时间:2022-07-01 21:26:47
开篇:写作不仅是一种记录,更是一种创造,它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感,将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇毕业音乐会总结,希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友,陪伴您不断探索和进步。
保加利亚作为欧洲音乐的重要发源地之一,有着很深的音乐底蕴。保加利亚音乐类高校通过多年的教学积累,在音乐本科教育上有着非凡的心得,向全世界输出各类音乐家及音乐人才。笔者在保加利亚攻读博士学位期间,以所就读的保加利亚普罗夫迪夫音乐舞蹈艺术学院为基础,对保加利亚音乐类高校声乐歌剧表演艺术专业的本科教育体系进行了细致了解和分析,并对其授业方式和考试形式等诸多方面进行了总结。
一、本科专业课授业方式及考试形式
保加利亚与欧洲的其他国家一样,古典音乐非常盛行。在保加利亚的随意一个角落,仅仅需要一台钢琴,在一座花园里就可以举行一场成功的音乐会。因为观众的认可度和一流的演出市场,让学习古典音乐的人有更多的机会站在舞台上与观众互动,用细腻的音乐去回报观众的欣赏。保加利亚的专业课教师更侧重于打好学生的基础,并能学以致用。保加利亚音乐类高校声乐歌剧表演艺术专业的本科专业课的授课形式和我国的形式差不多。均由专业课教师对学生进行一对一的小课练习,每次一小时,每周两次。在演唱及演奏作品方面,以本科声乐歌剧表演艺术专业学生为例,保加利亚教师给一年级的学生的作品偏重于德奥艺术歌曲及莫扎特歌剧咏叹调等曲目,如此旨在充分提高学生的艺术修养水平。进入本科二年级,则会接触一些俄罗斯及东欧作曲家的作品,提升音乐感受力。本科三年级,进入浪漫主义时期意大利歌剧咏叹调的学习,用于训练学生的情感表达。到了本科四年级,教师会选择适合学生自身条件的作品,并对学生进行准确定位,从而达到指导其就业方向的作用。专业课考试的方式,也与我国的考试方式基本相同,每个学期都会有两到三次正式的专业考试,会采取音乐会的方式,且每学期的期末考试会向外界开放,通过票务公司正规售票,让观众和评委专家一起来检验一个学期的教学成果。每个学生的考试曲目为两首,时间基本控制在10分钟左右。考试的成绩会从教授评委的评分和观众的反响综合考量。保加利亚实行6分制教学,如果一个学期的考试全部打到3分以下,则会被要求退学。另外,最重要的就是毕业考试,保加利亚实行国家考试制度,只有通过了国家考试,才能顺利毕业并拿到学位。在国家考试时,至少有一名音乐类院士或功勋级音乐家参加考评。以声乐歌剧表演艺术专业的本科生为例,学生需要准备两场音乐会,分别是独唱音乐会及协奏重唱音乐会。独唱音乐会要求演唱各个时期的艺术歌曲及咏叹调,且曲目不得少于10首,时间约为45-60分钟。协奏重唱音乐会,会根据学生的声部,安排其他参加国家考试的学生二至三名共同完成,演唱曲目多为小提琴声乐协奏曲,或歌剧中的二重唱、三重唱及多声部重唱等,同样时间约为45-60分钟。鉴于协奏和重唱的曲目时间比较长,曲目不得少于8首即可得到相应的成绩。
二、乐队合乐课及实践方式
一般来说,保加利亚音乐类高校都会与当地爱乐乐团合作,让学生去当地爱乐乐团参加排练,并有专门的教师为学生一对一地讲解乐队合乐时的技巧,更进一步地培养学生与交响乐合乐时以及在歌剧表演时的能力。与此同时,保加利亚音乐类高校非常重视对学生歌剧团的训练,学生歌剧团按照惯例,每学年会与爱乐乐团合作进行歌剧、弥撒及音乐会商演约20余场。学院每年还会举办一次音乐节,邀请知名的歌剧指挥进行指挥的排练课程讲授,并增加学生的演出机会。如果演出的次数不够,或者演出的票房没有达到20%以上的落座率,学生就会被取消或延后专业课国家考试,所以所有的学生都会很认真的对待每一次演出,并对演出质量精益求精,力求做到场场皆为精品的程度。这种方式会将学生的演出热情激发出来,并能逐渐培养学生一丝不苟、追求演出质量的认真态度。
三、音乐高级理论课
音乐高级理论课是一门将和声、复调和曲式等音乐理论类融合在在一起的课程。音乐高级理论课在保加利亚音乐类高校的教育体系中分为两个阶段:第一阶段是音乐高级理论的基础,和声、复调、曲式等音乐高级理论基础科目均包含在内,在大三开设;在第一阶段考试通过后进入第二阶段的学习,第二阶段主要为理论应用实践课,在大学四年级开设,学生需要结合之前学习的理论课程加以总结分析,并应用于平时的合乐课程当中。这门课程一个班最多6个人,由3个声歌系学生及3个键盘系学生同时进行学习,两两一组交叉和伴奏,教师进行辅导并进行作品的分析处理。这种做法可以最大程度地让学生真正了解音乐高级理论学科在音乐表演上的重要性,并对整个音乐的表达产生更进一步的认识,从而更好地诠释作品,与此同时学生对和声学、曲式分析及复调的敏感度和灵活运用的能力都会得到很大提高。这些能力可以使学生在接触新的音乐作品的时候直接做出理性分析,上升到理论高度,从而更自然地把握住不同时期、不同作曲家作品的特点。
四、结语
就声乐与歌剧表演艺术专业而言,保加利亚各个音乐学院的课程设置并不完全一样,笔者也仅仅以普罗夫迪夫音乐舞蹈艺术学院为基础进行课程分析。综上所述,保加利亚的音乐教育偏重于培养学生的实践和适应市场的能力,更注重所有课程在学生走上工作岗位后的实用性。随着社会的不断发展,不论在哪个国家,音乐类院校的毕业生在毕业后都要面临就业问题。尤其是在我国,并没有很多的专业团体或高校可以吸纳与日俱增的音乐类院校毕业生。这就要求音乐类从业教师在对学生的教育培养上更加多元化。在保加利亚的音乐教育的方式方法中不难看出,音乐教育工作者传承着保加利亚人一贯做事一丝不苟的严谨态度,在孜孜不倦的钻研过程中积累了大量的宝贵经验,值得我国各相关部门及各个级别音乐类院校的从业教师加以探讨和关注。
作者:龚天卓
白俄罗斯国立音乐学院创建于1932年,至今已有七十余年历史。该校是白俄罗斯共和国文化部直属的一所历史悠久、师资雄厚、人才济济的高等学府,设有钢琴、管弦乐器演奏、作曲、指挥、民族乐器演奏、声乐、合唱等系,为白俄罗斯培养出大量优秀的音乐人才,现有在校生一千一百多人。本科学制为五年,在五年时间里,学生们除了学习共同的公共课和音乐基础课之外,还要根据不同学科系部的特点,学习不同的专业课程。下面就除公共课和音乐基础课之外的钢琴系的专业教学进行介绍说明。
一、钢琴系的主科教学①
白俄罗斯国立音乐学院钢琴系有着实力雄厚的师资队伍,每个老师都有着极强的演奏能力,许多老师本来就是职业演奏家,在音乐学院任教的同时在国家音乐厅和室内乐团任职,经常在世界各地举行各种形式的音乐会,像我的导师H.C.格罗玛娃就是白俄罗斯国家音乐厅的专职演奏家,几乎每个星期都有不同的演出任务,仅在我就读的两年中就观看了她9场曲目和风格完全不同的钢琴作品专场音乐会;其中包括了和乐队一起演出的巴赫协奏曲专场音乐会;法国作品专场音乐会;俄罗斯作品专场音乐会;拉赫玛尼诺夫作品专场音乐会;德国作品专场音乐会;改编作品专场音乐会;舞曲专场音乐会等等。
钢琴演奏课的教学授课多为一对一的形式,学校安排每个学生一周有2次课,上课时间一般为1个小时,所有的教室均设有2台音乐会使用的大三角钢琴;教师要求学生上课时要能够熟练完整地背谱演奏,许多老师对于学生即使是第一次上课的新作品也是同样的要求。
根据学生的具体情况和自己的习惯,每个老师在具体上课的时候有所不同:
在上课方式上,有的教授喜欢在上课的时候听学生演奏完全部上课的作品才进行讲解,并且有意识的安排自己其他的学生在一旁听课,有点类似小型的观摩音乐会或者大师班;有的教授则喜欢在上课的时候边听学生演奏边讲课,并且不允许有其他人在旁听课。
在上课的内容上,有的教授给学生上课时会针对学生的演奏或作品中出现的一些问题,在课堂上进行详细的讲解和讨论.并引用相关的例子加以说明解释,使每个学生都参与到上课的过程中;有些教授上课则比较侧重培养学生自己演奏的音乐个性.只针对一些原则性的问题进行纠正和提出要求。
白俄罗斯音乐学院钢琴教学的形式和方法是多种多样的,各有所长,老师会根据每个学生的个人能力。在完成钢琴系规定的各种考试曲目要求的基础上,再学习不同数量的其他作品。音乐学院每学期进行两次专业考试,但期中考试不计成绩,学生必须完成钢琴系规定的相应年级的考试曲目,考试一般在学校的音乐厅公开举行。
以下是各学期考试曲目要求:
大学一年级上学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――巴赫的作品一套(如英国组曲、法国组曲,演奏全部)。
大学一年级下学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――练习曲、奏鸣曲、乐曲各一首,不少于20分钟。
大学二年级上学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――奏鸣曲式作品、乐曲、练习曲各一首,20分钟。
大学二年级下学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――两首技术性练习曲、一首复调作品,
协奏曲的快板乐章或奏鸣曲一套。
大学三年级上学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――大型乐曲――首,10分钟以上(如叙事曲、幻想曲、谐谑曲、变奏曲等),其他自选,30分钟以上。
大学三年级下学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――肖邦技术性练习曲三首、复调一首、大型作品一套。
大学四年级上学期:
期中――现代派作品任选一首;
期末――协奏曲的第一乐章或者二、三乐章。
大学四年级下学期:
期中――自选技术性练习曲、乐曲各一首;
期末――民族作品;复调作品各一首(不同时期的复调作品均可,巴赫、肖斯塔科维奇、兴德米特等);完整的大型作品或完整的协奏曲一首,不少于40分钟。
大学五年级上学期:
期中――没有考试,期末的曲目要求是国家考试曲目的一半。
大学五年级下学期:
毕业的国家考试――包含巴罗克、古典、浪漫、现代四个不同时期的作品,体裁也不能相同,整套曲目中要求有复调作品、一套完整的大型作品或协奏曲、一首现代作品或白俄罗斯民族作品,其中一首允许重复过去几年考试里使用过的作品。规定整套曲目演奏的时间在50分钟左右。
以上是钢琴主科专业教学的课程设置和教学安排。虽然有许多教学特点无法仅从教学课程设置和考试要求中体现出来,仅仅从表面上看待这些课程及教学安排也是十分有局限性的,因为一些专业课程授课的具体内容。完全是由教师个人决定的,不仅仅拘泥于教学计划或教学大纲,有一定的临时性或机动性,在这里无法具体说明。但是笔者通过在该院学习的两年,还是深刻感受到了其钢琴专业教学的一些突出特点:
1.所有的上课都要求能背谱演奏。这样的要求不仅使学生在上课的时候能够最大限度的投入到音乐演奏风格的学习中,更重要的是最大限度地激发了学生练琴时的主动性,让学生在练琴中主动去寻找乐谱上的各种规律,充分的调动了自己的听觉、视觉、触觉来强化记忆,从而大大地提高了学习效率。
2.教学中准确出色的示范。在教学过程中,在针对某个难以用语言表述的问题时,老师都会进行准确出色的示范,让学生对演奏所需要的不同的触键感觉、踏板的灵活运用、丰富多变的音色、弹性速度等要求一目了然。
3.严格规范、因人而异的教学内容。严格规范是指教师严格按照教学大纲的要求实施、安排教学,所有的教学曲目、训练规格绝不降低;因人而异是指在不受到学生个人的音乐偏好的影响下,针对学生的个人特点调整教学内容,扬长的同时绝不避短。
4.强调音乐风格的学习。在注意学生钢琴演奏技术发展的同时,将音乐的表现力、音乐风格的准确性放在首位,力求技术、音乐的协调发展,使技术为音乐服务。
5.注重学习俄罗斯和白俄罗斯作曲家的 作品。白俄罗斯音乐学院不仅是前苏联最好的音乐学院之一,也是白俄罗斯民族音乐发展的摇篮,学院不仅开设了大量俄罗斯与白俄罗斯音乐相关的课程,例如俄罗斯音乐史、白俄罗斯音乐史,而且在教学实践中一直有所侧重,例如在钢琴的主科教学中、室内乐和钢琴伴奏等课程里,老师就坚持使用许多俄罗斯作曲家和白俄罗斯作曲家的作品来进行教学,如肖斯塔科维奇的《24首前奏曲与赋格》就经常出现在复调音乐的训练曲目当中;而拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫等人的练习曲、前奏曲、奏鸣曲、协奏曲和各种乐曲更是课堂和音乐会上的常见曲目。
