时间：2022-02-15 01:16:36
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇美术艺术欣赏论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
论文摘要：如何进一步重视学校艺术欣赏教育和怎样采取行之有效的办法开展艺术欣赏，本文就此给出了艺术欣赏的评价标准，并指出需要我们去努力创造顺应时代要求的科学艺术，借界的魅力，提高学生整体的审美素质。解决在学校艺术教育实践中存在的相关问题，转变艺术欣赏的教育观念，让学生感受艺术世界的魅力，提高学生整体的审美素质。
当前，学校艺术教育的发展十分迅速。特别是中小学艺术教育的改革形势喜人，加大了艺术欣赏内容的幅度，高中艺术欣赏课的开设增补了中小学艺术教育在高中阶段长期匾乏的空白，而高等院校开设的艺术课程门类多达数十门，其内容涉及音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视、书法、摄影、美学、文艺理论等方面，为学校艺术教育体系的逐步建立和完善打下了坚实的基础。从而把艺术欣赏放到了学校艺术教育的前锋，担负着能适应21世纪发展的具有创新能力和实践能力及综合素质能力强的新一代的重责，如何进一步重视学校艺术欣赏教育和怎样采取行之有效的办法开展艺术欣赏，解决在学校艺术教育实践中，艺术欣赏内容的丰富与教学课时的稀少，艺术欣赏形式的多样与教学方法的单调等充满种种矛盾的艺术欣赏教学现状，找出能够有效解决这些矛盾的途径和办法来改变它，使我们的学校艺术欣赏教育真正短时高效，丰富多彩’，这就需要我们去努力探讨能顺应时代要求的科学的艺术欣赏教育观念。
一艺术欣赏是实施美育的重要途径
一些地方存在着重技能，轻审美和创造能力培养的倾向，重视少数尖子，忽视面向全体;重视比赛，忽视教学艺术欣赏就成了薄弱的环节，违背了素质教育所倡导的基本性和全面性原则，严重阻碍21世纪全民族的整体的审美素质的提高。
有专家预言，艺术产业将成为21世纪的支柱产业之一，为适应21世纪产业发展新形势的客观需要必须通过学校美术欣赏教育对学生实施美育，促进学生全面发展，陶冶情操，提高素养，开发学生的创新意识和创新能力。李岚清同志在全国教育工作会议总结讲话中强调指出，要重视美育，不仅小学、初中要开好音乐、美术等谦握，高中、大学也应开设艺术欣赏课，教会学生欣赏音乐、舞蹈、戏剧、美术、书法等。
“对美的感知和理解，是审美教育的核心，是审美的要点。”通过学校艺术欣赏教育这一具体形式，唤起人们的美感，能正确的理解美和感受美，从而为创造美打好基础。
二艺术欣赏是认识世界的有效方式
艺术欣赏是在接受艺术中经过玩味、领略、产生喜悦爱戴之情。在开放.的艺术博物院，一个个画展，一堂堂艺术欣赏课中，让学生在漫漫的艺术长廊中流连忘返，品味在人类文化宝库中蕴藏着数不尽的艺术珍品，感受艺术世界的广阔无限，从艺术的解放去认识一个时代或者一个国家的人民为了人类自身的发展而取得的巨大成果，例如欣赏彩陶，可以让我们认识到“历史的人类童年时代”。正如别林斯基说的，人们认识世界通过两种途径，一是科学的，一是艺术的，早在三十年代，鲁迅先生把德国杰出的、为无产阶级大声呐喊的女性艺术家坷勒惠支的版画作品《面包》介绍给国人，通过画中处在历史重压下，为捍卫劳动者而献出自己一切的伟大的母亲形象，产生强烈的社会反响，从而使欣赏者达到对世界最深刻的认识，扩大生活的视野。在艺术作品面前感受美，在艺术强大的魅力牵引下，去感慨一个时代或者是一个国家、地区文明发展的程度。
三艺术欣赏以情感介入为重要标准
欣赏中国花鸟画，认识一个人的情绪、意识，进而体会一个时代的一代人的命运方面往往有更形象的“历史”内涵，明徐渭墨葡萄，作者“笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”的情绪和点点泪痕般的墨叶，使欣赏者在伤口的形式技巧的审美之外，进一步体味到作者凄苦的命运和倔强的个性，对那一个特定历史条件下的民族意识，以及封建专制下的平民的命运有了更深一层的认识。艺术考核教育的重要特点，以情感人，以情动人，起到教化的作用，在艺术欣赏过程中，欣赏者只有对艺术作品中所蕴含的情感有了自己的情感体验，达到了“共鸣”，才能使艺术品的存在具有价值，才能使艺术美作用于人的感性、情感，在“潜移默化”之中接受教育，不知不觉的影响着人的情感、趣味、气质、情操、胸襟。
随着思维科学的发展，科学家日益认识到，人的创造性思维的形成，正是建立在逻辑思维与形象思维统一的基础上，科学与艺术是不可分割的，它们共同的基础是人类的创造力，它所追求的目标就是真理的普通性。艺术通过欣赏作用于人，使人产生情感的共鸣，心灵的震撼，激发和强化了人的创造冲动，利于培养和发展人的审美直觉和想象力，比智力更具有功效。
在旧的艺术形式不断翻新，新的艺术形式迅速涌现的今天，只有以情调动学生的全部的艺术审美感官，方能收到事半功倍的教学效果，让学生以点带面，拓宽学生的艺术视野，了解更多的艺术形式，领悟各种艺术形式的无穷的艺术魅力。
四艺术欣赏以个体感受为评价标准
21世纪对全民族素质的一项重要要求便是提高整体的审美素质水平，.针对学生而言，则指，使我们的学生在生活中爱美、求美，有健康向上的审美情趣和丰富的审美经验，有较强的感受美、欣赏美和创造美的能力，这就不能沿用旧有的“优、良、及格、不及格”等作业评价或用所有学科共用的“百分制”来抽象评价每一个学生的实践结果。应重视非智力因素的培养，要有利于艺术的个性发展，对艺术欣赏评价的改革应首先注重艺术的这种个性发展，对每一个学生的实践都给予极其个性化的评价。
“皮格马利翁”的心理效应在这种评价方式中得到淋漓尽致的发挥，如“你挺有创意”、“你的观点不错”、“你的想法有意思”……，这种建立在对每一个学生充分尊重其个性发展基础.上的评价方式，能让学生感觉到教师的关注和期待，回报的是他们信心百倍，能让学生积极地参加每一次的美术欣赏实践活动，让学生接受一种较为客观的评价态度，体会美就在我的眼前，我的心中。
一、审美体验为主，“双基”教学为辅
美育具有形象性和愉悦性的特点，高中欣赏课的主要精力便应放在为学生创造优良的条件使他们尽量多地“看”到优秀美术作品。除教材中的复制品以外，还要用大幅挂图启动学生审美的眼睛和心扉，有条件的学校更应该充分发挥电化教育手段的直观性宏观感。美术课程是与社会生活相联系的，现在已向图象时代转变，数码媒体艺术方便普及，新媒体艺术主要体现在：创新，新技术，新的思维方式。它对学生的吸引力是非常大的，例如Dv就是些很好的工具，用DV可以感受到一些不同的东西，有一些新的思考，奇想。还有电脑绘画可以模仿各种绘画技能，还有一些是绘画不能达到的表现力。媒体课程对学生，未来人才有重要意义，社会进步为我们提出新的要求，我们应该多接触新的艺术形式，这要求我们美术教师要紧随社会发展，学习与美术课程相关的其他新技术、新知识。
教师的责任也绝不是依靠个人有限的美术史知识对学生进行语文或历史课式的传授知识；教师整个欣赏活动中的作用更多的应该在艺术语言(构图、色彩、线条、情感、意境等)方面帮助学生调动各自全部的文化知识、修养、生活、体验、艺术情趣、道德判断、审美理想和价值观念，让学生积极主动地对“这一件”艺术作品做出自己的而不是强求一律的视觉审美判断。这期间，教师对“必要的”美术知识，即艺术语言的掌握与熟悉程度是很重要的，也就是常说的“一桶水与一碗水”的关系。“教学目的”中的美术欣赏方法在高中全部美术课教学量中占30％的比重，按要求基本是学生自学，教师的作用是引导学生如何学习。须明确的是“美术知识”和“美术欣赏法”都必须建立在大量欣赏美术作品的基础上进行灵活的穿插式的教学，而决不可以为学理论而学理论，甚至在考核时仅仅考查学生对上述知识条文的记忆程度。
二、以启发教学为主
高中学生在分析和判断问题的能力上已经高于初中生，而且他们的自主意识已经增强。鉴于此，教师更应该采用启发式教学，“鼓励学生积极参与教学过程”，“组织学生从自身体验出发，开展对不同作品的比较和作品的评论”(见《高中美术课程标准》)。可以实行分组讨论，登台演讲，撰写论文甚至分庭辩论的方式进行别开生面的课堂教学。为了不使学生陷于无知的诡辩和纠缠于远离审美活动的烦琐考证，教师要对重点作品示范剖析，教师有必要独立地对某件或几件美术作品进行示范性的艺术分析，将“必要的美术知识”辅佐对作品的分析，让学生感受到正确的美术欣赏方法在整个欣赏活动中的保证作用，举一反三地教给学生如何判断并用审美的语言剖析一件艺术作品。
以学生发展为中心的教育观念。传统的教学比较习惯于教师中心、书本中心。在暑期远程培训第一专题的学习中印象最深的是，赴德留学的高中生谈到中德高中美术的最大不同，在德国学
生是主体，在作品中可以自由地表达自己的感情，为了充分表达
可以尝试用各种艺术手段，技法，在表达遇到困难时可以给你建
议各种方法，教师只是方法的导师，而不是灌输者，尊重个性作
业并不打分；甚至可以一学期只完成一幅自己的作品，这样深入
刻划这个感情有充裕的时间，而在传统的中国高中教学中，没有
让学生深入地完成一幅作品，只是蜻蜓点水一样过一遍就可以交
一幅作业，没有注重学习过程与学习方法，没有调动学生积极的
情感体验，只有改变现状才能调动学生积极的情感体验，培养他
们的创造性。
注重教师和学生共同发展的互动教学方式。比如广东某校的教师在进行美术鉴赏课的教学过程中采用学生自己制作课件，并由部分同学讲解教师只是适时做一些补充，学生在这个过程中发挥了自己的能动性，学生学得更主动、更积极，教师也为学生的创造性思维所启发和促进，互动教学活动将不断促使教师更新自己的教学方法。教师将是一个开拓者和创造者。
三、以情感教育为主，理性分析为辅
一切艺术语言和欣赏方法都是人类对美的事物的情感体验的总结，对艺术作品欣赏无不严格的遵循着情感体验的原则。抛弃了各个个体的人的情感活动而孤立地对所有艺术作品都划定出一个公认的评论尺度，这本身就否定艺术作品的二度创造的特征。间一件艺术作品，在不同欣赏都那里得出不尽相同甚至大相径庭的审美结论，不仅是正常的艺术现象，而且是艺术作品本身不确定性的积极的社会功能的体现。绝大多数艺术作品都是颂扬真善美的，作为教材选的艺术作品基本上都不违背这一创作原则，而县有比较稳定的判断趋向，这给学生的欣赏活动提供了易于选择的条件。但是也容易造成这样的一种误解，所有上市的艺术作品都是健康向上的，这一误解起码会引导学生在审判美判断上的惰性。而在人类阶级社会中都事实上是不断地产生着反审美的所谓“艺术作品”的，这就有必要采用比较和分析的方法，说服学生积极主动和清醒冷静的态度认真对待每一件意识形态的作品，有目的的向学生展示一部分内容不健康或形式不美的艺术品，以提向学生的鉴赏能力无疑是很有必要的。
关键词：艺术教育图书馆工作，文化音乐背景
我国艺术院校是培养艺术表演、创作和艺术教育专业人才的专业院校。艺术院校主要任务是为培养和造就具有较高文化艺术素质和专业技能的文化艺术应用人才。纵观我国的艺术院校，一般开都设有声（器）乐、戏曲（舞蹈）表演、艺术设计、动画、戏曲音乐、影视表演、音乐剧表演、主持与播音、电视节目制作等相关专业，以服务于地区的经济发展和社会发展。笔者所在的郑州艺术学校就设有舞蹈、声（器）乐、美术、戏曲表演、话剧与影视表演、民乐演奏等中原地域所需要的14个专业。论文大全。[1]学校以戏剧戏曲学学科为依托，以舞台艺术实践教育为重点，以中等专业教育为主，多学科、多门类协调发展，具有一定科技含量的综合性中等艺术学校的办学目标。多媒体教室、琴房、画室、专业练功房、排练厅等现代化教学设施，为莘莘学子演绎艺术人生起点营造出浓厚的艺术氛围。
一、艺术院校图书馆的育人环境
努力营造人才入行、深造、成名成家的艺术教育环境，是学校一切工作的出发与归宿。
1、馆藏建设
作为学校的文献信息中心图书馆，为建设艺术教育环境，在馆藏建设上既以戏剧、影视专业为主，同时也重视对文艺理论与优秀文学作品、以及美术、景观、服饰等形象资料的采集工作。如中央戏剧学院图书馆拥有馆藏中外文文献资料41.91万册（件），其中戏剧专业特别是话剧类图书、报刊资料、图片、音像资料之丰，在全国各类图书馆中尤为突出。[2] 在河南艺术职业学院的12.9万册藏书中，涉及各种与演出有关的中外历代人情风俗、河南地貌景观的形象资料比较齐全；舞台、银幕艺术、戏剧影视史话、创作技法、作品及作品评论等专业核心期刊比较系统。[3] 阅览室具体订有《中国戏剧》（中国京剧）、《剧本》、《新剧本》 《上海戏剧》、《戏剧文学》、《剧作家》、《黄梅戏艺术》、《剧影月报》、《戏剧之家.生活焦点》、《四川戏剧》 《中国音乐》、《当代戏剧》 《曲艺》等十余种戏曲类专业期刊，《大众电影》、《大众电视》、《影视艺苑.影剧版》、《中国广播》 《人民音乐》、《舞蹈》、《乐器》 《心声歌刊》、《声屏世界》、《小演奏家》、《黄河之声》 《杂技与魔术》、《美术》、《新美术》、（艺术市场）等内容涉及戏剧、曲艺、音乐、舞蹈、美术等20余种核心专业期刊，较系统地支持了学院广大师生的教学、科研和演出活动。
2、阅览室建设
围绕艺术教育环境的建设，诸多学校图书馆都在大力阅览室建设。阅读丰富人生，知识成就梦想。为实现“飞扬青春，演绎个性发展”，书刊阅读则是艺术院校青年学子的重要文化生活。同普通院校的学子一样，他们或抱着求知的需要、职业的需要，或是修身养性的需要走进阅览室，通过以品味文化、人文精神、智慧思想来引导独立思考和探索精神，以内涵为根本，进行长期的、渐近的深层次文化建设，力求给人以深刻的思想启迪。
以除了广为收藏戏剧、诗词散文、小说以及语言与文字广播、影视娱乐等有关方面的文献资料外，就是利用声、光、电技术，创造丰富的文化环境，以充分发挥其教育职能。建立“戏剧文化阅览室”，为广大师生的施教活动和学习活动提供了坚实的文献保障，同时还汲取。
二、艺术院校读者群的阅读特征——艺术欣赏
1、寓教于乐，寓学于乐
艺术院校青年学子的重要使命是继承传统艺术，开创满怀想象的艺术家生活。师承、入流和艺术创新是艺术院校学有所成的必由之路。要做到戏比天大、艺比天大，人比天大，必须以人为本。先学做人，再学做戏，是艺术院校的莘莘学子演绎艺术人生的主要起点。2007年我国沈阳地区高校大学生“当代大学生阅读行为调查”表明：选择“休闲娱乐，修身养性”的，占62.1%，远远高于其他类型的阅览特征。[4] 艺术院校的学生读书除求艺的需要、就业的需要外，就是满足修身养性、先学做人。在多媒介交互环境下，今天之大学生们的阅读习惯也发生了大的变化：已从书斋阅读走向马桶阅读，从文字阅读走向视觉阅读，从纸媒阅读走向网络阅读。从知识阅读走向娱乐阅读，通过艺术欣赏行为，寓教于乐，寓学于乐则是艺术院校读者群的阅读特征。
针对艺术学生对文学类书刊有所深爱，对所谓“休闲娱乐消遣”类书刊有所偏爱；对热点、畅销书刊有所追捧，具有明显的“功利性”阅读倾向。2005年5月，按学校领导的指示，我们郑州市艺术学校图书馆在学校专业练功房附近辟文化阅览室一间，作为我院校园文化的重要窗口之一，该室除拥有近百种有关文化、娱乐、体育及生活类书刊外，在刘校长的具体支持下，我们还添置了音响、播放设备，设置了音乐背景。该背景全天候播放名曲，烘托出浓郁的文化氛围。
2、音乐背景与心理辅导
音乐背景是指用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术，是艺术欣赏之一种。[5]在阅览室这个特定环境内，所设置音乐背景是学校心理辅导和心理健康教育的重要手段。音乐背景，即借助音乐能表达人们思想感情、反映社会现实这一功能，创造一种氛围和教育环境。音乐背景适合学校的教育环境，除能丰富青年学生的艺术想象力外，同时对于预防和治疗学生的身心疾病，调适学生的不良情绪，培养学生的健康情感和协作精神，促进学生的自我表达，开发学生的创新思维和创新能力等，亦具有非常重要的作用。[6]
二十世纪七十年代末，随着以大规模集成技术为核心的基片技术的发展，电子技剧学院图书馆称之为音像观摩阅览室，郑州购书中心和郑州经贸职业学院也有不同形式的尝试。为了做好音乐背景的设置工作，我们专程走访了郑州购书中心，就控制设备、音响设备、音箱音质，声控大小等一系列问题进行了详细的调查，在总务处的大力支持下，我们因陋就简，安装了校图书馆第一套音响系统。作为阅览场所的音乐背景，我们全天播放名曲，声音小于60分贝，优雅的乐曲始终在室内流淌，深受广大读者的喜欢。在青年学生的心理调适上取得了一定的成效。凡是在该室阅览过的人都感到非常舒服，心情特别放松。有位同学说在背景音乐下学习不困、不累。乐曲主旋律平稳，起伏跌宕自然，在这种音乐环境下学习，心情特别愉快，考虑问题思路也敏捷。在书刊阅览室设置音乐背景是新型的文化形态，属“基片文化”的范畴。
我们所播放的乐曲多是有利于读者开阔视野的曲目。论文大全。我们认为对于性格忧郁悲伤的人，宜多听如《流水》、《黄莺吟》、《百鸟朝凤》、《光明行》、《步步高》、《喜洋洋》、《情深意长》等名曲；而针对患有青春焦虑、心烦郁闷的读者，我们就播放《苏格兰小调》、《姑苏行》、《平湖秋月》、《雨打芭蕉》等乐曲。因为此类乐曲清丽高雅、节奏缓慢、情调悠然、风格雅典。有些同学情绪易怒，我们就选放一些旋律优美、恬静悦耳、节奏婉转一类的曲子，如《春江花月夜》、《平沙落雁》、《塞上曲》等。论文大全。有些同学反映晚间睡眠不好，失眠多梦，次日影响课堂听讲。我们就建议他们用MP3等工具选听一些节奏少变、旋律缓慢、清幽雅典的乐曲，如门德尔松的《促夏之夜》及我国的民月《幽兰》、《梅花三弄》、《二泉映月》等。让读者走进美丽的“悦读”世界，享受遐意的“书式”生活！
近一年来的实践，大家一致认为文化阅览室的音乐背景的设置是成功的。以民为本、和而不同、心怀天下、社会人生、乡思亲情、咏史怀古、论学品艺等。
2009年9月，为庆祝祖国60年华诞，我们反复播放由词作家乔羽和作曲家刘炽共同创作的歌曲《我的祖国》。该趣调极其优美、婉转、亲切感人。仅副歌部分而言，歌词内容和音乐形象，将前面的田园风光抒情画变为壮美的大幅浓烈的油画，将对祖国的深情怀恋升化为使人感到祖国的博大、可爱！在旋律方面，作曲家采用舒畅开阔的长音节奏弱起，使长音、强音更有气势，更富有感染力和鼓动性。[7]
在文化阅览室设音乐背景，体现了艺术信息的整体性与综合性，由单向性知识传递方式向多向性信息传递方式的立体结构转变，把审美意识教育与有机环境意识教育结合起来，为学生构建开放性的学习环境，提供多渠道获取知识并加以综合运用的机会。
参考文献
1、郑州市艺术学校主页zzysxx.haedu.cn2009-10-12
2、中央戏剧学院图书馆主页baidu.com/view/1335915hem2009-12-29
3、在河南艺术职业学院baike.com/view/1901367.tem2009-12-30
4、张岚，戴建陆.1988—2008年大学生课外阅读行为变迁，图书馆杂志，2009.（12）P：44
5、中国社会科学院、现代汉族词典，北京：商务印书馆1984.1：1374
6、张义泉，音乐疗法在学校心理辅导中的作用，韩山师范，2005学院学报（2）：80
7、贺锡德，365首中国古今名曲欣赏，北京：人民音乐出版社，2005.1.
