时间：2022-09-22 16:46:03
从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。
远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。
现代艺术设计它不同于架上油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，集中概括的设计已逐渐成为主流。为了达到这个目的，现代艺术设计往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节、细部，甚至背景，并可以把各个不同的比例，把在不同时间、空间发生的活动组合在一起。并运用象征手法，启发人们的联想。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国绘画讲究构思上的“以一当十”、“以少用多”，构图上“计白当黑”等审美追求能为平面设计师提供大量的营养。这已经在我国艺术设计中得到充分体现。如香港著名平面设计大师靳埭强，创作了大量文化招贴。他认为，美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神：创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。这实际上强调的也是老庄的哲学思想，也是中国山水画的表现意境。他的许多作品都无一例外地体现了中国传统文化的精髓，并融合西方现代设计的理念，其招贴设计《自在》系列运用了中国的水墨画技法，又融合了现代技术的特殊肌理效果。“水—生命—文化”招贴图形作品，更构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。2008年的深奥标志也可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间的写意手法，恰到好处的传递出“中国结”和“运动员”两个意象。
中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，我国篆刻艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上相对的原理，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、多样统
一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。此外，远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻等，特别是中国画，巧妙的运了用白底的匠心。民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白关系、明代木刻插图的疏密聚散、都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。西方传统艺术，基于几何学空间观念，从模拟生活现象入手，借以展示作者的创作思想。中国艺术家则以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼，概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华，是沉淀了内容要求的形式之美。正因为如此，它才具有无穷的生命力。艺术家随着时代的要求，赋予它新的活力，常用而常新，这种程式化的处理在我国招贴画的装饰性形象处理上，也常得到应用，显示了夺目的光彩。齐白石曾提出“作画妙在似与不似之间”的著名论断，我们的一些招贴画，就“似与不似”的观点来考察，很多形象显然不是生活的简单模仿，而是由复杂到单纯，由繁杂到简洁的可贵提升。靳埭强招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形设计，也充分显示了这种文化精神，萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。陈幼坚包装设计作品“奇礼”，靳埭强包装设计作品“双妹花露水”。设计者对中国的文化传统有深刻的理解，对中国传统观念在设计中的应用挥洒自如。由于艺术设计的特征，决定了装饰色彩在设计画面上所起到的作用。装饰色彩具有一定的主观性，宋代苏轼曾画朱竹，有人责难他，难道有红色的竹子吗？他反问：难道有黑色的竹子么？意思是既然大家对“墨竹”习以为常，为什么不允许画朱竹呢？这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。但这种主观想象不等于主观臆造，装饰色彩同样来源于生活实践，同样需要从客观事物中吸取营养。这正是包装画面所刻意追求的。“意足不求颜色似”说明了这种关系。人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到启发而创造出色彩绚丽的装饰效果。装饰色彩的主观性使某些联想，将自然景色“拟人化”。传统中国画中也经常把荷花画得红艳艳得，荷叶只用淋漓得水墨，面对这些形象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。在艺术设计作品上，常常也有这样的例证，一张蓝色的画面，上面画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。
关键词：现代艺术设计；审美实用
一、关于现代艺术设计概念
现代艺术设计本质上是一种创造，它的产物是融合了审美元素在内的关系处理，设计对象的实用功能和审美功能的结合程度便是艺术设计着重解决的问题。因此，现代艺术设计水平和效果需要接受受众的评判，这种关系处理得当不仅能够满足人们对工业品的实用价值需求，同时还在一定程度上成为人们审美需求中不可或缺的元素。长期以来我国关于艺术设计的概念定义大部分都是为了方便教学而开展的学术讨论结果[1]。关于艺术设计的全面性理解以及艺术设计与工业社会，产品包装的联系没有很好的完成。本质上是一种偏于理论化的现象，实践成分在这一概念的发展中所占比重较低。这就导致了我国对于艺术设计理论的完整度尚需完善。
二、现代设计在艺术发展过程中的纵横关系
现代艺术设计最早产生于英国工业革命时期，它是将艺术设计元素在工业品设计中相结合的一种产物，经过长期的发展，现代艺术设计已经与工业社会深深的联系在一起，从纵向发展来看，传统的艺术设计走出神圣的殿堂，与工业社会的媾和是其发展过程中的一个毕竟阶段。而且这一阶段的完成中融合了设计师们的大量实践，并在此基础上成为影响和提升关键艺术设计的一项重要理论。从横向发展来看，艺术设计与工业设计的结合是其发展壮大的一个重要突破口。他不仅将时代元素吸收，而且在表现设计对象的手法上也在不断的创新更新，使其在发展过程中成为影响和提升现代艺术设计发展的一个重要动力。设计始终是由艺术审美做指导的，脱离了艺术审美的设计是没有生命的。同时正是因为这种艺术设计的审美特征才使得工业设计的诉求得以满足。因此艺术设计要想在未来发展道路上走的更加宽阔，必须从以艺术为基本方向，再次基础上不断丰富和发展自己，只有这样才能不断满足社会和受众对艺术设计的多方面需求。[2]艺术与设计之间的互补关系是这门学科确立并且存在的基础，这门学科本身是一种新型的交叉学科。而且，发展到现在，艺术设计还应当以更具时代感的艺术设计元素为发展成本的提升做出实际的贡献。不论是艺术还是设计，它都是为人的艺术和设计，应当从人的需求出发，当人们对艺术设计的需求层次，需求形势发生变化的情况下，艺术设计若不对自己的发展脉络做出调整，那么最终会失去自身的魅力。从人类有意识的创造性活动开始，是艺术设计新作不断的源泉，艺术审美性是随着人类制造的第一件工具产生的，砍砸器、投枪、骨针、兽皮衣裙、陶器等这些最初产品的问世都融合了创作者的设计思维和审美元素。大多数艺术设计都是在不断的积累和完善过程中形成的独特艺术设计思维。这种思维下产生的作品也代表了不同时代消费者对艺术设计审美的需求。人工制品既是工艺品又是艺术品，他的产生过程是融合了创作者对实用功能和审美功能的结合。远古时期的人工制品大都不是纯粹从审美的动机出发的，它的实用功能要远远大于审美功能，但是随着大批量生产的增多，在实用功能已经基本为使用者接受的时候，制造者开始重新思考审美元素在产品设计中的成分比例，长期的发展过程中，这种思考便成为一门独立的工作，那就是艺术设计[3]。同时随着艺术的发展以及艺术理论的完善，制造与艺术之间的关系也正在逐步缩短，现代艺术设计就是两门学科的一次完美结合，它在保留艺术思维和审美特征的情况下，各自将自身最为精华的元素表现出来。设计始终是由艺术审美做指导的，是赋予实用价值“艺术形式”的一个过程，只是在不同的时代，实用价值与艺术形式之间的比例在设计对象上占据的不同。人与物、主观与客观的关系是艺术设计过程中需要处理的基本关系，同时这也成为影响和提升这项基础和技术的一个非常重要的影响因素。基因与媒介、观念与形式、感觉与表现、主体自由化与客体自由化这些都是在艺术设计过程中需要充分考虑和融合的关键因素。而且这样的发展过程中也必将成为影响和提升关键艺术和技术的一个非常重要的影响观念。它是非物质的，以意识的形式存在，明确一点说的话那就是一种基因感觉，设计因素在其中的存在就是充分表现这种基因感觉。马克思说:“人也是按照美的规律来建造型的”，这一论点说明审美也是一种客观事物，他的存在和产生以及发展也是自然规律的一种，而且这种客观存在也在很大程度上成为影响人们物质生产的一个规律。
三、结语
综上所述，现代艺术设计本质上是一种创造，它的产物是融合了审美元素在内的关系处理，设计对象的实用功能和审美功能的结合程度便是艺术设计着重解决的问题。因此，现代艺术设计水平和效果需要接受受众的评判，这种关系处理得当不仅能够满足人们对工业品的实用价值需求，同时还在一定程度上成为人们审美需求中不可或缺的元素。
参考文献：
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现代设计理念起源于19世纪末的英国工业革命时期，约翰・拉斯金是现代设计的理论奠基人，之后通过威廉・莫里斯、查尔斯・阿什比、查尔斯・沃赛等人的继承与发展逐渐趋于成熟。通过对现代设计历史的阅读和研究，我们不难发现：装饰艺术由于在形式美上具有较完整的系统的规律性，固而被视为一种艺术技能，在实用艺术和纯艺术中被广泛应用，装饰艺术与现代设计有着千丝万缕的联系。
