时间：2023-01-05 18:02:28
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术作品分析论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词：美术教学;图像学;图像解读;美术鉴赏
一、美术教学与图像解读存在的误区
随着多媒体时代的不断发展，在社会高速发展、科技高度发达的今天，图像艺术的划时代意义更为明显。美术鉴赏、图像解读逐渐发展成社会生活不可缺少的重要部分，如户外视频广告、电脑屏幕上的图像等，这些内容的出现都意味着对图像的解读应成为每个人必备的素质。在美术教学过程中，部分教师没有充分认识到美术鉴赏能力的重要性，教学内容、教学模式、教学方法较为单一，难以激发学生的美术学习兴趣，不利于提高学生的整体鉴赏能力。据笔者了解，对图像的研究主要包括前图像、图像志和图像学三个层次。其中，前图像阶段是从应用角度对画面进行分析，这就要求学习者既要理解作品的基础含义，又要掌握深入分析作品的能力。目前，美术教学在图形解读这一模块存在一些误区。第一，一些师生没有认识到图像具有深刻性和复杂性。在美术教学过程中，一些教师往往要求学生凭直觉描述美术作品，而学生所用词语往往为“好看”“色彩鲜艳”等，这就进入了“重欣赏、轻解读”的误区。有学者认为，我们的观看只是停留在观看阶段，被动地接受视觉图像，并没有深入分析图像背后的许多东西。与简单的“看”相反，我们需要主动地辨析图像世界，摒弃直观描述与评价的习惯。在欣赏一幅作品时，不能就画论画，而应和大师进行心灵的对话。第二，“重图式、轻内涵”。一些师生对图像的解读侧重对形式的描述，忽略了对形式的分析。仅仅从图式上欣赏作品，并不能透过作品表面分析、探究其深层含义。笔者认为，由于图像本身具有较强的多义性，“重图式、轻内涵”难以理解作品的真正含义。
二、图像解读的过程与意义
1.图像解读的过程。图像解读的过程大致包括“是什么”“为什么”“想什么”。“是什么”主要是弄清图像作品的形式语言，通过线条的节奏、面、空间、光影及色彩这五要素对图像作品进行形式分析，而艺术家也通过组合这些要素引起观者的共鸣。但是，没有什么艺术作品会具有一种确定的、不会改变的意义，所以“为什么”比“是什么”更需要我们去追问。任何一件艺术品都要向观者传达创作者的情感，而不是单纯地描摹现实。凡•高自杀前创作了《麦田上的乌鸦》这幅作品，我们仔细欣赏，会发现阴沉的天空、大片黑色的乌鸦与其之前的作品有一定差异。联想到他的自杀事件，我们就会明白艺术家的用意，他想要表达的并不是天空、乌鸦等物体的自然属性，而是将痛苦、忧伤等情感融入其中。2.图像解读的意义。图像解读对美术学习、艺术创作具有重大的意义，但在目前的美术教学过程中，部分教师和学生忽视了图像解读与艺术创作的关系。纵观古今，凡大家巨匠，大多留下了读画笔记，通过不断地读画提升自身绘画品格。笔者认为，在美术教学中注重图像解读具有如下意义。第一，激发学生的美术鉴赏兴趣。图像解读有利于更加细致地展现艺术作品，使学生更容易读懂艺术作品背后的深层含义。由于学生好奇心较强，只有激发他们的探究意识，才能使他们真正融入图像解读的过程，获取更多的专业知识。第二，顺应时代的发展要求。信息时代到来，纷繁复杂的图像信息充斥于人们的生活，图像解读能力、美术鉴赏能力逐渐发展成为衡量人才的标准之一。现代美术教学已从单一向复合转变，提升学生的艺术修养、陶冶学生的情操显得尤为迫切。在美术教学中培养学生的图像解读能力，也是培养德、智、体、美全面发展的人才的重要途径之一。
