构、研究所的教学与研究岗位的专业化高层次人才。也就是说，博士学习阶段旨在夯实和提高博士生的专业理论基础、系统专深知识和科学研究方法。培养目标的实现首先与课程设置有着紧密联系。黑龙江大学俄罗斯文学方向博士生课程设置体现出全面、立体的特点。
俄罗斯文学方向博士课程主要分为必修课和选修课两大类。必修课包括俄国文艺理论原著选读、俄罗斯文学原著文本选读、白银时代作家专题研究、俄罗斯现代主义文学专题研究、俄罗斯文化专题研究、20世纪西方文论等课程。选修课包括俄国宗教哲学、洛谢夫美学理论等。
从授课语种角度看，课程设置体现了俄文授课与中文授课并重的思路。众所周知，结束本科阶段学习，进入硕士和博士阶段学习时，学生的口语能力往往呈下降趋势。出现这种现象的原因：一方面，是由于学习目标的改变，即从注重实践能力锻炼转向侧重于理论基础的积淀，另一方面，这种现象与各个学习阶段的课程设置不无关系。本科阶段的专业主干课是俄语精读，其注重培养学生的语言掌握和运用能力；硕、博阶段理论课和专题课占据主要地位，这从某种程度上减少了口语的训练，从而可能导致口语出现一定程度的退化。开设俄国文艺理论原著选读和俄罗斯文学原著文本选读这两门课有助于扭转学生口语能力下降的趋势，给学生提供掌握理论知识与锻炼口语同步进行的机会。理论原著与原文文本的阅读与研究是俄罗斯文学方向博士生区别于其他类似专业博士生的最大特点和优势，原著研习在一定程度上规避了由于翻译过程中的误译而导致的错误理解，有助于学生准确地把握理论的精髓。
从课程内容角度看，课程设置体现了专业为主，相关内容适当拓展，文学理论与文本分析并举，以及以俄为主，兼顾西方的特点。
“文学属于那类所谓简单的，或者称之为单一成分的艺术……但与此同时，文学又与那些将若干种不同的形象载体集于一身的综合（多成分的）艺术紧密关联”[1]。文学名著不仅彰显了作家对永恒命题的深沉哲思，还体现了特定历史时期的社会人文风貌，因而普希金的《叶甫盖尼・奥涅金》才被公认为“俄国社会的百科全书”[2]。换言之，文学研究不仅仅需要文学理论基础，还需要哲学、文化、宗教等方方面面的知识。文学是思想和文化的载体，对文学作品进行深度阐释必然涉及大量的文史哲知识。俄罗斯文化专题研究、俄国宗教哲学、洛谢夫美学理论等课程作为专业拓展课和选修课显然十分必要和适宜。通过这些课程的学习有助于强化学生对于俄罗斯社会文化的理解，有助于提高学生的宗教哲学和美学素养。显然，宗教哲学与美学知识又会促使文学研究进入更深的层次。
文学理论是文学研究的指导，也是文学阐释合法性的前提与依据，文本分析则是研究的实践。理论与实践是相辅相成、互为依存的关系。20世纪西方文论、俄国文艺理论原著选读、俄罗斯文学原著文本选读等课程不仅体现了文学理论与文本分析不可偏废的原则，而且兼顾了西方文学理论与俄罗斯文学理论。不可否认，新批评理论、后现代主义理论等许多文艺理论缘起于西方，其后才进入俄罗斯文学界，进而风靡全球。因此，将西方文论纳入博士生课程之中显然有助于拓展学生的理论视野，真正做到厘清文学理论的起源与流变。
从课程形式角度看，专题课与非专题课有机结合。如果说非专题课侧重于对某一领域的知识做出高屋建瓴的引导，使学生对该领域拥有总体把握，那么专题课则就单个专题进行纵向深挖、开掘。博士阶段的学习要求学生具备较强的创新能力。鉴于此，对文学思潮与代表作家的泛泛了解显然不符合博士生的培养目标，专题课有助于师生就某一专题展开较为深入的解析。同时，在各个专题准备阶段，学生必然要大量涉猎与该专题相关的文献。相关文献的收集与横向对比阅读能力可以得到充分锻炼，这些环节与论文写作过程高度重合，因而从某种意义上说它们也为课业论文和学位论文写作奠定了基础。
二、互动演练的教学模式
俄罗斯文学博士教学目标是培养能胜任高等院校和科研机构教学与研究的高层次俄语专门人才。换言之，博士的就业渠道大多为普通高等院校和科研机构，这就要求学生具备教学和科研两大基本能力。
黑龙江大学俄罗斯文学博士授课采取教学互动的模式。学生根据老师预设的教学内容进行课前准备，形成较为完善的课堂发言稿，然而在课堂上发言，最后老师点评并总结。这种授课模式的突出优势如下。
1.最大限度地调动了学生的学习积极性，课前准备环节要求学生广泛涉猎相关领域的知识，经过独立思考，写作发言稿。所有这些步骤都需要投入一定的时间和精力，都需要认认真真地准备。当结束该专题时，学生往往能收获颇丰，获得一种满足感与成就感，这种情感会进一步激发学生对于科研工作的兴趣。
2.科研能力显著提高。课前准备的发言稿究其本质而言是一个论文提纲。也就是说，准备发言稿就是加强科研意识和科研思维训练的过程，是在实践中探寻适合自身的研究方法的过程。同时，发言稿作为论文提纲可以进一步充实、完善，形成独立的小论文。目前，国内各高校的文科博士研究生必须以独立作者身份在中文核心期刊发表2-3篇学术论文才能取得论文答辩资格。准备课堂发言稿不仅为写作博士学位论文奠定基础，而且可以将小论文作为课业论文以获得该课程的学分，甚至可以将其反复修改、完善，最终成为能够发表的学术论文。
3.获得教学技能提升。课堂发言是博士课的重要环节。它要求学生以最平素、简洁的语言阐释自己的观点；同时，发言者作为临时教师势必要根据听众的反应对自己的发言内容和进度进行及时的调整，以求张弛有度、详简得当，且控制好时间。简而言之，课堂发言不仅锻炼学生的口头表达能力，而且强化了学生对于课堂的掌控能力，提高发言者的教师技能和素养。
4.加强师生沟通，不断改善课堂氛围。老师点评是课堂的重要环节。老师将会就发言中的某些问题提出自己的见解和看法，并与学生展开面对面的交流，而在这种学术争鸣和观点的对撞往往会擦出新的灵感火花，迸发出意想不到的创意。同时，较为自由的课堂氛围突破了传统课堂的沉闷，有助于师生之间进行随心所欲的交流和沟通。
三、改进俄罗斯文学课程设置的建议
黑龙江大学俄语学院是我国俄语教学的“大本营”和俄语教学改革的“桥头堡”。毋庸置疑的是，黑龙江大学俄罗斯文学博士生培养体系已经相当完善，课程设置呈现立体复合的特点，教学模式则注重互动，兼顾学生的科研能力与教学技能的培养。然而，与其他拥有俄语语言文学博士招生资格的外语类高校及综合性大学一样，黑龙江大学俄罗斯文学博士研究生课程设置存在一些瑕疵和被忽略的“死角”。
（一）强化独立的文学批评立场
俄罗斯文学拥有无与伦比的独特魅力，与此对应的俄罗斯学界对文学评论具有强大的传统。中国学界对于俄罗斯文学的研究具有较好的基础，却依然较为薄弱。同时，“无论是专家论著还是一般的评论”，都容易陷入“俄罗斯学者的价值观、理论和语调”的节奏。换言之，独立的文学批评立场的强化与凸显显得必要且紧迫。这种独立的文学批评立场根植于传统的中华文化，也就是说，加强文化国粹的吸收与运用是形成独立文学批评立场的必由之路。鉴于此，俄罗斯文学博士课程中加入有关中国文化的选修课似乎不失为是一个可行的选择。相比较而言，各高校的文学院更为注重对我国传统文化的吸收，且往往开设相关的课程。因而允许包括俄罗斯文学博士生在内的外国文学博士生选修文学院的相应课程必然有助于加强学生的国学素养，进而有助于培养立足于本民族的独立文学批评立场。
（二）拓宽文化视野与文学背景
俄罗斯是西方文明还是欧亚文明的争论已经持续了几个世纪，且至今尚无定论，然而不可否认的是俄罗斯文明与西方文明有着难以隔断的联系。俄罗斯从来就不是文化孤岛，而更像是文化沟通的桥梁和各种文化的汇集之所。换言之，研究俄罗斯文学而绕开西方的文学和文化背景是不明智，也是不可取的。俄罗斯的东正教来源于东罗马拜占庭帝国，而宗教与俄罗斯文学的关系极其密切。同时，俄罗斯文学与法国、德国等欧洲国家的文学有着千丝万缕的联系。俄罗斯的哲学思潮大多由西方传入，借助于文学作品阐释哲学思想又是俄罗斯文学的显著标签，乃至于很多著名的俄罗斯作家从某种意义上说也是哲学家和思想家。换言之，将俄罗斯文学置于欧洲文学和文化视域下研究是必然选择。加强欧洲文化与文学知识的储备对于俄罗斯文学研究者而言十分重要。因此，增设和强化欧洲文化与文学相关的课程是一个值得考虑的建议。
参考文献：
[1][俄]瓦・叶・哈利泽夫；周启超等译.文学学导论[M].北
京：北京大学出版社，2009.
