时间：2022-06-12 11:36:40
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术学理论论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
中图分类号：J0文献标识码：A
2011年3月，国务院学位委员会、教育部公布的《关于印发〈学位授予和人才培养学科目录（2011 年）〉的通知》（学位［2011］11号），该通知已正式把艺术学列为一个独立的门类，学科代码为13，下设5个一级学科：艺术学理论、音乐与舞蹈学、戏剧与影视学、美术学、设计学（可授艺术学、工学学位）。艺术学理论在原文学门类下的艺术学一级学科中与艺术学二级学科相对应，本次学科目录调整中直升为一级学科，代码为1301。
艺术学升级为门类之事自2002年起就由时任国务院学位委员会学科评议组召集人的中央音乐学院前院长于润洋先生所倡导。但因艺术学学科传统地位的不高以及人们对艺术学学科理解的不足，故直到2011年才得以实现。这是一个艰难的过程，也是艺术学科不断与其他学科进行碰撞的过程。在艺术学科与其他学科的碰撞过程中，艺术学科内部的碰撞也时而发生。其中艺术学理论应否存在就是一个关键的问题。
就艺术学理论这个学科而言，在学科顶层设计的分歧让从事艺术学理论的学者忧心忡忡。因此，一部分学者就在关键时刻思考艺术学理论的价值。在此过程中，于润洋先生、张道一先生、叶朗先生、仲呈祥先生、凌继尧先生、彭吉象先生、李心峰先生、陈池瑜先生、黄惇先生等学者起到了关键作用。由于工作原因，本人亲历过部分关于艺术学理论的论证过程，并受中央音乐学院丁凡教授委托，在艺术学升级为门类的过程中为艺术学理论学科设置撰写了说明，故在本文中想就艺术学理论的使命与地位提出自己的点滴看法。
一、艺术学理论的使命
笔者在研习艺术学理论的过程中曾撰写多篇文章，都涉及艺术学理论的使命问题。这次是在新的语境中讨论同样的问题，也想谈一点新的感受。
新的语境体现在学科变化当中。自2010年年初起，艺术学学科升级为门类问题进入关键时段。这个时段可以说是艺术学理论“生存还是毁灭”的时段。面对艺术学理论当否设置，学者们的可爱体现在无论是反对，还是赞同，大家都自觉而审慎地考量艺术学理论学科的作为问题，那就是艺术学理论可以做什么？有没有其他学科可以替代艺术学理论？
有学者认为，西方没有这个学科，学科要与国际接轨，就不必设立这个学科；有学者则认为，西方没有并不意味着中国不能设立。况且这个学科起自德国，并在俄罗斯、日本、中国都产生了较大影响。有学者认为，每一个艺术门类都有自己的历史与理论，没有必要设一个凌驾于各艺术门类史论之上的“空洞”的学科；有学者则认为，恰恰是艺术门类之间的壁垒、艺术各学科之间的壁垒影响了我们对于艺术问题判断的准确性，艺术学理论可以为打破这种壁垒发挥不可替代的作用。有学者认为，艺术学理论缺乏明确的研究对象，在人才培养中，无法找到恰当的选题做学位论文；有学者则认为，艺术学理论的研究对象很实在，人才培养中学位论文的选题当或不当，主要在于人们对于学科的理解足与不足，与学科自身没有关系。这三大问题是人们针对艺术学理论学科的主要争议。
但无论如何，艺术学理论作为一个一级学科在艺术学学科门类中出现了。它的出现意味着从国家的立场对于原先仅仅作为一个二级学科的艺术学的学科地位的肯定。
那么，艺术学理论到底可以做什么事情呢？笔者受仲呈祥先生和凌继尧先生委托，在为艺术学理论一级学科撰写学科简介之时，吸收前辈和同行学者的观点表述如下：
艺术学理论旨在打通各门艺术之间的壁垒，通过各门类艺术之间的关联，构建涵盖各门艺术的普遍规律的宏观理论体系。……本学科的研究对象为各类艺术现象，旨在从各类艺术现象中探寻艺术的普遍规律。艺术现象是指发生在历史或当下、发生于不同艺术门类中的各类艺术事象。本学科力图在不同艺术门类当中寻找制约艺术现象的普遍规律。
这种表述已表明了艺术学理论的基本使命，也是近二十多年来我国从事艺术学理论学者的共识。
艺术理论论文3700字(一)：中国古典艺术理论与艺术学学科体系的建构论文
中国艺术研究院是文化和旅游部下属规模最大的研究机构，一直致力于中国艺术的发展，并不断地有新的开拓、新的想法、新的追求，现在创办《艺术学研究》这份杂志，我觉得这对于中国艺术学的学科发展来说，是一件非常好的事情。
艺术学的学科设置及相关研究是近十几年来逐渐兴起的一个重要议题，最早大概始于20世纪90年代末、21世纪之初，教育部在国务院指导要求下重新调整高校的学科目录，要缩减50%的学科名称，需要将400多个缩减成200多个。我当时担任中国美术学院院长，和时任中央美术学院院长的靳尚谊先生都参加了这次学科目录调整的讨论，当时就讨论过艺术学科。从教育部和高校的管理角度考虑，有艺术学这样的一级学科是有好处的，因为音乐、舞蹈、戏剧等艺术类学科比较多，统一起来利于管理。但是，从学科建制和学理层面上，能不能设立艺术学这样一个一级学科，囊括音乐、舞蹈、戏剧、美术、曲艺、相声、杂技等各门类艺术？这件事情我们当时心里有点没把握。
之后，北京大学和北京师范大学想在艺术学的学科建构上有所作为。一次，在评教育部的重大理论项目时，这两所高校都申报了艺术学理论体系建构的课题。不过，两所高校所展开的角度不同。北大是希望建立一个完整的艺术学理论体系。北师大想先从调研着手，计划把国内100多所设有艺术学科的综合类高校和艺术院校都调研一遍，在此基础上探索建构艺术学理论体系的可行性。我当时是总评委，觉得这两个角度都有可取之处，考虑到两所高校都想做这件事情，都在努力做，跟教育部的思路也比较一致，所以就给教育部科技司建议，不如都予以通过，批准他们去做。但最后据说只能有一个指标，至于花落谁家，进展如何，我就不知道了。
就这两所高校当时所提交的课题申请书，其中北大的类似于王朝闻先生做的艺术概论，一块一块并置，美术还是美术、音乐还是音乐、戏剧还是戏剧、电影还是电影，各种艺术形式对应各个章节，比如说八种艺术形式就八个章节。作为艺术概论，作为教材使用可以，但是从学理上来看，这样是不够的。我也意识到这是一个值得深入探究的课题，但做起来恐怕不是太容易。不过，这么一来，倒是把艺术学的学科建制问题摆在了研究者的面前。以前大家可能没有去深入思考这件事，只是觉得教育部归口管理，比如说工科、理科，各自也都囊括很多专业门类，却没有人去建立一个工科，或者理科的学科理论体系。而当时北大和北师大之所以提交艺术学理论体系建构的课题申请，跟学科的发展建设也有关系。比如，学校想要成立艺术学院，希望囊括电影、戏剧、舞蹈、音乐、美术、書法等一切艺术门类，但生源有限，老师也有限，有什么办法可以把这些都统起来一块教，让学生什么都会，他们大概有这层考虑。
以上所讲是我经历中两个印象比较深刻的点。
当时的情况跟国内高校学科结构和建制的历史背景有关，我们现在的思考也都是基于这个背景，即中国高校在20世纪50年代进行的院系调整参照借鉴了苏联模式，而苏联模式其实源于欧洲高校的学科设置模式，一门一门的并列方式。比如今天我们所讨论的“诗、书、画”，在50年代以来中国高校的学科结构里是没有的，因为这是中国本土的文化。所以，我们的学科结构，包括要解决的问题都有这样一个国际化的历史背景。西方的学科体系在世界上为大家所公认，无论中东、南美等，世界各国大学里面的学科基本都是这样的分类方式。而至于由此衍生出来的一些问题，比如我国传统中诗、书、画是如何紧密联系在一起的，为什么我们现在把这个传统弄丢了，当前语境下能否重续这个传统，以及如何重续，等等。这些问题值得我们深入思考。
对此，我虽然没有系统探究过，但觉得围绕中国传统这样一个角度和立场去展开确实是一条可以试探的路，这跟教育部的学科结构不太有直接的关联性，可以回避因学科结构所造成的那些困惑。但是，我们反过来也要认真思考，中国传统文化艺术中的诗、书、画之间，那种紧密的相关性是在什么层面上相关，这是我们首先要在思路、逻辑上理清楚、想明白的问题。
从广义的文艺理论来说，20世纪50年代以来我们把文艺作品分为形式和内容两个部分。这两个部分是我国近百年来最常用的、或者最普泛化的一种研究切入方式。比如，在评论中国画或者油画的时候，谈论较多的是画作的内容或形式，表现的内容可以相同，形式却不同，油画用的是油画颜料这种形式，国画用的是毛笔和墨。这种分辨在当下西方理论中恐怕都觉得过于粗糙，但在我们现在的语境中还是比较有效的，可以把两个基本部分区分清楚。以今天的议题为例，如果讨论其中的相互关联性，我认为主要体现在内容方面，比如说诗所描写的内容，同时也是画所描写的内容，和书法稍有不同，但是书法又和字、词、句这样的文字表达联系在一起。所以，诗、书、画三者之间至少在内容上有比较密切的关联，但关联程度不一样，还可以细分，比如诗和画关联性就很密切，相比之下，诗和书关联性稍微弱一点，但是书和画关联性又很密切。这是一个层面。
第二个层面就是广义文艺理论的形式问题。形式到底有没有关联？相对而言，形式上的关联也要细化。比如，诗的形式和画的形式显然是两个领域，诗是由词、句、章节组成，语言当然是其最典型的形式；画是由笔墨构成的，属于可视的形象性的语言形式，或者叫视觉形式语言，而且是视觉形式语言中以中国的笔墨工具所形成的一种独特的、在世界上几乎独一无二的形式语言；书法也是一种形式语言，书法具有实用功能，写出来的字马就是马、牛就是牛，除了实用功能以外，书写过程中笔画抑扬顿挫所留下的痕迹又具有语言性，书写的字本身就是语言，但是这个语言不是书法的本体语言，书法的本体语言是抑扬顿挫、枯湿浓淡所形成的语言特征。所以，书的语言特征跟画的语言特征有密切的关联性，叫作“以书入画”，现在也有艺术家说是“以画入书”。但是，“以诗入画”是语言上的关联性还是内容上的关联性呢？我认为“以诗入画”主要是内容上的关联性，主要体现在我国文艺理论中的审美境界层面，即意境和境界上的关联性，这其中有很多话题可深入展开。诗和画在表达人欢喜、爱慕、悲哀、寂寞的感情，以及在感情中所达到的意境和思想境界上，有密切的关联性。相比而言，书法只与其中的一部分有关系，比如评论王羲之的字“龙跳天门、虎卧凤阙”，这就是对书法意境和境界的形容，但这个形容跟诗和画的境界、意境又很不一样，其中也有关联，只是比较抽象，王羲之没有画出龙跳天门，也没有画出虎卧在什么地方。所以，我认为我们要仔细分辨不同艺术门类、不同研究对象之间的相关性及它们的区分和界限，这也是学界目前应该做的事。实际上，事物和事物之间的关联经常是三维的、立体的网络状，把这其中的相互关系理清楚是非常重要的。
西方的哲学、美学、文艺理论非常丰富，传入中国一百多年以来，对我们的文艺影响巨大。我认为这影响绝不是负面的，而是正面的，否则我们不知道其他的文化脉搏、其他地域的文明为人类文明作出了什么贡献。如果我们不了解世界性大范围的发展和历史，我们就不知道我们中华民族的文明成果处于什么位置。在引入、翻译、诠释做到一定程度的时候，我们确实应该回过头来多看看自己的文化传统，有哪些东西是可以再拿出来重新加以研究的，不能像20世纪初期那样用比较激进的、简单的方式把传统一棍子打死。在这点上，我觉得现在的时机较好，国家非常重视传统文化的研究、继承和弘扬，给我们提供了一个非常好的大环境。但这件事情要做好，不能关起门来自说白话，要响应中央的号召，做好中国传统文化研究这项意义重大的工作，同时要把对我国传统文化的研究放在国际化的平台上、国际化的背景中展开，这样才知道我们自己所处的位置。刘勰在《文心雕龙·知音》中说：“圆照之象，务先博观。”同样的道理，如果我们不知道世界上有白种人、黑种人，就会偏执一隅，以为全世界都是黄种人，而只有了解到世界上的其他人种，才会知道原来我们只是其中的一种。这样的自我了解和自我設定既不是否定自己的优越性，也不是把自己看得一无是处，而是助于我们更全面、整体、客观地看待、分析、解决问题。
20世纪80年代中期，我曾在也是由中国艺术研究院召开的一场学术研讨会上，提出以中国传统和西方现代为两端的中国艺术的一个整体格局的构想，当时我所着眼的是中国艺术之后几十年的发展走向。在这样一个可以预测的历史时段中，我认为我们文艺界的一个基本格局应该是枣核形的一个形态，一个尖端是对中国传统的深入研究，另一个尖端是对现代西方的深入研究，中间是一个交融互动的混融区域，这个区域很大，但是两端比较小。所以，我提议要加强两端的深入研究，只有这样，中间的混融区域才能够蓬勃发展，才会混融出各种各样有意义的成果，如果两端研究做不好，中间的混融成果一定是浅薄的。如今距当时的那场学术研讨会，已四十年过去了，回头再看，我依然认为这两端研究是一个根本问题，也是我国文艺界最需要研究的重要课题。
现在有一个非常好的优势环境，信息的获得前所未有的便利，便利的程度是我们在几十年前根本无法想象的。环境是新的，任务是新的，但是我们要做好，终归要从脚下做起。
艺术理论毕业论文范文模板(二)：播音主持艺术理论与教学研究论文
摘要：本文分析播音主持艺术理论的基本要素及其发展现状、播音主持教学过程中出现的问题及解决策略，对目前播音主持艺术理论与教学进行了探究。