三、如何在美术教学中培养学生的图像解读能力
1.选取经典的艺术作品，运用图像解读法分析作品。第一，形式主义分析法，包括形式五要素的分析：线条的节奏、面、空间等。一般来讲，分析艺术作品时，可以运用形式五要素进行对比分析，如古典主义大师和现代派艺术大师笔下的静物有何不同。此外，除五要素之外的形式要素也要需感知。如，通过罗丹的《吻》研究画面肌理，通过杜尚的《走下楼梯的裸女》分析时间和运动概念，通过拉斐尔的《西斯廷圣母》分析空间透视。值得注意的是，形式分析与形式描述不同，形式分析往往基于形式描述，先对艺术作品进行形式描述，然后对艺术作品的含义进行分析。第二，风格学。图像解读能力的培养依赖于对大量不同风格艺术作品的鉴赏。教师可选取文艺复兴和巴洛克时期的作品，对不同时期绘画的风格进行讨论、分析，选取典型的代表作进行研究。第三，图像学。图像学的重点研究对象可以是《阿尔诺芬尼夫妇像》，弄清前图像、图像志和图像学三个阶段的意义、内涵及界定，并重点分析图像学背后的深层含义和独特内涵。第四，精神分析法。运用精神分析法，可以选用米开朗琪罗的《摩西像》来解读，并通过达利的《记忆的永恒》作进一步详细阐述，包括个人梦境、幻觉与艺术之间的关系。2.丰富教学手段，激发学生兴趣。为了激发学生的美术鉴赏兴趣，教师可以改变以往单一的教学模式，充分利用多媒体教学设备，使图像展示更加直观、形象。教师可以将写实与象征紧密结合，激发学生的想象力，通过有效利用多媒体，充分展现艺术作品的自然属性和独特内涵，从而既提高学生的想象力、鉴赏能力，又提高其美术专业技能。如，在学习《建筑艺术欣赏》一课时，教师可以制作ppt课件，利用多媒体向学生展示动态化的图像，让学生感受到各地建筑不同的特色、不同的美等，进而提高学生的鉴赏能力和审美意识，真正发挥美术教学的作用。3.创新美术教学视听结合的方式。在以往的美术教学过程中，一些教师往往忽视学生的主体地位，一味地向学生灌输知识，而学生往往被动地接受，从而导致美术学习的整体过程较为枯燥，学生可能失去美术学习的兴趣。因此，要充分调动学生美术学习的积极性，教师应该创新教学方式，在教学过程中实现音乐、影像的完美结合，引发学生视觉和听觉的共鸣，不断提升学生的视觉素养和听觉素养，以取得良好的鉴赏效果。如，在讲解《伏尔加河上的纤夫》时，教师除了利用多媒体课件展示图片，还可以融入具有当地特色的民族音乐，为学生创造良好的美术鉴赏、图像解读的氛围，让他们充分感受纤夫生活的辛酸与艰苦，并分析艺术家高超的表现手法。这种视听结合的方式可以激发学生的图像解读兴趣，音乐与图像的紧密结合加上图像解读过程中想象力的充分发挥，不仅能提高学生的审美能力，也能为美术教学效果的优化提供充分保障。4.将图像解读生活化。学生图像解读能力的培养，与教师的图像解读能力密切相关，所以提高教师的图像解读能力是当务之急。教师应不断丰完善自身的知识体系，扎实掌握美术专业基本功。此外，教师要善于将图像解读生活化，减少烦琐的学习内容，使学生在实际情境中学会解读、学会鉴赏、学会分析。如，在讲解《美丽的校园》一课时，让学生抒发对校园的切实感受，再将感受与绘画技巧相联系，将其转变为简单的绘画方式，这样可以获得事半功倍的效果。
读图时代的到来对美术教学提出了更高的要求。在现阶段的美术教学过程中，教师可以将图像解读与教学情境充分融合，将图像解读、美术鉴赏生活化，激发学生的鉴赏兴趣，从而培养出一批批德、智、体、美全面发展的优秀人才。
