时间：2022-02-25 02:08:48
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇音乐学科，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
【中图分类号】G 【文献标识码】A
【文章编号】0450-9889（2013）11A-
0089-01
小学音乐学科与其他学科共同担负着培养学生的智育、美育与德育，促进学生全面发展的任务。其中，音乐学科与语文学科有许多结合点和交叉点，二者之间进行综合，能达到互为补充、相得益彰的效果。
一、小学音乐与语文学科综合的必要性与可行性
音乐与语文学科，虽然各具特色，各有侧重，但都要依托语言文字体系（音乐尚需记谱体系，这是其学科特点），都要依靠学生的理解、思维、分析及表达等各方面的能力，都要充分发展学生的听、说、读、写等方面的技能，都要培养学生良好的道德情操和正确的人生观、价值观和审美观，这就为两门学科的结合提供了坚实的基础。另外，互联网、多媒体等现代教育手段的充分运用，音乐与语文教材的编写注重两者之间的综合（如苏教版小学语文三年级上册第一课《让我们荡起双桨》，直接将歌词作为课文），也为学科之间的综合提供了保障和支持。
在当今形势下，强化学科之间的综合性、不人为割裂学科之间的联系、倡导学科之间的渗透与融合，已经成为国际教育的潮流和发展趋势；培养复合性、综合性的通才、全才也成为当今社会的重大需求。因此，进行学科的综合极其必要。
二、小学音乐与语文学科综合的途径与方法
音乐与语文学科综合主要有管理体制、发展能力、人文素养三个方面的综合。
1.以管理体制为突破，实现学科综合
传统的小学教育教学管理是将所有教师按照所担任教学任务的不同，分别归列为不同的学科组，甚至在安排办公室时，也是根据学科组来考虑。在这样的氛围下，不同学科的教师“各自为阵”，极大地限制了学科之间的综合。因此，要实现音乐与语文课程的综合，在教育教学管理体制上就应当有所突破。如以班级为单位安排办公室，以多学科组参与来组织教研活动，以学科渗透来组织教学内容等，真正在一定程度和范围上打破学科界限，实现人员上、理念上、内容上、组织形式上各方面的深度综合。
2.以发展能力为目标，实现学科综合
音乐课程与语文课程从总体上看，在发展学生能力方面具有一致性。因此，在音乐与语文学科教学中强化能力发展导向的综合是可行的。具体的做法有：一是进行配乐演唱，赋予诗词以韵律和感情。小学语文课本中，选入了许多古诗词，它们都可以进行配乐诵唱。例如，我们可以先用王菲的《但愿人长久》（演绎苏轼《水调歌头》词）作为范例，培养学生对演唱古诗词的兴趣。然后，让学生利用现有的课程资源，如用“古诗新唱”法对古诗进行配乐。最后，鼓励学生根据自己的理解，自定旋律和情感，自己演绎配乐演唱。二是组织学生参加歌词创作，外化内心情绪与感受。引导小学生将生活中的感受通过歌词表达出来，并通过演唱抒发自己的喜怒哀乐，可以有效地利用学生已有的写作能力，进一步地提升学生对于歌词韵律、节奏、句式等方面的把握能力。如以先改编歌词，再自主创作的模式进行。在这一方面，江苏省南通市组织的“童声里的中国”系列活动给了我们参考：即每次活动确定一个主题，向全市少年儿童开展童诗、童谣征集评选活动，并以儿歌集、诗歌集和歌曲集的形式在社会上公开出版发行。三是引导自编歌剧，鼓励学生尝试与挑战。对于三年级以上的学生，在他们基本掌握配乐演唱和歌词创作的基础上，可以再进一步让他们以语文课本中的一些篇目为原材料进行大胆改编，创作出适合于课堂演出的“课本歌剧”。如语文教材中的《三袋麦子》《公仪休拒收礼物》等故事，都是改编为课本歌剧的好材料，可以鼓励学生对课文进行改编和表演。
3.以人文素养为导向，实现学科综合
小学音乐与语文学科同属人文课程，在培养学生的道德情操、人文素养等方面具有相同的指向性与同一性，因此可以互为补充。柏拉图说：“节奏与音调以最强烈的力量浸入心灵深处，如果教育的方式适合，它们就会以美来浸润心灵。”这句话深刻揭示了音乐教育对艺术作品（包括文学作品）的审美迁移作用。同理，对语文文本思想感情的理解与把握，也可很好地迁移运用到对音乐（包括歌曲）情感基调的把握与演绎上来。音乐学科中的欣赏课完全可以与语文学科的读文课综合，从而提升学生的人文素养。
三、小学音乐与语文学科综合的原则与禁忌
最近，我简单思考了一下西方音乐教学与研究的学科发展的问题①，并有一个感触：我觉得我们曾讨论过如何学习西方音乐史问题（方法论问题），也讨论过音乐学的学生（包括西方音乐史专业学生）应该具备什么条件和素质的问题等等，但现在，在新的历史条件下还有一个更基本的问题需要明确――学习西方音乐史的目的是什么？中国人为什么学习西方音乐史？中国人现在学习西方音乐史有何现实意义？
对于这个问题，我的理解是：在充分掌握西方音乐文化知识的基础上，以人文的精神、科学的态度和多元的视角了解世界、认识自己，自觉地继承和发扬人类优秀的音乐文化遗产，为建立和谐的世界与和谐的社会服务。
我想就其中的几个要点，谈谈自己的认识。
一、“在充分掌握西方音乐文化知识的基础上”指的是对西方音乐文化知识的传授和掌握。这里引发出了另一个基本问题――西方音乐史的内容。
西方音乐史的内容是什么？我们现在的教学和研究有没有涵盖西方音乐史的全部内容？有没有空缺和盲点？我们现在的教学与研究条件比以前改善多了，是否可以设法填补这些空缺和盲点，比如：
1）档案研究、手稿研究。这方面我们是先天不足，历来只能采取回避态度。现在可以考虑要不要去碰？怎么办？
2）乐谱研究。我们从事西方音乐教学与研究的人员当中，有多少人能够读懂西方古代乐谱？有多少老师能熟读？现代乐谱又如何？有多少人能读？要不要学习？怎么办？
对于以上两个方面，我的意见是，请专家来讲学，派学生出去学习，以前做不到，现在有条件了，应该努力做。
3）文献的收集、翻译和研读。这个问题需要多讲一点：
首先，我们对西方音乐史基本文献的收集状况如何，我们心中有没有数？比如，各个历史时期的基本文献有哪些？新的研究成果有哪些？当代西方音乐学的最新成果有哪些？另外，西方音乐史权威性的期刊②,国内哪个图书馆收集得较全？各个图书馆有哪些？缺哪些？是否可以认真做一个调查、统计，搞个目录，以便心中有数。
其次，是翻译的问题。从某种意义上讲，与国外人文学科相关的学科，其文献的翻译状况与本学科的发展水平一般成正比，换言之，从一个国家在这门学科翻译的数量和质量当中，即可大体上看出本学科在这个国家的发展程度和水平。我国的西方音乐史文献的翻译尚处于起步阶段，恰好反映了我们的西方音乐学科的发展程度。
许多人可能还记得建国后的17年间，中央音乐学院和上海音乐学院分别设立的编译室。这两个编译室所翻译的著述和文章之多，质量之高，在社会上所起的作用之大，至今仍令人由衷地佩服！只是由于当时的政治及其它原因，他们的翻译不可避免地有了一些诸如资料来源、语种、观念等方面的局限性。即便如此，他们的工作对处在封闭状态下的中国音乐界已经起到了与外界音乐文化交流的重要桥梁的作用，功不可没。今天，我们的国门打开了，青年人外语的能力也大大提高了。不知什么时候这两个编译室消失了，真是非常可惜！
当然，上个世纪八九十年代，音乐学界逐渐出现了介绍国外音乐动态或综述性的文章，其传递的音乐信息和研究范围已经不仅局限于苏联，而是扩大到了西欧、北美，乃至亚洲各国和拉丁美洲等世界各地，对开阔我们的眼界，了解多元的世界和多元的文化，包括了解西方音乐史及西方音乐史的研究情况，也起了积极的作用。本世纪以来，随着留学人员的增多和“海归派”的壮大，更有一批新的、音乐学的学术著述陆续从各种语种得到翻译和出版，或者正在翻译和出版之中。一些院校，如中央音乐学院、上海音乐学院等，正在组织翻译并取得初步成效。这确实是一件值得庆幸的事情。看起来大家似乎都在做，但有没有在学科建设的总体框架之下形成规模？而具体到西方音乐史学，尤其是西方音乐史学的经典文献，究竟有多少已经翻译，或计划翻译，可以讨论和交流。
我想强调的是，要在学科建设的总体框架之下，有计划地将西方音乐史的权威性经典著述翻译成中文，还必须保证翻译的质量。这当然不是一件简单的事情。首先翻译队伍的水平要有保证。因为只有翻译者具有较高的外语水平，同时又精通音乐中的某一门学问，中文还要好，才能翻译得好。有必要特别强调翻译者的责任感。在当前经济大潮的冲击下，在浮躁的社会环境中，是否能够耐得住寂寞，对翻译者来说就是相当严峻的考验。我们不一定要像过去那样过分强调“集中”，非要成立“编译室”不可，但是，外文不通，中文不精，又缺乏责任感，就很难于保证翻译的质量，反而会出现误解、歪曲、漏译、编造等等问题。为此，建议组织翻译队伍时，应严格谨慎，同时还要严格注重审查和校对的工作。否则一旦出版，后果不堪设想！
总之，这个问题非常重要，也非常迫切。上个世纪90年代，杨燕迪、孙国忠就曾发表文章呼吁组织翻译，并列出了书目。时隔十几年了，有多少进展？我们心中是否有数？
从我对学习研究西方音乐史的目的认识出发，感觉对文献的收集、翻译关系到我们是否能够真正“充分掌握西方音乐文化知识”，换言之，它关系到我们西方音乐史学的教学和研究是否真正进入了学科的本体？这也是我们能否“以人文的精神、科学的态度和多元的视角了解世界、认识自己，自觉地继承和发扬人类优秀的音乐文化遗产”的基本前提。