关键词： 初中美术欣赏课 教学意识 美育
丹纳（1828-1893）在《艺术哲学》一书中曾说：“人要能欣赏和制作第一流的绘画，有三个条件——先要有教养……”[1]而早在魏晋时期，曹丕（187-226）在《典论·论文》中说：“文以气为主，气之清浊有体，不可力强而致。譬诸音乐，曲度虽均，节奏同检，至于引气不齐，巧拙有素，虽在父兄，不能以移子弟。”[2]这两种说法，前者针对普通大众，道明教养的重要性，后者指向专业人才，表明艺术修养后天习成的艰难。事实上，曹丕和丹纳都是某种程度的天才论者，但他们无意间都提出了艺术人才产生所依赖的特定社会文化环境问题。人们对自然美、社会生活美、艺术美的感受、欣赏、爱好存在差异，这种差异除个体生理和心理的因素外，最重要的是与社会文化环境相关，而个体受教育程度又是其中最核心的因素。正因为这样，在《美育书简》中，席勒（Johann Christoph Friedrich von Schiller，1759-1805）就把美育看做人的感性和理性同步发展，自然与人有机统一，使人们重获自由、和谐、全面发展的有效方式。[3]
中学美术课程，属于普及性的美育单元，而其中所涉及的艺术欣赏模块，面对身心正在快速发展、审美情趣正在培育、审美经验正在积累的教育对象，涉及面广泛，影响力较大：对个体而言，通过美术欣赏，学生的审美心理得以形成，使他们对美有一个正确的认识，学会鉴赏美，进而创造美，同时明是非、知善恶、辨美丑，向往真善美，自觉放弃假恶丑，从而使学生达到人格完善的目的；对艺术环境而言，通过欣赏学生了解不同美术作品的审美文化价值和社会价值，感受不同时代、不同民族和不同地域产生的不同类型的美术作品，认识不同文化背景下美术作品的呈现方式和文化意义，热爱本民族文化，发扬本民族文化——小到学校的美育教育，大到整个社会审美层次的提升，都有极为重要的意义。
初中美术教材中除了工艺课和绘画课，欣赏课约占总课时的五分之一，一般分为中外优秀作品的专门欣赏、随堂欣赏和参观欣赏三种类型，可以说，每堂课都有欣赏课的相应成分，但是很多教师却不能发挥欣赏课的作用，教师课堂以讲授为主，多是专业术语和理论知识，学生不能很好地理解，教师讲过后留给学生的印象很浅，美术欣赏起不到很好的审美教育作用，更不能引导学生发现美、感受美、创造美。也有教师讲完理论知识后让学生自己看课本图片，以自学为主。这样使学生对欣赏课慢慢失去了应有的兴趣。针对这些情况，我就近年来的教学实践，思考总结了一些经验，愿与同仁们分享。
一、“但丁之舟”上的维吉尔：教师的自身修养和人格魅力意识
诗人但丁在小船上之所以能领略“地狱”世界里的各种情景，离不开他伟大的导师维吉尔。“要给学生一杯水，自己要有一桶水”，这个比喻暗示了教师修养的高广度，却未道出教师这桶水如何引动学生那杯水，使其逐步自注而致满，如何让两杯水相互映照，彼此溢满且动力无穷。我以为，教师要想上好欣赏课，就要具备深厚的艺术知识修养，拓宽知识视野，不断加强自身的专业修养，使自己的水尽可能完满，厚积薄发，游刃有余地驾驭教材及课堂，然而，如何引发学生主动、自发欣赏并受益，更值得我们思考。
古今中外的美术作品，正宛然一条宽广幽深的大河，其间虽无“冥河”之险恶，但误解、不可知同样存在，接近真理的路程同样艰难。一个教师穷其一生，也无法尽数各类作品的妙处，难免有盲区，遑论让自己的一桶水日日注满。因此，立足于教学需要扩展知识面、提升修养是重要的，更重要的是发挥教师的人格魅力和引导作用。教师不是万事皆能的超人，而是和学生一道了解、体验、感受、发现、探索的同路人，其间教师能以自己的艺术修养和钻研精神打动学生，自会引发学生欣赏感悟的兴趣，学会基本方法，乐在其中。比如在欣赏董希文的《开国大典》时，教师可在与学生一道逐一领悟画家分组处理人物、色彩运用等美术内容外，还可与学生一起了解开国大典前后的国内外形势，了解画面主要人物的经历和贡献，这样，将师生收集来的各类知识综合起来，便能更进一步了解画家创作中面临的各种问题，理解作者的意图，领悟艺术创作的过程，从而加深印象。
二、以“问题”为中心：化整为零的材料意识
人类几千年的发展历史给我们留下了数不清的艺术珍品。在中学有限的课时内无法使学生全面了解这些作品，只有对作品进行筛选，突出重点，以点带面，才能完成预定的教学任务。另外，为了激发学生的兴趣、拓宽学生的视野，或增加一些欣赏内容，或组织学生一起挑选自己感兴趣的内容，或选择学生自己创作的优秀作品作为补充材料，材料无穷尽，因此，结合当地及学生实际情况，用化整为零的方法，精选一些作品进行赏析就显得十分必要。精选作品的依据和原则，是教学要解决的基本问题。对此，我们可以粗分为几个层次：
审美能力层：审美的感受、分析、表达、评价等；
作品属性层：作品内容、形式美感、风格、意蕴、商品价值等；
创作过程层：艺术家、创作环境、创作意图、艺术手法等；
传播接受层：后人的认识和评价、作品的真伪、传播效应等；
艺术文化层：作品间的联系和区别、中西方交流和异同、文化意义等；
以这些问题为中心，教师可以让学生自主探索材料，开展欣赏，而各问题之间亦存在紧密的联系，只要解决了对部分问题的理解问题，其余能力则相应得到提升。
三、参与互动：学生主体地位的实现意识
初中美术欣赏课堂教学应在“以创新精神”为核心和“学生本位”观念的指导下，打破原有教学模式的束缚，树立“开放教学”观念，根据创造性学习的需要，为学生提供开放、自由的教学环境，最大限度地提高学生学习活动的自由度，让每个学生的创造个性都得到充分的发展。新课程实践表明，在欣赏教学中采用自主、合作、探究等学习方式组织教学可以使学生的学习热情得到极大的发挥。要营造一个宽松自然的课堂教学氛围，绝不能板着面孔把美术欣赏教学变成道德训诫，让学生在轻松愉快的氛围中，不知不觉地受到艺术熏陶。为了调动学生学习的积极性，提高参与意识，我根据不同内容采用互动式和讨论式等。比如对中国古陶瓷的欣赏，教师出示器皿，先让同学眼观、手摸，亲自体会陶瓷的肌理、质感，然后让其品评。在欣赏外国雕塑的教学中，教师还可以邀请同学给全班示范罗丹的《思想者》，米隆的《掷铁饼者》等可行的形体展示，使学生乐意积极主动地参与整个教学。讨论式教学在培养学生视觉能力的同时，还培养学生的语言能力，让学生有赏而感，有感而讲，强调学生读与说的能力。教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节，特别是一些引人入胜的细节内容，如《蒙娜丽莎》神秘的微笑，古希腊雕塑《拉奥孔》痛苦的表情等，再通过生动恰当的语言描述，以此为突破口引发学生的注意力和兴趣。由于给了学生极大的自由，学生参与教学的积极性很高。
四、历史视野：多角度、深层次的情境体验意识
在欣赏教学中，学生虽然或多或少有一定的知识储备，但对古今中外，各种艺术门类、各种艺术流派的艺术特色及作者，知之甚少。特别是抽象艺术，学生不知从何欣赏，究竟美在什么地方？学生对艺术的认识和理解的过程，最初是从他们个人的角度开始的。他们认为画得“像”的就是好作品，而有些画得不“像”的作品就不好，有些看起来不“美”的作品却是世界名画，画得“好看”的作品又可能庸俗不堪。这时教师要通过讲述，引导学生欣赏，帮助学生分析、认识作品的艺术价值和社会价值。这样他们渐渐会发现艺术品的水平并不是以“画得像不像”为唯一标准的。在欣赏不同流派艺术时，教师不要从理论上空洞地介绍，而应当从上而下地引领学生体验历史情境，将不同美学观念放在不同的作品中介绍给学生。在引导学生欣赏具体的美术作品时，应该注意选取不同理念的作品，使学生认识到在艺术史上这些观念并存的局面，从而拓宽他们的思路和眼界，而不要把学生框死在一个固定的欣赏模式里。比如欣赏莫奈的绘画《日出·印象》时，就可有三种思路：一是将绘画和摄影进行对比。照片可以真实地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，超越生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现，更加接近“真实”，这就是“不求形似，而求神似”；二是拿自风景油画诞生以来的名作进行对比分析，从而让学生了解几个世纪里风景画经历了哪些发展阶段，画家们提出了哪些课题，用了哪些最主要的方法，逐步得到解决。在这个过程中，莫奈及印象派的创造性和独特性便在历史情境中逐渐清晰；三是拿中国山水画与印象派绘画作对比，从而使学生体会中西方造型观念和审美方法的异同，既能加深对具体作品的理解，又能获得整体的认知。
五、媒介之助：多媒体技术及交互功能的发掘意识
传统的美术教学缺乏有效的媒体去刺激学生的思维能力，仅靠教师所能收集的美术图片资料是有限的，现代多媒体技术显示了它的优越性，很多自然风光、世界名画，以及雕塑作品都能一一展现。当你欣赏经典名作时，某个画家的代表作及其音容就出现在你的眼前，不但可以窥见作品的全貌，还可以放大局部进行观察；不但可以将某件作品逐个观赏，还可以有选择地将一些作品观摩或打印出来。学生将陶醉在美不胜收的艺术氛围里，获取更多的知识。例如：在上民间剪纸艺术欣赏时，我将各种剪纸图片及制作过程的录像输入多媒体计算机，学生在欣赏时完全沉醉在剪纸艺术的世界里，欣赏着剪纸那种独特的美，而且通过录像了解了它的制作过程和原理。在播放媒体时，我将《高山流水》这首曲子贯穿始终，把音乐引进到美术欣赏课的教学，不仅活跃了教学气氛，而且有助于学生对美术作品的理解。而美术欣赏离不开情绪的调动，没有充满感彩的欣赏过程，必然得不到情感的体验。而多媒体教学将音乐自然地融合在美术教学的课堂上，将学生带入一个诗情画意的氛围中，给学生营造了一个美的世界。学生虽在课堂，但能打破时间、空间、地域的界限，驰骋中外，跨越古今。在绘画长廊迈步，在想象空间飞翔。当你欣赏建筑艺术时，不但可以用惯常的欣赏方式欣赏建筑物在静止状态下形成的内部构造，而且可以做动感显示，让建筑物旋转起来，欣赏建筑物的多个侧面。如此欣赏过程，好处是不言而喻的，因此，我们在欣赏教学中，必须更好地运用多媒体，使欣赏课从“老师讲，学生看、听、理解的灌输过程”变成“集声音、图像、动画、电影等融于一体的视觉理解过程”，激发学生学习的兴趣，以求达到更好的预期效果。
总之，初中美术欣赏教学作为独特的美育普及课程，要求每位教师花费心血钻研和参与，而在艺术作品赏析过程中，师生之间亦可教学相长，共同领略世界各民族优秀的文化艺术遗产，正如列维·施特劳斯在分析、欣赏了各民族艺术后总结说：“人类只是通过它们的作品才有区别，甚至才存在。就像那个生下小树的木雕像那样，唯有艺术作品表明，随着时间的流逝，在人类社会中确实发生了某些事情。”
注释：
①[法]丹纳著.傅雷译.艺术哲学[M].合肥：安徽文艺出版社，1991.第130页。
②[魏]曹丕.典论·论文.见：郭绍虞、王文生主编.中国历代文论选（第一册）[C].上海：上海古籍出版社，1979.第158-159页。
③彭吉象.艺术学概论[M].北京：高等教育出版社，2002.第61-63页。
④[法]克洛德·列维·施特劳斯著.顾嘉琛译.看·听·说[M].北京：三联书店，1996.第174页。
参考文献：
[1][法]丹纳著.傅雷译.艺术哲学[M].合肥：安徽文艺出版社，1991.
[2]郭绍虞、王文生主编.中国历代文论选（第一册）[C].上海：上海古籍出版社，1979.