英国工艺美术运动在威廉・莫里斯和约翰・拉斯金等人的指导下，首先提出“美术与技术结合”的原则，主张美术家应从事产品设计，反对“纯艺术”等，在现代设计史上有着相当重要的作用。这一运动在设计上也形成了较为明显的风格特征，如采用植物、动物图案作纹饰，主张“师自然”，注重材料的选择等，设计较为质朴、大方、适用。
新艺术运动试图将装饰与结构的关系拉得更近。设计师从材料、构造和功能等角度重新审视各类建筑及产品，这些元素正是构成物质世界的基本组成部分。这种运动风格细腻、装饰性强，大量采用花卉、植物、昆虫作为装饰的动机。从同一时期举办的几次大型博览会上，清晰可见传统设计风格向现代设计风格的转变过程，以及设计改良运动取得的辉煌成就。1889年和1900年的巴黎世界博览会主要展示了新艺术运动的曲线风格，而1902年意大利都灵博览会则十分推崇来自英格兰格拉斯哥的设计大师麦金托什以直线为主的几何装饰风格。
20世纪二三十年代，以法国为首的各国设计师，纷纷站在新的高度肯定机械生产。对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索，涉及范围包括建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计，力求在维护机械化生产的前提下美化工业产品。巴黎是装饰艺术运动的中心，1925年在巴黎举办了装饰艺术展，装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。它受到新兴的现代派美术、俄国芭蕾舞的舞台美术、汽车工业及大众文化等多方面的影响，设计形式呈现多样化。但仍具有统一风格，如注重表现材料的质感与光泽：在造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰：在色彩设计中强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色，造成强烈、华美的视觉印象。装饰艺术运动中表现出的东西方艺术样式的结合、人情味与机械美的结合等内涵，在20世纪80年代，重新受到了后现代主义设计师的重视。
20世纪初至30年代，以工业设计为主的现代设计革新运动提出了功能主义的设计原则，提倡科学的理性设计并创立了新时代的设计美学――机械美学。所设计的简洁、质朴、实用、方便的全新产品，确立了现代主义设计的形式与风格，标志着产品设计进入现代工业化设计的时代。德国现代主义设计大师D・拉姆斯阐述现代主义设计的基本原则是：简单优于复杂；平淡优于鲜艳夺目：单一色调优于五光十色，经久耐用优于追赶时髦：理性结构优于盲从时尚。这种风格引领了世界范围内的设计主潮，以致战后被称为国际主义风格。
后现代主义设计是对现代主义设计理想的背叛。受60年代大众文化的影响，后现代主义表现出纯理性主义倾向的批判，强调设计应具有历史的延续性，但又不拘泥于传统的逻辑思维方式。探索创新造型手法，讲究人情味，追求个性化。在设计中常把夸张变形的，或是古典的元素与现代的符号以新的手法融合到一起，即采用非传统的混合、叠加、错位、裂变及象征、隐喻等手段，以期创造一种融感性与理性、集传统与现代于一体的设计风格。
无论是反对大机械生产的工艺美术运动，还是高度肯定机械生产的装饰艺术运动；无论是为豪华、奢侈的少数权贵服务的新艺术运动，还是为大众服务的现代主义运动，现代设计与装饰艺术从来没有分离过。一部现代设计的历史，就是装饰艺术应用的历史。尽管现代主义一向反对装饰主义，战后发展起来的国际主义更加强调了非装饰化特点，夸大了无装饰的外形特征，但现代主义设计与国际主义设计仍然运用了装饰艺术的手法。
由于现代主义、国际主义设计强调统一性、非个人性，人们开始对单调、无人情味的风格感到厌倦，青睐于更具表现性、变化性、装饰性的后现代主义设计。后现代主义设计家，无论是在建筑设计时，还是在产品设计时，都采用各种各样的装饰，特别是从历史中汲取装饰因素，加以运用。
(作者单位：四川美术学院)
但是，科学技术一直被誉为一把“双刃剑”，它既造福了人类，变革了社会经济、政治、文化，开辟了广阔的前景，同时也带来了很多全球性问题、社会问题、心理问题……布热津斯基说过：“世界正在形成一个‘技术电子’的社会：一个在文化、心理、社会和经济多方面都按照技术和电子学，特别是计算机和通讯来塑造的社会。”⑷所以，如果科技的负面影响波及到整个社会的时候，其产生的破坏力是相当惊人的。一直困扰人类的能源短缺、资源枯竭、环境污染、生态破坏、人口膨胀、粮食匮乏等问题就是最好的证明。
艺术设计在这种环境中所受到的影响也是有目共睹的。就现状而言，很多艺术设计作品给人的印象多是局促、不安、焦躁、机器味过重、多种类设计间缺乏必要的联系和沟通。尤其是电脑艺术兴起以来，人们更加依赖计算机这种工具，想方设法摆脱传统思维方式和传统手工工艺的设计，制作。尽管在一定时期内计算机与网络艺术创造出了巨大的价值，开拓了多种新的设计领域，但是机器痕迹过于明显的问题一直是电脑与网络艺术挥之不去的阴影。
与艺术设计领域一样，其他艺术创造领域也在不同程度上被这个尖锐的问题困扰着。就拿音乐创作来说，计算机技术赋予其自身主题和风格以过分的焦灼和狂乱。使人与人之间好像产生了机器零件相互摩擦碰撞的特殊感受。例如，西方社会在80~90年代的时候，出现了一种电子舞曲－－Techno，它的诞生使一种动作狂乱、奔放不羁的新舞蹈“锐舞”（Rave）变成人们发泄焦虑不安的渠道。“Techno音乐、昼夜狂舞的Rave舞蹈以及舞场上广泛使用的，给人带来的，是被一些英国作家称为‘集体脑休克’和‘借助化学手段对黑夜无感知’。”⑸但是，无论在哪种形式下的艺术创造领域，这种发泄终归不是一种健康的方式，它那种特有的畸形的性格可能会最终没落社会文化艺术。人类自身已在这个社会下承受了太多的压力，社会进步的步伐迈得越大，走得越快，人们内心的局促、不安、恐慌及压抑的感觉就越强烈。如果再对其精神世界给予缺乏人情味的冲击和刺激的话，人类心理和生理状态必然会相应地产生与周围环境格格不入的变化。
虽然，20世纪人类社会的经济基础在科技的影响下取得了一系列成功的变革，但是文化上层建筑的反作用却表现为时不时地利用可能与经济基础不相适应的甚至落后的意识形态阻碍着经济基础的长远发展。因此，缩小到艺术设计领域中看，人们正需要一种全新的观念来寻求一种解放自己心灵使身心压力得以缓减的有效手段，只有这样，才能将健康的思维方式投入到正常的物质生产实践中去。这时，设计艺术慰藉功能就应该被立即提上议事日程。
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二
丹纳很早就在《艺术哲学》一书中阐述过艺术作品须臾不可与环境分离这一观点。同样的道理，在谈及艺术设计的慰藉功能之前，我们应该先分析艺术设计正处在一个怎样的环境中以及这种环境对艺术设计产生了什么样的影响。毕竟，艺术设计是属于上层建筑范畴的，它应该对社会生活作出反映，同时还要反作用于社会。
第二次世界大战以后，人类社会步入了一个科学技术跳跃发展的时期。所谓“跳跃发展”是因为当今人类进步呈现出连锁式的阶段性飞跃。由于人们在有限的生命中不可能始终获取直接经验，只能借助于纷繁复杂的各类知识、信息及技术等间接经验，才能进行再加工再创造。所以，当一件新的造物出现以后，以该造物为基础的其他产品会应运而生，从而使这个世界以比以往快几十甚至几百倍的速度迅猛发展。人们最熟悉的例子便是建立在大科学和大科技基础之上的计算机的发明及应用。它标志了又一轮科技革命地到来，并始终以其独特地生产方式不断地为现代社会注入发展的活力。而设计的本质是“为人造物的艺术”⑵，它在这种“跳跃发展”中更能体现自己的优越性，不仅可以借助科技成果丰富自己的素材及制作手段，而且还反作用于科技，为其提供具有艺术特征的产品。由此，我们可以得出一个结论：科学和技术对生产方式的改变在推动社会进步的过程中扮演了重要的角色，并日益与艺术设计相联系，与其共同成为人们关注的焦点。
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同时，新工艺新技术新材料的研制开发及应用为艺术在形式及内容的多样性上提供了可能因素。“仅以现代家具为例，就有单元系统家具、塑胶吹气家具、纸板家具、聚脂家具和超高堆积家具等等，名目繁多，不一而足。”⑶此外，科学技术对思维方式的改变产生了新的设计理念及思维，使艺术设计呈现多元趋势。特别是后工业时代的波普艺术、欧普艺术、幻觉艺术、偶发艺术等等都对现代生活观念及设计观念产生了深远的影响。正因为如此，艺术设计在这个时代更能体现风格化创作倾向，同时其系统化和专业化的程度也伴随着科技进步而更为加深。
三
就字面理解，慰藉有抚慰，安慰的含义。功能则是指事物应发挥的作用。但是，要想在较深层面上去了解其含义，先从艺术设计的目的性方面着手分析则不失为一种有效的方法。
艺术设计发展到今天，大概不会有很多人否认其明确的目的性。“不过，这种目的有双重本质：既是具体功利的，又是社会的”。⑹根据设计的本质可以推导出艺术设计是一种按照美的规律为人造物的活动，是一种具有艺术质的造物行为。因此，它所具有的社会目的性是通过作为“人类与世界调解的工具”⑺这一面貌展现的，它具有多种的复合价值。既然是调解工具，艺术设计在满足功利目的的同时应更多地关注如何实现社会价值。换句话说，艺术设计不仅是通过造物和实现物品的实用性来服务于人类群体，还必须给人以审美的享受，在某种程度上表达一类人的情感，并非只就是设计者实现自我价值的唯一途径。艺术设计的慰藉功能则是体现社会价值的一种载体，肩负起就设计领域来说应该具有的抚慰、安慰作用。一方面，人们在享受艺术设计成果时净化解放了心灵；减轻了身心压力；抚慰了焦躁的情绪；舒缓了疲惫的感、知觉。另一方面，艺术设计为达到这一目的（内容）而采用了适应人类心理及生理的功能外在手段（形式）。因此，慰藉功能实际上是内容与形式在为达到统一过程中而努力具备的一种合目的性的理性因素，它的任务是在快节奏的社会生产、交换、分配、消费等各环节中调节人际关系，引导竖立较为正确的生活消费观念，舒展和升华人类灵魂，使人们在体验物质生产发展成果的同时更加重视精神文化领域的同步发展，逐渐达到人类全面发展，从而既体现人的自我价值，又服务于社会，改善社会发展所具备的综合素质。