与文献有关的，还有一个研读的问题。
对文献的收集、翻译固然重要，而提高西方音乐学的未来学者的研读能力，从长远看，更加重要。杨燕迪在2005年全国音乐学研究生教学工作会议上的发言《论音乐学研究生教育的人才培养目标》中，精辟地提出音乐学研究生的知识结构和综合素养的四个方面――理论素质、音乐素质、人文底蕴和语言能力。我觉得非常好。其中语言能力（包括汉语和陌生语言，如古代汉语、外语）很重要。音乐学学生的实际情况如何，直接关系到音乐学学科将来的发展。
对于负责音乐教育的音乐院校来说，应该帮助培养和提高学生阅读文献的能力。我们的前辈张洪岛、廖辅叔、钱仁康先生们一代，以及于润洋先生等一代，都具有两门或两门以上高水平的外语能力，我们现在的学人、学子真是望尘莫及。英、德、法、意、西等语言问题，是学习西方音乐史的基本功或基本素养之一。这个问题谈了多少年，可是一直没有得到解决。实在有必要认真考虑怎么办？问题出在哪里？要不要改进？如何改进？何时改进？根据目前的实际情况，西方音乐史人才的语言能力靠谁培养？如何培养？我认为这个问题不能再拖延下去了。要从音乐院校的教育体制上根本改革。
似乎有必要作一个统计：在校本科生和研究生中，到底有多少人能够阅读西方音乐史的元典文献？大约能够读懂多少？他们占学生的比例如何？同时，我们似乎还应该反思一下，在这方面我们究竟做了多大的努力来帮助学生提高他们的阅读能力？如果学校和教师不设法解决基础问题，不帮助学生培养他们的基本能力，应该说是学校和教师的失职！我听说，有些学校开设了经典文献的阅读课程。这当然很好，但不知道对于文科基础相对薄弱、外语程度多数比较浅的音乐院校学生，能否仅仅通过一门“阅读课程”就解决西方音乐史文献阅读能力的问题，我深感忧虑。如果我们从长远考虑，从基础做起，相信可以改变现在尴尬的局面，而音乐学系的学生阅读元典文献的水平，应该有更大的提高。
具体如何解决？音乐院校现有的本科、研究生外语教学应该做大的调整，大力提高外语在教学中的地位和分量。对于我们音乐院校音乐学系的外语课程，我个人觉得其重要性，绝对不亚于作曲系的“四大件”。从招生，到入学后的教学，音乐学系西方音乐史专业的教学必须大力提高和重视外语。目前音乐学院（音乐学系）外语教学的学时究竟是多少？够不够用？学生是否“吃得饱”？教学上有什么问题没有？音乐院校的外语教师的待遇如何？地位如何？水平如何？教学效果如何？这些问题有必要做调查研究并认真加以解决。
此外，建议至少在目前，招收西方音乐史专业的学生，尤其是研究生，可以考虑打破从专业音乐院校毕业生招生的单一模式，而增加外语专业或其他人文专业又具有较高外语水平的、热爱音乐并具有一定独立思考能力的大学毕业生入学。人文学科的学生，文化基础更加宽厚，可能更有利于他们思考音乐文化现象的问题。如果外语能力强，更有利于提高西方音乐史教学和研究的水平。
提出“在充分掌握西方音乐文化知识的基础上”，其要点是对西方音乐史的内容的理解以及对西方音乐文化知识的传授和掌握。同时必须明确传授知识和掌握知识不是目的，而是基础，是必要的基础。我们的教学当然应该传授知识，但是更应该从长远的角度，注意帮助培养学生自己不断索取知识和掌握知识的能力。
二、以人文的精神、科学的态度和多元的视角了解世界、认识自己，自觉地继承和发扬人类优秀的音乐文化遗产，为建立和谐的世界与和谐的社会服务。
对于西方音乐史学科来讲，“在充分掌握西方音乐文化知识的基础上，以人文的精神、科学的态度、多元的视角了解世界、认识自己”，才能做到“自觉地继承和发扬人类优秀的音乐文化遗产，为建立和谐的世界与和谐的社会服务”。这里强调“以人文的精神、科学的态度和多元的视角”，是态度，也是方法。重要的是要站在全人类的高度，把我们自己摆进去，只要对人类的生存和发展有利，就加以研究。既要打破西方、东方、国界、民族界线，又要发挥东方人、中国人的特长和独特的视角；要了解世界，认识自己，在了解世界的对比过程中，更好地认识自己，并且有意识地做出别人不能或不容易做的独特贡献。
我觉得承认并强调“多元的世界”和“多元的文化”，是人类历史上的一个进步。它要求人们具有多元的观念和多元的意识，即承认世界的多元文化这个现实，认识到人类多元文化的和谐发展是时代对我们的要求。多元文化的观念和意识要求我们具有多元的态度：不同国家、不同民族的文化都是平等的，都是世界文化不可缺少的一个组成部分，都有其存在的价值，都必须加以尊重与了解，并且提倡不同国家、不同民族文化之间的学习与交流。所谓东方、西方，中国、外国，汉族、少数民族，高雅艺术、俗文化，艺术音乐、流行音乐……没有高低贵贱之分，同属于世界村的文化大家庭。
多元文化的观念也要求我们具有多元的思维。而多元的思维是需要培养的，是需要通过学习才能做好的。尤其在音乐学术研究中，从事某一领域的工作者和学者，应该有意识地培养自己的多元思维能力和习惯。这就需要我们打破常规，突破固有的知识结构，努力学习其他学科的知识，并将其运用到学术研究之中。如果有了上述多元的观念和意识、多元的态度和多元的思维，那么，以多元文化的视野进行音乐研究才会成为可能。
为了培养今后具有多元思维能力的未来的、新型的音乐学工作者，迫切需要在现有的音乐学教育方面做必要的调整和改进。目前，我们的学科分工很细，学科之间相互隔绝，缺乏交叉与交流，而音乐院校本科的教学中，对学生知识的基础教育又过于狭窄，学生过早开始专业学习，从体制上就没有多元化的空间。许多西方音乐史专业的学生对中国历史的一般知识了解过于肤浅，对中国的音乐史、民间音乐不熟悉，缺乏深厚的感情和兴趣；对自然科学和社会科学的知识相当贫乏，基础更加薄弱，这些都不利于人才的培养。我们很难想象，如果一个学生不具备广博的知识基础，在未来的学术研究中怎么能用多元的思维思考问题。正是这个原因，我们现在的教学体制，恐怕难以培养出大师级的人才。这个问题同样提出了很久，却没有改变的迹象，当然，这是一个庞大的、复杂的基础教育体制改革的问题，不是一朝一夕所能解决的，但是，我们可以在高等专业音乐教育方面、在音乐院校当中，在我们力所能及的范围内适当调整，尽量做到多元化。
我们首先可以从局部做起，比如先打破音乐学内的子学科之间的界线，将西方音乐史与美学或中国音乐史、民族音乐学、传统音乐、表演艺术史等学科联合举行研讨会，共同商讨一些可行的课题，有意识地组织跨学科（或跨“子”学科）的交流和合作。组织这类学科建设相关的小型专题研讨会无需过多的资金、人力和时间，只需两个学科，几个人碰头，即可探讨具体合作的可能性。不过，这种小型的专题研究不能只靠哪个学会二三年一次的年会才举行，而是一年内就可开几次，可开的先开，可行的先行。相信我们的教学与学科建设一定会有新的起色和进展。
可以研究和讨论的题目很多，我把自己初步想到的一些具体题目提出来，仅供大家参考。需要说明的是，这些题目是指大的方面，每一个都可以再细化成许多小题目。其中有些方面实际上有的同仁早已开始研究了，有的已经发表了很好的文章、论文、或学位论文，但是仍有相当的空间，可以细化，并继续深入研究下去，如：
1.基督教音乐文化的研究
2.西方艺术音乐与其他艺术的契合
3.各类音乐表演艺术的史学研究或流派传承历史演变的研究
4.西方音乐中的犹太（音乐）因素
5.中、西古代音乐美学思想的比较及对后世的影响
6.西方歌剧与中国戏曲的比较研究
7.西方现代音乐创作中西方文化与古代或与东方文化的契合
8.西方标题音乐与中国器乐的标题性研究
9.西方器乐音乐中的“升华”与中国文人器乐音乐的“韵律”问题
10.西欧不同国家撰写的西方音乐史或通史（法、德、意）的研究与比较研究
11.东方国家撰写的西方音乐史或通史（日、韩、印）研究
……
这里仅提出一些我所想到的，当然还有很多。我的初衷是通过一些跨学科（或跨“子”学科）的交流与合作，努力“以人文的精神、科学的态度和多元的视角了解世界、认识自己”，以便在共同研究的过程中，进一步了解世界，认识自己。只有“以人文的精神、科学的态度和多元的视角”才可能真正深入地了解世界，认识自己，才能达到“自觉地继承和发扬人类优秀的音乐文化遗产，为建立和谐的世界与和谐的社会服务”的最终目的。
①上个月我开始考虑“2007年第二届西方音乐学年会筹备会暨本学科发展研讨会”的发言时，接到福州师范大学音乐学院开的“多元文化视角的音乐研究学术研讨会暨王耀华教授从教45周年”的通知，其议题与这次的研讨很有关系，更促成了我的这篇发言和想法。
②西方音乐史权威性的期刊，如：
JAMS Journal of American Musicological Society (1948―)
JM Journal of Musicology (1982― )
ML Music and Letters (1920― )
MQ Musical Quarterly (1915― )
MSD Musicological Studies and Documents (AIM)
RILM Répertoire International de Littérature Musicale （International Repertory of Music Literature）（1966―）
……
关键词：音乐教育 教育模式 创造性