参考文献：
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[论文摘要]美术绘画艺术，作为艺术家个性情趣与感悟的表现形式，是人们通过相关绘画语言的再现，借助视觉感受进行艺术审美信息交流的载体。在美术绘画艺术创作中，影响和制约艺术表现的因素很多，运用灵活的美术创作技法，发掘美术绘画艺术的创作因素，是现代绘画艺术繁荣发展的趋向。
美术绘画是一种在二维的平面上以手工方式表现自然的艺术，
随着摄影技术的出现和发展，绘画开始转向表现画家主观自我的方向，绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的载体形式，绘画按材料介质的不同，以素描，色彩为主要表现形式。随着现代绘画艺术理论的完臻构建，本文针对影响美术绘画艺术创作的因素，进行了简要阐述和分析。
一、艺术构图因素
所谓构图，是指艺术家在绘画创作时根据题材和主题思想表达的要求，把要表现的形象适当地组织起来，构成一个协调的造型艺术表现方式，它是作品中艺术形象的结构配置方法，是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
美术绘画创作中，构图是对画面内容和形式整体的安排，构图的基本原则讲究：均衡与对称，对比和视点，变化与统一。常见的构图方法包括三个要点：
1、画面主题图形的位置。
2、非主题图形的位置以及与主题图形的关系。
3、画面底形的位置以及与图形的关系。
构图是美术作品的基础表现方式，对于绘画构图需要画家去精心营造、布局构思，这是一幅绘画创作成功的基础和关键，是影响作品格调、品位的直接因素。需要画家对其作品的构思立意，要作细致的理性化设计。构图的艺术手段，包括图底关系、空间处理、画面意境的基本设计。除此之外，画家的视觉审美感觉在艺术创作过程中也是极其重要的，它为画家提供了理性表达审美品位高低的评判标准。构图的本质就是是艺术形式美，是艺术作品的第一表现要素。
二、工具材料因素
美术绘画艺术作品创作，需要一定的工具和材料作为传达介质，进行艺术形象的再现，良好的绘画工具以及绘画材料，是美术绘画艺术作品创作成功的重要因素。从一定程度上来说，美术绘画的创作需要对绘画材料的特性比较熟悉，以便更好地应用于绘画艺术创作。一般来说，绘画艺术常用的工具材料主要包括画笔、纸张板材、以及颜料等基本内容。
1、画笔：是绘画的主要工具，画笔的质量，型号，笔头的方、圆、秃、尖、软、硬等是影响画面效果的工具材料因素。
2、纸张板材：是画面的载体，画面板材的吸水性、肌理、软硬、薄厚等性能是影响画面效果的重要因素。
3、颜料：绘画颜料的质量是影响美术色彩绘画效果的主要因素，选择好的颜料是绘画成功的基础。颜料的色泽、附着力、黏稠度、含粉量、调配后的显色性等，均是衡量颜料质量的标准。作画时对颜料的应用也因人品位高低不同，变化无穷。
三、表现技巧因素
美术绘画作品的成功创作，是与艺术家自身的绘画技能密切相关的，技巧是创造成功艺术作品的方法，画家的绘画技巧本身就具备了审美的功能，并且为绘画创作提供了表现性语言，是画面中较为直观的视觉要素。技巧来自于艺术家对绘画工具材料应用的熟练程度，来自于画家对艺术审美元素理解的阐释。美术绘画创作中常用的绘画技巧很多，一般主要包括各类绘画的用笔技法，用色技法，以及相关特殊的绘画创作技法等。
