时间：2022-06-02 09:55:33
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术世界论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
课题名称：
试论舞蹈教育对中小学生心理素质的积极影响
学生姓名：
系 别：
音 乐 系
专 业：
音 乐 学
指导教师：
一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：
《中国教育政策和发展纲要》指出：“当今世界风云变幻，国际竞争日益激烈，科学技术发展迅速，世界范围的经济竞争，综合国力的竞争，实质上是科学技术的竞争。从这个意义上说，谁掌握了21世纪的教育，谁就能在21世界的国际竞争中处于战略地位。”在今天这个异彩纷呈的世界里尽管人们交流的方式多种多样，但舞蹈仍以其独特的美的表现传达着人类共同的享受，共同追求的情感。它为我们展现的人类心灵深处的情感不仅为特定民族所接受，而且也引起全人类心的共鸣。随着改革开放的进一步发展，我国与外部世界的文化交流日益频繁，学生可以通地艺术这一窗口领略到世界各国的文化，共同体验对人类的热爱，对美好生活的向往，对真善美的渴求和人生的珍重。学生感受到自身的情感的波动和他人情感的交流，形成以审美的态度对于自己和他人，以审美的态度对于社会和生活，从而有利于增加人与人之间的了解，互动和团结，增强学生的集体意识和团队精神，自信心和自豪感，提高学生的人文素养，激发学生对生活的热爱以及对美好未来的不懈追求。
长期以来，我国舞蹈教育的价值曾被人们所低估，许多人认为，舞蹈能力的培养只对少数将来要专门从事舞蹈工作的人是必需的，对一般的学生来说只是点缀，中国的小学教育一直到大学教育从来没把舞蹈课列入课程中，只有少数条件较好的学校在课外活动中加入一些舞蹈活动内容。面向21世纪的时常经济和技术革命的挑战，学校不但要重视素质教育，更要从学校的教学内容的课程体系，以及观念上加以改革，让舞蹈教育彻底溶入心理素质教育中，且充分发挥它的积极作用。
二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：
基本内容：
1、舞蹈、心理素质的含义。
2、舞蹈教育对中小学生的作用。
拟解决的主要问题：
1、目前中小学生在心理素质方面存在的问题。
2、如何通过舞蹈教育培养中小学生的心理素质。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：
1、网上、图书馆搜集相关资料;
2、请教指导老师陈文红副教授，确定选题方向;
3、与同学共同讨论本课题，互相交流意见;
4、写好开题报告;
5、根据已选题目进一步搜集资料，并拟好论文提纲;
6、论文写作;
7、论文修改并定稿。
进度安排：
1、依据论文参考选题，作好论文先期搜集工作;
2、选题，写开题报告;
3、开题报告定稿，接受毕业论文任务书;
4、论文写作阶段完成初稿并接受论文中期检查;
5、修改论文阶段;
6、论文答辩。
四、主要参考文献：
[1] 王国宾，平心，矫立森.关于舞蹈美育与素质教育的研究[c].上海：上海音乐出版社，2004.352-375.
[2] 朱培科，马柯.培养学生创造意识的必要[j].舞蹈，2005，(3)：48-49.
[3] 探索舞蹈艺术教育对少儿素质教育的作用[eb/ol].
http：//.cn/net-base/news.jsp?id=68,2006-03-22 .
[4] 浅谈儿童舞蹈教学中的素质教育 [eb/ol].
，2005-11-22.
[5] 安洁.素质教育在高师音乐教育中的作用[j].音乐天地，2005，05.7-9.
[6] 杨仲华，温立伟.舞蹈艺术教育[c].人民出版社，2003.293-294.
[7] 隆荫培，徐尔充. 舞蹈艺术概论[c].上海音乐出版社.2001-03.
[8] 刘沛译.美国艺术教育国家标准[j].舞蹈，2002，(4)：36.
[9] 武霞.浅谈如何在舞蹈教学中培养学生的能力[d].2004.
[10] gb/t 7-303-06069-3,教育心理学考试大纲[s].
五、指导教师意见：
签名：
六、教研室意见：
签名：
注：此表由学生本人填写，一式三份，一份留系里存档，指导教师和学生本人各保存一份。
经中华人民共和国国务院批准，由国际音乐教育学会、中国教育学会音乐教育分会、中国音乐学院主办的“第29届世界音乐教育大会”，将于2010年8月在中国北京举行。届时将有来自世界各国音乐教育界的数千名专家、学者和教师相聚北京，进行学术交流、专题研讨和教学展示；同时还有来自世界各国的60余场绚丽多姿、各具民族特色的精彩音乐会进行展示和交流。本届音乐教育大会将为中国音乐教育界的广大学者和教师架起一座通往国际音乐教育学术论坛的桥梁，传递音乐教育课堂教学的最新动态、最新理念和最新成果，对弘扬中华民族音乐文化、促进中外音乐教育界的合作交流、推动中国音乐教育的改革与发展具有十分重要而深远的意义。
现将第29届世界音乐教育大会的具体方案发给你们，请认真做好参会的各项宣传、组织工作，确保这届大会圆满成功。
附件：关于举办第29届世界音乐教育大会的方案
第29届世界音乐教育大会组委会
中国教育学会音乐教育分会
中国音乐学院
2009年7月15日
关于举办第29届世界音乐教育大会的方案
一、大会主题
“和谐与世界的未来”
“和谐”是中国音乐文化的基本特征，也是中国自古以来所推崇的理念和追求的最高境界。围绕“和谐与世界的未来”这一主题，与会者将就音乐教育教学和音乐艺术实践等相关领域，从不同侧面和角度，进行各种形式的学术交流。
二、大会主办单位
国际音乐教育学会(ISME)、中国教育学会音乐教育分会(CSME)、中国音乐学院(cCM)
三、大会时间、地点
时间：2010年8月1日至6日
地点：国家会议中心(北京奥林匹克公园内) 中国音乐学院
报到时间：2010年7月31日一8月1日
报到地点：中国音乐学院第29届世界音乐教育大会组委会办公室
四、大会参会人员
国内外各级各类学校、幼儿园及校外、社会音乐教育机构的专家学者、音乐教师、研究生、音乐教育科研工作者、教育管理者以及各类音乐演出团体等。
五、大会形式
1 主题演讲(Keynote Speaker)：会议邀请四位国内外知名的学者进行大会主题演讲(演讲时间各为1小时30分钟)。
2 教学展示(Class Teaching Demonstration)：这是此届世界音乐教育大会新增添的一种课堂教学展示形式。其内容为国内外小学、中学、大学音乐课堂教学，时间为55分钟，过程包括讲课40分钟，互动和讨论15分钟。
3 论文宣读(Spoken Paper)：大会期间，论文提交者有20-25分钟的时间，用以陈述论文的主要观点和内容(可以使用PPT)。之后，有5分钟提问时间，演讲者给予回答。
4 论文海报(Posters)：大会将提供单位为70cm×100cm尺寸的论文展示板，供论文海报入选者使用。论文海报提交者可根据自己的论文内容，于会前设计展示版面(不超过4个版面)，印制成中英文海报，在会议规定的时间内进行展示和交流。
5 工作坊(Workshop)：这是世界音乐教育大会中关于音乐教学实践的一种相互交流、互动形式，内容包括音乐教学法、合唱与指挥教学、器乐教学、欣赏教学等。每个工作坊的时间各为60分钟，过程包括教学简要介绍5分钟，现场教学45分钟，提问、交流和互动10分钟。
6 专题研讨会(Symposia)，也称为“圆桌会议”：其主要内容和形式，是围绕一个主题宣读论文并进行研讨。此研讨会的主持人身份，需由参会者自己提出申请、提交研讨主题和论文并通过审核获得。其职责包括：提出会议研讨主题、确定研讨会参与者名单、组织参与者提交论文、组织论文宣读与讨论。
7 音乐会(Concert)：包括室内与露天音乐会，分别在中午、傍晚或晚上进行，参会代表可以免费观看。
(以上七种会议形式均配有现场翻译，中国参会代表没有语言障碍。)
六、大会注册与会员申请
(一)会议注册与报到
1 注册时间
2009年8月1日至2010年7月30日
说明：
(1)港澳台地区的申请者可按照中国代表参会标准注册。
(2)中国代表参会的名额限定为2000名，如未能在规定注册时间内注册，将不得参加会议。但由于特殊情况只能在报到时现场注册的。需在原有费用的基础上增加200元人民币。
(3)参会人员的交通、食宿自理，会议可提供不同标准的住宿条件。
3 注册办法
(1)网上注册方式：
登陆“第29届世界音乐教育大会”网站(省略／2010／chinese)，参见“大会注册与会员申请”，按照网上提示注册交费。
(2)邮寄注册方式：
登陆“第29届世界音乐教育大会”网站(省略／2010／chinese)或“中国音教网”、“人民音乐出版社”网站下载“第29届世界音乐教育大会注册申请表”，填写后邮寄(注册费需汇款或转账)至下述联系地址：
(二)会员申请
1 根据国际音乐教育学会的要求，参加第29届世界音乐教育大会的代表分为三种类型，一是国际音乐教育学会的团体会员或个体会员代表；二是学生代表；三是非会员代表。不同类型的代表，应根据不同参会标准提交注册费，方可注册参会。
2 各类论文的提交者(含学生代表)、教案的入选者以及音乐会申请人，需成为国际音乐教育学会的个体会员。凡不是该会个体会员者，需在办理注册手续的同时，办理加入国际音乐教育学会入会手续，方可注册参会。
3 一般参会者，只需获取国际音乐教育学会团体会员的资格。由于中国教育学会音乐教育分会(CSME)已经是国际音乐教育学会的团体会员，为此，凡中方代表已经是中国教育学会音乐教育分会会员者，可视为已经具有一般参会者资格；如果尚未加入中国教育学会音乐教育分会，且欲参会者，又具有在职在岗三年以上教龄的教师，可在办理注册手续的同时，办理加入中国教育学会音乐教育分会的手续；或直接加入国际音乐教育学会，以该会个体会员资格参会；或以非会员参会注册标准参会。
