时间：2022-05-08 05:09:26
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇美术艺术论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
一、民间美术对油画创作的启示
中国民间美术最突出的特点就是包含独特的色彩体系和造型体系，这对中国油画创作的技法和观念而言无疑具有指导意义。
1.民间美术中的色彩体系对油画创作的启示
首先，主观性色彩对油画创作的启示。当前，很多油画家为获得理想的画面效果，在色彩的应用上发挥主观性的特点，主观色彩也成为艺术家表达绘画理想的重要途径。与油画色彩体系类似，民间美术中的色彩体系也具有主观性的特点。民间美术的色彩多蕴含吉祥、喜庆的寓意，表达了人们对美好生活的向往。同时，民间美术色彩的应用很少受到原有色彩的局限，创作者主要根据喜好进行施色，用色更加自由。艺术是相通的，油画创作中的主观色彩也可借鉴民间美术的主观色彩，汲取民间美术色彩的营养，更多地体现油画的民族化色彩和民众的精神需求。其次，艳丽、和谐的色彩对油画创作的启示。在民间美术创作中，创作者在运用色彩时多遵循高纯度的色相对比和补色原则，所应用的色彩艳丽而深受大众喜爱。高纯度的色相对比，就是应用单纯的颜色和不同程度的色相对比满足受众的不同审美需求。而补色的运用则更为广泛，如具有极强装饰性的农民画、唐卡等。油画也主张用色奔放，这与民间美术用色十分相似，因此，在油画创作中可借鉴民间美术中对比色的经验。最后，色彩象征意义对油画创作的启示。民间美术随着民族习俗和生产生活发展而来，其色彩中包含了丰富的人文精神和历史文化内容，表达了人们对生活的期望。文化具有多样性的特点，因而色彩所传达的含义具有差异性。这使得民间美术中色彩的象征意义更加丰富多彩。油画创作同样需要象征意义的色彩，为此，画家可充分借鉴民间美术中的色彩象征意义，将情感与色彩相交融，利用象征意义表达概念，以此体现民族精神。
2.民间美术中的造型对油画创作的启示
中国的民间美术在造型上具有独特的个性，更多地体现主观想象的造型观念，这与民间美术的形成过程有很大关系。劳动人民在创作时偏向用直率、朴实的方式体现自己的主观情感或愿望，并未遵循科学、理性的观念。因此，这有利于突破时间和空间的限制，塑造很多现实中不可能存在的场景，这反而让民间美术中涌现出各种意想不到的造型形式，使民间美术造型变得富有创意、多元化和抽象性。油画创作可从中得到启示，如利用中国民间美术中的超时空、阴阳五行观造型观念等，或运用传统象征图像、阴阳对换等对形象进行变形，以获得别样的艺术效果。
二、结语
油画现已是中国文化中缺一不可的组成部分，并突出表现在对中国民族语言的探索方面。中国油画艺术若一味地沿袭西方艺术思维，而没有与深厚的民族传统文化相结合，则必然会使中国油画缺乏艺术灵魂和精神内涵。这样油画艺术就远离了受众的审美期待，必然会陷入困境。因此，油画艺术家应积极借鉴民间美术中的精华，在创作中灵活借鉴，实现融合，才能推动中国油画艺术不断发展。
作者：冯超 单位：湖北工业大学艺术设计学院
艺术教育的目的不同于科学教育，其目的是培养学生要具有高尚的爱国情操，丰富学生的精神生活，通过美术作品的熏陶，让学生的产生艺术魅力、艺术灵感、艺术共鸣、艺术感染力，让学生不断积累和不断丰富爱国情操、审美情感，使学生感悟到有一种心灵之间的纯洁之美、高尚之美。例如：让学生在课堂上欣赏张大千的国画作品《千里江山图》时，画幅中展现的烟波飘渺、连绵千里、重峦叠嶂，一波万里，散发着无与伦比的光芒。《千里江山图》展现的出来的景观何其雄伟壮观，关键在于细节的刻画上，将自然界无穷变化的自然形象比如茂林修竹、飞流瀑布都刻画的惟妙惟肖、多姿多彩，无论是幽绿茂密的树林还是连绵不绝的山峰，都没有一样类似，其之间的精美生活空间相融合，如野村小市、楼台亭阁还有小船人家等幽幽景观，无一都刻画的恰到好处。通过这些景色的深刻绘画，将祖国的壮丽河山都呈现在学生绵延，使其学生在情感上有深刻的触动，感觉到我们的国家是非常美丽的，油然而生一种爱国情感，提高对国家的热爱之情，更加的积极学习。还有展子虔的《游春图》、范宽的《富春山居图》等，通过这些作品的欣赏，让学生自然产生一种爱国情感，一种崇高的爱国情节。美术的魅力是无法比拟的，也是艺术教育特色展现的一面，也是美术教育在艺术教育中的完美体现。
二、培养学生崇高的审美情操，加强学生的艺术情感
艺术教育可以爆发学生内在潜力，非普通教育所能比拟的，培养学生的个性发挥，是对学生的道德、意志以及气节、个性等心理因素进行完美触发的特殊教育。比如，在课堂上我们欣赏中国传统绘画《溪山行旅图》的时候，首先会感觉到这是一副描绘山水画的巨作，笔墨浑厚，气势磅礴，仿佛画里的山峰耸立于我们面前，山峰嶙峋，挺拔坚硬，让后直落千尺，将整个山川的生机与活力展现的淋漓尽致；山尖茂林密密，山腰巨石突起，老树盘根，山间小溪可以让人感觉到潺潺水声；古道上驼队的点缀，更是加强了生命力。宏伟磅礴的挥笔用墨，将国画技巧运用到如此精准，气象宏伟的自然景观，把无法用语言来表达的独特意境得到充分的展现。一部作品给学生的审美情操更是有一种特殊的情感，让学生对祖国的大好河山有着自然的爱慕，这种特殊的爱慕情感会让学生感受到，以画感人，了解祖国文化的多元化和丰富性，加强学生对不同文化的尊重和热爱。教学中，将学生的情感融入，使其学生可以亲身体验到国画的灵魂、国画的传神、国画的自然巧妙指出，通过整体的方式来感受，让学生感受到美术专业对他们人格魅力的熏陶；用美术的角度去感受，是艺术教育的完美表达；以传统教育去体会，是传统教育所展现的情绪反映以及情感上的完美体会。