关键词：高校美术；审美能力；培养
审美教学是素质教育的重要内容，加强学生审美能力的培养，端正学生审美观念，激发学生审美热情和兴趣，是新课程高校教学改革的重要内容之一。美术课程教学是开展审美教育，培养学生审美能力的重要场所，然而现阶段，受传统美术教学思路的影响，现行大部分高校美术课程教学只是单方面的传授学生知识理论、绘画技巧等，并未涉及到审美教育的相关内容。加强审美教育，有利于净化学生心灵，培养德、智、体、美全面发展的综合性人才。笔者结合多年来的教学经验，从审美文化教育特征出发，浅析了高校美术课程教学中如何培养学生审美能力。
1高校的审美文化教育特征
高校是培养和打造高素质人才的场所，高素质不仅要求掌握全面丰富的专业知识，更重要的是校园文化具有对学生心灵的净化和熏陶以及培养学生的实践能力和可持续发展能力的作用。因此，站在文化意义的角度上进行分析高校的审美教育主要有以下特征：第一，审美文化教育是构建价值取向的重要前提。随着科学技术的不断发展与提高，程序化和自动化导致出现各种技术异化现象，因此，人们的价值观念发生了变化。在高校开展审美教育，运用哲学和艺术教育方式，将人从物质化的束缚中解脱出来，促使人们能够自觉抵御功名利禄的诱惑，排除浮躁、投机的心理和情绪，使青少年意识到幸福不仅仅是充足的物质，精神文化的富裕也是幸福的表现。第二，审美文化教育有助于提高人的人格魅力。随着社会的发展，社会成员的素质在不断提高，新的文化知识时代要求必须培养与之相适应的社会性格。高校教育的目的不仅是传授学生知识，教会学生谋生的本领，同时也需要帮助学生寻找一条可持续发展的道路。
2高校美术教学中审美能力培养的对策
2．1优化课程设置。
高校美术课程设置不科学，存在美术绘画技巧教学课程、美术欣赏课程比例失衡等问题，大部分的时间都是在培养和提高美术基本技巧或者基本绘画技能，很少在知识或者意识层面欣赏美术作品，进而造成现在高校美术生由于知识层面的局限，对于美术的鉴赏开展形成极大的困难。因此高校美术教育者，应该针对这一现象，结合当代社会发展需要的人才为出发点，针对当前大学生的性格特点和心理状态，艺术修养课只能多不能少，学生质量不均衡，开设艺术修养课，能提高审美文化修养，更有利于专业技能的进步。专业课程和艺术文化修养课的课时安排比例要平衡，这样学生在感性和理性之间才能达到一种平衡状态，用感性触摸审美知识的时候，需要理性思维去坚守维护超出的感性情感，最终让学生的审美修养和专业技能紧密地融合在一起。
2．2对相关审美教育的理论课程要引起足够的重视。
日前高校美术类专业现状是重技法、轻理论，由于现状如此，有些理论老师就放弃了对学生的督促。实际上，学生接受审美教育最大的来源就是这些看似枯燥的美术理论教育，如果放弃了这些课程，等于放弃了审美教育的大半壁江山。因此，老师如何在理论课程中引起学生的兴趣，如何上好课程成为关键之关键。可以说，学生学与不学这门理论课程，跟老师的教学有很大的关系，那么，教师在教学中要尽量充分的各好课，要考虑学生的实际情况，要把课程最大限度的上到生动有趣，吸引学生。其实，通过我自己的教学经验，我认为教师还是完全有能力做到这一点的，老师的职业道德在此显现无疑。
2．3在美术理论教育的同时，要加强美术欣赏的比重，同时布置课外美术读物给学生看，并纳入考核范围。
美术欣赏是提高审美最直接的途径，通过作品的欣赏与讲解，让学生把所学到的相关理论课程中的知识要点在实践中一一对号入座，把所学消化和理解，把感性转化为理性。日前，高校的美术欣赏课较少甚至没有专门的美术欣赏课，这对于学美术的学生来说是比较严重的缺失，就学生初、高中的美术欣赏的知识来说，太过肤浅和不够，且初高中也有些学校为升学把美术课程改上其它课。因此，步入高校的美术生在这些力面是极其匮乏的，这需要我们高校教育者从实际情况出发，安排专门的美术欣赏课，并把这门课程纳入考核范围，这样才能使学生认真对待并真正起到该课程的作用。同时，应该让学生多读书、读好书，教师可推荐书目并让学生读后谈自己的感受，或以论文的形式呈现。
2．4改善教学环境，加强教师素质。
加强对中青年美术教师的培训工作，鼓励教师到国内外美术院校学习或考察，提高美术教师队伍的整体素质；制定优惠政策吸引高素质的美术教师留校任教，聘请优秀的知名教师到学校不定期举办专题型讲座，让有成就的专家担任客座教师参与教学科研，把社会和学校最前沿的科研水平汇集在一起，种在学生们的心田里，滋养繁殖。良好的教学环境会影响人的心态，在走廊、展厅、活动室、学习室等，增添美的色彩和文化。环境用之于人，也受之于人，建立一个整洁、浓郁的审美文化的校园氛围，更有利于美术教育教学的发展。
3结语
总之，高校美术教师在美术教学活动中要彻底摆脱以往“以教为本”的教学方式，把“以教为本”的教学方式改为“以人为本”的教学方式。高校美术教师在教学活动过程中要尊重学生，重视学生自身的思想意识和行为状态，因材施教，对于学生的大胆想象以及审美观点给予充分的理解和恰当的指导，这样既可以使学生的思想意识得到教师的肯定和认可，又可以提高学生的思维积极性和创作积极性，使学生大胆进行美术创作和艺术欣赏，进而提高学生的审美能力。
参考文献
［1］马桦．浅析我国高校美术教育［J］．美术教育研究．2014（02）
［2］汤进峰．浅谈高校美术教育与创新能力培养［J］．才智．2013（27）
关键词：艺术学；艺术史；艺术理论；应用艺术；学科建设
中图分类号：J02 文献标识码：A
自从国家专业目录的一级学科“艺术学”下增设二级学科“艺术学”以来，“艺术学”在全国大学院系、研究所发展甚快，至今又有“艺术学”升格为“门”的要求，原来的二级学科“艺术学”，和同是二级学科的“美术学”、“音乐学”等都将升格为一级学科。据报道，在“艺术学门”之下，并列的一级学科将是“艺术学理论”、“音乐与舞蹈学”、“美术与设计学”、“戏剧戏曲学”、“广播影视学”等五个一级学科。那么，“艺术学理论”的语意是什么?“艺术学理论”下的二级学科又应该包含哪些内容呢?作为学术问题，应当允许各人有自己的理解，本文所述，就是作者个人一管之见。
一、“艺术学理论”的“名”
俗云：“名”是“实”的影子。“艺术学理论”的“理论”一词，在“名”的概念上框定了该学科是“纯”理论。这里产生两个由“名”引起的逻辑问题。
一个是：学科上的“理论”是和“史”对应并列的关系。中国历史上的学术是“以史出论”、“以史带论”，和今天的现代学术研究要求相类。过去几十年前在向苏联学习阶段的“以论带史”的方式方法已基本不再强调了。所以，一旦设立一级学科“艺术学理论”的“名”，逻辑上就排除了“艺术史”的成份；如果在“艺术学理论”“名”下的二级学科中再设定“艺术史”，很明显，就混淆了“史”和“论”的学术范畴的区别，在学理逻辑上难以自圆。
另一个是对“理论”的理解。
众所周知，艺术离不开技艺、技术。
“理论”原本有“技术”、“技艺”层面的理论，还有“概念”、“逻辑”层面的理论，仅仅从“艺术学理论”的“名”来讲，“艺术学理论”应该涵盖上述两方面内容。但是，“艺术”不是抽象的，一旦牵涉到“技术”、“技艺”，就必然具体落实到某项艺术实践，如绘画、书法、昆曲、京剧、电影、电视等其它一级学科范畴内，艺术实践在学科上的归属性十分明确，上述艺术实践分别属“美术与设计学”、“戏剧戏曲学”、“广播影视学”，等等。更要紧的是即使“艺术学理论”是“概念”、“逻辑”层面的内容，一旦“理论”起来，也是要具体落实到绘画、戏剧、电影等其它一级学科范畴内。而且，在绘画、戏剧、电影等一级学科范畴内原本也都各有自己“概念”的、“逻辑”的内容。
在这种情况下，“艺术学”的“名”有点与“实”相错位了。即以“艺术批评”为例，试翻去年和今年出版的一些“艺术学”刊物，很多目录中“艺术批评”栏的论文其实可以分属“电影评论”、“美术评论”、“戏剧评论”，在学科归属上就是“美术学”、“戏剧学”、“影视学”的“名”下。
由此可见，“艺术学理论”虽有其“名”，但更重要的是“循名责实”的“实”是什么?“实”如果可以“游离”到其它学科，不具有“唯一”性的明确，就必然使“艺术学理论”作为独立的学科研究范畴难以成立。以致有论者以“模糊性”一语而蔽之，如此一来，“艺术学理论”的“名”就很容易陷入一个似有还无，似无又有的状态。
作为学术研究，那是远远不够的。
因此，从“名”的逻辑方面说，一级学科“艺术学理论”不如“艺术学史论”的“名”更为妥贴一些。所谓“妥贴”，就是此“名”与其“实”的关系可以相安。
二、“艺术学史论”的“实”
有论者认为支撑的二级学科是：艺术史、艺术批评、艺术理论。
回想起最早设立“艺术学”二级学科时候，作为学科支撑的三个方向是：艺术史、艺术原理、艺术美学。
比较一下就知道区别在于“艺术原理”和“艺术批评”、“艺术理论”三个“名”的不同。
艺术原理是艺术的本质研究，如易中天在《艺术：情感与形式》中说：“艺术学，作为一门严密的学科，首先应该给艺术的本质定义做出一个较为精准的解答，从而形成自已的‘第一原理’，进而逻辑地推演出一切艺术现象和审美活动的本质规律。”
虽然易中天先生自己没有在“第一原理”方面做进一步探讨，但他提出“严密的学科”的条件，即对“艺术本质”的“第一原理”必须有所成果是正当的。而一切艺术理论，包括艺术批评，根本上都是对“艺术原理”的运用。从这一点说，最早的“艺术原理”之“名”确有很好的学术研究方向的包容度。
而艺术美学则立足于“艺术”基础上的“美学价值”的思考。至今我们只看到丹纳的《艺术哲学》，是立足于欧洲的艺术实践，是欧洲美术实践基础上的美学思考。
中国艺术完全不同于欧洲艺术，这一点无人怀疑，那么，中国艺术美学当然不等同于丹纳的思考，于是有“艺术美学”的研究必要。
艺术史的“名”，说起来很容易，至今名为“中国艺术史”的著作在出版社书库、书店都有物可睹。但翻开看看，其实是“美术史”、“音乐史”等艺术实践门类“历史”的“集印本”，可见在事实上“艺术史”还是在“掠他人之美”了。出现这种现象的原因之一，是无法把“美术”、“音乐”、“戏剧”等一级学科内容从“艺术学”中剥离，于是有集中汇编的现象。
对如何展开“艺术史”的“实”的研究，我的看法在两个方面。第一个方面是对“艺术史”阶段中处于“领先”地位的“艺术”的分析、归纳；第二个方面是对“艺术史”整体发展中各“领先”地位相互影响、派生的逻辑关系的思考。为便于讨论，现略加申论。
不论哪一个方面的“实”的研究。都要承认“文学”――“诗词、小说、散文”都是“艺术”，事实上，这些也确是“艺术”(这里不牵涉到“学科目录”上的“文学”分类，那是一个有历史渊源，有人为因素的结果，也不是学术讨论的问题)。
从第一个方面说，“艺术”包含有很多不同表现形式的技艺：画、书、唱、弹……也由此分别出“绘画”、“书法”、“音乐”、“舞蹈”等种种不同的艺术实践。“艺术史”不是要把各个历史时段的“美术”、“音乐”……诸实践状况罗列出来，而是寻找出最能代表这一历史时段“艺术成就”的某一项或某两项艺术实践。
更重要的是在这几项具体的艺术实践(此时必然会落实到某一级学科中)中分析归纳出其实践层面之上的“独特性”，因为这种“独特性”既是具体的一级学科的“独特性”，但在整个“艺术史”上看，已具有引领“潮流”的要素，成为艺术史上某一个阶段的“代表”。
艺术史的标准不是要求某艺术为我们今天提供什么，而是要求为它的前代提供了什么新东西。
一个历史阶段中的各门艺术，在技艺上、思想上都不可能齐头并进，总是互有参差，有前有后，是一种“滚动式”的发展，所以，这一方面的研究内容，就在于展现出“滚动式”发展关系中，“领先”地位的艺术是哪一门、哪一项：为它的前代提供了什么新东西。显然，寻求、分析、类比、归纳各历史时段的“新东西”不是一件简单的事。
从第二个方面说，“艺术史”要解决“为什么”会发生上述艺术实践的彼此消长现象。换言之，解决艺术史中各项艺术门类、项目的互相影响、派生的逻辑关系。
有的《中国艺术史》编著者已经认识到要“按艺术自身规律的发展”进行分阶段的论述，他们分期的理由是：
最确切的分期法，应该是远古、三代为艺术的发生期，春秋战国、秦汉为艺术的发展期，魏晋南北朝、隋唐、五代两宋、元为艺术的成熟期，其中的门类艺术先后达到顶峰，明、清为古典艺术的终结期，并孕育着近代艺术。
虽然如此，最后仍然因为：
但我们的读者已习惯于历史博物馆的分期法，为求简明，也为求适应，我们姑且将艺术史分为远古、上古、中古、近古四大时期，然后按朝代分章描述。
由此可见，艺术史的分期最后仍然落实到“通史”的模本才能进行，艺术自身的规律哪里能指望说清楚呢?
其实，艺术分期的研究，最早从外国学者开始，而后带动一批中国学者介入其事。只是这方面研究没有真正进行下去罢了。
如上述，“艺术史”研究必须承认“诗词小说”都是“艺术”，也因此承认历代“诗话”(中国独有的表达艺术思想的文体)是“艺术文献”。
那么，中国艺术史的逻辑演进关系，粗线条的勾勒，应该是：
首先是题材内容必在中国特有的“以血统为纽带嫡长子继承制”的“宗法伦理观念”制约之下，即使是宗教的思想和精神产生后，仍然是在“宗法伦理道德观念”框架下，才能对艺术产生影响。
而最早的宗法思想、宗法意识下的伦理道德观念总是先在“诗艺术”中反映出它的“艺术情趣”、“艺术追求”，后来再扩及到绘画、书法、雕塑等美术的、音乐的表现艺术领域。
唐人传奇、小说的流行，反映的也是当时最早最典型的社会艺术欣赏倾向，但在当时，这些倾向对美术、音乐的艺术情趣没有多少影响。到宋元戏曲和明清通俗小说盛行，加上雕版工艺的条件，美术中的绘画、雕刻在题材、造型上就大受其制约。罗列明清两代的木版画，可以清楚看出，时代越往后，戏剧艺术对美术创作的影响越大。尤其是清代，建筑中的砖雕、石雕、木雕，以及年画、木版插图、中堂，都直接取材于戏剧，并按照戏剧演出的格局加以表现。
另一方面，随着小说传奇、戏剧艺术的出现，也进一步推动了上述宗法意识的传播，更快、更有效地强化、改变了建筑、绘画、雕塑的艺术风格。
在这些不同门类艺术之间的相互影响、促成的关系中，它们之间也渐渐形成了某种共通的东西，这种“共通的东西”，是一种艺术“共性”，也是构成中国不同门类艺术间都具有的某种“纽带”。有了这种“纽带”，就具有了“中国艺术”的“情韵”，就成为“中国艺术”中的“一员”。
这种“纽带”是什么呢?