关键词：美学；艺术学；艺术审美；现实审美；审美经验
中图分类号：I01 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）02-0156-02
美学与艺术学分别是两门不同且独立的学科。美学成为一门独立的学科是以十八世纪德国唯理主义哲学家鲍姆加登于1750年出版《美学》专著为标志的，因此，鲍姆加登被称为“美学之父”。艺术学这个专有名词的出现却颇多争议，它于十九世纪四十年代开始出现，有人认为在1845年，德国学者海尔曼・海特纳在论文《反思辩的美学》中，泰奥多尔・蒙特在专著《美学》中都使用了“艺术学”这一术语，也有人认为是温伯格和罗森克兰兹创造的。然而明确提出创立一门关于艺术的独立学科，以艺术独自的领域为对象，摆脱艺术隶属于美学的传统观念则是德国十九世纪著名美术史家、艺术理论家康拉德・费德勒，他成为了艺术学的奠基者被称为“艺术学之祖”。
似乎从定义美学与艺术学开始，它们之间就有着千丝万缕，割舍不断的联系，似乎是你中有我、我中有你互溶互渗。但又看似亲密却又有着不交集不相连的区域，而是自成体系，有着自己的领域。要像名词定义似的来说明似乎很难，我们不妨从一些艺术作品出发去研究它们的异同，从而看到它们的交集部分与不交集部分，而后对美学与艺术学有清晰的认识。
《不能说的秘密》是一部由周杰伦导演并演出的电影，虽不是大手笔高成本制作但却很认真细致的讲述了一段发生在校园并且穿越时空的唯美爱情故事。审美意象是观众首先从这部作品体验到的，通过人们过往的审美经验可清楚地知晓，这部作品的审美特色来自于一种对爱情执着追求、始终不渝的信念。这是一种人们普遍追求的人生态度，无论什么时代、什么年龄或者什么职业的观众所受到的审美感染不是来自电影所讲述的时间背景，电影所应用的技术手法或者是这部电影的艺术风格而是来自“执着追求”“始终不渝”，这种实践行动当中人的主导性，不仅仅是在爱情当中，它也广泛存在于任何锁定目标矢志不移、献身无悔的行动中。这样，我们便从这部电影中取了我们人类当中一种具有正面意义的感情正能量，与此同时也诠释了人与人，编导与观众的审美共鸣现象。这是从美学出发来分析艺术作品，也就是从自己本身的审美经验的感受出发去追寻一种审美的意境， 使这种审美意境从一个特定的艺术品当中脱离并且显现出来， 使其成为研究的中心； 审美意象从一些特定的艺术载体比如事件、情节、背景、技巧等中独立产生出来的过程， 同时就是摆脱就事论事、从特殊走向普遍、从艺术审美推移向现实审美的哲理升华抽象。也就是把艺术的外在形象的层面向形式层面的抽象。然而在艺术学当中，形象只是分析的一个基本单元。外在形象使艺术当中的内容和题材存在于一个具像的层面， 与之相反， 外在的形象蕴含着艺术单元与指定的题材内容是不能够被分离的。但美学研究对象的艺术审美形态， 是更为注意形式美以及感受的。因此， 艺术作品中一种结构、一组和声、一种线条、一种构思、一种叙事的语调等等，无论从任何局部细节到宏观整体的感受或印象， 都能做到不依靠主题思想、题材等艺术学分析而成为美学分析的对象。然而艺术学的分析方法是一种综合的分析 ，换句话说是具有逻辑的。以这部电影为例，从艺术学的角度来分析，影片中的音乐，是本片很成功的地方，由于导演将男女主角定位是钢琴高材生，所以优美的钢琴曲贯穿本片。小伦与学长“钢琴王子”斗琴的那一段最为精彩，曲子的慢板部分时，手指在琴键上犹如蜻蜓点水或是蝴蝶因恋着花香而绕着它翩翩起舞般的缠绵；而到了快板部分手指与琴键如同热恋中的情人相互吸引撞出花火，这画面加上弹奏出的曲子足以让人沉醉。周杰伦把肖邦的黑键练习曲演绎得非常出色，中间的一段黑键变白键的变调，不仅体现了周杰伦良好的钢琴功底，给观众也带来了美好的视觉与听觉享受。从影片的视觉效果来看，画面是很精致的，校园仿古的英式建筑、上百年历史的练琴房、古老的泛黄的乐谱还有学生们黑白搭配的校服都符合艺术院校的氛围。还有小伦骑着单车带小雨回家时路过的那一条木头铺成的小路，在一片葱郁的草木中蜿蜒曲折，一种田园的气息带来一种年幼时的纯净；小伦和小雨散步，背景是蓝色的海岸，海面有细细白色的波浪；小伦和小雨在屋顶相依而坐时，面对着的是宽阔的洒满阳光的水面，这里仿佛在用油画给人描述初恋的感觉，观众似乎也走到画中面对此情此景只想静静体味。从影片中演员的表演方面看，周杰伦的表演功力相对他的音乐素养来说虽然稍逊一些，但是由于表现初恋的故事，所以他稚嫩生涩的表演反倒符合剧情要求。女主角路小雨，剧情赋予她内敛、淡雅、敏感上又有一点调皮，而她本人的气质配合清纯的外表，将初恋情人这一角色演绎的非常唯美。
通过观看这部电影以及对它的赏析，再来看美学与艺术学的关系，可以借用形式逻辑术语表达为“交叉”关系。美学与艺术学在不相同的范围内却都以艺术作为对象，这就使它们在研究的范围上二者必然有重叠的部分，从而使两者产生交叉关系。也就是说对于一件艺术作品，我们可以分别从美学和艺术学的角度出发分析作品，无论用何种方法何种角度这两种学科都可以对艺术作品进行分析。
从研究对象来看，美学比艺术学的范围又宽泛些，美学不仅研究艺术审美，还研究更为广泛的现实审美。然而， 美学不是研究艺术中的所有问题， 它研究的是其中和审美经验相关联的那部分。比如艺术创作中的文学写作里讲的外形描写、景物描写， 在音乐理论中的配器法，美术理论所强调的用笔等，这些不是审美形态的艺术内容，或是舞蹈中的步伐、手位、身形，编创舞蹈时所运用的技法等， 以上所述的种种美学是不对其进行研究的。美学不是万能的，它不能够全方位去分析一件艺术品。综上所述， 我们得出结论在美学的是有小于艺术学所研究范畴的。与之相反，艺术学研究的是一切与艺术相关的：比如说，艺术家、艺术赏析、艺术的创作或者艺术品等， 以及非艺术和艺术在文化的历史上发生的一切关系：比如说，宗教、一些意识形态、信仰、政治等等。
我们了解美学与艺术学并且区分他们的异同是很重要的， 这样不仅能够让我们对美学与艺术学有清晰的认识，这也是影响到美学与艺术学能否进一步发展并且完善的重要问题。在这样一个新新时代美学与艺术学同样面临挑战。对于美学，它的重大使命是如何在平凡的生活中创立一个本该如此的美好境地， 让人和人、人和自然能够和谐的相处，梳理出一个更为融洽的关系，从而构建和谐的社会，让每一个人都充满了正面的积极的能量。如何能够达到这一目标 ， 美学就要激发起人类对人生和自然的兴趣，圮绝，那些消极的、物质的诱惑。艺术学也面临着许多挑战，当今这个社会经济快速发展给人类带来了物质生活的极大充裕 ，这使艺术出现一种不平衡的发展，雅俗共赏的艺术和大众百姓文化的一些问题，如何才能将这些珍贵的传统艺术给予当代人们更容易接受的艺术表现形式，以及各艺术门类间相互撞击和融合的问题等等。社会是不断发展的，同样美学和艺术学也是在不断发展和丰富的，他们的交集和不交集的部分也会随之增多，我们应在不断的学习中去更多的了解美学与艺术学的异同。
参考文献：
[1]彭吉象.艺术学概论[M].北京大学出版社，2006.
[2]张发.美学导论[M].中国人民大学出版社，2004.
[3]艾柯.美的历史[M].中央编译出版社，2007.
[4]丹纳.艺术哲学[M].北京出版社，2007.
[5]大卫・波德维尔，汤普森.电影艺术[M].世界图书出版公司，2008.