三、培养学生的生活实践的能力，加强学生的艺术情感
艺术对象创造出懂得艺术和能够审美的大众，艺术是按照美的原则来触发灵感创造作品的；反之，也会对学生从心灵上起着没的教育熏陶和情感上的作用。艺术是一种听觉和视觉相互融合相互传神的过程，它将有艺术的和谐力、节奏的感染力来体现生活、表达生活、热爱生活，通过栩栩如生的形象和身临其境的意境来触发学生们的大胆想象力和丰富的联想力，最重要的是心灵上的触动也必须是由感性来呈现出来的。艺术所反映的是生活现实的一面，是心灵触动之后的一种自然感悟上的冲动，将现实生活的心灵化与艺术作品的心灵化完美融合。艺术家用心灵的呼喊或心灵上的动态、线条以及色彩用美术的形式来创造作品，正式艺术家通过作品向世人表达心理和传递情感的一种体现，更是艺术家带给世人生活上的感受和感悟，对生活上的向往和体现。例如，在课堂上学生们在观赏齐白石老先生《虾》的作品时，就能从这幅绘画中感受到独特的艺术风格的展现，以及齐白石老人独特的人格魅力的体现。学生们需要学会用不同的方式去展现自己，对于学生来讲，自我展现的机会越多，就会最大的限度的去挖掘自己内在的潜力。美术专业为学生建设了创建展现个人情感的发展性及可能性的，在美术专业教学中，不仅要学习美术本身的基本知识、技能、技巧以外，而且还要涉及到历史、地理、政治、自然等方面的知识补充。通过艺术教育，可以帮助学生提高见识、增强思维能力等具有新时代的个性空间发展的空间的全面发展。
四、培养学生个性的创作能力，逐步成为创新型人才
艺术教育的最终目的是培养学生的个性的创作能力，加强学生创新的能力，也是完善和全方位增强学生基本素质的教育，在创作活动、创作思维的过程中，让学生的人格魅力得到全面的培养，使学生在通过自己的灵感去创作自己的美术作品的时候，可以表达学生对整个人类环境、对祖国的大好河川、对社会文明有深刻的认识，然后通过这种思想情感，让学生逐步去寻找内心的自己，慢慢的认识自己、最后掌握自己，了解当今时代的传统文化，使学生的艺术感得到升华；提高学生的自身素质，丰富学生的文化修养和底蕴。美术专业在艺术教育中的完美之处就是在于培养学生自己独特的创作能力，让学生把对现实生活的感受、美丽景观的感叹、当今社会文明的感悟用艺术的形式表达出来，使学生把生活中的真、善、美用美术专业的独特魅力去展现自己认识的美、自己人生的独特，用美术专业的方式去激发学生对创作的追求、刺激学生的创造欲望，培养学生的创造能力，爆发学生的创造潜力。当代艺术教育有着特殊的历史使命感，只将赋予艺术教育的独特创意，将美术的形象、色彩、形态可以完美的融合，才能体现出艺术的奇迹，艺术的真善美。培养学生艺术的想象力，扩展艺术的联想力，爆发学生的灵感，永远都从创意的角度去展现艺术的独特魅力。
五、加强美术教师教师素质的培养
美术教师自然是美术专业的重要力量，本身所具备的素质好坏、能力高低会直接影响到美术教育的效果。
（一）不断充实美术教师的专业知识
不断提高自身知识的掌握能力。当今社会，科技经济告诉发展，艺术也更多元化，新的艺术形式不断出现。因此要结合时代的要求培养美术人才，美术教师要不断更新的自己的知识体系，把“专”“精”的知识体系与“博”“深”“广”相结合。
（二）加强美术教师教学能力和美术创作能力
美术教师若能是有理论知识、教学方法、创作能力三者结合的理想教师，那是完美的境界。有创造能力的教师，一般专业技能和技巧也会较强。这类教师一般在基本的功的训练上，在引导创造行，都会影响学生。所以，高水平的教师会培养出高水平的学生。在这里特别注重一点，当今社会创造要有时代的精神的体现，敢于大胆摸索新的方法、创造新的艺术语言与表现手法，从而创造出有个性、有风格的美术作品。
六、教学方法的改革和实施
目前社会都在积极地推行如何改革传统的教学方法，建立现代的教学体系，来培养符合新时代要求的人才，从以下几个方面来探讨教育方法和思想的改革：
（一）改革三中传统教学观念
首先是改变教学质量观，树立完善全面的教育质量观；其二改革单一的教学观，树立多个教学观；其三改革整齐的教学观，树立灵活多元化的教学观。第一中教学观念最重要。通过事实发现，知识、智力、和非智力的因素是衡量教学质量的标准，基础是知识，重点是智力，前提是非智力，三者必须完美的结合起来，才能达到教学质量的理想效果。
（二）改革传统堂课气氛
调动教师与学生在美术课堂的互动积极性，是实现教学目标的重要途径。在美术教学过程中，学生的学习动机、兴趣、心情、态度与美术教师的交流配合，都会成为影响教学质量的因素。如何提高学生的兴趣，关键在于教师提供的内容和教学方法；学生乐趣在于教师的指导和学生的收获；学习中矛盾的解决关系教师的灵活处理。美术课程最佳的教学效果，是教学要素各个最优化的综合效果，取得最好的教学效果，关键要靠有强烈能动性作用的教师，在于美术教师对所有教学因素最佳的设计和实施，更主要是学生自身主动学习的积极性。