可以从艺术表现的原则上加以归纳，也可以从艺术鉴赏的要素上加以总结。前者偏于技巧性的分辨，后者偏于精神性的感悟。也都是艺术史要探索的重点。
技巧性的分辨，不是指具体的“技巧”本身，而主要是指“技巧”的属性。譬如说，美术中的绘画和戏剧表演，绘画中的“寓意”表现极常见，以“水墨”、“彩墨”技巧表现“四君子”、“岁寒三友”，以至“八骏”、“耄耋”、“五福捧寿”、“高山流水”……都是“标号”式、“象征”式的艺术手法；相类的则是戏剧中的“脸谱”、“说念唱做打”中的“做打”，也都是“标号”、“象征”的艺术手法。
这两种手法在性质上同类。
精神性的感悟，更可在诗与画中得到相类的归纳。俗云“画中有诗”和“诗中有画”，已经点明了两者有所“共性”。这些“共性”之所以存在，需要进一步深究到中国艺术的思维方式。有论者认为中国艺术着重的是“参与性”，“结果”怎么样倒在其次。而欣赏者观赏艺术，要的也是“参与性”，于是中国艺术就出现重“行为过程”，轻“心理反映”的倾向。看《水浒传》、《三国演义》，都是“行为过程”的描写；看中国画，传统上称作“读画”，当然只有把自已放在“画”的“环境”中，才能完成“读”的过程。
以上都是大而化之的一说，更深入的探讨和验证，还有待未来。
以前笔者曾就艺术自身技艺表现的形式发展加以探讨，提出一个从“工艺”转向“绘”、“刻”，从“工笔”转向“写意”的问题，认为这就是艺术门类“派生”现象。当“绘画”技艺提升，影响力增大，也出现“反哺”的现象：如宋代绘画成就突出，就影响到工艺的发展，花鸟画、山水画都成了“缂丝”的“蓝本”；元之后，连“髹漆”也大受绘画影响了。
这些“派生”、“反哺”的关系确是一种逻辑的关系，它不是随意发生的，而自有它一定的历史必然性。但是，这类逻辑关系的研究局限在“美术”的圈子内。所以我称之为“美术的逻辑发展”，落实到“美术学”中“美术史…‘逻辑关系”研究范畴，和“艺术史”的“逻辑关系”研究有差异。
三、“艺术学”和“应用艺术学研究”
综而言之，学理上“理论”之“名”和“史”之“名”是并列关系，“理论艺术学”之“理论”不能涵盖、包括“艺术史”。所以在“理论艺术学”之下列出“艺术史”，是逻辑之“名不顺”。不若传统上的“艺术史论”基本概念之“名”的“名实相称”。
从学科目录角度说，“艺术学”升为“门”，一级学科的“艺术学”可以仍旧是“艺术学”支撑的二级学科，如上述，可以是“艺术史研究”、“艺术理论研究”、“应用艺术学研究”。
个人认为这符合“艺术学”和“艺术”现实的对应关系。
“艺术学”的研究对象是“艺术”，“艺术”是人类情感的社会活动，可见“艺术学”研究对象的体量极为丰富。
但是，艺术的体量不论有多大、多丰富，都可以分为两大类。一类是属于满足人类的“精神生活”的欣赏为主的“艺术”，如诗、画、雕刻、书法、音乐、戏剧、影视；另一类属于满足人类“物质生活”，并且旨在提升人的生活品质的“艺术”，这就是“设计艺术”。如果把前者的整体研究归之为“艺术史”和“艺术理论”范畴，那么后者就可以相对地称之为“应用艺术学研究”。
“应用艺术学研究”的范畴包括“设计艺术”和“艺术产业”的整体研究。以“设计艺术”为例，过去的20世纪是公认的“设计时代”，这个时代的众多设计是伴随、顺应着材料科学及加工技术的发展而诞生的，同时也造就、反映了社会不同消费人群的生活需求、生活理念，这些需求、理念的“外化”是“艺术欣赏倾向”。
同时，资本的介入也产生正反相悖的效应。正向的效应是推动了设计艺术涉及的生活领域更广更细致；悖向的效应是引发了人自身更多的贪欲，使“艺术设计”的“提升普通人生活品质”目标“异化”。
所以，“应用艺术研究”不以具体的单项的“产品设计”、“景观设计”为研究重点，重点是剖析“艺术设计”历史、社会的“横断面”，进行“一叶知秋”的研究。它的意义在于提示和警醒“设计艺术”及“资本运作”中的自我反省。
显然，这是一个难度颇大的待开发领域。
“艺术产业”是另一个有难度待开发领域。
“艺术产业”本身并不是“艺术”，是以“艺术”为主体的“产业”运作。它牵涉到“作者”、“艺术(不论是美术、音乐，或戏剧、影视、小说、诗歌，等等)”和“市场”三个方面的协调。毋庸置疑，其出发点和归结点都是“市场”。目前中国的“艺术产业”亟待开发，已有的“艺术产业”现状不能令人满意。和国外发达国家“艺术产业”相比，距离甚大，这也说明了“艺术产业”在研究方面的紧迫性。
综上述，“应用艺术研究”就因为它自身的容量极大，渗入到社会的“衣食住行用”的各层面；也因为社会发展的现实状态，而显出需要的迫切性超过上述任何一项“理论研究”；更因为这种整合性研究已非“设计学”本身能容纳，它须借助更多的学科知识和方法，进行跨学科的分析归纳研究，从“社会”、“人”的大艺术欣赏背景开始，归结到“社会”、“人”的艺术价值取向的评判，争取起到增加“利导”，减少“误导”的社会效应。也因此应该在“艺术史”、“艺术理论”之外，独立成为一门二级学科。
当然，不论国务院学位委员会办公室组织的艺术学学科目录如何修定，艺术本身不会停滞不动。俗云“生活是长青的”，艺术实践也是“长青”的，它不会依照人为的“目录修定”去塑造自己的形象，只会用自己的发展实践去检验“目录”的得失。
参考文献：
[1]刘道广，艺术学：莫后退[J]，艺术百家，2007，(01)：102―105，
10多年前，当“多媒体技术”课程刚开始在高等院校开设时，是作为高年级专业课程安排的。随着近年来计算机应用水平的日益提高和应用领域的日益深入，如今，多媒体技术已经成为很多高等院校专业的重要基础课程。另一方面，动漫和游戏的迅速崛起，带动了多媒体技术向数字艺术设计的方向发展，如今，“数字艺术设计”已经成为许多高校的专业或者专业方向，并且有着良好的就业前景。
但是，广泛的调查表明，由于我国基础教育长期执行高考文理分家，学生过早地专攻于高考考试内容，无论文科或是理科学生，在艺术素质方面都存在着严重的知识缺陷。而“数字艺术设计”是科学与艺术以及计算机与艺术设计相结合的边缘学科，学生艺术素养的严重缺乏，不利于其在本课程中的学习与未来的发展。因此，主要针对IT及其相关专业精心设计的“数字艺术设计概论”课程希望能成为多媒体技术知识的延伸，作为数字艺术设计的起步。
1艺术欣赏基础
针对学生艺术知识水平严重匮乏的现状，在“数字艺术设计概论”课程教学内容的设计中，我们以“附录”的形式安排了两次“艺术欣赏基础”的教学，内容包括“艺术品的本质及其产生”、“艺术中的理想”等方面。主要以欧洲艺术史为主线，尝试通过学习“艺术哲学”思想，丰富艺术素养，培养艺术鉴赏能力和提高综合素质。通过学习和实验，理解“艺术品的本质及其产生”、“艺术特征”等知识，领会艺术欣赏的基本哲学观点；透过对艺术品本质及其产生规律和艺术理想的认识，学习欣赏和分析艺术作品的方法；通过因特网搜索与浏览，掌握通过网络环境不断丰富艺术知识的学习方法，尝试通过艺术领域的专业网站来开展艺术欣赏的学习实践；了解主要艺术流派和著名艺术大师及其主要作品。
2教学内容设计
作为“数字艺术设计”的基础课程，我们把教学内容的设计主要落实在数字艺术设计基本知识和数字艺术设计主流开发工具的掌握上。
由于开设课程的历史不长，“数字艺术设计”课程的教材和教学资料匮乏，即使有，也大都是理论性很强，而实践与应用性偏弱，对教学活动的开展，尤其是对强调教学型、应用型的高等院校相关课程教学的开展带来了一定的困难。但是，数字艺术设计活动本身却具有鲜明的应用性，因此，我们也可以而且应该充分重视这门课程的实验环节，以实验与实践教学来促进理论知识的学习。笔者编著的《数字艺术设计概论》教材以一系列与网络学习密切相关的实验练习作为主线，来组织对数字艺术设计课程的教学，以求掌握该课程知识在实践中的应用。
我们为“数字艺术设计”课程设计的学习内容包含了数字艺术设计知识的各个方面，例如：
第1章：熟悉数字艺术设计。包括数字艺术设计的计算环境、数字艺术设计的应用与作品欣赏等方面。
第2章：基本要素、美学原则与文字图案设计。包括Photoshop基本操作、基本要素与文字效果设计、美学原则与图案风格设计等方面。
第3章：二维静画图形艺术设计。包括计算机图形艺术设计与Photoshop图层、滤镜效果，图形、图形学、图形艺术设计与数字模拟绘画，二维静画图形艺术设计与绘制矢量图形等方面。
第4章：网页艺术设计。包括网页艺术设计及其计算环境、Fireworks Web图形制作初步、Fireworks Web图形制作技巧等方面。
第5章：二维动画图形艺术设计。包括二维动画图形艺术设计与Flash移动渐变动画、Flash Motion动画“字牌翻转”、Authorware与作品制作：台球、Authorware拼图游戏、Authorware大图片显示等方面。
第6章：三维图形艺术设计。熟悉三维图形艺术设计的基本概念和主要内容，了解三维图形艺术设计的工具软件。
3理论与实践相结合
在传统的教学设计中，主体是课堂理论教学，其他如实验、作业甚至于考试等环节都是作为辅助手段来设计的。亦即：知识是老师教的，学生通过实验环节来“验证”理论教学的内容。因此，教学测评就主要依赖于书面理论考试。但是，在大众化高等教育的背景下，课堂教学的效果普遍出现滑坡，导致淡化了“验证性”实验的基础，因而严重影响了课程的教学质量。事实上，在单纯课堂教学这个环节中，学生能够从中获取的知识就很有限。
一般认为，“应用型”、“教学型”院校的学生具有思想活跃且活动能力强等特点，但普遍存在的问题主要是学习自觉性不高、单纯凭兴趣学习的观点重、刻苦精神差等。于是，教学过程中应该利用这些学生动手能力强的特点来提高学生的学习能力、实践能力和创新能力，根据学生求知欲望强的特点重视扩大学生的知识面，提高他们对理论知识的兴趣。同时，提高实验成绩在教学测评所占的比例，以此来“杠杆”学生对实验实践教学过程的重视，把教学改革的实践具体落实到教学模式、教学内容和教学方法的改变上。
我们为本课程教学设计了一系列与网络学习密切相关的实验练习，来组织对数字艺术设计课程的教学，以求掌握该课程知识在实践中的应用。共有19个实验、1个课程实验总结和1个课程实践。每个教学单元中都包含课程知识介绍、所需的工具及准备工作和实验步骤指导等，以帮助读者加深对课程教材中所介绍概念的理解以及掌握主流软件工具的基本使用方法等。实验内容的具体分布见表1。
第1章实验：包括数字艺术设计的计算环境、数字艺术设计的应用与作品欣赏等方面。通过学习和实验，熟悉数字艺术的基本概念和基本内容；通过因特网搜索与浏览，了解网络环境中主流的数字艺术设计技术网站，掌握通过专业网站不断丰富数字艺术设计最新知识的学习方法，尝试通过专业网站的辅助与支持来开展数字艺术设计应用实践；通过阅读和欣赏数字艺术作品，了解和熟悉数字艺术设计的应用范畴，提高自己的艺术欣赏和鉴赏能力，了解和熟悉不同的数字艺术设计技术及其表现能力，初步接触和了解各类数字艺术设计的工具软件。
第2章实验：包括Photoshop基本操作、基本要素与文字效果设计、美学原则与图案风格设计等方面。通过学习和实验，了解图像颜色的基本概念和颜色模式；了解平面设计图形图像处理技术；通过学习使用Adobe Photoshop CS2软件，掌握平面设计的基本操作和图形图像处理的基本功能；熟悉数字艺术设计中有关文字要素的基本概念，了解文字效果的基本内容；尝试设计文字的一般和特殊效果，掌握组合文字的基本处理方法；熟悉和关注数字艺术设计的美学原则，了解数字艺术设计中图案与构成风格的图形创作的基本内容，初步掌握图案与构成风格的图形的基本制作方法。
第3章实验：包括计算机图形艺术设计与Photoshop图层、滤镜效果，图形、图形学、图形艺术设计与数字模拟绘画，二维静画图形艺术设计与绘制矢量图形等方面。通过学习和实验，了解计算机图形艺术设计的发展历史，了解计算机图形学、计算机图形艺术设计的概念和内涵；掌握Photoshop的图层、通道、滤镜等技术概念和基本应用技巧；学习用数字艺术设计的方法来模拟传统绘画，从中体验传统绘画与电脑绘画的同和异；了解二维静画图形艺术设计的相关概念；熟悉矢量图形知识及其数字艺术设计的绘制方法；了解更多的二维静画图形艺术设计软件及其一般功能。
第4章实验：包括网页艺术设计及其计算环境、Fireworks Web图形制作初步、Fireworks Web图形制作技巧等方面。通过学习和实验，回顾和熟悉网络的基本概念，了解“网页设计”的基本内容；通过因特网搜索与浏览，了解网络环境中主流的网页制作技术网站，掌握通过专业网站不断丰富网页艺术设计与制作最新知识的学习方法，尝试通过专业网站的辅助与支持来开展网页设计与制作应用实践；通过对一些成功网站进行的搜索、浏览与分析，了解网站建设需要注意的问题，学习网站建设和网页设计的成功经验；通过欣赏，熟悉网页色彩设计的表达与内涵；熟悉Web图像的基本要求和格式要求；了解Macromedia Fireworks的一般概念和主要功能，熟悉Fireworks工作界面，通过一些简单作品的制作，掌握Fireworks的基本操作；了解Fireworks的层、蒙版、滤镜、特效、样式、切片、按钮、导航栏、弹出菜单和GIF动画等概念。通过一些Fireworks的实例制作，熟悉和掌握Fireworks的设计技巧。
第5章实验：包括二维动画图形艺术设计与Flash移动渐变动画、Flash Motion动画“字牌翻转”、Authorware与作品制作等方面。通过学习和实验，了解二维动画图形艺术设计的基础知识及其工具软件；了解关于Flash二维动画图形艺术设计的基础知识；通过“两架飞机”的制作，掌握Flash移动渐变动画的设计操作；通过“字牌翻转”的动画制作，掌握Flas的设计操作；了解Authorware二维动画图形艺术设计的基础知识，熟悉Authorware的基本操作；通过制作Authorware作品《台球》，了解Authware程序的基本组成；通过“拼图游戏”的制作，熟悉Authware复合图标的知识与功能；了解外部函数接口和Xtras在Authorware程序设计中的运用；通过“图形显示控制”和“音量控制”等的制作，学习Authorware程序设计。
第6章实验：通过学习和实验，熟悉三维图形艺术设计的基本概念和主要内容，了解三维图形艺术设计的工具软件；通过欣赏三维图形艺术设计的优秀作品，提高自己对三维图形设计作品的艺术鉴赏能力。
课程实践：由任课教师根据课程和当地的实际情况，安排课程实践活动，组织学生参观当地举办的艺术(美术)博览会，并根据要求撰写课程实践报告。
4建立多元化教学评价体系
教学评价是对受教育者的多种要素进行价值评估，而考试是教学评价的工具和手段，是测量应试者知识与能力、素质和潜力的量尺。考试为教学评价提供了量化资料，却不能替代教学评价。但是，在传统的教学管理和过程中，人们对考试与评价的关系存在着认识不清、相互混淆的情况，其主要表现就是由考试来单一体现教学评价，其直接后果就是以应试方法取代教学过程，教师“考什么就教什么”，学生“考什么就学什么”，甚至“什么时候考就什么时候学”。正因为如此，考试受到的批评和责难也越来越多。
事实上，高等教育专业课程的教学管理给教师以较大的自由度，高等教育，尤其是应用型院校的专业课程，面向就业，面向社会，更需要通过教学评价体系的改革来推动教学改革的发展和学风的积极建设。
我们认为，教学改革必须重视开展考试制度、考试方式的改革，应该提倡和鼓励在传统考试的基础上构建一个科学的教学评价方法，理性地认识考试的地位和作用，科学理解考试与评价的关系，实现从单一考试到多元评价的跃升，这是教学改革的关键之一。
多元评价认为能力的培养远比知识的获得更重要，尝试从多方面、多角度来开展评价活动。评价方法的多元性，即采用多种评价方法，包括定性评价与定量评价相结合，智力因素评价与非智力因素评价相结合等。我们可以汲取上述两个方面的优点，使之相互配合、相互借鉴，分别应用于不同的评价指标和评价范畴。评价方法应该是：可以量化的部分使用“指标+权重”方式进行；不能量化的部分，则应该采用描述性评价、档案评价和激励评价等多种方式，以动态的评价替代静态的一次性评价，视“正式评价”和“非正式评价”为同等重要。
实际上，各项测评指标的目的主要是为了促进教学，提高教学效果，而不应成为学习的负担。例如我们在“数字艺术设计概论”课程中设计的教学测评方案是：
课程成绩 = 艺术欣赏实验成绩(2次)＋数字艺术设计技术实验成绩(14次)＋课文阅读与课外习题检查+课程实验总结+课程学习能力自我测评-平时缺勤/迟到扣分
其中：通过“艺术欣赏实验”促进学生提高艺术鉴赏能力；通过“数字艺术设计技术实验”实现课程主要教学任务；通过“教材阅读与课外习题检查”促进学生对课本的预习、复习，改善学生的阅读习惯和督促学生完成课后作业；通过“课程实验总结”与“课程学习能力自我测评”帮助学生自觉复习与巩固本课程全部学习内容，加深对本课程教学目的的理解；通过缺勤扣分规范学生的自觉行为。
多元评价要求评价既体现共性，更关注个性；既关注结果，更关注过程。评价可以是多角度的，注重的是学习的主动性、创造性和积极性，关注的是学生在学习过程中的表现，包括使命感、责任感、自信心、进取心、意志、毅力和气质等方面的自我认识和自我发展。评价学习不再仅仅依靠考试的成绩 (甚至期末不考试) ，还包括了对学习的态度、兴趣和行为等等的考查。用一句话说，就是以多维视角的评价内容和结果，综合衡量学习的发展状况。
5抓实验促理论，抓过程得结果
以精心设计的日常化的实验实践活动促进课程理论知识的学习，推动教学方法改革，有利于从多个方面促进学生优良学习习惯的养成，从而促进学风建设和提高教学质量。
重视教学过程中的形成性测评，抓过程得结果，可以有效地促进学风的改善。例如，我们为“数字艺术设计概论”课程编写的以实验为主线开展教学的教材1，全书通过一系列在网络环境下学习和实践的实验练习，把数字艺术设计的概念、理论知识与技术融入到实践当中，从而加深对该课程的认识和理解。
从创新的教学内容设计、实验实践内容设计和教学测评设计的实践中我们体会到：
(1) 抓动手实验实践促课程理论知识的学习，抓教学过程获得良好的教学效果，是应用型院校和应用型专业课程的很好的教学方法。
(2) 教学改革是课程教学评价体系创新设计的基础。
(3) 合适的评分标准有助于提高实验的效果。
在实践中，我们摸索并安排了如下实验评分方法：每个实验以5分计，其中，阅读教学内容(要求学生用彩笔标注，留下阅读记号)为1分，完成全部实验步骤为2分(完成了但质量不高或者仅部分完成则只给1分)，认真撰写“实验总结”占2分(写了但质量不高则只给1分)。以此强调对教学内容的阅读和通过撰写“实验总结”来强化实验效果。每个实验成绩的合计为实验总成绩。
(4) 专业课程的教学测评一般都是抽样测评，为培养学生的科学评价概念，我们有意识地把测评的总分限制在95分以内。
6后记
分析表明，学生在专业课程中产生的学习困难，首先来自于他们对所学知识缺乏必要的感性认识，而我们在教学中采用“先做(实验)后说(理论)”和“边做边说”的方法，把根据学科理论知识精心设计的实验实践环节与学科理论教学相融合，并积极实践教学测评的创新方法，较好地解决了学生的认知困难，符合特定的学生对象，取得了很好的教学效果。
作为数字艺术设计专业方向课程群的发展建设，我们针对同一层次的学生对象，精心设计了《艺术欣赏概论》课程及其教材，对此，我们将在后续再做介绍。
参考文献:
[1] 周苏,王文等. 大学计算机专业基础课程实验教学的改革与创新[A]. 首届大学计算机基础课程报告论坛(西安,2005)论文集[C]. 北京:高等教育出版社.194-198.