二、钢琴系的专业必修课的教学②
钢琴艺术发展史:上课形式为集体课,课程设置是2年,主要介绍钢琴艺术的形成与发展进程以及各历史时期主要的音乐风格特点、代表人物及其代表作品;不同的钢琴演奏流派及一些著名的钢琴演奏家。主要由教师结合音响资料进行系统授课,要求学生在课后查阅相关的文字和音响资料。考试是以师生一对一的问答形式进行的,老师就平时上课中学习过的知识点提出相关的问题。学生则需要运用自己平时学习积累的相关知识.临时组织材料,条理清晰的回答。
钢琴伴奏课:上课多是以一对一的形式进行,课程设置为4至5年,部分学生可以在第4年的考试后申请免修。专门学习钢琴作为伴奏乐器,如何为声乐的不同声部进行伴奏,以演奏为主,结合部分声乐理论知识,由浅入深的系统的学量不同作曲家、不同风格、不同声乐声部的作品;其中看谱转调的训练贯穿于全部的教学过程。考试是以音乐会的形式在音乐厅进行,由主考老师现场指定曲目和转调。毕业时需要参加统一的国家考试,要在近百首的歌曲中演奏由评委指定的作品。
室内乐课:上课是以一对一的形式进行,课程设置为4年。目的是培养和锻炼学生和其他乐器的合作能力,需要学习与单簧管、小号、长笛、小提琴、大提琴等管弦乐器合作,也同时涉及到和俄罗斯民间乐器的合作学习;学习内容多是一些代表性的经典乐曲、奏鸣曲或室内乐重奏作品。平时的考试是以音乐会的形式在音乐厅进行,毕业时需要参加统一的国家考试。
钢琴合奏课:上课是由两个学生一起进行,课程设置为1年。主要是学习钢琴历史上各个时期的四手联弹和双钢琴作品。考试是以音乐会的形式在音乐厅进行。
钢琴教学法:上课形式为集体课,课程设置为1年。教师系统的传授钢琴启蒙时可能遇到的一些问题与解决办法;基础的教学方法;科学的练琴方法以及老师与学生的沟通等内容。这些内容涵盖了教育学、心理学和各个其他方面的东西,目的是要让学生学会怎么去教钢琴,但重点是在如何和学生进行效果良好的沟通与合作上。考试也多是以师生一对一的问答形式进行。
钢琴教育学:上课形式为集体课,课程设置为1年,这门课主要是学习如何教授那些已经有一定专业基础和技能的学生,如何准确的理解音乐.有分寸的处理音乐;用什么样的手段来表现音乐,并介绍一些前人已总结出的优秀教学经验和教学方法。与钢琴教学法不同的是,这门课重点是从老师这个角度来学习作为一个钢琴老师应该学习和知道的东西,重点在老师自己身上。
钢琴教育学实践课:上课是以一对一的形式进行,课程设置为1年。主要是培养学生实际的钢琴教学能力。上课有两种形式,一是由老师亲自示范怎么给学生上课,学生在旁边学习怎么样安排、组织和进行教学;二是由学生自己给学生上课,老师在旁边给予指导、及时的纠正学生在教学过程中存在的问题。这两种上课形式相互结合,是由授课老师自己安排的。被钢琴系学生授课的小朋友,是由指导教师根据学生的教学能力、学习程度的深浅白行安排,有可能是音乐小学的学生、也可能是业余初学钢琴的小孩。考试不仅要看学生自己的学习情况,还要看学生上课的教学成果。
当然,这些仅仅是和钢琴专业的演奏特性紧密相关的一些课程,学院还安排有许多让学生学习的一些阶段性、综合性、基础性的课程,例如学生不仅要学量的基础音乐理论课程,还需要学习世界、俄罗斯、还有白俄罗斯的音乐历史;以及与音乐相关的不同历史时期的美学观点、艺术观点等课程。这些课程目的是让学生透彻的了解音乐的本质,正确理解不同时期、不同风格的音乐,逐步树立正确的音乐观,这里不做详细说明。
通过对白俄罗斯国立音乐学院钢琴系专业必修课的教学课程设置及教学安排的了解,可以发现一些值得我们借鉴的突出特点――课程的设置不论在深度还是在广度方面,都体现了钢琴教育体系系统、科学、完善的特点③:
1.全面系统的教学体系。在课程设置上安排了许多对教学和演奏起到积极作用的关联性课程。学生除了学习钢琴主课之外,还要学习室内乐、钢琴伴奏、双钢琴演奏、钢琴教学实践等与钢琴演奏和教学紧密相关的课程,这些课程不仅大大地丰富了学生们的音乐视野,提高了他们的演奏及合作的能力,还对钢琴主科教学起到了良好的辅助作用。
2.理论与实践科学的结合。学生在学习钢琴的教学方法时,设置了钢琴教学、钢琴教育学、钢琴教育学实践课三门相关的课程,虽然都是关于如何教学生学习钢琴和教学法的课程,但在学习过程中有先有后并相互关联,课程设置上有着一定的连续性,既有理论课程又有教学实践,将理论结合实践的原则很好地运用在具体教学中,使学生学有所用,既能够学习到相关的理论知识,又能够在实践中运用和检验。
以上对白俄罗斯国立音乐学院钢琴专业的主课教学和专业必修课的课程设置和教学安排进行了介绍,并且从两个方面分析总结了其特点,当然,只从表面上看待这些特点是十分有局限性的,还有许多钢琴专业的教学特点无法从中体现出来,尤其是一些细致的音乐处理、具体的训练方法、音乐会曲目的安排等等,更无法在这里具体说明。本人在学习期间通过观摩学生考试、欣赏音乐会、多方面的访问、收集整理出的这些相关资料,是想能够对国内的各所音乐学院和艺术院校的钢琴专业教学提供有益的教学参考。
参考文献:
①[俄]《白俄罗斯国立音乐学院钢琴系教学大纲》1997年修订版。
1.中央音乐学院艺术实践构架中央音乐学院的艺术实践分为校内的星期音乐会和校外的各类实践活动,其中星期音乐会近年来存在的问题主要是学生的积极性不高、观众太少,上台的学生得不到真正的锻炼。为此,中央音乐学院已经在北京一些高校、社团、外资公司,以及大连、青岛、青海、福建、山东等地建立了艺术实践基地,尤其最近又与深圳音乐厅携手建设实践基地,以长期合作的模式,为促进学生专业水平的提高,秉承音乐服务于社会的宗旨,搭建艺术表演平台。2012年起,中央音乐学院在北京市选择了100所中学,与之签约合作并建立学院艺术实践基地,为北京几万名中学生送去高雅音乐。同时,又选取一些重点中学开展合作,建立学院的生源基地,既为在校生提供更广泛的实践机会和舞台,也可以吸收重点中学具有音乐追求和理想的优秀生源来学院就读。
2.上海音乐学院艺术实践构架上海音乐学院建立了上海大剧院艺术中心艺术实践基地,自2006年建立以来,始终把发现、培养、使用、留住尖端和紧缺音乐人才置于工作首位。即上海音乐学院筛选出具有潜质的拔尖音乐人才,并输送至基地进行重点培养和艺术实践。大剧院中心则将人才需求情况及时提供、反映至学院,打通双方合作培养拔尖音乐人才的供需渠道,体现了文教结合的优势。实践基地分别由上海大剧院、上海音乐厅、上海交响乐团、上海民乐团、上海歌剧院以及上海芭蕾舞团组成。涉及西方管弦乐器演奏、中国民族器乐演奏、作曲、音乐学、音乐工程、指挥、艺术管理等专业。自建立以来,为更有效、有序、有利地开展工作,尝试建立了一整套管理机制。如建立了上海音乐学院—上海大剧院艺术中心艺术实践基地工作委员会,在明确分工及工作范畴的同时,确定通过每年两次的常规工作推进会议,就合作项目的开展及合作流程进行及时沟通,对每学期开展的合作项目其时间节点、程序、细节等进行条理化要求,使文教结合工作上到新水平,在深入了解和研究艺术教育规律与市场演出规律的基础上,逐渐探索和总结出实践基地自身的运行规律。
3.中国音乐学院艺术实践构架中国音乐学院实践基地建设坚持“互惠互利、双向受益”的基本原则,与兰州14中牵手构建西北地区首家中学生音乐教学实践与生源基地。目前又与青岛市第39中(中国海洋大学附中)、长沙市等合作建立教学基地和生源基地。院系在与校外基地的合作过程中,注重发挥学院人才、科研方面的优势,加强与基地的联系和沟通,提高基地依托单位与院系合作的积极性,在共同利益的基础上,双方受益,共同发展,达到“双赢”的效果。校外实践教学基地满足一定数量的学生进行实践教学所必需的学习、工作、生活条件。配备有一定数量的具有较高专业技术水平和较丰富的实践教学管理经验的兼职指导老师,保证了实践的质量和效果。
4.南京艺术学院艺术实践构架南京艺术学院以艺术实践季的形式开展艺术实践活动。(1)社团活动,指团委、各院(系)或其他单位组织的各类社团活动,每位本科生在读期间至少要参加一个社团。(2)社会实践,指由学校组织或个人自行联系安排的各种社会实践活动,包括大学生暑期社会实践、各种学校及社会公益活动。(3)艺术实践,指由学校组织或个人自行参加的与专业学习有直接或间接关系的写生采风、展览演出、专业比赛、学术研讨、市场调研、组织策划、就业实习等艺术实践活动。以上有代表性的音乐艺术院校实践平台构建的调研结果充分表明:(1)在新形势下,音乐艺术院校进一步加强实践平台建设具有必要性和紧迫性,要充分发挥社会联动机制,挖掘各种内外资源,拓展实践教学空间,构建层次化与模块化相结合的实践教学平台,这是培养具有特色创新精神与实践能力的音乐艺术人才的基础保障。(2)通过对这些院校平台构建的途径、方法、手段、效果进行比对分析,说明实践平台建设具有可行性、科学性、合理性,实践教学机制管理制度必须要完善,使基地建设有章可循。根据专业发展规划和专业特点,明确实践基地建设的目标、内容、进程,制定实践基地建设规划,并严格按计划有效实施。(3)实践基地建设要健全组织领导机构,专人负责,设立专用资金,组织力量,有计划地开展工作,并及时检查、评估和总结表彰,不断提高实践基地建设水平,不断满足学校人才培养的需要。
二、依据社会需求构建社会场所艺术实践平台
音乐院校的艺术实践平台离不开社会场所这个大舞台,如今不断深入发展的市场经济,高度发展的科技和信息,使人们的精神生活发生了深刻变化。人们的艺术审美、文化需求越来越高,所以在社会舞台的实践中,必须依据社会场所对艺术实践的需求,建立与社会相适应的具有时代特征的音乐艺术院校实践教学体系。为了更好地掌握天津艺术实践场所的需求现状,广泛收集社会人群对天津音乐文化、舞台实践的需求信息,并对其进行分析评估,为教学实践提供社会导向依据,从实践内容、方式等方面引导学生积极融入社会舞台,为学生就业拓宽渠道。对天津市文化中心、天津音乐厅、西岸艺术馆等艺术演出场所;华夏未来、少年宫等青少年艺术交流场所进行了问卷形式的深入调研,掌握了部分社会人群对舞台实践形式与内容需求的第一手资料。
1.市场需求调查在接受调查的人群中,定期观看音乐会的占10%,不定期观看音乐会的占35%,偶尔观看音乐会的占40%,认为音乐会与自身生活无关的占15%。数据充分说明音乐文化现已渗透到天津百姓的日常生活中,成为提高生活品位和文化修养的一个途径,也是音乐艺术院校学生舞台实践的可行性和必要性的助推力。
2.观众群体调查在观看音乐会的人群中,35岁以下的占25%,36至50岁的占55%,50岁以上的占20%。该数据说明中青年人群为观看舞台实践活动的主体,对年轻一代的带动作用和对老年群体的影响作用将直接推动天津舞台实践的积极发展,使天津音乐文化市场的繁荣具备强大的后劲。
3.实践曲目调查在观看音乐会的人群中,偏爱通俗名曲的占65%,热衷于某位作曲家作品的占25%,曲目风格不限的占15%。该数据说明喜闻乐见的名曲易于大众接受,具备独特音乐审美情趣的群体为少数。教师在教学过程中和学生在舞台实践中要实现高尖端乐曲及大众乐曲演奏学习兼具。
4.实践形式调查在观看音乐会的人群中,喜爱乐队形式的占48%,偏爱独奏形式如钢琴独奏等形式的占40%,热衷于室内乐组合形式的占12%。该数据说明演奏形式的多样性是丰富舞台实践的着眼点。学生应在练习本专业的同时,加强重奏、合奏、室内乐等形式的学习与实践,从多方面提升适应社会需求的能力。对于群众关注西洋乐、民乐、美声、民声的情况也进行了调查分析。大多数接受调查的群体没有固定的倾向,但由于民族题材的作品、表演形式较国外作品还不够丰富,限制了舞台实践群体的曲目,在一定程度上影响了民众对民族题材舞台实践的关注。因此,舞台实践不仅是提高学生实践能力的手段,也是扩大音乐文化艺术在社会影响力的重要途径,学生在曲目的学习方面应中、西方兼顾,教师在教学中要注重发掘民族题材的作品,使学生立足民族文化,中西结合发展。
三、构建三个层面的实践教学体系平台