爱因斯坦说过：“想象力比知识更重要。想象力推动世界，是知识化的源泉，我们的一切都来源于音乐的启发。”少年儿童的想象力是一把开启心灵的钥匙，通过它可以使灵感得到创造性的发挥。因此，音乐教学已经成为促进学生全身心健康发展、塑造“创造型”人才的一个重要途径，可见，音乐有利于培养人的创造思维。
中国需要更多的具有创造性思维的人才。因此，我们需要多种有利于培养、提高人的素质的，尤其是能培养人的创造性思维的音乐教育模式。然而，目前我国的音乐教育还未能得到充分的重视，也有待于继续发展。当今世界已经迈入信息时代，一些成功国家的好经验、好方法我们是可以学习和借鉴的。下面，我们就来分析了解一下美国的音乐教育。
在美国，普通学校的音乐教育目的并不是为了培养音乐家，而是为了培养和提高国民的素质，而其中最重要的是培育人的创造性，这是建设跨世纪的现代化强国的需要。正如美国著名作曲家、教育家赫伯特：齐佩尔博士所说：“学习音乐不仅是为了艺术、为了娱乐，而是为了训练头脑，发展身心，在这方面，音乐是非常重要的。”
据《音乐周报》报道：1996年，美国政府又立新法，将音乐课正式列为中小学必修课，与数、理、化、文、史五科齐头并肩，成为基础教育的“大六门”。1996年全美音乐教育年会的主题即为“音乐是把钥匙”，与会者认为音乐是打开通向自然科学、社会科学各个领域大门的钥匙，虽然音乐本身并不等于这些领域。在我国，音乐课根本就得不到重视，何谈“音乐是把钥匙”！我们该好好的思考和学习一下了。
在美国学校音乐教育的众多模式中，如下几种占有主导地位：即奥尔夫教学法，柯达伊教学法，达尔克罗斯教学法和综合音乐感教学法等等。这些教学模式既各有自己独特的魅力，又相互交融混合，它们交相辉映，使美国中小学音乐教育的园地呈现出色彩纷呈、生机勃勃的景象。上述几种音乐教育模式虽多系外来的，但由于与美国的实际结合紧密，早已被兼容、吸收成为美国音乐教育体系的有机组成部分。我们当把它们看作是美国式的音乐教育模式。以创造为主题的音乐教育模式必定是鼓励儿童在音乐学习的过程中主动探索、创新的模式，而决不是要儿童只作被动地模仿的模式。例如：
1. 卡尔・奥尔夫的儿童音乐教育方法是一种重创造性思维训练的实验方法。其实质是通过节奏让儿童以此来创造他们自己的音乐。儿童通过一系列不断深化的表演活动来掌握一些音乐的词汇：谈话、运动、唱歌、演奏和玩耍。该教学法并不要求很快就能教会学生歌唱、奏乐的方法，而是让学生接触音乐实践。奥尔夫认为如果学生能唱得好、奏得好，首先要使他们喜爱音乐，要使他们能够把自己的想法融合到音乐中去。不要求学生对老师所传授的一首歌曲或一个舞蹈去进行不折不扣的模仿，而是要求师生在一起共同进行创造性的活动，共同来形成一些新的东西。
2. 爱米尔・雅克・达尔克罗斯所创立的教学法传人美国已久，现在该教学法在美国仍非常流行。这是一种以发展儿童的音乐能力及创造性为目的的教学法。虽然人们常常以为体态律动就是达尔克罗斯教学法，但实际上这仅仅只是其三大内容之一。该教学法的另外两方面的内容分别是视唱练耳和即兴演奏。
在体态律动的课上，学生以身体作为一种“乐器”，随着音乐自由地运动，教师（有时是学生）用钢琴即兴演奏。学生通过走、跑、跳自行创造表现与他们所听到的音乐相应的动作，每个人对自己所听到的音乐都有不同的理解和做出相应的动作。这就最大限度地发展了学生的创造性思维。
在视唱练耳课上，要求学生用唱名演唱音程和歌曲，尤其重要的是要进行声乐的即兴演唱，这种以发展学生的创造性思维的“视唱练耳”课与传统的专业视唱练耳课是有极大的差别的。
即兴演奏多在大钢琴上进行，也可在其他乐器上进行，目的是帮助学生在演奏过程中形成与对音乐进行体态反应的自由，学生进行任意速度的即兴表演练习。
达尔克罗斯甚至在理论课上也采用了这种即兴演奏的方法，他让学生即兴演奏旋律或旋律片断，作为发展他们对音程的理解的一部分，并帮助他们熟悉和声。
凡此种种，达尔克罗斯教学法对培养儿童创造性思维的目的非常明确。因此，自1915年前后，此方法从瑞士传到美国以后，至今仍盛行于美国各地中小学，并在美国得到了进一步的发展和繁衍，形成为一种美国式的音乐教育模式。
上述活动、能鼓励学生自己就音乐的综合理解和知识做出判断，并积极参与音乐创造的过程，从而使学生获得音乐分析与创作的能力及经验。综合音乐感教学法已成为美国中小学音乐教育的重要模式之一，为培养和提高美国国民的素质起着重要的作用。
除以上教学法以外，在美国中小学音乐教学中所使用的还有卡拉博――科恩教学法；铃木的天才教育方法；流行音乐的教学法（主要为爵土乐教学）等教学模式。无论何种模式的音乐教学法，均贯穿着“创造”这一主题。可见在美国音乐学科中创造性教育的重要性。
参考文献:
中图分类号：G632文献标识码：A 文章编号：41-1413（2012）01-0000-01
摘要：当前，应试教育模式还主导着整个的中小学教学过程，在此情况下，音乐作为小学科往往引不起一些学校的重视。本文结合学校实际和自己的一些认识，阐述一下音乐学科的特殊性，和它对其它自然学科的辅助教学作用，以及对于学生整体素质提升的重要意义。
关键词：音乐教学;素质;自然学科;整合
学习是一种复杂的人类活动，在这个活动中，人作为主观因素是放在第一位的。要学习什么？怎样去学？有没有学习兴趣？怎样才能有最好的学习效果？种种问题，都是在围绕着“人”这一因素而展开的，没有人，就没有学习的主体。那么对于一个人来说，如果没有学习的兴趣或动力，那么那种学习也无疑是一种被动的劳而无功的学习。也就是说，在人的因素里面，学习的兴趣又是保证学习效率的重要条件。对于处于初中年龄阶段的学生来说，其心智还处于发展的初期，学习行为也处于一种被动的状态，那么如何才能调整好学生的学习生活，使其在学习状态下不至于感到枯燥无味，从而增强其学习兴趣呢？我作为一位初中音乐教师，深感歌声对于缓解一个孩子的疲劳学习生活、开发其心智，活跃其情感的重要意义。以下我就结合自己的音乐教学过程，来阐述一下音乐学科的特殊性和对学生全面素质塑造所起到的作用，以及对其它自然学科教学的相辅相成的意义。不足之处，请广大音乐同仁批评指正。
一、音乐学科和初中其它自然学科相比有其特殊性
音乐是一门艺术，现代科学研究证明，它是一门主要开发人的右脑功能的学科。相比语、数、英等其它自然学科来说，音乐学科虽然没有它们那么富有抽象性、逻辑性和概念性，但它独特的音阶组合以及要完美地表达出种种变化无穷的音阶组合，多半是需要一个人的天赋和灵感的，这种天赋可以表现为一个人有在某种形式上用音乐作为个人欣赏和放松的愿望，和他是否与音乐的表达产生共鸣，并依据音乐的特点来判断音乐两个方面。可以说这两方面就决定着一个人是否具备音乐素质。这种素质是音乐所特需的，没有这两方面素质的人一定搞不好音乐，但是没有这种素质的人他也可能会在语、数、英等学科方面出类拔萃。这就是音乐学科对于音乐人才需求的独特性。然而并不是没有音乐细胞的人就不能搞音乐，音乐是大众的，是民族的，除了高雅的，还有通俗的。音乐可以作为调节人身心的一种工具，放在任何人身上又都是很实用的。对于学生来说，音乐教学除了为培养优秀的音乐专业人才之外，另一个教学目的和任务也可以说就是为了缓释学生学习后疲惫的身心，能够以较短的时间里调整自己，从而高效率地学习和生活。这也是本文所要探讨的一个问题。
二、音乐教学对于提高学生全面素质的作用
素质教育目标认为：情感教学在整个的教育工作中占有很重要的地位，应该作为教学改革中一个具有很高价值的科研课题。研究证明：一个学习成绩优秀的学生，他的智商和情商都是很高的。一个人能否在一生中取得成就，智力水平是第一重要的，即智商越高，取得成就的可能性就越大。但是现在心理学家们又普遍认为，情商水平的高低对一个人能否取得成功也有着重大的影响作用，有时其作用甚至要超过智力水平。而人与人之间的情商最初并无明显的先天差别，更多与后天的培养有关。音乐教育就在这种后天教育中起着至关重要的作用。笔者在这方面曾进行过深入的调查。据笔者对于学校里历年来的优等生的考察研究后发现，大多数的优秀学生并不是通过死记硬背来实现的。其中上届毕业生中学习成绩第二的那名同学，没有像其他同学一样吃住在校，而是住在家里，也没有完全遵循学校的作息制度，没有上过早晚自习，每天只是到学校正常上上下午的正课，但是成绩优异。在走访其家长后得知，这名学生在小学的时候，就学过音乐、舞蹈、绘画等多门小科，并且成绩优秀。在升入初中后，每天在繁重的多门学科的学习之后，还要坚持练琴、跳舞、绘画，从不懈怠。学生的家长也直言其孩子也并非天分很高。研究证明，这名学生正是能够合理地运用音乐、绘画等手段来缓释学习压力，从而来调节自己，其情商、智商等因素也在久而久之的音乐、绘画等手段的培养中得到了提高，最终能轻松地取得优异的学习成绩。这也就是我们老师和家长们在称赞某个优秀学生时所说的“会学习”。
三、音乐教学和其它自然学科教学整合的意义
音乐教学不仅是音乐的学习，同时也是文化的学习，因此在音乐教学中进行相关文化的教学，应成为音乐教学的重要内容。在教学中我也体会到，若仅从音乐角度去上音乐课，其教学效果并不理想，于是我力求在教学中让音乐与其它学科知识相结合。
1.音乐教学与文科知识教学的联系