艺术设计的目的性决定着其功能性，但这些目的归根结底还源于人类的需求。人的需求是多层次的，既有物质的又有精神的，所以功能的概念也应该是多层次的。设计者的职责便是将人们朦胧的需求转化为具体的产品功能目标。在当今时展中，人类物质需求虽然复杂并且繁多，但对这种要求的功能性满足相对容易实现，且较直观，甚至具有可视性，易于衡量。然而那种在局促焦躁环境中不断增长的精神需求却不是很直观的，可具体操作的。满足这种需求就要以一种包含在设计作品中的气质或魅力为载体的慰藉功能来实现。诚如李泽厚先生曾经说过：“……吃、穿、用等物质需要都有一定限度，比较起来容易满足。但精神的追求却不是这样，它常常是无限的，不好解决，难以满足。”⑻所以，艺术设计才必须在造物的同时考虑到其产品的精神含量。当艺术设计所体现的精神气质或魅力在目标市场的精神追求中寻求到共鸣时，艺术设计的慰藉功能就得到了实现。这其实遵循了格式塔心理学派所提出的“异质同构”原则。也就是说，当艺术设计作品在生产、分配、交换、消费各环节中所定位的目标群体的心理感受能在该或该类艺术设计作品中得到肯定的释放的时候，或者说，艺术设计作品使目标群体在心理和情感上获得一种最简单，最规范和最对称结构的时候，艺术设计才慰藉了目标市场，从而使其在精神上感到满足。说到底，这是一种心理平衡。人类由于前述的各种原因，在现代社会发展中或多或少失去了一种内心的平衡机制，而艺术设计则可借助多种手段来平衡人们的内心机制，使其在精神上感到舒适。如果从这个角度上讲，艺术设计慰藉功能还是从属于功能实用性的，是其实用功能在精神方面的体现，即因为它可以满足人类精神需求，所以应该是有用的。
不过，艺术设计的这种慰藉功能最终还必须通过物质手段表现出来。这里就涉及到表现方式的多元化。正如李泽厚先生认为的那样：“真理是一个由许多方面构成的整体。因而，可以从不同的角度、不同的途径、不同的问题、不同的要求去接近它……”⑼从这层意义上说，慰藉功能的形式可以是多样的，这也进一步丰满了艺术设计作品，从多种角度改善其质量提高数量，满足人们精神和物质的需求。此外，马斯洛曾经把人的基本需求分为五种：生理的，安全的，爱的，尊重的和自我实现的需求。设计的慰藉功能则可通过各种物质手段，根据这五种需求由浅入深地逐一实现，体现不同阶段功能目标。而在这层意义上，慰藉的对象不同，被要求的内容不同，最终导致其表现方式的不同，这也从某种意义上规定了慰藉功能的多样形式。
然而，强调多样性不等于孤立统一性。在保证表达方式由多种语汇构成的同时，还应该将设计作品的品格统一到对目标人群进行心灵安慰及教化这一主旨上来。任何设计都不能以牺牲这一原则为代价来获得谄媚于多样性的途径。如果舍本逐末，脱离其慰藉功能宗旨抽象地谈论多样性，那么结果只能使设计作品得不到共鸣，实现不了其社会价值，而仅仅成为设计者孤芳自赏的个性表现品。
综上所述，艺术设计在现代社会中应该找到合理解决科技发展与文化心理之间矛盾的方法，实现自己多种价值结构，服务社会。然而，目前艺术设计的慰藉功能还未能得以充分体现，这不能不说是艺术设计要发展所面临的困境之一。因为，为了实现慰藉功能就必须先了解社会问题，研究造型心理、色彩心理、人体工学等等各类复杂学科。只有从这些方面入手才有可能在一般意义上体现艺术设计对目标市场的抚慰效用。如果要更深地把握慰藉功能的实质的话，还应该研究历史、哲学、民族民俗学等等。这些学科从某种意义上更能让人们在作品中得到共鸣，但这不是一蹴而就的简单性研究活动，而是几代人共同努力，不断摸索的长期过程。所以，艺术设计的慰藉功能所牵涉的问题是很广泛的，它不是单靠一两句话就能完全解释清楚的。但是有一条原则是可以肯定的，那就是艺术设计的慰藉功能应该注重“以人为本”，而此处说的“人”并非指单个的人，而是整个人类群体。只有坚持这一理念，艺术设计在现代社会发展中就能起到调解人与自然，人与社会的作用，在社会实践中创造更大的价值，从真正意义上体现“天人合一”的思想。
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⑹凌继尧,徐恒醇.艺术设计学[M],35页.上海人民出版社,2001.
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⑻李泽厚.美学四讲[M],46页.天津社会科学院出版社,2001.
⑼李泽厚.美学四讲[M],20页.天津社会科学院出版社,2001.
摘要：现代社会一方面以极快的速度发展，带来科技巨大进步，另一方面却展现给人类以前所未有的压力和陌生的生活环境。艺术设计是一种介于艺术与科技之间的新学科和职业，不仅要实现各种以肉体为对象的实用功能，而且，在这种压力和陌生地生活环境面前还应该尽量体现对人类精神进行抚慰的功能。
关键词：现代社会艺术设计慰藉功能
从以上可以看出，现代陶瓷雕塑创作，不外乎解决传承与发展、传统与现代，抽象与具象的关系问题。而解决这个问题的关键，就是处理好陶瓷雕塑艺术设计问题。提起景德镇的艺术设计，大多会认为是陶瓷产品的设计包装，抑或是日用陶瓷产品的普通设计，而鲜有人把它与陶瓷雕塑挂钩。陶瓷雕塑艺术设计是陶瓷雕塑艺术创作的重要途径，雕塑是以造型艺术展现艺术美，同时兼容色彩学、材料学、建筑学、美术学诸多学科要求，陶瓷雕塑还兼具了陶瓷学与陶瓷文化学科等。它的材质从软到硬，由冷到热，从平面到立体，从形体到意像，它实现了陶瓷从泥到火的涅磐。陶瓷雕塑设计通过形体造型的构思、变化，通过雕塑题材的涉及与使用升华，将美术中绘画拓展延伸、将建筑中力学平衡，实现了人类造物的梦想。陶瓷雕塑艺术设计具有极大的构思空间，它可立据传统雕塑模式，借鉴石雕、牙雕、木雕等技法精华，同时摒弃其不足，陶瓷雕塑可以在其烧制时修改完善，同时它丰富的可塑性，为艺术家提供了极大的创作思维空间、制作施展空间，在艺术技巧上、个人品味上，也为雕塑家布设了重重障碍，提出了诸多的挑战。
当今景德镇陶瓷雕塑无外乎两种模式，一种是走中国传统的路子，另一种是走西方的雕塑路子。传统陶瓷雕塑在景德镇具有深厚的根基，在国内外有着深远的影响，景德镇许多优秀的瓷雕艺术家继承发扬景德镇优秀的传统雕塑文化，将传统瓷雕赋予新的艺术生命力做出了杰出的贡献；另一批艺术家则大量借鉴吸收国际上新的雕塑创作手法，有些甚至抛弃传统雕塑造型模式，以新的类似中国画表意手法，创作出一批抽象、前卫的瓷雕艺术作品，这些艺术家有中年的，但更多的是年轻艺术家，他们观念更新，思想更激进。后一批艺术家作品更强调新颖或直白说逆古、叛逆，这些雕塑作品强调装饰性与造型的抽象以追求其表意性。现在风起云涌的现代陶艺如陶艺墙，其实根本还是陶瓷雕塑浮雕、堆雕、雕刻等技法的表现，但这种司空见惯的雕塑手法被冠以时尚的词汇“现代陶艺”，景德镇现在已有许多著名的陶瓷雕塑家，在继续探讨瓷雕艺术创作的同时也在不断地研究陶瓷绘画，并且还有一些著名的陶瓷绘画家又是陶瓷著名雕塑家的现象。景德镇陶瓷雕塑艺术设计与审美新要求，又造就了一批将传统与现代结合的陶瓷雕塑家，景德镇由于以上雕塑家的与时俱进，使得瓷都景德镇雕塑艺术异彩纷呈。现代陶艺的呼唤，很多原来从事陶瓷产品设计的陶艺家也通过作品走向陶瓷雕塑，现在很多城市陶艺雕塑造型，其实有不少不擅雕塑的陶瓷设计人员参与进来。这充分说明陶瓷雕塑在走向大众的同时更是走向不少艺术家的内心。
二、景德镇现代陶瓷艺术的文化特色
景德镇的现代陶艺人，正在把瓷与五千年中国文化结合成现代陶瓷文化，如笔者瓷绘的四大名著之一《红楼梦》，作品以242幅全过程讲述《红楼梦》的故事情节，人物多达3800多人次。历经5年之久，采用明末清初宫廷重彩渲染，每件所绘物体，反复加色，6次烧制成品。为烘托出陶瓷特色和质感，运用了古彩、粉彩、新彩、墨彩描金等多种用彩技术相互结合，穿插使用。其程序是：1.破土、压坯、吹釉、高温烧瓷坯；2.定稿、构线、第二次烧制；3.粉彩打底、渲染底色、补线、三次烧制；4.全面渲染、粉彩点苔、四次烧制；5.整理补色，第五次烧制；6.墨彩描金、补色、六次烧制；7.玛瑙笔刮金。其程序禁然，工艺复杂，烧制中风险性不言而喻，其中表现内容涉及服饰学、建筑学、园林学、民俗学、礼仪学等多种美学问题。构图继承传统，采用散点透视，打破时间定律，将不同时间、不同场合的故事情节，巧妙地组合在同一幅画面上。创作者精确地把数以千计，不同身份、性别、年龄、形体、性格、容貌的人物在瓷板上刻画得惟妙惟肖，把不同场合人物的各异表情、姿态体现得生动、细微、贴切；将宁荣二府中的亭阁楼榭、山水拱桥、古树名刹、奇花异草绘制得生动而逼真，葱郁而鲜活，完整地再现了《红楼梦》的主要故事情节，使我国博大精深的文化内涵为世界叹服，丰富地展现了中国封建社会的历史人文长卷，使《红楼梦》这一不朽的中国古典名著得以在瓷板画这一全新的艺术形式传世，为景德镇现代陶瓷艺术的发展另开渠道。
四、景德镇现代陶瓷艺术百花齐放
景德镇现代陶瓷艺术如雨后春笋，百花齐放、种类繁多。如釉上装饰有古彩、粉彩、墨彩、新彩、广彩、电光彩、刷花、贴花、喷花、戳印花、描金、腐蚀金等。此外，还有圆雕、堆雕、捏雕、镂雕等技法；各种颜色釉更是五颜六色，仅一个瓷厂就能生产100多种色彩缤纷的釉彩，其中青花釉里红更是托出景德镇艺术陶瓷的特色。又如鲜红、桃红、翠绿、玛瑙红等高温釉和金星绿等低温釉都已超过历史水平。目前，景德镇已建成一个拥有陶瓷原料、机构、生产、教育、科研、机构等比较完整的陶瓷工业基地，发展前景可想而知，也得到了政府的大力支持。如著名书画家张玉东先生还被邀请到景德镇在陶瓷上作画。张先生深厚的书法、国画功底，及其在青花上表现得如鱼得水的精湛技艺，使南北文化在陶瓷上得到了完美的融会贯通。
五、结论
景德镇陶瓷雕塑是景德镇陶瓷艺术的重要组成部分，在目前市场经济的冲击及国际金融影响下，陶瓷雕塑艺术收藏受到了一定的影响，但大多数雕塑艺术家仍然继续思考、创作，他们在艺术造型、表现内涵等表现社会意义上，均有一定进步。景德镇陶瓷艺术的教学也不断吸收国际新观点新思想，广开讲学交流。总而言之，景德镇陶瓷雕塑界要树立信心，坚持传统瓷雕与现代结合，立足本土优秀的传统文化，继承优秀的瓷雕传统，不断钻研瓷雕技法，景德镇陶瓷雕塑的春天又将灿烂展现在我们眼前。
【参考文献】
［1］严维明.景德镇粉彩瓷艺的历史与现状,景德镇陶瓷.2008（4）.