实践教学是音乐艺术院校教学工作的重要组成部分,是培养学生实践能力和创新能力的关键环节,也是提高学生社会职业素养和就业竞争力,服务社会的重要途径,天津音乐学院在教学工作中注重实践教学的培养机制,优化资源配置,完善管理体制,合理构建实践教学体系,教学指导实践,实践促进教学,以提高教学质量为宗旨,有效构建实践教学育人平台。天津音乐学院实践教学平台构建主要分为三个层面:(1)在每学年暑期学院统一组织的为期近一个月的艺术实践活动,称为“艺术实践月”。这期间,在院领导的统领下,在教务处的统筹安排下,全院自上而下全员参与,各系在专业教师的组织指导下,有备有序地开展艺术实践活动,并有要求、有检查、有总结、有评估。这种全院范围的统筹安排可有效地激发全校师生的热情,确保艺术实践的实施,促进实践教学。自2006年以来,天津音乐学院每年有3000多人次参加实践月期间的艺术实践活动,在提高学生创新能力的同时,也有效地促进了课程教学内容、教学方法改革。(2)各系开展具有专业特色的演出实践活动。各教学单位根据专业特点和培养目标,建立多层面的大学生实践机制,如“星期音乐会”等在学院音乐厅、演奏厅举行,面向社会免费开放。(3)组织和策划好校内外的各类实践活动,积极鼓励学生参加省市级以上专业比赛、演出以及社会公益活动,充分调动广大教师和学生的积极性。
四、发挥实践教学环节对学生创新与实践能力培养的作用
近年来,天津音乐学院充分发挥实践教学环节对学生创新与实践能力的培养作用。一是进一步优化实践教学体系,推进实践教学内容改革与创新,从提高学生舞台实践能力的角度更新和调整实践教学内容,同时注重改革实践教学方法和手段,强化实践课程的教学质量检查评估,积极推进高水平实践基地和教学示范中心的建设;二是制定《实践学分管理办法》,积极探索以艺术实践学分为杠杆的实践教学激励机制。
1.加强校内外实践基地建设建立具有音乐艺术院校特色的实践教学基地,以校内与校外相结合的方式,实行开放式实践教学。实践教学基地是保证实践教学质量效果的重要条件,积极推进实践教学基地建设,为培养学生的实践能力、研究能力、创新精神搭建平台。做到五个坚持,即:坚持校内和校外基地相结合,坚持稳定性与开放性相结合,坚持实践基地建设有利于学生知识、能力、素质的提高,坚持实践基地建设要具有特色和前瞻性、办出新模式,坚持实践基地建设要紧密结合理论教学体系。在校内建立了天津青年交响乐团与合唱团实践剧场、天津青年民族乐团实践剧场、舞蹈实践剧场、戏剧影视实践剧场、音乐表演实践剧场,构建“相互平行、融合交叉”的理论和实践教学体系,将排练课与演出实践、平台建设紧密结合,专业建设与实践教学紧密结合,课堂教学得到了有效延伸,增强了学生的舞台实践能力。建设了天津市文化中心、天津音乐厅、西岸艺术馆等音乐艺术演出场所,华夏未来、少年宫等青少年艺术交流场所;在武警指挥学院、45中学等院校建立了艺术实践共建场所。积极参加天津市音乐文艺展演———高雅音乐进校园、天津市“海河之春”文化节、天津市“五月音乐节”、达沃斯论坛系列演出等实践活动,以实践平台建设激发学生的学习积极性,促进教学质量的整体提高,服务社会,为天津市文化的大发展大繁荣做出了积极的贡献。
2.完善艺术实践学分管理制度为贯彻落实《国家中长期教育改革和发展规划纲要(2010—2020年)》,积极探索新的人才培养模式及其实现途径,进一步完善具有学院特色的实践教学体系,鼓励学生积极参加参与科学研究、专业竞赛、艺术实践、创新创业训练计划,激发学生潜能,培养学生的学习能力、创新能力、实践能力、交流能力和社会适应能力,使天津音乐学院的人才培养工作更符合时展的需要。学院于2013年在本科生中推行“天津音乐学院艺术实践学分管理办法”。这一制度的实施是强化学院专业艺术教学活动的重要举措,它可以充分调动和发挥教与学的积极性、主动性和创造性,促进以学生为主体、以教师为主导、以学分为杠杆的管理机制的形成,最终为提升艺术教育教学质量提供可靠保障。天津音乐学院艺术实践学分适用于在校本科生参加学院统一组织的专业比赛、演出、学术讲座,举办音乐会或舞蹈、戏剧影视展演,发表作品、论文等实践活动而获得的学分。分为四类:(1)比赛类,即在国际、国家级、省、市级专业比赛中获优秀奖以上奖项,在省、市级以上刊物、作品;(2)演出类,即参加由院、系组织的国家级、省市级及其他形式的演出;(3)音乐会、展演类,即个人或2—5人举办作品、演奏、演唱音乐会,舞蹈、戏剧影视展演;(4)学术讲座类,即参加由院、系举办的专家讲座,以系、部提供的讲座考勤记录为依据等获得相应的学分。
3.加强毕业论文的实践指导作用毕业论文是高等学校人才培养中的重要实践教学环节,在培养大学生实践能力与综合素质、创新能力等方面发挥着重要作用。天津音乐学院本科毕业论文要求与实践紧密结合,内容体现学生运用所学理论知识解决实际问题的能力,重在理论与舞台实践的统一。通过毕业论文中期检查制度、二次答辩制度等措施强化毕业论文的过程管理。同时为了提高选题质量,学校实行毕业论文题目的申报与审查制度,要求题目紧密结合舞台实践,加强对实践的理论思考,有效提升舞台实践的理性思维,保证实践的深度和可持续性。
五、完善课程体系建设,推进考试方法改革
1.调整专业选修课的设置模式与内容传统的专业选修课设置方式和教学内容存在着不适合培养创新人才要求的弊端。教学计划中提前几年安排好的课程名称和内容在开课时往往已经落后,使得部分学生修选修课的目的只是为了得学分,没有起到拓展视野、增强能力的重要作用。天津音乐学院改革专业课、专业选修课的设置方式和教学模式。一是改革专业选修课的设置模式,各专业在规定的学分内灵活设置专业选修课程。专业选修课程的内容要紧密结合社会对艺术人才的需求、舞台实践能力的提升,及时反映有关专业的新知识、新理念、新方法,加强对学生的素质教育;二是改革专业课的教学方法。各专业可以采用灵活多样的教学模式和教学方法。如,课堂研讨、现场教学、一对一教学与小组课教学结合的模式即1+2+X等方式。三是开设专业选修课的教师,原则上要由具有较强科学研究与实践能力,也可聘请校外专家来校开设专业选修课。以“大师讲坛”等学术形式定期聘请资深学者、艺术家、教育家到校讲学、座谈,拓展了学生的视野,激发了学生的学习热情。
2.推行考试方法改革,注重对学生实践能力的考核考试既是实践平台又是检验平台,考试方法改革是教学改革的重要组成部分。改革的原则是有助于培养学生的“三个能力”,即学习能力、实践能力与创新能力。天津音乐学院积极开展考试方法改革的探索与实践。建立了基础课以“平时+期中+期末”的考试方式为主,专业课则根据课程性质实行独奏、重奏、合奏等多种舞台考核方式。特别强调专业课考试方法改革的重要性和必要性,通过改革实现了三个转变,即考试方式向多样化转变,考试内容向注重综合能力考核转变,成绩评定向综合性转变。
六、加强教师实践能力与专业综合能力培养
著名男高音歌唱家李光羲老师今年已86岁,各种演出、活动依然排得满满的,仅2015年春节,光羲老师就参加了央视和北京卫视的两台春晚。女儿们刚给他过完生日,笔者发去祝福短信,光羲老师已在赴国外旅游的飞机上……
有一次到光羲老师家,在门口刚放下电话,远远就看见他骑着那辆旧自行车冲我招手,他说:“我就在附近办点事,估计你快到了,就猛往回骑。”光羲老师已是耄耋之年,三个女儿却都不在身边,相识十一年笔者也仅在家里见过光羲老师的爱人王紫薇两面,“我们家我是最闲的,她们都比我忙。”
李光羲的三个女儿分别出生于1960年、1965年、1968年,如今都很出息,都很孝顺。2010年2月7日,李光羲与大女儿李棠的父女探亲音乐会在天津举行。2010年4月17日晚,《祝酒歌-李光羲、李棠父女演唱音乐会》又在北京国家图书馆音乐厅举行,父女俩以真挚的感情为广大观众再次唱响了一首首久违的经典歌曲……素有“歌剧王子”、“歌坛常青树”美誉的著名男高音歌唱家李光羲以81岁高龄不用话筒演唱了17首歌,甚至比女儿还多唱了两首。
我问光羲老师有什么教女秘诀?他说什么秘诀都没有,“从小到大我们从不刻意去教育孩子,平时我们怎么做人、做事,她们都看得见,可能是潜移默化的身教起了点儿作用吧。我们一家的物质生活曾经是零,但我们的精神生活却一直是一百分。紫薇的乐观、智慧、统筹一切的本事,我对艺术和生活不懈的努力、追求,我们俩共同的忍耐、坚持,可以说对她们有很大的影响。穷的时候,我买6分钱一堆的水果,一分钱掰成两半儿花,走在大街上什么都想买什么都想吃,就是没钱。但我们活得很开心很有滋味,因为快乐是心灵之爱和亲人的温暖共同制造出来的,它不需要钱,却是无论多少金钱都买不到的。紫薇出身大富之家,过去都不知道什么叫水开,更别提做饭做衣服了。可结婚后一切都无师自通,省下钱买缝纫机,我们一大家子从棉猴到裤衩都是她一个人做的。她1959年大学毕业就留校任教,我们的家从东城搬到宣武,从宣武搬到朝阳,离她的单位――北京医科大学永远是30里路,她蹬着自行车来回30年,晚上进门就发面,9点钟蒸馒头,然后备课……从没吃过早饭。我经常巡回演出,家就是她一个人在照料。孩子们不用教育,看看她妈妈怎么操持一个家、她爸爸怎么对待工作对待事业就知道了。”
李光羲的大女儿李棠1984年从艺术学院音乐系毕业后,分配到战友歌舞团。她是抒情花腔女高音,而当时是流行音乐的天下,李棠很“郁闷”,后来去美国留学,主修声乐及表演艺术,获加州州立大学音乐硕士学位,并曾多次在国际声乐比赛中获奖,旅美期间扮演过多个歌剧角色,并作为独唱演员活跃于美国音乐会舞台。
“我们当时砸锅卖铁凑了1000美元,可这点钱只够李棠到美国的,之后就全靠她自己了。省着花、努力干、尊重人,李棠牢记我们总结并传授给她的‘三字经’,她最初是到餐馆打工,一天工作十几个小时……她到底吃了多少苦,我们也不清楚。记得有一次她高兴地打来电话说得了5000块钱。我们都纳闷儿,难道是中奖了?后来才知道她被一个美国人开车撞了,脖子扭了,人家赔给她5000块钱……经过生活的苦练,她的学习、事业蒸蒸日上,总是得第一。”
后来,李棠遇到了生命中的白马王子――被称为“中国IC产业第一人”的杨崇和。杨崇和曾任澜起科技(上海)有限公司董事长及首席执行官。他毕业于美国俄勒冈州立大学,获电子工程学硕士学位及博士学位。曾在硅谷的美国国家半导体公司工作,在国际权威专业期刊和会议上20余篇,并获多项美国专利。1994年杨崇和应上海贝岭公司之聘回国,筹建并领导贝岭新品研发部,成为最早自硅谷回国发展的集成电路设计专家。“李棠学她妈妈,独立、自主、自爱,各方面都不输给丈夫,回国后被上海音乐学院聘为音乐戏剧系教授。我的三个女儿都很孝顺,每天都打电话。我现在是被老伴儿和女儿们激励着,才有劲头继续在音乐之路上攀登。”
光羲老师说他和女儿们互相惦记但又互相不麻烦,爱不怕麻烦,怕麻烦不爱,尽量不麻烦,爱才不麻烦。
目前在我国,该机构名称经常被翻译成“俄罗斯格涅辛音乐学院”,严格的说,将该校名称翻译成“音乐学院”并不适当。因为在俄语中,“音乐学院”应该是专属名词“консерватория”,目前全俄罗斯拥有12所使用该单词为校名的音乐高等教育机构,其中包括著名的柴可夫斯基音乐学院、彼得堡音乐学院。而格涅辛音乐研究院使用的则是单词“академия”,意为“研究院”,该校名称直译应为“以格涅辛家族命名的俄罗斯音乐研究院”,简称“俄罗斯格涅辛音乐研究院”,在俄罗斯使用这个单词的高等音乐教研机构仅有这一所。格涅辛音乐研究院除了具备音乐学院教学的所有功能外,还担负着俄联邦高等音乐院校教学大纲的修订和完善俄罗斯音乐教育体系的重要工作。因此,对俄罗斯格涅辛音乐研究院教学体系进行探讨实质上就是在研究俄罗斯音乐高等教育最前沿成果,可为我国高等院校教学体系的发展和完善提供有益的借鉴。
一、 民族乐器系巴扬和手风琴教研室
1948年在苏俄手风琴发展史上是值得纪念的一年,因为在这一年位于莫斯科的格涅辛音乐师范学院(格涅辛音乐研究院的前身)率先在全苏高校中开设了民族乐器系,从此包括手风琴在内的苏俄民族乐器进入了苏联高等教育的大雅之堂。60年后的今天,格涅辛音乐研究院的手风琴教学、科研水平在独联体地区仍然处于霸主地位,其影响力在全世界范围内也然无人匹敌,32名在校学生问鼎世界三大手风琴比赛桂冠的记录使其他高等院校同行望尘莫及。
1. 高水平师资
俄罗斯格涅辛音乐研究院巴扬和手风琴教研室是当今世界首屈一指的手风琴高等教育集体,拥有世界一流的师资与科研队伍,同时还接纳了来自全俄罗斯乃至世界各国最广泛的优秀生源。该教研室拥有手风琴教师14名,在校学生82名,现任主任为利普斯教授。