说明：
(1)凡申请加入中国教育学会音乐教育分会者，请登陆“中国音教网”(省略)。点击“学会专栏”，下载“会员登记表”，并按照表上要求填写。在大会注册时。连同终身会员费(200元人民币)、注册费、表格、照片(两寸照)，一并以网上注册或邮
寄注册方式提交大会组委会，会后将会员证邮寄本人。有关联系方式，请参见注册办法。
(2)凡申请国际音乐教育学会个体会员者，请登陆“第29届世界音乐教育大会”网站(省略／2010／chinese)，按照网上提示填写申请表：或下载、填写“国际音乐教育学会(ISME)个体会员申请表”(中英文)。在大会注册时，连同会员费(普通个体会员450元人民币；学生会员300元人民币)、注册费、表格，一并以网上注册或邮寄注册方式提交大会组委会，会后将
会员证邮寄本人。有关联系方式。请参见注册办法。
七、论文、教案提交 (一)论文提交
1 提交时间
2009年8月至2009年10月31日
2 提交要求
参加论文演讲、工作坊、论文海报展示、圆桌会议的参会代表，需在申请时间内提交300～400字的中文和英文的论文摘要，及5000字以内的中文全文。请务必注明准备参加哪种会议形式(参见“大会会议形式”的2～6条)。
3 提交办法
论文一律采用网上提交方式，登陆“第29届世界音乐教育大会”网站(省略／2010／chinese)，参见“大会论文提交”，按照网上提示提交；或者下载并填写“第29届世界音乐教育大会论文、教案提交申请表”，发送至邮箱。
(二)教案提交
1 提交时间
2009年8月至2009年10月31日
2 提交要求
组委会推荐的参加教学展示的预选者，需在申请时间内提交300～400字的中文和英文的摘要(含纸质版和电子版)，及5000字以内的完整教案(含纸质版和电子版)和现场录制的教学光盘。大会组委会将组织专家进行评审，入选者在接到人选通知后，即可办理参加大会的相关手续。
3 提交办法
组委会推荐参加教学展示的教案一律采用邮寄和网上提交方式，登陆“第29届世界音乐教育大会”网站(省略／2010／chinese)，下载填写“第29届世界音乐教育大会论文、教案提交申请表”，教案的中英文摘要和全文电子版由网上提交(见下列地址)；教案的中英文摘要、全文的纸质版一式2份(A4纸打印)和教案光盘邮寄至以下联系地址：
八、大会演出申请
1 申请时间
2009年8月至2009年10月31日
2 申请要求
根据国际惯例，中国作为第29届世界音乐教育大会会议主办国，可以安排20场音乐会。演出团体的组团方式可以省、市、学校、少年宫以及各类音乐团体等为单位。可以是专业演出团体，也可以是业余演出团体。节目内容、形式要求丰富多样，包括演唱(独唱、合唱)、演奏(独奏、合奏)、舞蹈、戏剧、杂技、武术等。具体要求如下：
(1)节目富有鲜明的民族文化特色，具有较高的艺术性和观赏性。
(2)音乐会演出时间长度在一个半小时以内。
(3)原则上演员人数不超过60人。
经专家评审后，组委会将于2009年11月通知入选单位，签订“第29届世界音乐教育大会音乐会演出许可协议”。
3 申请办法
登陆“第29届世界音乐教育大会”网站(省略／20i0／chinese)，参见“大会演出申请”，下载填写“第29届世界音乐教育大会(音乐会)演出申请表”，将整场音乐会节目单(包括节目时长)、节目录像(DVD或VCD格式)、演出团体简历(中英文)、艺术指导或指挥简介、该团以往具有代表性的音乐会的录像(DVD，CD)及相应节目单，邮寄至下述联系地点：
4 相关要求
(1)演出人员无需交纳注册费，但是所有人员的差旅、食宿、演出环境的设计装饰、旅游等费用，需由各演出单位承担。组委会提供会议期间用车、场地、钢琴、简单的灯光音响设备。
(2)演出人员可以相互观摩，但不参加开幕宴会等活动。
九、会议程序
根据国际惯例，世界音乐教育大会分为两个阶段：第一阶段为国际音乐教育学会七个委员会的专题研讨会，分别于7月25日至31日之间在北京等城市举行；第二阶体大会(含音乐会)，在北京举行。
十、重要说明
1 凡提交教学展示、论文宣读、工作坊、海报等参会形式者，以及音乐会申请人，大会将组织国际评委进行评选，入选者在收到大会组委会有关人选通知后，方获得以各有关形式参会及演出的机会。未入选者，可作为一般参会者参会。
2 大会将出版第29届世界音乐教育大会秩序册(中英文)、论文集(英文摘要)、音乐会秩序册(中英文)及大会资料光盘(含大会秩序册、各类论文的英文全文、音乐会秩序册及各音乐会相关情况的英文介绍，以及相关图片、录像和录音)，上述资料将在大会注册时发给全体正式代表。
3 国际音乐教育学会与大会组委会将给所有入选者颁发人选证书。
4 国际音乐教育学会与大会组委会将给全体正式代表颁发参会证书。
我在艺术学校参加过3次毕业展，本科，Honours和硕士。当然最后毕业生每人出一两个作品汇报性质的展览也都参加了。三次毕业展中印象最深刻的不得不说是honours毕业展时一个同学做的一个卡拉OK的舞台，最可气的是它不停地自动播放这一首伴奏的音乐，声音分贝很高。对于和这件作品在同一空间内的其它作品简直就是一个悲剧。有几次我都忍不住偷偷把那玩意儿的音量调低了。
硕士毕业作品的要求就比较高了，实际上要求艺术家独立完成一次和自己论文相呼应的个展。我的论文题目是“Live Machine”，翻译过来就是“活机器”，论文通过对自己艺术体系的认识与研究，分析不同作品的创作与表达，探讨了关于生命、自由、惯性、局限性、物质性、真实和虚拟、“镜像”与“反射”、平等与尊严、自我、它者与环境的关系，主观与客观，等等一些列问题。它实际上是一次艺术家对自己和作品的认识、深化和发展。
展览之前我自嘲说自己有轻度被迫害妄想症，因为这个展览不但是对我论文内容的阐释延伸或再解构，它还映射了当时我对自我和生存环境的认识、焦虑、怀疑与期望。展期是2009年1月底，由于08年底09年初美国华尔街经济危机迅速蔓延全球，这个本来有预言醒世成分的艺术展变成了写实的应景。于是我把展览的题目定为“ ITISHAPPENING（正在发生）”， ITISHAPPENING 指代一个相对的时间范围内也包括漫长和“永恒”的东西在内。比如我用Photoshop制作了一个世界地图的镜像，然后将它变形处理，于是当时我所在的城市墨尔本就位于了这个正方形画面的中心（自我中心注意），画面上整个世界好像从纽约泼洒或者说被缩（吸入）了华街。
另一件作品是截取了老版windows系统电脑屏幕上的箭头和沙漏的标志。熟悉98或2000版windows系统的人都知道当屏幕上同时出现这个符号时候往往是计算机在运算或死机的时候，但是如果我们不再次激发其它程序我们永远不知道是哪一种情况或发生了什么，而在这种情况下激发新的程序经常会导致计算机超负荷死机，这种不可知和选择的焦虑让人不安。
展览中每一件作品都大概占据一个人的空间大小位置，根据展览建筑结构的特点分布在不同的位置上，他们又彼此呼应地形成一件大的装置，使观者游走在作品之中或之间，成为其中一部分。观者在不同位置上对不同作品进行的分组直接影响观者对作品的解读与认识。我想体现一种观者、作品、作者之间的平等与尊重。开幕那天气温42度，还是来了几百位观众，多数也是艺术家，几个艺术家组合现场表演了即兴创作的电子合成音乐，像个大party。展览期间我有时候和工作人员一起守画廊里，很多观众在仅仅几百平米的画廊里游走一两个小时，然后又兴致勃勃地与我分享感受，问各种各样的问题，让我觉得很过瘾。
我论文里提到的一些作品在这次展览中都不同程度地得到新的诠释或转化，我几乎不重复自己的创作，所以这个展览更像是对我论文内容的补充和继续。
毕业展的一系列作品是对自己艺术创作的实现和不断突破，它是之前艺术创作甚至是人生的积累，不能切割这种延续性，每一次创作都是一步台阶。我对这些台阶的拓展方向，深度、高度、宽度、广度都感兴趣。我想去他们带我去的任何未经之地。当然在学院的气泡里和艺术市场的现实中会面对非常不同的阻碍。目前状态下我不得不承认我怀念那气泡中的自由。
郭颢，艺术家，读了一个硕士，办过三次毕业展。在首都师范大学艺术教育专业没读完就出国，于2005年在墨尔本大学维多利亚艺术学院完成艺术学士学位（绘画），2006年完成Honours课程（在英国和新西兰、澳大利亚教育体系中，艺术系本科生生要读研究型研究生，必须有两年工作经验或者就读一年Honours课程）。2009取得墨尔本大学维多利亚艺术学院研究型艺术硕士学位。
Abstract The theoretical course is the summary and sublimation of the practice of Art. The teaching effect of the theory course is often unsatisfactory because of the extensive way of arranging courses， the machine preparing for the lesson， the old way of teaching， and the single examination method and so on. This paper explores the reform path of theoretical course from four aspects： scientifically arranging courses， revising teaching materials， improving teaching quality and improving examination mechanism.