［摘要］景德镇陶瓷自古以“薄如纸，声如磬，明如镜，白如玉”的四大特点享誉世界，备受收藏家的青睐。文章论述景德镇现代陶瓷艺术的艺术特色，以及景德镇现代瓷艺的收藏与发展。
现代艺术和后现代艺术虽然以对立的态度先后出现，但并不影响景观设计作为一个独立的系统对这两者的吸收和容纳。现代主义对景观设计最积极的贡献在于，它所认为的功能应当是设计的起点这一理念，使得景观设计从传统图案和所谓的风景秩序中解放出来，引入到功能和社会尺度的角度。但现代主义过分地追求纯粹、形式至上、自我中心和整体艺术语言的单调，甚至在一定程度上迅速促成了后现代艺术的诞生。20世纪60年代以来，景观设计受到了后现代主义的推动。在这一阶段生态意识在景观设计中也有所体现。设计师们从对形式美的追求，引向对自然和自然与人的关系的关注。在现代艺术和后现代艺术思潮的影响和推动下，景观设计领域呈现出风格多样性的特点。
一、极少主义风格
“极少主义”(Minimal Art)一词是英国哲学家理查德・渥尔哈姆于1965年批判那些为了达到美学效果而刻意减少艺术内容的艺术实验时提出的一个贬义词。极少主义这个口号和标签逐渐在60年代的美国流传开来。艺术到了极少主义手中就蜕变为一种观念和无所不在的几何形体。极少主义阵营中的大师级人物唐纳德・贾德(Donald Judd)认为：“一个形状，一种体积，一种色彩和一个平面就是指它们本身。我们不应该把它们表现为某个相当不同的整体的一个部分，形状和材料不应为内容的牵强附会所改变。一只箱子或排成一行的四只箱子，任何单个的物体或一个系列都有它们的安排顺序，都是一种排列，仅仅是顺序而已。”
贾德的“顺序”理念在园林设计师玛莎・舒沃茨(Martha Schwartz)的作品中被完整地表现出来。她的代表作是位于亚特兰大的瑞欧购物中心庭院设计(RioShopping Center)，300多个镀金青蛙组成的方阵排列整齐、给人极大的震撼，甚至具有一种神秘的魔力。青蛙这一意象显然来自于自然环境中的一种活生生的动物，它们在自然界中的数目正在逐年减少，玛莎・舒沃茨希望通过被固定在地坪上的青蛙序列，抨击后工业社会的人类对自然界所犯下的罪行。那些一动不动的动物模型似乎在用无声的方式诅咒他们最大的敌人，这也是它们唯一能够做的。同时，舒沃茨在青蛙的身体上镀上了光灿灿的黄金，使得原本亲切的场景被完全破坏。青蛙这种原本温文尔雅的小动物变得面目可憎，它们存在的目的是与人类为敌，而不是成为统治阶级的同谋者。一个秩序感十足的方阵可以看作是为一场战役的预演而采取的排兵布阵方式，在这里，玛莎・舒沃茨正以一个坚定的景观保护者的身份向工业化之后遭受创害的自然现状的发出警告。
另一部在西方享有盛誉的作品“拼合园”(TheSplice Garden)同样具有环保主义的风格。她大胆地用塑料代替了现实中的植物(当然，这也是从当地的环境条件出发的一种必要策略)，一切都符合几何学的规则，以精确性和秩序感建立起一个静态的空间。同时，它也是对当代环境危机的一次直面和反讽，塑料植物、被涂成绿色的沙子以及“拼合”的命名，都似乎在告诉人们城市对环境的迫害。
强烈的视觉冲击、秩序感、隐喻、仿真，设计师即是用这样的设计语言描绘出冷冰冰的极少主义景观。
二、亲切的大地艺术设计
大地艺术可以看成是室内装饰作品向户外发展的结果，最早的样式可追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通享治圆形石柱。大地艺术的作品都十分关作品的“场所感”，即作品与环境有机结合，通过设计来加强或削弱场所本身的如地形、地质、季节变化等特性，从而引导人们更为深入地感受自然。其中最具影响力的作品是史密森的《螺旋防波堤》。这个巨大的，由6500吨黑色玄武古石、石灰岩和泥士建造的螺旋形防波堤匐卧在美国尤他洲大盐湖东北角的岸边，盘旋伸入粉红色的湖水中，被作者称为是通往海底史前文明遗迹的通道。其它著名的作品有：德・玛利亚的《闪电原野》，通过壮观的不锈钢陈列，通过闪电雷鸣等自然力量接近了天与地，把人类引导到对自然灾难的体验中：松非斯特的《时间风景》，则通过种植大片的松树和毒胡萝卜林，来营造一个都市中的先哥伦布时代的森林。这些大地艺术的作品大都介于雕塑和建筑之间，并逐渐在现代公共空间的设计中占有重要的地位，他们将景观融入到现代城市生活中，并接近了自然与人类的感受和距离。受到大地艺术的影响，奥地利艺术家拜耶和瑞士景观设计师克拉墨设计了一系列从自然生态的角度出发，又具有神秘的艺术性的环境景观艺术设计作品，如著名的西亚图的米溪尔土地工作和亚斯本草原旅馆的“土丘园”。
现代主义和后现代主义艺术思潮带给景观设计更多的是一种思考和工作的方法，把景观设计从单纯的适合观看的形式化及图案化的设计升华为对空间的组织规划和对环境、社会、文化以及主题氛围的体验。在某种程度上看来，21世纪的风格就是没有风格，我们所需要的是基于人类生存环境规划的全新概念的景观设计。
关键词：剪纸艺术；现代艺术设计；文化内涵
剪纸是一种镂空艺术，在我国民间广为流传，历史悠久，最早可追溯到公元6世纪，那时便已经出现了剪纸的图案。在我国唐代时期，剪纸艺术盛行，不同地区具有不同的风格，表达着不同的风俗习惯，但同样都承载着我国劳动人民对美好生活的向往，拥有着浓厚的乡土气息，韵味十足。现如今，在我国农村地区，这种剪纸艺术仍被广泛应用于各种场合，剪纸艺术也被赋予了新的历史内涵。随着中国经济的飞速发展，科技的不断进步，中国早已走向全世界，我国的传统文化越来越受到国际友人的喜爱。但随着中国社会的进步，传统文化的传承与发展面临严重的问题，一些传统文化早已失传，一些文化处于失传的边缘，没有得到有效的传承与保护，剪纸艺术属于后者。在弘扬中国文化，保护非物质文化遗产的思想下，保护传统文化艺术已成为现代艺术的重责。传统剪纸艺术与现代艺术结合不仅有利于传统剪纸艺术的发展，同时也赋予了现代艺术新的文化底蕴，体现出了民族特色。
1研究的目的和意义
1.1研究剪纸艺术的目的。通过研究传统剪纸艺术，使人们更加科学、全面地掌握剪纸艺术，了解剪纸艺术的内容、种类、色彩以及所蕴含的传统文化精神，从而使其与现代艺术实现完美的结合，提升现代艺术的品位，为现代艺术的设计提供灵感，赋予现代艺术深层次的文化内涵，同时也使现代艺术为传统剪纸艺术的发展提供了良好的平台，使得剪纸艺术走向大众、走向世界，得到良好的传承与发扬，而不是仅仅被保护起来。1.2研究剪纸艺术的意义。近几年，剪纸艺术渐渐被融入各个行业，比如室内设计、服装设计和景观设计等，它们形态丰富，多种多样，但大部分只注重外部形态，引起美观效果，却忽略了内涵的发展和精神文化的传承，剪纸艺术经历了岁月的沉淀，历史悠久，富有很强的文化精神，之所以研究剪纸艺术，是为了使剪纸艺术在现代艺术设计中得到更好的运用，从而丰富现代艺术，并在这一过程中使我国传统的剪纸艺术得到很好的继承，传承我国传统剪纸艺术所蕴含的文化内涵和精神力量。
2剪纸艺术概述
2.1剪纸艺术的历史背景。在中国的封建社会时期，农村人民生活经济水平普遍不高，但民风淳朴，剪纸艺术便是我国劳动人民的结晶，它与我国的节日息息相关，也与各种风俗习惯紧密结合。婚丧嫁娶都有不同的剪纸作品，表达着不同的愿望，不同的感受，例如春节时的窗花，蕴含着过年的喜庆，寓意红红火火。窗花的内容也是丰富多彩，基本都是表达着人民对新的一年的美好愿望，希望在新的一年能够顺顺利利。用于葬礼的窗花则表达出悲伤、痛苦的情感。在旧社会，剪纸艺术一般都是农村女性所掌握的，她们在当时的社会背景下经历挫折，尝尽人间冷暖，她们通过剪纸宣泄自身内心的情感，通过艺术排解内心的痛苦。2.2剪纸艺术的发展历程。剪纸艺术历史悠久，在西汉时期造纸术发明后便得到发展，在此之前人们一般会在其他物品上雕刻，比如树叶、树皮。在唐代，剪纸技术得以提高，布局更加合理，到了宋代，剪纸艺术走向了各个领域，灯笼、窗户、茶盏上都出现了剪纸的影子，这也是剪纸艺术在其他领域的初步应用，在明清时期则更为昌盛。2.3剪纸艺术的分类我国地域辽阔，不同地区有不同的风俗习惯、不同的人文情怀，人们在剪纸艺术上的表达方式、所蕴含的文化精神也是各有不同。研究剪纸艺术的分类则更加有利于其在现代艺术中得到很好的运用。2.3.1题材的分类。（1）日常生活类。我国劳动农民通过自己的双手辛勤劳作，自己动手丰衣足食，他们把这种辛勤、朴实的画面用剪纸的方法表达出来，表达出内心对这种美好生活的喜爱。（2）动物类。一般都会以十二生肖为主，尤其是在过年时节，不同的年份对应着不同的动物，表达对新的一年美好的期望，再有则是来源于一些神话故事，在结婚时，一般会以龙凤、鸳鸯这样的动物寓意龙凤呈祥、恩恩爱爱。（3）人物类。日常生活必然离不开人物，在剪纸上刻画辛勤劳动的农民，表达出农民的辛苦，以及期望丰收的愿望；也有正在戏耍的儿童，期望着子孙满堂。（4）植物类。在人们的生活中，自然离不开农作物，植物是他们生活的一部分，选取植物作为题材的同时也有它的寓意，比如桃子代表着长寿，石榴则有着多子多孙的寓意。2.3.2作品的分类。（1）折叠剪纸。这种方式是将纸张对折，选取对称的题材，例如鱼、龟、倒影等，这种方式的剪纸结构对称，通俗易懂。（2）撕纸。这是一种新的类型，通过撕纸获得作品，这样的作品缺少了精细、规整的唯美，却多出了豪迈、雄健的磅礴气势。（3）分色剪纸。通过多种颜色的组合描绘出一幅画面，体现出不同事物的协调性，比如天空是蓝色，草地为绿色，花朵是红色，使得剪纸有很强的修饰性。（4）木印剪纸。将图案雕刻在木板上，然后印刷、填色，一般都用于表现神话故事、戏曲人物等。（5）彩编剪纸。利用丰富多彩的纸条进行编制，类似于刺绣，然后进行加工，描绘出丰富多彩的画面，一般用于装饰。