2. 重要艺术活动
自1989年开始,巴扬和手风琴教研室每年12月份都将在格涅辛音乐研究院举办为期一周的“巴扬与巴扬演奏家”国际手风琴艺术节,届时将邀请多位国际知名演奏家在格涅辛音乐研究院音乐厅举办音乐会。
二、 主科教学
手风琴主科教学为一对一授课方式,每周一次课,每次1.5小时,授课地点为固定教室,所有教室均备有谱架、三角钢琴等必要设施。
1. 教学过程
正式开始上课时,学生要面对教师和刚结束专业课学习的学生而坐,以其为观众在音乐会状态下熟练完整地背谱演奏本周的作业。这种安排可以使学生在每次上课时都能得到一定的心理素质锻炼,逐步增加抗压承受能力,在一定程度上可以使学生习惯于在观众高度关注中进行正常演奏发挥,以避免其在考试或者音乐会演奏中由于心理素质不过关而产生的晕场现象。此后,上完专业课的学生离去,教师视学生作品完成情况选择继续与学生相对状态背谱授课或者与学生并肩而坐共同面对乐谱授课。
教师给学生上课时会针对学生的演奏或作品中出现的一些问题,在课堂上进行详细的讲解和讨论,并引用相关的例子加以说明解释,直至学生对此问题的理解达到了超出了该作品范畴的领悟。授课中,教师重视学生自身对音乐的理解感悟,侧重培养学生演奏中的音乐个性,只是对于一些原则性问题进行纠正和提出要求。
授课结束后,教师会要求学生作为观众认真聆听下一位学生的演奏,并根据其演奏内容给予适当讲解和评价。欣赏完上课学生的演奏后,上完课的学生可自行离去。在课堂教学过程中设身处地参与到教学活动中的专业学生,是以“局内人”的身份在对教师的教学方法进行体会,而在下一堂课旁听课中其则以“局外人”的不同视角对教师的教学过程进行观摩,这种不同视角的转换可以使学生更加全面的对教师的教学艺术进行观察和学习,从而在教师的言传身教中提高学生自身的专业教学水平。
2. 教学特征
(1) 专业课堂教学中要求学生将自我评定为完美无缺的演奏带到课堂上来
(2) 教师高水平的示范演奏
(3) 严谨而灵活的教学内容
(4) 注重俄罗斯民族作品的教学
3. 教学评价
格涅辛音乐研究院的学生每学期要经过两次考试,但期中考试为考察,不计入成绩。学生必须完成教研室规定的相应年级考试曲目才能进入下一阶段的学习。考试一般在音乐厅进行,完全开放,鼓励各年级学生进行现场观摩。
以下是各学期考试曲目要求。
一年级第一学期:
(1) 2―3首巴赫的二部创意曲或平均律钢琴曲集第一册前奏曲与赋格;(2) 古典奏鸣曲中的一个乐章(例如海顿的作品);(3) 两手不同风格的斯卡拉蒂奏鸣曲;(4) 民间音乐作品。
一年级第二学期:
(1) 巴赫平均律钢琴曲集中的键盘复调作品;(2) 古典奏鸣曲中的一个乐章(例如莫扎特作品);(3) 两首不同风格和作者的小型作品(主题材料来自民间音乐或者歌舞――爵士等);(4) 原创的炫技风格作品。
二年级第一学期:
(1) 大型管风琴或键盘复调套曲(赋格部分不能少于三个声部);(2) 古典奏鸣曲(全部演奏);(3) 室内乐――现代作曲家创作的学院派作品;(4) 歌舞――爵士音乐作品;(5) 自选作品。
二年级第二学期:
(1) 现代复调作品与赋格(不少于三个声部),可以选择肖斯塔科维奇、谢德林、柴金、库夏科夫、兴德米特的作品;(2) 大型原创作品;(3) 俄罗斯作曲家的作品;(4) 两首不同风格的小型作品(主题材料来自民族音乐或者通俗音乐);(5) 自选作品。
三年级第一学期:
(1) 复调作品;(2) 外国作曲家原创大型作品;(3) 音乐会小品;(4) 小型能表现不同风格的套曲。
三年级第二学期:
(1) 复调作品;(2) 套曲(协奏曲、奏鸣曲、组曲、帕蒂塔及其他);(3) 自选曲目。
四年级第一学期:
(1) 复调作品;(2) 大型作品(可以是单乐章);(3) 自选作品;(4) 举办班级音乐会。
四年级第二学期:
(1) 30分钟以内的作品,应包含不同的体裁和风格。
五年级第一学期:
(1)演奏新作品,为国家考试做准备(曲目量为国家考试的一半)。
五年级第二学期:
(1) 30―35分钟的音乐会作品;(2) 复调作品(赋格不应少于三个声部);(3) 大型作品;(4) 炫技风格小型作品。
三、 专业必修课
作为一套全面系统的教学体系,教研室在必修课程的设置上进行了精心的安排,设置了许多对学生的教学和演奏能起到积极作用的关联性课程。学生除了学习手风琴主课之外,还要学习室内乐、手风琴教学法、手风琴艺术史、手风琴教学实践等与手风琴演奏和教学紧密相关的课程,这此课程不仅大大地丰富了学生们的音乐视野,提高了他们的演奏及合作的能力,还对手风琴主科教学起到了良好的辅助作用。
1. 室内乐
上课是以一对一的形式进行,课程设置为4年,该课程设置的目的是培养和锻炼学生与其他乐器的合作能力。手风琴室内乐组合形式灵活多样,有手风琴重奏,也有手风琴和冬不拉及巴拉莱卡合奏,更有手风琴和大提琴、小提琴、长笛等乐器的组合。教研室规定,手风琴专业的学生必须参加手风琴乐团的排练和演出。同时校方也派有专门的指挥家长期负责指导乐团的工作,督促乐团每个学期进行专场的音乐会。另外手风琴专业的学生还要参加民族乐团的演奏,每个民族乐团都有十几个手风琴演奏家,其他的民族乐器是冬不拉、巴拉莱卡和吉他等民族乐器。室内乐课的平时考试是以音乐会的形式在音乐厅进行的,而毕业时则需要和手风琴主科一样参加统一的国家考试。
2. 手风琴教学法
上课形式为集体课,课程设置为1年。第一学期教师将系统的传授手风琴启蒙时可能遇到的一些问题与解决办法、基础的教学方法、科学的练琴方法以及老师与学生的沟通等内容。这些内容涵盖了教育学、心理学和各个其他方面的内容,目的是要让学生学会如何去教手风琴,但重点是在如何和学生进行效果良好的沟通上。第二学期授课内容主要是如何教授那些已经有一定专业基础和技能的学生如何准确的理解音乐、处理音乐、表现音乐,并介绍一些前人已总结出的优秀教学经验和教学方法。本学期授课的重点是从教师这个角度来讲授作为一名手风琴老师应该学习和知道的理论实践经验,分析重点集中在对教师本体的研究上。
3. 手风琴艺术史
上课形式为集体课,课程设置是1年,主要介绍手风琴艺术的形成与发展进程以及各历史时期主要的音乐风格特点、代表人物及其代表作品,并就不同的手风琴演奏流派及著名的手风琴演奏家、作曲家等进行探讨研究。该课程主要由教师结合音响资料进行系统授课,要求学生在课后查阅相关的文献和音响资料进行强化记忆。考试是以师生一对一的问答形式进行的,老师就平时上课中学习过的知识点提出相关的问题,学生则需要运用自己平时学习积累的相关知识,临时组织材料,条理清晰的回答。
3. 教学实践
教育要同实践结合,格涅辛音乐小学和音乐中学是格涅辛音乐研究院的学生们运用所学知识进行实践的场所,这一优良传统沿袭至今。教学实践课是以一对一的形式进行,课程设置为1年,主要是培养学生实际的手风琴教学能力。上课一般有两种形式,一是由老师示范如何给孩子上课,学生则在旁边学习怎样安排、组织和进行教学;另一种形式则是由学生给孩子上课,老师在旁边给予指导、及时的纠正学生在教学过程中存在的问题。这两种上课形式是相互结合的,由授课老师进行安排。被手风琴专业学生授课的孩子,是由指导教师根据学生的教学能力、学习程度等实际情况进行安排,有可能是附属音乐中学的学生、也可能是业余初学的孩子。教学实践课的考试成绩不仅要根据学生本身的教学水平来给出,还要看孩子在课堂中对知识的接受比率后进行综合评定。
结语:
2009年4月30日至5月5日,作为2010年中国上海世博会开幕一周年倒计时音乐活动的重要组成部分,也作为今年“上海之春国际音乐节”的重要参演节目,由上海世博局、上海对外文化交流协会和浦东新区文广局联合主办的“放歌世博――2009上海世界音乐周”在东方艺术中心和世纪公园举行。
今年上海世界音乐周,国内外的11支世界音乐表演团体:森林秘语乐团、塔布拉鼓大师扎可尔・侯赛因、爵士女歌手娜莎耶、几内亚非洲舞蹈团、“桑巴风暴”表演团以及神殿乐团、国内音乐家刘索拉、萨顶顶以及阿秘厘乐团、阿坝藏族羌族自治州歌舞团、花腰彝族龙车村小寨跳乐等为观众精彩地展示了“世界音乐”的魅力。其中,阔别上海舞台已经十年的刘索拉给观众带来一场惊喜。刚出场,刘索拉先“告诫”大家:“因为我的音乐太奇怪了,为了不吓着观众,我先解释一下吧。”接着,她开始介绍她的曲子《生死庆典》……一个鼓,一个琵琶,再加上刘索拉或追随,或唱和或模仿的人声,整个舞台成为了村头风俗人情的展台,虽然还是有人被“吓”得提前退了场,但是多数观众都被“另类”音乐中生命的力量所击倒,并渐渐领悟“原来音乐还可以这样”。是的,音乐无国界也没有地界。刘索拉、朱哲琴、萨顶顶等在国内外颇具影响力的音乐人都在原生态音乐中汲取营养,而前两位在“中英世界音乐对话”活动中强调了这一点。
2009年5月5日,音乐周主办方与英国领事馆文化教育处在上海东方艺术中心演奏厅联合举办了“中英世界音乐对话”活动,中国非物质文化遗产保护中心主任田青担任主持,嘉宾包括音乐家刘索拉、音乐人朱哲琴、英国资深音乐创意企业家代表、英国爵士及世界音乐重要推手克莱尔・维特克尔(Claire Whitaker)以及英国伦敦大学亚非学院资深讲师瑞切尔・哈里斯(Rachel Harris)。他们汇聚一堂,一起探讨了有关“世界音乐”以及原生态音乐保护的问题。对话期间,与其他四位优雅的女士相比,年过六旬的田青显得最为“愤青”,他谈到国内音乐教育制度存在很大的问题:“在中国学钢琴或者学西方音乐,反而比民族音乐更容易,这个现象不正常。”他还提到,因为跟钢琴的十二平均律不一样,不少音乐人想要改造我们自己的竹笛,把笛子多扎一些眼,把二胡弓子解放出来,像小提琴那样,追求与大乐队的合作,但是把中国音乐里边最有味道的音都抹杀掉了。“我们有很长一段时间处于这样的状况,对自己的民族文化,在不理解、没有继承的情况下,轻易地抛弃了。”他还特别指出,中国人心中神圣的金色大厅就是一个演出剧场,可以出钱租用,从而成为某些团队和个人“镀金”的方式,所以不能将之作为代表音乐成就的唯一标杆。
作为对话活动中唯一一位与商业相关的人,克莱尔・维特克尔也非常关注原生态艺术:“通过试讲或试唱的方法让听众了解到更多的音乐形式,获得不同的感受,这是对演出者和听众共同的激励。我们不能够低估了面对面的重要性,尤其是对于原生态艺术。惟有让观众参与进来,才可能同时获得经济价值和推广价值。在欧洲,‘世界音乐’甚至能够帮助唱片公司,而不仅仅是音乐家。”(胡凌虹)
2009上海之春国际音乐节顺利闭幕
2009上海之春国际音乐节于2009年4月28号开幕。《梁祝》诞生五十周年纪念音乐会作为了本届音乐节的开幕演出。5月16日在东方艺术中心音乐厅,音乐节组织委员会主任、市委常委、副市长屠光绍致词并宣布为期十九天的2009上海之春国际音乐节圆满闭幕。闭幕仪式后,拥有百余年历史的美国匹兹堡交响乐团奉献了精彩的音乐会。
本届“上海之春”历时19天,来自中国、美国、德国、西班牙、芬兰、奥地利、爱尔兰、韩国、马来西亚、泰国等10多个国家和地区的音乐家奉献了30余台40余场演出,其中,包括德国德累斯顿国家交响乐团、美国匹兹堡交响乐团、芬兰拉蒂交响乐团、中国澳门乐团等众多世界知名乐团。音乐节期间共有10余万观众走进剧场观看演出,通过电视、电台收听、收看音乐节演出的市民更是达到数百万人次。本届“上海之春”坚持“新人新作”的办节特点,共举办新人新作音乐会13台,推出新作品约53部,新人新作音乐比赛5大项,其数量规模再创历届音乐节之最。同时本届“上海之春”还聚焦“城市”和“世博”主题,举办了世博号角――上海之春国际音乐节管乐艺术节暨中国第三届非职业优秀行进管乐团队展演活动。在上海首次举办的城市森林音乐会,也成为“迎世博倒计时一周年”活动的压轴大戏。(祖忠人)
上海现代戏剧谷开幕
2009年5月20日,上海现代戏剧谷开幕。在开幕典礼上,上海现代戏剧谷与中国国家话剧院、上海话剧艺术中心、上海戏剧学院、东方票务、孟京辉戏剧工作室、上海现代人剧社等2009年度首批演出合作单位进行了签约仪式。而全球最大的剧院管理机构――美国百老汇倪德伦集团也在开幕典礼上与静安区政府就戏剧谷的战略合作达成了总体框架合作意向。上海现代戏剧谷东起成都北路、西至镇宁路,以南京西路至华山路一线为中轴,区域宽约0.5公里、长约3公里,是上海现代戏剧产业的核心集聚区,也是上海首批15家文化产业园区中唯一的音乐、演出娱乐类产业项目。上海现代戏剧谷每年将分春夏秋冬四个演出季。今年5月至7月的首个演出季中,30台100场次的戏剧将集中上演。(rainbow)