（三）实施启发式教学方式
随着二期课改的不断深入与发展，人们的各种教育观念也在不断更新，美术教育的内涵也在日益丰富。教师在“以学生发展为本”的教学理念指导下，应当改变以往单一的教学模式，在如何优化美术课堂教学方面大胆尝试、不断创新，使美术课堂教学优化为生动活泼、充满活力的教学过程。
第一、激发学生的学习兴趣，是优化美术课堂教学的重要前提。
兴趣是学习心理中最现实、最活跃的因素，它能够成为学习的直接动力。能否激发起学生的学习兴趣，是打开学生心扉、提高教学质量的捷径，也是优化美术课堂教学的前提。从兴趣入手，调动学生的学习动机，充分利用美术学科的特点优势来激发学生的学习兴趣，如在美术室注意环境布置营造气氛，教学中除了运用实物教具和挂图等简单手段，还运用音乐、幻灯、投影仪、电视录像、多媒体等电教手段来激发学生的学习兴趣，在美术课堂教学中如何激发学生的学习兴趣呢？
（一）应用多媒体手段辅助美术教学，增加美术课堂教学对学生的吸引力。
在信息技术日益发达的当今社会中，现代教育呼唤教学手段的现代化，运用多媒体技术辅助美术教学既是当前教学改革的必然发展趋势，同时也是推进素质教育的一种必然要求。与传统教学手段相比较而言，现代多媒体教学的实效性强，有省时、省力、直观、灵活、生动、节奏快、容量大等特点。比如，在七年级的《结构素描》一课中，运用FLASH动画可以将“近大远小、近低远高”的透视规律直观地呈现出来，使学生一看就懂、一学就会；还可以在FLASH制作的运动画面中随心所欲地变化字体，使学生从中掌握美术字体的变化规律，同时大大提高学生的学习兴趣。再如：在以往的美术欣赏课的教学过程中，教师的资料来源往往局限于书本图片或几本书籍、杂志中的精彩图片，但那一张张小得可怜的图片使学生即使睁大眼睛，也看不清楚。如今，教师可以在课堂教学中运用多媒体技术，导入各种信息，并有机组合，声形并貌，这样，学生无论在课堂的任何角落都能看得清楚，也不会因为教师的语言不够生动、演示的画面过小而对美术失去兴趣。随着“校校通”的开通使用，一个美术课件可以为多所学校下载，网上资源可以共享，使得美术课堂素材更加丰富，有限资源得到无限使用。可想而知，只要老师能够充分地发挥多媒体的作用，对美术课堂教学来说，无疑大有裨益。
（二）拓展美术教学材料，丰富美术教学课程的内容。
当今的美术在现代艺术材料和艺术技术、交流传播媒体、视觉研究和信息技术的冲击下，在表现手法上已经发生了巨大的变化。这就要求老师用发展的眼光对待美术教学和学生，而不能只停留在教授学生掌握某种绘画技法上。比如，在七年级的《标志设计》一课的教学过程中，老师可以让学生采用即时贴进行剪贴的方法制作和创意小队活动的标志，从而塑造可爱、活泼、健康的小队形象，这样既省时、省力、又符合初中生好动的心理特点。美术材料的日益更新使得老师在设计教学思路和教学方法上有了拓宽思维和想象的空间，如鸡蛋壳工艺画的制作体现了变废为宝的环保意识，版画的制作体现了这种绘画流程给人带来的视觉美感和；再如，在八年级《纸的造型艺术》一课中，老师不仅仅要教学生纸的剪、折、裁、叠、卷等方法，还要使学生了解和感受到不同材质的纸张的制作特点，更主要的是让学生怎样运用学到的知识和技能美化自己的生活，做到学以致用，这就大大提高了学生的学习热情。
第二、创建轻松愉快的课堂教学氛围，是课堂教学的关键。
课堂氛围是师生共同在课堂上创造的心理和环境氛围。良好的课堂氛围能增进师生的情感交流，会产生更多的师生互动，学生愿意更多地表达自己。如何创建轻松愉快的课堂教学氛围呢？
（一）充分运用教师语言的艺术。
课堂并非是老师的一言堂，因此老师的话不一定多，但要能给学生以启发和引导。老师就象是一位出色的演讲家，充分展示自己的教学语言艺术，言词中透露着思辩与智慧，话语中体现着幽默风趣、语调中包含着抑扬顿挫。老师在主导教学时应努力营造出一种宽松、愉快的课堂氛围，针对不同类型的学生，提高他们的学习主动性，使学生在繁重的学业中得以轻松地展现自我，那么，学生就会把对老师本人的喜欢迁移为对美术学科的热爱。以六年级的《发射构成纹样》一课为例，我先从生活中的一些自然现象，比如旋涡、波纹、射击的靶心等例子出发，用生动的语言帮助学生在头脑中引起暂时神经联系的兴奋，以唤起学生对感知过的事物或场景的联想；再促使学生比较这些现象的共同点：由中心向四周扩散，和由四周向中心集中；接着我以这些现象的共性向学生提问，从圆形引申到正方形、三角形以及不规则的图形等。最后我运用多媒体的动画效果展示一些发射构成纹样的作品，同时加以具体形象的描述，使学生从视觉和听觉上对发射构成纹样有了更深的了解，从完整意义上看，这是从认识到理解再到发展创造力的过程。在此教学过程中，老师的教学引导起到了很大的作用，课堂气氛宽松，学生思想活跃，他们的想象能力和动手能力得到了发挥，学生学会了发现与思考、同时也学会了探索与创造，从学生的作品中表现的正是不同层次的创作。
（二）尝试失败，因材施教，增强学生学好美术的信心。