[2] 周苏等. 电子商务实验教学的创新与发展[A]. 第三届中美电子商务高级论坛论文集[C]. 北京:万国学术出版社,2006. 585-588.
[3] 周苏等. 软件工程实验教学的设计与创新[J]. 计算机教育,2006(10):27-29.
一、通识教育解读
何谓通识教育？目前的学术界趋向于：以人类知识的角度，通过跨学科的互动和知识的整合，为学生拓展广阔的知识视野，获取广博的知识，并通过知识的提升和内化进而达到人格的完善。通识教育的核心是人的均衡发展，目的是通过知识间关系的构建、提升和内化，最终培养人。这与我国教育界近年来一直倡导的“全面发展教育”、“素质教育”的诉求耦合。这种均衡发展的理念彰显着马克思、恩格斯的“人的自由全面发展观”。从这个角度上讲，通识教育的性质是除专业性和职业性之外的具有广泛性、非功利性的普遍研读的教育，内容涉及知识、能力、态度和价值观，以培养健全个人为目的，直接指向人的发展。
（一）通识教育是一种全人教育
通识教育与全人教育的耦合之处在于对人的生活、道德、情感理智的和谐发展的关注。
全人即完整的个人，强调个人智力、尊严、人格的完善和充分的自我发展。全人教育是指充分发展个人潜能以培养完整个体的教育理念与模式。全人教育是20世纪70年代针对现代教育中“非人化”回应的一种教育思潮。其强调人的整体发展，倡导培养完整的人，使人在包括身体、知识、技能、道德、智力、精神、灵魂、创造性等各方面得到全面发展。隆·米勒认为“全人”包括六个素质，即智能、情感、身体、社会、审美、精神。全人教育就是以这六项素质的整体发展为目标，以人的和谐发展为导向，培养具备完整知识、完善人格及拥有正确价值观和积极人生态度的人。全人教育可以缓解现代教育中人文关怀缺失、价值观错位、生命迷失等亟待解决的问题。全人教育理念下学校教育要求学识与人格的平衡、个人与群体的平衡、身心与灵魂的平衡。
作为“全人”，完整的知识是必不可少的。而通识教育通过跨学科的互动和知识的整合，使学生的知识广度获得拓展，而且通识教育用整体观来构建知识，能使学生获得整体发展的能力。广博的知识基础和宽广的知识视野进而使学生人格完善。这与全人教育的目标不谋而合。正如1945年哈佛《自由社会中的通识教育》报告中提出，通识教育应着眼于学生身体，道德和智力的和谐发展，其目标是培养完整的人，即有全面的知识、广阔的视野和完整的人格的有教养的人。从这个意义上讲，全人教育是教育的诉求，而通识教育是实现这一诉求的有效途径。
作为完善的人，需有完整的知识构建，认为不同的学科只是不同的视角看待生活，学科彼此间有着广泛的联系。而通识教育主张以整体观看待知识，认为知识不是割裂的，而是系统的。强调人文、社会、自然的互动和整合。从这个意义上讲，通识教育则体现出全人教育的知识取向。
（二）通识教育是一种人文素质教育
人文素质教育强调通过知识的内化进而转化为内在品质与外在能力与气质。通过人文素质教育可以增加学生的人文关怀，引导学生进行价值判断和道德判断，加强学生对周围事物的关心与思考。实质上，人文素质教育强调人的全面发展和素质的综合提高。通识教育主张文理会通、古今会通、中外会通。知识的贯通学习及自主掌握是人文素质教育得以实现的前提，是奠定学生人文精神的手段。
二、职校公共艺术教育释义
职校公共艺术教育是指职业学校对非艺术专业的学生开展的一种素质教育。它以提高受职校生的审美素质和艺术欣赏水平，发展职校生的创新思维，陶冶职校生的情操，塑造美的心灵，最终以促使其全面发展为教育目的，通过包含美术、音乐、舞蹈、书法等在内的课程学习或实践活动实施。
与专业艺术教育不同，作为职校生的必修课程之一，公共艺术教育不以传授专业技能知识为目的，从人文角度，主要引导学生认识美、欣赏美，得到审美经验并内化为气质品质，从而形成完善的人格。这是培养职校生审美情感和创新思维，提高学生洞察力、理解力、表现力、交流能力和解决实际问题能力的有效途径。
三、通识教育理念下的职校公共艺术教育
唯物论认为，世界万物在一定条件下构建起联系。通识教育与艺术教育虽是两种不同的教育概念，但两者在内涵上却有着渊源。厘清两者的关系，可以为通识教育开拓研究领域，同时可以使艺术教育拓宽研究视野。
（一）通识教育与艺术教育的思辨关系
公共艺术教育与通识教育两者的契合之处是以通识教育的观念研究公共艺术教育的前提。艺术教育以艺术的方式提高学生的人文素质，通过艺术的陶冶和心灵的净化来实现人的完整、自由、和谐发展。公共艺术教育旨在通过学校公共艺术课程的学习，提高学生对艺术作品的欣赏和审美能力，从而陶冶情操、净化心灵、发展思维。这与通识教育的理念有着某种相通之处。
1.艺术教育与通识教育一样追求人的自由发展
从历史上看，通识教育源于亚里士多德的“自由教育”，主张人的自由发展，从而达到人格的完善。那时的“自由教育”中包含艺术教育。可见，艺术教育与通识教育同源。从艺术教育本质上看，艺术教育亦是使人获得更多的自由。文克尔曼认为“艺术之所以优越的原因是有自由”。这种“自由”实质上是追求人的精神上、心灵上的自由。这与通识教育一脉相承。联合国教科文组织形成的《艺术教育发展路线图》指出：“艺术教育应该为所有人提供参与文化和艺术生活的机会。”艺术作品中多数不充斥功利性，容易以最纯真、质朴、原始的情感打动人心。通过艺术教育，在艺术作品的欣赏中感受无功利性的喜怒哀乐，在情感领域中获得无限的自由。
2.艺术教育与通识教育一样诉求人的全面发展
人的全面发展追求的是感情和理性相统一，真、善、美相统一的理想人格，即完善人格的形成。完善人格的形成包括智能的发展、道德完善和品格的提升。追求完善人格的形成是通识教育的终极目标，而完善人格的形成离不开美的熏陶。《中国教育改革和发展纲要》指出：“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力，陶冶高尚的道德情操，培养全面发展人才，具有重要作用。”艺术教育的本质是审美教育。艺术所表现的美具有和谐有序的特点，其平衡性使人身心得到满足而愉悦，进而使情感纯洁、情操陶冶、心灵净化。艺术教育能够通过调节、改善、丰富和发展人的精神生活提高人的精神品质。通过艺术的审美教育，提升学生的审美趣味，培养其高尚情操，形成健康的心理和健全的人格，进而促进学生养成正确的世界观、价值观和人生观，最终使其心灵净化、情感升华。对于艺术教育能够使人身心合一的作用，古今中外有着共识。《论语·宪问》中孔子回答子路怎样成为完人时说：“若臧仲武之知，公绰之不欲，卞庄子之勇，冉求之艺，文之以礼乐，亦可以成人矣。”可见，孔子认为“诗、礼、乐”是培养完人的途径，对人的思想的启迪，“兴于诗，立于礼，成于乐”，即由诗开始，以礼为依据，最后由乐完成。《美国教育国家标准》指出：“艺术教育能够培养完整的人。”由此可见，艺术教育的实施为通识教育的目标达成提供了可能性与实施路径。
艺术教育能够促进智能发展。智能是个体认知方面各种能力的综合，包括观察力、想象力、记忆力、思维能力等。其中，抽象逻辑思维能力是智能的核心，创造力是智能的最高表现。近代心理学家在对世界知名的科学家和诺贝尔获奖者的大量研究后得出结论，天才的重大特征不是智商而是形象思维和创造能力。艺术可以增强人的想象力，同时也能改善认知思维品质，培养创造力。其原理是艺术本身是包括形象思维、抽象思维、发散性思维、创造性思维等在内多向思维的活动。通过艺术创作、欣赏等环节，调动多种思维运用，起到培养、锻炼智能的目的。生理学认为负责艺术形象思维的右半脑的启动可以抑制负责科学的左半脑抽象思维的兴奋，以至左右半脑平衡，人们可以在工作、学习之余得到暂时的放松，从而劳逸结合，达到事倍功半。科学史上很多杰出科学家都是这种平衡协调发展的典范，以至于国外很多综合性高等学府均把艺术课程列为必修课。可见，艺术教育的启智作用是真实存在的。
艺术教育能够促进道德完善。康德说：“美是道德的象征。”在审美活动中通过审美形象唤起审美主体的情感来理解和体验审美客体。此时，美便是一种理想中的载体与道德境界紧密相连。对美的追求过程，实质上是在认识与道德、现实与理想之间作出了批判的选择。正如柏拉图说：“受过这种良好音乐教育的人可以很敏捷地看出一切艺术作品和自然界事物的丑陋，很正确地加以厌恶；但一旦看到美的东西，他就会赞赏它们，很快地把它们吸收到心灵里，作为滋养。因此，自己性格也变成高尚优美。”荀子在《荀子·儒教》中说：“诗言是其志也，礼言是其行也，乐言是其和也。”可见，艺术在思想志向上、道德规范中均发挥作用。
3.艺术教育与通识教育一样彰显强烈的人文情怀
“人文”见于《易经》：“文明以止，人文也。关乎天文，以察时变；关乎人文，以化成天下。”《辞海》对“人文”的界定为：“人文指人类社会的各种文化现象”。综上，人文是指人类文化中先进的、科学的、优秀的、健康的部分。通识教育是关注人的教育，通过跨学科的知识整合，传承人类文明。而艺术教育认知功能不仅同通过艺术作品来认识世界和历史，而且可以认识一个民族的精神和一代人的生活。雅思贝尔认为：“一个民族的精神层次是由这一民族的陶冶方式所决定的，究竟有多少人受到陶冶，人们又是以什么样的敬畏心来对待陶冶的本质，这些都可作为衡量一个民族精神层次的标准。”艺术是人类创造的最为辉煌灿烂的精神财富。艺术作品中蕴涵着悠久的民族历史、宗教信仰、生产方式；蕴藏着人类最具代表性的伦理哲学；承载着人类最美好和最理想的情感和趣味；折射着真、善、美的价值观；散发着浓郁而强烈的人文情怀。
列夫托尔斯泰说：“艺术是这样的一项人类活动，一个人用某种外在的标志有意识地把自己体验过的感情传达给别人，而别人为这些情感所感染，也体验到这些感情。”在艺术作品中，生活的各个方面和各个领域能相互关联呈现为一个统一的整体，艺术作品中的感性特征呈现出外在世界与人内在世界的具体性，使人们能细致入微地体验自然的内在生命，人生的悲欢苦乐，现实生活的多面性与复杂性，更全面、更具体地感受生活的意义。所以，经过艺术熏陶的人，与自然有着更多的灵性沟通，常怀有悲悯之情和敬畏之心，因而更热爱自然与生命，更具有豁达平和的胸襟，更能明白生命的尊严和生活的价值。可见，艺术教育与通识教育在运作过程中均关注着人，传承着人类文化及文明，进而使学生学会与自我、他人、社会相处，形成正确的价值观。
（二）通识教育理念下职校公共艺术教育的实践
1.职校公共艺术教育的目标应诉诸于学生的整体发展
公共艺术教育作为必修课成为职业学校的课程的目的是解决职校“半人”教育现状。所以，职校生公共艺术教育有着比其他学校性质的公共艺术教育更为强烈的紧迫感和必要性。这就要求职校公共艺术教育要确立以学生整体人格的培育，素质全面发展为教育目标，强调以生为本，关注学生发展，面向所有学生的教育理念。通过艺术欣赏教学，使学生获得理解、想象、情感的艺术体验，实现受教育者与艺术作品的共鸣，从而将艺术作品中美好而高尚的情感内化为人的心灵，外化为人的行为，真正使艺术教育成为培养学生自由发展、完善人格的教育。
2.职校公共艺术教育的方向应从人文角度诉诸实践教学
从人文的角度实施公共艺术教学，从根本上说就是强调艺术欣赏能力和人文素养的培养，淡化艺术理论和技能培养。职校公共艺术教育的定位就在于实施对象是非专业的职校 生，切不能把艺术课上成纯艺术理论的讲授或是艺术技能的传授，而是以人文的角度切入教学，拓展学生的人文知识，培养学生用人文的眼光和价值观去审美，从而看待所有的事物，达成豁达、包容的人文情怀，进而提升人文素养。
3.职业公共艺术教育的内容应以开放、多元的视角实施
开放、多元的视角审视职校公共艺术教育本身就把职校的公共艺术教育的内容定位在通识性上。对于艺术的内容进行连接和整合，或是艺术门类间横向交叉融合，或是某一艺术门类知识的纵向拓展，使其具有开放性和多元性，拓展公共艺术教育内容的广度。这在教育部刚刚颁布的《中等职业学校公共艺术课程教学大纲》中已做明确要求。通过跨学科、跨门类的知识的整合和对话，可以激活学生的灵感和想象，丰富学生的艺术体验，多层面的知识贯通、交叉可以开阔学生视野，增强文化底蕴。
教育没有固定的模式，公共艺术教育亦然。既然如此，职校公共艺术教育应以多元化的视角审视自身的发展。期待通识教育理念下的职校公共艺术教育在解决职校“半人”教育现状，促进职校生完善人格的形成等方面发挥作用。 [本文由WWw. dYlw.NE t提供，第 一论 文网专业写作职称论文和毕业论文以及服务，欢迎光临DYlw.neT]
参考文献：
[1]王宏建.艺术概论[M].北京：文化艺术出版社，2000.