“无障碍电影工作室”成立
电影是大众喜闻乐见的视觉艺术,但一些残障人士由于生理障碍,无法与健全人一样在电影院内无障碍地享受视觉盛宴。为能让残障人士感受到电影艺术的魅力,近期,在上海市慈善基金会的资助下,市残联、市图书馆、上海电影评论学会筹划成立“无障碍电影工作室”,并于2009年4月23日“世界读书日”举行该工作室的成立及中国第一部无障碍版影片《高考1977》的首映仪式。无障碍电影工作室制作的电影主要以反映社会主旋律、具有励志精神的最新上映的国内外影片为主,突出通过增加旁白,配备字幕,让视力障碍人士借助听觉来“看”电影,让听力残疾人借助字幕来“听”电影。今年工作室将完成 《高考1977》、《非诚勿扰》、《可爱的中国》、《导盲犬小Q》、《狗狗与我的十个约定》等七部影片的制作。无障碍影片的制作和播放,将受惠于更多的残疾人,让他们能像借阅普通图书一样,在公共图书馆或者区县阅览室中,借阅喜欢的影片在家里观赏,享受电影艺术带来的欢乐。(黄一庆)
水墨当下――2009上海新水墨大展开幕
2009年5月12日下午三点,由朱屺瞻艺术馆发起,并与上海多伦现代美术馆联合主办的《水墨当下――2009上海新水墨大展》在上海多伦现代美术馆隆重开幕,展出了中国当代及海外水墨艺术领域70余位艺术家的作品。本届大展由五个主题子展览构成:“上海新水墨艺术基地特展”、“水墨创造・感悟都市”、“海外水墨三十年”、“水墨・抽象”、“粉墨――当代女性水墨画展”。
较之前几届展览,本届上海新水墨艺术大展视野更为宽广,主要从全球化―地域、观念―语言、社会图景―个人心性等多个角度来呈现水墨在当代的真实生存状态,揭示当代中国的文化精神景观,既是对当代水墨领域的梳理和呈现,也是在实践上对上海新水墨展览学术成果的推进。(rainbow)
【关键词】音乐教育 艺术实践 演出 实践基地
开展艺术实践,要求我们不仅是停留在思想上、文字上、理论上,更重要的是强调实践第一,俗话说“台上一分钟,台下十年功”,实践是检验真理的唯一标准,采用什么样的方法和走什么样的途径,是我们当前要完成的任务。学校要多组织学生参加艺术实践活动,把实践落实到行动上,做到知行合一,为开展艺术实践提供有力保障,培养高质量的音乐师资人才。
当前音乐教育的教学中,艺术实践的开展普遍存在以下几个问题:1.艺术实践的参与人员少、艺术实践的场地少、艺术实践的机会少;2.课程设置中艺术实践课所占的比重较小,学生实践得不到足够的锻炼,从而影响演唱者的声乐水平;3.缺少对生活的感知和理解,没有很好的艺术体验,缺乏对演唱作品的情感表达。笔者就如何解决上述问题做以下探讨。
一、开展多样性的艺术实践活动
(一)鼓励学生参加学校和社会上的各种演出活动,如声乐比赛、歌咏活动、庆典演唱活动、校园歌手大奖赛、合唱比赛等。通过比赛可以提高学生的表演能力,使其从教室走向舞台,由理论学习上升到实践应用的重要环节,从而提高教学质量、检验教学效果、增强实践能力,这是培养高水平声乐师资及艺术人才的必要和有效途径。
(二)定期邀请知名院校专家学者举办音乐学术讲座。音乐是一门听觉和视觉相结合的艺术,是通过人的感官使欣赏者得到强烈的震撼,使学生体验音乐的美和艺术情操。在听讲座的同时,学生能够和知名教师充分互动,在这种轻松愉悦的学术氛围中,不仅开阔了视野,而且提高了理论知识与歌唱技巧。
(三)坚持举办月观摩。观摩这种艺术实践形式,能激发学生自身的艺术技巧和修养,学生通过现场观看演出活动,感受活动的艺术氛围。这种艺术实践的形式可以给学生带来感官上的激励和视觉上的冲击,对学生进行全面综合的实践锻炼有一定的作用。比如CCTV青年歌手电视大奖赛就是一个很好的观摩途径,对音乐专业的人来讲,通过电视直播观看比赛的这种观摩形式,通过专家的点评、发言、打分等,能够使专业得到较大的提高,观看后应把自己的观后感及时记录下来,这对学生的专业成长是大有裨益的。这种观摩不仅为师生提供了音乐欣赏的机会,还使他们有了理论层面的提升,更重要的是使艺术实践知识得到积累,同时拓宽了艺术眼界。
(四)积极开展互联网艺术实践。时至今日互联网已进入千家万户,网上的音乐实践交流学习活动,不仅是学生艺术实践的大课堂,也是艺术实践的大舞台。通过网络可以接触音乐人才(如现在很流行的网络歌手),他们利用音乐博客,把自己的音乐作品利用微博进行交流,随时随地记载自己的音乐体会,全身心投入到音乐学习当中。对音乐专业的学生来讲,应充分利用互联网,创建自己的QQ和音乐博客,观看网上音乐讲座等视频,互相学习,相互沟通,让网络艺术实践架起学习的桥梁。
二、多渠道、合理优化课程设置开展艺术实践
(一)由于学校硬件上的客观原因,校内实践基地局限在音乐厅、校前广场等。因此,要积极建立校外实践实习基地,可以与当地琴行及音乐培训学校、群众艺术馆等合作,来满足学生的艺术实践需要,同时可与一些知名院校及演出团体建立长期合作关系,创造更多的实践场地和实践机会,满足学生的艺术实践需要。
(二)优化院校课程设置,增加声乐教学艺术实践课所占的比重。强化实践环节,使专业学生在掌握好理论基础的同时,其实践能力也能得到相应提高。如排练课(如合唱排练、演出节目排练等)、组织学生到外地演出及采风等都可以加入学分,使其课程设置合理优化。
(三)建立考核制度。对学生参加公益演出的次数、比赛的等次、毕业论文、文艺活动的组织及其策划、教育实习、参与排练活动和是否举办个人音乐会等,给予一定学分进行考核。对参与艺术实践的学生,在奖学金的评定方面给予一定的倾斜,也可在期末考试中给予其加分等。
三、扎根校园、投身社会,合理开展艺术实践
(一)鼓励学生举办个人独唱音乐会,把自己的学习成果展现给广大师生,报答教师的辛勤培养。通过音乐会的形式,学生能在舞台表演实践中找到自己在学习中的不足,把独唱音乐会当成一块“试验田”,体验播种的艰辛与收获的喜悦。
(二)采风活动是一项有意义的艺术实践活动,它不仅对传承和弘扬民族音乐、抢救保护文化遗产等方面有很大的推动作用,还是我们国家音乐发展创新的需要。采风活动能够拓宽学生的音乐视野,提高学生对民间音乐的热爱,培养学生的采风能力和科研撰写论文的能力,也是学生走出校门、深入民间、了解当地风俗文化的重要途径。如湖北省十堰市的吕家河民歌、武当道教音乐等都是很好的素材。在采风过程中,把收集好的大量民间音乐素材进行整理、编排,并进行实践汇报演出和经验座谈总结。通过这样的采风活动能够增强演唱者对生活的感知和理解,同时也会加强其对演唱作品的情感表达。
时隔六年,又见封颖。此次她是为上海音像出版社发行的她自己的一张钢琴专辑回沪的。这些年,作为一名签约沙亚·迪斯拜克经纪公司的钢琴家,封颖常年在海外演出,每年有几十场的音乐会。练琴——旅途——音乐厅,三点一线,日复一日,周而复始。职业钢琴家的辛苦与单调,我们是难以想象的,但这次见到封颖,她的热情大方依然,又多了些岁月的磨砺赋予她的成熟。
封颖的艺术履历中有一连串值得骄傲的纪录。五岁学琴,七岁举办个人演奏会。考入上音附中后,在名师指点下,先后获得上海青年钢琴比赛青年组第一名,香港国际钢琴公开赛公开组(无年龄限制)一等奖,中国首届青少年钢琴比赛乙组一等奖,法国第三届古乐西咏国际钢琴比赛青年组第一名。1996年,考入国立巴黎高等音乐学院,四年后以全优的成绩毕业,两年后以第一名的成绩毕业于该院大师班。之后受耶鲁大学之邀继续深造。1998年获得法国玛格丽特·隆国际钢琴比赛第四名,2003年获得美国威廉姆·卡佩尔(William Kapell)国际钢琴公开赛的银奖。
然而,获奖并不是人生的全部。对于一个真正的音乐家来说,获奖只是一个起点,之后漫长的职业生涯就像一场马拉松,考验着音乐家的艺术实力、修养及毅力。有的人坚持不下去了,很可能就半途而废,甚至坠入深渊。与封颖差不多岁数、或者比她大些的钢琴家,有的当年名气比她大得多,称得上是“弄潮儿向涛头立”的风云人物,可如今安在哉?惜乎有的改行了,也有人抵挡不住花花世界滚滚红尘的诱惑,无可救药地堕落了,让人不由感叹大浪淘沙,造化弄人。
相比之下,封颖的音乐之路走得十分扎实。这都源于她对钢琴艺术的挚爱,不管周围世界如何变化,内心始终有一份执着、坚持和追求。欣赏着她的这套专辑,曲目有拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴奏鸣曲》、普罗科菲耶夫的《第六钢琴奏鸣曲》和肖邦的四首圆舞曲,我问她为什么选择风格迥然不同的曲目做专辑,她微笑着回答,这是她近年来演奏艺术的一个小小的总结。在国外开音乐会,如果老是曲目重复,听众就会失去兴趣,艺术家就会被淘汰。看来,竞争和追求确实是驱使一个音乐家不断丰富自己、充实自己的动力。
这套唱片的另一半,封颖很用心地弹了一批中国音乐的钢琴改编曲——《百鸟朝凤》《花儿为什么这样红》《达坂城的姑娘》《花儿与少年》《云南民歌五首》《第一新疆舞曲》《第二新疆舞曲》等等,琴音中流淌出浓郁的民族风情,同时又充分呈现了钢琴艺术的特点。
《凤音》——这套专辑的名字,很巧妙地用了与封颖名字同音的谐音。记得六年前听封颖的音乐会,她的琴声铿镪有力,气势宏伟,技巧上有男性化的特点。这次听她的唱片专辑,感觉上她的琴音趋向温润内敛,但依然饱满优美。就像一只淬火重生的凤凰,向世界唱出了她那明亮而又深沉美丽的歌声。
希望封颖在艺术之路上走得更好。
本土黑胶往事
在我收藏的黑胶唱片中,中国的唱片公司出版的作品只是一小部分,却有其独特的价值。记得上世纪八九十年代,衡山路天平路有中唱上海分公司的门市部,那里绿荫环抱,环境幽静,离市中心并不远,却远离了闹市区的喧嚣,是一个选购音像制品的好去处,我的国产黑胶唱片基本上就是在那里购买的。
在这些国产黑胶唱片中,我特别喜欢那张胡晓平的女高音专辑——《古典抒情名曲——歌之翼》。胡晓平,八十年代蜚声大江南北的女高音歌唱家,毫不夸张地说,她在八十年代的名声和地位,就像郎朗在当下乐迷中的名声和地位那样。让胡晓平声名鹊起的,是她在1982年匈牙利布达佩斯科达伊—艾凯尔国际歌剧比赛中的摘得头奖。这是改革开放以后中国音乐家第一次在重要的国际音乐比赛中获得第一名,因此在当时异常轰动。
其实,胡晓平在获奖之前,已经在国内乐坛有相当的知名度了。上海人熟悉和喜欢她,除了她那优美飘逸的歌声以外,另一个重要因素便是敬佩她从一名纺织女工成长为一名歌唱家的传奇经历,可以说这是开放的年代中许多普通人通过奋斗改变自己命运的一个缩影。
如果说,高芝兰教授慧眼识才,是将胡晓平培育成优秀歌唱家的一位伯乐,那么,法国指挥家皮里松则是让胡晓平的人生发生重大转折的另一位伯乐。八十年代初,皮里松到中国排演海顿的清唱剧《创世纪》。接触过皮里松的人都知道,他是一个具有世界级水准而且极其严格的指挥家,《创世纪》的女高音从北京、广州一路选到上海,胡晓平让他眼睛一亮,最终决定由她担任这部清唱剧的女高音独唱。演出大获成功,离开中国前,皮里松对文化部的负责人说,你们应该让她出去比赛,这样对她对国家都有好处。于是,胡晓平得到了出国比赛的机会,在布达佩斯的科达伊—艾凯尔国际歌剧比赛中一鸣惊人,饮誉海内外。
在这张专辑中,胡晓平演唱了比才的《西班牙小夜曲》、舒伯特的《摇篮曲》、德沃夏克的《母亲教我的歌》等十四首外国抒情歌曲。她那纯净美丽、舒展飘逸的歌声将这些外国歌曲经典演释得曼妙多姿,给人以极大的艺术享受。
九十年代中期,从电视里看到胡晓平回到国内的一次演出,技巧更加纯熟,嗓音也一如既往的优美华丽,但不知为什么,歌声中没有了以往的激情,听来总觉得失去了一点什么。
《管弦乐:黔岭素描》是我喜欢的另一张中国作品专辑。这张专辑中除了朱践耳先生的《黔岭素描》,还有刘敦南的《幻想音诗》、马培元的弦乐合奏《怀故乡》,由曹鹏先生指挥上海交响乐团演奏。不过,整张唱片听下来,最精彩的还是《黔岭素描》。朱践耳先生用交响组曲的结构手法,将音乐分成了“赛芦笙”“吹直箫老人”“月夜情歌”“节日”四个乐章,生动地描绘了黔东南苗寨侗乡的风俗人情。遗憾的是,这张唱片的录音不理想,声音干涩发闷,多少影响了一些听赏效果。同样是《黔岭素描》,前几年,艾森巴赫率领伦敦爱乐乐团在上海演出时,加演了其中的“月夜情歌”,乐队将其演奏得抒情婉转,玲珑剔透,给人的感觉就是两个字:惊艳!