1、用笔技巧：是画家绘画时的用笔技法，一般包括涂、刷、摆、点、排、堆、擦、皴等等用笔方法。在运笔方向上可顺可逆，讲究力度的控制和审美，用笔讲究笔韵有序，画笔要随心随形而用，笔形相生。
2、设色技巧：是画家对色彩颜料的应用技法，包括色彩的色相、纯度、明度等应用规律的灵活运用；颜料的干湿程度、黏稠度、薄厚度的控制和把握：画面中的素描关系、冷暖关系、色调的处理；同类色、近似色、对比色、互补色等色彩关系的综合应用等，颜料的应用应体现出力度、装饰等审美韵味。
四、形象塑造因素
造型是造型艺术最为基本的特征，它是指艺术家使用一定的物质材料和手段，在一定的空间中塑造出艺术形象。由于这种艺术形象是直接的空间存在形式，在绘画艺术创作中，艺术家用线条、色彩、色调在平面状态中创造平面或立体的二度形象。
造型艺术的物质媒介决定了绘画艺术作品静态的永久性，它总是以静示动，寓静于动，以无声示有声，在一种永久的物质形态中表达深刻的审美蕴涵。造型艺术由于塑造的是可视空间的静态形象，因此就其本质而言，艺术家通过使用一定的物质材料和手段塑造艺术形象运动过程中审美特征上的瞬间性，这种绘画造型艺术的生动性来自艺术家对生活的体验感悟、观察思考，最终归属于艺术作品的审美取向。
五、色彩搭配因素
绘画艺术创作中的色彩搭配，是艺术家在美术绘画过程中，针对描述对象的造型需要，以及画家自身对于表现物象的感悟领会与创作意愿，对色彩应用规律在美术绘画创作中的实现。具体地说就是画家绘画过程中对于颜料的调和与运用。
色彩本身绚丽多姿、变化丰富，绘画创作时灵活掌握色彩的规律是非常重要的。其规律表现在色彩的色相、明度、纯度的基本变化，色彩的心理视觉感、调合性等基本内容。当然，具体的创作包括色彩的观察表现，调和与设置。因此，美术绘画作品的设色及应用，色彩的组织搭配起关键作用，体现色彩之间的统一与和谐美感。
六、意境表现因素
美术绘画艺术作品的审美特性，相对来说，除了作品自身所具有的构图，造像，形象，色彩美感之外，同时还应该具备着艺术家在作品当中，根据自己的生活感受，针对画家本人的艺术修养和创作意愿，所渗透于绘画作品之中的审美情趣，思想感情，或创作灵感。作品往往流露出一定的内涵意蕴，这就是通常所说的绘画的意境。
意境是绘画艺术中重要的审美标准，它是一种视觉征服力强的色彩境界，涵盖了画家对艺术作品的审美观、价值观、追求和意趣。它强调画面内容的意蕴，至少认为是含蓄深邃的，是震撼观众心理与视觉共鸣的美，具有一定的吸引力、趋同力和感染力。绘画艺术中，对于不同作品达到意境高度，往往因人而异。
七、审美定位因素
绘画艺术作品所蕴含的审美观念一般包括作品内容的创作动机、审美标准、主观评价等多方面的内容和趋向。在绘画创作时作品审美观念的定位是极其重要的，它决定着绘画作品艺术精髓的再现。绘画作品创作过程中，要结合绘画艺术的色彩、造型、艺术语言等诸多因素来探究绘画艺术的表现规律，界定绘画独特的艺术价值。
绘画艺术作品审美观念的定位直接来自艺术家本人的创作意愿。一般来说，艺术家是艺术品的创造者，艺术家自身的修养学识、品位爱好、人格魅力以及审美取向，是主宰绘画艺术作品审美定位的主要因素，可以说艺术家人性化的人生观，世界观和审美观，决定了绘画艺术作品的品位及风格。
八、结束语
总之，现代艺术的多元化发展形式，为美术创作提供了无限空间。绘画艺术作为美术作品的重要承现载体，是艺术审美领域较为广泛的视觉再现性艺术，坚持科学的观点，发掘影响绘画艺术创作的审美因素，有利于现代艺术理论的建构。
参考文献