论文摘要：郭昭第《审美形态学》将现实美、感觉美和艺术美作为审美形态分别置于人类审美活动的前审美、审美和后审美三个阶段，并对其审美性质。类型特征、创造法则和基本范式进行了全面、深入和系统的阐述，成功修正、整合和超越了传统美学本质论、学科论和形态论乃至审美形态学理论构想，创造性的构建了真正具有全方位视野和完整体系的审美形态学理论。
郭昭第《审美形态学》(人民文学出版社2003年版)将人类审美活动划分为前审美、审美和后审美三个阶段，并将现实美、感觉美和艺术美作为审美形态分别置于相应审美阶段进行研究，对传统美学数千年来看似无法统一的或强调现实美、或重视感觉美、或关注艺术美的片面本质论、学科论、形态论，乃至审美形态学理论构想进行了成功修正、整合和超越，并在此基础上创造性地建构了审美形态学的完整理论体系。
一、对传统美学本质论的修正、整合与超越
古今中外的许多思想家和美学家关于美的本质论仅强调审美活动某一阶段的审美形态，却忽略了其他审美形态，明显存在片面性。或如毕达哥拉斯、亚里士多德、车尔尼雪夫斯基、蔡仪等仅关注前审美阶段的现实美，认为美是事物的客观属性;或如伊壁鸿鲁学派、休漠、柏克、康德、杜威、桑塔亚那，乃至吕荧等仅关注审美阶段的感觉美，基本上主张美是心灵活动，是愉快;或如狄德罗、黑格尔、朱光潜等仅关注后审美阶段的艺术美，强调美是主观与客观的统一尤其主观的客观化。wWW.133229.CoM所谓美的本质的界定，必须涵盖前审美阶段的现实美、审美阶段的感觉美和后审美阶段的艺术美等所有审美形态，否则就是不全面的。但是任何一种针对某阶段审美形态，却忽略其历史发展的界定，同样是不科学的。而且，任何对具有普遍意义的本质属性和规律的抽象和界定其实都不可能是毫无遗漏的，甚至往往以漏失更具有真理意义的本质规律为代价。因为人们总是对已经引起注意的因素进行了概括，却不可避免地忽略了同样有理由成为本质规律但是没有被人们注意到的那些因素。所谓对具有普遍意义的一般规律的抽象常常很大程度上是以牺牲对具体、鲜活和复杂的形态特征的描述为代价的，而对形态特征的牺牲同样很大程度上制约了其作为真理存在的可能。对最具有普遍意义的美的本质的抽象几乎是不可能的，或者是空洞而没有意义的。因为事实上不存在可以涵盖所有审美形态的概念，任何概念所能涵盖的只能是具体的暂时的审美形态，而不是具有普遍性和永恒性的审美形态乃至审美本质。
郭昭第《审美形态学》对传统美学本质论所进行的修正和整合，不是从最普遍意义上重新获得一定貌似新颖实则仍然不免偏颇和肤浅的本质论，而是创造性地将审美活动划分为三个阶段，将各个不同审美阶段的审美形态都作为界定对象，使传统美学数千年来看似无法统一的片面本质论在具体审美形态的描述中获得真理性地位。这就是该著作超越传统美学的一个主要体现。正如他所说:“坚持概念性与非概念性的有机统一，放弃对具有普遍性和永恒性的审美形态乃至审美本质的界定而寻求对具有具体性和暂时性的审美形态的描述，是我们所谓审美形态学的一个基本思路。”虽然这种具体描述也非无所遗漏，但相对于最为普遍意义的抽象来说毕竟漏失得少些。
二、对传统美学学科论的修正、整合与超越
传统美学学科论，或如柏拉图、蔡仪和洪毅然强调对美本身尤其现实美的研究，认为美学是研究美的性质和规律的科学，是美的哲学。或如鲍姆嘉通、桑塔亚那、高尔泰，甚至李泽厚等强调对审美心理、审美经验和审美意识等感觉美的研究，认为美学是研究审美的性质和规律的科学。或如谢林、黑格尔、朱光潜等强调对艺术美的研究，认为美学是研究艺术美的性质和规律的科学。以上三种学科论由于强调某一审美形态而忽略其他，明显存在片面性，但最受忽略的是现实美中的自然美。因休漠、鲍姆嘉通、黑格尔和桑塔亚那等对感觉美和艺术美的片面强调，最终使现实美尤其自然美逐渐被贬斥或遗忘。虽然西方现代美学尤其是英美肯定美学已经对黑格尔等否定自然美的学科论有一定程度反拨，但在我国仍有许多人将美学限定为美感学或艺术学。近年来兴起的生态美学虽有所反拨，却因忽视和贬抑感觉美和艺术美而陷人另一片面性之中。
真正全面、完整的美学体系应该对包括现实美、感觉美和艺术美在内的人类审美活动各个阶段的一切审美形态进行整体观照、动态把握和历时性研究。有些著作或教材虽然注意到整体观照，但多停留在基于逻辑关系的共时性研究和静态阐述层面。郭昭第《审美形态学》将人类审美活动划分为前审美、审美和后审美三个阶段，并将三种审美形态分别放置于人类审美活动的相应阶段中进行历时性研究和动态描述，不仅成功修正和整合了传统美学学科论的片面性，而且超越了传统美学的共时性研究和静态阐述的理论模式，在重视历时性研究与动态描述的基础上，达到了宏观的历时性研究和动态描述与微观的共时性研究和静态描述的有机统一，实现了审美形态学体系宏观结构与微观结构的历时性与共时性、动态性与静态性、历史性与逻辑性的统一。
三、对传统美学形态论尤其审美形态学的修正、整合与超越
传统美学形态论比较集中地体现于审美形态学理论构想之中，只是这一构想明显存在片面性。在国外，虽然雷蒙德《艺术形式的起源》(1892年)、帕克《艺术分析》(1926年)和门罗《走向科学的美学》(1956年)早已提出了审美形态学的学科概念，但是他们明显受到艺术核心论的影响，如门罗主张根据研究范围将美学分为审美形态学、审美心理学和审美价值学，仅仅将“对形式和风格进行的描述性分析被称为‘艺术形态学’或‘审美形态学，”他所谓审美形态学其实仅是艺术形态学:在国内，叶朗虽然不满门罗的界定，将审美形态学与审美艺术学、审美心理学、审美社会学等平列，将诸如优美、崇高、悲剧、滑稽和喜剧、荒诞、中和等审美范畴作为审美形态，但是他所谓“审美形态学是考察人类审美活动在不同历史阶段和不同文化圈中，如何凝结成代表文化大风格的审美范畴形态，它们如何影响人们的审美观念与艺术创造，以及它们自身又如何发展演变的一门美学分支学科”的阐述，仍未彻底摆脱艺术范畴的制约，充其量不过是审美范畴学或文化风格学。至于李泽厚界定为“审美能力(趣味、观念、理想)的形态学”，将审美形态分为“悦耳悦目”、“悦心悦意”和“悦志悦神”闭，其所谓审美形态学只是审美能力形态学或审美感觉形态学。这些美学家力图在更大视野对审美形态学研究对象和学科性质进行界定的理论构想，无一例外地暴露出缺乏整体把握审美形态和彻底整合传统美学片面形态论的能力的缺憾。
Abstract: This article discusses the development of translation aesthetics between China and western countries, searching the differences of aesthetics elegant from it, meanwhile, researching the direction of China’s studying and developing for translation aesthetics by comparing the theories of translation between China and western countries.
关键词：中国；西方；翻译美学；差异；研究
Key words: China；western；translation aesthetics；difference；research and development
中图分类号：B83 文献标识码：A文章编号：1006-4311（2010）34-0300-02
0引言
当今时代是一个翻译的时代，在西方，翻译理论派流层出不穷，相继出言了语言学派，文艺学派，多元系统学派，描写学派，文化学派，综合学派，解构主义学派，后殖民主义学派等。[1]典型的中国传统译论也以中国传统的哲学，人学，文学，美学，文章学，文艺学，语言学为理论基础和研究方法而形成了一系列翻译理论：佛经序翻译理论，正名翻译理论，哲学化理论，文艺学理论。[2]而美学与翻译的联姻必将成为历史发展的必然和社会发展的趋势，尤其在当今这个多元环境下，笔者认为更应该开展中西结合的译学发展途径，探索中西结合的翻译美学译论。
1中国传统翻译美学的演变
纵观我国的翻译史，如果单从文化视角考察中国传统翻译思想，其特点大致有这三点；儒学色彩浓厚；强调实践技能；与中国古典美学范畴紧密相关。其实，中国译论从理论命题到方法论都与哲学，即美学紧密相连。[3]此外，除引言部分，中国传统译论还呈现出其他美学命题，而中国传统译论发展到目前，可以说已经进入晚期。[4]然而，面对着蕴含浓厚美学思想的译论终结，我们的译路又在何方呢？在关于翻译美学理论研究中，傅仲选所著的《实用翻译美学》，刘宓庆的《翻译美学导论》，奚永吉的《文学翻译比较美学》，姜秋霞的《文学翻译中的审美过程：格式塔意象再造》以及毛荣贵先生的《翻译美学》等等大家名作，他们都分别从不同的角度，不同的领域研究了翻译的美学成份。笔者认为，这些先行的开拓者们无疑为国内翻译美学的发展与研究方向指明了道路和引领导向。