3剪纸艺术的文化内涵
剪纸艺术体现出内涵丰富的民俗文化与，体现了我国传统文化的博大精深，这些文化内涵可以运用现代艺术的设计当中。3.1剪纸艺术包含的民俗文化。剪纸艺术蕴含着丰富的民俗文化，比如各种传统节日、婚丧嫁娶、衣食起居等，重现了人们的生活场景，田间耕作，女红纺织，一幅幅画面表达了人们对生活的美好愿望和期冀；儿孙满堂，家庭和睦，多福多寿，展现了对美好生活的期盼；也有的剪纸有祈祷吉祥、镇妖辟邪等寓意。这些千姿百态的剪纸充分地展现出其所蕴含的民俗文化。3.2蕴含的宗教文化。3.2.1道家思想。道家思想讲究自然，天地间万物的本质都有自己的独特规律。道家的思想超凡脱俗，摆脱了世间的束缚，返璞归真。自然洒脱、不被客观事物所束缚的剪纸作品蕴含着道家的思想，在生死之事上，讲究长生，“夫寿命，天之重宝也”，比如福寿禄、石榴等，寓意多福多寿、子孙满堂。3.2.2儒家思想。儒家思想注重“仁”“礼”，仁则是仁慈、仁义，礼则礼仪。在剪纸艺术中，结婚、生子、葬礼都有着相应的剪纸作品，例如生子，有着葫芦生子，祈求小孩平平安安；婚礼上有龙凤呈祥，双喜盈门，希望夫妻生活幸福美满；丧礼上挂挽联、白花，表达失去亲人的悲伤，对逝者的怀念。这些都表现出了儒家思想。3.2.3佛家思想。佛学思想起源于印度，自汉朝传入我国。佛教讲究“苦”“空”，讲述众生皆苦，这繁华世界如梦幻泡影，都是不真实的。其目的就是告诉人们不要被世间凡事所拖累，做到不以物喜不以己悲。剪纸艺人经历生活艰辛，体会人间冷暖，但只有在剪纸的时候放下一切，不因外界事物或喜或悲，构建平和的心态，这正体现了他们内心的纯真、善良。
4现代艺术中表现的特征
剪纸艺术具有独特的文化内涵和表达方式，间接表现出传统剪纸艺术在现代艺术中的运用。4.1剪纸艺术特征在现代艺术中的运用。4.1.1剪纸的手工艺性。剪纸是我国劳动人民的智慧结晶，结合了丰富的情感，蕴含着文化底蕴，而正是因为这些才使得剪纸艺术更加珍贵。在我国农村，每逢过年，人们贴墙花、灯花、门笺、窗花，用来寓意一年的红红火火、大吉大利。这体现着人们生活的朴素、自然，给人一种独特的视觉感受。剪纸的手工艺性在现代艺术中具有一定的表现形式。4.1.2造型性。剪纸艺术内容丰富，表达方式也是变化多样的，如“观物取像”“立像取意”等。剪纸艺人运用长期的生活经验以及想象力，创造出丰富多彩的剪纸艺术，使得每一幅作品生动形象、活灵活现，例如鱼的制作，采用鱼的谐音，寓意年年有余，象征着生活的富裕；“狮子狗”窗花，运用狮子狗与花的结合，摆脱自然限制，大胆想象，剪出其形态、特征，表现出狮子狗的生动、活泼、可爱的形象；再比如神话中的寿星，和蔼可亲，手持蟠桃，寓意长辈长寿，表达出晚辈对长辈的孝顺之心。在现代艺术中也有一些表现生动、富有寓意的创造性作品。4.1.3多彩性。颜色直接冲击着人们的视觉器官，剪纸一般都会选择红色，表达着红火、吉祥、喜庆之意；祭祀、葬礼则选择白色，给人一种沉重、压抑之感；绿色、蓝色一般用于自家装饰，赋予家庭生机、活力。通过不同颜色的组合使视觉出现层次感，使剪纸描绘的内容更加丰富、绚丽。在现代艺术中也会选择丰富多彩的颜色来创作作品，给人们带来喜庆、热闹。4.2剪纸艺术在现代艺术中表现的艺术美。4.2.1饱满的唯美形式。古人剪纸艺术作品追求意境，讲究有图必有意、有意必有像的精神创作，通过各种各样的表达形式，使得像与情感相互融合，从而达到寓情于艺术作品的目的，展现出自身的丰富情感和艺术美感。4.2.2丰富的题材。剪纸艺术的题材来源相当广泛，有惊心动魄的神话故事，例如八仙过海、女娲补天，也有浪漫凄凉的爱情故事，例如西厢记，还有神话人物的肖像，比如寿星、福星、灶王爷等等。这些都表达着古人内心的美好愿望，同时也间接表达出剪纸艺术的艺术美感，这些丰富的题材为现代艺术提供了丰富的作品来源灵感。
5剪纸艺术在现代艺术设计的运用
5.1现代艺术设计概述。随着科技的发展、经济水平的提高，艺术的设计贯穿着现代社会，现代艺术也走进各行各业，如室内设计、服装设计、现代景观等，各行各业通过设计为人们提供舒适温馨的服务。剪纸艺术运用到现代设计中，将其内在的精神文化、风俗习惯融入现代科技中，使得现代设计更加人文化，更加富有内涵、深意。将剪纸艺术运用到现代艺术中的目的是让传统剪纸艺术不仅仅停留在被保护、被继承的阶段，而是要与时俱进，创造出更有价值与内涵的作品，提高现代人审美水平。5.2剪纸艺术在现代平面艺术的设计运用。剪纸艺术重在“意”的表达，在现代艺术设计中应将剪纸艺术所具有的文化内涵、风俗习惯融合进去，认真负责地设计出具有民族文化、民族精神的作品，设计出有价值、有情感的艺术作品。平面设计范畴广泛，涉及面广，比如包装设计、室内设计、图标设计等，平面设计与传统的剪纸艺术相似，都是从点、线、面出发，构造出一幅生动的画面。因此在现代平面设计中，借鉴传统的剪纸艺术是非常有帮助的。将剪纸艺术中所蕴含的文化内涵融入现代平面的艺术设计中，首先应先了解剪纸艺术内在的文化内涵，各种文化精神所表达出来的人文精神、愿望，然后掌握创造艺术造型的方式。剪纸艺术讲究“图中有意，意必吉祥”，图中要有幸福吉祥之意，再将唯美与文化融入作品之中，使得作品既美观又富有深意。比如凤凰卫视的图标，凤凰被视为吉祥之物，有幸福美满的象征，凤凰以太极为基础，阴阳协调，寻找平衡，不失和谐，同时也表现出内在的大气，包罗万象，寄托了设计者的精神情感。再比如可口可乐的招贴，充分地体现出中国传统的剪纸艺术，图案以红色调为主，给人一种吉祥喜庆之意，再有设计有“福”字引人注意，设计有花、鱼、鸟，这些都是传统剪纸艺术中表达幸福安康的典型之物，通过整体构造，表达了在新年到来之际，祝福客户幸福安康、合家欢乐，营造出吉祥、喜庆的氛围。5.3剪纸艺术在现代景观中的运用。当今社会的企业一味地追求经济效益，忽略了企业文化，这也使得设计成为获取经济效益的一种手段。大多数设计者在设计的作品缺少应有的文化内涵，缺少内在精神，也使得现在的人们渐渐地失去了审美理念。在现代景观的设计中加入剪纸艺术所蕴含的文化，渲染社会的文化氛围，培养人们的审美理念，打造出最好的设计景观。5.4剪纸艺术在现代艺术设计中的多元化发展。随着经济的发展，传统剪纸艺术也应与时俱进，吸收先进的经验，与传统文化相结合，只有这样才能将剪纸艺术运用到现代艺术设计中，对其进行完善、创新。5.4.1剪纸艺术造型多样化。随着社会的发展，各种设计流派层出不穷，各种设计风格也是越来越多样化，例如抽象派剪纸，随心所欲，描绘主体的特点，生动形象，不受外界干扰，表达出自己内心的状态，表现出独特的风采。5.4.2剪纸艺术色彩多元化。传统的剪纸艺术以单色调为主，古朴大方，但在当今环境下，应突破传统，大胆创新使得传统剪纸艺术应用的范围更加广泛。比如元代作品《扇舞》色彩鲜艳、栩栩如生，活灵活现，使得整张剪纸都富有生机。再比如农村布匹，色彩鲜艳，描绘着牡丹、龙凤，寓意花开富贵、龙凤呈祥，强烈的视觉效果，使得其整个画面都充斥着喜庆的感觉，深受喜爱。5.4.3剪纸艺术材料多元化。随着生活水平的提高剪纸艺术应不能只停留在纸张之上，金属、木材、玻璃等都可以成为剪纸艺术的材料。在古代，屏风就是非常典型的代表，通过雕刻图案，表达出一定的寓意，最后呈现给顾客。在当今社会，人们生活水平的提高，越来越多的人开始享受生活，将剪纸艺术的材料多样化是现代艺术运用剪纸艺术的必然趋势，将越来越多的艺术作品被引进千家万户，不仅增添了经济效益，还使传统艺术走进家家户户，得到弘扬。
6结语
传统剪纸艺术蕴含着丰富的传统文化和民族精神，我们不仅要保护还要发扬传统艺术，让它们走向全世界。本文通过描述传统剪纸艺术的文化背景、发展历史、剪纸艺术的特征以及艺术美，提出了剪纸艺术在现代艺术中运用。将传统剪纸艺术运用到现代艺术当中，有利于提高现代艺术设计水平，提升当代人民的审美层次。现如今文化的发展致使各种的流派风格层出不穷，传统艺术也应适应时展，吸收先进的经验与技术，从而在当今社会得到大范围的发扬。
作者:何雨声 单位:淮北职业技术学院
参考文献：
［1］黄腾.剪纸艺术在现代服装设计中的应用［J］.艺术科技，2016（12）：137.