关键词：播音主持；艺术论；教学研究；创新
一、传媒视角下播音主持艺术理论的基本要素
电视是现代传递信息非常重要的方式之一，电视传媒在开展的过程中，如果想要获得更高的认可程度和观众的喜爱程度，就应该对播音主持人艺术形象和主持风格进行管理。为了获得更多的观众，播音主持需要保持自己良好的形象和气质。当然，播音主持人的艺术形象应该和主持的节目风格具有非常重要的联系，只有注重整体风格的协调统一，才能让播音主持栏目在未来的发展过程中获得更多的机遇。
同时，播音主持人自身的素质和人格魅力也是非常必要的。播音主持与其他传播媒介相比是一种有声的艺术，所以播音主持的语言技巧对艺术内涵来说也是非常重要的，良好的艺术形象和适当的语言技巧有利于播音主持模式整体的突出和统一。
二、播音主持艺术理论的发展现状及创新
任何一个时代在发展的过程中都具有独特的艺术传播方式。如今人们对信息的渴求程度逐渐加深，播音主持行业为了适应人们的需求也在不断地发展着，人们对播音主持工作行业的重视程度也在不断提高。然而在近几年的发展过程中，媒体的类型更加丰富，人们接收新闻和信息的方式也在不断扩展，这种现象对于播音主持行业也有着非常巨大的影响。
在新时代的发展现状之下，广播媒体行业受到其他媒体方式的强烈冲击，在传承传统播音主持艺术中精华的部分之外，--也需要对传统播音主持艺术的方式进行创新，只有这样才能在发展过程中谋求有利的条件。
首先应该对传统的播音主持观念进行革新。很多人在业余生活中想要获取更多的媒体消息和新闻，大多数的观众更愿意选择一些视觉冲击力更强的媒体方式。这就需要播音主持专业的学习人员不断地增强自身的素质，学习新媒体下播音的理念。以一个更加全新的形式给观众带来享受。在发展的过程中，也应该对高校的播音主持专业人才进行着重培养，让其认识到创新对这一行业来说的重要性。
播音主持的专业技巧和素质对+播音主持人來说是非常重要的，在日常训练和学习的过程中需要注重积累，单纯地对语言进行培养是无法达到当今社会需求的，需要对播音主持的播放风格和节奏进行更加全面的把控，只有这样才能够给观众带来更加全新的体验。
三、播音主持教学中存在的问题及解决策略
播音主持在广播电台行业和电视台中都有着不可或缺的作用，播音主持在如今的发展过程中已经成为了一门独立的学科，各大高校也在着重培养播音主持方面的人才，这个学科在近几年的发展过程中已经获得了大量的经验和成果。然而面临其他媒体种类对播音主持专业的冲击，传统的播音主持教学方法已经显露出越来越多的不足之处。首先播音主持专业与其他教学专业相比存在着一定的独特性，由于这个专业在实践的过程中，对于专业的技能有着非常高的要求，所以在传统的教学方案中，应该针对教学的计划和教师的创造性思想进行更加全面的开发。对实际教学过程中出现的问题，我们应该制定更具有针对性的方案，可以看出如果是单纯的参考普通院校的教学模式是无法达到播音与主持艺术专业的要求的。应该根据目前市场现状的分析和我国经济社会对播音主持专业发展的需求及就业现状等几个方面更加明确地确定播音主持专业的教学目的和主要内容。
播音主持专业在开展教学的过程中，需要进行有声的语言进行训练。每一个学生对语言的个体理解和感悟都是不同的，所以就需要课程在开展的过程中更加注重老师与学生之间的互动，同时高校的教师应该对学生整体学习情况和学习的进度进行全面的把控。
以此论坛为一个时间点，回看我国艺术管理专业教育快速发展的10余年，有关其的讨论、话题不断更新、拓展、深入，更加实际、理性、科学。一次次学术交融、智慧碰撞的论坛好比我国艺术管理专业发展历史长绳上的结点，结绳记事，以此为缩影，我们不难看出艺术管理专业历经着从最初的多元探索至今日的规范、理性再到未来的科学、成熟。有专家指出，当下的艺术管理专业，在经历了10余年教学、师资、学科建设、社会检验等多方积累之后，已经进入了“再出发”的全新阶段。以此阶段为新出发点，艺术管理该怎样“再出发”？来自国内最早一批开设艺术管理专业的院校――南京艺术学院、天津音乐学院，以及专业建设方面极有特色的首都师范大学的专家，从10个方面解读了艺术管理专业当下的发展境况、症结，以及亟须解决的问题。
一问：何为当务之急？
“没户口”，是艺术管理业界专家们无奈的戏称。从成人教育到系统的本科教学，再到硕士、博士的培养，细数艺术管理在我国的发展前后已30余年，但“没在教育部挂上号”成为该学科的“心病”。随着10余年的快速发展，艺术管理专业在教学、学术及实践方面已经取得了较为丰厚的积累，“没户口”带来的弊端，也日益突显出来，呼声愈发强烈。
近段时间，该项工作已大大推进至实操层面，南京、北京、上海等地的一批院校都在积极争取将艺术管理专业上报为国家教育部目录内的本科专业，相关工作已经展开。与此同时，不仅开设艺术管理专业的相关高校正在进行相关努力，教育部艺术学教学指导委员会、中国艺术管理教育学会等机构和组织也都在着力推动这一举措。
作为国内最早一批开设艺术管理专业的院校，南京艺术学院和天津音乐学院也在积极推动此事。“可以说，将艺术管理申报为教育部目录内的本科专业是我们大家长期办学的必然结果。这是因为艺术管理教育在我国办学时间长、办学规模大、办学成果卓著。在诸多条件的支持和今年相关院校、政府部门、社会机构等的共同努力下，艺术管理专业申报教育部本科专业，是一个非常有利的情况。” 作为着力推动此事的专家之一，中国艺术管理教育学会主席、南京艺术学院人文学院副院长董峰介绍了目前艺术管理专业申报教育部目录内本科专业的相关情况，他指出，将艺术管理申报成为本科专业是相关学校艺术管理系为了更好地开展相关的招生、培养工作的首要争取目标，也是对于社会上相关用人单位对于艺术管理专业人才需求的满足。
“针对目前我国的艺术管理还没有纳入教育部专业目录的现状和未来社会发展的迫切需要，我们的当务之急是有组织地申报并最终获批教育部目录外增设新专业。”天津音乐学院艺术管理系主任张蓓荔也首先强调了申报本科专业的迫切性。她提出，借此申报之际，进一步规范和提高全国各院校艺术管理的办学质量，在人才培养方案、师资队伍建设、科研及教材建设等方面，一方面要强调学科基础的统一性（艺术学理论基础），另一方面还要发挥各院校办学理念和教学资源的独特性，促进艺术管理专业的科学发展。
从专家们的一再强调中，我们可以感受到将艺术管理专业申报成为教育部目录内的本科专业有着强烈的紧迫性和必要性，那么该如何理解其重要性呢？一般而言，我国大学的本科专业是根据教育部目录来进行设置的，但由于艺术管理在国内一开始的办学是以专业方向的形式在相关的本科专业中进行办学的，这就给艺术管理专业的人才培养带来了诸如学生就业适应性、教师学者课题申报成果评价等方面的许多不便和障碍。
董峰指出，学科与专业的合法身份本应包括行政化身份和学术化身份两个方面。行政化合法性主要是指需要依照教育部的相关要求按程序进行申报；而学术化合法性则主要指专业需要有良好的学术积累、规范的办学条件、成熟的办学资源等。“所以我们希望通过将艺术管理申报为教育部本科办学目录下的专业，进一步完善艺术管理行政化和学术化身份，我认为这是一件水到渠成的事情。”
二问：艺术管理学科呈现出哪些阶段性特点？
目前，中国31所独立设置的本科艺术院校中，已有28所设有艺术管理专业方向。其中，9所音乐学院和7所综合类艺术学院全部设有此专业方向。全国则已有超过500所院校设立了艺术管理、文化产业管理等相关专业。除招收本科生外，不少硕士授权单位还在艺术学科下招收艺术管理相关方向硕士，如中央美术学院、山东艺术学院、云南艺术学院、天津音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院、北京舞蹈学院等。中国艺术研究院、南京艺术学院、上海大学已率先招收艺术管理博士学位研究生。
由此可见，艺术管理学科在我国经过10余年的理论探索和人才培养实践，正逐渐走向成型，张蓓荔总结了其发展的阶段性特点。她认为，中国艺术管理学科在10余年的快速发展进程中，已基本形成了以艺术院校为主，综合性、文科类院校共同发展的一个很大的办学规模。初步构建了从本科生、硕士、博士研究生在内的一个完整的专业教育体系。搭建了学界、业界、官界共同对话的交流平台，形成了一个初步的教学与学术系统。同时，形成了一支从事实践、教学以及研究的队伍，积累了一批学术成果，为学科、专业建设奠定了扎实的基础，也为学科身份的合法化凝聚了共识。
在整体呈现以上特点的同时，由于我国艺术管理专业多是不同专业院系依据自身专业特色，结合管理学、经济学等学科知识而建立教学体系，这样从开始就凸显了艺术管理专业的差异化发展，呈现出明显的差异性：第一，各个艺术院校的专业特点不同，形成各学院艺术管理专业方向的各自特点；第二，各个艺术院校的办学定位不同，形成艺术管理专业方向办学定位的差异；第三，各个艺术院校艺术管理专业方向办学的资源条件不同，造成师资队伍、学生生源的差距；第四，各个艺术院校艺术管理专业方向师资队伍的学科背景、知识结构组成不同，造成培养方案不统一、标准不统一。
三问：艺术管理究竟应该“管什么”
“理什么”？
在差异化明显的前提下，艺术管理作为一个学科，该如何进行定位？究竟应该“管什么”“理什么”？在专业建设上如何从跨学科的架构中形塑艺术管理完整的教学体系？这些问题，正是业界人士一直在研究的重要课题。
艺术管理专业是伴随艺术机构及艺术事务蓬勃发展而生成的应用型本科专业。本专业具有艺术学与管理学相互交叉融合的特点，属于艺术学理论类本科专业中的特设专业。艺术管理与艺术史论等本科专业共同构成艺术学理论一级学科完整的学术框架。
对艺术管理专业定位的了解，要基于对其内涵的准确把握之上。尽管艺术管理具有不同的定义，但从本质上而言，艺术管理是对艺术机构及其活动所进行的计划、组织、领导、控制，涉及艺术项目及企划与制作、艺术市场与营销、艺术筹资与赞助、艺术政策与法律，以及艺术法、艺术观众拓展、艺术品牌塑造等，是对艺术与社会外部因素互动关系的统筹与掌控。
艺术管理既然作为一个规范的专业，就必须有一个较为明确的边界。明确的标准有助于对于一个专业是不是艺术管理专业、一个艺术管理专业是好还是不好的问题进行评估。董峰认为，其中最主要的标准则是艺术管理专业的内涵与品质，具体而言应该包括：第一，艺术管理专业是一个跨学科的专业，艺术社会学、艺术人类学、管理学等都为艺术管理的研究与发展提供了根基。故而艺术管理专业应该与其他专业有明确的区分，无论是哪种类型、层面的院校开办艺术管理专业，都应该开设诸如观众拓展、艺术筹资、艺术营销、艺术策划、项目运作、票房管理等专业基础性的课程。第二，艺术管理专业应注重实践性的教学品质，而非纯理论类的教学，好的艺术管理教育是理论与实践相结合的。第三，艺术管理的人才培养模式具有基础性与开放性相结合的特点，在保证艺管专业基础型之上，各个学校应该结合自身学校的办学特点、资源、优势等条件开设一批特色化、个性化的专业课程；兼顾不同院校的办学传统、办学优势、办学资源，从而体现出其特色化。如在音乐院校中注重对于剧院团、演艺业管理知识的学习，在美术院校中注重对于博物馆、拍卖行业技能的学习。
董峰强调，唯有在艺术管理专业中既注重一般性又强调特色性，才能在保证艺术管理专业边界的基础上兼顾各个学校的办学资源优势，树立起优秀的教学体系，培养出适应社会需求的专业性优秀人才，从而办好这个专业。
四问：如何避免不专业的“专业教育”乱象？
目前，国内有超过500家的艺术类院校、管理类院校、综合性大学开设了艺术管理类的相关专业，还有院校计划开设相关专业，可以说发展速度相当迅猛。一些学校培养的人才得到了社会的认可，并不断完善自身，走向良性发展轨道的同时，另一些学校人才培养目标模糊、教学体系混乱、学生就业率低等，存在着很多不规范、不完善的行为。
伴随着社会经济发展和人民生活水平的改善，文化和艺术的作用越来越为人们所重视，这种现象体现了社会对于艺术管理专业人才的需要。但不避讳地说，目前国内艺术管理专业办学存在一哄而上的情况和现象。“不少不具备相关办学资源、办学条件、办学经验等的国内院校也在纷纷开办艺术管理专业。这些学校的艺术管理专业由于缺乏学科核心课程、资深经验教师、丰富办学经验等问题而导致其艺术管理办的‘四不像’，成为了由各自学校各种专业组成的‘拼盘专业’。”董峰指出了当下艺术管理专业教育发展中呈现的乱象。首都师范大学美术学院副院长吴明娣也提出了自己的担忧，“艺术设计专业就是一个活生生的例子，最开始有眼光看到其具有巨大发展空间的学院，走到了前边的，这一批基本都发展比较好。但是后来大家都觉得好，一拥而上，一部分就烂大街了。近些年，开设艺术管理的院校大大增加，但学科建设是否完善，师资力量能否保证教学等都是需要考虑的问题。我也害怕艺术管理烂大街。”