在音乐教学中，把音乐和文学结合起来，加上教师能用抒情的语调和优美的语言或者利用某些文学作品创设一种浓郁的艺术氛围，就能为学生营造联想的空间，帮助其更好地理解乐曲的意境，提高学生的音乐素养。如在让学生欣赏民歌的时候，可以尽量把民歌所产生的地方的风土人情、历史背景讲清楚，在讲述的过程中，学生也能够了解到相关的语文知识。又如在教授一些红歌的时候，又可以把红歌所表现的人物事迹、表现的时代风貌，相关知识背景，作者简介等讲给学生，这些方面的知识可以说都与语文、地理、历史等学科知识是交叉融合的，在学习的过程中，一定能起到互惠互利的作用。
2.音乐教学和自然知识学科教学的联系
现代科学技术在音乐教学和音乐演奏、演唱中广泛应用后，我们能够清楚地看到世上众多的乐曲、乐器、乐声的合成与分离，计算机音乐创作的软件，无一不是音乐与数学的爱情结晶，就连当今时常出现的假唱现象也离不开音乐与数学的融合。20世纪20年代的哥伦比亚大学的数学和音乐教授约瑟夫.希林格，曾把纽约时报的一条起伏不定的商务曲线描述在坐标纸上，再把该曲线的各个基本段按照适当的、和谐的比例和间隔转变为乐曲，最后在乐器上进行演奏，结果发现这竟然是一首曲调优美、堪比巴赫作品的乐曲！他进而认为，根据一套准则，所有的音乐杰作都可以转变为数学公式。在物理学和音乐学科的联系方面，我们也能清楚地看到：现代声乐学和乐器声学的原理，都能在物理学角度找到其合理的解释，也就是说，音乐声乐学无不遵从物理声学的原理。
综上所述，现代社会需要人们具有高水平的综合素质，因此培养学生具有高水平的综合素质是素质教育对音乐教育提出的基本要求。我们在音乐教学中必须要提倡学科综合，拓宽学生的文化视野，让他们在生活中学习音乐，在音乐中体会生活，并透过音乐了解社会、了解自然，理解人生的意义，进而培养他们健全完美的人格，使其成为合格有用的社会人才。
一、高校音乐教学改革的意义
1.高校音乐教学改革的必要性
近些年来，我国人民对文化艺术的追求越来越高，这种追求以当前我国经济文化水平的发展为基础，已经形成了一种社会需求。在这样的社会环境下，我国高校的音乐教育受到了很大的重视，地位不断提高，迎来了一个美好的迅速发展时期。不可否认的是，我国的高校音乐教育仍然有着很多的问题，这些问题限制了音乐教学的进一步发展，影响了高校音乐教学水平的进一步提高，只有坚决实施教育改革，才能让这些问题得到解决。学校的音乐教育直接影响着学生的专业能力水平，影响着学生的未来，所以，为了解决当前我国各个高校音乐教学中的各种问题，也为了培养更加优秀的人才，音乐教学改革是十分必要的①。
2. 音乐教学改革与当代音乐学科发展
音乐教学改革与当代的音乐学科发展是共存的关系。高校音乐教学的改革要根据音乐学科的发展情况，针对当前音乐教学中产生的各种问题来实施，随着我国的音乐不断的发展，音乐学科自然机会随之不断变化，这就是音乐教育的发展和进步。但是另一方面，音乐教育的不断改革也是不同的音乐学科形成的直接原因，新的音乐学科的产生，丰富了音乐学科的内容，也为音乐教学提出了新的要求。高校音乐教学改革与当代音乐学科发展是一个相互影响的关系，这就决定了在音乐教学改革的道路上，两者必然要互相联系，共同发展。
二、高校音乐教学的现状
1. 管理机制滞后
高校音乐教学的发展历程并不长，这样一个短暂的发展时间自然就决定了高校音乐教学的管理机制难以成熟。我国高校在音乐教学并没有一个相对完善的管理机制，管理人才的缺乏、管理结构的不合理这样的问题非常常见。高校对音乐教学虽然有了足够的重视，但是并没有认真看待音乐教学的管理机制问题，让一些没有专业能力的教师勉强进入音乐教学的管理机制，还有一些高校甚至没有独立的音乐教学管理机构，和其他的学科一起接受同一个管理机构的管理②。
2.学科课程设置不科学
我国有一些高校至今还没有改变旧有的课程设置的模式和思想，课程设置理念的落后影响了音乐教学水平的进一步发展。还有一些高校在课程的设置上没有自己的原则和思想，盲目参照其他学校的模式，忽略本校的实际教学情况，课程甚至非常不科学，影响了发展潜力的提升。音乐学科的发展应当和社会的发展水平同步，学科设置的模式和理念应当与时俱进，跳出传统思想的牢笼，这样才能够满足高校音乐教学、学生的未来和社会发展三个方面的要求。
3.音乐教学忽略了与实际的联系
艺术来源于生活，音乐来源于现实。音乐教学当然也离不开和实际生活的联系。目前我国高校音乐教学普遍忽略了这一点，音乐教学已经习惯了生搬硬套，并不注重与实际的联系。死记硬背的教学方法早已经不再适合当前的社会，现代化的音乐教学方法更加重视学生在教学活动中的主体地位，加强音乐教学和实际的联系能够更好地帮助学生理解音乐，培养学生的学习兴趣。我国许多高校在音乐教学上都忽视了音乐教学和现实的结合③。
4.加强音乐教材建设
教材是教师教学的依据，是教学内容的集合。教学直接体现着学校的人才培养计划和目标，对教学的质量有着直接的影响。高校音乐教学的改革中必须要有教材建设方面的要求和内容，这样才能够真正的解决我国目前各个高校的音乐教学中面临的各种问题。我国有很多高校，音乐学科的教材好多年都没有变化，内容早就跟不上社会的发展，这严重地阻碍了音乐教育的发展和进步。对教材进行改革最大的问题就是资金问题，想要建立符合时展需求、符合学生学习需求而又完全满足学校的人才培养计划的教材并不容易，这就需要学校的重视，拨出足够的经费更新教材和教学器材，促进音乐教学的蓬勃发展。
三、高校音乐教学改革促进当代音乐学科发展的有效措施
1.加强对音乐学科的重视，完善教育管理
相对于其他的学科，音乐学科虽然有着很多的发展音乐教育的文件作为政策基础，但是各个高校对音乐学科的重视程度还是不够，这种不够重视集中表现在音乐教学的教学管理工作方面，不够完善的教育管理机制影响了音乐教学的管理效率。在实施高校音乐教学改革的过程中，必须要积极学习先进的教育思想和理念，加强对音乐教学的重视，摒弃不合时宜的传统的教学理念和方法，用更加合适的教育方法和完善的管理机制促进音乐教学的发展。音乐教学学科的设置必须立足于学科的实际教学情况，联系学生的实际，抓住改革的重点，让开设的学科真正有利于学生能力的培养，有利于学生未来的发展，对社会也能够产生深远的影响。另一方面，音乐教学的发展离不开完善而科学的教学管理机制，合理的教学管理机制是保证教学质量、促进音乐教学改革持续发展的保障。所以必须要对教学管理队伍的建立重视起来，优先使用具有专业管理能力的管理人才，健全管理机构设置，让教学管理真正落到实处，保证教学管理制度的严格实施④。
关键词：音乐学科教学；爱国主义教育；素质教育
一、要提高音乐学科教学在爱国主义教育中的重要性
优美动听的音乐不仅使少年赏心悦目，而且可以陶冶他们的情操，弘扬高尚的“有理想、有道德、有文化、有纪律”的理想。多少年来，中华民族音乐积累了上千首激动人心的、凝聚民魂的、催人奋进的壮歌，充实了民族的宝库。那些流传不息的动人乐曲，无不深深打上了爱国主义精神的烙印。因此，学唱、传唱、高唱这些歌曲的过程，就是进一步沟通和升华少年爱国主义情感的过程。用音乐艺术来激发学生的爱国主义情感，培养学生爱国主义情操，意义十分重大。
二、要在音乐教育中渗透爱国主义教育的原则，充分发挥想象力
1.选材上必须恰当、精炼，即重知识性，又重教育性；更好地发挥想象力
既要保留传统曲目，又要突出时代主题。要从传统曲目中吸取营养，从流行音乐中挖掘出时代精神，突出建设有中国特色社会主义的主题，更好地培养学生对于音乐艺术的审美能力。伟大的科学家爱因斯坦从小就酷爱音乐，少年时代曾学过七、八年小提琴。他说过：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括世界上的一切。”可见音乐艺术对促进想象力的发展具有极大的诱发力。
2.着重素质教育
用音乐形式去营造校园爱国主义教育的氛围，要正确引导学生认识不同时期的乐曲，使其努力把握和理解音乐作品的内涵。用团结友爱、催人奋发向上、积极进取的音乐形式去教育学生，增添校园文化的色彩，创造出学校爱国主义教育的浓厚氛围。
3.音乐课堂教学中要强化培养爱国主义教育的功能
音乐有助于对学生进行思想政治教育，陶冶高尚情操，培养优良的道德品质，优秀的音乐作品是时代的动力，是人们的心声，具有一定的教育作用和极强的感染力。用鲜明美好的音乐形象和悦耳动听的音响教育学生，可唤起他们在情感上的强烈共鸣，又可鼓舞革命意志，提高思想认识。
爱国主义教育是一个永恒的主题，把爱国主义教育渗透到音乐教育教学中，不仅是培养人才的需要，也是艺术本身的需要。
参考文献：
“情之所至，音之所生”，这句话是说音乐具有抒发感情的特性。人们通过音乐所表现的“喜、怒、哀、乐”感悟到了爱什么、恨什么、尊什么、鄙什么等情感，从而让人们去认识人世间的“真善美”和“假恶丑”。音乐教师要挖掘音乐教学的德育功能，以实现音乐教学的教育目的。
一、挖掘教材中的德育因素，加强对学生进行思想品德教育
任何教材都具有德育意义，音乐教材同样如此。要充分利用教材中的德育因素，就要求教师认真钻研教材，通过教材中的德育因素同学生的思想实际，对学生进行思想品德教育。
在分析处理教材时，对显性教材要引导得当，注意学生的接受性，利用直观、生动、形象的声音和动作来引发学生的思想情感。
如《义勇军进行曲》，在演唱前，先向学生介绍历史背景，使学生知道爱国主义战士聂耳在中华名族危亡的时刻挺身而出，用音乐为武器唤起民众的觉醒，再分析处理这首歌，对学生进一步进行思想教育。