当我们回顾中国美学与翻译结合为研究案本时，我们不难发现，这些研究主要体现在包括诗歌在内的文学翻译中的翻译美学理论与案例实践分析，美学理论与美学价值，科技翻译，广告商标翻译的美学研究上。而诗歌翻译美学主要还是围绕“三美”――意美，音美，形美，以译译诗，传神达意，包容理解，来进行研究的。[5]科技翻译中周君也提出了词语修辞，音韵修辞，和结构修辞这几种美学修辞方法。[6]而商标翻译中，有作者也有提到译者应灵活运用翻译美学理论，充分尊重消费者的审美心理和审美意识，体现商标的意境美，文化美，音韵美，情感美和简洁美等美学特征，最大限度地实现商标的商业价值。[7]我们不难看出，无论什么形式的文学翻译，译者都颇为讲究美的意境和美的意境的传达。笔者认为，所有译作之佳品无一不是美学的再现之作。交际翻译理论大师奈达也在翻译的性质中提出过四个标准，其中达意与传神首当其冲，他认为特别是在文学翻译中只管内容不顾形式，通常反映不出原文的美感，使译文显得枯燥无味，因为说到底，翻译是一种“再创造”，而不是“再生产”。[8]
针对中国翻译美学的发展趋势。王宏印认为，中国现代译论诞生的途径有：①西学为主的理论途径，强调以现代西方语言学为理论基础的翻译理论以及借鉴其他科学和理论流派研究方法和成果的翻译理论；②国学为主的翻译途径，即适合于文艺学类翻译和汉外――外汉互译的阐释和转变；③中西结合形态的译论发展途径。由于翻译学本身除了单纯的科学性之外还具有浓厚的人文科学的综合性质，一如包括中国历代文学作品及其文艺美学理论在内的中国文艺学甚或中国美学的综合性质，从目前情况看，我们不妨从中国自己的学术传统和译学，译事基础做起，来考虑建立中国翻译学的基本条件，作为向着建立普遍翻译学这一终极目标的一种努力。[9]
2西方翻译美学的发展
在谈到翻译美学，我们不能不提到西方国家在这一领域的贡献，最初的美学只是哲学的一个分支，所以我们不难察觉到不论古今中外，有成就的美学家大抵都是哲学家，而哲学又来源于德国，当然在两千多年以前的中国，也有类似于哲学的学派出现，那就是老庄的道家学说。然而，在第二次世界大战以前，德国美学一直在世界范围内处于领先地位，随后又转移到以美国为中心的美学中心。这其间一位较为锋芒的美学家托马斯.芒罗在对美的本质问题上认为：“美学在一般传统方式中仍普遍被看作是‘涉及美的一种哲学分支’…。”
笔者发现，无论是在国内，亦或是在国外，对翻译美学研究大抵都集中在文学这一领域，尤其是诗歌的翻译美学。而且，笔者认为，从系统的意义上而言，不管是直译还是意译，它们都是艺术的体现或是艺术的再生，而艺术的特征是美，马克思曾说过，“社会的进步，就是人类对美的追求的结晶！”而文学翻译的目的正是要克服语言的障碍而让人类共享各民族所创造的精神财富。翻译就其本身而言，已具备其社会意义和美学价值，即便是以其自己极端或纯粹的形式存在也是可以的。而诗歌，作为人类文学领域的集中代表，无论从其形式，节奏，韵律，无一不体现出古今中外各民族对美的追求，所以在诗歌的翻译中也就最能集中体现翻译之美学，用黑格尔的话说，诗歌就是“语言的艺术”而且是“最高的艺术”。
中国古典美学讲究的是中和，气韵，意境，美丑，情志，形象，形神，文质，虚实，真幻，文气，情景，动静，比兴等强调文字内在精神的美学要素〈胡经之〉。而英语作为西方语言的一种，必然反映西方美学的一些特点，所以它强调的是理性，抽象思维，逻辑推理和空间结构 〈朱立元〉。在考察西方传统的翻译理论时，不难得出这种结论：西方大多数翻译理论都有其哲学――美学渊源的。泰特勒（A.F.Tyler）提出了著名的“翻译之原则”，并在结论中将他的原则阐释为；成功的译作应能体现原作的全部优点，洞察原作的全部推理，最终领悟原文的全部美。而十九世纪的译论家阿诺德主张译诗应力戒矫饰，讲求欣畅的气韵以保持原著的神采为本，翻译的技术在很大程度上取决于译者对文学作品“真理”的审美感知。三、四十年代以前西方翻译理论大多以语言哲学为理论武器，翻译评论几乎都是文学大师们书斋中的哲学――美学思辨。费尔迪南曾指出，语言的审美因素在文学作品中更集中地体现在语音方面，语音的审美效果主要体现在节奏和韵律上，重要的不是声音本身，而是使这个词区别于其他一切词的声音上的差别，因为带有意义正体现出这些差别。英语主要依靠音势即重音节和轻音节的交替形成韵律，这种语音的审美效果在英诗中体现得最为充分，尤其19世纪维多利亚时代时教士诗人霍普金斯采用的“跳跃节奏”，充分展现了独特的音韵美。
总而言之，在西方，从柏拉图，亚里士多德，托马斯.亚昆那一直到康德和黑格尔，西方著名美学家都是哲学家。所以，西方美学家在阐释译论之时，起先主要从哲学美学的角度出发：西塞罗在公元前就提出翻译理论必须工于辞章之美；美国的德莱顿早在17世纪就已经明确提出翻译是艺术；20世纪20年代时，意大利的克罗齐在《美学原理》一书明确指出文学翻译是艺术的再创作；到了60年代，布拉格学派的代表人物之一吉里.列维认为文学翻译的目的应该是使读者从译作中得到美的享受，感到与原文相应的艺术感染力，因此，对文学翻译的分析与研究也应该从文艺学和美学的角度出发。不难看出，多种不同的翻译理论之下，都蕴藏着同时代美学思潮的因子。
3未来中国翻译美学的研究与发展方向
纵观前文，笔者认为不论是中国译论还是西方译论，美学的成份正逐渐成为翻译理论中的又一热点及亮点，而翻译美学，作为译学的边缘学科，“还不成熟”，还存在着一些问题，但不可否认的是，作为一种有中国特色的翻译理论，它的发展有利于中国翻译理论在世界译坛中发出自己的声音。翻译美学不仅是翻译跨学科性的要求，而且有其特定的历史时代要求。有学者指出，在中国传统的翻译理论研究中，“几乎所有的译论命题都有其哲学――美学渊源”，认为“历史定势和文化整体形态的发展促使翻译学与哲学尤其是美学的联姻”。翻译理论与文艺美学的译论，大抵都是对译文的美学探讨与论述，而且主要集中在内容与形式这个美学命题上。在古典文艺美学的影响下，我国传统翻译理论也始终没有越出美学的范畴，这点也恰与西方传统翻译理论不谋而合。笔者认为，中国未来翻译美学的研究与发展方向大抵会朝以下几个方面发展：①翻译的标准问题，或是原则；②最高境界的翻译问题，即美学上的意境与传神的问题；③文学翻译的风格走向问题；④翻译美学的国际化问题。而这其中的前三项一直是中国美学史上重大的审美范畴，也是中国传统翻译美学的译论命题。而最终在整个多元的大同世界里，翻译之美学也必将成为一个新的学科，在整合多民族多元化的文化氛围里，翻译美学也将与其他领域交相辉映，发展成为一整套科学体系。一个国家要想建立起自己的译学体系，就必须做到兼容并蓄，在此过程中才能将自己发扬光大。我们应建立合理的翻译美学观，关注翻译美学的社会性，文化性及语用价值等，在视界融合的环境中寻求美学的运行机制。只有这样，我们才能获得真正的美学效果，合理的再现原语的美学效应。未来的译学理论指向将是一种科学的语言艺术观，语言翻译的科学性是以其艺术性为本质和内涵的，科学性又是艺术性的升华与提高。中国翻译美学正是在这种张力当中不断取得平衡与发展的。
4总结
翻译史上任何一部佳品，无不都是译者创造的美的呈现。翻译不仅是单纯的语言转换过程，还是译者解读原作的美并将其转化，移植到译文中的一种审美和创造美的过程。翻译与美学的携手体现人们对美的追求和人文理念。美学可以指导翻译的理论与实践，借以在翻译领域发展其自身；美学分析可以帮助译者对原文和译文进行全方位多层次的分析，找出那些隐含于字句之外，却又可感可知的美学要素。只有在美学价值观下的翻译，才能实现语际翻译的信息与价值的完整传递，也是最高层次的翻译。翻译之美学，作为译学的边缘学科，它的研究对象既是美学，又是翻译，是翻译中的美学问题和美学中的翻译问题的统一。因此，找准两门学科的契合点，是我们研究翻译美学成功的关键，也可以为翻译理论的构建寻求新的支点。
参考文献：
[1]王晓军.翻译的美学视眼.
[2]王宏印.中国传统译论经典阐释[M].湖北教育出版社,2003:220-221.
[3]刘宓庆.翻译美学导论[M].中国对外翻译出版公司,2005:59.
[4]王宏印.中国传统译论经典阐释[M].湖北教育出版社,2003:227.
[5]丛滋杭.中国古典诗歌美译理论研究[M].国防工业出版社，2007:11.
[6]周君.科技英语中的美学修辞及其翻译[M].中国论文下载中心，08-05-26 10:50:00.
[7]张礼贵，廖国强.商标翻译中的美学商业价值探究.
[8]奈达，Nida. E. APrinciples of translation as exemplified by Bible translating. In Brower，R. A(ed.) on Translation，[C]. Oxford: Oxford University Press.