对此一哄而上的现象，董峰认为，在专业建设上形塑艺术管理的教育品质至关重要。有些人认为，艺术管理专业既然是规范的本科专业，那么全国的开办院校就应该有大致相同的专业核心课程；但又有人提出，不同的院校应该有不同的个性化、特色化课程。对于这个问题，经过业界长时间的讨论、质疑和论辩，业界基本达成的共识是，要想办好艺术管理专业，就必须强调和重视基础性与开放性相结合的观点。用基础性课程将艺术管理专业与其他专业区分开来，表明其专业特质；用开放性教育赋予其各个院校的特色，打造个性化的特征。
五问：怎样招生更为合理？
在国家大力提倡发展文化产业，相关人才缺口逐步增大的背景下，加之艺术管理学科发展越来越成熟，办学质量高的院校培养出来的学生就业情况不错，越来越多的学生将艺术管理作为其报考的方向。招生工作应该怎样开展，生源情况又如何？
目前国内艺术管理专业的招生方式有以下两种：一种是以南京艺术学院、上海音乐学院为代表的一批院校，以文化课成绩为招生录取的主要标准；另一种则是以文化成绩+专业成绩的综合指标作为标准进行招生录取，这种院校占比更多。两种招生方式录取的学生，也呈现出不同的特点。
以专业分数为主要录取标准招收的学生生源，在艺术专业（如演唱、表演、美术）上具有特长和优势，一般来说，在性格上相对而言比较活泼、开朗、积极、热情，更加容易融入到艺术组织的管理工作当中去，扎根于艺术本体去理解和从事艺术管理工作，但是这部分学生在文化、英语等综合素质上又有所欠缺，从事深度艺术管理工作时往往难以胜任；以文化成绩为主要录取标准的学生生源，综合素质较高，在语言表达、理论功底上具有优势，却又由于自身对艺术知识缺乏、兴趣欠缺，而难以很好地融入到艺术管理学习的专业状态当中去。
那么，两种招生方式哪种更加合理、更加有利于艺术管理教育的开展？董峰认为，在这个问题上不能以偏概全，实际上，每种招生方式都有其合理性。两种生源各有优长，在学生进入学校后，教育者也需要根据他们的不同特点开展有效教学。
以美国为例，在美国有许多艺术类、商业类、管理类大学都在开办艺术管理类的专业，每一所大学都根据自身学校的特点来招收、培养学生：艺术类的大学往往注重于艺术管理工作中的制作、生产过程；商业类的大学关注艺术管理工作中的营销、企划层面；管理类的大学则重视艺术管理工作中的控制、监督方面。可以说，艺术管理专业作为一个内涵极为丰富、外延十分广阔的专业，每个学校都可以通过关注其中不同的部分和结构从而创建自己的办学特色。无论对于文化课还是专业课课程的设立、开办都是值得我们研究和借鉴的。
六问：学习艺术管理应具备哪些素质？
在分析两种不同生源特点的同时，董峰特别强调了生源应该首先具有对于艺术、文化的热情和热爱。他认为，一个对于艺术没有热情的学生很难学习好艺术管理专业。教育者应该在教学过程中注重对于其艺术兴趣的开发和培养，“对艺术感兴趣”就是学生需首要具备的素质。
其次，“会不会学习”至关重要。良好的学习方法和学习态度必不可少，如何在课堂上从不同课程、不同教师中吸取知识并引发思考，如何在课外合理安排时间，如何在理论学习和实践操作之间平衡精力……对于不同的学生而言，答案并不相同，但对于艺术管理专业来说，“会不会学习”会直接影响教学结果。
再次，“艺术特长”助力学生专业学习。有相应的艺术特长更加容易让学生进入到艺术管理的状态中去，更加容易融入到艺术圈子中去，这对于学生的学习和工作都十分关键。
对于如何培养学生的这些素质，专家也给出了建议。
在课程中应开设艺术营销、推广、策划、筹资、赞助等一系列学科基础课程来确保专业教学的一般性，奠定艺术管理学生的基本气质和特征，从而和美术学、艺术学、管理学、经济学的学生有所区分。
同时，在一般性的基础上，应该就学校的特点发扬其特色，使学生获得核心竞争力。以南京艺术学院为例，在艺术管理专业人才上更加重视学生的综合文化素质和基本理论素养。这与南京艺术学院的办学传统与优势有关，学校不仅是在国内最早招收研究生的艺术类院校，而且目前学校拥有艺术学门类下面5个一级学科的全部硕士、博士点授予权，重视学科建设、重视理论研究在全校形成了氛围。对于艺术管理专业，学校特别注重对于学生文笔写作、理论修养、听说读写等综合素质的相关培养。学校还非常注重学生的毕业论文写作水平，学校在指定阅读书目、开设论文写作课，以及选题、写作双导师指导制度等方面采取了一系列有效的措施。
而天津音乐学院，更加注重的是基于项目实践的艺术管理人才培养模式。跨学科的专业基础、多样化的实践课程、先进的数字信息技术和产学研项目实践是学院人才培养的主要路径。
跨学科的专业基础――跨越文、史、艺、法、经、管学科边界，突出艺术学与管理学、传播学的相互交融，提升艺术鉴赏能力的同时具备一定的经营管理能力和对政策的理解把握能力，为项目实践打下坚实基础；多样化的实践课程――主要实践性教学环节分布于基础课程应用部分、专业主课实践实训项目、艺术实践、实习、毕业论文以及第二课堂六方面，形成基础实践教学、专业实践教学、综合实践教学和创新型实践教学“四元结构”实践项目教学体系；先进的数字信息技术――以计算机和传媒视听软硬件设备设施为支撑，学习和掌握最先进的专业装备技能技术，保障项目实践；产学研项目实践――产学研一体化，校内、校外联动互补，部分实践（训）项目模拟运行，部分项目则实战性地运营和管理，从而将教学与产业实际紧密结合，育人与项目研发同步进行，有效提高了学生的创新创意能力和实践运作能力。张蓓荔指出，基于项目实践的人才培养模式，使教学内容与产业实际紧密结合，学生也非常喜欢项目制的教学方式，对实操很感兴趣，直接培养了学生的项目实操能力，教学效益大大提升。
七问：从就业情况可以反观哪些问题？
近年，基于种种原因，高校毕业生就业问题凸显，艺术类院校也无可避免。在这种大环境下，作为较为新兴的培养实用型人才的专业，艺术管理专业毕业生的就业情况及其中的问题能给我们很多启示。
当今中国的艺术市场内涵丰富，十分庞大，艺术作品的成功与否不单单取决于作品本身的质量，也需要相关的艺术管理专业人士围绕其进行营销、包装等工作；这就催生了对于相关艺术管理专业工作者的巨大社会岗位需求。另一方面，随着国家社会艺术文化体制的完善，各种不同的艺术文化性机构不断建立，也创造出了一批需求艺术管理工作者的相关岗位。专家一致认为，艺术管理专业就业前景和机会非常广阔。
尽管如此，现实是对于大多数艺术管理毕业生而言，难以很好地胜任这些岗位。董峰将其原因归结为两个方面：其一当今用人单位对于人才的实用性期待过高，急功近利的期望毕业生走上工作岗位就能掌握所有工作能力，而不注重对于学生的再培养；其二艺术管理教育中很多学校、教师缺乏对于学生根本能力的培养，重视技术层面、操作层面、立杆经验的知识层面上的教育，而忽视基础性的、认知上的、具有批判思考性的能力培养，特别是对于艺术管理这一综合性的、复杂的专业而言。如何在音乐、美术、影视等不同的艺术门类，营销、管理、推广等不同的工作部门之间转换角色，都需要艺术管理者丰富的、跨越性的知识背景和对新知识迅速地吸收掌握能力。如果不对这一现象加以重视和改变，就会造成学生知识面上的狭窄、学习能力上的缺乏。将学生的知识面越教育越单一、就业面越培养越狭窄，使学生缺乏持续的发展潜力和宽阔的就业适应性。“在南京艺术学院，我们认为凡是学生走出学校后3个月内可以学习掌握的操作性技能和知识，都不应该，也没有必要单独放在学生的本科在校阶段进行专门的课程学习。”董峰强调了人才培养中需要注意的这些问题。
八问：研究生培养该抓哪些关键点？
在欧美国家，艺术管理是一门主要开办在研究生层次的课程，其课程特点被认为更加适合研究生阶段的学习。近年来，艺术管理专业不仅本科教育不断壮大，研究生教育也逐渐发展起来。在本科教育逐步成熟的前提下，更高层次人才的培养也让院校面临更多的难题。
对于艺术管理研究生教育的蓬勃发展，专家们自然感到十分欣喜，但他们谈论更多的，依旧是其中存在的问题。董峰指出，首先，部分开办艺术管理研究生教学的学校仍然沿用了本科阶段原有的教学体系，很难开设出针对研究生教学特点的主体性课程。其次，在生源上很多学生并不具备管理学的基础知识和对艺术的热情，这就造成了必须利用研究生教学阶段来补习本科阶段基础课程的问题。最后，从课程设置上缺乏对于学生调研、考查、见习能力的培养，从而导致部分学生的研究仍然停留在艺术管理学科的理论上、边缘上、上，南京艺术学院也存在这方面的问题。董峰在研究生的毕业论文指导工作中发现，许多学生的论文选题与写作，与其说是艺术管理，更不如说是美术学、音乐学、管理学的论文，缺少对于当下现实社会中涉及艺术机构经营、观众拓展开发、财务管理筹集等亟待解决问题的研究。研究生的学习和研究由于缺乏专业主体性，从而导致了研究生甚至不如本科生好就业的现状。
面对这些问题，吴明娣一再强调了实用型人才培养的重要性，她认为，应该充分挖掘地缘优势资源，利用社会力量培养高层次实用型人才。为了提高研究生培养质量，首都师范大学美术学院与多家机构建立合作关系，聘请了多位国内知名专家、学者担任硕士研究生导师，研究生培养采用了双导师制培养模式。2013年9月，首都师范大学美术学院与中国拍卖行业协会文化艺术专业委员会合作，共同培养艺术市场与管理的硕士生，聘请了中国拍卖行业协会文化艺术专业委员会委员，北京荣宝拍卖有限公司、中国嘉德国际拍卖有限公司、北京华辰拍卖有限公司等机构的掌舵人为研究生导师。这些举措使研究生师资力量和培养水平显著增强。最重要的是，学生一方面可以跟随学院导师学习理论，加强学术研究能力，另一方面，跟随业界导师，可以直接进入操作层面，相当于毕业之前就已进入行业，理论结合实践，教学效果非常显著。
吴明娣强调，与中国拍卖行业协会合作培养研究生，就是要培养高学历的职业人才，毕业后直接进入拍卖公司、画廊等艺术机构，成为行家里手。社会需要更多的操作手，艺术管理培养的就是实用型人才。
九问：何为理想师资？
在办学模式、教学体系逐步成熟的前提下，师资成为人才培养的又一关键。艺术管理专业在我国起步较晚，师资力量几乎从零开始发展，多数专业教师是“半路出家”，转型而来，边学习边教学的情况屡见不鲜。但借助艺术学理论强有力的学术基础，以及自身的不断努力探索，10余年来，艺术管理专业师资已初步形成科学构架，一定程度上满足了专业发展和人才培养的需求。但距离理想的师资队伍，还依然存在距离，专家们分享了自身及各自院校的经验。
“我们的师资基本都是从美术史论衍生而来，我本人就是从工艺美术专业衍生来的。”吴明娣本身就是一个鲜活的例子。在学院，她除了开设“工艺美术史”“陶瓷艺术史”外，最重要的一门课程就是“当代艺术市场研究”。她坦言，是逼着自己走进艺术市场的，只有对它有感性认识，才能进一步开展研究。相关资料、教材、师资队伍都是一点点积累起来的。
首都师范大学的情况，作为案例，可以说既广泛又典型。那么，理想的艺术管理专业师资应该具备哪些特质？董峰给予了解答：“我认为作为艺术管理的教师，第一，应该具有艺术管理专业的学科专长，第二，应该具有艺术管理相关行业的实践经验，第三，要有艺术管理的留学背景。一个教师能同时具有以上这三面特征，是成为一名优秀艺术管理教师的理想状态。”
然而现实情况是，能够同时拥有上述3项特征的教师是十分稀缺的。因此学院只能退而求其次，力争从教师团队的角度去接近目标，在教师团队的整体层面上能够尽量满足上述3个特征。
基于这种情况，开放性师资机制的重要性就突显出来。聘请业内从业者、专家、海外人士等来学校开设课程、组织讲座、举行工作坊交流活动等，成为艺术管理师资力量补充的重要手段，也是目前多所院校采取的方法。
十问：艺术管理该怎样“再出发”？
艺术管理专业从“摸着石头过河”，几乎从零出发，到现在学科体系得到不断完善、学术积累不断深厚，同时艺术管理的学科申报也在逐步推进。“如果我们将上世纪80年代的艺术管理教育称之为传统的艺术管理教育，将2000年左右的艺术管理教育称为现代意义上的艺术管理教育，那么当下的艺术管理教育则可以称之为一个‘再出发’的新阶段。”作为业界的资深专家，董峰在此背景下提出艺术管理教育进入了“再出发”的阶段的观点。吴明娣也认为，无论是自身学院，还是艺术管理整个专业，都应该进入总结、提升的阶段。应该从“摸石头过河”的初期阶段进入更加规范、自律、科学的办学阶段，需要进一步优化课程结构，加强理论研究，培养更高层次的人才，服务于国家文化产业的战略部署。
在2011年，艺术学从文学之中脱离出来升级为学科门类，这就为艺术管理的发展带来了新的机会和挑战。而10年在西方作为一个专业发展成熟的标志，体现了一个专业从无到有的转变，而国内艺术管理专业也在这一时期经历了10余年的发展路程。在这一过程中，艺术管理专业已经初步解决了办学规模、教学结构上的基本问题，在下面的时间内则需要解决学科的主体内涵和功能性问题。
董峰认为，艺术管理教育的“再出发”，首要方向和目标在于实现艺术管理的文化推动力功用。在当今国家文化发展战略的大背景下，艺术管理的社会身份更加重要。从宏观层面分析，艺术管理为社会文化发展构建了文化生态，能够合理有效地构建政府、市场、群众在文化领域之间的关系，从而激活社会文化资源、满足人民文化需求；从中观层面分析，艺术管理对于社会中众多的艺术行业、艺术市场的繁荣有序性发展也有极其重要的指导性作用；从微观层面来说，艺术管理对于艺术领域中的一般生产者、消费者、中介机构有着领导作用。艺术管理应该发挥其文化推动力和社会功用，在政府、市场、艺术家、消费者之间建立沟通交流的桥梁，促进社会效益、商业利益和美学价值的统一。