Keywords art design； theoretical course； reform； path
中国的艺术设计教育肇始于十九世纪后半叶，经历了“工艺传习―图案设计―工艺美术―艺术设计”这一历史进程，[1]同时，艺术设计的培养方案、课程设置、教学方法也在不断地与时俱进。从目前来看，艺术设计专业主要包括环境设计、产品设计、视觉传达设计、服装设计、工业设计等几个方向。课程设置主要是三大类：第一是学科基础课程，如三大构成、设计素描、设计色彩、Visual Basic等计算机辅助设计基础课程；第二类是各个专业的专业课程，如室内空间设计、版式设计、交互设计、家具设计、服装设计、各类产品设计等；第三类是理论课程，其中又包括史论课、概论课和设计理论课，如中外工艺美术史、世界现代设计史、世界现代家具史、现代设计史、艺术概论、设计概论、设计美学、设计文化等。[2]事实上，理论课程所占比例较大，它对提高学生的人文素养、培养创新思维和鉴赏能力有着不可替代的作用，然而在具体的教学过程中，理论课程的教学效果却不尽如人意。基于此，笔者拟从具体的教学实践中分析理?课程存在的弊端，提出相应的创新改革方案，以就教于方家。
1 理论课程存在的弊端
虽从数量上看，理论课程占了比较大比例，但是绝大多数艺术院校或者艺术设计专业是以实践为重的，学生的重心也放在如何设计并制作出“实物”，参加各类设计比赛，理论对她们来说似乎是“虚”的东西。这就造成了理论课程排课方式简单粗放、备课方式机械重复、授课方式陈旧单调、考核方式单一等四大弊端。
1.1 排课方式粗放
合班上课效果不如意。学生每个学期的学时有限，而理论课程的数量又比较多，因此理论课程基本上是合班上课，最多的达到七个班合班，人数在210人左右。这样任课老师无法在短时间内熟悉每位同学的基本情况，上课的过程中也无法全面掌握学生听课的状态。为了更好地了解理论课合班上课的效果，笔者专门对学生做了简单的调查，数据表明，认为合班上课听课无干扰的占6.9%，认为有一定干扰的占29.8%，认为干扰比较大的占63.3%。这说明合班上课超过一定人数后，教学效果必然受到影响。
课程内容有重复。理论课程门类众多，不可避免地有重复和交叉的内容，如世界现代设计史、世界现代家具史、现代设计史这三门课程，虽然侧重点不一样，但是世界现代设计史本身就包含了世界家具史、现代设计史的部分内容。类似的还有设计概论、设计美学、设计心理学等课程，这些课程的导论部分或第一章往往都对“设计”的概念、内涵、发展等问题做出论述，内容大同小异。
1.2 备课方式机械
教材一成不变。艺术设计属于前沿学科，无论内容还是形式变化都非常快，作为设计实践的总结和提升，理论也不是亘古不变的。但是很多高校订购的教材几乎没有变化，许多教材的编写甚至还停留在上世纪九十年代，一些新方法、新问题、新发现都没有及时补充到教材中来。
备课照搬教材。教材的编写和设计实践、考古发现之间存在一定的时间差，因此备课的过程中不能完全照搬，要及时关注学术界新动态。以工艺美术史为例，田自秉先生编写的《中国工艺美术史》史料丰富、图录详尽，堪称经典，然而由于时代的原因，该书主要汇集和整理了我国自原始社会至二十世纪八十年以来的工艺美术史料，一些新文物、新发现没能编写进去，这就需要教师在备课过程中及时补充说明。
1.3 授课方式陈旧
相较于实践操作类课程，理论课程比较抽象晦涩，需要学生有一定理论基础，这恰恰是艺术类学生的短板，因此理论课在授课方式上本身也是一种挑战。目前理论课主流的授课方式是以教师为中心的讲授型授课，虽然有了多媒体设备，可通过直观的方式向学生展示图片及案例，但是学生始终处于被动的接受的状态，也很难切实参与到课堂中来，长此以往，学生的学习热情被消磨，谈不上激发创新思维或提高审美能力。
1.4 考查方式单一
卷面考试。理论课程通行的考查方式是试卷考试，开卷或闭卷。题型基本上是选择题、填空题、名词解释、论述题这几大类，且试卷的内容几乎年年雷同。学生即便不上课，临考前通过囫囵吞枣式背书也基本上能过关，这种方式没有使学生真正理解课程的内容。
课程论文。基于试卷考试的弊端，有些理论课采用论文的方式进行考查。由于论文通常在结课后两周左右就需要提交，学生没有充足的时间查找文献、阅读并分析文献，因此常常出?F雷同、抄袭的论文。不仅如此，论文提交、批阅完了之后，老师和学生之间也没有时间和场地专门就论文进行分析和交流，因而对理论问题的认识依然没有提升。
2 理论课程改革的路径
2.1 精简课程数量，科学安排课程
理论课程宁精勿滥，在课程的选择上，可根据专业的需要选择几门与专业契合度高的理论课程。在安排专业课教师的同时，教师之间要及时沟通，对课程的内容、教学的进度做进一步统筹，避免相同的内容反复讲授。如“设计心理学”、“设计概论”、“设计美学”等课程都会涉及到对“设计”这一概念的阐述，那么这三门课程的教师则需要提前沟通，最早讲授的一门课对概念性的问题进行分析，其他两门课程则一两句话带过，避免重复。
此外，在安排授课时间的时候，注意理论课与实践课之间的有效衔接。绝大多数高校艺术理论课安排在大一、大二，而且是理论课先行，即理论课全部结束之后安排设计专业课程。理论课程本身就比较抽象晦涩，如果把理论课与专业课割裂开来，学生学到的可能就是一些生硬的概念，无法把理论和实践联系起来。笔者认为，艺术设计专业的理论课程应该和专业课程穿插或平行设置，如“中外工艺美术史”可以和“漆饰产品设计”、“陶艺产品设计”或“金属工艺产品设计”等实践操作类课程平行，学生既可以了解这些产品的发展历程，同时掌握其制作工艺，实现感性与理性的合一。
2.2 备课详略得当，合理修改教材
教材的编写要兼顾体例的完整性，所以导论或第一章常常对概念性的问题做详细分析。但是一门理论课的课时通常只有32节，以史论课为例，在短短的32节课里，要完整地将世界设计史或者中外工艺美术史的发生、发展、背景、内涵和各个时期的经典作品逐一分析，时间显然是很紧迫的，所以备课的过程中，教师也应当充分发挥主观能动性，根据实际情况调整、选择上课的内容，一些概念性的问题可以简单讲解。比如《设计与文化》（庾萍编著，电子工业出版社）这门课程，第一章、第二章、第三章介绍“什么是设计”、“什么是文化”、“什么是设计文化”，这三章在备课的时候可以合并为一章，甚至一章中的一节，将教学的重点放在中西方文化的内涵及其对设计的具体影响上。
自古教学相长，理论课教师在教学过程中可以根据学生的专业特色和接受理解程度不断地总结教学经验，自己编写相应的教材，这对教师自身的理论水平也是极大的提升。
2.3 提升授课质量，以学生为中心
衡量一门课的价值，最重要的标准是学生的接受度和理解度。传统的以教师为中心的教学模式有其适用性和优势，可以体现教师在某一学科领域研究的深度和广度，但此模式建立在教师绝对权威、学生具备相当的理解能力的基础之上。艺术设计专业的学生理论基础普遍比较薄弱，因此上课的时候要格外注意学生的接受程度。以学生为中心的教学方式核心是学生的主动、有效参与，基于此，在上课的过程中本人采取两种方式，第一，每节课的最后十分钟为学生提问环节，安排两次提问的机会，学生提出来的问题，先由全班同学集体思考讨论，最后再做小结。第二，每学期安排两个课时，由学生自己报名来讲与课程主题相关的内容，时间可以安排在期中或者期末。这一目标在第一节课上课的时候便交代给学生，学生从开课第一天起就要思考自己讲课的内容，他们在上课的过程中自然也会更主动地学习。
2.4 完善考查机制，追加考后反馈
单一的试卷或论文的考查方式常常会带来片面的结果。笔者认为，在试卷和论文的基础上，学生课上的发言、讨论、PPT制作讲解，课后的思考总结、与老师就某一主题的交流和心得都可以纳入课程考核体系中。这样一来，就能避免出现学生不重视课堂，考试的时候仅通过死记硬背来应付的局面，有利于学生主动参与课堂学习。[3]