关 键 词：公共艺术 教材编撰 统筹 自主 革新 框架 走势
在全国各高校对公共艺术教育的认知上，很多人都能说出它的重要性，但在具体行动实施上可谓参差有别，一般来说，理论研究型名牌大学和普通教学实践型高校就有着客观的不同层面的划分，这种划分往往是根据名高校触及学术前沿而起到领头雁的作用，或对教育形势的走势敏感而捷足先登，公共艺术教育在这样大的前提下似乎也不例外。然而各高校公共艺术课程教材的建设甚至包括名牌大学的局面也存在凌乱、深浅不一和各自为政、不尽如意的现实状态，名高校如此，普通高校渐次递减，职业技术学院的层面几乎就谈不到公共艺术课程教材的建设了。当前公共艺术教育处在全面探索和全面启动建设的历史时期，公共艺术教材建设是公共艺术教育整体建设的重要组成部分，所以我们有必要对教材的建设进行慎重思考和仔细的研究。
对于教材的定义一般为：“泛指教师用于教学的所有材料。包括教学大纲、讲授提纲、教科书、教学参考书、指定的书目等。”除此，与大学公共艺术教学相匹配的“声乐”“器乐”“美术”“书法”的技法类书籍以及影视类、舞蹈类等书籍均属高校公共艺术教材范畴，以下的课程教材编撰研究着重以欣赏理论教科书为研究对象。
一、编撰公共艺术教材的基础因素
1.公共艺术教育课程整体建设制约教材的编写
高校公共艺术教材建设是艺术课程整体建设的有机组成部分，课程建设的每一个环节之间都是相互关联、相互作用、互相制约的。公共艺术课程教材与课程设置需要同步建设，建设好课程教材是艺术教师上好理论课的基础保障，也是公共艺术教育向外拓展技能实践环节的依据，即便是艺术门类之间也都是关联、协调、照应、理顺的关系，所以公共艺术教育教材建设是受着课程建设整体发展状况制约的。反之，如果教材建设以外的建设环节没有受到足够的重视，或者都处在半成品状态，而公共艺术课程教材的建设成为一枝独秀、异军突起是不容易做到的，所以它现有状态与每个环节建设冷暖共尝似乎符合现实的逻辑规律。当前各高校公共艺术教材的建设处在好与差并存、精与粗并存、充实与残缺并存的局面。例如有的高校公共艺术教师在某一个艺术门类方面的教学实力突出，编写的教材也相对好一些或者至少是有教材的；反之有的高校艺术教师的教学实力相对薄弱，教材的编写也跟不上来，或者随机性的使用选购教材，致使各艺术门类之间的教材系统上呈现出凹凸不平的现状。所以公共艺术课程教材的建设应该将其熔铸于公共艺术教育主管部门的教材建设纲领统筹之中，进而使公共艺术教育建设的各个环节能够协调的同步发展。
2.非艺术专业大学生艺术素质现状确立教材编写方向
我国在校的大学生来自于五湖四海的都市、乡村，他们在入学前的艺术教育参差不齐，有很多欠发达地区的农村学生入学前根本就没有艺术教育，即便是最发达的都市学生，他们在中小学阶段的艺术教育水平也不平衡。尽管国家的教育法规和国家教育部的相关文件对中小学的艺术（音乐、美术）教育作了明确规定，但因我国长期以来重理轻文的教育导向，使得人们将中小学阶段应该享有同等教育的“通识”学科人为地分出等次，视音体美为“等外公民”，称之为“小三门”，艺术教育不能像其他学科那样从小学、中学到大学的循序渐进不间断地连续下来，造成他们到大学阶段的参差不齐或断档。对于那些根本没有进行过系统基础艺术教育的大学生来说，教材编写存在很大难度，编写的太浅，他们毕竟是有一定知识深度的大学生，编的深了，又会在理解上有一定的难度，因为艺术毕竟不是光靠理论说教能学会的，所以教材的编写一定要考虑到大学生的现有艺术基础状况，编写出既有广度又有深度，既有理论阐述又有实践指导，适合中国大学生艺术教育国情的系列教材。
3.艺术课程教材的编写与课程结构设置
从某种意义上讲，艺术课程结构的安排直接影响教材结构的编写。对公共艺术教育而言，课程的结构设置如在纯粹的欣赏理论层面，就会距离艺术教育的目标太远，因为只停留在欣赏理论层面，会造成艺术教育的单一性、片面性和走上枯燥乏味的不符合艺术教育的歧路，这种艺术教育也是脱节的、浅表的、不完善的，对大学生艺术人格的养成毫无作用，他们对世界的感受可能还是和原来一样没有什么改变。因为我们的公共艺术教育真正的目的不是让这些大学生只会背诵一些画家、音乐家的名字或知道几个名曲、名画，而是通过学习去真正理解艺术的真谛、感悟艺术的内涵、体验艺术的魅力，进而养成高尚的艺术人格，为其所学专业作为潜质的辅助，只有更深更近地接触艺术，才会让大学生心灵世界发生变化。
因此，欣赏理论课和技能实践课只有相互结合、内外渗透、侧重适度才是一条最佳的选择途径。欣赏理论课定位于课堂选修且人人必选（将来的发展趋势应是必修）是所有非专业大学生艺术教育的总趋势。将艺术教育的技能实践环节设置在囊括四大门类艺术的艺术团、第二课堂、兴趣小组等作为吸收艺术特长生和广大艺术爱好者进行技能实践的载体是最佳的选择。于是，既有欣赏又有理论，既有实践又有艺术活动，这是所有高校进行公共艺术教育课程设置的总体方案。由是，以此为依据进行课程教材编写的侧重也就明确了。当然参与技能实践活动的学生客观地在理论基础上外延到技能实践，尽管无法和专业相比，但是这部分学生总算是进行了相对完整的艺术教育，而那些只是单一进行欣赏理论选修的学生可能就缺少对艺术实践的亲身体验所带来的感受。这样参差不齐的艺术教育是我国长期教育体制下势必自然形成的艺术教育的“地形地貌”，也是很难以人的意志为转移的非专业艺术教育的国情，是一个长期以来“重科技，轻人文”功利思想教育的后遗症，要赶上欧美高校艺术教育只是一个期盼。
4.在统一的公共艺术教育大纲下编写教材
明确了这样大的公共艺术教育基本构架，音乐、舞蹈、美术、戏剧这四大门类艺术课程教材还要在一个大的统一纲领下进行编撰。国家规划教材的编写，固然有它的权威性、标准性、整体性的优势所在，但我国幅员辽阔，高校分布在全国各省市、自治区、直辖市，由于各地经济、文化等因素的差异，规划教材就存在某些与具体学校的实际教学情况对应不上的弊端。所以各校自编教材仍然是教材建设发展的主流，这是因为自编教材能够根据一线教学因层面和学生现实状况，及艺术水准和课程结构等不同的具体情况而定；是因为能充分发挥教师教学、教研的主观能动性；是因为能根据地域文化的差异结合本校情况而确定编写内容。但是自编教材往往也有很大的不足，也会因为教师对公共艺术教育学科理解的不同以及教师水平的差异等因素而形成各行其事、各自为政，难免有它的杂乱和质量的参差不齐。
我们主张公共艺术教材无论是国家规划教材还是各校自编教材，都应该由艺术教育的主管部门在大的纲领统筹下进行，建立编审制度。具体地说，可以首先汇总各高校关于公共艺术教材编撰的意见、建议和相关的学术论文，汲取当中可行性学术观点，定期召开相关的改革研究的实施会议，在研究确立公共艺术教育的性质和准确定位后，在此基础上拟订在四大艺术门类范围内的教材编写的纲领方向、教材名称、教材编写提纲和具体内容，注重它的知识性、系统性、连续性、实用性和地域分布特点的基础上，号召鼓励各高校艺术教师在明确公共艺术教育精神的前提下进行参编或自编。参编或自编教材势必带来校际之间的“争鸣”，这应该视之为驱动主观能动和应有的自主学术空间，所以同样章节的编写或整体或部分教材的编写，只要是不离开公共艺术教育总纲特点的大前提，经过专家的鉴定，就可以出版根据各校情况不同的有不同作者版本的教材。这样我们就可以避免规划教材的教条性、自编教材的凌乱性。随之而来的是统筹规划教材，广泛征求各校建议的民主性，自编教材相互兼顾的大局性，从而形成公共艺术教材建设的完整独立体系。
二、 公共艺术教材编撰的框架设计
1．公共艺术教材编撰的三种方案
在公共艺术教材编撰的取舍和教材的结构上，我们试图将公共艺术欣赏教材的编写分三种方案：
第一种方案是将音乐、美术、舞蹈、戏剧欣赏教材的编写，共同构筑在相同的一个平台，就是说将这四大门类艺术教材分别编写出一套自身相对完整的课堂教学用书，这样单册编写也是通常采用的一种方式。教师可以根据有限的课时量讲授主要内容，有目标地选择重点。学生在完成必选课程内容以外，可以对大部分剩余的内容按照老师的提示、指导进行自学，从而使学生既可完成选修课程又可拓宽艺术视野，这样的编写方案是具有集主干内容和外延读物于一体的双重作用。
第二种方案是我们尝试着将四大门类的教材编写在同一本书中。在编写时要注重各门类知识的主次繁略的有序安排，有了繁略、取舍就突出了教学的重点，这样的编写方案比较适合我国目前绝大多数高校的艺术选修课一学年课程安排的教学需要。有些高校的艺术选修课甚至只安排一学期，按每周二学时计算，要在一年或半年内将四大艺术门类的欣赏理论讲授给学生，让学生理解并消化掉，而不考虑教材的侧重与繁略，精炼与取舍，是很难达到教学目标的，因此重点的突出势必考虑到切实的教学质量。在此基础上为了满足更多艺术爱好者的需求，再编撰出有针对性的各艺术学科的课外读物，作为艺术知识的拓宽与外延，从而适应大学艺术普及教育。
如将四大门类的教材编写在同一本书内，我们尝试把音乐欣赏编写内容的比例适当大一些，因为这四大艺术门类相比之下，音乐的听觉艺术给人带来的感官冲击更具有直接性，生活中喜欢和涉足音乐的人群也是最庞大的。美术是视觉的、静态的，它也是有着不同群体层面的庞大队伍，但同音乐相比，参与美术的人群似乎小于音乐，所以美术欣赏编写的内容稍次之。舞蹈和戏剧常常受着艺术特点制约，所以舞蹈和戏剧欣赏编写的内容则再次之。
第三种方案是艺术电子教材的编撰制作，电子教材是采用现代科技手段应用到教学当中的一种新兴教材形式。电子教科书具有容量大、教学直观和声音、图文并茂的立体交叉应用的特点，并且不受时空的限制，既可集中教学，又可以进行网上分散的教学，尤其是艺术类学科更需要音像教学的直观配套手段，即便一般常规的艺术教学不使用电子教材授课的话，制作电子课件和配套音像资料也是非常必要的。电子教科书的编撰与书面教材编撰方式上有很大区别。首先它需要艺术教师具备对电脑软件的熟练应用能力，或者在计算机教师的配合下完成教科书的编撰制作。其次是电子教科书与书面教科书有很大的外在形式上的区别，编撰电子教科书既要根据电子教科书自身编辑的特点规律，又要兼顾到运用教材授课的逻辑规律；既要根据电子教科书自身编辑的容量大和立体效果，又要兼顾到公共艺术教育是普及教育形式的对应性，就是说它也同样存在编纂教材的主次、繁略的公共艺术教育的共性特点。
至于承载艺术教育技能实践环节的艺术团、第二课堂、兴趣小组等的技能课，因其科目繁多、特点各异，各高校可因校、因师、因生而异，编写出适合本校学生具体情况的、适用于技能教学特点的教材、讲义或教案规划。
2．音乐欣赏理论教材编撰案例
(1)音乐欣赏教材编写的思路
音乐欣赏通常分中国名曲欣赏（包括器乐曲、声乐曲和歌剧）、西方经典名曲欣赏（包括器乐曲、艺术歌曲和歌剧）、现代音乐曲目欣赏（包括器乐曲、歌曲和音乐剧）。在欣赏课中还包含中外音乐史、音乐理论的知识简介和相关中外音乐家简介，其中欣赏部分占85%，理论部分占15％。欣赏可按中外名曲欣赏和现代音乐欣赏的顺序来写，也可按器乐曲、声乐曲、歌剧的类别来编写。当然只要按照课时量合理分配原则，还可以按照具体情况或教师的授课方式和技巧的不同调整编写顺序。在音乐欣赏教材开篇的编写不妨将中外音乐史及音乐理论等知识先作适当的简介，注重人物、事件介绍的趣味性，以便提高学生学习的兴趣，让学生对后面的欣赏做相关知识的铺垫，更易于理解后面所介绍的曲目。而欣赏中涉及到相关的作曲家、歌唱家和音乐名词等，应以词条的形式放在欣赏教材的最后便于学生学习查看。
(2)中国名曲欣赏编写要注重时代感
当今的教材普遍存在理论脱离实际的弊病，尤其是音乐教材明显地存在学生“喜欢音乐，而不喜欢上音乐课”的现象。究其原因，对大部分学生而言不能回避的是和音乐基础知识薄弱以及和当今的音乐导向有直接关系，除此而外，那就是和长期以来音乐教材在一定程度上存在的陈旧、脱离现实文化背景有直接关系。伟大优秀的艺术作品都是和时代的脉搏紧密相联的，我们这个时代也有“唱着东方红”“走进新时代”的优秀之作，或者很多适应现在的年轻人口味的优秀作品，但是我们的音乐教材没有把它作为主体编进去，音乐课上学生总听到类似的“没爹没娘”“杨白劳喝卤水”的带着哭腔的音乐。面对这样的教材内容学生的潜意识中可能会产生本能的回避，生活背景的迁移可能就是学生不愿意上音乐课的原因之一。所以中国名曲欣赏的编写范畴应确立在从“新民主主义时期”前后一直到当代各时期的优秀经典之作，编写重点要放在建国后特别是上个世纪80年代以后所产生的优秀作品。只有这样才能让当今的大学生感受到时代的脉搏，与时代相融合，让这个时代的主旋律激荡起大学生心灵的美感。
3.西方经典名曲为编写音乐欣赏的重点
在西方经典名曲欣赏的编写上，重点要放在巴洛克后期到浪漫乐派晚期，因为这段时期的音乐作品是世界音乐最为典型的核心，无论是我国专业音乐欣赏教学，还是西方国家自身音乐欣赏教学，所设置的比重都相对占较大的篇幅，提高大学生高雅艺术的鉴赏能力也必定将这一部分作品作为重点。所谓的西方经典名曲就是指巴洛克后期到20世纪初的一切经得起推敲的、优秀的欧洲音乐。它历经了巴洛克时期音乐、古典乐派、浪漫乐派的全过程，是西方音乐史上最辉煌的时期，很多大师的音乐作品都达到登峰造极的程度，堪称人类音乐的瑰宝和永恒的典范。
在编写这部分教材时首先要选择带有普及性、典型性的作品，作为欣赏课程入门的第一章节，如按音乐类别来编写，则应先选择那些浅显易懂的且为大家熟知的器乐小品，例如巴赫的《小步舞曲》、莫扎特的《弦乐小乐曲》等。因各时期的音乐大师都有优美小巧的器乐小品，这样编写会使从未接触过西方音乐的学生容易接受，对已经有过了解这部分作品的学生易于提高兴趣，对非常熟知这部分作品的学生重新感受这些作品的美妙，最终目的是使不同层面的大学生都能增强学习兴趣。完成这部分入门作品之后，再以和缓的坡度向较深的作品当中进行选择，例如：海顿的交响曲、贝多芬的交响曲，直到浪漫乐派晚期俄罗斯诸位音乐家的管弦乐作品等，都可作为第二三章节的内容进行编写，接下去的章节可按歌剧和艺术歌曲的分类由浅入深的顺次进行编写。当然从注重知识的广度和深度考虑，还要选择一些优秀的但并不在普及层面常出现的音乐作品，这样编写可为热爱艺术的大学生提供更多的课外自学的资料，拓宽学生的艺术视野。
4.现代音乐曲目欣赏的编写要占有适当篇幅
关键词：高中美术欣赏培养观察能力
美术欣赏课是高中课程的组成部分，它的建立与发展得益于基础教育课程的有力支撑，成为学生知识整合、能力发展的有机结构。高中美术欣赏对学生在“陶冶审美情操，提高生活品质”、“传承文化艺术，弘扬人文精神”、“调节心理状态，促进身心健康”①等方面的作用越来越引起人们的重视，成为社会文化中一个引人注目的亮点。
审视美术欣赏，它有借助于学生既有知识体系通过视觉对艺术美中的美术作品进行观察、赏析的过程。观察能力是观察者在多种学习中所表现出来的个性心理特征，它不仅是人们认识世界的一种基本能力，也是美术欣赏中的一种特殊能力。观察能力的强弱决定个体感性知识的广度、深度和对观察对象认识把握的程度。加强观察能力的培养，不仅是美术欣赏的特殊性决定的，而且有益于欣赏活动的深入进行。本文仅就高中美术欣赏教学对学生观察能力培养的途径和方法作一初步探讨。
一、加强学生对观察重要性的认识
在美术欣赏活动中培养学生良好的观察能力，首先应启发学生对观察重要性的认识。观
察是一种有目的、有计划的视知觉活动，阿恩海姆将观察的过程，称为“视觉思维”，这是由于人们在观察过程中，从观察的内容到观察的对象都有一个选择、分析、比较、判断的过程，这一过程不是被动的视觉感受，而是有思维的积极参与。在美术欣赏活动中，对美术作品的观察，既有与感知过程同样的对对象反映的直观性，又有比一般性感知更深层的理解性、思维性。从学生的角度而言，这种观察是美术欣赏活动的基础，也是欣赏活动的手段和方法。因而欣赏过程中应结合美术欣赏知识的学习，选用典型的画例，引导学生进行认真细致的观察，教育学生懂得只有勤于观察、善于观察才能有所发现，有所认识，有所获得，有所提高，以激励学生观察的主动性与积极性，并在观察中进行思考与分析。这种对重要性的认识，不仅对于美术欣赏是必要的开端，也是提高欣赏中的兴趣与注意力的必要铺垫。
二、激发学生观察中的兴趣
美术作品的内容、情节、形象、色彩具有特殊的魅力和形式美的内涵，对于学生有着强
烈的吸引力，极易唤起学生的兴趣，但要保持和发展这种兴趣，使之内化为对欣赏活动有意义的基础，则需要引导。引导学生由观看的兴趣进入美术欣赏的状态，是一种观照性的引导，因而它不同于其他理性形式的引导。例如欣赏俄国画家列宾的名作《查波罗什人给土耳其苏丹回信》，学生的兴趣首先是热闹的画面表现的内容。“这些人在干什么？”“写什么信引起了这种大笑的场面？”引导这些兴趣的方法就是揭示这幅画的历史背景。画上叙述的事情是讲17世纪时，土耳其皇帝要这批哥萨克脱离俄国而归附于他。这封信苦恼了这些家奴出身的勇武强悍的哥萨克人，他们虽流落异地，却深深地热爱自己的祖国，从不想离开自己的家乡。画上就描写这些性格豪迈的查波罗什人在首领的授意下，正给土耳其苏丹写回信的情景。回信的措词相当尖刻，既表达了俄国人民的爱国主义精神，也嘲笑了对方的收买用心。画家以集体拟信这个场面，来展现各个人物的不同姿态、形状、性格和表情。站在中景中间桌子后面的八字胡老人，正用手指向后方点点，表示要在信中给土耳其苏丹“撒上点胡椒面”。当时由于首领说了这句挖苦话，引起了在场人的哄堂大笑。画上所展现的正是这一大笑的瞬间。作者列宾是19世纪俄国最出色的现实主义画家，他具有深刻的民族性和爱国主义精神，对于人民的生活、人民的得益常用自己的美术作品去表现、去歌颂。联系上述资料再引导学生去观察分析就容易多了，从而使画面中的每一个人物都成为有血有肉的活生生的对象。在观察中引导学生用美术的造型知识解读它们，既使学生从观察、分析、思考中学习了美术语言中的线条、形状、色彩、构图等形式美知识，也使他们从观察中得到了美的享受，激发了对美术欣赏活动的兴趣。