张蓓荔也从4个方面分析了艺术管理专业“再出发”需要关注的重点。第一，艺术管理需要向艺术学汲取营养。艺术学理论成熟而规范，是艺术管理学最直接的理论基础，当然，管理学、传播学、文化政策学以及艺术社会学可以作为艺术管理的支撑学科。因此，在艺术学成为门类学科的格局下，在艺术学理论一级学科下面分设包括艺术管理学在内的各二级学科及专业委员会，也是解决艺术管理学术组织的重要途径。
第二，艺术管理学需要在现实的艺术实践中深深扎根。艺术管理学理论、学术观点和研究应该来源于艺术生产与消费、推广与营销的实践数据，案例支撑。反过来，艺术管理学必须能够为解答艺术组织及其活动中有意义的现实问题提供思路、方法；对现实的艺术实践给予客观的反馈、评论和引导。
第三，艺术管理学需要涌现出不同的学术观点、不同的研究方法，甚至形成不同的学术流派。更加开放地借鉴不同学科的方法，将艺术管理学置于不同学术领域、不同学科门类的相互交流、碰撞，将艺术与管理、理论与实践有机融合，才能更好地繁荣这门学科。其基点是需要尽快创建学术刊物、开通网络平台，进而建立起与艺术管理密切关联的数据库、案例库，以适应艺术管理未来发展的需要。
艺术学是于19世纪下半叶由德国艺术学家费德勒、玛克斯德索等人积极倡导，20世纪以中国学者宗白华、马采，日本学者黑田鹏信、渡边护为代表的众多学者不懈努力，于1996年由中国国务院学位委员会办公室率先确立其学科体制、在东南大学首先确立学科点的新兴学科。截止目前，我国高等院校中已有61家大学设立二级学科艺术学学科点，其中二级学科艺术学博士点已增至5个。自20世纪90年代开始，东南大学以张道一教授、凌继尧教授为首的学科队伍专门针对艺术学的研究对象、研究方法和研究体系作了十余年的探索，并在学术研究和人才培养方面作出了自己的贡献。
自艺术学作为一个学科被创立以来，在理论研究上已经取得了一定的进展。在艺术史方面，由中国艺术研究院李希凡研究员主编的《中华艺术通史》(14卷本）、由东南大学艺术学院张燕教授（署名长北）主编的《中国艺术史纲》（上下本）已经出版，成为艺术史方面的代表之作。在艺术原理方面，由中国艺术研究院文艺理论研究所李心峰研究员主编的《元艺术学》、《艺术类型学》、《20世纪中国艺术理论主题史》、北京大学艺术学院彭吉象教授主编的《中国艺术学》，清华大学美术学院陈池瑜教授主编的《现代艺术学导论》，东南大学艺术学院姜耕玉教授主编的《艺术辩证法》等成为在艺术原理方面的代表作。此种研究在理论上的探索程度不同，但皆有所深入。由于艺术学学科设立较晚，探讨空间依然很大。
在国外，艺术学的发展虽然没有独立的学科支撑，但艺术学在不同的学科之中都有新的尝试。从古典主义美学开始所产生的一系列学术论著依然产生着重要影响。康德、谢林、黑格尔从美学的角度认识艺术，奠定了艺术学理论的基本格范。19世纪工业革命对艺术学的研究提出了新的命题，艺术学的研究从单纯的概念的厘定、体系的构建进入实际的分析时代，对于艺术个性的分析、艺术风格的分析、艺术现象的分析使艺术学呈现出多姿多彩的面貌。艺术学从对艺术美的特点审视走向了对于艺术全面特性的分析和认知。20世纪，工业革命进入深化阶段，随之产生的信息技术更加改变了艺术的面貌。艺术学从自身的理论分析走向与其他学科交叉的道路，其中艺术与科技、艺术与传播媒介、艺术与工业产品、艺术与曰常生活、艺术与大众消费等交叉领域的研究成为热门。这与艺术从象牙塔上步入产业、走进普通人的日常生活有很大关系。
依上所述，艺术学基本理论体系的搭建业已有了一定的基础。但从目前来看，这种理论体系的搭建仍然缺乏明晰的文献线索、缺乏与社会之间的密切关联、缺乏对于新的技术革命的关注，因此容易使理论自身的搭建缺乏广阔的视野和牢固的根基，也容易使搭建出来的理论停留于书本，无法在更大的空间发挥作用。但从艺术学在20世纪的走向上来看，已经逐步开始关注艺术的应用问题。当艺术学在构筑自身理论体系的同时，随着艺术与政治、经济、文化的融合度的加强，艺术学在应用方面也开始发挥自己的作用。这种走向为艺术学本身提供了更加广阔的空间。在这种情况下，艺术学由边缘学科步入核心学科，跃居为解决国家（行业、区域）重大需求问题的重要学科，艺术学就需要从学科队伍方面入手进行突破，在理论创新、应用研究方面发挥更大作用。
由东南大学主持的国家“211工程””艺术学理论创新与应用研究”项目计划就是在这种背景下应运而生的。本项目的初衷如下所述。
1、以综合研究平台的搭建更新艺术学学科队伍的知识结构
以往的艺术学研究多局限于艺术本身，研究人员远不足，艺术学学者还需要哲学、政治、经济、文化、科技多方面的知识。学科队伍的知识结构决定着学科成果的品质，所以，该项目力图通过构筑综合研究平台，融会多种学科，在更新学术队伍知识结构的基础上推进艺术学理论的创新。
新的平台的搭建主要体现在促进多学科的融合方面，尤其是要突破传统的文史哲方面的融合，要使艺术向计算机、机械制造、通讯技术、建筑等方面进行渗透。
计算机专业在我国十分普遍，但绝大多数都停留在技术应用方面。计算机软件的开发是计算机专业未来的走向。我们想通过与计算机软件开发的融合在艺术设计、动画艺术的创作工具以及新型数据库的开发方面为艺术的应用开拓一条新的道路。
机械制造本与工业设计关系密切，目前的机械制造专业在还停留在技术的探索上，但仅仅局限于技术自身不容易使技术与人之间发生更加密切的关系。技术曾经左右了人的生存，但在新的时代，技术要为人服务，无论是大型的机械制造产品，还是小型的机械设计产品，都在逐步通过艺术融洽技术与人之间的关系，都要强调人性化。这种趋势也将是未来艺术学所要关注的问题。
通讯技术的发展已经远远超乎我们艺术学学科队伍成员的想象，卫星技术启动了大量终端设备，这些设备将在未来的世界中发挥更大作用。我们将越来越需要通过通讯终端与我们自身以外的事物接触。通讯终端不仅需要通过艺术化的界面进行表述，还能输出多种形式的艺术产品。如果艺术学忽视这种现象，就难以在未来的世界发挥更大的作用。
在人类历史上，建筑走了一条从实用走向把艺术与实用有机结合的道路。在现代社会，建筑物已非一个固定不变的钢筋水泥的实体，而是可视可听的活的事物。在现代城市，许多地标式的建筑不仅在造型上像一尊巨型雕塑耸立着，而且建筑物内外都吸附着大量的艺术品。不仅如此，大型楼宇电视已使建筑物本身可以开口说话，大幅面广告已以艺术化的形式点缀着商业建筑。这种现象也是值得艺术学研究者密切关注的。
东南大学在上述四个学科方面都在全国处于领先地位，因此，也有利于我们通过平台的搭建促进我们的学科成员思考这类问题。
2、以综合研究平台的搭建培养艺术学的新型人才
艺术学的人才培养也是本项目的重要着眼点。未来的艺术学人才需要在一个综合性的平台上成长，除了阅读、思考、写作之外，艺术学学者对于艺术生产过程的体验、对于艺术现象的把握、对于艺术与社会关联度的关注都将成为艺术学人才成长的必要条件。
在人才培养方面，本平台将采取多样化的教学方式打开学生的视野，让学生的学习与研究不仅停留于课堂和书本。要让学生把课堂知识、书本知识与社会艺术现象有机联系起来进行思考。艺术学的研究生毕业之后，不仅可以从事艺术学自身的教学与研究，还能在更加广泛的层面上楔入社会、推动社会发展。艺术学的研究生不能仅仅停留在知识层面，还要能够携所学知识进入策划、创作与组织管理层面发挥作用。也就是说，艺术学的研究生不能只会阅读、只会思考、只会撰写论文，还需要学会行动和操作，要善于把自己的知识运用到更多的领域。
3、以综合平台的搭建促进新的学科点的增长新的学科点的增长是本平台的重要目标之一。艺术学学者从艺术理论体系的构建，到对艺术理论与其他学科理论的关联度上进行交叉研究，进而从一个新的角度认识艺术学学科自身的价值、寻找新的突破点已经成为迫在眉睫的事情。局限于一个门类的知识，在知识爆炸、知识体系不断更新、知识与应用不断结合的时代不利于知识的进步。因此，艺术学需要一个综合平台，使多门类的学科相互交叉、相互融合，借以推进新的学科增长点的产生、迎接艺术学科的新时代。
从现实状况来看，艺术学需要为国家文化发展战略服务，需要从寻找国家文化之根到为国家（行业、区域）经济建设、科技进步、社会发展服务中构筑自己的体系。艺术学需要从对国家软实力的贡献，到进入国家建设的多种领域发挥自己的作用。当以美国为代表的西方社会用艺术的方式宣扬自身文化价值观、以传媒和艺术产业实现自己的经济和社会价值时，中国也应自觉发挥艺术学学科宏阔视野之特长，提升艺术学的学科地位。艺术学自身更需要急起直追，寻找新的切入点，开展自己的理论创新和应用研究。
二
为了加快艺术学的研究，本项目计划从“理论艺术学”、“应用艺术学”和“民俗艺术学”三个方面进行突破，把艺术学理论的创新、艺术理论与应用的结合、民俗艺术学方法的拓展和资料的采集与研究作为重点，引领艺术学的学科建设，开辟该学科为国家文化艺术发展、为区域社会经济发展作出更大贡献的通道，构建艺术学的新体系。其主要研究方向如下：
1、理论艺术学
理论艺术学是艺术学的传统学科，无论从研究方法，还是在表述方式上都较为传统。但理论艺术学是艺术学的基石。因此，本项目将理论艺术学作为一个重要方向来研究。从目前的情形来看，理论艺术学的创新主要需要从如下三个方面突破：
第一，研究对象的突破。
以往的研究多是从理论到理论，采取逻辑推演和哲学思辩的方式来进行。由于时代的变化和科技的进步，艺术从内容到形式都发生了诸多变化。因此，理论艺术学的突破既要顾及到理论自身的变化，又要顾及到艺术现象的变化，要在对理论体系进行解剖和对艺术现象进行分析的基础上发现艺术学研究的新对象、构建理论艺术学的新体系。艺术理论体系的解剖需要把理论与理论研究的实质对象对应起来进行思考，否则只能停留在空洞的理论推演上。要认识到以往艺术学理论关注对象的局限性，这种局限性的突出表现是从理论推断理论、从艺术推断艺术。但理论的自足始终徘徊在理论层面，理论推演如果脱离带有非理性的艺术现象，就会差之毫厘、失之千里；艺术也不是偶发的，艺术往往是在多种动机下产生和发展的。如果不了解艺术产生、发展动因和途径的多样性就很难把握艺术的基本规律。此外，除了传统的艺术形式外，新的艺术形式也在不断产生，尤其是许多艺术不再以纯艺术的面貌出现，艺术现象的这种微妙变化也需要理论的密切关注，否则理论就缺乏活力。因此，发现和研究新的研究对象仍然是理论艺术学需要认真思考的问题。
第二，资料架构的突破。
以往的研究资料多从文献到文献，随着艺术理论研究的深入，艺术的文献形式也开始发生变化，除了文字文献外，口述文献、图像文献、声音文献、实物文献都在逐步出现。因此，理论艺术学要广采博取，运用多类型的文献形式构建自己的资料体系，为理论艺术学的建设奠定牢固的资料基础。近30年来，艺术资料的整理已有很多成果。这些成果尚未得到充分利用。许多资料被整理出来后仍然少人问津或未充分利用。随着国家对文化的重视，新的艺术资料也会不断涌现，尤其是与社会现实紧密联系的资料也在动态的产生过程中。因此，理论艺术学要突破以往的文字和图像两大资料系统，要在更加广泛的领域、以更加灵活的方式发现资料、积累资料、研究资料。只有资料架构突破了，理论艺术学才会有创新。
第三，研究方法的突破。
以往的研究方法多采取从概念出发进行逻辑演绎的方法，但时展到今天，仅靠此种方法则略嫌单一，既不易从多种侧面厘清研究对象本身的特质，又容易使理论研究与真正的艺术现象脱节。因此，理论艺术学更需要在方法上进行突破，采取综合研究方法构建自己的理论体系。方法上的“拿来主义”曾对我们的研究有过帮助，自20世纪80年代以来，我们引进了诸多方法，对我国的文学艺术研究起到了推波助澜的作用。
经过近30年的摸索，我国艺术学学者的研究方法主要体现在如下几个方面：第一，运用西方视角分析中国艺术问题；第二，中西视角相结合，综合分析中国艺术问题;第-三发扬传统，以中国视角为基点’探寻艺术规律。这三种方法都在中、西问题上徘徊。在
新的时代，在中、西二元问题已得到初步解决的情况下，艺术学的研究需要突破是中还是西的问题，需要依据新的资料架构、从新的出发点来认识艺术现象。因此，寻找新的视角和方法是艺术学创新的重要方面。
研究方法的突破需要在现象调查、现象分析和规律总结上下工夫。有关艺术现象的调查仍然是我们的理论研究工作者需要重视的问题。以往的现象调查多局限于艺术自身，没有能够有效地从其他领域寻找艺术痕迹。因此，有关艺术现象的调查资料就不足以说明艺术问题。就目前而言，我们一方面应当在已有的调查资料中挖掘艺术的新线索，另一方面当从相关领域发现新现象。艺术学研究者要学会从产业结构的调整、产品的策划、制作和销售过程中发现艺术，学会在建筑、城市规划等行动中发现艺术，学会在人的日常生活中发现艺术。举凡人的文化活动都与艺术有着多多少少的关联。如果不意识到这一点，我们的目光就会局限于一个狭小的天地，就不会感受到艺术的强大及其在人类文化活动中的穿透力。