此外，考查的结果必然会反映出学生在课程学习中的薄弱点，但是一般来说，考试结束也就意味着某门课程的结束，这样一来，学生在学习上的薄弱点得不到及时的反馈和修正。因此笔者建议，在考试成绩出来之后，教师可以专门组织一个考后反馈的环节，对学生学习上存在的问题进行分析和补充，这种反馈的形式可以是书面形式，也可以是集中讨论的形式。
论文关键词：国画艺术，现实主义
从现有史料来看，我国国画艺术已有七千年发展历史。在长期的艺术实践中，中国画形成了与世界上其他画种显然不同的艺术特征。
从绘画材料工具到表现方法与艺术技巧，与西方艺术相比，形成了鲜明的对照。它深深地植根于中国人民之中 ，为中国人民所喜闻乐见。就是西方人也对中国过去的艺术赞叹不已。它有着极其丰富的经验，极其高超技艺，具有西方艺术不能具有的特有的艺术魅力，成为人类艺术宝库的宝贵财富。一个时期以来，我国美术界的某些人在认为“传统中国画正面临着走向死亡的必然命运”①的同时，异口同声地提出了全盘西化的主张美术论文，时至今天，中国画仍然放射出灿烂的光辉，应随着时代的推进，发展到更高更新阶段，为发展人类的艺术事业作出更大的贡献。
现实主义②是艺术发展的客观规律。这是十九世纪杰出的现实主义艺术家库尔贝提出来的。其实，现实主义早已存在人类艺术的发展过程之中。它随着时展而发展，促进了人类艺术事业的不断发展，不断前进论文开题报告。西方是这样，东方也是这样。西方文艺复兴时期的达.芬奇、米开朗基诺、纳斐尔，十九世纪的库尔贝、米勒、罗丹等都是现实主义的艺术大师。
在中国画史上，现实主义的艺术思想和创作方法也得到了充分体现。
六朝时期的顾恺之、唐代的吴道子都是当时的现实主义的杰出代表。在山水画方面体现得更为突出，在唐以前，山水画尚处在萌芽初创时期，唐代以后经历了六次大的变革。到大小李是第一次变革，到荆关董巨是第二次变革，到李成范宽是第三次变革，到刘李马夏是第四次变革，到大疵、黄鹤是第五次变革，到石涛是第六次变革，经过六次大的变革，现实主义在山水画领域得到了更大发展。在花鸟画方面，从徐渭、山人以后，现实主义创作方法也得到较大的发展。
在理论方面美术论文，现实主义思想更有重大发展，而且比西方早得多。在东晋时期，顾恺之就在过去注重写实的基础上提出了“以形写神”，“形神兼备”③的观点。他认为在人物画方面，不但要形似，而且要写出人物的独特精神风貌，这就是恩格斯提出的要塑造出“典型环境中的典型性”④。在这里要特别提一下的是，顾恺之这一精辟论点，也不是他随心所欲地自己臆造出来的。应很好了解一下当时的时代背景，东汉未年，魏氏鉴于人士流移，考详无地，立九品中正之制，把当地人物评为九等，供政府选用，于是对人物的品评议论成为当时议论的中心。当时对人伦鉴识重在道德、节操、忠孝、气节、儒学的品评。到曹操时代产生了很大变化，曹操反对儒学那一套，他多次下令，“夫有行之士，未必能进取，进取之士，未必能有行也。”⑤“陈平非笃行，苏秦岂守信耶”⑥美术论文，曹操自己也无操守，更不忠于汉。曹操、司马懿等皆不美，不但身形矮小，而且仪容不雅。如以美论人，就会得罪上层人物，但“精神”、“神情”还是值得重视的。实际上出色人物的“神”皆不一般。于是“精神”就为鉴赏人物所重视，到东晋，人伦鉴识由政治上的适用性逐渐变成对人的欣赏、士人名流论人言必神情风貌，顾恺之也是当时名流，自然皆以“神情”为标准。整个社会 评品人物轻形重神，为人画象，当然也以传神为主。可见“以形写神”之说，来自社会需求。体型美不美不关重要，画出一个人物的独特神情和本质特征就可以了，而能表现一个人的本质特征的，正好又是一个人的眼神。即来源于生活，来源于社会需求，来源于创作实践，这就是从现象到本质，也是从形到神，这就是现实主义思想与现实主义创作方法在人物画发展过程中的具体体现论文开题报告。
在顾恺之人物画上提出“以形写神”的论点的基础上，六朝山水画家姚最，又在山水画方面提出了“学穷质表美术论文，心师非化”⑦的论点。就是主张从现象到本质进行深入探讨，并从本质上心领神会地反映出作者的亲身感受。唐代山水画家张操又经过自己的创作实践，在姚最的理论基础上提出了“外师造化，必得心源”的论点。他们都是强调要认识事物的本质特征，心有感受地通过形象抒发出自已的思想感情和意趣情操。这些理论说明现实主义在山水画领域又得到了进一步发展，到五代，经过山水画家的艺术实践，又在前人的理论基础上提出了“图真”说。“真”是艺术的“真”。意思是来源于现实而又高于现实，达到本质的艺术的“真”。到清代，石涛辈山水画家更是在突破前人陈法的基础上提出了“笔墨当随时代”⑧的新论点，更把现实主义的思想达到了一个新的阶段。由此可见，中国国画艺术的发展都是和现实主义在中国的发展一脉相承的。前人早已知道了要认识事物的的本质特征并塑造出能反映本质特征的典型形象来抒发自己胸中的逸气。由此可见，现实主义在中国绘画艺术的发展过程中是源远流长的。
晚清以后，随着西方思想文化的引进，现实主义又在中国的发展史上得到了进一步的发展，形成了中国绘画艺术发展的优良传统。
参考文献：
①王春立，挺直民族的脊梁----关于中国画现代化的思考，《国画家》2002/2，P31。
②REALISM，《现实主义》。
③张守涛，东晋画家顾恺之。顾恺之，〈〈画论〉〉。
④童庆炳，〈〈文学概论〉〉。
⑤、⑥崔怀义，谈曹操的管理心理思想及其对现实的实践意义
⑦姚最《续画品》云：“谢赫，……至于气运精灵未穷生动之致，笔路纤弱，不复壮雅之怀，然中兴之后，像人莫及。……”
⑧石涛〈〈画语录〉〉
古筝论文参考文献：
[1]张心心.浅谈徐晓林古筝作品的音乐风格及对古筝艺术刻展的影响[J].大众文艺：学术版，2013（22）：157-158.
[2]李菲.明月红弦声停处别有深情几万重——浅析徐晓林古筝音乐创作特色[J].人民音乐，2015（4）：213-125.
[3]李春颖.浅析历史感悟中的古筝艺术发展与融合——以《临安遗恨》为例[J].音乐时空，2015（20）：50-51.
[4]汪莎.诗意的栖息——评陶一陌古筝曲《自在云端》的音乐创作[J].人民音乐，2013（11）：124-126.
[5]鲍晓媛.儒家音乐思想在古筝作品中的体现——兼谈社会思想语境对音乐文化发展的影响[J].黄河之声，2013（12）：23-24.
[6]廖文珺.高山流水觅知音——古筝艺术传统与创新的思考[J].音乐创作，2015（8）：132-133.
[7]陈满欣.论古筝演奏的继承与创新——谈现代古筝艺术的发展[J].新世纪剧坛，2011（1）：1001-1002.
[8]陆晶.“翰雅杯”首届中国古筝艺术传统流派及民间风格作品演奏（成都）邀请赛综述[J].音乐探索，2014（3）：130-133.
[9]葛雪婷.古筝演奏形式与技术发展——观“八面风·古筝室内乐新作品音乐会”有感[J].艺海，2013（8）：155-156.
[10]许育燕.音随心动——浅议古筝演与奏之间的影响与联系[J].北方音乐，2014（15）：94-95.
[11]符丽琴.筝鸣争鸣国乐飘香——多元音乐文化影响下的当代古筝音乐创作[J].北方音乐，2015（7）.
古筝论文参考文献：
[1]袁静芳.民族器乐（修订版）[M].北京：高等教育出版社，2004.
[2]陈安华.从筝的沿革看“世界筝”的趋向[J].星海音乐学报，1987，（02）.
[3]李庆丰.筝统天下，风格各异——山东、河南、潮州、客家筝派演奏方法之比[J].黄钟（中国·武汉音乐学院学报），2008，（02）.
[4]毛特.民族音乐的改良创新和工业设计[J].乐器，2008，（01）.
[5]侯方.感受听觉艺术中的视觉[J].人民音乐，2004，（10）.
古筝论文参考文献：
[1]杨妍，赵雪晖.高校古筝教学中古筝演奏与赏析的心理境因初探[J].长春教育学院学报，2013，05：92-93.
[2]吴珊珊.独立学院古筝实践教学方法探索[J].音乐时空，2015，01：153-154.
[3]赵星.筝乐演奏的灵魂之美——论古筝左手做韵技法之一“颤音”[J].大众文艺，2010，（05）.
[4]李萌.古筝基础教程[M].北京：国际文化出版公司，2000.