一、剪纸艺术的文化内涵
作为一种喜闻乐见的艺术形式，剪纸具有群众性、地域性特点，在全国各地形成了不同的地域流派，但总的表现技巧和制作手法是一致的。首先，剪纸的形象都是人们日常生产劳作中常见的事物，并且将这种物化的意象以全新的形式排列组合形成新的寓意，通过合理夸张变形，形成“以象寓意”、“以意构象”的视觉效果。传统剪纸艺术主要寓意喜庆祥和，表现人们祈求丰衣足食、多子多福等美好意愿。一些常见的事物被赋予全新的定义，比如石瓜果、葫芦代表多子多福，公鸡啼鸣代表金鸡报晓，桃子代表健康长寿，喜鹊代表幸福美满等。其次，剪纸艺术具有“弦外之音”的意境美。一些符号化的意象可以传神、写意地表现出超乎画面之外的深远意境，具有很高的艺术价值。比如剪纸作品《春江花月夜》就生动描绘出“暮鼓送斜阳，箫声迎圆月”的悠远诗意画面。最后，剪纸艺术的布局结构对称性很强，整体和谐完整，具有“千刻不落，万剪不断”的剪裁特点。
二、剪纸艺术在现代艺术设计中运用的可行性
现代设计奉行“功能决定形式”、“少就是多”的的设计原则，在符号识别上尽可能地讲求洗练，突出功能性。发迹于欧洲的现代设计是实实在在的舶来品，如果在进行现代艺术造型设计时，仅仅狭隘地从字体、抽象图形等方面着手，难免陷入信息感强、枯燥死板的弊端。而剪纸艺术具有浓郁的中华传统文化格调，剪纸艺术的对称、平视、均衡、简洁等表现手法与现代设计在某些方面不谋而合，所以越来越多的设计师创新了设计理念，尝试着将剪纸艺术这一中华传统工艺元素融入到现代艺术设计中去。
三、剪纸艺术在现代艺术设计中的运用分析
剪纸作品所独特的纸感、刀味具有民族艺术色彩，夸张的人物、花草、动物造型把静止的平面图案变得活灵活现，富有生机。比如剪纸图案中用牡丹花来装饰瓦片，用莲花来装饰鱼鳞等。现代设计领域充分借鉴了剪纸图案的原型，在企业商标、服装造型、动画卡通制作、产品包装设计等方面都有广泛深入的运用，为现代设计注入了一剂鲜活的传统血液。
（一）剪纸艺术在企业LOGO中的运用
企业LOGO是现代设计应用最广泛的领域，在现代设计中，艺术积淀丰厚的设计者往往借力于中华传统文化来进行变形和二次创作，以达到中西合璧的效果，赋予抽象图形崭新的含义。韩美林先生设计的国航公司标志的灵感来源就是剪纸中的凤凰（如图1）。在中华传统文化中，凤凰代表高贵和飞黄腾达，用腾飞的凤凰形象既赋予了国航中华传统文化的企业辨识度，又表达了乘客坐上国航就会飞黄腾达的寓意。并且剪纸的凤凰是特有的“喜相逢”结构，喜庆祥和之感喜上眉梢，给高空中的商旅增添一份安定；门德来先生设计的东亚饭店LOGO把企业缩写“EASTASIA”中的“EA”两个字母用剪纸艺术中的水波纹样构成“X”的象形字母，一方面暗示了东亚饭店的所在地为西安，另一方面，水波纹样的循环往复、连续不断寓意着东亚饭店的生机活力和与客户绵长不断的友谊。
（二）剪纸艺术在形象设计中的运用
现代设计对剪纸艺术的运用除了企业标志设计外，还延伸到了服装形象设计、卡通动画设计等方面。比如南京博物院历史陈列馆举办的剪纸服饰表演就是一场别开生面的剪纸服装秀。剪纸艺术中的“牡丹富贵”“、喜上梅（眉）梢”、“蝶恋花”、“戏剧脸谱”等二十多套花色、图案插上想象的翅膀，摇身一变成为模特身上的衣裙、挎包、T恤及各种日常用品。再到近两年春节播出的央视节目《一年又一年》就是用三维技术让平面的剪纸艺术活了起来，极富欢乐喜庆的韵味。而春晚节目《中华全家福》中的剪纸图纹舞裙，更是充满了传统贺岁的吉祥气息。
作者：宋伟 单位：中国政法大学
关键词：CG艺术，数码图形技术，艺术设计
在计算机技术发展、个人电脑普及的今天，数码技术与艺术设计的结合已经成为不可阻挡的趋势，既是应艺术设计发展的需要，也是数码技术发展提供了可能。数码技术从诞生到发展成为现代艺术设计的主要表现手段，使现代艺术设计的形式更加多样化，一种新的艺术门类——数码艺术（CG艺术），在艺术设计领域中逐渐占有重要地位。
一、CG艺术的产生
CG艺术也称为数码图形艺术，原为ComputerGraphics （电脑图形）的英文缩写，通常指的是数码化的作品。现在CG的概念正随着应用领域的拓展在不断扩大。如今的CG一词，既包括技术也包括艺术，几乎囊括了当今电脑时代中所有的视觉艺术创作活动，如平面印刷品的设计、网页设计、三维动画、影视特效、多媒体技术、以计算机辅助设计为主的建筑设计及工业造型设计等。国际上习惯将利用计算机技术进行视觉设计和生产的领域通称为CG。
CG艺术起源于计算机图形技术在艺术设计领域的拓展。发表论文。1962年，美国麻省理工学院的苏泽兰发表了名为《画板》的博士论文，正式提出计算机图形学（ComputerGraphics）这一概念，奠定了计算机图形技术发展的理论基础 。随着计算机技术的发展，个人电脑逐渐普及，数字艺术软件功能也日益强大完善，各种具有强大图形处理能力的绘图软件成为艺术创作的工具，同时，围绕计算机涌现出诸如扫描仪、针式打印机、喷墨打印机、激光彩色打印机、数码绘画笔、胶片记录仪等众多周边技术设备，更加有力的促进了数字与艺术的融合与发展，逐渐形成自身独特的视觉表现语言，CG艺术这一形式开始进入到古老的艺术殿堂。
二、CG艺术设计的优势
数码设计是靠信息（数据）处理的原理，以计算机为平台的艺术设计，借用高科技手段传达设计师的设计思想。传统设计主要是指利用传统绘图工具，传达设计师的设计思想。通过比较可以看出数码艺术设计具有传统设计手段无法比拟的优越性：
1、造型准确，效果逼真；
CG艺术既可较为真实地表现客观事物，也可表现人们幻想中的世界和理想化的形象，还可把表现形式从二维空间的平面上扩展到三维和时间维，使画面呈现出强烈的立体感并富有意境和美感和震撼力。在设计创作中，常常需要将所构思的设计造型准确而逼真地表现出来，以表达其设计意图，并作为对设计方案进行比较和征询意见的依据。表达设计意图的手段有效果图和制作模型。效果图的准确性和真实感比一般绘画要求高，一般不能带有随意性和艺术上的夸张表现手法。早期的效果图需要专业的美工设计人员进行手工绘制，由于绘画本身的限制，很多表面和内部细节都无法清晰的展现出来，而用电脑绘制的效果图可以对个别部分进行独立地修改，由于其相关软件日趋完善，使创建出的效果图更接近于真实效果，使其在具备实用价值的同时还具备艺术价值。
2、修改方便
数字化图形技术制作的效果图便于修改，可以在建模到成图的过程中，进行造型、色彩、质感等方面进行反复修改。这样既有利于设计师优化设计方案，也有助于多角度地展示设计构思和表述设计。
CG设计对于摄影、摄像方面来看则解决了大量拍摄之前制作众多的道具以及传统的后期制作的诸多烦恼，即节省了大笔的拍摄费用，实现了过去难以用摄影技法完成的甚至难以想象的设计创意，极大地增强了广告的表现力和艺术感染力。它可直接在电脑上形成多种设计方案，经审定后作进一步的修改和调整，甚至可以反复修改，完成多套设计方案。它能使设计者与客户之间的交流变得更为便捷。
3、易于复制和保存
CG技术的另一优势便是“复制性强”，设计师可以将稿件精确地复制，并且可将设计好的文件保存为模板，对那些内容相关的设计直接在模板上更改即可完成精美的再创作，可大大地节约时间，这也是传统设计所欠缺的。
4、图库、模板的使用极大地提高设计效率
在经济高速发展的时代，设计的效率就意味着生存，特别是在一些竞标活动中，尽快地完成设计任务成为最关键的问题。发表论文。传统的设计方式只能冲头开始做，而是用CG进行设计就可大大节省时间。利用软件的图库功能，把一些标准性的符号化整为零，快速完成；或者使用模板功能，对已有的设计模式加以修改，从而快速完成设计任务，极大地提高了设计效率。
三、CG技术带来的影响
随着“数字化信息时代”的来临，现代艺术设计已步入了一个高速发展的转型期。以计算机为平台的图形、图像数字艺术在艺术设计领域的地位日趋上升，特别是在网络设计、数字媒体设计、虚拟现实设计、环境艺术设计、平面艺术设计、三维数字动画艺术设计、多媒体艺术应用设计等领域成了不可缺少的工具。而设计的背景如人文、社会和商业都在发展与变化，新技术和新媒介的产生都影响着设计。
CG技术为艺术设计带来了全新的艺术表现形式。CG技术为人们提供了强大的处理视觉形象的媒体和技术，给人们展示了一个新颖的视觉天地，为设计师提供了一种全新的艺术表现形式和空间，开拓了艺术家创意的潜能。不仅如此计算机图形还可以产生种种特殊效果，提高设计表现力和工作效率。
CG技术为艺术设计带来了新的设计理念与认知方式。数字化图形技术的发展要求设计师重构新的设计理念与认知方式。在人类文明史上，“笔”曾经是人类认知客观世界的重要手段。在笔的时代，设计艺术主体的认知的手段主要是靠书写或印刷。用笔的过程实际上是设计师对自己的创作对象的观察、概括和传达的过程。CG技术的发展改变了人类的生产方式和生活方式，从而影响到人的认知方式。从“笔”到“鼠标、压感笔”就是设计艺术主体重构自己的认知方式的过程。
CG技术的发展给设计师表达设计意图提供了新的平台。随着计算机技术的发展，计算机硬件配置越来越适合处理高质量的图像。计算机成为数码图形制作中重要手段和强有力的载体。辅助电脑设计的诸多软件已成为艺术设计学习与表现的主流。数字化绘图软件能把复杂的四维空间形象绘制在二维空间。设计者可以运用数字化绘图、数字化三维动态等手段，更加真实地反映室内外空间状态及构造、装饰材料的质感及光影。
结语：