【论文摘要】教育美学是把哲学、伦理学、心理学理论应用于教育的一门新兴美学学科，它着力探究让教育按照美的规律来运作与发展，从而通向至美纯美的境地，以提高当代教育的整体质量。德、智、体、美、劳这五项指标中，“美”是这几年才加上去的，这一时代的进步，更促进了教育美学的萌芽与发展。
当前，我国的教育正处于由应试教育向素质教育转化的重大转型期，而素质教育环境的优化是个首先需要解决的重要问题。这就是迫切需要我们不断地、及时地运用美学、心理学理论研讨存在于教育领域的美的现象及其发展规律，引导学生在德、智、体、美、劳诸方面全面发展，真正全面提高中国教育的质量。素质教育的任何环节都离不开教育美学，教育美学促使教育环境整体协调，从而形成强有力的素质教育网络。要培养学生健康的心理、优美的品质、良好的学风，要培养出正直诚实、奋发向上、自立自强、坚韧勇毅、开拓创新的一代新人，都离不开教育美学的实施。若要对学生施以深刻的审美愉悦与审美感受，以陶冶其情操"丰富其情感"提高其审美能力，这一切也只有通过教育美学来完成。可以这样说，教育美学是素质教育改革的突破口之一，因为教育美学与美育一样，具有形象具体的鲜明特征，受教育者极易接受。它又具有以情感人的情感性，极易实施。
创设与发展教育美学势在必行，亦切实可行。这一点，马克思在分析人类劳动与动物本能活动之区分时就透辟指出：“人也按照美的规律来进行”。创设与发展教育美学，即为了充分发挥美在教育中的作用，更好地深化教育改革。应当指出：教育美学的形成与发展，颇符合教育艺术与科学发展的趋势，亦具有深厚的实践基础。当前，我国教育领域深入改革触及到一个重要问题，即是需要很好地加强教育审美化，正确判断与强化教育的审美属性，用美学心理学原理与方法来正确指导教育与教学活动。国人对教育审美价值的清醒认识，对教育审美属性的深入开发，对教育审美经验的不断提升"使教育美学取得长足发展且日益深化。
那么，当今我们广大理论工作者怎么样去构建、发展这一门新的教育美学？笔者以为至少要从以下三方面着手准备：
首先，要加大对中外教育美学史的研究力度与广度。教育美学作为一门独立的学科虽是近几年才起步，但是这方面的思想诚如上文所言却早已存在。古今中外的教育思想家关于教育美学的认识，为我们今天的研究提供了有益的启示和借鉴，这就需要我们去耐心提取、认真分析、科学总结。
在我国漫长的教育发展历程中，有许多教育思想家在教育美学、尤其在教育艺术和教学艺术方面发表过不少有价值的见解。早在两千多年前，我国伟大的教育家孔子就非常重视教学艺术的意义。而我国古代的教学艺术思想则集中体现在《学记》中。《学记》全面论述了课内学习和课外活动、学习与游乐、学习与休息、亲师与乐友等多种辩证统一关系，是我国古代很有代表性的教学艺术辩证法，《学记》还非常重视教师的教学艺术。此外，明代的王守仁，近现代教育史上的、鲁迅、梁启超等，都对教育美学理论提出了独到的见解。
西方对教育美学的研究也可上溯到古希腊，其教育美学思想是在古希腊苏格拉底、柏拉图和古罗马的西塞罗等人的教育艺术实践中逐步发展起来的。之后的夸美纽斯、卢梭、第斯多惠、斯宾塞、马卡连柯、苏霍姆林斯基等也都从各自的教育观出发，提出了自己的教育美学见解。现代外国很多教育家也都关心教育中的美学问题。
古今中外众多的教育家对教育中的美学问题所进行的探讨，取得了相当有价值的成果。其共同特点是：他们都认识到教育、教学工作是一门艺术；在教育指导思想上，他们大多都强调学生的学习兴趣，要求教师充分尊重学生的个性，使学生在教育中获得愉悦和满足；在教学方法上，都反对注入式，提倡启发式；有些教育家还身体力行，将自己的思想和理论运用到教育实践中去，表现出了高超的教学艺术水平，但中外历史上的教育美学思想还存在诸多不足之处。一是研究范围窄。他们大多只是论及教育美学的一个方面——教学艺术问题，而且对教学艺术本身的探讨也不够全面，谈论较多的是教师的语言艺术、提问艺术等。二是理论层次低。他们对教育美学的认识，大都停留在经验描述状态。具体来说，它们只是作为某种感想或言论而存在，没有进行系统的理论论证，没有真正上升到应有的理论高度。这也就给我们留下了足够的拓展空间。
其次，构建、发展这一门新的教育美学，我认为还要不断加强教育美学的基本理论建设。加强教育美学理论建设须切实掌握现代教育的基本规律与特点，须深入理解现代心理学美学，须正确摆布教育学、美学、心理学三者的关系。这里着重阐释一下对现代心理学美学的借鉴。新时期中国美学研究的一大成果，是深化了对审美主体、审美体验与文艺创造、文艺鉴赏的心理研究，现代心理学的相关经验给当代美学研究注入了源源不断的活力。我们欣悦地看到：心理学美学的崛起与拓展，已与传统的哲学美学双峰对峙。而现代心理学美学对现代教育的发展至关重要。心理学美学重在探索与揭示教育的审美主体心理的特殊功能、目的与任务，它对于教育的实践功能与社会功能作用甚大，可在理论与实践的结合上深化教学改革。当然，教育审美与教育艺术知觉过程中的实验探究，易见显效，而教育心理实验方法用于教育审美经验探究时，受各种条件制约，见效较慢。所以说，当前如何在对教育学、心理学、美学理论进行科学分析研究的基础上，综合各方理论的有益营养与科学结论，博采各家之长，寻求创新发展，丰富与拓宽一种能够正确阐释教育领域审美经验与心理机制的新理论——教育美学，已成当务之急。
在教育美学的基本理论建设方面，笔者认为要特别加强教育领域的美学问题，心理学问题即教育美学的主要研究对象的研究、此外，笔者认为还应下大力气拓展与研究以下几个问题。教育美学这个概念内质的准确界定，教育美学的发展空间研究，深入探讨教育主体美、教育客体美、教育环境美、教育心理美、教育形态美这几个具象及其在教育美学中的位置，作用及存在价值、研究教育美学的教育功能，心理功能"社会功能$教育美学与教育心理学的辩证关系，教育美学与美育的辩证关系、科学总结，正确解释教育领域的审美现象、形象揭示教育的心理基因与审美规律$创设教育审美学说，有力指导教育的审美实践，系统总结教育美的创造、寻求深化素质教育与教育美学的契合点、深入探寻将教育主体美、教育客体美、教育环境美、教育心理美、教育形态美等落在实处的技术问题；这几个问题我认为是加强教育美学理论建设的重点，也是强化教育美学内涵的根本所在，做到这几点，我们就能真正释放出教育美学的潜能，充分挖掘出教育美学的社会价值，使教育美学发展到更高、更成熟的阶段。
1.“拙”的一般定义
“拙”的解释：（1）笨，不灵巧：笨拙。弄巧成拙。拙劣。（2）谦辞，称自己的：拙作。拙见。拙笔。拙著。
老子言：“大巧若拙”，拙若大巧，它似笨而非笨，似陋而非陋，它体现出地恰是一种巧夺天工、自然浑成的大巧之美。“拙” 彰显地是一种简淡、朴素、纯真之美，一种审美趣味，一种民族文化的精神。以“拙”为美的审美观念已深入到传统文化的血脉中，在中国传统的艺术都有着鲜明的体现。自从老子提出大巧若拙，这一充满艺术辩证法的命题就成为中国传统美学追求的最高境界。
2.“拙”的文献综述
对老子“大巧若拙”主要有以下几个方面的研究：
从哲学层面对“拙”进行解读，由老子的“大巧若拙”作为意义阐发的对象，并围绕“大巧若拙”的扩展，概括其哲学、美学特征。最具代表的著述有朱良志的《关于大巧若拙美学观的若干思考》，另外，易菲的《老子“大巧若拙”的美学分析》，同样是以哲学为出发点，对“拙”的内涵进行探索。
主要是对中国古代诗词书画园林等多种艺术形式中“拙”的表现的论述。这包括学术论文《论词学范畴之“拙”与“巧”》，赵宏艳的《论陶渊明其人其诗的“拙”》，白谦慎的《傅山的世界》。
主要从艺术的“巧”与“拙”的对比中，对“拙”的意蕴加以阐释。如《朴拙雏议》、《艺术中的“拙”与“巧”》、《“巧”“拙”的美学观》等，傅庚生的《中国文学欣赏举隅》、姜耕玉的《艺术辩证法――中国艺术智慧形式》，同样是在“巧”与“拙”的对比中，阐述了“拙”所特有的审美风格和内涵意义。
论点与专业有关的文章，如《拙中见巧――周国桢动物雕塑的艺术风格论》、《论“拙”在中国雕塑艺术中的表现意义》、《巧拙对应中的灵动――古长沙窑瓷塑艺术谈》。
这些研究成果都对于“拙”的内涵与意义有所深化。站在审美角度去分析阐述，但是他们对“拙”的研究在深度上还有很多不足之处。在探讨艺术创作过程中如何体现“拙”很少有所涉猎。我试图对中国古典美学范畴的“拙”的审美规律在当代陶瓷艺术创作过程中的体现的角度进行分析阐述。对于中国古典美学中的“拙”，进行内涵与意义上的深度挖掘，也就是对中国传统文化精神的认同与感悟。
“拙”在陶艺创作中的运用
1.材料选择上的“拙”
黑格尔说过，“每一个艺术家都要用一种材料来进行工作，而能驾驭材料，正是天才所特有的本领”。可见材料对一个艺术家及其作品的成败是多么重要。
现今市场上陶艺材料主要分为以高岭土为原料的瓷泥，其成分纯净、颗粒细匀，烧结后胎质致密坚硬、半透明，展示出精致、雅润、华贵的审美特点。除此之外占据着陶艺材料另一片天空的是以含杂质较多的黏土为原料的粗制材料。其颗粒不匀，烧结后胎质粗松，叩之声音混浊。其审美特点为古拙、典雅。如果说瓷器是贵族身份的象征，那么粗制材料所作的陶器则更倾向于平民化。粗制材料粘性好，可以一次成型。有利于表现一定的手感、手的痕迹，尤其能体现作者的个性和风格。粗制材料颗粒粗，收缩小，不易变形开裂。其质地粗，吸收水分和釉的能力特别强，因此同一种釉施成不同的厚度会达到不同的效果。就如周国帧老师在《美术陶瓷的新风格与粗质材料》中提到：“粗质材料能表现一种质朴的感情和粗犷的气魄，使人产生更加浑厚、原始、古拙、纯真而毫无修饰的美。”