摘 要 该文采用文献资料法、录像观察法、专家访谈法和数理统计法，对第26届世界大学生运动会艺术体操集体项目成套动作中身体难度动作进行研究，内容主要包括身体难度动作的选择、分值等情况。通过研究得到世界各强队的技术数据、归纳强队的技术共性特征，找出中国队的相对优势和劣势，从而为中国艺术体操项目的发展提供参考依据。
关键词 26届世界大学生运动会 集体项目 成套动作 身体难度
一、研究对象与方法
（一）研究对象
26届世界大学生运动会艺术体操集体成套动作中身体难度动作研究。
（二）研究方法
1.文献资料法
查阅和检索中国期刊网全文数据库、外文体育期刊中艺术体操的相关资料，浏览各个网站中与艺术体操相关的最新信息并对2009年版国际艺术体操评分规则，了解集体项目的研究现状及技术的发展趋势，为本论文提供一定的理论依据。
2.录像观察法
通过观看26届世界大学生运动会艺术体操集体项目前四名共8套成套动作比赛录像，对运动员成套动作中与本论文相关的身体动作指标进行统计和分析，为本论文提供一定的数据支撑。
3.数理统计法
运用Excel统计软件对所有数据进行统计处理，对得出的数据进行比较研究。并绘制成表格为本论文提供可靠的数据支撑。
4.专家访谈法
对国家艺术体操队的教练员、裁判员相关专家以及多位前国家艺术体操队优秀运动员就成套动作中身体难度的选择问题进行访谈。
二、结果与分析
艺术体操的难度动作是由四类身体动作组成，即跳、转体、平衡、柔韧/波浪。跳、转体、柔韧/波浪是艺术体操成套动作中最具有代表性的动作，能够充分体现出艺术体操运动员的弹跳能力、平衡型能力、控制能力和柔韧性。国际艺术体操评分规则中明确指出：“运动员必须全面均衡的掌握该四种类型的身体动作”，体现在每一项器械的难度动作中。
在2011年世界大学生运动会艺术体操比赛中，集体项目的比赛是五球、三带两圈。因而这四大类身体难度在两项成套中出现的数量都比较多。由表1、表2可见，在难度动作的选择上，将我国运动员与世界优秀运动员进行对比，我国运动员各类难度价值和与所选难度总价值的比率，相对与世界优秀运动员来说，差距不大，各有特色；从所选各类难度动作的价值和上来看，体现出了运动员具有较好运用各类难度动作的能力。然而，仅仅通过分析所选各类难度的价值总和以及分析总价值比率图来判断运动员的竞技能力，显得有些局限，有必要通过分析各类难度动作的价值与数量的比率，来深入了解我国运动员与世界优秀运动员对各类型难度动作在数量和价值之间的平衡点，寻找我国运动员与世界优秀运动员所存在的真正差异。
（一）跳难度动作数量与平均价值的对比分析
跳，作为艺术体操的四大类身体难度动作之一，在成套动作中，因其大幅度，高冲击的身体动作并且经常结合大抛或抛接的器械动作，往往是最吸引人的亮点部分。正因为如此，跳难度对运动员的弹跳力、柔韧性、肌肉控制能力以及协调性等多种综合身体素质提出了更高的要求。运动员要想高质量高规格的完成漂亮的跳难度，必须有良好的身体综合能力作为支撑。
由上面四个图可以看出，与世界其它强队相比较，我国运动员所选择的跳难度动作的数量和难度等级与世界优秀运动员差距不大，从图1显示可知，在五球的比赛中我国所选择的跳难度数量多于亚军队和季军队，低于第四名队伍，从图3难度价值表来看，跳难度的平均价值略低于第四名队伍，高于亚军和季军队伍。
由图2可见，在三带两圈的比赛项目中，我国的跳步难度数量略低于亚军和第四名队伍，与季军队伍相同。图4显示出与世界优秀运动队相比，我国所选跳难度的平均价值低于亚军队和第四名，略高于季军队伍。可见，我国运动员在跳难度动作的选择上与世界优秀队伍相比，差异不明显；值得注意的是亚军队和第四名所选择的跳难度动作数量较之我国运动队略多，且价值偏高，明显显示出运动员身体机能的优势，值得我国运动员学习借鉴。
（二）转体难度动作数量与平均价值的对比分析
转体是新规则中注重发展的一项身体难度动作，是除了球操以外其它四个项目的规定动作组。在本轮比赛中，由图5可见，四支队伍在转体难度的选择上数量较少。除了季军队以外，其它的三个国家均选择了一个转体难度动作，由图7显示，我国转体难度的平均价值略高于第四名的平均价值难度，低于亚军、季军队伍，尤其是季军队伍表现除了较高的转体水平。
在三带两圈的成套动作中转体出现的次数最多，因此通过对带操的研究可以看出我国运动员转体难度的完成情况。由图6反应出来的结果是我国仍然选择了一个转体难度动作，与第四名选择的数量相同，低于亚军和季军队伍。由图8可见我国转体难度的平均价值略高于第四名，低于亚军和季军队伍，季军队伍仍然表现出高超的转体水平。
转体难度一直是我国运动员的弱势，选编较少的难度动作而获得较大的难度价值一直是我们关心的话题，通过这次比赛可以看出，我国运动员的申报难度分较低远没有达到新规则的标准，并且转体技术还有待提高。
（三）平衡难度动作数量与平均价值的对比分析
平衡难度动作是反映运动员在静力性控制身体平衡，而体现运动员能力水平的一个重要标志。在当今艺术体操的发展趋势下，许多优秀的运动队伍在平衡动作的造型上更多的是采用了上体向前、向后、向侧弯屈至水平位，同时结合大幅度控制腿的姿态，并且结合了两种不同姿态大幅度的平衡难度动作，这是对以往的平衡动作只注重腿的高度和腿的幅度，而上体保持直立简单姿态的突破。
由图9可见在五球比赛项目中，我国所选择的平衡难度的数量略低于亚军、季军和第四名的队伍，并且由图11可见所选平衡难度的平均价值也较之其它三支队伍较低。由此可分析在五球的比赛中运动平衡类身体难度动作较少。
但是由图10、12可以看出在三带两圈的比赛中我国平衡难度无论是在数量的选择还是在平均价值的体现上都略高于其它三支队伍，因此，我国运动员良好的身体素质也是取得冠军的重要因素，但是存在不足的是在平衡难度的选择上还是较为单一，不够多样化。
（四）柔韧与波浪难度动作数量与平均价值的对比分析
通过观看2011年世界大学生运动会艺术体操集体五球比赛录像可以看出我们国家的柔韧或波浪的难度得分率是各项最低的，而我们国家的运动员的柔韧素质一直比较好，由图13、图15示，与世界优秀运动员相比，我国运动员所选择的柔韧与波浪难度动作的数量和难度等级与世界优秀运动员差距不大，从图14、图16选择的柔韧与波浪难度数量世界优秀运动员数量相同，就难度价值而言，难度的总价值略高于世界其它优秀运动队。
三、结论与建议
（一）结论
我国运动员在难度动作的选择上与世界其它优秀运动队差距甚微，我国运动员的难度动作的特点是难度数量多，但是难度价值较低，这种状况不适应现阶段国际艺术体操发展的要求，新规则对我国运动员的专项竞技能力和综合身体素质提出更高求。
（二）建议
1.中国队的身体难度选择比较前几年有了很大的进步和一定的优势，但是身体难度动作还是我国运动队较薄弱环节，特别是在选择身体难度动作之后的编排熟练性，与其他国家的差距明显。今后应更加重身体难度基本技术的训练，提高身体难度动作的规范性和对于难度动作的运用掌控能力，着重加强身体难度使用和连接性性方面的训练。
2.结合身体难度的交换难度和高分值混合难度是中国队待开发的难度动作类型。各类身体难度动作中，转体类难度是中国队的相对弱势，需加强转体类难度动作的训练，并提高在转体动作中结合多种器械技术的运用能力。
3.中国队需进一步挖掘独创性动作，保持自身优势。
参考文献：
[1] 国家体育总局体操运动管理中心.2009年版艺术体操国际评分规则[M].2009.
[2] 胡效芳译.国际艺术体操评分规则（2010终审版）[M].国家体育总局体操管理中心.2010：99-101.
[3] 倪旭芬.我国艺术体操集体项目的夺标希望与对策[J].中国体育科技.2005.Vo1，41（2）：4143.
[4] 龙小敏.我国艺术体操集体项目技术现状的研究[J].北京体育大学学报.2004.27（12）：1703-1704，1728.
论文摘要：目前，中国高等教育理论研究对通识教育的功能研究存在着严重的偏差，更多地关注通识教育的创新功能，忽略了其文化精神传承功能，而在人文精神发生集体性危机的中国当下和全球化语境下，通识教育在某种意义上更多的是文化精神的传承。作为一种重要的文化精神传承途径，高校戏剧艺术通识教育应该把“文化自觉”理念贯注到每个大学生心中，促进对全球化时代中国文化主体性的理论思考和实践关怀，铸就主体精神的文化自觉，这是当前高校戏剧艺术通识教育的灵魂。
目前，中国高等教育理论研究对通识教育的功能研究存在着严重的偏差，更多地关注通识教育的创新功能，忽略了其文化精神传承功能，而在人文精神发生集体性危机的中国当下和全球化语境下，通识教育在某种意义上更多的是文化精神的传承，因为“只有在文化深厚的土壤里，天才才有可能爆发”(甘阳语)。作为一种重要的文化精神传承途径，高校戏剧艺术通识教育应该把“文化自觉”理念贯注在每个大学生心中，促进其对全球化时代中国文化主体性的理论思考和实践关怀，铸就主体精神的文化自觉，这应是当前通识教育巫待解决的问题，也是高校戏剧艺术通识教育的灵魂。
一、戏剧艺术与文化传播