有关艺术现象的分析，近30年来我们已经学到不少方法，但这些方法的运用还是浅尝辄止，许多方法还停留在尝试阶段。因此，深化某种方法是我们从事现象分析的一条道路。但对于艺术现象而言，任何方法都有一定的局限性，在研究过程中发现新方法、完善分析的有效性更需要我们的积极努力。
规律总结是建立在现象调查和分析基础上的。对于艺术学而言，发现规律、总结规律是最高目标。规律可以让我们遵循和借鉴，可以让我们少走弯路。我们对于任何现象的感受、调查和分析都要落脚到对于规律的认识上来。这样才能推动艺术长足发展。
2、应用艺术学
艺术学从书斋、从文字、从纯粹的理论象牙塔中走出来是时代的呼唤，也是艺术学发挥更大作用的根本出路。因此，应用艺术学研究势在必行。
应用艺术学把艺术理论应用于国家战略及区域社会和经济发展的实践中去。但要做到这一点，必须在艺术理论与艺术实践的结合部位寻找恰当的切入点。我们认为，应用艺术学应当从艺术创意产业方面入手。一方面，艺术创意产业需要理论家通过调查研究寻找对策和方法；另一方面，艺术创意产业也与艺术手段密切相关，许多产业都无法脱离艺术手段来实现。随着社会经济的发达，艺术创意产业越来越成为社会发展的重要指标。艺术产业对国家文化地位的确立、对国家软实力的提升、对国家长远发展目标的实现都将不可忽视。因此，应用艺术学应当率先介入艺术创意产业的研究，在此过程中与其他学科相交融，产生新的亮点。
应用艺术学的关键词一是应用，二是艺术。如何ishi在艺术的应用方面总结已有的经验、寻找艺术发展的新途径，如何使艺术在我国产业结构调整中发挥更大的作用，如何探寻艺术在应用过程中的新规律等都是应用艺术学应当去思考的问题。
应用艺术学要触动人类应用艺术的心弦。艺术的广泛应用绝非偶然，除了对于美的基本需求外，还应当存在诸多动机，挖掘这些动机、有效地分析这些动机、探寻艺术应用的新方向仍然需要学者们的探索。
应用艺术学还需要关注新的传播媒介的作用。在高技术的推动下，艺术的新型传播媒介日新月异地涌现，传播媒介成为艺术楔入社会的重要通道，艺术在传播的过程中不仅以与媒介相适应的形式呈现，而且因传播的广泛度和深入度而对大众发生着深刻影响。因此，关注新型传播媒介与艺术应用之间的关系也是应用艺术学必须思考的重要问题。
应用艺术学也必须关注产业链的特点。应用艺术学就是要研究艺术进入社会发生影响的一系列问题。其中，除了基本的社会效益外，还会形成产业，产生巨大的经济效益。在这方面，美国、日本、韩国都已有了丰富的经验和业绩。中国的环境与西方国家有很大不同，如何结合中国的国情让艺术在中国形成不同形式的产业链，推动中国经济、文化健康发展仍然需要投入精力集中研究。
3、民俗艺术学
民俗艺术是艺术的基石，它生长在民间，按照特定的风俗习惯自发生产，且形成特有的传统。在现代社会，民俗艺术经历了社会环境、生产方式和传播方式的变化，依然在艺术领域占据重要地位。民俗艺术以其独特的生产方式、生存方式为艺术学的基础理论研究提供了不可替代的资源。因此，重视和研究民俗艺术是艺术学必须考虑的问题。
1症结之一
为独立所做的准备工作不足2013年3月，在国务院学位委员会、教育部新修订的《学位授予和人才培养学科目录（2011年）》中艺术学升格为学科门类，其门类下设艺术学理论、音乐与舞蹈、戏剧与影视学、美术学、设计学5个一级学科。从上世纪80年代初期起，国务院学位委员会就成立了艺术学学科评议组，至此，艺术学界人员为学科独立所做出的各种努力划上了一个完美句点。在体育学界叹其“幸运”的同时，我们亦应理性地注意到，艺术学独立成为学科门类的成功并非“空中楼阁”，其为此所做出的种种研究与努力是值得我们体育界学习与借鉴的。首先，艺术学为其学科独立做了大量的理论研究，从目录学上来看，有学者提出了我国上至西汉、下到唐代艺术学均为独立学科的历史依据，同时指出近代中国图书分类中的艺术类名称之变异，并以此论述，艺术学科独立之“合情合理”。有学者从国外艺术学科发展近况角度进行研究论述，分析美国、加拿大、英国、德国，以及荷兰、印度的艺术学科总体倾向，艺术史理论与当代艺术实践的碰撞，以及艺术学科内部的音乐学、电影学、戏剧理论、舞蹈理论等的研究近况等，从中论述我国的艺术学独立可行性。也有学者从艺术学本质内涵及其特征方面，从艺术学的独立与学科规划问题上，从艺术的本质及学科建设相关问题等方面研究分析我国艺术学独立的可行性与操作实施。其次，艺术学科独立为学科门类，倾注了文艺界、教育界，特别是艺术教育领域众多专家学者的心血，在其为独立所做的14年努力中，众多专家学者不仅召开各种研讨会研究艺术学科本身，并且还研究调整全国各大艺术院校招生专业目录，撰写《将艺术学一级学科提升为门类的建议报告》并提交国务院学位办。此外，除了专业艺术院校，越来越多的综合性高校也开始开设艺术专业，同样加速了艺术学的独立。再有，为消除学科目录修订工作组的其他领域专家，甚至是一些人文社科领域的专家对艺术学科的建设存在的误解，作为艺术学科专业目录修订工作牵头单位的中央音乐学院为此做了许多工作：他们请其他领域的专家观看艺术院校的演出，审阅艺术专业博士生的论文，增加这些专家对于艺术学科的了解，使专家学者对于艺术学提升为学科门类，逐步形成了共识。反观我国的体育学科建设，“从无到有，由简入繁”经历了引进与借鉴、本土化探索、分化与自我发展以及建立独立学科四个阶段。自1997年国务院学位委员会、教育部颁布《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录》以来，我国有关方面的专家、学者就为体育学科独立成为门类进行了各种努力，有通过各种学术会议的呼吁，通过理论研究提出建议意见与可行方案，以及在新一轮（2009年）国务院学位委员会和教育部学科目录修订工作的申报等。但在学科独立的理论研究上，尤其是从其发展角度、独立的理论依据与可行性方案上，从独立问题的学域扩张与学理建构上，以及从目录学角度如何分类，从学科建设角度如何理性发展等方面均有所欠缺。为此，在2011年国务院学位委员会、教育部印发的《学位授予和人才培养学科目录》中，体育学依旧名落孙山。无需置疑，我国的体育学科从上世纪初创立至今取得了不容小觑的成绩，但与其他学科以及国外体育学科相比较，甚至与我国体育事业整体发展的要求来比较的话，还有许多不尽如人意之处，而正是这些“不足”与“问题”的存在，制约了其学科独立成为门类的发展之路。
2症结之二
“体育”概念界定尚未形成共识众多专家、学者、体育工作者等对体育领域之内的各个专业进行过十分深入与细致的调查研究，从理论到实践，从专业本身到与各交叉学科的结合研究……但长久以来，我们都没有弄清楚一个最基本的概念，何为“体育”？“体育”相对标准的定义是什么？作为西方舶来品的“体育”一词，有的学者定义为将其限定在教育范畴中，认为体育是“存在于教育过程中的身体活动过程”；有学者从身体活动层面分析，认为体育是“对于人体的锻炼、养护和保健等的教导”，或“为增强体质和获得增强体质的技能而进行的训练”；有学者从社会活动方面着手，认为体育是“一种寓教育于运动之中的社会现象，是通过运动促进人的全面发展并丰富人们生活的一种社会现象”……可以看出，到目前为止，体育界对于“体育”的概念并无定论，在对于最基本概念不能达成基本共识，且没有较为统一认识的情况下，很难能够客观、全面地认识体育本身，很难进一步提高体育理论研究的科学化水平，很难促进体育的学科建设。反观之，从艺术的起源来看，不管是“游戏说”“巫术说”“装饰说”还是“表现说”“劳动说”都有指明艺术是意象思维对这一生命体验的产物，是属于精神世界的产物，其对象是物而非人。与文学相似，艺术有自己的独立表现形式（绘画、舞蹈、雕塑等），而非文学的表现形式———语言。此外，艺术学界对于其自身概念的定义也较为清晰、明确，即：艺术是人类创造的具有审美情感和形象特征的精神产品。而我们的“体育”究竟如何定义，指向何处，则还需更多专家、学者的深入研究，以便早日统一认识。
3症结之三
学科内部分类不够清晰明确学科内部的理论丰实也是体育学科独立的必要条件，与艺术学相比较，其下设的艺术理论、音乐与舞蹈学、戏剧与影视学以及美术学、设计学，每一个一级学科都是一个相对独立的学科，其内部涵盖的内容也较为多样，每一个学科体系都有自己十分独立、不尽相同的研究对象、研究内容、研究任务与丰富内涵。而我们的体育研究由于起步较晚，发展时间不长，对学科本身的研究还相对薄弱，移植与借鉴其他相关学科的理论与方法进行的研究较多，使学科本身的研究水平偏低，研究的深度与广度还远远不够。体育学科内部4个二级学科存在交叉、重叠等问题，如“民族传统体育学”的实践研究对象是民族、民间体育（亦包括体育民俗），但其运用与借助的学科体系中包含着大量人文社会学科的内容，因为，“民族、传统”两词使该学科具有了较强的人文学科与社会科学色彩，如此一来，其与“体育人文社会学”的交叉重叠在所难免。此外，“体育教育训练学”是按实践研究领域来划分的，“教育训练”虽然在体育的实践领域中是可以成立的，但“体育教育”与“运动训练”两者的关系、概念、研究领域并非全然相同，且虽与人文社会科学和自然科学都有关系，又不能简单归属其一，同时又不能说其不需要人体科学的支撑，为此其存在交叉研究的问题亦是显然。而学科的独立则需要其内部自身理论知识的“羽翼丰满”。
二体育学科发展存在问题的解决思路
1结合国情进行研究论证
纵观世界各国，很多国家将艺术学设为独立的学科门类，虽然对于“艺术学”的称谓不尽相同，且下设的一级学科各有千秋，但所包含内容与学习研究的重点却是相通的。例如，美国将艺术学科门类的名称定为“艺术学”，下设9个一级学科，52个二级学科；英国则叫做“创作艺术和设计”，下设10个一级学科，44个二级学科；德国定名为“艺术•艺术学”，下设5个一级学科，30个二级学科；俄罗斯称之为“文化与艺术”，下设8个一级学科，30个二级学科；毗邻我们的日本定名是“艺术”，韩国称为“艺•体能”。回视我们的“体育”学科，美国高校的学科设置较为灵活、开放，时有增减，但目前也并未将“体育”设立为独立学科；英国将体育放在“体育、休闲、酒店管理和旅游”学科门类之中，虽有“体育”之名，但实际上亦是与休闲、酒店管理、旅游等放于一起，而不是一个分设的体育学科；俄罗斯的学科设置体现着前东欧体制的种种特点，“体育”并未在独立学科之列；德国高校的学科设置中将“体育学”并置在“社会科学及社会学”大类之中。当然，随着体育学科的不断发展，特别是二战后，随着经济的发展以及人民生活水平的提高，在世界范围内，产生了除原有培养体育师资科学体系之外的有关运动训练方面的相应理论与学科，同时，当前体育的国际化与全球化趋势，使体育的应用范围在逐步扩大，且发展势头超越了传统的教育学领域，出现了独特的“体育问题”，而非传统意义上的“教育问题”。但通过对国外各国学科设置的罗列与审视可以看出，如果希望“体育”的学科独立，很难从国外找到先例学习、借鉴，而是需要我国众多的专家学者论证、分析，找出“体育学”学科独立的合理性、迫切性与可行性；目前相对超前的体育实践与相对落后的理论建设形成巨大反差，如何从教育学科中独立出来成为学科门类，亦需要学者们的深入研究与系统论证。
2学科内部研究进一步充盈与丰沛
体育学科的内部研究尚需充实与深入。例如，学科研究的共同体到目前为止尚未形成；在研究过程中，为了构建体系而去被动建立体系的问题较为严重；在对其他学科的借鉴和融合中没有形成自己的承载主体，使得在体育研究与实践中照搬、照套或盲目移用其他学科理论的现象存在，移除其它学科理论后剩余的自我理论内涵空洞。此外，对于运动训练、体育教学、健身指导、运动员选材、运动竞赛等的研究还没有上升至理论高度，依然属于运动操作；体育从业者与学术研究者的知识背景和专业经历融合不够，使得体育知识的载体———体育专业教材和一些专著、论文理论研究与实践相互脱节，很多体育教材、著作对体育本质现象的揭示，以及存在问题的分析描述有余，探讨不够，论述母学科级别知识与理论的篇幅所占较多，对体育内部规律的揭示更显不足。对于本质上就具有浓郁体育特色的领域，如运动训练学、体育教育学、运动竞赛研究、身体锻炼等也因为缺乏各种学科理论与知识的支撑，而显得其研究的领域范围、内涵深度等均有所欠缺，唯有对更多学科领域都有一定了解与研究，对理论研究有所深入，对体育实践涉足较深，对其他学科知识的理解能够融会贯通，形成体育自身更为扎实的理论研究体系，使学科内部的研究更加充盈与丰沛起来，才有可能搭建起体育学科内部研究的“敦实构架”。
3需要更多专家学者的投入和参与
在我国，艺术学界对于学科独立问题进行了大量的研究探讨，从目录学角度，从与国外比较方面，从艺术的起源、发展、门类、内涵，到与美学、文学的关系，再到学科独立之后的种种发展、困扰等都做了很多的分析与考证，为“艺术学”的学科独立做了大量的理论工作。此外，众多艺术学界的专家、学者，呼吁“艺术学”应脱离文学，成为独立学科，进行各类座谈、讲座讨论学科独立的可行途径，为“艺术学”的学科独立做了很多的实践之事。反观体育学，仅有少数学者对于此类问题进行了较为深刻的剖析，也有部分专家学者认为体育学下属的4个二级学科应进行优化与调整，认为目前我们的学科体系构建还存在较多问题等。但仅靠部分专家学者对此的关注与研究是不能真正解决此问题的，只有更多人参与其中，研究论证、剖解分析，形成一股研究热潮，才有可能推动我们的“体育学”真正朝向独立之路迈出坚实的一步。