与其他学科比较来说，美术学科更注重实践性和操作性。实践必然会有成功与失败，尝试失败的教学方法，就是事先不必给学生过多指导和框框加以限制，让学生在多次尝试与失败中自我进步。当学生在实践中出现错误时，或出现抵触情绪、不想画时，老师不应该责怪、批评学生，而应该意识到这是一个教育的契机，及时地给学生以鼓励和引导，帮助学生完成心中想要表现的作品，使学生在失败中学到许多东西。而对于基础较好的学生，教师可以鼓励他们大胆的尝试更新颖、独特的绘画方式，以培养他们的创新思维。比如在《剪纸》一课的教学过程中，学生很容易把剪纸和纸贴画混淆在一起，因此，学生的作业中有剪纸，也有纸贴画，出现这样的情况，老师只有通过展示一些个性鲜明的图例，帮助学生了解和区分纸的这两种不同的表现手法，而不能完全否认学生的作业，要帮助受挫的学生树立自信。随着时代的进步，美术课堂教学设计的目标已不再局限于区分门类和传授绘画技法上，而是能够利用所学的知识和技能进行变化和组合、创造出无数个新造型、新形象、新形式。
第三、注重对学生的个性化教育是课堂教学的重要目标。
个性化教育是未来教育的重要特征，它在承认学生共性的前提下，在教学过程中强调学生个性的培养和发挥，突出学生的个体差异性。在个性化教育过程中，师生间的情感联络和交流得到加强，学生能发挥更大的积极性和主观能动作用，从而增强自学、观察、分析、判断的能力和自我识别、自我评价和自我控制能力。
一、中国现代视觉设计受“全球化语境”与“国际化语言”的影响
作为工业化生产的产物，现代视觉设计和现代社会生活之间存在十分紧密的关联。其将传统美学观念打破了，还展现出创作手段、思维方式和设计理念上的独特之处；其在经济社会的发展进程中发挥着越来越重要的作用。就社会价值而言，现代视觉设计不但有助于收获较高的经济效益，而且还能将一个国家和民族的独特历史文化很好的呈现出来。当代中国，现代视觉设计真正意义上的发展比较迟，然而西方现代视觉设计理念却深深的影响了我们，进而致使现代设计教育几乎可以说是对西方整个设计体系的沿袭。这样尽管使得我们在设计时可以参照借鉴，也对中国现代视觉设计起到了一定的促进作用，但是很多问题也由此引发出来。面对“全球化语境”和“国际化语言”背景，中国设计产业理所应当可以按照国际化设计语汇与现代审美趣味来赢得市场认同。但是，趋于全球化的设计活动并不是说就要促使视觉设计风格的趋同。实际上，每一民族的文化和心理都会深受自然地理和历史条件的影响，其形成的生活习俗、价值体系和生活习俗等的形成与其他民族都是存在区别的。就拿现代主义、国际主义来说，在设计本身的发展中也需要不断调整和改进自身的发展，并且趋于多元化和复杂化。尤其是在后现代主义之后，多元共生的新设计思潮在全世界范围内兴起。中国的设计界还在探索现代视觉设计的独特面貌，其必然也需要对这一具有研究价值的问题进行深入探讨。未来现代设计的发展，怎样才能从西方模式的影子中走出来，使打造的设计队伍具有民族本土特色，同时对于国际性的设计话语也要兼具。所以，从设计角度来看，关注文化身份，不但是设计者对发达国家强势文化全球化的应对策略，同时也是进行民族特色视觉文化构建的责任。
二、传统民间美术图形的表现手法及其艺术特征
民间美术是来源于劳动群众的日常生活，在其发生发展的进程中必然密切联系着民间文化和民俗活动，并且具有十分广泛的分布，地域文化特色比较强。传统民间美术拥有十分繁多的品类，多样化的风格，对实用性和审美性进行了很好的融合。根据种属来进行分类，主要包括绘画、刺绣染织、雕塑、家具器皿和其它的一些剪纸、服饰、编织等。传统民间美术图形的造型极福变化，主要是劳动群众参照自然物和社会生活，通过独特的观察和思维方式，在加工、演绎的基础上促使其成为固定化、抽象化、图案化的图形符号。这体现了中国古老文化的一种积淀，反映了中国农村的集体审美意识，其具有的社会和文化结构都是特定的，是对广大民众审美需求的体现和文化观念的承载。整体上看来，传统图形采取的表现手法以寓意和象征为主。也就是借助某种直观形象来对其相似的概念进行喻示和象征，从而来对图形隐藏的情感和内涵进行传达，诸如“四神纹”、太极图形、“云纹”等，有着非常多的具象或抽象图形。其都是在人们的生产、生活中得到孕育的，在经历了较长时间的发展之后，这些图形的特征就会渐渐具有易识别性和内聚性，进而逐步积淀成审美符号。其承载着一定的文化内涵和象征意义，同时具有稳定性、普遍性和可传承性的特征，这种创造性思维方式是对民间文化的体现，同时也是人类物质文化的一种关键的传播符号。传统民间美术图形的艺术特征：兼具实用性和审美性；从造型和色彩上来看，不仅简洁、明快且具有较强的可识别性；通常是借助复合、同构形来组合完整的“意象”图形。其蕴含着中国人的很多观念。如今进入了经济全球化时代，中国的现代视觉设计中的很多视觉语言又都深受西方影响。传统民间美术图形在表现手法、艺术特征和设计思维上体现的独特之处必然会为现代视觉设计贡献创新的可能性。
三、传统民间美术图形在中国现代视觉设计中的善用和开新
将传统民间美术图形符号融入现代视觉设计之中，促使这些图形符号成为重要的元素用来进行民族语义的表达，同样借助现代视觉作品也能很好的传播传统图形符号元素、艺术特征以及表现手法等，促进自己一种独特面貌的形成，这应该是现代视觉设计今后探索的一个重要方向。中国传统文化具有深厚的底蕴和积淀，当代的很多成功视觉设计作品也都是因为民族文化意味的传统图形符号成为其灵感来源。例如中国联通的标识，就是从传统的吉祥图形“盘长”纹样中取材的，关于佛教中的“佛说回环一切通明”，其正是取义于此。线条往复联通，这样的造型有通信网络路路相通、顺畅的意蕴，还有两个相连接的心形这是对联通公司宗旨的表达，即“通信，通心，联通永远与用户心连心”。这就将传统图形赋予了新的内涵，极具时代感的同时也充满了文化气息与亲和力，两者之间是一种和谐完美的状态。总之，需要深层次的理解、传承和发扬这些传统图形，最终还是要基于民族传统来进行再创造与重构。