戏剧艺术是一种文化。“文化”大概是人类最难界定的概念之一，美国人类学家克罗伯和克拉克洪在《文化:一个概念定义的考评》(1952年)一书中，共收集了1“条文化的定义。英国人类学家泰勒在其著作《原始文化:神话、哲学、宗教、语言、艺术和习俗发展之研究》一文中给“文化”下了一个至今学术界还认定为权威的定义，即“文化或文明，就其广泛的民族学意义来讲，是一复合整体，包括知识、信仰、艺术、道德、法律、习俗以及作为一个社会成员的人所习得的其他一切能力和习惯”。英国文化研究者威廉斯则细化和拓展了泰勒的观点，他说，“文化”一词是英语语言中最复杂的两三个词之一，文化的当代意义大致有三个方面:(1)作为艺术及艺术活动的文化;(2)作为一种“生活方式”的符号的文化;(3)作为一种发展过程的文化。m<_，无疑，艺术及艺术活动是文化的重要组成部分，从这个角度看，“文化”是被用来阐释艺术及艺术活动的。作为艺术的一种样式，戏剧艺术当然是一种文化，但其表现形态却有着自身特质，即戏剧是由演员直接面对观众进行表演的一种艺术和文化。
戏剧艺术是一个民族文化和社会文化身份的代言。“对艺术史家来说，他们深深地意识到艺术始终是一个历史性的事件或现象，一个其所处时代的符号，一个历史、社会、文化或个体成长、身份、变革或转化的标志。公正地说，甚至在艺术发展最具形式主义和理想主义的时刻，这种观念在艺术史学科也曾是一个既定的观念”，我们知道，世界戏剧有两大基本系统，即以中国传统戏曲为代表的东方戏剧艺术和以欧洲话剧为代表的西方戏剧艺术，其中，梅兰芳和莎士比亚的戏剧艺术无疑是这两个系统中最突出的代表。从梅兰芳的戏剧艺术我们可以品味到美情统一、虚实相生、天人合一的中国传统精神文化的妙处，从莎士比亚的戏剧艺术我们可以感悟到充斥着博爱、罪责和忏悔之情的西方基督教文化的深邃底蕴。把握两者的差异，追寻两者形成的精神质素，从而更深人、更真切地展现文化内涵的差异，这是历史学家所无法提供的鲜活的文化标本。
戏剧艺术是在文化传播中生成、发展和完善。“文化由外层和内隐的行为模式构成;这种行为模式通过象征符号而获致和传递;文化代表了人类群体的显著成就，包括它们在人造器物中的体现;文化的核心部分是传统的(即历史地获得和选择的)观念，尤其是它们所带的价值。文化体系一方面可以看作是行为的产物，另一方面则是进一步的行为的决定因素”。这一定义从动态和过程的角度，确定了文化与传播之间的关系。文化是传播的文化，传播是文化的传播。传播与文化的互动关系表明:文化与传播在很大程度上是同质同构、兼容互渗。从这个意义上说，文化即传播，传播即文化。同样，作为文化组成部分的戏剧艺术正是在文化传播中得以生成、发展和完善，也是文化传承的重要途径。如果没有文化的传播，戏剧文化将是一种“死文化”;如果没有戏剧文化的传播，文化的传播将丧失一种重要的路径。
二、高校戏剧艺术通识教育与文化传承功能
非常遗憾的是，随着戏剧艺术的边缘化倾向加剧，戏剧艺术这种文化传播传承功能并没有得到充分的重视。我们渴望着在还没有完全沦落为“社会机体的“功能性器官”的高校能够担当重任，守望文化家园，传承民族文化精神质素，铸造新的人格。如此，实施高校戏剧艺术通识教育就相当重要而紧迫。
18世纪末，西方高等教育就注意到艺术的这种文化传承功能的意义，“当时的知识界普遍认识到，艺术史和文学研究一样，是探索民族文化身份是一个重要途径。同样，学习艺术史和文化传统有助于对人类历史的认识和推动社会的进步”。1874年，艺术批评家诺顿受哈佛大学之邀担任艺术史教授，他说:“对我来说，艺术史是一种最为神圣的文化传统。通过研究艺术，人们可以发现自身潜在的精神追求和美的理想，从而使自己变得更加文明”。的确，一个文明、一种文化如果要存在和延续，就须保证它的关键信息和元素得以传承。有意义的艺术接受活动，就是接受者全身心地沉醉于艺术世界的精神漫游和灵魂之旅，也是接受者获取文化精神和历史信息的过程。艺术的这种文化传播效应是任何一个领域都无法企及的。诚如前苏联著名美学家斯托洛维奇指出:“人的审美教育可以通过多种途径实现，但是不能不承认，艺术是对个人目的明确地施加审美影响的基本手段，因为正是在艺术中凝聚和物化了人对世界的审美关系。
本论文转载于论文天下：/product.free.10038891.2/
戏剧艺术作为一种特殊的艺术形式，因其现场直观性、双向交流性而在接受者面前“打开了一个焕然一新的、无限美妙的欲望与生命的世界n/别林斯基语)，在这个世界里，观众身临其境，把自我的生命体验投射其中，逐渐形成浓郁的“扮演意识”。拥有这种扮演意识，接受者更易深入了解蕴含其中的文化精神，确定自身的文化身份，并以此来审视他者的文化精神。从这个意义来说，戏剧艺术的这种文化传承功能，又是其他艺术所无法代替的。因此，高校戏剧艺术通识教育是一种极其重要的文化传承途径。
任何一种文化的传承都应是连续的，任何一个链条的脱落都可能造成文化根基的丧失，而这种丧失往往导致一个时代精神的集体沦落。这种悲剧历史已然有上演。但是在全球化的语境下，民族文化之链正面临着再一次被断裂的危险，当人们，尤其是当代大学生争相追逐着西方文化浪潮而忽视甚至漠视脚下深厚的文化土壤时，“失落的就不只是物质的，更是精神的家园。这不仅可能导致民族精神的危机，更是人自身存在的危机”。因此，在高校实施通识教育并不是一种现时流行的时尚，而是一种恒久的文化传承事业。同样，戏剧艺术通识教育也不是高校的装饰品，而是文化传承的重要途径。在某种意义上说，文化传承的连绵不绝决定了高校戏剧艺术通识教育的必要性和恒久性。
三、文化自觉:高校戏剧艺术通识教育的灵魂
现在的大学教育随着全球知识产业的兴起与推动已纳入到现代化进程之中，不可否认，这是大学教育的一种进步。但当目睹着民族文化精神资源在此热潮的裹挟下已然失去其存在的根基，价值逐步被遮蔽之时，我们又会悲叹大学精神的沦落和功能的偏移。诚如英格尔斯的现代化发展理论所认为，现代化不应该只是一种政治或经济体系的形成，而应该是一种精神现象或一种心理素质。他说:“在整个国家向现代化发展的过程中，人是一个基本的因素，只有当它的人民是现代人，它的国民从心理和行为上都转变为现代的人格，这样的国家才真正称之为现代的国家”，而作为一个“现代人”最深层的表现就是坚守自身的文化归属，拥有主体的文化自觉。
因此，文化传承并不止子传统文化知识的吸纳，尤其不能“把历史的馅饼按时代和地区切割成大小不等的部分，然后再按照编年的顺序把它们分别吃下去”，因为“这种机械的拼盘游戏使历史处于被割裂的状态，因而缺乏一种文化传统的内在逻辑性和精神深度”;也不止于传统文化精神的传播，而是在此基础上建构主体的文化自觉。
“文化自觉”是社会学家提出的一个命名，“是指生活在一定文化中的人对其文化有‘自知之明’的意思。不是要“复归”，同时也不是主张‘全盘西化’或‘全盘他化’。自知之明是为了加强对文化转型的自主能力，取得决定适应新环境、新时代的文化选择的自主地位。在全球化语境下，“文化自觉”成了众多国家、民族在未来发展过程中不可绕过的重要话题，也是学界研究的热点。大家众说纷纭，其中，乐黛云的“基因论”大概最接近的观点，即“文化自觉指的是深刻认识白身文化历史传统的最根本的种子或基因，并为这个基因的发展创造新的条件，同时将这个文化传播于世界，参与全球新文化的创新。
关键词：村上春树；音乐；小说；综述
中图分类号：J612.2 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）03-0277-01
当下，日本作家村上春树的小说在中国的热销体现了文学中后现代因素的大放异彩。同时，小说中引起读者内心共鸣的音乐元素更是后现代主义的落寞与失意的一种释放，体现出音乐与文学结合的一种魅力。本文将对这些研究进行一个梳理和总结，阐述该领域的研究焦点和盲点，并对未来的研究方向做一个展望。
村上小说在世界范围内流行的同时，与其文学相关的研究显著增多，重要的出版书目有：《倾听村上春树――村上春树的艺术世界》、《不时髦的村上春树》、《村上春树与后虚无时代》、《Dances With Sheep：The Quest For IdentityIn The Fiction Of Murakami Haruki》、《后现代语境中的村上春树》等；此外，从2003年起，对村上作品的研究性论文开始频繁出现在各大核心期刊。这些研究或多或少都要触及村上“音乐观对其创作的影响”或“文学的艺术魅力”等问题，例如：在杨炳菁博士所写的《后现代语境中的村上春树》一书中就将村上小说创作的一些特点与习惯与其青年时期喜爱音乐联系在一起，进而认为他的作品“在文体和语言上独树一帜”。
一、村上春树的音乐观
二战之后的日本开始受到以美国为首的西方现代文化的耳濡目染，文化环境发生了大的变化，村上的小说创作正是在战后日本新的历史语境下的一种尝试，有研究者认为村上小说创作受到了现代主义或后现代主义的影响，音乐与文学的糅合也是这种后现代倾向的产物。
杰・鲁宾在《倾听村上春树――村上春树的艺术世界》中提到：村上的小说创作展现出新型的“美国式轻快精神”，并且美国的爵士乐与其他流行文化在他的作品中清楚的表现出来。他同时提到：村上沉迷于词汇的音乐性，这里的“音乐性”指的是小说文本中的语言体现出的节奏感。他认为，村上对音乐的运用是进入人“深层潜意识”的一种途径，读者能在阅读的同时找寻自我，这本身就体现出一种后现代性。陈岭在《论村上春树的音乐情结》中认为：村上作品中的音乐含有很多个人印记，特别是“对六十年代的缅怀”对他影响很深。此外，村上在小说创作中通过“音乐展开的主观世界”来描述“文学展开的客观世界”，运用音乐的象征、模仿、暗示等展示人物内心，也是与他在文学部戏剧科的学习经历相关。论文的最后将村上与张爱玲的音乐观作比，突出音乐在村上小说起到的美学符号作用。