尽管数码技术的快速发展大大地丰富了我们的表现手段，但是在令人震撼的数码特技效果后面，更重要的是我们的想象力和创造力。我们不能够盲目的依赖电脑，没有好的创意在里面，CG技法再熟练，制作的特技效果再绚烂也不能称作好的设计。“传统设计”虽然从技术层面上不及“数字设计”的精确，但它是一个历史时期的必然产物，是“数字设计”的必经阶段，CG目前无法代替传统手绘的地位，也不可能代替传统手绘。不论是传统手绘技法还是CG技术，都应成为完成整个设计过程的一个重要环节和必备条件，它贯穿在整个设计的全过程之中，在不同的设计环节，实现着设计师的设计理念和设计方案。这就是CG技术在艺术设计表现技法中应用的根本目的。
正确的认识传统艺术和CG艺术的关系.有助于我们正确认识CG艺术。CG艺术是新生事物，是今后艺术和技术发展的主流，它无损干传统艺术.只会使传统艺术更健康的发展。发表论文。用传统艺术，尤其是民族的文化艺术来丰富CG艺术的创作，会弥补CG艺术创作中文化内涵的不足，解决数码艺术在创作中存在的过分注重视觉化表现的问题。
【摘 要】今天，我们面对不断发展的现实世界，以及国外的各种艺术思潮对中国传统艺术带来的冲击，新思想、新观念的不断涌现。如何认识传统绘画造型艺术与现代艺术设计的关系，成为当下设计应认真研究的课题。如果完全背离传统艺术形式，一味模仿西方的现代艺术，惟西方现代艺术马首是瞻，简单地挪用西方现代艺术形式，将使我们的艺术丧失民族的个性。
【关键词】传统绘画艺术 现代艺术设计
从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。
远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。
现代艺术设计它不同于架上油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，集中概括的设计已逐渐成为主流。为了达到这个目的，现代艺术设计往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节、细部，甚至背景，并可以把各个不同的比例，把在不同时间、空间发生的活动组合在一起。并运用象征手法，启发人们的联想。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国绘画讲究构思上的“以一当十”、“以少用多”，构图上“计白当黑”等审美追求能为平面设计师提供大量的营养。这已经在我国艺术设计中得到充分体现。如香港著名平面设计大师靳埭强，创作了大量文化招贴。他认为，美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神：创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。这实际上强调的也是老庄的哲学思想，也是中国山水画的表现意境。他的许多作品都无一例外地体现了中国传统文化的精髓，并融合西方现代设计的理念，其招贴设计《自在》系列运用了中国的水墨画技法，又融合了现代技术的特殊肌理效果。“水—生命—文化”招贴图形作品，更构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。2008年的深奥标志也可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间的写意手法，恰到好处的传递出“中国结”和“运动员”两个意象。
中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，我国篆刻艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上相对的原理，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、多样统一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。此外，远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻等，特别是中国画，巧妙的运了用白底的匠心。民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白关系、明代木刻插图的疏密聚散、都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。西方传统艺术，基于几何学空间观念，从模拟生活现象入手，借以展示作者的创作思想。中国艺术家则以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼，概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华，是沉淀了内容要求的形式之美。正因为如此，它才具有无穷的生命力。艺术家随着时代的要求，赋予它新的活力，常用而常新，这种程式化的处理在我国招贴画的装饰性形象处理上，也常得到应用，显示了夺目的光彩。齐白石曾提出“作画妙在似与不似之间”的著名论断，我们的一些招贴画，就“似与不似”的观点来考察，很多形象显然不是生活的简单模仿，而是由复杂到单纯，由繁杂到简洁的可贵提升。靳埭强招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形设计，也充分显示了这种文化精神，萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。陈幼坚包装设计作品“奇礼”，靳埭强包装设计作品“双妹花露水”。设计者对中国的文化传统有深刻的理解，对中国传统观念在设计中的应用挥洒自如。由于艺术设计的特征，决定了装饰色彩在设计画面上所起到的作用。装饰色彩具有一定的主观性，宋代苏轼曾画朱竹，有人责难他，难道有红色的竹子吗？他反问：难道有黑色的竹子么？意思是既然大家对“墨竹”习以为常，为什么不允许画朱竹呢？这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。但这种主观想象不等于主观臆造，装饰色彩同样来源于生活实践，同样需要从客观事物中吸取营养。这正是包装画面所刻意追求的。“意足不求颜色似”说明了这种关系。人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到启发而创造出色彩绚丽的装饰效果。装饰色彩的主观性使某些联想，将自然景色“拟人化”。传统中国画中也经常把荷花画得红艳艳得，荷叶只用淋漓得水墨，面对这些形象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。在艺术设计作品上，常常也有这样的例证，一张蓝色的画面，上面画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。
20世纪初,在欧洲和美国相继出现了全面的、革命性的和彻底的现代艺术运动和现代主义设计运动,在艺术设计发展史上有着巨大的影响。现代艺术作为20世纪以来占主导地位的艺术形态,它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主,而是体现艺术家个性的观念和形式语言,并且形成了许多艺术流派,一个时期以某种艺术流派为主导。二十世纪上半叶,最具代表性的现代艺术是立体主义。它颠覆了古典艺术"真"的原则,即彻底放弃了空间透视的方法。主要艺术家有毕加索。二战后至今,现代艺术主要是沿着达达主义的轨迹前行。它彻底否定了传统文化,是反艺术。主要艺术家杜尚。其影响一直到今天的信息时代。其它流派还有野兽派、未来派、抽象主义、超现实主义、波普艺术、照相写实主义等,都是从不同角度和层面对传统艺术不同程度的否定。
无论何种艺术形式,它所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征,都是艺术家对艺术表现形式的探索。而服装设计与人们的社会生活密切相关,着装体现人的精神状态和内心世界,具有时代气息,现代艺术对服装设计的影响也是巨大的。
二、现代艺术对服装图案设计的影响
(一)抽象的几何纹样
抽象的几何纹样受抽象派画家观念的影响,以直觉和想象力为创作的出发点,仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上,打破了绘画必须模仿自然的传统观念。二战以后,由抽象观念衍生的各种形式,成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。
抽象绘画可分为两种类型,一种是通过对自然物的概括与提炼所创作的抽象绘画,带有浪漫色彩。另一种是用单纯的点、线、面、形体与色彩构成的抽象绘画,比较理性。这种艺术形式最具装饰性和图案特征。如荷兰风格派的主将蒙德里安的创作,他利用垂直水平结构和原色矩形色块的作品,简洁却蕴含着严谨而复杂的结构关系,虽是装饰性的,但具有深刻的哲理,使得许多人产生了精神共鸣。
服装设计师也直接采用了蒙德里安的语言,这种影响直到今天还存在着。抽象派美术对现代装饰艺术和图案艺术影响广泛,使得印花织物的纹样处理呈现崭新的特点,随意的抽象的几何纹样取实的精致的花卉纹样而广泛流行。
(二)平面构成纹样
平面构成纹样的产生源于包豪斯的构成理论,以点、线、面、体来高度概括复杂的事物,将几何形体进行理性的排列,构成新的艺术形像。这种平面构成纹样被广泛运用于染织图案中,并不断推陈出新。如男式衬衣的印花图案就是比较典型的平面构成纹样,以极小的几何图案重复并且有规律的进行排列,形成大面积的几何形态,不仅男士衬衫上会应用平面构成纹样,T-恤,领带,围巾等也有平面构成纹样的应用。