四、结语
总而言之，民间艺术是对本土文化精神资源和艺术传统的一种体现，其必将清新的生命活力注入现代视觉设计之中。在研究和运用传统民间美术图形的时候，不能只是在图形符号的表层停留，还需要深入挖掘其造型结构和精神层面的本原特质。应当以现在的视觉艺术设计现状为依据，以全球文化视角为立足点来对传统民间美术进行审视。针对西方的一些设计思潮应当做到兼收并蓄、融会贯通，找到契合点，才可以将符合新时代的民族形式打造出来，才可以让我们的现代设计真正属于我们本民族且又可以被国际社会广泛认同。
作者：石祥永 单位：贵州省畜牧兽医学校
[编者按]段文杰（1917～2011），著名敦煌学家，原敦煌研究院院长。段文杰先生是敦煌壁画临摹事业的开创者、敦煌学研究的领军者，对敦煌艺术的保护、研究和弘扬做出了卓越贡献。在他的带领下，敦煌研究院在文物安全、壁画和塑像修复、环境监测、治沙固沙、石窟科学管理和对外开放等各方面取得了卓著成绩，成为我国文物有效保护、合理利用和精心管理的典范。段文杰先生一生热爱敦煌，矢志不渝，扎根大漠60多年，呕心沥血，殚精竭虑，奉献了毕生心血和精力，展现了一位专家、学者对中华民族优秀文化遗产高度的使命感和责任感。
2014年1月21日，将值段文杰先生仙逝三周年纪念日。本刊特刊发段先生两篇遗作及一组纪念文章，以缅怀一代敦煌学大师。
段文杰先生1917年8月23日生于四川绵阳。1940年，以优异成绩考入从杭州迁往重庆的国立艺专五年制国画科，师从林风眠、吕凤子、潘天寿、陈之佛、李可染、黎雄才等先生学习中国画。由于学习勤奋努力，在绘画基本功和文史知识方面都打下了坚实基础。1944年，在重庆观看了张大千先生临摹的敦煌壁画展览，被敦煌艺术所吸引，同时也了解到地处边远荒漠的敦煌石窟艺术遗产需要有识之士去保护和研究，就下决心要担当一名志愿者。他的想法得到林风眠、潘天寿、陈之佛等先生和同学们的支持。1945年毕业后，几经曲折，义无反顾，于1946年到达敦煌莫高窟。在国立敦煌艺术研究所从事敦煌艺术保护和研究工作，并担任美术组组长和考古组代组长。1950年后，历任敦煌文物研究所美术组组长、所长、副研究员。1957年后，遭错误处理。1962年，经上级组织甄别，恢复原有职务和待遇。“”期间又遭迫害，1969年，下放敦煌农村劳动。1972年，回所工作。1980年，任敦煌文物研究所第一副所长。1982年，任敦煌文物研究所所长、研究员。1984年，任敦煌研究院院长。1998年以后，任敦煌研究院名誉院长。
段文杰先生是第六、第七届全国政协委员，还曾担任中国敦煌石窟保护研究基金会理事长，中国敦煌吐鲁番学会副会长、甘肃敦煌学会会长、甘肃省对外交流协会名誉会长、甘肃省国际传播交流协会名誉理事长、甘肃省社科联副主席、甘肃省美术家协会名誉主席等多种社会职务。1986年，被日本东京艺术大学聘为名誉教授。1993年，被日本创价大学授予名誉博士学位。还被台湾中华佛学研究所授予名誉研究员。曾获日本东洋哲学研究所学术奖、东京富士美术馆最高荣誉奖。
段文杰先生是敦煌壁画临摹事业的开创者和领路人之一。从上世纪40年代开始，独立或与他人合作临摹历代敦煌壁画代表作384幅，约140平方米，是临摹敦煌壁画最多的画家。他深入钻研传统壁画艺术，带领同事们开创了敦煌石窟艺术的整窟临摹工作。其中莫高窟第285窟、榆林窟第25窟等整窟临摹达到很高的艺术水平，成为敦煌艺术临摹的标杆。段文杰先生最早开始临摹大幅敦煌壁画，成功地复原临摹了具有代表性的《都督夫人礼佛图》，成为复原临摹的典范之作。他的临本不仅技巧纯熟，而且形神兼备，代表了敦煌壁画临摹工作的最高水平。他总结了自己和同事们长期的临摹工作经验，撰写发表了多篇论文，把敦煌壁画临摹工作提高到了理论的高度。他带领同事们制定的对壁画临摹的“三查四评”的评价标准，具有很强的指导意义。段文杰先生在真实、客观、准确等文物复制原则下，抓住线描、晕染和传神等几个敦煌壁画别高超的描绘绝技，推敲揣摩，深入领会，反复练习，找到一种神形兼具的临摹风范，受到同行和国内外参观者的好评。曾出版有《段文杰临摹敦煌壁画》、《心系敦煌五十春》等临本专辑。段文杰先生以他在敦煌壁画临摹艺术实践和理论总结方面的突出成就，为保存、传播敦煌艺术这一全人类和中华民族的优秀艺术遗产做出了卓越贡献。
段文杰先生是中国敦煌学研究的领军学者之一，是敦煌文化艺术研究事业的杰出代表和先驱者之一。他在前人考古研究的基础上，以几十年临摹壁画的深切体会和对艺术规律的把握，对敦煌石窟的美学意义和历史价值进行了探索。他从美术史和美学的角度探讨敦煌艺术的风格、技法等特色，以及敦煌艺术形成的历史、社会原因，从宏观的角度把握敦煌艺术的时展脉络。他先后撰写发表了《形象的历史——谈敦煌壁画的历史价值》、《早期的莫高窟艺术》、《敦煌早期壁画的风格特点和艺术成就》、《唐代前期的莫高窟艺术》、《唐代后期的莫高窟艺术》、《莫高窟隋代艺术研究》、《试论敦煌壁画的传神艺术》、《敦煌壁画中的衣冠服饰》、《飞天》等见解独到、造诣精深的论文50多篇，近百万字；出版了《敦煌石窟艺术论集》、《段文杰敦煌艺术论文集》；编撰出版