三、扩大学生观察中的“阅读”量
观察能力的提高，不仅有赖于对观察对象的兴趣，在美术欣赏中还与欣赏对象的“阅读”
量分不开。扩大这种“阅读”量，是提高观察能力的重要保证。一定的“量”是一定“质”的基础，一定的“质”是一定“量”的内在升华。在美术欣赏中，观察是形象信息贮存的输入口，对美术作品的形式认识需要观察，形象记忆和形象思维、想象，也都以观察为基础的。在扩大“阅读”量时，对“阅读”对象的选择应考虑具有不同的形象、形式、内容。如不同的时代、不同的文化、不同的流派、不同的风格、不同的材质等等，并引导学生从美术作品如何反映对象的手段方法去观察分析，从作品如何反映生活真实的角度去观察分析，从作品中思维与认识的美学形态表现过程去观察分析。观察促进形象记忆，促进形象思维的生成和发展，形象思维伴随着观察。对美术作品的赏析在观察中进行，在观察中深入。扩大欣赏中的“阅读”量，让学生接触大量的美术作品，积极地参与欣赏与鉴赏活动，增加美术欣赏与鉴赏的实践经验，在丰富而广泛的欣赏、鉴赏实践中，接触美术文化所呈现的生活的生动性、丰富性，对于美术欣赏活动中观察质量的提高有直接的促进作用。
四、提高学生观察的品质
人的观察能力不仅发展水平不同，而且在观察的类型特点上也是不同的。培养学生良好
的观察能力，必须提高观察的品质。观察的品质主要体现在良好的观察习惯培养上。观察习惯是观察主体基于对观察重要性的认识、求知欲望的驱使、观察乐趣的体验，进而形成的一种主动自觉的行为。美术欣赏中的观察品质是观察主体在观察活动中逐步形成和发展的，并表现也直接影响欣赏效果的个体智力特征。在美术欣赏活动中的观察品质主要体现在这样四个方面：
1、把握欣赏对象主要特征的观察
把握欣赏对象的主要特征是指把握欣赏对象的形象特征，是在同类形象共性的基础上，对所观察的具体对象的个性特点的观察与分析，是对欣赏对象细致入微、全面比较、准确判断的体现。观察的内容有欣赏对象的形态特征、形体结构特征、色彩特征、表情与动态的特征、材质特征等，以便对观察的对象有较全面的了解。
2、把握欣赏对象中物象相互关系的观察
世界上任何一种物体不是孤立存在的，而是在一定的环境中表现为一种相互依存、相互
制约的关系存在着。美术欣赏中观察对象间相互之间的关系以及受环境影响呈现的外部形象与特征，是欣赏活动中观察要素，主要是对比例关系、明暗关系、色彩关系、空间关系、情绪气氛、情境的营造关系等进行观察，为形象思维和审美活动提供依据。
3、对欣赏对象中的审美因素进行观察
美术欣赏活动中，仅有观察物象特征的敏感性、观察物象相互关系的准确性是不够的，
更应善于发现和捕捉到欣赏对象的形象美与形式美所在，以及这些美的造型方法。审美的观察是以视觉感知为基础的，有联想、想象、情感与理解参与的观察，含有情景交融的观察、形式表现的观察、形式美的观察等等。对审美因素的观察是美术欣赏活动的核心，是将学生带入美术这一特殊的视觉艺术领域，使他们在大量接触古今中外美术作品的基础上，在教师的引导下，精细鉴赏美术杰作的过程，训练对视觉形象的形式美的敏感观察能力，培养起学生对视觉艺术的领悟能力、丰富的情感体验能力和高层次的审美鉴赏能力，进而培养健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。
4、培养学生观察中的敏锐性品质
培养学生观察的敏锐性品质，是美术欣赏活动的特征之一，即通过美术作品形式的直接
感知和赏析来品评作品的形式的情感意味。表现为敏锐地直观感觉某一件优秀的美术作品中体现出来的艺术家的独创精神和作品独特的魅力成分，感觉其中的鲜活性、生动性，并体味其美的意义所在，美的内涵所在。应该注意的是，美术大师们的作品有许多是非常杰出的，其中美点众多，因此在单位课时内应审慎地进行选择，如有的形象突出就重点观察分析形象的构成；有的以色彩取胜就重点感受色彩的韵味；有的以构图见长就重点观察体验构图带来的特殊意义，以避免浅薄浮泛的“走马观花”，使“美”点形成“亮”点，交相辉映。
五、交给学生观察的方法
观察是人的一种有目的、有计划的知觉，是知觉的高级形式。培养学生良好的观察能力，
还应该教给他们观察的方法。正确的观察方法有助于观察效果的提高，使学生在欣赏活动中做到有序、有利、有获。
1、分步观察法
分步观察法是在明确观察目的与内容的前提下，分步对美术欣赏对象进行观察的活动，表现为先整体观察，再进行或形体结构、或色彩、或明暗、或构图等的观察。这种观察方法主要体现为整体——局部——整体的分步轮回观察法，旨在了解欣赏对象的内容、形式、风格特征以及某些引人之处。
2、联系观察法
当一个形象在美术作品中呈现给观众时，必然会有各种隐性的原因存在，应该联系作品的文化内涵、人文精神、时代背景、社会经济、作者生平、风土人情等进行逐层推进的观察、了解、分析，然后综合各种因素的影响、知识的了解，概括总结得出完整的审美感受。
3、比较观察法
有比较才有鉴别，有鉴别才有进步。美术欣赏中的观察离不开比较的方法，它可以帮助学生从比较的维度去认识观察欣赏对象的共性与个性，把欣赏活动引向纵深。
⑴横向比较
横向比较是将存在可比性的美术作品进行一种空间平行的观察分析，这种比较的方法弹性大，既可以进行微观性的比较，将同时代、同画种、同风格、同题材的作品进行比较，如将傅抱石、关山月的《江山如此多娇》与李可染的《万山红遍层林尽染》加以比较；也可以进行同题材跨文化、跨风格、跨流派等的宏观比较，如把中国传统的花鸟画同十七世纪尼德兰的静物画加以比较；把林风眠的中国画《秋艳》同法国画家柯罗的油画《茂特芳丹的回忆》加以比较，甚至进行跨艺术门类的比较，例如在欣赏画家列宾《伏尔加河纤夫》的同时，聆听俄罗斯民歌《伏尔加船夫曲》，就会令人感到画面上那一群衣衫褴褛胸前套着绳索的纤夫，仿佛正迈着艰辛而沉重的步伐，迎面走来，从而在视听艺术的不同观察比较中，使审美感受力得到提高。
⑵纵向比较
纵向比较是历史的观察比较法。这种比较可进行风格流派的演进比较、画家画风的发展阶段比较等。像中国山水画，其艺术形式的演进、变革，集中表现在用笔、用墨及意境表现上。如“水晕墨章，兴乎唐代”，遂有破墨、泼墨之妙，唐代山水画崇尚形式法度，中国画史上有“唐尚法”一说，主要体现为唐代山水画重写实、质感及空间等客观法度和表现过程中的全景式、皴法等的形式法度，王维，赵斡、董源的作品可为代表。“宋尚意”，两宋的山水画以水墨为主，清雅灵秀，主要体现为对意境的追求，突破了客观现实对象外表上的束缚，其代表人物是“宋四家”。元代山水画色调中出现了浅绛，“元尚趣”元代的山水画主要表现为重情趣、重墨趣，其代表画家则是“元四家”，在欣赏活动中若同时将这三个时代诸家的代表作向学生展示，引导学生进行历史的纵向观察比较，学生定然会有许多的顿悟和妙会②。
除了横向比较和纵向比较外，还人求同比较、反差比较等指向性的比较观察法，其目的都是引导学生在观察中发现美术作品在表现客观世界和主观世界时的规律、特点，促进美术文化知识的掌握，实现对美术作品人文内涵、精神境界、思想意蕴的探究，达到解惑的目的和提升审美修养的目的。
综上所述，观察能力是学生学习活动中的重要能力，它不仅是美术欣赏所不可或缺的能力，也是人的各种学习、实践活动所应有的能力。新一轮的课程改革中，知识的学习、能力的培养，已被提到关系学生可持续发展的高度来认识，对观察能力的培养，不仅于学生今天的多学科学习是必要的，更是人的终身发展所必需的品质。因此，观察能力的培养至关重要。美术欣赏在培养学生良好的观察能力中功不可没，因为它并不将艺术看作纯艺术，而是将它作为一种培养人的能力的介质，所以“就可以在视觉教育方面起到最好的作用，因为它早已注意到，形状、物体、事件等等通过展示自身的本质，能够唤起使人类认识自身的更深刻和更简单的‘力’，这就是我们运用自己见到的东西进行的思维所能获取的奖赏之一。”③高中美术欣赏课反映的教育、培养意义由此得到了有力的说明与肯定。
参考文献：
①《全日制普通高级中学艺术欣赏课教学大纲（初审稿）》，1997年。
②吴廷玉、胡凌《绘画艺术教育》，人民出版社，2001年版，第四章。
③［美］鲁道夫·阿恩海姆《视觉思维》，光明日报出版社，1986年版，第451页。
【关键词】艺术概论 教学方法 启发教学 案例教学
一、教材与教育资源的选用
当前，国内主流的《艺术概论》教材有十几个版本，分别为各个不同高校的艺术专业作为教材使用，但随着时代的变迁、社会的发展、艺术界日新月异的变化，艺术活动不断出现新的内容，因此艺术概论的教学内容也处于不断更新与修订的动态环境之中。而一般教材中的内容和最新的发展之间往往存在一定的滞后甚至是矛盾的地方，因此，在教学中，笔者更注重按照学习的时代特点，引入大量现实案例来说明相关的艺术理论。以艺术活动、艺术作品、艺术现象为导向，以艺术理论、人类文化、社会演变为拓展，这样可以缩小教学与实际脱节的距离。作为本科教材，不能局限于讲明白“是什么”，还要让学生知道“为什么”。同时，在运用教材时要注重分层次进行，根据学生的不同专业、不同基础、不同学习能力规划实施教材内容的主次和重点的划分。
在艺术概论课程中应用现代教育技术，已成为教育现代化的一个重要主题，这种新型教学方法以学生的自主性、探索性学习为基础，培养其主动探究和创新实践的精神，提高了学生的学习能力。“90后”大学生在新的生活环境中成长、生活，身边充满了动漫、微博、网络游戏、流行音乐、3D视频影像等新型元素，这种成长环境影响着他们学习艺术的方法和内容。在教学过程中，笔者利用某网络平台建立了自己的教学博客，学生通过博客向教师提问，提高了学生学习的灵活性，也让他们有了自主学习的空间和时间。而教师的回复也可及时为学生扫清学习的障碍。教师将这个网络上的课堂作为传统课堂教学的延伸，以布置思考题的方式，引导学生利用网络教育资源，欣赏名画、名曲、视频影像，关注名人访谈、人物传记、艺术市场变化等，扩展了学生的学习视野。
二、启发式教学
教师在教学过程中要创造性地运用艺术媒介，通过激发学生的学习兴趣和积极思维来促使学生主动获得知识。比如，讲解艺术作品的文化意义专题时，就应该启发学生，让他们认识和理解优秀艺术作品所包含的人类文化的普遍性和思想性。这种启发学生主动参与的学习过程会令学生印象深刻。我们在解读哈利·波特这个让无数读者为之倾倒的艺术形象的时候，可以通过分析哈利·波特之所以能成为继米老鼠、史努比、加菲猫等卡通形象之后的又一个成功的儿童偶像的原因，说明了艺术作品是艺术家创造的，反映了艺术家对其所处时代生活的认识体验和思考。继而指出，优秀的作品是时代精神、民族精神的体现，而且会在历史、现实和未来的时空里无限地开放。
在课堂教学中，笔者让学生介绍和评价家乡具有地方特色的艺术形式和艺术活动。这些艺术形式和艺术活动拥有各自的地域文化特征，可以成为今后学生艺术创作的独特性来源。笔者与学生一起探讨模仿秀比赛、艺术评奖活动（如奥斯卡奖）等的评价标准，感受艺术接受和传播方式的历史性变迁，通过多媒体视觉作品展示，让学生关注艺术作品在现代艺术媒介中传播的多元化，启发学生思考艺术概论课程中涉及的艺术趣味、文化观念和意识形态等相关问题。在这个教学环节中，教师要以艺术活动、艺术现象为例证，要生动、鲜活地阐述艺术的发生、发展和社会功用，用艺术理论评析艺术作品、艺术家、艺术创作、艺术欣赏等诸元素，给予学生比较完整系统的理论体系。教师在讲解中通过生动、贴切又言简意赅的艺术语言，使学生在快乐的学习氛围中茅塞顿开，进而达到理想的教学效果。
三、案例式教学
案例式教学作为一种动态的开放教学方法，提倡师生在课堂上的互动，使学生在学习中主动学习、善于探索和敢于思考。在艺术概论课程教学中让案例教学贯穿于课程的每个专题之中，并且得到全方位的运用。案例式教学包括开篇案例和总结案例，开篇案例是将人类艺术活动的实际案例导入每章研究的专题，激发学生兴趣和探索的愿望，这样可以最大限度地避免学生在没有任何感性认知的基础上，直接接触高深理论而产生厌烦和抵触的情绪。由教师将开篇案例作为主导，结合理论，讲授相关教学内容。总结案例则是在该专题讲解完成时，由学生运用所学的理论分析艺术现象和涉及的艺术问题等。此时学生作为教与学的主体，自由分组讨论和总结发言，教师发挥引导和点评的作用。
例如，在讲艺术家与艺术作品的关系专题时，笔者引入国际艺术品拍卖会上作品《呐喊》的拍卖案例，通过播放精心剪裁的视频资料，有意识地展现当时拍卖现场竞价的激烈，以及最后赢家支付1.199亿美元等相关资料，加深学生认识爱德华·蒙克的版画创作生涯和特殊的人生经历，以及其艺术风格形成的原因和背景，并通过插入艺术品鉴赏、艺术品分类、艺术市场等相关知识的解读，引出艺术作品是艺术家在艺术上被客观化、社会化的自我，也是艺术家创作能力和自身成就体现的教学内容，可让学生产生强烈的共鸣。而该专题结束时，教师布置了2011—2012年全球艺术品拍卖排行榜作为案例，并围绕下列问题让学生展开讨论：1.艺术作品与艺术家是何种关系？2.艺术家如何通过艺术作品显示出自己的艺术风格和艺术追求？3.如何理解艺术家、艺术作品、艺术市场的关系？以具体艺术对象为代表，分析这些关系对艺术投资的影响。这样，学生不仅可以领会课堂所学的理论知识，还可以锻炼检索文献和资料的科研能力，尤其对于第3个问题，由于没有现成的答案可以借鉴，还可以锻炼学生分析新鲜事物的能力，这样就让课堂教学延伸到了课外，使理论联系了实际，从而达到一举多得的教学目的。
四、实践式教学
就现在的艺术概论课堂教学而言，教学内容往往与学生实际接受水平有着一定的差距，如果枯燥地照本宣科，只会使听课的学生感到厌倦和无趣，也让他们对以前从未接触过的艺术理论如在云里雾里，不知所云。笔者认为，教学中要在充分考虑学生主观条件的前提之下，注重学生接受过程的各个阶段。如在艺术传播与接受专题的教学中，应该让不同专业的学生通过社会调查和亲身体验，加深对课程内容的理解和掌握。笔者带学生参观青岛博物馆、美术馆和展会时，现场讲解艺术品展示的选择标准、排列方式和类型划分，让绘画专业的学生对青岛的画廊、文化市场进行调查走访，使学生懂得了艺术生产、艺术消费之间的密切联系和矛盾对立。对于环境艺术设计专业的学生，我们联系相关设计公司，让学生进行城市家居装修设计的现场观摩，通过学生与设计人员和客户的交流，了解了当代艺术设计的现状与需求。在活动中，学生获取了数据，加深了体会，最后让学生结合自己的艺术实践，选择具有代表性的艺术问题，运用所学理论进行书面归纳和图表分析。事实证明，这种教学方法能有效提高学生对艺术概论课程的学习热情，增强他们对艺术理论与艺术实践相结合的认知，而且对他们的毕业论文写作和毕业设计的构思等都具有实用性。在实践教学设置、进行和总结时，教师应提醒学生现在进行的是课程中的哪个专题、哪个环节，要讲思路，讲重点和难点。
五、考核评价的创新
艺术概论课程考核的目标是为了帮助学生更深刻地理解课本知识，培养学生的实践能力和创新精神。考核手段的设置应改变传统考试的思路，在考核评价体系中将课程内容分解成若干个专题，让学生有选择性地对自己感兴趣的内容进行主动探究，这样容易取得较好效果。鼓励和引导学生通过查找文献资料、利用网络资源等方式对相关艺术家、艺术作品或艺术流派等进行专题探索。要求他们在规定时间内以小论文、小视频、小动漫、小课件等多样化的形式将涉及的艺术理论阐释清楚，这样就可以让学生通过“学”而“知”，通过“做”而“懂”，改变学生过去考前突击背书，以期末成绩作为唯一的评价指标，同时也避免了学生所学的知识考完试就忘掉的情况。
结语
高校是我国培养高层次专门人才的主要阵地，教学方法的改革对培养创新人才具有至关重要的作用。艺术概论的任课教师首先必须及时更新授课内容，将学科最新成果引入教学。其次，教学中运用多种教学手段，如在案例式教学中，要努力做到案例的经典性与时效性相结合；多引用在学生身边真实发生的、真实存在的、当代的艺术现象，这样会更具有针对性，更容易让学生理解，更容易让学生产生共鸣。最后，教师在重视教学的同时，要以教学启发、推进科研，以科研反哺教学，促进教学和科研的互相发展渗透，形成一个互动的统一过程，以真正有效地为社会培养出高水平的艺术人才。
（注：本文为青岛大学2011年教学研究项目课题“《艺术概论》课程课堂教学模式创新研究”（序号JY1171）结项论文）
参考文献：
[1]邹跃进.艺术导论[M].北京：高等教育出版社，2008.