二、利用音乐意境。对学生进行思想品德教育
创造一个良好的音乐意境，首先要从教师做起。学生的情绪在很大程度上是受老师影响的。其次，良好的音乐意境需要教师有意识地创造，这就要求无论对教学内容的选择，还是在教学方法的运用上都要潜心安排。而且，利用音乐意境对学生进行思想品德教育是靠感情来打开学生心灵的大门，能使学生在沁人心脾的美的熏染中陶冶性情。
如《动物狂欢节》这一器乐曲，可通过音响、节奏、旋律的不断变化，抓住学生的情绪，使学生置身于美善与丑恶交替的意境中。乐曲中轻松、愉快的音乐展示了可爱的小动物的出现，使学生感到亲切，产生对美善喜爱的感情。而低沉、浑厚的音乐却展示出凶猛、可怕的动物出现，那种令人紧张的场面，使学生产生对邪恶憎恨的情感。
三、灵活地组织课堂教学，让学生在音乐故事中受教育
中小学音乐教育一般包括：唱歌、音乐知识、综合训练、欣赏等几个部分，而且每一节音乐课不可能只完成一种任务，这就需要教师灵活地组织课堂教学。在音乐教学中，通过音乐的作用和作品的介绍以及讲述音乐故事等来引导学生向崇高的英雄人物学习，向音乐家学习，也是对学生进行思想品德教育，寓德育于音乐教学之中的极好办法。
《黄河大合唱》是冼星海在延安一座简陋的土窑里带病连续写作六天完成的。这部大型音乐作品以黄河象征着中华人民勤奋勇敢、坚强不屈的伟大形象。作者能在艰苦困难的条件下，创作如此庞大的作品，反映了他具有坚强的意志和高尚的品质以及强烈的爱国情、报国志。通过人物及人物作品介绍，这种感情将潜移默化地影响学生形成高尚的道德品质。
四、加强课外音乐活动，培养集体主义精神
课外音乐活动是课堂教学的延续和补充，它和课堂教学一样是必不可少的，课外音乐活动中合唱队、器乐队、舞蹈队等同样可以寓德育于活动之中。
如课外合唱，完美的歌唱效果是靠全体学生共同努力的结果。合唱时，每个声部中的每一个成员都必须用同样的音色，同样的音量，就是换气都要协调一致，否则就会影响合唱效果。学生明白了这个理之后，在训练中，为了集体的利益，就会自然而然地听从指挥，这期间便会产生对集体负责的心理。
一、探求“广义”的音乐学概念，保持学科面貌的完整性
具有很强特殊性的人文学科，往往有其特定的内涵，音乐学亦不例外。但对于音乐学学科定义的认识，经历了一个较长的发展历程。如19世纪60年代，德国音乐学家赫尔兹霍尔茨提出音乐学应以构成音乐的物质材料和对它的感知过程作为主要研究对象，这种看法明显为盛极一时的“实证”学术思潮所左右，体现了把音乐学建设成“受到尊重的、完全意义上的科学”的主观愿望。但它客观上却将音乐学混同于音响物理学和音响生理学，从而人为地缩小了音乐学的研究范畴；另有学者则把西方音乐历史作为音乐学研究的中心课题，而把非西方音乐的探讨称为民族音乐学。这些观点或为时代所限、或以偏盖全，带有一定的局限性。
20世纪以来，随着研究的深入，音乐学的学科内涵得到更加深入的挖掘。如1997年版《新格罗夫音乐与音乐家辞典》认为：音乐学是一种知识领域，它把音乐艺术作为一种物理的、心理的、美学的和文化的现象的研究作为对象。1998年版日本《新音乐辞典》将音乐学定义为运用各种学术性方法研究有关音乐的一切事物的学术领域之总称。中国学者廖乃雄和罗传开等主张“透过与音乐有关的各种现象来阐明它们的本质及其规律”②；俞人豪提出“音乐学的研究对象是有关音乐的一切事物，它们包括人类历史的和当今的全部音乐成品和音乐行为”③；何乾三认为音乐学“可能涉及人类社会的一切音乐现象”④。不难看出，在理论上，学术界已经越来越清楚地认识到音乐学的研究应该涉及音乐的全部事项。但是由于各种原因，在长期以来的音乐实践中，音乐学科仍常被分为音乐表演艺术、作曲与作曲技法理论、音乐学等三大门类。如果将对音乐表演艺术、作曲与作曲技法理论的研究彻底排除在音乐学研究之外，并不能体现出音乐学是“研究有关音乐学问总称”的全部内涵。
在充分吸收前人研究成果的基础上，《概论》从理顺音乐表演艺术、作曲与作曲技法理论和音乐学三大门类之间的关系入手，将从元艺术、文化哲学层面和多学科视角进行的音乐表演艺术学、音乐创作学研究亦纳入音乐学范畴，从而突破了以往“狭义”音乐学的窠臼，真正地体现了“音乐学是研究有关音乐的学问的总称”的内涵。以音乐表演艺术学为例，它担负着“有组织乐音的音响艺术创造的规律性概括，使音乐表演艺术实践得到宏观理论的梳理和微观深入的分析，从而更好地去指导音乐表演艺术的再创造”（本书第110页）的任务。无论对于表演艺术的个体行为抑或学术共同体的建设，其重要性均不言自明。又如音乐创作学，它探究、总结、认识、表达音乐创作这一总体实践过程中的各个环节（本书第96页），包括音乐创作的哲学基础、美学理念、传统继承、基本形态、体裁种类、载体特点、技术构成等，其内容和传统作曲理论所关注的“本体”和“技法”各有所侧重。无论对于音乐家的个体行为，或是音乐学科共同体的建设而言，其重要性自是不言而喻。是书将其归入音乐学研究范畴之中，克服了长期以来将音乐表演艺术学和音乐创作学摒离于音乐学研究范畴之外的局限，既体现了对音乐表演艺术和音乐创作理论的重视，又保持了音乐学学科建设的完整性，实为远见之卓识。
二、兼收并蓄，倡导建立具有时代气息、开放性的音乐学科体系
在音乐学的学科发展进程中，曾经出现过多种学科分类体系，如昆提利安体系、阿德勒体系、里曼体系、莫泽尔体系、德列格体系、维奥拉体系、艾尔舍克体系等。目前在我国影响较大的是由俞人豪在1997年版《音乐学概论》和何乾三在1998年版《音乐百科词典》中提出的分类法，他们都把音乐学划分为三部分，即（1）历史音乐学，包括音乐史学、音乐考古学、音乐图像学等；（2）体系音乐学，包括音乐声学、音乐生理学、音乐社会学、音乐教育学等；（3）民族音乐学。
毋庸置疑，以上多种分类体系曾对音乐学的学科建设和现实音乐生活实践起过重要的指导作用。然而，随着时代的进步和科技的发展，学科分工更加细致精密，新领域不断地得以开拓，多学科交叉性的研究成为必然，现实生活对音乐学研究成果的实践运用提出了更高的需求。原有的分类体系已经表现出诸多不适应之处，主要表现在：一是现行体系无法包容所有的分支学科，并且未能为新兴分支学科（如音乐经济学等）留下可资发展的充分余地。二是忽视应用性音乐学分支学科（如音乐工艺学、音乐治疗学、音乐管理学等）的研究。以音乐管理学为例，近年来大众文化获得长足发展，探索音乐表演的经营、管理规律，建立健康有序的演出市场体系，已是迫在眉睫。
鉴于此，《概论》提出二种设想方案：一种为“十二分法”，即将音乐学按照自身规律分为音乐哲学、音乐物理学、音乐生理学、音乐心理学、音乐历史学、音乐人类学、音乐社会学、音乐经济学、音乐地理学、音乐教育学、音乐本体论、应用音乐学等十二个大部分。在各大部分内，视不同情况可再划分分支学科或次级分支学科。如音乐物理学可包括音乐声学、乐器学、律学等，应用音乐学可包括音乐工艺学、音乐治疗学、环境音乐学、音乐管理学等，音乐本体论可包括音乐形态学、音乐创作学、音乐表演学、音乐批评学等。另一种是“三分法”，即按照分支学科与相关科学类型的联系分为三大类：主要与人文科学相关的音乐学研究（如音乐哲学、音乐历史学、音乐形态学、音乐创作学、音乐表演艺术学、音乐批评学等），主要与社会科学相关的音乐学研究（如音乐社会学、音乐人类学、音乐经济学、音乐教育学等），主要与自然科学相关的音乐学研究（如音乐物理学、音乐生理学、音乐心理学、音乐地理学、音乐工艺学、音乐治疗学等）。这二种方案虽各有所侧重，但皆为有的之矢，不仅考虑到音乐经济学、音乐工艺学、音乐治疗学等新兴学科的涌现，而且可以根据需要迅速加以调整。相较之下，就本书的编写目的而言，笔者更倾向于后者，因为其意义不仅在于规范本学科的知识体系，而且更有利于音乐学子明确音乐学在学科共同体中的地位，进而对自己有更为明确的知识素养要求，把握自我提高和自我完善的方向。这也正是《概论》二位主编以其构建全书理论框架的深层含意，倾注了他们对中国音乐学事业发展之期冀和提携后学之良苦用心。
三、充分吸取现有成果，推陈出新
《概论》按照各分支学科与相关科学类型的联系为序，分章对音乐哲学、音乐美学、音乐形态学、音乐创作学、音乐表演艺术学、音乐批评学、音乐史学、音乐考古学、音乐文献学、音乐图像学、音乐人类学、音乐社会学、音乐地理学、音乐教育学、音乐传播学、音乐声学、律学、音乐心理学、音乐治疗学、音乐工艺学等20个学科进行介绍，着力从历史、现状及其发展新动向来探寻各学科的发展脉络，把握其发展轨迹和前沿动态，充分反映出中国当代音乐学界的研究现状。
担任分章撰写的近20位作者均为目前国内各领域学有建树的专家，他们对本学科的研究现状鸟瞰于胸，对已有成果的运用自然驾轻就熟。以音乐文献学为例，该章在阐述目录学理论时，就充分吸收了王小盾先生对于中国音乐古籍目录的研究成果，不局限于对目录记载的一般性梳理，而是充分发挥目录学“辨章学术、考镜源流”的功能，深入挖掘其与不同时期学术思潮的联系，从古代音乐典籍在经、子、集等部类中的流动来观察和分析中国音乐学史上的“乐”、“音”、“声”三分理论。对版本、校勘、传注、辑佚、史源学的介绍亦言简意赅，实为初学者入门之津逮。文中还从古籍整理、史料汇编、目录编纂等方面为读者提供了一份20世纪以来中国音乐文献学研究成果的详细清单。