关键词:俄罗斯高等音乐教育 培养模式 课程设置
俄罗斯国立师范大学(俄罗斯HERZEN国立师范大学)创立于1797年,至今已经有二百多年的历史,是俄罗斯历史最悠久、唯一冠有俄罗斯国家名称的师范大学,也是当今世界著名的师范大学之一,为俄罗斯培养了大量的社会人才。近年来,俄罗斯国立师范大学和中国、美国、英国、法国、德国、芬兰、荷兰、挪威等多个国家、地区的大学和科学中心合作办学,在教育界扮演着开拓者的角色。
一、科学严谨的培养体系
音乐教师的培养是一项艰难而复杂的工作,要成为一名合格的音乐教师,需要长期严格的系统性理论及专业训练。俄罗斯高等师范院校的音乐教育,根据专业特点和社会发展的需求,根据对本专业各层次的不同社会要求设置不同的培养内容,定位培养人才的类型。笔者在俄罗斯高等师范完成了硕、博士阶段的学位进修并留校任教多年,对俄罗斯的高等师范类音乐教育有着更为全面的接触。下面,笔者以俄罗斯国立师范大学为例(以下简称俄师大),根据俄罗斯对本专业各层次的不同社会要求,简述其设置的不同的培养内容。
俄罗斯高等师范类本科学制为四年制,相当于我国学士学位水平,为“强制性公共音乐教育”,即为普通学校中的传统音乐课培养任课教师。音乐课有统一的教学大纲,以音乐知识、音乐欣赏和合唱为主。在这样的需求下,俄师大音乐学院把课程设置定位到培养中小学音乐教师的职业技能上。本科阶段的课程安排涉及面广,专业多样,钢琴、声乐、合唱、指挥等成为贯穿大学四年的必修专业课,教育学、心理学,各类教学法及英语音乐教学从二年级开始同样也要学习两年以上。以上这些课程也是俄罗斯所有国立师范大学音乐系的必修课,这就要求学生在四年的学习中,能够较为熟练地掌握各项专业技能和丰富的理论知识。除专业课之外,学校还会定期进行各种各样的合唱、独唱、乐器演奏、各类音乐会等实践活动,并从大学二年级开始,在学校的安排下定期去各地小学实习。
俄罗斯高等师范类硕士阶段为两年,为“补充性音乐教育”,即为儿童音乐学校和中级音乐专业学校培养师资人才。中级音乐学校是俄罗斯学生升入大学或音乐学院之前必经的过渡性学校,学制为四年,以器乐、声乐等专项专业学习为主,因此,在硕士阶段的培养内容上,除四项基本专业技能仍然是必修课程外,公共课的层次也更加深入,如开设音乐创作心理学、现代音乐教育问题、现代音乐教学实践、现代世界音乐教育发展史、技术专项教学法等课程。此外,学校也非常重视增强学生的教育实践能力,一年级为模拟实践课,二年级转为中学实践课,每周分别去音乐学校实习,使学生在学习期间就熟练掌握专业音乐教师的职业技能,力求毕业生将来既能在普通小学任教,也可以在中等专业音乐学校就职。
俄罗斯高等师范类博士研究生则为高等音乐院校、音乐研究院所培养高水平的音乐师资或音乐研究人员 ,故课程设置进入专项专题研究阶段,侧重学术性,要求研究者对音乐研究领域中存在的问题有敏锐的洞察力和研究能力。
二、丰富、科学的课程设置
在课程设置和内容上,俄罗斯高等师范在本科、硕士阶段都由公共课、专业技能课和实践三部分组成,在课程内容上与我国高等师范院校相差不多,只在重要的课程上有些区别,下面笔者详细说明。
(一)公共课的设置
公共课的课程是俄罗斯国立师范大学根据音乐教育这一特定学科设置的必修公共课,是学生毕业后从事教育事业的专业理论基础。通过学习哲学、美学、历史、外语、教学法、电化教学等课程,使学生获得广博的知识和丰富的视野。
俄罗斯教育界认为:教授音乐是一个多方面综合的行为,同许多领域紧密相连,如史学、哲学、美学、心理学和各类艺术理论等,这些知识横向决定着音乐的本质和方向。在这个指导思想下,针对音乐学科,近年来开设了音乐哲学、音乐培养哲学、音乐心理学、音乐创作心理学、艺术美学等新兴课程,并且迅速地占到了重要的地位。
教育学心理学教研室,根据各年级的不同,由浅入深地分别开设各类相关课程,如高校心理学、教育学、现代教育史等科目,并针对音乐学院的专业特殊性开设了音乐心理学、现代音乐教育问题、现代音乐教学实践、现代世界音乐教育发展史等课程。而且,学生可以将学到的理论知识应用在教育实践课的教育实践环节上,把心理学、教育学用于教学实践的经验。这种能力在未来的教学实践中无疑会成为调节课堂气氛、调动学生学习热情的有效手段。
哲学是唯一一门在俄罗斯国立师范大学的本科、硕士、博士学习阶段中贯穿始终的公共学科,学习内容从哲学简史、西方哲学史、音乐哲学、音乐培养哲学等逐渐加深,也是各个学习阶段最终“国考”的重点课程。
(二)专业课程的设置
专业课程的设置由音乐理论、合唱、器乐演奏、声乐表演四个教研室来完成。音乐理论史学教研室为学生开设音乐史、视唱练耳、和声学、音乐曲式分析、作曲、音乐评论等大量的理论课程,此外,俄罗斯高师音乐系里通常会有个书籍储藏丰富的图书馆,便于学生随时查阅资料。
音乐评论的专业技巧被认为是一个音乐学者的专业化特征,因此,音乐评论课成为非常重要的、使学生掌握音乐认知能力与技巧的实际应用课程。在这个长达两年的过程当中,学生要完成对当代音乐主要趋势的分析评论、大型器乐作品的评论,以及对综合型复杂音乐即歌剧作品的分析评论三个阶段的学习,这就要求学生接触大量的音乐作品,收集阅读音乐界专家的著作和论文,并定期将收集到的材料进行分析、整理,写出总结,撰写不同类型评论文章,并围绕自己所选择的主题,较广泛地关注各种音乐活动,通过学习音乐评论理论和参加音乐评论实践,使学生得以把基本理论课程、专业基础理论课和专业技能技巧课的内容密切联系起来,学以致用,为今后的发展奠定坚实的理论基础。
合唱和合唱指挥课也是一门十分重要的专业必修课,是本硕学习期间两门“专业国家考试”的课程之一,可见其在俄高等音乐教育中的受重视程度。他们采取大小课结合的上课方式,合唱指挥课采取一对一的导师制,并搭配一个钢琴伴奏,同时以大课的方式,在合唱课上,锻炼学生的实践性,将指挥技法、合唱、作品分析等相关理论与技能知识融为一体,针对学生合唱指挥的排练与组织能力进行重点培养,是检验学生对综合理论知识的掌握和实际应用能力的主要课程。
专业技巧课可以说是本硕学习阶段课时量最多、最重要的科目之一,以技巧课和室内乐课的形式同时进行,每周六课时,其中室内乐课四个课时,可见学院对学生专业实践能力的重视。授课教师对学生的要求非常严格,除了教授专业技能外,还会给学生讲解相关的教学方法,跟学生一起讨论和分析。以教师自身为例,俄罗斯国立师范大学的教学设置使学生在专业技巧进步的同时,还可以掌握相关内容的教学方法,为以后学生成长为一名合格的音乐教师奠定扎实的专业基础;在毕业考试时,主修专业课将参加俄罗斯国家学位考试委员组织的“国家考试”,以音乐会的形式和成套的音乐作品,身着演出礼服参加,这是对学生几年专业学习非常重要的考核和展示。
音乐实践课一般在音乐教学法的课程结束后开设,作为专业课的具体实施课程,在课程编配中也占有非常重要的地位,一般由学生的主项专业技能导师担任指导,与专业技能课搭配进行。其上课的方式主要有两种形式:一、由导师亲自示范上课过程,学生在旁边学习,这个过程通常与技能专业课同时进行。二、由学生自己给同学上课,导师在旁边指导,上课的人数一般为3—5人不等。音乐实践课与专业技能课相辅相成,从而为学生以后步入专业技巧的实践教学打下良好基础。
三、紧张的成绩考核
俄罗斯高校的考试形式和打分制都与我国不同,他们分考查、考试和国家考试三类。“考查”只分合格和不合格,不记录分数;“考试”则采取五分制,三分为及格,四分良好,五分优秀,其中可用加减号来区分学生成绩的不同,如“5+”“4-”。考试不采取像我国通用的卷面考试制,而是在考试前一个月左右,个别课程在开学伊始,由任课教授根据该学科的要求,给学生预留出几十道相关的论题,学生任选其中的两到三个论题自行准备考试内容。考试一般以师生小型答辩的形式来进行,学生在所准备的几个题目中现场抽选出其中一道,宣读自己准备的论文提纲,然后由1—3个导师以自由提问的方式进行答辩。在答辩的过程中,这个论题会被横向延伸,除音乐领域外,甚至会涉及到史学、哲学等相关学科,这就要求学生在准备过程中,不但要积累平时学到的专业知识,还要大量地查阅资料,进行与论题相关内容的学习和整理,这样,既调动了学生的学习积极性,增强了学习能力,也避免了死记硬背就能通过考试的弊端。
所谓“国家考试”则是由俄罗斯国家学位考试委员会组织的、由国家学位考试委员会成员组成的评委来进行的考试,简称“国考”。俄罗斯师范大学音乐教育专业本科生和硕士研究生在毕业时都有四门课程必须进行“国考”,其中基础课考试为外语和哲学两门,专业课考试为合唱指挥和专业技能(器乐和声乐自选一门)两门。这里需要特别指出的是,俄罗斯国立师范大学的主修乐器课和合唱指挥课均以音乐会的形式和成套的音乐作品,并要身着演出礼服才能参加。
结语
俄罗斯高等师范院校的音乐教育,以其严谨的治学态度,合理的课程安排,丰富的课外实践,保证了音乐教育培养目标的实现,培养出的教师实践能力强,具备教学、演奏、演唱、合唱及指挥等较为全面的能力,对音乐教育领域中存在的问题也有敏锐的洞察力和深刻的理解力。这种培养模式,对普及全民音乐素质教育、奠定音乐艺术广泛而坚实的社会基础也产生了巨大作用。
参考文献:
[1]Tatiana“Music of the People”.World Music,Vol. 1: Africa,Europe and the Middle East[J].2000.Broughton:p 248-254.
[2](俄)Marina Ritzarev.Eighteenth -century Russian music[M].Ashgate Publishing,Ltd.2006.
[3]张晓武.俄罗斯圣彼得堡国立师范大学音乐教育硕士培养解析[J].乐府新声.沈阳音乐学院学报,2008(4).