二、音乐在村上春树小说中的功能
村上春树的小说世界里音乐是无处不在的。在《挪威的森林》中，不但标题取自于甲壳虫乐队的歌曲，小说最后更有为直子举行了独特的音乐葬礼；在《世界尽头与冷酷仙境》中，《少年丹尼》这首歌连接了两个不同的世界，找回少女失落之心的作用；在《海边的卡夫卡》里，少年与大岛因为讨论舒伯特的音乐而发出人生的感概；星野由一个与音乐无缘的青年变成了《大公三重奏》的发烧友……音乐对于村上春树小说具有不可替代的意义。
李采在硕士论文《文学与音乐的完美交融――村上春树小说中的爵士乐》提出：在村上的文学创作中，音乐用于描写都市青年在精神失落后找回精神的种种努力，表现他们对现实生活的复杂情感和独特的处世态度。村上春树汲取爵士乐的创作和演奏技巧，把建立在模仿、象征、暗示和表情基础上的音乐理论和实践广泛运用到小说创作中，形成别具一格的小说形式。
王光波在著作《不时髦的村上春树》的第四章的“村上文学中的音乐气质”里提出：音乐作为村上切入人物活动的通道，赋予了各种人物足够丰富的内外表情，用以刻画出人物的个性；此外，音乐也是语言的一种表现形式，使小说体现出一种思想的跳跃性；最后，作者表示村上文学的音乐作为背景丰富了小说的精神蕴含，读村上小说如同在看一部“情节相连的MV”。
三、思考与展望
论文关键词：油画风格，艺术特色，绘画语言，内容形式，相辅相成
一、油画风格：
风格是人们常常谈论的话题。“谈到绘画的风格，又常常把它和流派联系在一起。从意义上说，风格是作品艺术特点的综合表现，是一种艺术语言，它包含了内容”。一部美术史，上下几千年，甚至可以追溯到更远，但发展到出现油画的阶段，是数百年的事。油画风格流派博杂，尤其是当今的时代，艺术样式更是林林总总，数不胜数。艺术风格是一种气质，是艺术家的生活阅历、文化素养、思想感情包括天赋禀性等等因素在作品上的综合折射。艺术观念随时代的变迁而发生着变化，但是对纯艺术来说，“风格是人”却是不易之理。“艺术的品质贵在直率坦诚内容形式，它不容丝毫矫情。也排斥强自为之的做作。性情率真，格调自然流露。所以我认为油画风格是由画家自身所处的时代及世界观所表现出来的一种属于自己独特个性的一种绘画形式。从某种意义上说它又具有一种标志性，比如说一看到向日葵，大家都会知道这是凡高的画。艺术都应该有属于自己的风格，因为艺术风格是艺术家的一种创造个性与艺术作品的语言、情景交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色。风格是一个艺术家创造个性成熟的标志，也是一幅作品达到较高艺术水准的标志；它又包括艺术家个人的风格，也包括流派风格，时代风格，民族风格等。
二、绘画语言：
美术的基本语言元素是点、线、面、色，任何美术种类的任何语言表达方式都是在这四个基本元素的基本上形成和演化开来的。绘画语言是指画家用一定的手段和工具材料，使艺术作品获得的视觉感受形式。绘画语言包括线条运用、明暗色调、色彩原理运用、空间、透视、构图和笔触等绘画元素。完成绘画作品不仅是表现形式的作用，而且还要有内容的体现，精神内容的传达，即所谓的绘画主题。绘画的内容与形式，密切相连，形式是观念、情感和技术的体现。由此看来绘画语言实际上是包含了技巧、形式和内容的有机融合。它是一个相互制约，相互渗透的有机整体，画家的情感是靠特有的绘画语言表现。这种语言的运用，是根据画家自身的艺术表现力而愈具特色。所以，对绘画语言所占有的深度和广度是检验画家艺术水准高低的标准。绘画语言的不同运用，产生不同风格的绘画作品。
油画用笔作为绘画语言的独特表述形式同造型、色彩一样是情感的符号，精神的载体，具有独立的审美价值。艺术门类的表现手段称作“语言”，不同的门类，有其不同的语言。艺术家的绘画语言要求真诚、精到、优美，有自己的个性。绘画语言的形式、发展、变化取决于艺术家个人对自身、对世界的主体认识与价值态度的更替。绘画语言应是敏锐的，深刻的和富有激情的。这种绘画语言形式，必须是艺术家内心深层次对现实的反映以及对诸多因素的整理、增减、强化和净化。
三、油画风格和绘画语言的关系以及自身的看法：
贡布里希说没有什么艺术史，只有艺术家。过去一切只是那些人的演绎，他们留下的是风格，画的面貌就是语言。油画风格和绘画语言是一种相辅相成的关系内容形式，油画风格是一种目的而绘画语言则是一种形式，两者是密不可分的。有什么样的绘画语言就有什么样的绘画风格与之相适应论文格式。无论什么风格的油画都是利用绘画语言并按照创作需要和美的规律与法则对现实生活进行抽离、集中、概括和综合等艺术处理。
绘画语言构成一副画的基础因素，而我认为任何绘画因素只是表象而这种表象却又是客观的，如何反映一幅画的真实情感才是最重要的。无论是油画风格还是绘画语言表现出来的都应是有灵魂或是有精神的东西。其中灵魂、精神是种抽象的概念，构成这种概念的因素就是形式与内容。
人类起初开始时都是注重表象，由于照相机的出现人们注重写实。当然又因为人类本身的不满足，觉得这样是不够的。从19世纪末叶开始，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创作原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。凡高以奔放的笔触，使浓厚、明快的色彩充满强烈的力感。表现内心情绪的不安。高更以象征的色彩和造型构成画面，作品的空间与传统的形式相违，具有非描述性的神秘气氛。塞尚探研用几何形构成艺术形象，创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派，并制约艺术形式呈现多种倾向，传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创作任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合，产生了不归属某一具体画种的综合性艺术，油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位趋势。我觉得这个演变的过程是一个在不断完善的过程。
形式有很多种，内容也是一样可以分为简单内容、一般内容、复杂的内容就如同儿童画、中国画、世界名画一样。最终都是要表现一个人的内在思想，这才是最重要的。如何表现那就要看你对同一事物认识的深刻性了。有句话“至广大，尽精微”这是所有艺术的标准，衡量它的并不是技法内容形式，而是修养。或许由于我们崇高这一标准向陷入语言的无奈困境但绝不是因为追求标准的错，而错于亦步亦趋的思维方式没有文化意志和精神倾注。任何技巧都会使油画走向堕落。堕落的绘画是逃避时代的做任何事都需要精神和意志的控制。我们知道打仗之首是要激发战士的斗志，如果只是凭手中的刀枪厉害就没有中国革命的胜利，艺术之所以伟大，是因为它不能自然而然的产生“艺术等于人加上自然”—培根。吴冠中先生说过“笔墨等于零”，脱离了具体画面的孤立笔墨，其价值等于零，正如未塑形象的泥巴，其价值等于零。同样只注重形式和表象那你就什么也没获得，一幅画没有生命力的画也就成了装饰画。
总结：
每个时代都会产生伟大的油画家，他们对生活的认识与体验是相通的，他们的精神是一致的。所不同的，正是艺术语言的使用与艺术风格的形成。绘画语言正像法国画家莫罗所说的那样：“它是上帝的！人们从沉默的艺术中理解到雄辩力量的那一天将要到来，绘画语言的特点、本质以及对人们内心的感召力是无限量的。对于它，画家已付出了全部的精力和心血。运用线条、色彩、图纹以及造型的力量唤起思想：无论是绘画风格还是绘画语言表现出来的都应是有灵魂有精神的东西，这是所有艺术家所要遵循的，也是我在绘画这条道路上不断探索的。”
参考文献：
[1]，区础坚．《油画风格》[M]．岭南美术出版社，2005,1
[2]，中文核心期刊要目总览ASPT来源刊CJFD收录刊[J]．1993,12
[3]，普通高中美术鉴赏[M]．人民美术出版社，2004,10
[4]，《今日中国艺术家—村民列传忻东旺》[M]．河北教育出版社，2007,2
[5]，吴冠中．《水墨画欣赏》[M]．人民出版社，2005,3
论文摘要：中国有自己浓厚的文化底蕴，孔孟哲学、诗书礼仪。并且中国传统艺术丰富多彩，陶器、染织、家具、古建筑、书法、绘画、民间艺术，如何汲取其中精华，创造具有传统韵味又富有文化内涵的现代本土设计，这是我们每个从事设计的人应该好好揣摩的问题。将传统元素衍生后再融合到现代设计之中，创造出具有中国特色的现代设计，使民族的文化精神和世界的设计语言，共同融合汇成现代设计艺术的主流。