2.成型方式上的“拙”
在中国，新石器时代就已出现了陶器。制陶的方法就已经有捏制成型和泥条盘筑成型等可塑成型法，是当代陶艺家一直沿用的成型方法之一。随着科技的发展和规模化生产的需要，注浆成型、压制成型等适应批量陶瓷生产的成型方法应运而生，也纷纷被运用于陶艺创作。然而，物极必反，其作品已没有远古时代的作品给人带来的那种朴素、闲适、亲切的审美体验。就拿泥条盘筑成型来说，它能够被理解为“线”的艺术。就如李泽厚在《美的历程》一书所提及：“与青铜器同时发展成熟的，是汉字。甲骨文、金文开始了汉字美的历程，以其净化了的线条美表现和表达出种种形体姿态、情感意兴和气势力量，终于形成了中国特有的线的艺术：书法。”在这里我们可以把泥条看做成“线”，当代陶艺家也灵活的将以线造型的绘画语言运用于陶艺创作。陶艺家将“线”的艺术魅力发挥的自由洒脱。陶艺创作中“线”的灵活运用使得作品形态变化多、层次丰富，比绘画、书法中的“线”更具广阔的表现余地。粗制材料加上粗细均匀或渐变的泥条再配以其他的可塑成型方法，这就足以给一件浑厚质朴的作品开个好头。
3.装饰技法上的“拙”
如今，陶艺属于一个独特的艺术门类，它不用以迎合消费市场为目标，它是有选择的观念性的创作，旨在突出人的精神活动，成功的陶艺家即能把创作实体转化为书写个人情感的一种载体。如上所述，可塑成型法能够充分显示出表现对象的装饰效果和肌理效果。其中以手捏、泥条、泥片等造型方式为主，手捏成型中自然的挤压痕迹可用以强调陶艺作品朴质无华之美；泥条盘筑中有序的上升态势可用以展现陶艺作品介乎随意与规范的特征；泥片的卷曲和坍塌能够强化陶艺作品“自然天成”的泥性表现。比如周国桢老师的代表作品《静观》，他认为粗制泥料与泥条盘筑工艺是绝配，最能造就出粗犷风格的原始生命力度，其装饰效果可以充分体现材料和成型方式多变而朴拙的本质面貌。形成表现对象古拙的肌理效果和内在的生命力。他指出：“泥条盘筑陶艺显著的特征就是回归丰富的自然本色和质朴的自然气度……如果选用各种没有加工的粗制泥料，由于其化学成分的复杂在高温的作用下，会产生变化多端的自然纹路……一旦和所追求的意象吻合，便出现天人合一的境界”。陶艺家通常根据作品所需进而选择合适的造型语言。日本著名陶艺家八木一夫也曾经说过“纯绘画是用颜料进行创作，而工艺美术是用工艺材料去搞艺术创作，在创作时首先想到的就是材料工艺，如果不懂工艺技法或不对他进行研究，搞创作只不过是一句空话。”
4.烧成艺术上的“拙”
烧成对于陶艺作品来说是最后一步也是至关重要的一步，而窑恰恰是完成这一步的必要条件。其种类不论是按照窑的操作方法亦或是按照窑的形状来分，都是多种多样的，出窑后的效果即多种多样。日本陶艺起步较早，在东亚乃至全球具有举足轻重的地位，它在烧成艺术上的造诣更是我们渴望而不可及的。早在12世纪日本就出现了六大古窑，和中国宋瓷有很大的区别，它主要生产高温无釉陶器，注重由于火的强弱变化而使器物表面产生的偶然效果，是六大古窑的的特色。作品展示出的，是类似于诸如树干、岩石、铁器般的肌理，有一种信手捏来、偶然而得的趣味。例如，信乐窑烧出的陶器质地温暖、质朴。似乎能够使人呼吸到从作品中散发出的自然气息。相比起大致同时期的中国宋朝陶瓷的精致和完美，它更倾向于朴拙、自然，有时甚至以某种缺憾来表达荒芜和枯淡。那种朴素、温暖、柔和的情调，把人类的创造精神归于自然之中。
结语
关键词：现代音乐美学；音乐表演艺术；音乐的本质
一、音乐美学和音乐表演的关系
音乐美学和音乐表演一个是理论一个是实践。具体表演过程中，表演者要依据音乐美学具体地使用声音、节奏、技术，让自己的表演富有创意，使自己的音乐再创作获得他人的认可和好评。这也就要求现代音乐艺术表演者要精通音乐美学，或者说音乐表演艺术要符合音乐美学，要以感情为基础，科学地加入创造性元素。
二、传统音乐美学和现代音乐美学
（一）传统音乐美学
传统音乐美学是研究音乐的理论，主要目的就是研究如何让音乐变得更感人更好听，增加音乐意境美，提升音乐的想象空间。节奏性、技术性、创造性、艺术性、理论性，是传统音乐美学具有的特点，其承认音乐必须先有节奏，并加入一定技术性，合成声音，创造声音，使其符合艺术标准，最终形成一个理论体系。其本意是音乐艺术表演受表演者的音乐审美、音乐技术以及表演时的情感影响。
（二）现代音乐美学
现代音乐美学分成两派，一派直接否定了音乐它律性，认为其不受任何情感影响，也不会制造情感，音乐就是音乐。而另一派则秉持传统音乐美学，并加大了技术性、创造性和艺术性，使作品更加优美动人。显然，从倾向性来看，传统音乐美学是赞成音乐它律这个说法的。爱德华汉斯立克是音乐自律性的典型代表，他指出音乐不受感情支配，也不会表达感情，音乐的美就是源于音乐本身。而浪漫时期的一些知名作家都是音乐他律的支持者，他们统统认为音乐是人类情感的抒发，音乐只有符合人们听觉规律，能够愉悦人的身心，或者引导人类的情绪才会有无尽的生命力。
（三）音乐的本质
音乐的本质是真、善、美，即充满真情、拥有善良、让人产生意境美。所以笔者认为音乐是有情感的，因为制作它的人本身就是在某种情感下创造了它。不敢相信一个没有感情的人能够创造出音乐。或者说如果音乐是自律性的，那么世间的一切自然的声音都叫音乐，比如风声、水声，或者在没有情绪掺杂没有任何目的情况下发出的声音，比如刹车声、敲打声，都可以叫做音乐。自然之声还好一些，因为其产生的很多声音的确让人产生愉悦，比如蝉鸣、风声、流水声，让人心旷神怡。但是它们却不具有音乐美，完全受倾听者情绪影响，如果倾听者人逢喜事，任何声音都是那样的悦耳动听，但是如果哦倾听者烦恼愤怒，则这些声音变成了噪音。就更别提不带感情没有任何节奏的噪音，其绝对可以让人发狂。也就是说，没有经过人为处理，没有添加任何感情因素的声音，其根本就不能称之为音乐，因为它不符合音乐所具有的规律性、节奏性、艺术性、技术性、创造性的特点。
（四）音乐的结构
如果音乐是自律性的，是不以人的情绪为转移的，同时也不会表达感情和情绪，那么音乐也就无所谓结构。因为这种所谓的音乐抹杀了创作者的主观能动性，不需要他的感情，他也就不会让自己的感情附注其中，自然会导致音乐作品中的乐音混杂毫无规律，也就没有什么规律和结构。因此这一部分内容涉及到的音乐结构，是建立在音乐它律性基础上的。音乐是音和声的艺术。音，指的是有节奏的声，是声的一种特别表现。而声则是物理敲打而形成的声波。因此最初的音乐便是人类高低声配合敲打器物，两者形成的有规律的声音。比如过去打夯号子声配上有节奏的夯击声。号子声和夯击声彼此搭配，形成了一种和谐听觉感受，让人感受到了一种力量，似乎看到了劳动场景。所以说，音乐结构是建立在音和声之上，比如钢琴和吉他的和弦，就是其追求几种声音达成的最和谐的最舒适的那种听觉感受。和弦彼此搭配可以让人心情舒展，让人沉浸在一种情境当中。不过和弦也可以以几个跳跃的，不和谐的和弦组成一段音乐作品，其形成了一种紧张的感觉，往往这种音乐艺术出现在一些电影的桥段中，以辅推进剧情。
三、现代音乐美学对音乐艺术表演的启示
音乐艺术表演是音乐在创造的过程，是通过一系列的人为加工配合一定的乐器，让音乐作品的精神内核充分释放出来。也就是说，音乐艺术表演需要表演者拥有丰富的情感以及强大的处理技术水平。不过在笔者看来，音乐自律性的积极借用，可以让音乐情感或者意境变得更加真实。
（一）音乐自律结合音乐他律
约翰凯奇是音乐自律派的铁杆支持者，他的《4分33秒》最开始只是演奏者哑剧般的表演，一次次地打开琴盒再关上，然后退场过段时间又上场，通过这种反复表演，最终使得观众出现了窃窃私语，继而质疑声，最后是叫骂声。对于《4分33秒》而言，真正的声音却是观众席上传来的窃窃私语、质疑声和叫骂声。这看起来非常不可思议，设置于笔者为听众而感到不值。不过音乐自律性也并非一无是处。笔者认为在音乐的再创作过程中，可以考虑音乐自律性和音律它律性结合，从而使得作品意境更好。当然这里的音乐自律采用是和约翰凯奇不同，音乐自律部分也是经过人特别录制的，是那些来自于大自然的声音，比如火车鸣叫、风声、海浪声、动物鸣叫等等。将这些声音有机地融入到音乐作品当中，可以增加代入感。比如张雨生的《大海》，歌曲开始前有海浪的声音，其主要就是为了先入为主，塑造一种大海的深沉感，从而紧扣主题，增加歌词内容的内涵，让整幅作品更具艺术性。又比如刘鸿的《站台》，在歌唱的过程中出现了带着苍凉之意的火车吼声，顿时让整个作品的离别愁绪得到了升华，让听众听了心里发生颤动。还有上个世纪的《雪山飞狐》主题曲《雪中情》一开始就是北风呼啸的声音，随着歌唱的推进，一种北国风雪里发生的故事不由自主地出现在人们的脑海中。还有凤凰传奇的《荷塘月色》其中的那个水滴声效，一下子让整个作品变得特别静谧，充满了诗情画意。自然声音也就是音乐自律性的运用，可以让一个充满它律性音乐作品变得更加唯美。或者干脆说这是音乐作品使用自然声音而体现出来的一种情感塑造。和约翰凯奇的近乎胡闹似的《4分33秒》相比，笔者认为这种音乐自律性介入是通过制作者主观利用技术、理论，最终形成的一种音乐创造。