［关键词］工笔花鸟画；美术教学；传统文化
［中图分类号］G642.0 ［文献标识码］A ［文章编号］1005-3115（2009）10-0115-02
工笔花鸟画是中国画的一种重要表现形式，同时是民族传统绘画中具有悠久历史和丰富技法的一门独立的学科。在工笔画艺术中，大多都选取形象俱佳、富有中华民族审美特征的动植物形象入画。在技法上以线为主，以求真写意为目的，用笔精细，造型严谨，具有装饰意味。工笔花鸟画是高师美术教育专业的重要课程之一，以培养和提高学生工笔花鸟画的审美素质，掌握工笔花鸟画的基础知识和基本技能为目标。但是，高师学生在入学前一直学习素描、色彩等西方绘画基础，对民族传统绘画知之甚少，在接触到工笔花鸟画的时候，学生面对各种工笔花鸟画技法往往无所适从。加之三年制高师美术专业学生在校学习的时间短，各种专业、公共课程学习任务重，在中国花鸟画方面的课时量少，由于工笔画的制作程序需要较长时间，故课时不足的情况在工笔花鸟画方面最为突出。在有限的时间里，使绘画基础较为薄弱的高师美术专业的学生在工笔花鸟画的学习上取得较为理想的收获，并为日后在这一方面的发展打下良好的基础，是高师美术专业教师努力的方向之一。笔者结合自己的教学实践，谈谈自己在这方面的认识。
一、临摹是学习工笔花鸟画的基础
临摹是工笔画教学中首要的必不可少的环节，但是临摹什么和怎样临摹，是需要教师认真考虑的一个问题，否则，就很难达到预期的教学目的和教学效果。学生在刚刚接触到工笔花鸟画的时候，在丰富的技法和各种精彩纷呈的画面之前，他们往往无从着手。所以，对于工笔花鸟画的学习，必须在教师的指导下，根据学习者的具体情况，选择合适的临本，掌握正确的方法。选择了适合临本，掌握了学习的方法，才能使学习事半功倍。通过临摹，让学生理解原作的章法与色彩，学习前人的笔墨技巧和表现方法，熟悉与掌握工笔画的绘制程序和技能技巧。只有先学习、掌握、继承了前人的勾线技巧、设色技法、构图规律之后，结合写生和创作强化学习所得，为实现运用和发展传统技法，能动地反映现实生活的目的打下良好的基础。所以，要指导学生在临摹上狠下功夫。初学者应以选择技法基础、内容简单的绘画作品作为临本，由浅入深，不能选择技法复杂的现代工笔花鸟画作品为临本。优秀的临本很多，传统临本如五代时期徐熙的《豆花蜻蜓》，宋代、崔白的《寒雀图》，南宋李迪的《雪树寒禽图》、《鸡雏》等，现代陈之佛、于非、金鸿钧、俞致贞等的作品也是比较好的学习范本。初学时不一定临摹完整的作品，在给学生授课时，要求他们只临摹局部，待掌握了基本的技法、基础稍好之后再临摹整体。这样学生容易静下心来较快掌握。
二、通过写生为工笔花鸟画创作奠定坚实的基础
工笔花鸟画是以自然界的花卉和禽鸟及其生存环境为创作题材的，要描写刻画这些生灵，就要求我们到生活中寻觅它们的踪迹，搜集它们的形象，体会其中的情趣。所以，写生是走向创作的第一步，这也是工笔花鸟写生课的重点所在。从历史上看，中国花鸟画写生蔚然成风，代代相传。凡有成就的画家，无不注重写生，他们的成功之作，也无不是从写生中产生。五代时黄签在壁画中画花竹和稚鸡，飞鹰见了都想去飞捉，这不能不说已达到了“和生者毕肖”的程度。从故宫博物院珍藏的《珍禽图》中，我们也能见到他精湛的写实能力。
写生的过程是在自然感悟中对传统的一种升华和再造，对固有程式和模式的一种突破和重组，是对传统的一种发展和突破。老师要引导学生以自己独特的眼光和视角去发现那些自然界中不曾被人发现的美，那些不起眼的、容易被人忽略的东西，去表现那些传统画册、经典、博物馆中看不到的事物，小题材可以表现大思想。通过写生使学生由感性认识转变为理性认识，再升华到带有主观意念的艺术形象，为工笔花鸟画创作奠定坚实的基础。
三、完成从临摹到写生再到创作的转换
在学生大量临摹后熟悉了各种技法，通过写生积累了一些素材之后，课程的后期进入了创作阶段，教师必须充分发挥学生的创造性思维，循序渐进地按照如下步骤进行训练：参照写生整理画稿，按折枝花卉、小品构图的形式进行勾填设色，完成画作；根据自己对生活的感受，参考写生画稿，按全枝构图的形式进行勾填设色，完成画作；自选材，自命题，形式和表现手法自定，进行工笔花鸟画创作；指导学生也可以参照所拍的照片进行加工调整以构成完整的画面，引导学生在画面中融入自己的真情实感以及想要表达的意境，选择适合、恰当的表现技法，通过制作达到理想的画面效果。这样一来，每个学生都能顺利完成自己的创作作品，并在创作过程中获得身心的愉悦和强烈的成就感，使学生逐步掌握工笔花鸟画的创作过程和方法，从而提高其创造能力。
四、加强理论基础知识和传统文化修养
一些学生对传统的理解和学习存在着严重的断代，一方面是对国学和传统知识的缺乏，一方面是外来因素的干扰将中国画的传统体系冲击得七零八落。对传统文化的研究是工笔花鸟画教学的一大利器，正如传统画论是中国画教育的重要一环，教师的传授分两部分：一教画理，二教画法。中国画的最高旨意应当是“道技合一”，工笔花鸟画教学更是如此。在教学过程中充分做到理论联系实践，必须把传统文化、时代精神、现实生活三者有效地结合起来，“笔墨当随时代”，要具有现实观照的艺术涵养。