本书中有不少章节如对音乐形态学、音乐创作学、音乐图像学、音乐地理学、音乐心理学、音乐治疗学、音乐工艺学等学科理论的介绍为国内同类著作中所首见。可贵者，各分章作者均以较宽阔的学术视野和扎实的学术素养为学术界奉献出一道道精神大餐。如“音―地关系”虽然早为我国学者所注意，并有零星的论述，但音乐地理学的建设直至20世纪80年代后期才被正式摆上议事日程。如何构建其学科框架，一直是学术界关注的问题。书中将其定义为一门以“音―地关系”为理论基础，探讨各种音乐现象空间分布、变化、扩散以及人类音乐活动的地域性结构的形成和发展规律的科学，进而指出本学科的研究任务：即在充分了解自然环境对于人类文化作用的基础上，探求音乐与诸文化现象间的关系；研究从古到今各类传统音乐的空间分布状况及其在不同时代、社会环境下的变动；运用音乐形态分析的手段，分析不同文化地理区中音乐风格的特征和规律；参照文化地理区的划分依据，进行音乐地理区的区划研究。这无疑为有志于此项研究的学者指明了努力方向。其余各章均有创见迭出、深中肯綮之处，篇幅所限，只能留待读者自行品味。
总之，《概论》在学术观点之新颖、体系构建之合理、编写内容之精当等方面均堪称旌表。这么高的质量，自然得益于王耀华、乔建中二位主编眼界之高远、学识之博洽。更令人感动的是，二位主编年高德劭，以耳顺之年，仍孜孜以求、著述不辍，为当代学术界树立了一个良好的治学榜样。当然，由于全书文稿出自众手，各章节在写作体例和概念的运用上尚难获得完全的统一。此外，总论中原先预定的音乐经济学、音乐生理学、音乐管理学等学科因故未能与其他学科一同收入正文，让人略感意犹未尽。
①王耀华、乔建中主编，高等教育出版社，2005。
②《中国大百科全书・音乐舞蹈卷》，中国大百科全书出版社，第817―818页，1989。
③俞人豪《音乐学概论》，人民音乐出版社，第5页，1997。
1.学生基础薄弱，情况复杂
高职高专学前教育专业学生的音乐基础起点不一，音乐素养个体差异很大。有来自普通高中，职业高中，还有来自中等师范学校。学生大多的基础差、底子薄，音乐素质水平参差不齐，对乐知识和技能的学习动机不强、兴趣不浓，对音乐的感悟能、领悟能力和创造能力相对而言也比较差，这就给课程教学带了极大的困难和挑战。
2.课程内容杂、难、多强调学科本位
当前学前教育音乐教学过多强调技能技巧的重复性训练，培养出来的学生缺乏灵活性，创编能力，即兴伴奏能力差。很难激起学生的学习兴趣。课程内容偏理论、忽视实践，内容多年不变，课程结构不合理。学前教育专业的音乐教学达到什么程度才是合适的？与音乐教育专业的区别？如何突出学前教育的特点，是我们研究的重要课题。学前教育的音乐课程是为以后从事幼儿音乐教育打基础。因此，学前教育专业音乐学科的学习，是培养学生的艺术素质，帮助他们掌握学前教育专业必备的音乐基本知识和基本技能，具有一定地弹、唱、跳的表演能力，能够即兴地为幼儿歌曲伴奏、幼儿舞蹈创编、具备幼儿歌曲边弹边范唱的能力，初步为学生形成自己的音乐特长打下一定的基础。通过音乐教学法，能够熟练开展幼儿音乐教学活动的能力。因此，音乐教学应该改革，音乐课程应该趋向综合化、精炼化。
二、学前音乐课程融合的可行性
学前音乐学科融合课程是从学生对音乐的兴趣为契合点，创造愉悦的学习氛围，促进学生的理解与掌握。教育家陶行知认为学校、教科书、教学都必须建立在生活历上，始可谓活的学校，活的教科书，活的教学。将乐理与生动的钢琴曲相结合，开拓和运用新的教学手段，变无声为有声教学，帮助学生树立正确的学科概念，使其走出基础理论课程的认识误区。变要我学为我要学。意识到乐理课程实际上是集知识性、操作性、趣味性、艺术性于一身的课程。在过去传统乐理教学中，一般都是重理性轻感性，重理论轻实践，而实践证明，只有将有声的音乐片段融入到乐理教学过程中，使抽象的理论知识通过音响完整表达出来，才能改变学生以往空乏无力、缺乏感性认识支持的学习状态。比如在讲解节奏、节拍章节时，教师可以用钢琴弹奏熟悉的圆舞曲和进行曲节奏，让他们来分辨两种截然不同的节奏型和节拍类型；通过弹奏新疆歌曲体会切分音，通过视唱《国歌》体验三连音的特点。让学生在在有声的情景中，体验音乐、享受音乐。
三、音乐课程融合的对策
音乐学科课在内容方面融合的设想是将原学前教育专业的钢琴与乐理、音乐欣赏、歌曲伴奏等课程的相关内容进行整合：将钢琴演奏技术与音乐基础理论学习结合起来：如将识谱、记谱法、音乐常用术语、符号、音程、和弦、调式的学习与学习钢琴作品的弹奏相结合。还可以将钢琴演奏技术和器乐作品鉴赏相结合：包括相关理论知识（作品分析、曲式分析）、音乐欣赏的方法、音乐史等有关内容。将钢琴作品练习与钢琴伴奏理论学习结合起来：儿童歌曲与一般声乐作品的旋律分析等。进行器乐（含打击乐）合奏训练（如键盘合奏、齐奏），增强学生的合作能力，了解基本的幼儿器乐合奏的组织与编配知识。在课时安排上，前期以弹奏与鉴赏为主，后段以歌曲伴奏训练，主要是侧重幼儿歌曲的伴奏编配与即兴伴奏为主。
1.音乐理论钢琴化
陶行知先生提出了教学做合一、教与学要以做为中心的教学理论。音乐学科的改革中，尝试将其与课程相结合，以期借此契机推动教学改革和发展。是通往优质教学的主要途径。是课堂教学资源的优化，表现为教师逐渐树立起资源的意识和，观念不再将自己当作唯一的教学资源，而是将课堂教学方方面面的潜在资源提升到显性的层面上，围绕教学要求加以挖掘、利用、整合，从而使教学更好地体现素质教育与新课程的要求。改革革前，音乐理论为36学时，实践几乎为零。主要依靠偏重教师为主导的知识技能的传授。缺点：学生在知识接受过程中只是被动的接受者，获取的知识很抽象，很难在实践中运用。改革后：采用学习一实践一再学习一再实践的教学实践方法，提高了学生理论课与实践课相结合，可以提高学习效率。教学方法则不再以老师讲述为主，而是师生互相表演（老师的示范和学生的训练）、讲述、评论，教师以启发为主，学生在老师的引导下各抒己见、评述优劣，变单个的填鸭式教学为多个的相互启发式教学。教师通过对学生单个或整体的训练与讲解，启发学生的思维能力和想象力，调动学生课堂的积极性和研究、探讨专业课学习的兴趣，鼓励学生独立思考。
2.钢琴集体课为基本教学模式
以钢琴为主的器乐课程，不应该是单纯的钢琴演奏能力提高。而应该以音乐基础理论知识和钢琴弹奏基本技巧为教学核心内容；以音乐理论+钢琴弹奏为基本教学形式；以数码钢琴集体课为基本教学模式；以合作学习与参与教学、互动式多边教学、案例式教学和行动式教学为主要教学方法强调音乐理论教学钢琴化。学习音乐理论知识和弹奏技巧为基本目的。在数码钢琴教学实际中，有机渗透乐理、和声编配、儿歌创编、即兴伴奏等内容，并通过键盘弹奏的学习，让学生掌握钢琴弹奏的基本技巧与方法，同时巩固其他音乐基础知识，使理论学习与实践相互结合、相互促进，从而加强对学生音乐思维品质及艺术修养的训练和能力的全面培养。此外，对于在弹奏与鉴赏中不涉及到乐理且太具有音乐专业性的内容如和声大调、旋律大调、旋律小调、特殊自然大小调、交替调式、移调等完全可以在幼教教材中删除。可将音乐作品鉴赏可综合起来开设。键盘学习音乐理论知识，不仅内容丰富，也更具直观性，乐理课实际上是在动脑、动手、动口的过程中获得知识、增长技能、陶冶情操的一门课程。以精选钢琴曲目、歌曲为基本主线，将音乐理论与钢琴技巧紧密结合起来。以此增强课程的吸引力，激发学生的学习动机和学习兴趣。使枯燥的理论知识联系到实际实践中，学起来会更加生动鲜明。构建一个理性的思维网络，即用音乐理论的思维去弹奏钢琴。
3.教学内容短而精
音乐教学内容安排当中，可以适当将乐理、和声、曲式等基础音乐理论知识融入进来，将理论知识与实践能力有效融合，避免各门专业课程相互脱节。根据学前教育专业培养目标，教学内容选择是否恰当，教学进度安排是否合理，将对学生能否快速掌握钢琴弹奏与即兴弹唱的技能产生直接的影响。在曲目的选择上，以实用性为原则，可以选用大量的幼儿钢琴曲和幼儿歌。以声乐为主线的综合课。本课题主要研究声乐与钢琴课程的融合歌曲即兴伴奏与弹唱。它是音乐多学科综合运用的表现。它最能体现知识的灵活运用能力，为今后开展教育教学工作打好基础。即兴伴奏的教学内容中，使学生通过为演唱者伴奏或自弹自唱等形式，增加钢琴弹唱的能力与意识并促进弹与唱的协调配合，把伴奏与歌唱完美的融为一体，在实践中不断地提高钢琴即兴伴奏能力与弹唱能力使学生进步较快，教师可在教学过程中采用以情带形法，通过以情带声，以情达意义来挖掘学生最真实的内心感受，培养他们的审美情操，让学生的音乐学习更具有主动性和实效性。同时也为学生在以后的教学中打下扎实的基本功。
根据学习儿歌伴奏的需要，乐理课中应当加入初级的和声知识，包括连接法、伴奏音型、选择和弦与音型、编配伴奏的方法、正三、副三和弦的运用等。另外，幼师的乐理课还应当加入简单的曲式结构的知识，如乐段、单二部曲式、单三部曲式等。这些教材内容都不需要很多、很深，只要略微涉及就可以。把这些初级和声、简单曲式结构的音乐知识都纳入幼师的乐理课的建设，体现的是一种以培养综合音乐素质为目的的整合型教材。
及早介入钢琴弹唱的配合训练。在入门阶段就训练简单的弹唱，贯彻循序渐进的原则，按照钢琴基本技术的训练，结合发声训练，将声乐和钢琴两项教学合二为一，逐步推进，从易到难。通过大量实践教学。每学期在学生中开展唱、弹、跳比赛活动；增强学生的艺术实践能力。