三结语
（一）提高艺术普及率
上世纪英国主流传媒杂志《旁观者》的创办人在杂志中发表杂志创办目的，是为了让普通人也能了解社会百态，并从生活中发现哲学乐趣，使高深的哲学思想从书本中来到茶楼酒肆，走入普通人生活。而新媒体在艺术传播中也起到同样作用，使普通人通过随处可利用的科技终端欣赏了解艺术。很多媒体传播平台都会提供艺术专栏，如微博公众账号：电影学人、陶艺视觉、艺术派等。通过制作一些有趣的图片与小视屏，勾起浏览者阅读兴趣，进而引导浏览者了解相关艺术历史、演变由来、艺术特色等，让大众在日常浏览中接受艺术熏陶，从生活点滴中发现艺术①。
（二）提高民众艺术鉴赏水平
大众在使用新媒体过程中，会通过两方面不断提高艺术鉴赏能力。首先，者在时会利用一些应用软件对内容进行美化，如常见图片修复，改变图片色调突出图片主题，或是改变一些色彩配置，提高分辨率，这也可以看做是艺术创作过程②。人们长期接触这些艺术作品，本身就会提高艺术鉴赏能力。第二，如上文提到的一些公众账号，这些账号会艺术鉴赏类文章或是视频，向大众介绍不同艺术家对同一类艺术研究角度与独到见解，浏览者在学习过程中也会提高艺术鉴赏能力。
（三）增加艺术欣赏角度
2006年，央视《百家讲坛》推出了一些列文学艺术鉴赏类节目如“易中天品三国”、“刘心武解密红楼梦”，在全国掀起了一阵文学艺术评述热潮。很多新媒体用户、开发商也通过学习将自己的见解与产品融合传播在新媒体中。如一些新媒体用户会录制个人评述MV或是编写剧本拍摄《红楼梦》微电影，；而开发商依据小说内容将其制作成游戏，也受到了许多新媒体用户的欢迎。虽然个人用户与开发商对艺术阐述不够专业，但也有其独到之处，而且激起了大众兴趣，有助于艺术传播与学习③。
二、艺术学视域下新媒体与传播学关系探讨之正影响
运用新媒体传播艺术，自然也应保留艺术原本特质，借用人们对翻译艺术定义：信、达、雅三个角度来探讨新媒体对传播学的正影响。
（一）信
信，就是要真实。传播者在将高深艺术学理论翻译成被大众所喜爱的媒体作品时，主要在两方面体现了真实，第一方面是忠于原艺术理论，这类新媒体传播者主要以介绍为主，将艺术起源发展过程通过简化语言以小段章节呈献给浏览者，类似于翻译中直译；第二方面是忠于原艺术理论基础上再忠于者思想。常规如一些艺术公开课、TED演讲等这类媒体传播者本身对于艺术具有较深研究，在不断学习过程中会有一些新发现，通过一些艺术趣闻作为引入，阐明见解。使浏览者不仅丰富了艺术见闻，还掌握一些新兴研究成果，不论是入门级别还是专家级别都可以通过这些新媒体传播提高艺术素养，加深艺术学习④。
（二）达
达，就是通达流畅。新媒体作为一种新式传播手段，拓宽了艺术传播范围。首先，现代人利用手机、电脑这些新媒体终端浏览网页，刷新朋友圈时都会接触艺术相关内容，这点如前所述提高了大众艺术普及率。在旧媒体时代，人们了解艺术方式不过是电视、书本、博物馆。这些传播方式知识信息量高，但趣味性低，不便学习者记忆⑤。但新媒体传播则侧重便捷性与趣味性，很少会看到冗长的微博论文，相反都是短小精悍的文字评述与视频讲解，不仅不会耗费浏览者太多时间，还可以下载保存，使艺术传播顺畅、方便。
（三）雅
雅，是清雅，有趣，能为接收者带来愉悦享受。这点不仅是所有艺术所追求的目标，也是新媒体在传播学中广泛应用原因之一⑥。从两方面阐述其为接收者带来愉悦感受。首先，内容方面，除了上述提到的艺术公开课、TED演讲，一些知名学者也会通过微博、微信发表艺术见解文章，提高大众艺术鉴赏能力，了解一些有趣艺术作品的深层内涵，而非单纯觉得搞笑。第二，新媒体使用方便且免费，既新潮又贴近生活，使用过程中，本身就会为用户带来愉悦感受。
三、艺术学视域下新媒体与传播学关系探讨之负影响
（一）负影响方面
任何事物在应用过程中都会产生两极分化，新媒体在传播学应用中同样也存在瑕疵，在信、雅两个方面体现较为明显。第一，信。一些自发艺术传播者在传播过程中，为了增加关注度或是过于发挥，反而曲解艺术内容将艺术传播 变得功利化。第二，雅。一些新媒体艺术传播不仅不雅，还体现了浏览者“审丑”心理。诺贝尔获奖者赫伯特•西蒙曾对不断进化的媒体传播作出预测：“随着信息的发展，有价值的不是信息而是注意力。”“审丑”心理传播者正因如此随意歪曲艺术作品，提供大众娱乐。随意涂改名画名品，篡改名著内容丑化作者原意，并以此为乐持续更新，以提高网络知名度。
（二）对负影响现象反思
由于新媒体中艺术传播门槛低，且艺术诽谤所造成的恶意影响规模小，并不能动用法律条文来解决。就必须从者自身修养和开发商内部审查来进行控制。首先，者应正确认识有趣与恶搞的差异。有趣富有内涵，能给人带来愉悦感；恶搞则相对肤浅，如同跳梁小丑。而且优秀见解一样会带来关注度，并且体现出作者思考深度，艺术传播者应不断提高艺术涵养，通过学习提升艺术分析能力，发表独到见解。而开发商也该对一些恶搞艺术行为进行审查，对一些严重恶搞者，进行封号处理；并鼓励一些优秀艺术传播者，提升其推广度与公众关注度，扭正艺术传播风气，提高艺术传播品位。
四、结语
新媒体是一种新式传播方式，拥有速度快、范围广、易上手等传播优势。在传播学中也起着举足轻重的影响，是其重要实践工具。艺术视域下新媒体传播，符合了艺术本身对信、达、雅的追求，使公众在任何情况下都可以学习艺术，提升艺术鉴别能力，加深欣赏品位。然而在运用中，仍存在不足，需要传播者提升自身修养来改变这一现象。
作者:孙乔 单位:辽宁大学新闻与传播学院
注释：
①马宁.传播力与媒介使用者的关系变迁——新媒体语境下对传播学经典问题的再思考[A].中国传媒大学.中国传媒大学第七届全国新闻学与传播学博士生学术研讨会论文集[C].中国传媒大学,2013:13
②高启光.传播学与艺术学视域里的新媒体与当代艺术[J].艺术百家,2014,03:122-126
③徐婷婷.刍议传播学与艺术学视域里的新媒体与当代艺术[J].新闻传播,2015,01:117
④宁迪.传播学视域下的微电影广告研究[D].广西大学,2013
音乐社会学作为学术研究，一般认为始于20世纪20年代德国学者马克斯・韦伯的未完成遗稿《音乐的理性基础和社会学基础》。在我国，由于历史、社会等原因，音乐社会学的研究则从20世纪80年代后才开始。20余年来，诸多学者文人或引进翻译、介绍解释西方音乐社会学，或研究探索、反省思考中国的音乐社会互动关系。这些思考、观点、论文、著作中，尤以曾遂今教授的《音乐社会学》为代表。
书之前，曾遂今就已经于1997年出版了引音乐学界纷纷关注的《音乐社会学概论》。而自《音乐社会学概论》面世以后，社会发生了变化。在音乐领域，市场经济所导致的音乐商品化进程，消费社会所带来的音乐消费新方式，大众文化所引发的音乐审美新趣味，网络技术所产生的音乐传播新方式……这一切都要求人们要对当前的社会音乐进行实时的观察与思考。在这样的背景下，著者在《音乐社会学概论》一书的基础上进行适当的删减，并补充入最新的音乐社会学观点和大量的富含阐释意义的图片，于2004年出版了《音乐社会学》一书。该书一经出版，便在国内音乐社会学界引起了较大反响，凡写音乐社会学、音乐传播学等相关学科的学术论文，几乎都直接或间接从该书中引用相关理论；而包括中国传媒大学、南京艺术学院等众多艺术类、音乐类专业院校，则更是将其作为指定教材。
笔者重点就该书的体系完整性、理论创新性和形式生动性等方面谈一些读后感。
一、体系完整
作为中国音乐社会学的奠基之作，体系完整是首要条件。全书思维开阔、逻辑严密、叙事宏大。从古今中外的音乐社会观描述到比较国外音乐社会学研究之异同，作者都在绪论以及第一章“音乐社会学的学科认识”中详加阐述。
接着，作者从研究对象、研究方法、学科职能、学科结构四个方面详细地论述了他对中国音乐社会学的学科建设之思考，这些思考的一个重要特点就是紧紧围绕“中国当前的社会音乐”这个主题展开。在笔者看来，与其他音乐学科如音乐史学相比较而言，音乐社会学是一门“当前”重于“过去”的学科。因此，曾遂今的这本专著，在内容与时代的结合度上的确是具有真切的“与时俱进”的品格的；而其中的学科建设论层次之分明，逻辑之严明，操作之简易，更为当前中国音乐社会学的研究提供了切实可行的体系框架。
曾遂今采取了根据社会音乐活动要素来分解剖析的方法。这些主要的要素亦即章节的分类为：一、社会音乐活动的主体构成――人，这里包括“音乐听众”和“音乐职业”人员等两大主体；二、社会音乐活动的客体构成――物，这里的物专指音乐，而在当前中国的市场经济环境下，这里的音乐主要以“音乐商品”的形式呈现；三、社会音乐系统的内部运动机制构成――从社会音乐生产到音乐传播再到音乐流行最后到音乐批评，系统观始终贯穿于全书的体系构成。本书在体系上做到了宏观与微观结合，本土化与系统化的结合，为我国音乐社会学的研究在整个体系结构上形成了一个良好的基础和规范。
二、理论创新
《音乐社会学》一书的最大亮点是该书作者并没有生搬西方的音乐社会学理论来硬套中国的现实音乐情况，而是在仔细观察、深入思考之后，提出了众多形象生动且极其符合中国现实的音乐社会学理论。如音乐听众的分类法，国外诸多学者如阿多诺、祖格尔曼、索霍尔等人都曾经提过，但这些分类似乎并不符合中国的现实状况。因为中国的听众分类涉及到具体的民族分布、人口构成、城乡结构、听众欣赏心理状态等具体要素，而这些，只有在对中国当前的现实状况做过具体细致的研究之后方能得出分类。曾遂今所提出的中国音乐听众三分法显得更适合中国的实际情况。
本书之中具有创新性的理论特别一提的便是关于音乐传播的研究。作为中国最早开始研究音乐传播并一手创立音乐传播学科的学者，曾遂今先生有关音乐传播的主要思想都体现在该书的“音乐传播”一章中。在本章中，作者详细系统地阐述了音乐传播的概念、功能、模式、传播媒介、传播形式，这些理论视角独到，至今仍为国内音乐传播学界所通用。
(一)视觉文化与当代美学教学的理论研究
重点探究视觉审美、美术鉴赏、影视文学、电影批评等专题下的美学教学理念与方法等关键性理论问题。具体而言,拟从文化视角考察美学教学的特质,探讨视觉文化视域下视觉审美对高素质人才培养、美学教学对于传承优秀文化传统、提升大学生人文素养的重要意义。
(二)视觉文化与当代美学教学的实践探讨
重点在于探究影视批评、多媒体美学课件与美学教学专用网页制作等专题下的美学教学的关键性实践问题。关注改革教学方法与教学手段,开发、利用网络资源进行美学教学。1.重点采用影视专题讲座以及教师讲授、设问与学生讨论辩论等多种形式教学。2.制作多媒体美学教学课件。3.扩充教学资料,购买美学教学光碟如《百家讲坛》、影视经典光碟等。4.为美学教学提供师生互动的平台,制作美学教学专用网页。栏目包括:主讲教师、教学方法、教学大纲、电子教材、电子教案、多媒体课件、思考题、参考文献、教学研究、学术研究等。5.在全院非中文专业学生中开设《艺术美学入门》、《身体美学入门》、《美学经典作品导读》等选修课。
二研究方法、实施计划与预期成果
(一)研究方法
坚持教育“三个面向”的发展方向,努力做到理论与实践相结合,教师与学生相结合。具体而言,文章将采取调查访问、资料汇集、理论分析和实践探索等具体研究方法和手段:1.调查访问这是研究的前提。调查访问可以为课题研究的理论分析提供直接的第一手材料。调查研究的主要内容为目前国内高等院校文学课程的教学状况,调查对象以省内高等院校中文专业师生为主。2.资料汇集这是完成研究必要的辅助手段,主要收集国内外与本研究相关的资料。现代网络技术与高校图书馆为文章资料的收集提供了有利的条件。3.理论分析这是研究的关键。全球化的背景与中西文化交流的空前盛况为本研究提供了丰沛而多彩的理论资源。项目申请者有扎实的理论基础,项目参与者绝大多数为具有丰富教学经验和较高理论分析能力的高学历高职称教师。这些都必将给本研究带来极大方便。4.实践探索实践是检验效果、运用成果的重要手段。课题研究源于教学实践,课题研究的过程离不开教学实践,课题研究的成果也必然要放到实践中去检验并最终用于实践。笔者一直在高校从事第一线的美学教学工作,积累了较为丰富的教学经验,可以随时将研究所得运用于教学实践。
(二)实施计划(含年度进展情况)
1.调查研究与收集资料。这项工作拟在2011年8月底完成。2.理论分析。对美学教学作理论上的分析与研究,包括:美学教学对高素质人才培养的作用、艺术学与美学教学的关系、语言学与美学教学的关系、教育学与美学教学的关系等,旨在视觉文化视角考察美学教学的特质。这项工作拟在2012年6月底完成。3.实践探索。包括美学教学方法的革新,美学教学课件和专用网页的制作及其选修课的开设等。这项工作拟在2012年12月底全面完成。
(三)预期的成果形式