女人如香水,不一样的香醇,不一样的美丽。清雅的、浓烈的、俏丽的、田园的、尊贵的……每一款香水都是经典的,每一款香水的背后都有一个令人回味无穷的往事。下午,记者来到中国音乐学院采访了声乐硕士研究生张小萌,让我们一起来品味张小萌的音乐人生,音乐梦。
电视里的歌唱梦想
夏日阳光明媚白云朵朵,窗外琴音袅袅,走进音乐学院的琴房,记者看到这个学校的学生们都在认真做着自己该做的事:弹琴、交流、研究歌谱。
在三楼的一个独立琴房里,透过门窗我看到今天的被访者——张小萌。初次见面,她给记者的印象是一个唯美中带点柔和,优雅与质朴俱于一身的女子。她既没有那些艺术圈里玩世不恭,游刃有余的个性,也没有名利场中的急功近利、刻意追求的欲望。她的精神信仰中,除了对艺术的赤诚,还有对真善美的执着。她在充满歌声的音乐旅途上,有快乐,也有爱心。
童年时代的小萌看到电视里的歌唱家在舞台上倾情歌唱的场景,幻想着自己有朝一日也能够站在舞台上高歌一曲,他非常喜爱父母给她买来的盒式录音带,并且三五天就会唱,每当学校有演出,便少不了小萌的节目。但是,父母觉得孩子总归得以学习为重,怕唱歌影响学习,并没有支持小萌学习音乐,她萌生在内心的小小梦想只好作罢。初中时父母见小萌对此情趣不减,就给她报了一个古筝的培训班。父母的支持无疑给小萌增加了很大学习动力,从此她便如鱼得水般在音乐的海洋里畅游。2007年高考,小萌毫不犹豫地填报了音乐类专业,并顺利考入黄淮学院音乐系。
大学重温歌唱之梦
大学校园生活是充满诗意而又令人心生梦想的时期,从踏进黄淮学院校门的那一刻,小萌童年心中的歌唱之梦便重新萌发。在开学选报专业主课时,小萌出人意料地选择了声乐,并选择了音乐系声乐教授张霞老师。张老师起初并不看好这个学生,原因很简单,小萌是以古筝专业考入大学的,从未受过声乐专业训练,更谈不上会唱歌,与同期入学的七八岁就开始专业训练的声乐专业的同学相比,差距巨大。张老师问小萌:“你是学器乐的,为什么要改学声乐?”,小萌说:“弹筝只是我的爱好,歌唱才是我的梦想,老师,我要学唱歌,我一定不会让你失望的”。张老师看小萌心情迫切,听声音干净,便答应试试看。但几节课下来张老师便觉得这个学生与众不同,除拥有出色的嗓音条件外,在对歌唱技巧的接受、理解、把握和悟性上,明显比其他同学要快、要好,认定小萌是一块唱歌的好料。在日后的教学当中,张老师从基本功开始,对小萌严格要求,严格训练,精雕细琢,精心栽培。小萌则把始自童年的梦想,全部化作歌唱的动力和激情,认真学习,刻苦训练,每次上小课,她都用心唱,用心听,用脑记,及时捕捉感觉,下课后整理成笔记,反复琢磨,反复练习。除完成老师布置的练习曲,她还经常从网上下载名家名曲,模仿练习,主动请教老师。张老师常常疑问小萌是从哪里学到的新歌,而且学得还挺不错。别的同学节假日外出游玩,小萌却沉迷于歌声之中,乐此不彼。就这样,小萌的专业成绩一个学期迈一大步,一年迈上一个新台阶,很快便进入优秀生的行列,并开始崭露头角。2009年11月,获黄淮学院校园歌手大奖赛第一名,2010年1月,驻马店市新年音乐会担任独唱,2010年4月,学校推荐她参加河南省大学生科技文化艺术节声乐比赛,面对全省高校众多声乐高手,她不负众望,一举夺得民族组一等奖,为学校争得了荣誉。
艺无止境,为梦想继续前行
转眼间,小萌在紧张而又充实中度过了大学本科四年学习时间,为了心中的梦想,毕业前她毫不犹豫地选择了考研,张老师非常支持,并给她确定了更高更远的目标——报考中国音乐学院。目标确定后,师生两人开始了艰苦紧张的备考。老师帮她选曲目,上小课,并想方设法联系所报考院校,亲自带着小萌到北京拜师学艺。小萌则一边练声,一边复习功课,她深知自己起步晚、根底浅的劣势,笨鸟先飞,以勤朴拙,就连到北京上课路途乘车的时间她也不放过,还在看书复习。初试专业主课时,面对强手如林的全国各路精英,还有严肃挑剔的评委老师,她感受到前所未有的压力,显得信心不足,陪伴在身边的张老师以不可置疑的口气鼓励小萌:“你是最好的,相信我,相信你自己,你一定能行”。此时,小萌的耳边萦绕着老师的鼓励,眼前浮现的是几年来学习声乐的难忘经历,强烈的求胜欲望加上对中国音乐学院的深切向往,帮助小萌很快摆脱了畏难悲观情绪,她把压力变成动力,演唱时非常投入,整个人都融入了歌曲的意境当中,发挥了正常水平,获得评委老师的认可,得到较高分数,领到了一张宝贵的进入笔试的通行证。初试的成功,极大鼓舞了小萌,她变得强大起来,从内心呼唤:我一定要成功,一定能成功。面对即将到来的全国研究生文化统考,小萌丝毫不敢懈怠,把自己关进书房,与外界隔绝,全力投入,精心备考,常常学到深夜,简直到了忘我的境界。功夫不负有心人,在众多参考人员中,小萌脱颖而出,荣幸地成为了中国音乐学院声歌系2011年声乐硕士研究生。
考入中国音乐学院,小萌实现了梦寐以求的愿望,也从此进入一个新的天地。原来只能在电视里见到的知名音乐教育大师和歌唱家在这里经常见到,有时还能听到他们讲课。一流的教学条件,一流的教师团队,在这里她觉得一切都那么美好、那么新鲜,每天都觉得很匆忙也很充实。在这里她有幸结识了郭祥义老师,正式成为郭老师的学生。郭老师是我国著名声乐教育家、硕士生导师,具有丰富的舞台实践和教学经验,从教几十年桃李满天下,培养的学生中有八十多人次在国家级、省部级以上各类声乐比赛中获金、银、铜奖。有了郭老师一系列全面细心的指导,张小萌在学习过程中更加勤奋,珍惜每个可以学习的机会和锻炼的平台,一方面她平时经常会参加一些演出活动,在反复的演出实践中总结经验,提高技艺。另一方面会多看一些歌剧以及音乐剧的演出,开阔眼界,丰富自己。郭老师在平时教学过程中的鼓励和指引使她变得更加自信,演唱水平和表演能力也有了较大提高。
一程山水一程歌
从河南驻马店到北京,从家乡走进京城,张小萌的歌唱之路虽不像别人那么蜿蜒曲折,但也不是顺风顺水一路顺畅的。由于性格方面原因,初到北京的小萌比较有依赖性,求学之路最孤单无助的时刻妈妈只身前往北京陪读,每天给女儿洗衣做饭直到她适应北京的学校生活。
回忆陪读那段时间,小萌至今仍有愧疚之感,连累年过半百的母亲还要跟着自己漂泊在外,她说:“世上有一种爱最无私,向你倾尽所有;最伟大,你的一生都要从这里开始;最高尚,对你的付出从来不需要回报;最纯洁,永远是那么的自然真诚,不会掺入半点瑕疵。这就是母爱”。
如今的张小萌,性格之中透着开朗、真诚和随意。大学生涯的历练使她变得更加成熟。在民歌歌唱方向上更偏重于小号,在郭老师细雨润物般的培养下,目前正尝试着演唱不同风格的民族歌曲,无论是柔媚的民歌小调,还是技巧高超、音域宽广的民族歌剧选段,她都能驾驭得非常出色。她的声音具备多种特质:清脆、甜美、纯洁、真诚、大气、舒展、温馨、祥和。她的演唱没有虚假的做作,全无雕饰的痕迹,不妖不媚,流畅自然,不落俗套。似雪山上消融的清水,甘冽、香甜、晶莹透明,跳跃在石岩上,嬉戏在绿树中,欢腾在草坪里,无拘无束地留下一串串欢快的回声;又好像是一阵阵轻柔、和煦的春风,翩翩地飞过大地,轻盈地穿行在五彩缤纷的花朵中间,将安祥和宁静洒满人间。
心存善念,感恩随行
这个世界上,有一种爱,亘古绵长,无私无求;不因季节更替。不因名利浮沉,这就是父母的爱。善待自己的父母,他们永远是最爱我们的。别到了“子欲养而亲不在”时才体会父母的深情。谈话中我们了解到,起初张小萌的爸妈是不支持她学习声乐的,原因就在于家里人觉得这个专业成材率低、不好就业。希望自己的女儿能找一份寻常工作,安安心心工作,踏踏实实生活。小萌执着的坚持使父母重新对女儿学习音乐专业有了新看法。
来北京求学时,老师和家人通过各种途径为小萌打听优秀的声乐老师,也就是前面提到过的小萌现在的老师——郭老师。郭老师的出现无疑给小萌的音乐之路增添一道亮丽的风景,不仅歌唱技巧和舞台表演上有很大提高,而且分别在2012年1月的中铭杯“金鹰奖”全国声乐比赛中荣获铜奖,在2012年11月第三届中国民族声乐“敦煌奖”比赛中荣获优秀奖,在今年5月分别获得全国青年歌手电视大奖赛河南赛区十强和中央电视台“争奇斗艳”全国少数民族冠军歌手争霸赛回族专场比赛十强歌手称号。谈到这个话题时,可以看到小萌脸上洋溢着欣慰的表情,这无形中给她增添了学习的动力。
接受采访时张小萌感叹:“其实,生活的本身就是在于不断地吸取、积累和淘汰。生命是一种过程,一种吐故纳新的过程。就是吸取有营养的,积累应该堆积的,淘汰那些个糟粕。正是因此,人才会变得更加优秀。很感谢郭老师、张老师一直以来对我的悉心教导和耐心培养,感谢对我儿女般的关心和厚爱,他们不但教我唱歌,更教我如何做人、如何走好今后的人生之路、艺术之路,是他们让我的视野更加宽广,音乐之路越走越宽。他们的教诲是我前进道路上永远取之不尽、用之不竭的精神动力。”
树高千尺,而不忘根
岁月如歌,时光似水。张小萌在中国音乐学院的学习时光美好而短暂,纵然有万般不舍,最终也不得不离开这个令她如痴如醉的象牙塔。
张小萌六月底在家乡举办了一场自己的音乐会,这也是她第一次回到家乡为父老乡亲献艺。在老师,朋友和家人的支持下,音乐会顺利举行。对于恋家的小萌来讲,离家数年从未忘记过养育她的那片热土,心里时时牵挂着家乡的乡亲们,能够为家乡人民放歌一直是她心中的梦想。很多歌手都把开个人演唱会当做是自己的奢望,但并不是所有的演员都能梦想成真,更何况是研究生在读期间。当然,对于很多像小萌这样刻苦的歌手来说,能够成功举办一次个人音乐会足足是一份沉甸甸的荣誉,尤其是在自己的家乡开唱,不仅是对自己歌唱学习的肯定,同时也圆了一份浓浓的乡情,更是对她成长之路华丽蜕变的完美诠释。
不可否认的是,个人音乐会更是对歌者不小的挑战,单单从体力上来讲就意味着巨大的消耗,经常会看到一些流行歌手举办个人演唱会时在舞台上穿着平跟鞋跑跑跳跳,可还是在中场气喘吁吁,力不从心,而民歌的演唱则更需要气息的支撑,其演出难度可想而知。不过,这一切,对于一直把家乡牵挂在心头的小萌来说算不了什么,能够回到故乡用歌声回报家乡父老,就是她最大的心愿。
赵云鹏是一位年轻的大提琴演奏家,也是一位经验丰富的交响乐人。他7岁开始学大提琴,仅仅学了半年,便考到深圳艺术学校。赵云鹏说:“我小时候特别爱唱歌,爱跳舞。大概是十二三岁的时候我突然对音乐产生了莫名的恐惧,似乎跟小时候那个爱唱、爱跳的我完全不是一个人。最让我害怕的是,我不知道该怎么控制音乐了。所以,我现在的教学更注重孩子的心理,会更加积极地引导学生保持或者产生对音乐的好感和兴趣,并发展成终其一生的兴趣。之所以会有这样的想法是因为我自己曾经的一段经历。”
偶像就是马友友
赵云鹏在学习音乐的道路上可以说是一帆风顺,但也经历过一段“厌学”期,究其原因他自己认为是青春期引发的。他回忆道:“可能是由于青春期的原因,我的性格发生了很大的转变。内心的敏感和迷茫,让我开始惧怕拉琴。我的内心离大提琴似乎越来越远了。”这段时间能顺利地度过,赵云鹏特别感谢张妤老师的付出。张老师是赵云鹏在深圳艺术学校学习时的主课老师。进入青春期后,由于心理状态的变化,赵云鹏练琴开始松懈了。张老师看在眼里,急在心上,总是在下课后把赵云鹏单独留下来练琴。叛逆的他总是偷偷溜走,但下次上课还是照样被老师留下,为此他产生了强烈的抵触心理。直到后来,他听别的同学说,其实张老师总在背后夸奖他很聪明,才渐渐明白了张老师的苦心。不过,那时候的赵云鹏还有一个难以克服的困难,那就是虽然学得快,一首曲子从视谱到背下来只需要几天时间,但经过比赛或考试之后,又以极快的速度忘光了,就跟从来没学过一样。这个问题也让张老师很是头痛。后来,赵云鹏的母亲看到他身上的变化,决定带他调整一下环境,便从深圳搬回了北京。
在深圳学琴,赵云鹏没有一跃成为大家眼中“拔尖”的人才,但深圳地区畅通的信息交流让他听到了很多好听的音乐,让他知道了很多大提琴名家。“我记忆最深刻的就是,我们学校所有学大提琴的孩子都人手一盘‘马友友’。当我们第一次听马友友的演奏时,简直将他视为神明,几乎所有的大提琴学生都有一个做‘马友友第二’的梦,我自然也不例外。那时候我不太喜欢练琴,但我还是真听了不少音乐:巴罗克、古典、浪漫派的音乐。”他说。
用力过猛不如顺其自然
随着年龄的增长,赵云鹏慢慢地也遇到过所有琴童基本都会发生的情况:假如遇到比较难的问题,即使当初老师费尽心思上课,也有可能还存在改不过来的情况,但突然有一天自己就会了,而且这种情况经常会发生。针对这种情况,赵云鹏总结,究其原因是音乐需要过程,也需要积累。老师在教学过程中,有时会出现矫枉过正、用力过猛的现象,会造成孩子心理上的问题,如果一个孩子每次上课都被老师责骂或老师过分严厉,那么这个孩子的心里阴影面积该有多大啊?家长和老师还能指望孩子会喜欢音乐吗?赵云鹏说,希望所有音乐教师在教学过程中不要给孩子造成心理上的压力。学习音乐的过程要给人带来快乐,不要让孩子处在痛苦之中。如何让孩子喜欢音乐,保持对音乐的兴趣,是老师不可推卸的责任。
重拾信心
回北京之后,赵云鹏进入北京艺术学校学习,经过一段时间的调整,便跟随现任中央音乐学院附中校长娜木拉老师学琴。对于第一次见到娜老师的情景他还是记忆犹新的。娜老师是一位极其和蔼的老师,也是一位松紧有度的老师,跟她上课的感觉看起来很轻松,其实内心里是有压力的。“虽然没有在音乐学院附中学习,但我经常会听娜老师给别的学生上课。除了课堂上的学习,我们学生之间也有交流,我觉得娜老师更希望用专业的环境来激励我。我很幸运,从初一一直到大学毕业都是跟娜老师学习。这样体系化的学习给我打下了坚实的基础,也让我自己有了切身体会,体系化的学习是演奏专业学习必不可少的。”赵云鹏说道。
音乐是有逻辑的
大学毕业后,赵云鹏选择了去美国留学。对于在国外的学习,赵云鹏满怀期待,因为美国的老师尊重学生的个性发展,这是赵云鹏需要的一种个人成长经历。赵云鹏很幸运,在美国南加州大学有机会跟随埃莉诺尔・勋斐尔德这样的名师学琴。她曾经在上世纪七八十年代教授过王健、马兴华等华人大提琴家。这位老师是位德国裔犹太人,学生们都尊敬地称她为“老太太”,现在她已经去世了,当时做赵云鹏老师的时候她已经80多岁了。“在下课后,她就像你的奶奶一样,对你温和友善,但只要上课就会一点情面也不给。跟老太太学琴,让我有一种跳脱自己重新审视自己演奏的感觉。她说中国学生普遍的问题是‘话说得不对’。她是把西方音乐语汇教给了我们中国学生,我的确感受到了她对于音乐极其透彻的理解和严谨的把控。总体来说,她始K认为音乐中是有语法的,能追求宏观上的音乐逻辑。音乐的每一句就像建筑一样。说得形象点吧,跟老太太学琴就像是被扎针灸,她要是看出了你的弱点就往死里扎。疼是疼,但真的解决问题。其实,除了扎实的音乐素养,让人肃然起敬的还有她认真的生活与音乐态度。无论她每天多晚睡觉,第二天早晨5、6点钟一定会起床,每天一手拎着公文包,一个肩膀扛着大提琴定时来到学校,并且穿着光鲜亮丽。80多岁的人脚踩8、9厘米的高跟鞋,而且几乎是琴不离身。最让人敬佩的是,她给每个学生上专业课不少于3个小时。她的学生总是保持在20名左右。试想一位80岁的老人对自己怎样的苛刻才能保持这样的工作状态?从她的身上,我看到了何为信仰。老太太把音乐当成了她的信仰,尽心尽力地去完成所有的工作。尽管她现在已经去世了,但她对音乐敬畏的态度一直影响着我。”谈起这位名师,赵云鹏在收获知识的同时,也将对音乐的那份坚持植入了内心。
成为交响人
2008年的春节前,赵云鹏迎来了一次重要的机会,一次无心插柳的考试,让他意外地获得了进入交响乐队的机会。他说:“在2008年我回国过春节,突然中国爱乐乐团的一个朋友给我来电话,因为大提琴声部缺少一位副首席想让我去试一下。但是我当时没带琴回国,事发突然,找朋友借了琴就去面试了。我印象特别深,那天是在中山音乐堂进行的面试,几乎乐团的领导和所有声部首席都参加了。考完之后,我就回美国了,没过几天,就接到通知让我去上班。说来我还是运气挺好的。我幸运地成了中国爱乐乐团的一位乐手。掐指算来我在中国爱乐已经8年了,时间真是过得好快啊!”