中国哲学、中国美学、中国古代画论是中国画理论建设之本。美术教育是文化教育，因此，我们培养的不是能工巧匠，而是文化人。目前，全国高师美术教育都有向专业艺术院校看齐的通病，这其实是片面的教学观。它首先忽视了理论教育的地位，美术教育只是做表面文章，学生毕业前最重要的是举办一次毕业创作展，而教学过程中对于学生人品、学识、综合素质等和师范关系最密切的因素则被忽视了。这种教学方式和教学目的只是片面追求技法提高的短期效益，而没有遵循美术教育的规律，更没有把握住高师美术教育的目的和方向。因此，笔者认为在三年制高师美术教育的工笔画教学中，要加强中外美术史、美术概论的教学，还要加强中国画传统和现代美学以及传统和现代工笔画欣赏教学，而且随着学生由低年级向高年级的发展，理论教学要不断升级，学术层次要深入发展。譬如从对传统工笔画的研习到现代工笔画的创作，要特别对工笔画装饰性、色彩规律和构图形式加以研究。
五、运用多媒体教学手段激发学生学习工笔花鸟画的兴趣和愿望
恰当地运用多媒体辅助教学手段，能够激发学生的学习兴趣，为学生提供丰富的学习信息和绘画素材，从而优化课堂教学，促进学生绘画能力的提高。讲授工笔花鸟画的表现形式和艺术特色时，可利用网络资源中有关工笔花鸟画的图片投影在银幕上进行分析、讲解。教师可搜集整理工笔花鸟画的丰富资源，制作精美课件，一面演示一面讲解，增强形象性和趣味性；还可以到广阔的生活中去撷取绘画的素材，自然界中的花鸟树木、生活场景等等，都可以在写生的同时拍成数码照片，在多媒体上演示，师生共同探讨，理出一条生活―素材―创作的思路，充分调动学生的创作积极性。再者，教师可将自己的工笔花鸟画作品拿来让学生近距离欣赏，结合作品向学生讲述创作时的想法、目的、制作技法等，让学生更加直观地欣赏工笔花鸟画、了解工笔花鸟画、感受工笔花鸟画，从而激发起学习工笔花鸟画强烈的兴趣和欲望，形成强大的学习动力。
工笔花鸟画是传统文化的重要组成部分，包含着大量传统文化的元素，这些元素有育人的功能。结合高师美术教育的整体效应，我们不但要教会学生掌握工笔花鸟画的基本技法，更要通过这门课程的教学，使学生领会传统文化的精髓，提高艺术审美力，加强人文修养，弘扬祖国的优秀传统文化。
[参考文献]
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［2］李文绚.对传统工笔画的传承与超越[J].美苑，1998，（6）：12~14.
“这些都是我买的摄影书，有300多本。书买多了，有时候也会记不清哪本买过，这样拍下来，再想买时就能很快地检查一下。”他解释说。
庄跃成家里的每个房间，随处坐下，伸手都能拿到一本摄影书，他习惯把书放在座位附近，这样就能随手拿起一本阅读。
“摄影是您最主要的爱好吧？”
“……应该是。”
“排第二的爱好是什么？”
“还是摄影。”
在这个单反不比空调稀罕多少的年代，被问及爱好时答曰“摄影”，真是再容易不过的事了。庄跃成这样连“第二爱好”都是摄影的人，回答这个问题时反倒如此郑重，话也说得节制。也许是性格使然？或许是身为省级机关干部，工作中的慎思持重被带到了日常言谈的细节里？
“我只能算是个业余爱好者。”他反复强调着。尽管1980年代就摸过相机，买下了第一本摄影书，但庄跃成真正有意识地开始进行摄影创作却是数码相机普及后的事。工作的变动和胶片时代摄影的高成本，曾令他十余年没怎么动过相机，及至如今，他也只是在工作之余、逢年过节这样的休息时间里，才会出门好好拍上一遭。
但这位业余爱好者在摄影上的进步挺快，三个月前，他的一组摄影作品刚在浙江美术馆展出，颇受好评。
对于摄影，庄跃成自有一番的体悟。
那段爱上摄影的往事
每个摄影人都有自己爱上摄影的往事，不同的是情节，相通的是心情。
1980年，17岁的庄跃成在县城里的总工会谋得第一份差事，也在那里初次接触到相机。那时候，工会经常举办各种活动，有个摄影干事背着台海鸥120负责记录，“那相机跟砖头似的，上下两个镜头，按一次快门卷一次手柄。”庄跃成觉得新奇又好玩，每每碰上摄影干事有事需要找人代拍片子时，都会踊跃报名。
他在那段时间学会了怎么冲胶卷，怎么放大、上光。他还认识一个家里开照相馆的朋友，经常跟去人家的暗房里，看师傅怎么冲放片子。
工作记录式的摄影，拍的大半是会议活动、领导发言，庄跃成拍这些也拍得津津有味，毫无枯燥感，“比如你抓到哪个人的一个神态，等照片冲出来一看，哎呦！拍得很不错！那时候，心情真是很愉悦。”
几年后，庄跃成在向父亲请示后，花掉大半年工资买了一台海鸥135相机，如今，他已记不清那具体是哪一年的事，只是很清楚地记得自己一下子就花掉400多块钱的“巨款”，算是当年家里的“重要事件”。
有了自己的相机，出行时就多了件行李。单位举办运动会，庄跃成会背上相机；工会组织职工去黄山疗养，他也会背上相机；跟朋友一起出游，自然还是要背上相机。
胶片时代的摄影人，每按一次快门，心里都要咯噔一声，计算一下成本。庄跃成说，那几年他其实并没有拍多少照片，回想起来，也没拍出什么值得一提的佳作，只是当时那种拍照时的兴致勃勃、等待片子冲洗出来时的兴奋心情、拍出像样片子时的快乐，历久难忘。