（二）音乐审美对音乐艺术表演的影响
凡是审美，是人与外界事物的一种情感联系。因此音乐审美是建立在情感基础上。这也就是为什么说音律自律性站不住脚的原因，因为音乐制作者是人欣赏的主体是个人，制造者也是人，他们都有情绪情感，如果音乐不存在情感，试问如何让二人产生联系呢？而音乐美学中，主要的一个内容就是音乐审美。其面对所有作品进行广泛的研究，最终形成了一系列的影响音乐审美的因素的总结。笔者认为影响听众对某个音乐作品的印象的主要因素为：第一，音乐艺术表演者以及聆听者的综合素养，或者说文化底蕴，这个主要着落在歌词上。比如周杰伦的《青花瓷》《台》从意境上就比《双节棍》等好，因为前二者拥有极强的文化艺术气息。第二，音乐艺术表演者表演能力，也就是技术处理能力的高低。很难想象一个连和声过渡都处理不好的表演者能将一个好的作品升华。第三，他人对表演者的评价。也就是现代社会所说的从众性。一个原本很好的音乐作品，可能因为他人不良评价而导致主体改变评价。第四，倾听者专业知识层次，专业程度越高对作品的要求越高，层次越低对作品的要求也越低，这就是有人听不懂歌剧、京剧，却对流行歌曲赞叹有加的原因。因此在现代音乐美学之下，要结合社会大众或者既定的聆听对象的审美标准，对音乐作品进行再创造。当然，前提是音乐艺术表演者需要拥有良好的专业能力，结构处理的技术能力，最后才是创造力。没有能力的创造，那是粗制滥造。就如前文所述的翰凯奇的《4分33秒》，那是纯粹的一种行为艺术，虽然他是在表达无声也是音乐，但是其不符合音乐是声波传达的这一特性。笔者认为，音乐的创造性，就是主观上要有机融合各种利于表达情感的因素，让情感获得足够的张力。
（三）音乐结构对音乐艺术表演的影响
1.音乐结构影响因素之声音
前文说过，音乐是音和声的艺术，是处理音和声的技术，是实现音声结合的创意。音乐存在着不可视的结构，那就是音声的不同结合方式，也就是存在着不同的节奏、间奏。音，歌唱、朗诵，来自于声带的震动。声，来自于物理敲打形成的声波。故此比较完整的音乐作品不是声乐，而是歌唱、朗诵以及物理弹奏声结合的作品。现代社会随着数字技术的发展成熟，各种声音声效都可以制作出来，在很大的程度上拓宽了音乐的形式。
2.音乐结构影响因素之节奏
另外节奏和结构也有紧密的关系，一个音乐作品是声音在一定节奏基础上实现的声音相合。如果说音乐是可视的，声和音是具体的水泥、钢材等原材料，那么节奏就是设计图纸，通过它才实现了原材料的各就各位，最终达成一个雄伟建筑。节奏上主要有主要有1/4、2/4、3/4、4/4、3/8、6/8等等。这些拍子都有不同的听觉效果，让人产生不同的聆听感受。
3.音乐结构影响因素之时代
现代音乐美学受现代人们生活方式影响，普遍认为那些快节奏的音乐更有市场，或者说现在的音乐人受现实生活影响，将现代急躁心理折射到了创作中导致了作品的快节奏。对于音乐美学当中涉及到的结构进行研究，可以在很大程度上促进音乐艺术表演能够更加遵从音乐结构，或者说能够打破传统音乐结构，形成一种比较有创意和突破的结构，使再创作的音乐作品较比原作品更具有时代感。比如《梁祝》，在古代自然是古代乐器古代人能接受的节奏，而到了现代则出现了现代乐器以及现代人喜欢的节奏，导致同为《梁祝》但是表达出来的意境不同。
四、结语
现代音乐美学中音乐自律和音乐他律说到底是关于情感元素的争论。音乐表演艺术最高境界就是实现听众的心灵上的碰撞，其肯定了音乐它律性。不过对于音乐表演可以有机地采用自然声音，实现音乐自律性和它律性结合，提升作品意境。作为音乐表演艺术的主体，表演者要精通音乐美学，方能再现音乐所具有的真善美。
[参考文献]
[1]张前.现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示[J].中央音乐学院学报,2005,01:37-42+36.
[2]高拂晓.迈尔的音乐美学分析及对音乐表演的启示[J].南京艺术学院学报(音乐与表演版),2008,04:82-91.
[3]惠芳.现代音乐美学促进声乐表演艺术发展的理论研究[J].音乐创作,2012,07:124-125.
一、完全学分制对广告学课程体系的新要求
完全学分制是一种把必须取得的毕业总学分作为毕业标准的一种教学管理制度，它要求按照培养目标和教学计划中各门课程及教学环节的学时量，确定每门课程的学分，设置必修课和选修课，规定各类课程的比例，以及准予学生毕业的最低总学分。与学年制、学年学分制等传统的教学管理体制相比，完全学分制最大的特点在于学生可以根据自身的情况，自主地选择课程、上课时间以及老师;同时，又可以设计与优化自己的知识结构，具有较大的学习自主权。因此，完全学分制要求学校能够开设大量的课程群，除极少数专业面很窄的专业课以外，每门课程都应有数位教师授课，而且选修课涉及的学科要广，所占比例要大，以满足不同学生的不同选择。因而完全学分制灵活性强，有利于学生知识结构趋于多元化，也有利于学科之间的渗透及边缘学科的发展。
广告学专业正是一门典型的综合性边缘科学，它涉及社会学、经济学、心理学、新闻学、传播学、语言学、统计学、美学、艺术学等众多学科，并且广告学本身有着自己完整的理论体系和许多分支学科，同时还涉及消费者心理学、市场营销学等方面的知识。完全学分制为广告学专业的人才培养提供了非常好的平台，同时也对专业课程的设置与课程体系的调整优化提出了新的挑战。
二、完全学分制背景下广告学专业课程体系优化
上海工程技术大学广告学专业自1997年开始招收专业本科生，本科办学历史至今已有19年。目前，广告学专业已经形成了鲜明的专业定位与特色，紧密联系新传播环境下对新型广告人才的需求，同时依托艺术设计学院多种媒体艺术创意设计的背景，提出了“注重学生媒体创意传播能力，培养既有品牌整合推广意识，又掌握多种媒体创意制作能力的整合推广应用型广告人才”的专业培养定位。完全学分制的推行，对专业课程体系的调整提出了新的要求，特别是学科基础平台课的拓展和专业方向课程组的设置。本着“以人才培养为核心，以专业方向为目标，以专业课程体系为依托，以学生自主学习为渠道”的指导思想，本文提出以下构想。
1.优化专业课程体系
强化专业核心课程。我校广告学专业核心课程的设置与国内众多院校广告学专业基本一致，既注重专业基础理论，也重视广告实务操作。专业核心课程由学科基础必修课和专业基础必修课构成，部分分布于学科基础平台课程组，部分分布于专业课课程组。主要有《传播学概论》《整合营销传播》《广告学概论》《广告调查》《广告策划》《广告效果测评》《影视广告制作》《广告文案》《广告摄影基础》《中外广告史》《广告创意》《广告媒介》《网络营销》《实效促销》等。完全学分制下，专业核心课程面向本专业所有学生，采用集中安排，统一授课，并安排专业水平最高、教学经验最丰富的教师授课，以保证质量。时间安排上，核心课程应尽量安排在一、二年级开设，最迟不应迟于第5学期。
细化专业方向课程模块。完全学分制下，应改变原有的“一套教学计划框定所有学生”的做法，充分尊重学生的专业兴趣，挖掘学生的专业特长，有针对性地细化专业方向，重新划分课程模块，合理分配学时，从三年级开始让学生自主选择专业方向课程，让学生学有所长，业有专攻。目前，我专业尚未形成有体系的专业方向选修课，现行教学计划中，学生的选课余地也比较有限。结合我专业现有资源与优势，以“品牌整合推广与传播执行”为专业特色，拟开设的专业方向有：广告策划与创意、营销调研与数据分析、广告设计与制作、媒介与市场行销。拟拓展的专业方向有：广告经营管理、新媒体广告运作、跨文化广告传播。
围绕专业方向形成“套餐式”课程组。各方向课程组均由“理论课+实践教学+第二课堂+毕业设计论文”构成，具体构成如下。
广告策划与创意方向：理论选修课包括《品牌专题》《汉语文化》《商务文案》《经典广告个案研究》《影视广告专题》《创意产业策划》《网络广告创意策划》《会展策划》《新媒体广告策划》等;实践教学环节包括《广告策划专题实习》《活动策划实习》《中外品牌专题研究》等;第二课堂为策划类创新创业、素质拓展活动;毕业设计为策划创意方向相关选题。
营销调研与数据分析方向：理论选修课包括社会学、传播调研方法、广告调查技术、统计与分析软件应用、数据库应用等;实践教学环节包括广告调查专题实习、品牌专题调研与分析实习、消费者调研与分析实习等;第二课堂为营销调研相关创新创业、素质拓展活动;毕业设计为营销调研方向相关选题。
广告设计与制作方向：理论选修课包括平面广告设计、户外广告设计、CI设计、VI设计、影视广告设计制作、广播广告设计制作、网络广告设计、多媒体广告设计等;实践教学环节包括影视广告制作实习、广播广告制作实习、网络广告制作实习、多媒体广告制作实习;第二课堂为广告设计制作相关创新创业、素质拓展活动;毕业设计为广告设计制作方向相关选题。
媒介与市场行销方向：理论选修课包括消费行为学、市场营销学、财务管理、商务谈判与沟通、电子商务、当代传媒概况、传播调研方法、专项媒介研究、媒介计划与购买、广告投放效果测评等;实践教学环节包括媒介计划与购买专题实习、品牌推广专题实践实习、媒介机构调查专题实习等;第二课堂为媒介购买、市场行销类创新创业、素质拓展活动;毕业设计为媒介与市场行销方向相关选题。