1.在经费、时间等条件允许的情况下公开发表关于美学教学理论研究的高水平系列论文1—2篇。2.修改完善《美学》、《文艺美学》两门课程的教学大纲。3.在经费、时间等条件允许的情况下购买相关教学光碟,扩建中文系影视鉴赏室。4.在经费、时间等条件允许的情况下可以制作“美学”、“文艺美学”课程的多媒体教学课件。5.在经费、时间等条件允许的情况下可以制作师生互动美学教学网页。
三创新之处
(一)理论性、实践性、实用性、前瞻性强
文章研究立足于视觉文化视域下的美学教学实际,对理论的研究来源于教学实践,但不仅仅是由教学实践归结出教学理论,而是同时从理论的演绎和探讨开始,从视觉文化视域文化视野着眼,从教学现实入手,力求用教学理论来指导教学实践,从而使研究成果具有理论性、实践性、实用性、前瞻性。
(二)系统性、现代性强
本研究建立在较为全面而系统的现状调查、资料分析、理论研究的基础上,力图对高等院校的美学教学从理论和实践两大方面作较为全面的研究;同时将研究置于当代全球化背景之下,从视觉文化视域的角度,多层面地对美学教学的理论与实践作较为深入的探讨。因而研究体现出明显的系统性、当代性特点。
(三)覆盖面广
主要在中文系本科学生和专科学生中实施,同时,我们通过在全校非中文专业学生中开设《艺术美学入门》、《身体美学入门》、《美学经典作品导读》等公共文学课程,这对于非中文专业学生人文素养的提高也是大有好处的。不仅如此,本研究的改革成果还可以在全省普通高等学校的汉语言文学专业、中文教育专业中推广实施,因而研究具有覆盖面广的特点。
四研究的价值与意义
(一)提升学生的人文素养
美学教学对于提升大学生人文素养具有明显的优势:第一,通过美学教学向学生传授人文知识,可以奠定学生良好的人文基础;第二,在美学教学中,通过生活情感、爱国情感教育,可以提高学生的道德素养;第三,以美学教学中,通过培养学生良好的心理素质、健康的审美心理、正确的人生观、积极的进取精神,可以完善学生的人文个性,提升学生的人文精神。
(二)充分激发和调动学生对于美学课程的学习兴趣
通过影视美学专题讨论或辩论、观看教学影碟、制作教学互动网页等多种教学手段,可以培养学生对美学课的学习兴趣,从而提高学生鉴赏文学作品的水平以及分析问题、解决问题的能力。
(三)进一步提高美学课教师的综合素质,进而促进教学质量的提高
教学相长,教师实施教学的过程也是一个自我提高的过程,美学教师自身素质、自身能力的提高,必然有利于美学教师教学水平、科研水平的提高,从而提高美学教育教学质量。
摘要: 上世纪90年代初,中国的高等美术教育和美术研究机构中原有的“美术史及美术理论”专业被陆续改称美术学,上世纪90年代中期国家有关部门又将美术学定为艺术学 一级学科 下属的与音乐学、戏剧学等并列的一个二级学科。从那时起,美术学正式作为一个二级学科在中国诞生,并得到迅速的发展。美术学作为艺术学科的一个分支,涵盖了视觉造型创作与美术史论研究的广泛领域,是艺术学领域的支柱学科之一,在我国文化事业的建设和发展中起着重要的作用。遗憾的是,这个重要作用尚未引起普遍的认识,与发达国家比,美术学的社会地位和普及程度相差甚远。
美术学是人文科学的组成部分,是一门研究美术现象及其规律的科学,美术历史的演变过程、美术理论及美术批评均是它的主要内容。美术学要研究美术家、美术创作、美术鉴赏、美术活动等美术现象,同时也要研究美术思潮、造型美学、美术史学等。此外,美术学还要研究本身的历史 即美术学史,就像哲学要研究哲学史一样 。美术学既可以运用自己特有的方法进行研究,也可以借鉴哲学、美学、心理学、社会学、文艺学的方法进行研究,因此对美术学的研究还可以同其他学科的研究结合起来,形成美术学研究的边缘地带或者形成新的交叉学科,例如美术社会学、美术心理学、美术市场学、美术信息学、美术管理学等等。这里,“美术”二字的涵义有时会扩大到书法及摄影等造型艺术领域。通过这一界定,美术学的基本研究对象包括美术史、美术批评与美术理论,构成了对“美术”这一现象的研究,这在我国已经形成美术学的基本框架。
然而遍览欧美各地大学的学科设置,却并不存在一个所谓的“美术学”的概念。至今还没有与“美术学”对应的英文词汇。欧美的美术史研究,且以德国为例分析,强调美术史本身的社会文化意义的派别影响最大。特别是潘诺夫斯基图像学的研究方法成为美术史研究的主流,美术史巨子贡布里希更将图像学的观点进一步推延到人文学科的其他领域等等。在此意义上,美术史实际上是借美术的外壳,承载社会文化的历史内容与含义。设在综合性大学里面的美术史学科,大都拥有独立的系别。如美国哈佛大学,哥伦比亚大学,英国的剑桥大学,牛津大学这些知名大学均有美术史研究的专业。另外也有将考古与美术史并置的,如伦敦大学亚非学院就有名为“考古与中国艺术史”。美术理论,美术批评学科,常设在综合性大学的哲学系美学专业。当然,也有一批艺术院校有美术理论专业。
总之,国外还没有一个可以能够包含史、论、评含义的美术学概念。同时,也似乎不存在一个学科管理意义上的美术学。在中国古代美术文献中,常常把画评、画史、画论结合在一起进行探讨。例如南齐谢赫的着名批评着作《古画品录》便是这种体例。谢赫在这部着作开头,就对画品即绘画评论做出概括,“夫画品者,盖众画之优劣也”,接着对绘画的功能和作用发表见解:“图绘者,莫不明劝戒,着升沉,千载寂寥,披图可览。”这段话便是他的美术观念和绘画理论的表述。谢赫提出的绘画六法,即品评绘画的六条标准:气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。这六条标准成为此后绘画批评中的根本原则,也成为我国古代美学理论的重要内容。由此可以看出批评理论和美术作品研究也可以进入史的范畴,中国古代画论常将史和批评融汇其中。
美术批评与美术史、美术理论是三个既有联系又有区别的学科,它们却构成美术学的基本内容。美术批评学可以作为美术学的一个重要的分支加以研究,当然在批评学领域,美术批评学也可以作为批评学的一个分支,与文学批评学、音乐批评学等并列。美术批评运用一定的批评方法与原则,对美术作品的形式、语言、题材、内容、思想和风格进行品析、评判,揭示其价值,分析其优劣,或者对美术现象,美术思潮、美术流派、美术活动进行分析评价,揭示其内在规律和发展趋势,这种活动就是美术批评或者叫美术评论。美术评论和当前的创作实践活动联系比较紧密,批评家要参与美术活动,及时了解创作动向,推动创作活动的发展,美术批评家有时还可参与策划美术展览,组织创作研讨等活动,因此美术批评也是一项操作性、现实性比较强的活动。而美术批评学则是从理论上总结批评规律,提出批评观念、批评标准和方法,或者总结历史上的批评成果,建立起理论形态的批评学科。
美术史是由美术史家和历史学家或考古学家对历史发展过程中的美术作品、美术文献、美术遗迹进行发掘、研究、探讨,客观地揭示美术发展的历史过程和基本规律的科学。中国第一部比较系统的美术史着作是唐代美术史家张彦远的《历代名画记》,它开创了撰述中国美术史先河。西方美术史学科的建立可以追溯到16世纪意大利画家瓦萨里写作的《大艺术家传》。这部书记录意大利文艺复兴时期的杰出画家和雕家的生平、活动和创作,为后人研究文艺复兴美术家提供了丰富的资料,该书首次出版于1550年。西方艺术史学科的真正建立应以18世纪德国艺术史家温克尔曼出版《古代艺术史》作为标志。这样,中国的《历代名画记》早于瓦萨里约700年,早于温克尔曼约900年。所以,中国美术史的学科建立实际上始于盛唐。美术理论是对美术问题的理论探讨,通过对绘画、雕塑、建筑、工艺美术及设计艺术作品也可以包括书法及摄影的功能与作用、基本特征、形式、结构、语言、风格及其中的审美规律和思想活动,揭示美术的普遍特点与规律。美术理论在狭义上主要是指美术基本原理,在广义上则可以包括美术美学、美术哲学、美术心理学、美术社会学等内容,从某种意义上讲美术批评理论也是美术理论的组成部分,但鉴于美术批评理论和美术评论活动相对的独立性,因此美术批评和美术理论常常分成两个相对独立的学科进行探讨。
在对美术史的研究中,最重要的当然是客观地揭示作品的创作年代、材料、作品的题材内容等,但当美术史家对其内容和形式进行探索时,也必然要与用一定的批评方法和艺术观念及价值标准对作品做出评判,而在这一过程中,批评或明或暗地在起作用。固此美术史不可能完全离开美术批评。美术批评还是联系美学、美术理论与美术史、美术作品的桥梁。由此看来,美术批评与美术史、美术理论是紧密联系、相互促进的,三者成为美术学的基本内容。
在经过以上的论述后,我们便可以知道《美术学博士生毕业论文文丛》这套选题的意义。这套书实际上是在检阅着我国美术学研究的新水平,虽是博士生的成果,博士生的背后是导师。所以,这套书汇集的成果将包含着改革开放二十多年来的学术智慧。与美术学研究的以往成果比,这批论文在学科研究的广度和深度上均有新的发展,相信对我国的美术学建设乃至整个美术事业的发展均有重要意义。
美术不仅仅是赏心悦目的生活课题,还是博大精深的学术课题,它反映着民族的历史积淀,也预示着民族文化的发展,它是一个民族文化状况的标志,也是一个民族精神状况的标志。荣宝斋出版社正是站在这个高度上去对待这一选题,希图让更多的读者通过这一套书不仅了解美术 包括东方和西方、古典和现代 ,也由此了解到中国文化的精神和人类的生存价值。
2005年音教回顾专稿之二
回顾2005年的音乐教育，音乐教育观念的更新是其中一方面，而音乐教育实践在2005年里更可谓多姿多彩。其中既包括全国中小学音乐教师基本功大赛又包括高等音乐教育学科建设，还包括国际音乐教育交流等等……所有这些都为2005年的音乐教育增添了难忘的一笔。
教师基本功大赛显教师风采
2005年11月10日-12日，作为中小学音乐教师评价体系之一的全国中小学音乐教师基本功大赛在广西师范大学举行。中小学音乐教师的基本功具有三个方面的内涵即高尚的师德修养是教育基本功的核心，先进的教育理念是教师基本功的支柱，扎实的专业技术是教师基本功的根基。这次大赛由国家教育部体育卫生与艺术教育司主办。这次大赛既是加强艺术教师队伍建设的重要手段，也是一次全国性艺术教育教学的检查，同时又是各参赛学校和选手展示自身综合素质，相互学习交流的平台。学校音乐教育观念的更新在这次大赛中尽显无疑。在为期三天的比赛中，来自全国36个省（市）的144名选手分别参加即兴伴奏、指挥、舞蹈、器乐、声乐、钢琴和音乐欣赏笔试7个项目的比赛，各省（市）还组织了教师观模团参观比赛。
音乐院校学科建设方兴未艾
2005年，音乐艺术院校在实践方面主要体现在学科建设上。首先，随着音乐传播的学术观念的进一步巩固，学术研究与专业教育也获得了较大的发展。为了适应当代音乐传播事业发展形势的需要，促进音乐传播事业的发展和专业人才的培养教育，推动音乐传播学术研究与学科建设，中国传媒大学联合中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院、武汉音乐学院、南京艺术学院共同发起，于2005年5月22日至24日在北京召开“第二届全国音乐传播学术研讨会”。这是继“2002年首届全国音乐传播学术研讨会”后，对音乐传播学科以及音乐传播现象的新发展做出的进一步的探讨与交流。会议议题主要围绕音乐传播学科建设与教育思考、音乐传播的形式与特征研究、中国传统音乐的传播研究、音乐市场与艺术管理、音乐传播考察与媒介研究、音乐传播的文化思考及其它等六个专题来展开。
2005年11月21日-27日，第七届全国音乐美学会议与第二届全国音乐心理学学术研讨会在广州星海音乐学院举行。美学会议从11月21日开始为期三天，会议按照不同主题分为中国当代音乐美学理论研究、中国传统音乐美学理论研究、西方音乐美学理论与实践问题研究三个会场进行研讨。与会者针对音乐美学的学科建设问题，研究对象、研究方法以及传统音乐美学、表演美学等问题展开了深入而热烈的讨论。本次音乐美学会议既是一次思想碰撞的盛会，更是一次智慧绽放的盛会。它在与会代表们企盼的目光中开始，热烈的讨论中进行，丰收的喜悦中结束，并始终伴随着热烈的争鸣和对未来发展的憧憬。
音乐心理学会议从11月25日开始为期三天，上一届的音乐心理学的研讨会是2002年召开的，时隔三年，这门学科在我国快速发展，各地院校不仅提交了许多论文，而且新人辈出，显示了音乐心理学正在受到我国新一代人的密切关注。就向大会提交的论文来看，我国音乐心理学领域所涵盖的内容也相当广泛：有音乐审美中的心理学研究、有音乐教育及教学中的心理学研究、也有音乐治疗的心理学问题研究等等。此外，本次会议还包括一批对西方当代音乐心理学研究成果的介绍和研究。
国际交流日益频繁