现代设计已经历了一个多世纪的历程，各国发展的道路与特征均有不同。德国长期以来强调设计中的功能主义原则，强调设计的民主特色，反复提倡”好的造型”。因此，理性原则、人体工程原则、功能原则是设计天经地义的宗旨，不能因为商业主义的压力而放弃。这些因素造成德国设计的坚实面貌：理性化、高质量、可靠、功能化、冷漠的特征；与之恰恰相反，美国设计的幽默感与随意性形成了这个自由国度的标识。美国短暂的历史，自由的人性，使得设计师对设计的社会效应，对大环境可能造成的影响，现代设计对于民族传统的继承性和发展性，以及设计本身的社会含义等则考虑不多，这使得美国设计更具轻松、乐观的色彩；法国的现代设计是基于法国设计传统的，即设计为富裕的上层人的活动，设计的内容是豪华、奢侈的产品，设计不应该是民主的、大众的，而应该是权贵的、高尚的。法国的设计除了强烈的民族主义情绪外，地区主义也非常强烈；丹麦是斯堪的纳维亚五国中最小的一个，国土狭小，经济高度发达，其发展一开始就与大自然作斗争，这种背景使丹麦人长期以来对于设计具有高度的重视，而丹麦民族的、地域的、文化的统一性，使丹麦的现代社会也对其设计风格产生了重要的影响，丹麦现代设计中贯穿了一种冷静的，严肃的高度功能化的风格，体现了大企业的精神；日本的现代设计发展得非常迅速和成熟，日本利用了30多年的时间，完成了欧美各国用了70多年才达到的目的。传统与现代双轨并行是日本设计的一个重要特点，日本是一个学习外国先进经验的最好学生，从传统的日本设计可以看到中国、韩国的影响；从日本的现代设计中，可以看到美国、德国等欧美国家的影响。无论是日本的陶瓷、传统工艺美术品、传统服装、传统建筑、传统文化的设计(如茶道、花道、盆景设计)，还是现代设计，如汽车、家用电器、照相机、现代建筑和环境设计，现代平面设计、包装展示设计，都是非常与众不同的。世界上很少国家能够在发展现代设计时完整地保持，甚至发扬了自己的民族传统设计，日本在这方面提供了非常意义的经验。
中国的现代设计相对欧美等国来说，就不是那么乐观了，设计上抄袭模仿的现象普遍存在，作品的质量不高，能够走出国门、真正展示自己的东西还是太少。完全照搬国际现代主义设计，虽然可能设计水平看似提高了一些，但是毫无中国特色可言。我们分析西方各国的设计，它们都有着自己本土特色的东西，是它们文化的体现。中国有着五千多年的文化底蕴，孔孟哲学、诗书礼仪，具有丰富的思想内涵，是我们唤醒中国本土设计面向世界的重要源泉；并且中国传统艺术丰富多彩、陶器、染织、家具、古建筑、书法、绘画、民间艺术等是我们创作的宝贵资源。
一、图腾、纹饰在现代设计中的体现
将传统元素衍生后再融合到现代设计中来，香港设计大师靳埭强先生就是一个很好的典范，他的”靳埭强设计有限公司”的司标就是在公司”以人为本”的理念倡导下，采用了”同心相合、彼此相通”的”方胜”这一传统吉祥图形作为基本框架。司标原形虽然取之”方胜”，但靳埭强先生敏锐的视觉感受力以及他对传统图形内涵气韵的深刻感悟力，使他没有对原形的如实照搬，而是经过了形的提取、衍生、再造，使司标更加具有东方民族个性，也更加适用以后的展开运用。又如凤凰卫视中文台的台标，借用丁原始社会彩陶上的凤鸟图形，并使用了中国图案特有的”喜相逢”结构形式，反映出一种厚实的文化底蕴，凤鸟两两相对旋转的翅膀极富动感，体现了现代媒体的特色。在其他视觉传达艺术、环境艺术等设计领域也处处可见图腾、纹饰元素的运用。
二、汉字在现代设计中的体现
汉字是表达思想语言的符号，同时也是一门独特的艺术，它的构成方式和形式美，在世界各国文字中独树一职。从皇帝时期的仓颉造字到商周时期的甲骨文，再到秦汉时的小篆、古隶和宋明时的印刷字体，直到我们现在常用的宋体、黑体、仿宋、综艺、琥珀、圆体等，汉字经历了几千年的发展和演变。随着时代的发展，站在信息化、视觉化、艺术化的视角审视，汉字无疑是一种有巨大生命力和感染力的设计元素，广泛地运用于现代设计之中，铸就出现代视觉传达设计的一道亮丽的风景线。靳埭强先生在其招贴设计《自在》中，运用了中国水墨画技法，融合了现代技术的特殊肌理效果，现代又不失传统。作品《甲骨文·众生》中”众生”、”方舟”、”日、月、云、水”都是甲骨文字的设计组合。作者通过新设计的甲骨文力求使古老的文字具有时代气息而又不同于传统甲骨文。
三、书法艺术在现代设计中的体现
书法是我中华文化之精气神的一种独特的表相。汉字是中华民族独特的智慧创造，其美无比，天上人间独一无二，汉字书写也成了专门的高超艺术，已传承了几千年之久。中国的书体丰富多彩，有甲骨文、金文、大篆、小篆、隶书、草书、行书、楷书等等。在2008年北京奥运会的标志”中国印·舞动的北京”中，将中国传统的印章和书法形式与现代体育运动想结合，印章中的”京”字似”京”似”龙”又似”人”，把”北京”、”中国”、”人文传统”、”现代运动”包蕴其中，印章中经过巧妙的处理形成一个面向前奔跑、欢呼的人形，又体现了奥林匹克运动会以运动员为主体的健康向的精神，充满了朝气和活力，方寸之间把中国传统文化与现代设计理念有机地糅合得非常完美。
四、民间艺术在现代设计中的体现
民间艺术是中华民族千百年来民众创造并享受的文化，是民众智慧的结晶。许多民间艺术杰作，成为”华夏一绝”被传承和保留下来。剪纸、刺绣、扇艺、风筝、锦人、木板年画、民间玩艺等等。在现代设计中融入民间艺术，给机械化的现代设计增添了一份人情关怀。就拿2004年全国大学生设计大赛来说吧，一张字体设计作品中，将民间皮影戏的角色运用到现代设计作品中，将我们的传统符号与现代设计元素融合得非常完美。在装饰设计、服装设计中也不乏优秀的例子。
本篇论文关注土耳其瓷器与中国瓷器之间审美比较，以及他们在形式、材料和造型内容之间的关系，介绍包括造型，色彩，文化，图案纹样等工艺美术材料的特点，研究它们的表现能力。探讨为什么土耳其瓷器和中国瓷器会有不一样的审美观；雕塑家在历史的长河中由于材料的改变，是否随之而来所表达的内容、想法也会有所改变。
土耳其瓷器
中国瓷器的美丽让奥斯曼艺术家创作瓷器时得到灵感和借鉴。丝绸和陶瓷的质量让奥斯曼人羡慕，瓷器上图案纹样深深地影响了奥斯曼的艺术家。在后来过程中，奥斯曼艺术家做瓷器时受到了中国瓷器图案的影响。从15世纪，中国的瓷器就开始影响奥斯阿曼的陶瓷。在土耳其随处可以看到精美的瓷器和陶器，瓷器制品已成为代表土耳其文化特色产品。在土耳其，会发现很多瓷器和中国的青花瓷图案如此相似，又极具异域风格，原因就是，土耳其瓷器和中国之前的渊源。奥斯曼帝国时期，中国和土耳其之间已经拥有一条陆上的丝绸贸易之路。
中国瓷器
中国是世界上几个历史悠久的文明古国之一，对人类社会的进步与发展做出了许多重大贡献。陶器文化是中华文化的重要的组成部分。陶器文化是其中精彩的一笔。尤其在五千年的文明史中，陶器就像一个淳朴的母亲。最早的陶器距今已有一万多年的历史。在中国，从古代到现代，陶器一直都很重要。陶器是人类真正的发明创造，是人类利用水、火、土、改变自然界物质的化学成分，创造出的自然界中从未有过的全新物品。1300多年以来中国瓷器除了欧洲国王以外，阿拉伯君主国王也表示赞赏。最大的原因是任何一个蓝色和白色瓷器里如果有中毒食品，瓷器转换为黑色。
每个朝代瓷器上有一些变化，有的朝代色彩有变化有的朝代是造型有变化。 商代时期，中国劳动人民就发明了瓷器。至西周晚期呈现了蓬勃的发展势头，到了春秋、战国时期，它们制作精良、纹饰细密，可以说进入了南方早期青瓷器的鼎盛期。在春秋、战国时期，青瓷器不仅造型和类别比较复杂，而且其纹饰也趋多样化。这情况来说；在中国各个不同的朝代和时期，瓷器的造型有变化。
土耳其瓷器与中国瓷器几个方面的关系
瓷器是因其透明、易碎、耳鸣、耐热的特点一直被人们所关注。从新石器时代到现代中国的瓷器都收到别国艺术家的喜爱。中国是英文翻译便是“陶瓷”的意思。 这是因为欧洲人早期对中国的陶瓷非常感兴趣。因此、中国人对外国人社会习惯和改变了。中国瓷器在世界上是唯一和无价的。这情况来说中国瓷器的美丽影响奥斯曼帝国的画家。奥斯曼帝国坚持陶瓷艺术的创作，并不断创新。
1.土耳其与中国之间瓷器贸易
土耳其位于亚洲西部， 距中国遥远，但两国间的传统关系非常密切。奥斯曼土耳其人原居中亚地区，与中国为邻，对中国文化并不陌生，而这种情结代代相传。中国与土耳其已有二千余年的历史。尤其是奥斯曼时，中国瓷器出口就其费用与安全来说，海路要优于陆路。中国瓷器输往奥斯曼帝国经海路者为多。这情况表明中国瓷器影响了土耳其陶器。
2.土耳其瓷器与中国瓷器文化交流
土耳其画家特别喜欢中国的瓷器美丽。这情况来说；中国青花瓷符合伊斯兰教的艺术审美， 受到奥斯曼苏丹和皇宫贵族的宠爱， 成为土耳其上层社会时尚与奢华的符号。奥斯曼苏丹经常用青花瓷盘、瓷碗进餐，并宴请外国使臣。奥斯曼苏丹苏菜曼一世尤其痴迷中国青花瓷， 他在位期间，托普卡迫皇宫新置了200多件青花瓷餐具， 专门服务于苏丹。皇宫至今珍藏着上万件中国瓷器精品，其中不少是中国古代的青花瓷。
3.土耳其瓷器与中国瓷器之间的相互影响
中国瓷器的传入对土耳其瓷器的生产产生了巨大影响。土耳其瓷器的生产从一开始便具有中国特色，在发展过程中又不断吸收了中国的新工艺技术，使得土耳其瓷器制造水平不断提高。由于传统文化、历史背景、审美情趣等各方面的不同，传统的中国瓷器运往欧洲之后并未受到欧洲人的欣赏。17世纪后，随着中国瓷器运销西方各国，中西各国的贸易往来和文化交流日渐频繁，奥斯曼帝国文明之风伴随着频繁的贸易往来渗透到中国的传统文化当中。
结论