按照以上构想将广告专业课程体系进行“方向模块”的调整优化，一方面保持了专业教学的完整性、系统性，一方面也形成了真正的专业特色。特别是专业方向课程组中，从专业方向理论课，再到专业方向实践实习课，始终围绕一个专业方向，无论是理论的学习，还是实践技能的培养，乃至最后的毕业设计(论文)方向，都能够目标明确，一气呵成。在学习过程中，学生也有较大的选择空间，体现了一定的自主性。
2.强化广告实务教学环节与技能训练
强化广告实务类课程。当前，国内主要高校广告学专业普遍重视广告实务类课程，理论课与实务类课程的比例最高达到2∶8，如厦门大学、中国传媒大学、武汉大学、中国人民大学、暨南大学等。对我专业实务类课程的教学，力争形成“精兵领衔(基础理论+实务理论+应用软件+实践教学)、贯通式教学”的模式。
加强实践教学环节。对于专业实践教学环节的课程，力争与社会企业联合进行，与实际项目相结合，与各级别的学科竞赛相结合。每门实践实习课程结课后，鼓励师生进行各种形式的课程汇报、成果展示、经验交流活动，并将有形资料整理归档。
开展学生广告技能比赛。在院系内不定期开展相关学生广告技能比赛，以鼓励学生加强广告操作能力的训练，并展示自己的专业技能。创意类比赛：文案撰写、广告故事脚本绘制、原创广告歌曲等;设计制作类比赛：(平面、影视、广播、网络)广告作品制作、广告配音等;整合营销传播类比赛：策划方案及提案、营销调研报告等。
广告实战项目进课堂。紧紧围绕我专业培养应用型人才的定位，在各类广告实务课程、实践实习课程、创新实验课程中引入广告实战项目或课题。以实战项目、课题激发学生的学习兴趣，使课程目标更为明确，有助于引导学生自主学习，并积累专业实践成果。引入项目可包括学科竞赛、校企合作项目、企业委托项目，大学生创新训练项目、合作教育科研训练项目以及其他项目。
三、结语
完全学分制背景下，如何设置专业课程体系才能给学生最大的自主选择空间，把专业学习的自主性完全交给学生，由学生根据自己的专业兴趣与个性特长自行设计专业方向的课程构架，是一项需要长期研究并不断改进完善的工程。只有最大程度激发学生的自我学习主动性，才能真正体现完全学分制的优势，真正实现“因材施教”的教育原则。
关键词：地域文化；中原地区；美学思想；城市绿地
中国有着悠久的历史和文化传统，拥有广博多样的地域自然环境和特定的人文环境，中华民族善于用天人合一的思想指导人居环境建设。我国主流文化的形成，与中原地区密切相关。中原地区的文化有别于一般地域文化，带有正统性的特点。随着社会经济的发展，城镇建设越来越突出地域性特点，传统美学在当代城镇建设中的作用也日益突出，我国目前城市的建设受到国外“城市美化运动”的影响，在城市建设思维上出现了情与理权衡的偏差，出现了千城一面的现象，从而失去了地方特色。本文分析了中原地区城市绿地建设的思考，并试图从中原地区美学思想的角度，探讨符合国人审美心理的现代中国城市绿地建设的意义。
1对我们有影响的中国传统美学
我国从前秦时期就形成了以审美意象为主要特征的传统美学思想。传统美学影响到国人生活的各个方面，至今我们某些处理问题的方式还受这些思维方法影响。老子提出“道”是万物的起源，是宇宙的基本评价尺度，这影响到国人在看待空间界限上与西方人的差别：在老子的思想中，重点突出人与自然相互依存的观点。孔子则重视个人的美育在社会教化中的重要作用，在欣赏自然美方面，孔子提出了“智者乐水，仁者乐山”的观点，认为对自然山水的欣赏要符合欣赏主体的道德观念。
我国古代环境美学思想内容十分丰富，其中以人为本的价值取向和整体和合的思维方式在今天看来尤具借鉴意义。风景园林师们要善于吸取前人的智慧、他人的经验，科学分析和正确处理城市住区与城市景观、城市住区与周边环境、城市住区内部景观等关系问题。
2中原概念及其文化基本精神
2.1中原概念的形成及其区域优势
中原既是一个地理学的概念，也是一个历史学的概念。汉代以后称河南一带为中土或中州、中原，在这个地域内产生和流布的文化，学界泛称为中原文化。
中原一词最初不是作为地域概念出现的，只是一个普通名词，后来逐渐演变成为中州之地的专用术语。中原地区历史悠久，中原文化的源头博大精深，其影响力辐射四方。北宋以后虽然趋于衰落，但其影响依然绵延不绝。
2.2中原文化的基本精神
中原地区长期作为中国历史上政治的焦点和文明核心。因此，中原地区是中华民族精神形成的主要区域，这一地区的文化有别于一般地域文化，带有很强的正统性特点。刚健勤劳，自强不息，中原文化基本精神的一个突出特点，即自强不息，刚健有为；主张大一统，崇尚和为贵，中原文化的基本精神另一个突出的方面，是崇尚和为贵的大一统思想；注重发明创造，是中原文化的一贯精神。
3美学思想在城市绿地建设中的应用
3.1关学思想在城市建设中的结合运用
1992年，钱学森先生在《美术》杂志上提倡中国画要画关于现代城市的题材，“城市山水画”这一提法开始传开。画家祝林恩创作了一系列表现城市风光的作品，开创了“城市山水画”这一新的领域，祝林恩也被称“中国城市山水画”的开创者，“城市山水画”表现的是城市风光和都市生活，寄托了人们对居住环境的美好向往和艺术性追求，对现代化“山水城市”的建设也提供了参考。
生活的艺术是一种技巧，而艺术的生活则是一种境界。优美生活的体验要求城镇居民具有一定程度的审美意识与审美素养。城市美学正是通过城市的审美与艺术活动来陶冶人的情操，净化人的心灵。城市绿地是城市环境景观的重要组成部分，它与城市美学相辅相成，通过城市美学的指导思想创造宜居的城市生活环境，从而提高城市居民的文化素质、内在修养，铸造城市居民的高品质生活。奥地利建筑师卡米罗·希特的《按照艺术的原则建设城市》正是现代城市美学艺术说的代表，他的艺术原则着眼于关系，特别是城市设计和景观规划设计者可以直接控制和创造城市环境里的公共建筑物、广场与街道之间的视觉关系，这种关系应该是民主的并且互相辉映的，每个物体之间应该无论从视觉体量或比例尺寸感受上都应有相对应的关系，人们可以从这种相互影响、相互渗透的关系中找到城市环境景观的直观感受。除此以外，城市绿地建设相连更多关系的现代城市美学思想，就是我们不可不提的19世纪英国社会活动家埃布倪泽·霍华德的花园城市思想，也就是通常所说的自然说城市现代美学。其代表作《明日的花园城市》集中体现了他的美学思想。这种思想就是通过对城市地块的规划设计，使城市布满各种绿地并且每块绿地在空间上相互联系交织成网带有均衡的观点。
3.2山水园林关学与山水城市建设
中国古典园林其实是风景名胜之集大成的“集景文化”，它把山、水、建筑、花木作为造园的四大要素，四大要素都与山水有着极为深刻的内在联系，离开了山水就没有中国园林。中国古典园林追求的是以小见大的深远意境，山水在园林中，通过欣赏园林中山水可以联想到无限的自然景色，从而达到与自然亲近、驱除烦恼、陶冶性情的目的。现在，在建设山水城市的进程中，了解山水文化的特征，吸收古典园林中的美学思想，做到“古为今用”，对建设“山水城市”有重要的意义。山水诗、山水画、山水园林的美学特点是一致的，其所追求的都是诗画意趣和超越形似强调神韵，都是在“神似”上大做文章的。我们要全面地、正确地去理解山水城市的核心精神，传承传统文化中的精髓，吸收中国山水美学的精神，营造出“天人合一”的理想境界，使现代化的“山水城市”真正具有中国特色和富有东方文化的内涵。4中原地域美学思想在城市绿地建设中的应用
4.1城市绿地建设文化性的内涵
城市绿地建设本身具有文化属性，其可以凭借城市的合理利用来构建。城市这种形式在人类文明的长期进程中，与人类文化有机融合，从而向人们传达着浓郁的文化气息，城市绿地建设文化包括精神和物质两个方面，精神文化主要体现在语言文化、民俗文化、宗教信仰文化等；物质文化主要体现在植物文化、生态文化、建筑文化等。
4.2城市绿地建设文化性的体现
城市绿地文化性在大都借风物抒感，借物咏志，如“红豆生南国，春来发几枝；愿君多采撷，此物最相思。”体现了华夏文化的无穷魅力。各地具有代表性的市树市花及花卉展，如洛阳牡丹花会、开封展等代表着当地独特的地域文化。植物文化性在宗教方面更是大放异彩，人们也常常表达对宗教神灵的敬仰，菩提树等成为沟通神灵世界的媒介。
4.3中原地域关学思想在城市绿地建设的体现
中原地区美学思想深受儒家道家哲学思想影响，要求无论是人的审美，对艺术作品的评析还是对自然景观的赏玩，都强调绿地空间按主次序列进行有效转换。如洛阳市在城市建设中突出城市“十字”景观骨架，以金谷园路一洛南行政中心轴线和隋唐洛阳城遗址轴线所构成的南北向城市景观风貌带，以洛河为轴，沿河两岸景观形成东西向城市景观风貌带。但也有一些城市的园林景观设计以及应用功能并没有把人的功能需要和情感需要作为基本出发点，城市的各个功能分区往往既不清晰、不合理，市民缺乏适宜的心理过渡空间，并没有考虑到普通市民的功能和心理需求，各地在园林绿化建设中没有充分考虑地域文化，一味引用名贵树种，而这些与儒家道德美学的初衷相违背的城市绿地建设应该回归到整体性的思考，应当从居民需求的角度出发建设舒适生态宜居的城市。 本文由wWw.DyLw.NeT提供，第一论 文 网专业教育教学论文和以及服务，欢迎光临dYlw.nET