在教学方法上，教学授课方式从原来简单的从讲授到示范到练习的基础上，发展为引导学生在相关实践知识（技术知识）的介绍后；问题探究，即相关理论知识的分析；知识拓展，即选学内容，意在培养学生的知识迁移能力；训练与练习，即根据知识、技能目标提出的练习、训练项目等。将启发式、探究式、现场教学、案例教学、小组合作式等多种教学方式进行综合。通过对教学组织形式和教学方式的不断探索和改进，形成学前特色的音乐教学方式讲授、讨论、示范、练习、观摩、实践等相互交替、相互补充、相互渗透。
音乐是美的教育，学习音乐是对学生人体机能和身脑进行同步训练的理想手段。课堂上教师巧妙的引导，激发学生内在的学习动力，为他们创造学习成功的机遇和情境，使其勤奋而刻苦，并经他们自身的努力而获得成功，使他们对音乐产生浓厚的兴趣，最终提高音乐素质和审美能力。
在本学期的“赏音乐大师，做小小作曲家”的音乐教学实践中，我体会到音乐素质教育要实现全体学生的全面发展，首要的因素是在充分发挥教师的主导作用下，为学生创造实践的机会，使不同的学生在实践的活动中都能获得不同程度的成功。活动中要充分体现学生的主体地位，学生是学习的主人，学生主体性的发展只有通过全体学生的参与才能完成：
一、保护好学生的创作热情。
小学生创作的作品，往往是在已有的段落中加一个段落。有时会显得幼稚，结构性、旋律性不强。此时，教师千万不能打击、讥笑学生，应以正面肯定为主，鼓励学生大胆创作，培养其自信心。第一次的填句子练习，同学们摸不着头脑，胡乱填，敷衍了事。我并没有批评他们，反而在班上表扬他们勇于创作的精神，然后再点拨。结果，学生们愉快地接受了我的建议，在以后的音乐课中积极认真，而且对创作课表现出极大地兴趣，创作出的作品有长足进步。在教学过程中，如果能及时发现、保护学生的创作热情并加以正确地引导，这样既提高了学生创作的积极性，又达到了教学的预期目的。
二、加强课堂学习的趣味性。
兴趣是最好的老师，增加趣味性是上好创作课的重要手段。教师可以通过多种途径来改变枯燥的理论学习。比如，通过旋律接龙的方式，即以一位学生创编乐曲的第一句，第二位学生接上一句创编第二句，第三位同学创编第三句……以此类推，直至全曲结束。或者第一位同学创作出节奏，第二位同学在此基础上创编旋律至全曲结束。这样，每位学生的积极性便被带动起来，课堂气氛也活跃了。另外，还要给学生创设轻松、和谐的环境。创造机会让所有的学生都能够亲身参与，充分表现。比如，学到一定的程度，可以举办一次作品展示会，让所有的学生拿出自己的习作进行展评；也可举行创作比赛；还可以帮助学生向有关音乐报刊推荐习作，争取发表机会。
三、从日常生活中找切入点。
学生理论基础差，不要讲太多纯理论性的知识，而是找一些日常生活中浅显的例子来帮助他们掌握创作的技巧。如歌曲《草原上升起不落的太阳》第一句旋律的节奏，就是基本根据我们平时朗读“蓝蓝的天上白云飘”这句话的节奏而来的。像长沙话“你到哪里去哒”本身就有“353155”的音调。我们可以将语句中的这些音调作为创作旋律的基础。还有在讲如何选择恰当的节奏时，可以引导学生根据不同的形象来决定。如表现小蜜峰飞翔和大象走路，节奏疏密迥然不同等等。
总之，我们小学音乐创作，重在保护学生创作的热情和兴趣，让他们了解音乐创作不是难事，自己也能成为“小小作曲家”。
关键词：双基教学 以人为本 审美教育
新的《音乐课程标准》颁布后，一段时间以来，我们所见到的理论文章或音乐教师的教学论文中，几乎口径一致的批评以往的重视音乐知识与技能教学、训练的做法，似乎这样做就是贯彻新《音乐课程标准》的理念。在对新、旧教学观念的对比，对于上述教学的争议，简单地谈点自己的看法：
一、对"双基"教学的历史回顾
音乐教学在当时的学校教学中，虽不是核心课程，也不存在考试压力，但在这一教学思想的统领下，学校音乐教育也出现了以"双基"教学为重点的教学思想。在学校音乐教学中，教师普遍重视识谱、基本乐理以及演唱（演奏）技能的传授与训练。人们由此普遍认为，这是造成学生"喜欢音乐但不喜欢音乐课"的缘由之一。让我们先来看看旧的教学大纲中对音乐"双基"教学任务的描述："培养学生具有独立视唱能力，发展音乐听觉和增强音乐记忆力，培养正确的节奏感，获得有关音乐语言要素和音乐表现手段的基本知识......"再从《中小学校音乐教学法》来看如何要求音乐知识和技能教学：必须进行基本乐理知识的讲授和较系统的视唱练耳基本训练......繁、难程度可见一般。由此可见，广大的音乐教师也即按上述方针的要求，积极地开展以音乐知识和音乐技能教学为首要的音乐课堂教学。中小学的音乐"双基"教学内容大致包括了乐理知识、视唱练耳以及歌唱、器乐等等。就音乐知识与音乐技能的教学本身来看，原先的系统、孤立的知识传授以及强调技能训练的规范与法则，难免使学生感到枯燥乏味，与中小学生的心理不相适应。加德纳对比中、美两国的音乐教育认为：中国的音乐教育能保证学生取得一定的知识和能力，但由于机械地学习与训练，已使学生丧失了兴趣，没有了创造与表现音乐的想象与愿望。
二、对"以音乐审美为核心"、"以人为本"的全新教学理念的解读
新颁布的《音乐课程标准》提出了十个基本理念，其中以音乐审美为核心的理念，充分体现了素质教育的要求，也合乎音乐艺术的本质属性--音乐艺术从本质上讲是表达情感的。在音乐教学中，只有让学生的情感得到充分的体验，进而才能感受到音乐的本质。在这一认识基础上，音乐教育自然要摒弃以往以知识传授、技能训练为首要的教学观念，这是教学思想的历史性的进步。
《音乐课程标准》的基本理念体现了以学生的发展为本，即"以人为本"的教育理念。作为美育重要组成部分的音乐教育其根本目标是培养全面发展的人，而不是培养演奏家、理论家的专才教育。"以人为本"是教育思想的一大飞跃。华东师大周蓓提出音乐教育是"人本教育"而非"文本教育"（指把知识的掌握作为能力获得的先决观点），也即要改变过去重知识传授为主的教学方式，而需以发展学生的音乐感受、培养学生的音乐兴趣为本的"人本主义"教育方式。如今这已是广大音乐教师共识。
三、审美教育理念下的音乐知识与音乐技能教学
音乐"双基"教学与以审美为核心的音乐教学，两者间似乎是有本质的矛盾的。例如前者强调知识、技能的学习与训练，学习过程中学生往往是被动接受者，它不利于学生的自主学习与创造性发挥，容易使学生产生厌倦心理，磨灭学生的音乐兴趣。这与要求学生进行情感体验、发展学生的音乐学习兴趣的审美教育理念的确是背道而驰。因此，新的课程标准不再提出强化音乐知识与音乐技能的教学，也不再有"双基"教学的提法。问题是无论教学理念多么先进，中小学音乐教学始终离不开识谱、歌唱、器乐等教学内容。如唱歌教学就得有一定的规范。新的《音乐课程标准》也要求学生有一定的识谱的能力等等。让我们来看看美国的《艺术教育国家标准》，它对音乐学科本身的重视程度没有减弱，要求学生掌握必要的音乐概念、技能它是音乐教育的基本要点。因为，最终音乐课总要教音乐、学音乐。那么，以审美为核心的音乐教学，如何来摆正音乐知识与音乐技能在课堂教学中的位置呢？
1、认识到音乐的审美教育是终极目标，知识与技能的学习、掌握是必要手段，这是亘古不变的。音乐本身是艺术与技术的完美结合，无论是歌唱、乐器还是日常的音乐课堂教学，离开相应的知识与技能，美的音响也就不复存在。因此，知识的学习与技能的掌握是音乐教育过程中必要的教学内容之一。这一点上，无论是过去的教学大纲，还是现在的课程标准，认识上是有共通之处的。然而，新的课程标准更强调音乐教育的审美作用，将其作为教育的核心理念，明确了音乐课知识、技能的学习与审美目标的相互关系。
“当代音乐学研究专家论坛”综述会议由南京艺术学院副院长邹建平教授主持；江苏省政协副主席、南京艺术学院院长冯健亲教授、党委书记文晓明教授先后在开幕式、闭幕式致词。随着我国音乐学学科研究的不断拓展与深化，各门学科之间的相互渗透、吸收和借鉴，在当代音乐学的研究中，显得尤其重要。也正是在这种共识的学术氛围下，与会的代表就音乐学的整体构架及未来发展、音乐学的学科建设、音乐学研究可持续发展、学术创新、学术规范等方面展开了讨论。
一、从音乐学研究的宏观总体视角出发，于润洋说：“一个国家和民族的发展，如果只重视自然科学的研究，从长远来看，是要付出代价的。研究音乐的理论，中国有几千年的历史传统，但作为近代意义上的学科发展，其时间并不长。严格地按照近代音乐学学科体系的发展来算，应该是从建国以后音乐学系的建立，突出的发展是改革开放的20多年，我们已经初步建立起音乐学的学科体系，中国音乐学的总体学科框架已经形成。音乐学学科是属于理论思维的范畴，如果一个民族的音乐文化要发展，缺少了音乐学的理论也是很难达到高峰的。”赵宋光认为：“任何学术科目的建设，都需要有社会分工，由群体协作。像音乐学这样一个相关领域异常多样的艺术学学科，更是如此。经过漫长的历史发展，无论在东方还是西方，音乐学研究事实上已经形成细密的分工。但是，分工的细密却又往往使研究者视野狭窄，渐渐远离了对于研究对象的完整理解，各种见解彼此隔阂，乃至互相贬低，无谓争吵。这就迫切需要在被分工划开的群体之间加强沟通，寻找共同话语，开展群体协作。”张前认为：“我们需要诚实的态度，老老实实，一步一个脚印，认真翻译、介绍和研究人家的第一手资料，把西方一百五十多年来最具代表性、影响最大的学术著作翻译过来，认真地加以研究，这样才会学到人家的真东西，也才会发现他们的问题在哪里。”并提出：“扩展音乐学研究的范围，开拓新的研究方法，把单科的研究，与多学科交叉的综合研究结合起来，把静态的封闭的局部研究，拓展为动态的开放的跨文化研究。”“我们对世界音乐学的最大贡献应在于，我们如何研究好自己的东西，从各个角度把中国音乐(其中也包括极其丰富的各少数民族音乐)的特点和规律研究深，研究透，把它写成有分量的论文和专著，介绍到国外去。”周海宏说：“音乐学的研究要落实到切实需要落实的问题上去。要注意1.发现问题；2.问题明确化；3.分析问题；4.构成问题的实质是什么?学术研究，不应该把简单的问题复杂化。综合思维，应该是把每一个要素搞清楚，要素关系才需要综合。天人合一，为什么?是生活态度，还是科学方法。方法是工具，仍然是问题和目的。问题意识应该得到加强，而不应该将方法论抬到无限高的地步。现象，要用实证的方式；概念的关系就应该用思辨的方法。其次，为人类知识的大厦提供一种切实的建设，而不是似是而非的个人看法。”