由于音乐教育的急剧发展正在挑战着音乐教育概念本身所能承受的极限，因此国际间的音乐教育交流成为解决这一情况的最佳途径。2005年7月中国音乐教育学者赴美国西雅图参加了第五届亚太地区音乐教育学研讨会；10月与12月，国际音乐教育学会研究委员会前任主席、日本音乐教育学会会长Tadahiro Murao、美国南佛罗里达大学音乐教育学教授C.Victor Fung先后来到中国音乐学院就国际音乐教育学会研究委员会与音乐教育学、定性研究与定量研究方法、行动研究、音乐教育的研究方法、音乐教育的价值、国际音乐教育的基本原理等问题进行交流、讲解，使国内音乐教育界获益良多。正如Tadahiro Murao教授所言：“ISME和国际音乐教育将在亚洲形成趋势。到目前为止，亚洲国家的音乐教育者已经向西方国家学习，然后和西方国家的音乐教育者进行交流，但是并没有在亚洲国家间形成这种气候。在亚洲举办这种世界性的大会提供了回顾我们自己的和我们邻国的传统文化、以及西方文化和非洲文化的契机。我相信‘亚洲趋势’将会是ISME发展和国际音乐教育交流的最好方向。”同时这也将成为我国音乐教育发展的最佳契机。
同志在党的十七大报告中指出，文化是综合国力竞争的软实力，而艺术无疑是文化的主要构成因素。当前，中国正迈向新型工业时代，一个全新的信息化时代及产业变更时代。艺术设计成为现代社会视觉变革与发展的主力军，并为当代社会经济与文化发展提供着智力服务。随着我国经济及文化创意产业的迅猛发展，对设计专业人才的培养提出了更高的要求。艺术设计类专业学位的培养目标旨在培养具有较高的艺术审美能力和较强的艺术理解力与表现力，具有系统的专业知识和高水平的艺术设计能力，能够运用专业理论知识及技能解决艺术设计实践中的实际问题。在上述培养目标规定条件下，艺术设计类硕士研究生教育的教学方式更加注重专业特点，强调以实践为主并兼顾理论及内在素质的培养。
2011年艺术学升级为门类，设计学成为独立的一级学科，设计专业包括：视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、服装设计、信息与交互设计、手工艺设计等。艺术设计类专业硕士的教学强调解决现实中复杂设计问题的能力培养，这些能力包括：发现设计问题的能力、设计信息的获取能力、综合思考设计对策的能力、准确表达思维逻辑及思维内涵的能力以及视觉表现的能力。艺术设计类专业学位的教学模式必须符合设计学的特殊规律，结合我国经济及文化发展对设计专业的要求，制定出切实可行的人才培养模式。
二、艺术设计类专业硕士教学模式的创新构想与路径
（一）互融互通式的教学模式
设计学是一门强调理论与实践的结合，集多种学科智慧、创新、研究为一体的新兴学科，设计教育的方向要以设计人才培养的要求为依据，那么未来设计师应该具备哪些素质呢？首先，应具有较为系统的设计学理论基础和系统的专业知识，了解本学科的历史、现状及发展方向，掌握设计学的研究方法、技术手段和评价标准，合理运用科学的方法开展学术研究或设计实践；其次，具有整合多种知识、创造性地解决问题的能力，在掌握自然科学的基础上，更强调对人文精神的把握，并以优化人类的生存环境及生态保护为责任。具体的方法是要改革传统的教学模式，打破专业方向孤立的模块计划，共享教学资源，发挥综合性大学的优势，整合优化教学模块单元，加大选修课的比例，打破专业、院系的界限。这种互融互通教学模式的实质在于真正在教学过程中体现科学与艺术、人文科学与自然科学的渗透。整合跨学科优势资源，实行互融互通的教学模式是解决未来设计人才培养的有效途径。互融互通的教学模式就是要融合科学与艺术、自然科学与人文科学、人文特质与工程特质。通过学科的交叉互通来培养具有创新精神和实践能力，具有多学科知识结构的高级设计人才。
（二）校内强化工作室制的教学模式
1919年德国包豪斯（Bauhaus）成立，成为现代设计的摇篮。包豪斯办学模式对当前设计教育仍然有着深远的意义，尤其是工作室制的教学模式值得我们借鉴。包豪斯在工作室方面为学生提供了一个良好的实践场所，工作室的工具先进、设备齐全，对应学校开设的各个专业，设有丝网印刷工作室、木工工作室、金属工艺工作室、陶瓷工作室、玻璃制作工作室、摄影工作室等。工作室由一名设计教师负责，同时配备一名技术教师和两名助教，传授设计的理论与技法，完成从理论到实践的最快速的转换。“Design”在汉语中被译为“设计”，实际上指创造性地运用艺术的技术手段将形而上的完美“理念”转化成为现实的物与像，即庄子所谓“技进乎道”的意思。各专业可以根据自己的专业需要，引进实际的设计项目，模拟设计公司的管理和设计流程，在校内和校外导师的指导下，设计完成整个项目。例如视觉传达专业建立的工作室，可以进行如企业形象设计、广告设计、产品包装策划设计、书籍设计等项目实训，通过实际项目的实际操作大大提高了学生的实践水平。
（三）校外建立有效的校企联合教学模式
艺术设计的专业应与当地或周边地区企业建立紧密的合作关系，企业和学校共同进行项目的开发及产品或相关物料的设计和研发。英国的蓝开夏大学与三百多家企业建立了合作教学的关系，具体的合作方式是企业每年提供一定的资金作为项目的运作资金或学生创作的奖学金，学生在导师的指导下根据企业提出的实际项目策略单展开设计和研发，引进企业的实际项目，把项目下达到工作室，工作室模仿设计公司的项目操作流程和规范，在导师的指导下完成项目，这样可以培养学生的职场经验和设计师的职业化合作精神，强化思维方式和动手能力的综合训练，缩短了学校人才培养与企业实际的人才需要的距离，提高了学生就业竞争力。同时，企业可以通过与校方项目的合作发现和选拔优秀的设计人才。通过这样的培养模式，培养既有扎实的专业理论知识，又有极强的实际操作能力、适应性强的高级设计人才，提高了学生就业的竞争力，拓宽了就业的渠道。例如河北大学艺术学院与长城汽车、中国巨力集团、小洋人生物科技、永亮纺织、锦绣金山、鑫鸿源包装印刷等多企业建立了长期的校企合作关系。
（四）实行校内导师加校外导师的双导师制
艺术设计类专业硕士采用双导师制可以有效地解决理论知识与实践能力相结合的问题。校内导师要求必须具有高尚的道德修养与高度的责任心；有扎实的设计专业理论知识，在学术上要有一定的成果；了解艺术设计类专业硕士的培养目标，具有专业学习指导能力；具有硕士研究生以上学历或高级以上职称。校内导师负责规划学生的中长期学习计划，讲授设计专业理论课程，指导学术论文的选题和写作等，辅导学生参与设计前沿课题，配合校外导师指导学生实践项目的操作。而校外业界导师则负责讲授设计实践类专业课程、指导学生参与的实际项目和毕业设计等。被聘为校外导师的，必须从事一线的设计工作，具有丰富的设计实践经验，具有本科及以上学历，完成过重大项目的策划、设计或操作，且在业界的知名度较高，有专业类的奖项，能够给研究生提供一线实践指导。双导师制可以充分发挥学校与社会培养学生的优势，提高学生解决实际问题的能力和综合素质。双导师制有利于学校开拓教育视野，更好地发掘社会教育资源，同时也能为联合培养艺术设计类专业硕士提高实践创新能力搭建平台。
（五）将各类权威性的设计比赛作为学生实践教学的一部分
种类繁多的设计类奖项为学生的专业学习提供了良好的实践学习平台，例如，有被学生们称为“大学生四大创意大赛”的“ONESHOW中国青年创意大赛”“时报金犊奖”“全国大学生广告艺术大赛”，还有“学院奖”。这些比赛有国际专业机构主办的，有教育部高教司主办的，也有高校联合举办的。学生参加这些专业的比赛可以提升学生的创新设计能力、综合思维能力与团队协作精神；开拓了学生的专业视野，提高了学生项目的整体控制能力；加强学生动手能力的训练和项目实操的能力，提高学生针对实际需求进行创新思维、项目设计和工艺制作等实际工作能力；培养了学生的专业洞察力和想象力，也锻炼了学生的意志力。有利于营造积极创新、勤奋好学、自由开放的学习氛围，丰富了实践教学的内容。例如河北大学艺术学院多年来一直将学生参加专业设计比赛作为学生实践课程的一部分，近年来也取得了很好的成绩。
三、总结
关键词：艺术史；影视史学；研究
通过对艺术史的研究，可以促使人们感同身受，呼吁人们追求美好的生活，使人们的灵魂受到启迪，升华人们的精神，而这正是艺术史的特殊性及美丽所在。从影视史学的角度出发，更加凸显出艺术史的视觉文化属性，培养人们对艺术史的兴趣，充分的发挥艺术史感染人们情绪的作用。
一、影视史学概述
所谓影视史学，是指在表现历史和人们对历史的见解时，利用视觉影像和电影话语的手段，与历史影视的研究的并不相同。在西方史学研究中，影视史学出现的比较晚，影视史学的概念最早出现在海登•怀特1988年发表的“Historiographyandhistoriophoty”文章中，而首次将“historiophoty”翻译成影视史学的学者为周梁楷先生，内地学界在1996年由张广智将这一概念引进，并发表了相关的论文和专著[1]。怀特认为，书写史学与影视史学从信息制作的方式方面看，二者是相同的，但从表现媒体来看，二者并不相同，书写史学表现的媒体为书刊、报纸，而影视史学表现的媒体为视听媒体。衡量影视史学时，并不能以书写史学作为标准。从传播学的角度来看，无论是影视史学，亦或是书写史学，均归属于大众传媒范畴，目的在于传播信息，由此看来，影视史学是能够表现历史的。在影视史学的研究中，其整套的方法论体系为核心性的内容，也就是说，研究的关键在于通过视听媒体如何的将历史及对历史的见解表现出来，由此也说明，历史影视并非是指历史题材的电视剧和电影。现阶段，学者在研究影视史学的真实性等问题时，现存的历史影视为研究的立足点，但在确立影视史学时，应将历史影视摒弃，原因在于历史影视并非是影视史学。
二、影视史学视角下的艺术史
艺术史的研究一直是艺术学界研究的热点问题，由于艺术史与影视学的图像语言特性相同，因此，在艺术史的研究中开始引入影视史学的概念。通常认为，现存的最早的书写艺术史文本为《名人传》，该书由瓦萨里所著。中世纪之后以及文艺复兴时期，出现了众多的艺术家，今天的学者们了解这些艺术家的可能主要途径就是《名人传》，因此，多数学者认为，《名人传》的真实性及可靠性非常高[2]。然而，《名人传》并非是完全的实录叙事，瓦萨里在撰写的过程中，将自身的主体意识融入其中，而且书中的描述语言随处可见文学性。《万世千秋》拍摄于20世纪50年代，由好莱坞进行，属于史诗性的电影，但艺术史家在观看电影后即可发现，《万世千秋》的原形就是《名人传》。实际上，不仅《名人传》如此，历史档案的记录者在记录历史事件时，都会或多或少的加入一些个人主观意识。因此，无论是影视史学或书写史学，再现历史和表达历史时，主观情感都无法避免。研究历史的过程中，如果主观意识并未对科学性产生影响，那么研究结果并不受到影响。以《万世千秋》和《名人传》中的米开朗基罗绘制天顶画为例，电影中展现了两个场景，一个是教皇不断地催促米开朗基罗快点画完，一个是米开朗基罗掉落脚手架，而这两个场景《名人传》中均有描述，不过，第二个场景出现在《名人传》中米开朗基罗画《最后的审判》时，尽管电影的表现与文字的记叙出现偏差，但在研究米开朗基罗天顶画创作时，结果并不受影响，而且印象更为深刻[3]。不管是书写史学还是影视史学，目的在于将史学的文化价值及艺术性展现出来。《关于历史与话剧》为茅盾的著作，他在文中提到，艺术虚构历史时，历史的真实性不能改变，这是艺术虚构中所必须要坚持的原则，换句话说，在特定的历史条件下，虚构出来的人和事在当时是可能出现和发生的，比如《万世千秋》中展现了米开朗基罗与某位女性的情感，可能女子是导演虚构出来的，但在对米开朗基罗创作的艺术性研究时，并不会受到影响[4]。实际上，艺术史内涵的真实性复杂性极高，僵化的认为艺术史是某种形式的，或反映外界现象，那么在编纂或书写艺术史时，反而会出现偏颇、虚假等问题。在影视史学中，艺术性蕴含了其科学性，这种科学性经过提炼和刻意营造而成，刻画人物和社会现象时，并不会完全的照搬历史原型，而是经过艺术性的加工，成为具有典型性的人物和社会现象，因此，艺术史影片中，艺术史的人物和时间并非简单再现，经过刻画之后，赋予其艺术生命，形成艺术感染力。关于影视史学的真实性以及艺术史的艺术性，当与历史及时代精神相符合时，既找到了二者之间联系的关键点。影视史学布局时，从整体出发，并详细的描写局部细节，将当时历史社会的文化及精神表现出来，而这正是影视史学最为重要的地方，因此，怀特说过，历史影视当中，可以与客观的历史不完全相符，但历史精神必须要一致。影视史学的概念出现之后，学者们重新定位了书写史学，学者们认为，探究通史和一般史学时，影视史学具有一定的指导意义，同时，在研究具有视觉文化属性的艺术性时，研究价值更大。一直以来，主要依靠纸和笔来研究艺术史，这这方式属于静态的形式，而影视史学出现后，艺术史的再现以动态的方式展现出来，具有非常强大的艺术性，比如电影《红磨坊》、《梵高传》等，加深了人们对艺术史的印象，并促使人们感受到不同的艺术魅力。
三、结论
站在影视史学的角度来看，艺术史的再现及研究变得更加的生动，不但可以加深人们的印象，还可以促使人们更好的了解历史，提升人们学习和研究历史的兴趣。
作者:周开娅 单位：上海大学上海电影学院
参考文献
[1]李倍雷.艺术史学与艺术学理论的学理关系[J].民族艺术研究，2015，（03）：9-17.
[2]伍维曦.历史学、艺术学与音乐史学——音乐史研究中的历史学视阈及其与“艺术史学”的关系[J].中国音乐，2012，（01）：153-162.