落针可闻的结尾最感人
众所周知,中国爱乐乐团是国内比较知名的交响乐团,是中国交响乐的一张名片。赵云鹏无疑是幸运的,跟随乐团,他的足迹也遍布了全球。在他的演奏生涯中,旅行已经成为一种习惯,工作顺带旅游的福利,让很多人羡慕。但是这种旅行的辛劳只有自己知道。对于赵云鹏来说,频繁的旅行似乎已经没有了当初的新鲜感,取而代之会有疲惫和麻木,其实在哪里演出已经显得不那么重要了。每次接受采访,他谈的更多的是演出所带给他的深刻感触,但是具体在哪里演出,他的记忆却有点模糊了,唯一清晰的是他当时的心情。赵云鹏说,其实,作为交响乐人,真正感动他们的并不是掌声和鲜花,而是每当演奏完一曲后,那种落针可闻的安静。此时乐团和观众达到了一种无声胜有声的交流,这才是最享受的状态与感动所在。
“我们这次去古巴巡演。说实话,古巴这个国家的经济很不发达,但这里的演奏家对待音乐的态度是极其认真的。这次碰巧我们要跟古巴当地一位演奏家合作。由于弓法不太一致,我们之前要进行排练,在排练中这位演奏家出现了问题,他感到特别抱歉,排练之后就一直把自己关在屋里练琴。他对待音乐这种认真的态度,很值得我们学习。这些年,我随乐团行走在世界各地,跟不少音乐家们合作过,在这些同行的身上我看到了他们对音乐追求严谨、一丝不苟的精神,时时鞭策着我不能对自己松懈。对我也好,对我们乐团也好,越是见得多,就越是在音乐上小心谨慎,真不敢有一丝怠慢。对于音乐的认真,已经深入到我们的骨髓之中了。”赵云鹏感叹道。
中国交响人的文化自信
中国交响乐发展还不到百年,但中国交响乐的水平已经发展到了世界前列。作为中国文化的播种机和宣传队,乐队中的每一位乐手客观上也成了传播中国文化的使者。作为交响人的赵云鹏,他特别能感受到“文化自信”这句话。中国文化越来越被世界所推崇和喜欢,乐团每到一处的演奏都会受到当地百姓的欢迎,甚至在某些特别挑剔的国度,同样会得到至高的赞美,这些都和我们国家自身文化的吸引力和自信有着极大的关系。乐团人通过演奏中国作品,向全世界的爱乐人士传达出中国交响人的专业精神,传达出来自中国的友谊、世界和平的情怀。如若站在更高的视角来看待在这件事,其实,这才是乐团走出国门,传播中国交响乐的内心写照。
采访结束,赵云鹏有一段寄语留给每一个琴童:“学习音乐,不要把本来是一件简单快乐的事情变得太过功利。学习音乐的过程应该是一个快乐的过程,祝福所有学习音乐的孩子在学琴之路上永葆一颗快乐的心,将快乐进行到底!”
赵云鹏凭借精湛的琴技,曾获第5届中国大提琴比赛银奖。2013年获邀录制中央电视台“光荣绽放――中国十大青年大提琴家”节目。曾获皮亚蒂戈尔斯基基金会邀请,参加国际大提琴家高层研讨会,其间举办多场独奏、重奏音乐会,得到主办方和皮亚蒂戈尔斯基嫡亲的高度赞扬。曾任USC Thornton交响乐团大提琴声部首席以及室内乐团首席。世界著名大提琴演奏家斐利浦・穆勒尔、卓尔・克罗斯尼克、娜塔莉・古特曼都φ栽婆舻难葑啾硎驹奚汀
回国后,赵云鹏全身心融入中国交响乐事业,积极参与不同形式的音乐会和音乐普及活动。曾与小提琴家林昭亮、徐维聆,大提琴家米沙・梅斯基等杰出音乐家合作演奏《门德尔松弦乐八重奏》等。曾经与中国爱乐乐团成功演出了《古尔达爵士大提琴协奏曲》和埃尔加的《大提琴协奏曲》。2012年受文化部派遣,赴比利时与“维也纳爱乐四重奏组”合作演奏室内乐。2015年获邀担任中央电视台新年音乐会的独奏,演出由赵季平、赵麟创作的大提琴与笙的协奏曲《渡》。
关键词: 中职钢琴教学 存在问题 解决对策
引言
现阶段,随着经济实力的不断增强,教育事业越来越受到关注,基于素质教育理念的贯彻和职业教育中音乐教学改革的大力推进,中职教学中的钢琴教学越来越受到重视。但是,目前国内中职钢琴教学质量参差不齐,不容乐观。与其他学历教育相比,中职教学主要是培养技能型人才,所以中职钢琴教学也要服务于这一目标。
1.中职钢琴教学中存在的问题
1.1教学内容欠缺针对性和系统性
目前,我国中职教学存在欠缺针对性和系统性的缺点,大部分教师对自身定位认识不够,不能根据中职学生特点进行针对性教学。这一阶段的学生年龄较小,水平参差不齐,鉴赏水平不够,教师应该选用一些简单、易于理解的曲目进行教学,这样可以避免教学缺乏针对性。再者,这部分学生毕业之后会成为具有一定钢琴特长的人,尽管今天他们是求知的学习者,明天可能就成为知识的传播者[1]。基于此,我们需要重新定位教学目标,不单单关注培养钢琴专业人士,也要注重对学生基本素质的培养。另外,中职钢琴授课教师在教学过程中随意性较强,普遍存在即兴发挥的特点,在对相关曲目的教学中,不能很好地突出重点难点,让学生很难掌握。
1.2教学人员素质参差不齐,教学模式陈旧、落后
一方面,中职学校的教学师资与高等学校相比具有很大差距,教学人员素质得不到保障,这是多方面的原因造成的。比如中职教育在我国的教育体系中得不到重视,与高等学校相比,在人员配置、资金方面得不到很好的保障,多方面原因造就了目前中职教育师资方面的困境。另一方面,在目前的教学环境下,多是在教师进行演奏的情况下,让学生根据讲授内容和技巧进行练习,这种教学模式较为呆板,不易于学生理解,忽视了学生水平和个性。教师应该对教学手段进行创新,采用一些现代教学方法,比如利用多媒体教学,让学生形成更直观的理解。
1.3缺乏实用性
目前的中职钢琴教学不太重视学生的实际运用能力,中职教育以培养学生的专业技术能力为目标,目的是培养专业技术人才。然而,在目前的教学过程中,忽视了对实用性的教育,虽然学生经过数年的学习但是结果不够理想,很难自己单独进行曲目演奏,可能有的只是具有一定的理论知识,与中职教育的实用性不太符合。
1.4不太注重音乐氛围的营造
在课余时间,学校可以通过各种传播媒介播放一些经典曲目,例如通过校内广播等,在课间休息时间可以利用多媒体教学手段欣赏曲目,虽不具有立竿见影之效果,但通过氛围的营造,可以慢慢渗透到学生的心里。如果有条件则可以组织学生去音乐会现场欣赏专业人员的演奏,这样的效果是学校教学所不可比拟的,现场的感染力会大大激发学生的学习热情与兴趣,能够开阔学生眼界,在一定程度上也可以提高学生的音乐素养和欣赏水平。
2.推进教学改革路径
2.1明确教学目标
首先,教师要对中职钢琴教学的目标有一个清醒认识,对自身有个准确定位。要从思想上对中职钢琴教学予以重视,对教学目标有较为清晰的把握,在教学过程中以教学目标为指导,采用系统、科学、合理、切实可行的教学方法,对教学目标进行细化。比如可以分为长期目标和短期目标,通过各个短期目标的实现实现长期目标[2]。其次,对学生的基础有一个清楚了解,只有了解学生的目前状况,才能做到因材施教,才能使教学内容更科学,更有针对性,更利于学生的学习和掌握,起到良好的教学效果。
2.2提高教师素质,变革教学模式
一方面,政府和社会各界要对中职教育予以重视,在人员和资金配置上予以保障,这样才能吸引优秀的人才投入中职教育的教学中,才能保障教学质量。另一方面,教师要对传统的教学模式予以变革,采用更富有时代特征的教学模式,比如多媒体教学隔阂有条件的可以采用音乐会现场教学。同时,针对学生参差不齐的水平,应该有重点、分层次地进行教学,根据学生水平,设置不同的教学曲目。通过在学生之间建立互助互补的学习形式,让学生的专长得以发挥,也可以让水平不同的学生能力得以相应提升。
对于高水平的学生,不能仅仅对他们进行简单的课堂教学,还要给他们设置一些适合他们的难度更高的曲目练习,可以通过组织比赛、演出等,注重开发这些学生的潜力,让他们有更多发挥自身才华的机会,培养他们的自信心,激发他们不断进取的信念。对于水平较差的同学,教师可以结合他们的情况,设置一些简单曲目,对他们注重基础培养,在思想上给他们更多鼓励,采取一些激励措施,让他们不断建立起学习的自信。通过分层次教学,可以兼顾学生水平差异,让他们各自都能很好地发挥自身的专长。这样不仅有利于教学目标的实现,更会在学生心中播下种子,让他们的自尊心和自信心得到维护。
2.3加强实用性教学
对于音乐的学习,最终都有面对观众的那一刻,因此,实践教学对于钢琴教学来说至关重要。在教学环节,学校、授课教师要有意识地培养学生实践能力,多为学生设置一些展现自身才华的舞台,比如:开学典礼,毕业典礼、期末专业汇报等[3]。通过社会实践的锻炼,通过教师的点评,让学生认识到自己在平时学习中的不足,以对自身定位形成更清晰的认识,为学生以后走向社会提供可贵的舞台经验。
结语
中职钢琴教学存在诸多问题,在当前形势下,这些问题越来越充分暴露出来,随着教学改革的进一步推进,中职教学应该把握这一机遇,结合自身特点和教学目标,推进中职教育的改革深化,认真总结、研究教学模式,探索出一条更加科学、合理的教学形式。中职钢琴教学也要借此机遇进行改革完善,以期适应新形势与新背景下的社会需求,培养出更加符合社会需要的中职毕业生。
参考文献:
[1]蔡佳.浅谈中专钢琴教学中存在的问题及对策[J].内蒙古教育(职教版),2011,02:43-44.