[2]孙津.美术批评学[M].哈尔滨：黑龙江美术出版社，1994.
[3]杜卫.美育论[M].北京：教育科学出版社，2000.
[4]苏霍姆林斯基.教育的艺术[M].长沙：湖南教育出版社，l983.
一、公共艺术教育的研究现状
笔者通过2009年底之前对公共艺术教育研究的期刊论文和学位论文的统计分析，得出目前公共艺术教育研究的内容与范围主要有17个主题项，即“课程、现状与对策、功能、教学、改革、艺术教育体系、师资、国外艺术教育、特征、教育价值、经验总结、艺术团建设、教育模式、教育理念、教材、音乐教育史和其他”等。从归纳出的公共艺术教育研究的17个主题项中可以看出，其内容与范围在一定程度上可以说是基本覆盖了公共艺术教育的研究领域。其中的“课程、教学、现状与对策、功能”等四个方面所占比例较大，属于目前研究的热点。公共艺术教育的“艺术教育体系”、“师资”、“特征”、“教育价值”、“经验总结”、“艺术团建设”、“音乐教育史”和“其他”等方面的论文研究也已开始起步，在此笔者将之归类为研究的非热点。为了解公共艺术教育的研究现状，笔者通过公共艺术教育的研究热点进行分析。
1．课程
自《全国普通高校公共艺术课程指导方案》实施以来，许多普通高校相继开设了部分公共艺术课程，但“因学校而异、因学生而异，缺乏学体系、教材和评价标准，公共艺术课程开设缺乏全局性。”②公共艺术教育研究中，对于课程方面的研究在期刊论文和学位论文中的比例分别占到26．24%和26．56%，分别位居第一和第二位。对于课程方面的研究主要是对课程现状与对策、课程的作用、课程设置、课程体系、课程管理、课程模式、课程改革以及等方面的探讨，学位论文中对于公共音乐教育课程的探讨比例较高。关于公共艺术教育课程现状与对策的研究，主要是通过分析公共艺术教育的现状来提出相应的对策或建议。在公共艺术教育研究的学位论文中，关于课程的研究主要是从具体的课程和课程内容来研究。这些研究主要是探讨公共艺术教育课程内容，即哪些艺术课程可以进入公共艺术教育，并对其价值及其可行性进行了较为细致的研究。
2．教学
公共艺术教育研究中，实际上课程与教学是密不可分的，本文对于公共艺术教育研究中的课程研究与教学研究的分类是建立在研究的具体情况之下的。当然其中也不乏一些课程与教学混杂在一起的研究，为研究方便，笔者只能根据其侧重面对其进行区分。对于教学方面的研究在期刊论文和学位论文中的比例分别占到12．13%和27．34%，分别位居第二和第一位。对于教学方面的研究主要是对教学方法、教学改革、教学内容等方面的探讨。关于公共艺术教育教学方法的研究，如甄巍的《多媒体教学法在高师院校艺术鉴赏课中的运用》，主要阐述了多媒体技术在艺术鉴赏课中的运用;张静的《高校公共艺术教育音乐欣赏课教学方法的探究》，提出了音乐欣赏课中“以‘兴趣’为主线的教学方法”、“以学生‘参与’为主体的教学方法”、“以‘电教媒体’为手段的教学方法”、“以‘户外课堂教学’为深化素质教育的教学方法”;张思镜的《高校公共艺术课音乐审美教育教法探索》提出了音乐审美感知教学与音乐审美情感体验教学两种施教方法。关于公共艺术教育教学改革的研究，李琳的《探究高校公共音乐课程教学的意义及改革方向》认为，对高校开设的公共音乐课程教学标准进行规范很有必要，需要从观念和方法两主面入手。唐圣菊的《高等农林院校公共艺术教学改革探讨》提出了农林院校公共艺术教学改革的思路:创新课程设置、刷新教学方法、整合教学资源、改革评价体系。彭渊的《浅谈普通高校舞蹈教学改革》“以舞蹈选修课教学和舞蹈团队培养两方面为切入点，以多元舞蹈文化的学习和多元舞蹈活动的参与为特色，从教学内容和教学手段两方面入手进行教学改革，力图探寻一条适合普及型大学舞蹈教育发展的新模式”张丽波、崔全顺的《构建高师生态式公共艺术欣赏教学模式初探》对教学改革提出了“生态式教学模式”，即从过去各学科的无限分裂走向新的融合，使各学科之间形成一种生态关系。关于公共艺术教育教学的内容研究，黄小明的《浅谈高校艺术教育教学》中提出艺术教育教学诸因素的整合。
3．现状与对策
我国的艺术教育因受到国家重视而进入一个新的发展时期。从某种意义上讲，各级教育管理部门和学校的领导对艺术教育的重视关系到“新世纪我国知识型创新人才”的培养。但这是一个漫长的过程，不可能一蹴而就。尤其在普通高校，艺术教育正处于一个“蒸蒸日上”和“理还乱”的双重时期。公共艺术教育研究中，对于公共艺术教育的现状与对策方面的研究，在期刊论文和学位论文中的比例分别占到22．03%和16．41%。对于公共艺术教育的现状与对策的研究，研究者主要是对目前的公共艺术教育现象的描述，代表性的研究如:刘张飞的《高校公共艺术教育的异化现象及其回归路径》，曹思淼的《普通高校艺术教育存在的问题与对策研究》，樊中红的《普通高校艺术教育的现状与对策研究》，白朝晖的《高等院校公共艺术教育刍议》，马建华、高曼曼《高校艺术教育存在的问题及策略分析》，周小海《关于普通高校实施艺术教育的思考》认为，当前普通高校在实施艺术教育中存在的主要问题是:领导不重视，置艺术教育于附属地位;艺术教育经费不足，教学资源匮乏;艺术教育师资“量少质差”;艺术课程建设和科研工作滞后;管理薄弱，机构不健全。解决上述问题转变观念是前提，提高素质是关键，构建课程结构、教育环境是条件，健全机构、提高管理水平是保障。
4．功能
公共艺术教育研究中，对于公共艺术教育的功能方面的研究，在期刊论文和学位论文中的比例分别占到20．05%和6．25%，分别位居第三位和第四位。关于公共艺术教育功能的研究主要是从四个方面来研究的。
(1)公共艺术教育对大学生素质拓展的作用关于公共艺术教育对大学生素质拓展的功能研究中，普遍的观点是“艺术教育和素质教育有着共同的培养方向，就是使受教育者成为素质全面发展的人。艺术教育为实现素质教育的总体目标提供了生动的教育手段和教育内容，成为受教育者最易接受的、最有活力的一种教育形式”。③
(2)公共艺术教育对构建和谐校园文化的作用黄丽娜和余育新在《试论公共艺术教育对构建和谐校园文化的作用》中，根据和谐校园文化的人文性、多样性、融合性、创新性、传承性特点指出，“公共艺术教育为校园文化建设提供人文指导”、“公共艺术教育为校园文化建设提供艺术内容”、“公共艺术教育为校园文化建设提供审美指导”、“公共艺术教育为校园文化建设提供创新源泉”。
(3)公共艺术教育的德育功能孔宪峰和周秀红的《公共艺术教育促进德育的理论回归》从理论层面上通过挖掘艺术与艺术教育的本体价值，指出艺术教育发挥德育效应的理论建构涵盖着从“审美”到“立美”的转化、“立美”到“立德”的统一、“立德”到“立人”的升华这三个重要环节。李林和许媛媛的《美育与德育兼重———略论高校公共音乐课的功能内涵》同样指出:“高校公共音乐课是对大学生进行音乐艺术教育的重要途径，也是校园文化建设的重要组成部分。它以美育为核心，在音乐教育中进行德育渗透，从而达到育人的目的，使其功能内涵得以充分显现。”由此可以看出，艺术教育的德育功能观念由来已久，公共艺术教育的德育功能观念在人们心目中还是根深蒂固的，在公共艺术教育研究中还是占有相当的比例。
(4)公共艺术教育与大学生创新能力培养薛芳的《浅析公共艺术教育在培养大学生创新能力中的作用》认为:创新是时代的主题。艺术教育以其特有的属性，在培养大学生创新能力方面是有所作为的。艺术教育能够培养人的直观洞察力、想象力、创造力，从本质上讲就是一种创新教育。贾昕东的《大学生艺术素养和创新能力》指出:“创新能力的形成和发展是智力因素和非智力因素相互作用的结果，其中非智力因素是创新能力形成和发展的动力系统，艺术素养属于非智力因素并贯穿于大学生创新活动的全过程，起着至关重要的作用。”康尔《论公共艺术教育与创新人才培养》提出，“公共艺术教育，有助于唤醒创新意识，有助于牧养创新精神”、“公共艺术教育，又呼吁开发创新潜力，有助于训练创新思维”、“公共艺术教育，有助于认知创新规律，有助于借鉴创新方法”。从以上对公共艺术教育热点问题的研究现状，反映出目前公共艺术教育的研究尚处于现象描述、经验总结的浅层次阶段，对于公共艺术教育的发展虽然起到了一定的推动作用，但是效果不是特别明显。
二、从需要理论看公共艺术教育的研究现状
公共艺术教育研究的目的，是为教育实践服务的，即为公共艺术教育的课程、教学等提供理论依据。但是目前研究大都停留在浅层次的现状描述、经验总结等方面，研究深度显然不够。以行为心理学的视角审视这些研究成果，可以发现这些研究者研究行为的发生与表现，“与人类的各种行为一样，都具有一定的动机与目的，都由其背后的、内在的、体现在研究主体生理与心理方面的动力所启动和驱使。”④这种启动和驱使是公共艺术教育研究行为发生与表现的原驱动力，在研究主体心理意识中的反映即是他们的研究需要。“需要引起动机，动机支配行为，行为的方向则是寻求目标以满足需要。”⑤人的行为模式清楚地表明，人的行为是由需要引起的，需要产生动机，动机引发行为，而行为的目的主要是为了满足需要。对公共艺术教育研究现状的研究，不应忽视研究主体研究行为的起点———“需要”这一重要环节。所谓“需要”是指个体在社会生活中感到某种欠缺而力求获得满足的一种内心状态。人是生命有机体，又是社会的成员。人为了维持生命和延续种族，对饮食、穿用、居住、安全、婚育等都有需求;为了推动社会的发展，对生产劳动、人际交往、价值实现等同样有所需求。这些客观需求在人的意识中就成为人的需要。简单地说，需要就是人对某种目标的渴求或欲望。需要能够推动人以一定的方式进行积极的活动。需要被人体会得越强烈，所引起的活动就越有力、有效。“人类有多种多样的需要，不同的人有不同的需要，不同的社会和不同的历史阶段的人也有不同的需要。”总结人的一切需要，就其发展过程来看，可以分为自然性需要和社会性需要。自然性需要也称生理性需要，是指为了延续与发展生命所必须的客观需要，即对衣、食、住、行、性、安全等方面的需要。社会性需要是人们在社会生活中逐渐产生的，如从事政治、科学、艺术、宗教等等的需要。社会性需要是人社会化的产物，是人类独有的，与动物需要有本质的区别。
人的需要随着社会的发展而发展，在不同时期、不同阶段人的需要是有所侧重的，而且人的需要也是不断转换的。针对通高校公共艺术教育研究者的需要，可以概括为生存需要和学术需要两大类。公共艺术教育研究者的生存需要区别于通常意义上的诸如“生理”、“安全”等需要，在此特指以获取现实功利为目标的物质性需要，既包括学者维持与其地位相称的基本生活条件、学术资源的需要，也包括攫取名利的需求。⑦学术需要是指研究者以追求知识为目标的学术自身的求真本意的需要。也就是说，研究者从事学术研究的最主要、最直接目标是塑造高质量的学术成果，即所谓“学术精品”。“学术的本性是排除任何现实性功利追求的。学术的生命力在于对知识、智慧、真理的追求，它是一种知性的召唤、道德的践行。”⑧公共艺术教育的学术研究本身并不排斥对功利性的追求。但是在普通高校中现行的科研奖励制度和职称评定制度等的功利主义倾向，使得研究者在利益驱动下的生存需要取代了真理驱动下的学术需要。现行的科研管理制度“把量的标准置于其他价值认定标准之上，把质的高下简单约化为量的多少”。“当这种量本位标准被‘锁定’时，量的追求就演变为学者们的‘生存本能’，以知识追求为本性的需要就让渡于以现实利益的获取为目标的‘生存物质需要’。”⑨因此，也可以说，公共艺术教育研究者的需要是与现行的科研管理制度和职称评定制度直接相关的。正是这些制度性的要求使得公共艺术教育研究者的需要从以追求知识为目标的学术自身的求真本意的“学术需要”转向了以获取现实功利为目标的“生存需要”，最终导致“学术失范行为失控”。