二、从当代音乐学学科建设和各分支学科的研究与发展的层面，许多专家发表了自己的观点。于润洋就音乐学的学科建设问题发表了三点意见：“1.扩大学科的学术研究视野：这是一个世界性的问题，西方也存在此问题。我们的状况不令人满意的是，学科之间相互沟通与交融不够。我们的学科是从西方来的，西方的思维是一个分析的思维，它自然地形成各个分支；中国的思维是普遍联系的、综合的思维，这一点我们特别要加深认识。我理解音乐学的学科本身具有很强的边缘性，它的子学科本身也具有边缘性。我们要吸取其它各学科的东西，一个学科的发展，常常是出现在交叉点上。我主张要关注人文学科的发展，包括自然科学的发展。2.方法论上，要加强理论与历史的融合；应该有一个基本的立足点，我的经验及通过我接触过的理论，我觉得是历史唯物论与历史辩证法。当然还要关注当代哲学的发展，重要的是吸收，吸收非的东西，这也是推动和发展的基础。3.加强对音乐本体的认识和阐释的能力：我们的音乐学有时比较忽视音乐本体的研究。搞作曲的觉得你们脱离实际。目前中央音乐学院音乐学系的课程在加强作曲技术理论，加强他们感受音乐、理解音乐和分析音乐的能力。另外，音乐本体的研究也有问题。本体研究缺少理论与历史的参照。音乐文章常常是枯燥乏味，不知道其研究的目的是什么。”王次zhào@①认为：“建设一流大学的标志是：一流的学术成果、一流的人才、大师级的学术带头人。”所谓大师级的学术带头人应具备的条件是：“1.对自己学科的历史与现状很精通——有广博的知识和宽广的知识结构；2.对学科前沿的把握；对学科前瞻性的思考——要有开阔的视野，对学术研究的最一般的原则要把握。”赵宋光在谈到音乐学的学科建设问题时，提出了音乐学的“七大分支”的规划构想“历史的音乐学这一大块，仍保持为一大分支；体系的音乐学这一大块，划分成三大分支：音乐学元理论、音乐文化人类学、中国传统音乐理论；应用的音乐学这一大块，划分成三个分支：音乐教育学、音乐学技法理论、为音乐实践服务的科学技术理论。每一个大分支内，可有若干小分支归属其下。”茅原将音乐学学科划分为十二个小的分支：1.声学；2.音乐美学；3.音乐史学；4.作曲技术理论；5.民族音乐学；6.文本评论；7.乐器学；8.词典学与术语学；9.图书档案研究；10.音乐图解学；11.大众媒介；12.边缘学科。而每一个分支又可划分出若干子分支。谢嘉幸认为：“从音乐学院的学科分类，我分成两个层面，九个独立的研究领域。两个层面：1.理论层面(音乐美学、音乐史学、民族音乐学、音乐心理学)。2.实践层面(音乐教育学、音乐表演理论、作曲技术理论、音乐科技)。”庄元认为音乐学学科的构架应是：“1.音乐学的基础理论研究。2.音乐的应用理论研究。3.音乐的开发性研究。”俞人豪说：“从音乐学的历史发展和学科分类来看，它有历史音乐学、体系音乐学和音乐民族学组成，虽然每一部分的下属分支学科越来越多，研究的范围越来越广，但它的基础性学科依然是音乐史学、音乐音响学、音乐美学和音乐民族学。我认为现在对此特别需要肯定和强调。因为近年来音乐学外延的无限扩张和各种冠以音乐什么什么学的学科已经几乎淹没了它的基础和主体，使音乐学变成了一个似乎无所不包的大框，什么内容都可以往里装。”伍国栋认为：“民族音乐学之所以能够成为一个学科，其条件是什么。我觉得其它音乐学的学科成立有四个条件：1.本学科有相对独立的，与它学科有区别的学术视野及研究对象、研究方法和研究目的，但要与其它学科有联系；2.有一定的发展历史；3.此学科应有一批突出的学者；4.此学科应有一批比较有影响的代表著作、经典性的著作。”刘承华认为：“音乐文化学学科建设的着力点是：1.开展音乐文化学的学科建设。2.加强音乐文化学在民族音乐学研究中的比重。3.加强音乐文化学对相关音乐学科的渗透。”
三、取当代音乐学的分支学科的视角，许多代表发表了自己的意见。戴嘉仿从中国近现代音乐史的研究与教学角度，认为：“1.如何看待我们的历史?这个问题好像很简单。但是，由于每个人看问题的角度不一样，其最后的结果就不能不带有主观性。如何更宽宏地看待中国近现代音乐的历史。香港音乐家刘靖之对上世纪西方音乐传入后中国音乐的发展基本是全面否定。有人认为：中国近现代音乐史的发生是新音乐史，是有些片面。我认为，对待中国近现代音乐史的研究，应该用宽容的态度。2.对中国近现代音乐史的研究，要加强专题史与断代史的研究。对音乐学系的学生，以后不要开通史，要从专题史与断代史入手，使学生多接触一些研究方法。不同的系要求不一样。对表演专业等等，音乐史的教学主要是知识性的；对音乐学系的学生可以看书掌握知识。在专题史与断代史的研究中，则对研究方法有比较深入的研究。”伍国栋针对“民族音乐学的实践层面”从“1.音乐行为直接观察和介入的田野作业实践层面。2.音乐对象特定技能操作的工艺掌握实践层面。3.音乐综合考察材料的描述解释实践层面。”三方面进行了探讨。王安国在《我国基础音乐教育实践中的若干问题》发表了为国家制定中小学音乐教育课程标准意见。着重谈了以下六个问题“1.关于音乐审美的价值。2.音乐审美对人的创造力的发展。3.音乐审美能力与音乐知识、技能的关系。4.母语文化与世界文化。5.综合理念与综合学科。6.乐谱价值与谱式的选择”。谢嘉幸在《建设兼有音乐学与教育学双重品格的音乐教育学》中指出：音乐教育学的学科发展还存在着许多问题：1.首先是学科的性质与定位问题。2.其次是音乐教育学的学科建设问题。3.音乐教育学在专业音乐院校中的功能和价值是什么。等等。杨和平在《当代音乐学中音乐文献史料的整理与研究》——对建立中国音乐文献学的初步构想中认为：“当代音乐学中的音乐文献学就是将历史上流传下来的、优秀的音乐作品搜集、整理起来，提供给当代音乐学研究者和后来的音乐学研究者所用，并通过对这些音乐作品的分析研究，总结出音乐艺术的发展规律，提供给今天或明天的作曲家进行创作时的借鉴、参考之用，还要将历史上传承下来的优秀的音乐文化的方方面面，发扬光大、不断丰富发展。加快中国音乐文献学学科建设，是我国音乐学研究保持可持续发展的关键所在，是我国音乐学研究保持音乐生态平衡的基础。……音乐文献学还要重视对当下健在的音乐家的研究。”庄曜在《信息时代的数字化音乐教育》中说：信息时代的数字化教育，对“1.学习资源的开发；2.学习的评价方式；3.音乐的观念变化等方面有很大的帮助。但问题是，它不能取代现实，不能只成为音乐教学模式的简单的转化。”庄元在《音乐传媒与传播》就“音乐传播与大众传媒研究的必要性和音乐传播研究的领域”谈了自己的观点。此外，冯效刚发表了《关于音乐表演艺术研究科学性问题研究》；冯文慈提交了《从事中国音乐史学的心态自述》；杨易禾提交了《音乐表演美学学科建设管见》；田耀农提交了《民族音乐学的缘起、建构、解构与重构》等论文。
四、从当代音乐学研究中的学术规范和学术创新的问题入手，居其宏在《学术规范与学术创新》中给学术创新定义为：“人的创造性思维和独创性实践在学术研究领域的具体体现。其过程和表现大概是这样的：在理解、消化既有知识体系和学术成果的基础上，在某一领域内有所开拓、有所发现、有所创造；或对前人成果有所补正、有所概括，有所提升，而提出的新论点、新见解、新材料又确实丰富或深化了学界对研究客体的认识，推进了学科的发展，如此便具有了某种创新的意义。”并将学术创新的类别分为：“1.创体系、立学派研究；2.整体系统化研究；3.开拓性研究；4.局部修正和突破性研究；5.新方法、新材料的运用及研究。”关于学术规范问题，居其宏认为：学术规范应包含三个“必须”：“其一，必须严格遵从人类理性思维活动的基本规律……思维规范有两层意思：一是概念规范，二是表述规范；其二，必须公开承认学术研究的历史积累及其传承关系……这就牵涉到治学态度和学术风气的规范问题了；其三，必须实行规范化的程序与形式……如：引文必注”等等。在对待学术规范与学术创新的关系方面，居其宏认为：“1.学术创新是目的，学术规范是方法；2.学术规范是基地，学术创新是大厦；3.学术规范是母亲，学术创新是儿女；4.学术规范是严师，学术创新是高徒……我深信，只要我们认真遵循学术规范，就能确保当代音乐学研究在学术创新的道路上不跌跟斗，少走弯路，大步迈向辉煌的未来。”字库未存字注释：@①原字左火右召