他还记得，那时候，单位的橱窗里展示过他的照片，可惜后来工作调动，那些片子渐渐都没了；地方报纸的副刊登过十几张他的投稿作品，当然也有投不中的时候，照片寄出去就没了消息；工作紧张，他曾一度将摄影搁置，只是断不掉买摄影书的习惯，这些书慢慢填满了家中的书架，后来，又慢慢被翻拍进他的手机相册里……
饱含情思的风光摄影
多年来，庄跃成工作的重要内容都是跟人打交道。而当他再度端起相机，收录在镜头中的，却大多是无人的风景。
“做纪实摄影，去拍人的话，可能碰到发生误会和矛盾的情况，影响总是不好的。”最初，大概是这样的顾虑使他选择以自然风光为主要拍摄对象，但当风光片越拍越多，他所拍摄的风光，渐渐不再止于表层的风景本身。
庄跃成于2013年6月在浙江美术馆展出的一组片子名叫《七级浮屠》，十二张黑白片，拍的是雷峰塔夜景。
浮屠，即塔。雷峰塔原为吴越国王钱俶为贺妃子得子而建，据载，始建时为七层建筑，与西湖北山的保俶塔南北对望、遥相呼应，同位于西湖景区的南北中轴线上。这条轴线贯穿西湖五大景观：雷峰夕照、断桥残雪、宝石流霞、三潭印月和南屏晚钟。
1924年，雷峰塔倒，西湖十景中的“雷峰夕照”名存实亡，用著名古建筑、园林专家陈从周的话说：“雷峰塔倒掉，西湖南面景皆虚。”著名建筑学家梁思成早于1935年就提出重建雷峰塔的建议，此后几十年，有关专家学者不断呼吁重建。2000年底，雷峰塔重建工程正式奠基。2011年，西湖申遗成功，成为中国第41处世界文化遗产。
拍摄雷峰塔，始于庄跃成对西湖申遗成功事件的关注和思考，他想借摄影反映人们在文化遗产保护上的努力及其意义。俗语说“救人一命胜造七级浮屠”，功德无量；那么，重建雷峰塔这座“七级浮屠”，救湖一景，岂不也是功德无量之事？
选择拍摄夜景，一是为有别于大量已有的雷峰塔摄影作品，另外，二是为解决拍摄时间的问题—庄跃成白天要工作，只有在晚上，他才能带着相机仔细端详西湖与雷峰塔。
三月到四月，只要没有工作上的事，庄跃成都要赴约夜色下的佛塔，最晚一次拍到了晚上11点。那些日子，他围着西湖不知转过多少圈，寻找不同角度，感受小小一座“浮屠”与一个湖，乃至一座城市的关系。
组照中，夜灯燃亮的雷峰塔或远或近、或大或小地矗立，衬在湖亭柱内、老牌坊后、树影山间、静波桥上……那是人们所不熟悉的雷峰塔，是每张照片里少不得的存在。如果少了这座塔，这些照片和照片里的风景便都喑哑普通起来。
在一张照片里，雷峰塔隔着一面湖，与一城的高楼灯火相对，虽位于图片下方，却是光彩夺目的主角，犹如一个静默的守护者，凝视着整座城市；在另一张照片中，硕大的圆月隔着一段夜空停留在塔尖之上，月影与塔影倾泻在墨绸般的波心，融成相连的光带。“如果说圆月在天堂，浮屠在人间，那么西湖里的倒影便是天人合一了。为什么杭州被称作人间天堂？这里或许有一些答案。”庄跃成说。
组照中还有一张，源自一次失误。庄跃成在拍摄中没站稳脚，踢到了脚架，拍出一张叠影的废片。这让他灵光一闪，有意将30秒的曝光时间作六等分，移动机位，一次拍出7座雷峰塔，与“七级浮屠”的主题呼应。但与此同时，手动移动机位难免不完美，照片上7座塔之间的距离并不等分，他有意保留下这张带瑕疵的片子，暗含着如今人们眼前的雷峰塔已非传说里的古塔，而是后人重修、再建的新塔之意。
“没有雷峰塔，西湖不会这么美，杭州也不会这么美。”观看这组照片，观者不经意间便会发出这样的感叹。
这组作品拍的是风光，实际所表现的却是浸满创作者情思的意象，有寓意，有抒情。由风光介入人文，由自然深入社会，作品因这一取向带上了更深刻的涵义。庄跃成说：“我想，这样带着个人观念的风光摄影会是我接下来的一个拍摄方向。”
温情点亮摄影之路
从司空见惯的日常景色中寻找落点，这并非易事。“《世界艺术史》的作者在给艺术下定义时说，有意思的东西都可以称为艺术。我觉得摄影也是这样，去看某样东西，也要看出意思，有趣味的照片才与众不同。最重要的，是发现的眼光。”
摄影路上，庄跃成走走停停、思前思后，并不急于赶路。走得太急，难免会错失有趣的画面。他和一群朋友去霞浦拍照，拍回一张毛竹竿围圈子形成的“方舟”，同行的朋友看到了都连连感叹这处风景自己也看到过，只是没有留心，没有拍下来。
这张照片其实受益于摄影家于云天用水泥板拍下的同名作品，庄跃成非常喜欢那张照片，也被“方舟”的概念所触动。一路走来，他一直这样边看边学，边走边拍，从他人作品中汲取精华，用于自身对日常趣味的捕捉。摄影的乐趣便也尽在其中。
沿路是风景，沿路有故事。在捷克卡罗维发利出差时，庄跃成和朋友在当地酒店顶层试着拍摄小城全景，廊道的窗户无法打开，厚厚的玻璃让他们很是烦恼。一位女房客听到外面的动静，开门看了他们一眼，抬手招呼他们到自己房间的阳台上拍摄，期间，她的丈夫从浴室洗澡出来还被赶了回去。“她说的是俄语，我们听不懂她的话，互相也没有什么交流，只是内心觉得很温暖。”
去年冬天，庄跃成在上班路上用随身带着的小相机拍下了一对携手而行的老夫妇，老先生拄着一根拐棍，老太太一手挽着老伴，一手提着三个包，他为这张照片取名为《执子之手》。照片在微博上发出后，被选送到杭州市民摄影节上展出，打动了一位观看影展的医生，被她用手机翻拍下来。今年1月，这位医生在医院里遇到了这对老人，她将照片给他们看，老人很开心，说两个人二十来年都没拍过一张合影，很想得到这张片子。护士向都市报热线求助，很多热心网友也在网上发起寻找照片拍摄者的行动。庄跃成被辗转找到，他将原片放大，委托报社转赠给两位老人。