(三)欧普纹样
欧普纹样来源于欧普艺术(optical art),又称为光效应艺术、视幻艺术或视觉艺术,在60年代流行于欧美。
60年代以前,布料上的织纹图案仅限于苏格兰格纹、千鸟纹和人字纹等传统织纹。60年代,纺织和印染技术水平有所提高,再加上欧普纹样比较便于拷贝和复制,使得欧普纹样广泛应用于服饰品设计,掀起时尚界的革命。
因此,欧普纹样应用在服装、丝巾、领带等服饰品上会产生一种时尚前卫的着装效果。另外,欧普图案所产生的视觉错觉还能达到修饰、雕塑身材的目的。如07年秋冬季,以60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼等设计师品牌,相继推出采用类似欧普艺术手法的服装。英国知名时装设计师亚历山大·麦奎恩、日本时装设计师川久保玲(Comme de Garcons)和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等。
(四)立体派纹样
立体主义开始于1906年,由乔治·布拉克与帕布洛·毕加索所建立。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式,形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。它追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感,探索画面结构、空间、色彩和节奏的相互关系,在造型和表现上突破了时空限制。
立体派纹样应用于服装面料的印花设计中,使平面的布料仿佛具有立体感,赋予服饰品独特的美感,采用这些图案设计的服饰大有毕加索之风。这种纹样的融入使着装者洋溢着充满时尚的气质,在当时的欧美社会一度流行。
(五)野兽派的杜飞纹样
杜飞应用印象派和野兽派的写意手法,吸取马蒂斯绘画的装饰风格,线条质朴简洁,花卉图案形像夸张变形,人物动物相互交错,豪放粗犷,流畅自然,具有创造性、装饰性,后人把这种写意花卉图案称之为杜飞纹样。时装设计师利用杜飞纹样体现服饰设计作品的独特灵魂,体现一种自然美、野性美,利用流畅飘逸的线条结合服饰品的造型,生动而鲜活地突显出服饰的独特魅力。
(六)迪斯科纹样
迪斯科纹样的命名源于迪斯科音乐和舞蹈,迪斯科纹样有着迪斯科般的风格特点,新鲜、多变、富有活力。迪斯科纹样最初来源于美国影片《星球大战》,大多是描绘星系和宇宙的主题,超人、外星人、天空流行等图案,后来,迪斯科纹样采用抽象派巨匠康定斯基和西班牙画家米罗的绘画作为服饰面料的图案,从两位大师的艺术中汲取营养,平铺色块,流畅潦草的线条,强烈的对比色,用干笔在纸上一蹴而就,挥洒自如,当然,印有迪斯科纹样的服饰品也会被赋予迪斯科个性,给人以富有活力、浪漫、新潮、潇洒的视觉感受。
三、现代艺术对服装材料设计的影响
20世纪的女性追求独立,彻底抛弃了紧身胸衣,喜欢式样简洁,有综合功能的服饰,由蕾丝、花边、丝绸面料组成的内衣问世时,曾引起轰动,有人称它为“内衣革命”。现代服装设计越来越注重材料的开发性应用。然而在二战之前,服装设计基本上以款式、结构和造型的变化为主。50年代的蓝色丝缎晚装。极其轻柔的面料,被称为“女人的肌肤”。20世纪,人们越来越关注面料,有句名言:仅次于情人的,是好的布料。到二十世纪六、七十年代,一些设计师开始以材料为出发点进行服装设计,如1966年拉巴尼设计了以仿金属片链接的时装,七十年代后“面料魔术师”三宅一生作品的面世,都给了服装设计界以巨大的冲击。到八、九十年代,材料逐渐成为设计师关注的焦点,并形成了一些共识。
四、现代艺术对服装廓形设计的影响
战争改变了原有的社会价值体系,也将19世纪浪漫主义风潮打破。现代西方服饰逐渐去除了大量不必要的装饰,越来越强调其功能性,服饰变得简单、实用。随着女权思想的逐渐成熟、普及,女装与男装之间的差异日渐缩小。随着20世纪下半叶年轻风潮的兴起和大众审美标准的变迁,服饰流行日益多元化、平民化。
1、20世纪20年代:永远的经典——可可·香奈儿“现代主义”设计师追求人与机器之间的一种和平共处,在追逐机械化、现代化的同时,女性的束缚也被逐渐解除。20世纪20年代,年轻的法国女时装设计师可可·香奈儿,以她简洁的日常服装、运动装、便服和度假服装,将女性从束缚中解放。她推出直线型男孩儿式的轮廓和新潮的短发,提倡背肩包与针织品套装,她把晚礼服“法定”的拖地长裙缩短到与白日服一样的长度,尽可能使造型朴素、单纯化,她教给人们如何用人工宝石来装饰自己,把服饰品的装饰作用提到首位。
她提供了具有解放意义的自由和选择,让女人也可以穿裤子将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。香奈儿设计时装追求实用,推 动了服装设计新概念,对现代女装的形成起着不可估量的历史作用。
2、20世纪30年代的服装廓形:斜裁女皇——玛德琳·维奥内特
20世纪30年代早期的光滑轮廓与"现代主义"秩序井然的线条相和谐,这可以在不少设计师的作品看到,如玛德琳·维奥内特的斜裁真丝缎子的紧身女装,巴斯博物馆两件藏品的其中一件是1934年的拖地长袍,裙子的上半身是蕾丝褶皱紧身胸衣、飘逸的绸缎轻盈地从肩上泻下,下半身是招牌式垂坠长裙,腰间饰以褶皱。
维奥内特的设计强调女性自然身体曲线,反对紧 身衣等填充、雕塑女性身体轮廓的方式,有“裁缝师里的建筑师”、“斜裁女王”的称号。在大师一生的作品中,“古希腊女神式”的斜裁和皱褶垂坠连衣裙是她设 计中的经典代表。她打破了之前打版制样的裁缝传统,而直接将布料或垂挂或缠绕在身体上进行裁剪,利用衣料的自然垂坠使得时装如第二层肌肤般轻盈飘逸,勾勒 出女性流动的曲线和曼妙的体态,皱褶则是这种剪裁方式 所衍生出的特有细节。
但这些最终都被更精心制作的轮廓所替代,到了这10年结束时强调肩部、掐腰和连身的裙子更加坚定了新浪漫主义设计倾向,并预示了战后“新外观”的出现。
【关键词】环境艺术；现代设计；意识培养
随着我国改革开放不断深入进行，推动了我国经济发展，使得人们的生活水平有很大的提高，人们对环境的重视程度也在不断加深，人们现在已经开始将环境的质量与艺术结合起来，同时也将其与人类的未来发展结合起来。环境设计意识对于环境设计艺术来说十分重要，只有环境艺术符合了一定的科学性，在一定程度上才能推动人们环境意识的不断发展，这二者发展过程在一定程度上不断推动着人们环境的发展，这二者在发展过程中必然有着很大联系。
一、环境艺术中的现代设计意识分析
环境的基本概念主要就是指人们所处于的外部空间，但是就进入环境这个内涵中来看，环境就是一个比较综合性的概念了，这其中主要包含了空间、道具等外部因素与心理等内部因素。环境意识是现代化的产物之一，这是随着人们对于环境深层次的理解，环境的意识在一定程度上可以使人们有意识地改造社会，促进社会发展，这样在很大程度上也使人们对环境的要求越来越高，在这个发展过程中，主要是人们对建筑要求不断发展的历史，这是现代化不断成熟的标志，在很大程度上促进了人类意识飞跃。传统的建筑空间形态没有办法适应现代化的发展需求，需要比较先进的环境意识来使现代化的设计更为复杂化，在一定程度上也就需要新技术与手段来完成。在当前社会中，人类社会环境遭到一定破坏，高速发展的城市化使人们的生活缺少一定的人情气息，自然资源在发展过程中也在不断减少，能源遭到破坏，信息化的时代给人们带来更多视觉与听觉方面的污染，人们对于环境的破坏已经达到一定忍耐限度，这使得人们不得不对生存环境进行一定的思考，人们对环境的概念，对于环境的保护等方面的重视程度不断加深。环境艺术在这样的环境中诞生，环境艺术在现展中才具有真正的意义，这是把自然与人工结合起来应用到物质与意识空间之中，这是一种综合性群体性的存在。
二、环境艺术设计教学中现代设计意识的培养措施
我国当前对于环境艺术设计的应用其实并不长，主要是新中国成立之后才开始的，在一定程度上借鉴了西方国家的经验，并与我国实际情况相结合发展起来。
（一）充分尊重“以人为本”的思想
现代社会中，需要重视培养“以人为本”的思想，最新的建筑设计课题要求采用合理方法来保证设计可以取得一定的成功与突破，在一定程度上可以更好展现人性，符合人类要求。设计过程中需要充分从“人”的基本需求出发，这样在才能够使设计具有一定的价值，具有一定的实际应用性。
（二）与生态设计结合
一般来说，环境艺术在设计过程中包括了建筑方面的设计，规划设计等，这些简单个体没有办法离开特定自我表现，需要与环境协调，可以避免破坏原有的环境。在环境艺术设计过程中需要进行整体格局的把握，在一定程度上才能够使环境艺术真正融入到环境当中，还需要充分考虑到生态原因，而不是追求设计手段，需要迎合人们对于自然的追求，这样才能够形成一个环境艺术设计与生态设计循环的系统，让人们向生态型的方向来发展。
（三）利用数字化技术
环境艺术的主要目的就是满足社会需求，在发展的道路上不断形成设计方案，其中，数字化技术对环境艺术领域发展起着重要作用与影响，现代化的技术发展使计算机技术成为环境艺术设计中的主流工具，导致了各种数字化的方式成为一种趋势，有利于缩短设计周期，同时可以降低设计成本，进而实现个性化。在当前时代，环境艺术设计需要与技术相结合，有利于环境艺术设计教学的改革。
参考文献：
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