1 多传感器融合技术简介
多传感器融合技术可类比于人类逻辑系统中自然实现的基本功能，是用机器实现人类由感知到认知过程的模仿。在人类对客观事物的认知过程中，首先使用来自人体中的传感器（眼、耳、鼻、皮肤等）通过听、嗅、视、触、味五觉对客观事物信息（景物、声音、气味等）进行多方位、多种类的感知，从中获得大量冗余和互补的信息。然后根据人脑的先验知识去对这些信息进行相关分析与处理，进而估计、理解周围环境和正在发生的事件，获得对客观事物统一与和谐的理解与认识。这就是人的复杂的，同时也是自适应的认知过程。人类的感官由于具有各自不同的度量特征可以在不同空间范围内对各种事件进行反应。人脑把各种信息（图像、声音、气味、形貌、上下文等）转换成对事物有价值的一致性解释，需要大量不同的智能处理，以及适用于解释组合信息含义的知识库。
传感器可以类比于人的感知器官：通过不同的原理对自然界的光、热、声、磁等信号进行捕捉，由换能器将其转换成电信号，再数字化后经通讯系统传递给计算机进行处理。单传感器系统只能从单个度量维度获得片面的、局部的特征信息，信息量十分有限。同时单个传感器本身的累计误差对系统造成的影响也无法消除。[2]因此，想要获得对事物的一致性准确解释，单一传感器系统力有不足。
多传感器融合技术把多个不同种类的传感器集中于同一个感知系统中，将各个传感器来的数据进行数据融合，形成对[( dylw.NEt) 专业提供专业论文写作和发表教育论文的服务,欢迎光临]被测事物更准确认识。它出现在20世纪70年代初期，最早应用于军事领域，后于20世纪80年展起来。近年来随着计算技术、遥感技术、通讯技术以及微电子制造业的迅猛发展，多传感器信息融合技术成为了一个热门的研究方向，获得了更广泛的应用。例如，在人机交互领域，要实现人机交互所追求的最终目标“自然人机交互”，对于人、环境的解读尤为重要，[3]这正是多传感器融合技术的优势所在。
2 多传感器融合系统的基本组成及技术原理
多传感器融合技术，虽然没有一个严格的定义，但可以基本概括为： （1）充分利用多传感器数据资源（来自不同时/空范围）。 （2）在一定的规则下对多传感器所得检测数据进行综合分析。 （3）获得一致性解释并根据所设算法实现相应的决策或估计，实现整个系统获得比各单传感器更加充分的信息。[4]多传感器融合系统一般由如图1所示的三个部分组成：传感器部分（包括数据获取及预处理）、数据融合部分、结果输出部分。
多传感器融合系统就像一个为了实现“对被测对象的一致性解释或描述”而有机装配而成的整体，可类比于人的身、脑综合信息处理系统。其中多传感器系统是整个系统获取数据的硬件基础和手段，所得多源信息成为数据融合的对象；融合是指对数据的协调优化和综合处理，也是联系整个系统的核心。它无法用单一的技术来解决，而是多种跨学科技术、理论的综合。
多传感器融合系统同单传感器系统相比，其系统的复杂性大大增加的同时从自然界所获得的信息量也成倍增长。多个传感器的存在从时间和空间的角度都扩展了信息获取的覆盖范围，[5]而传感器之间的协同作业则提高了信息获取的概率，对于某个传感器不能顾及的检测对象，可由其他传感器完成工作。在某个传感器出现故障、受干扰或不可用的情况下，系统仍有其他传感器可以提供信息，不易受到破坏。
各传感器在信息融合系统中所得的数据、信息具有不同的特征，可以是实时/非实时，快变/缓变，模糊/确定，相互支持/互补，相互矛盾/竞争等等。在系统中，这些复杂的数据不是孤立而是融合的，所得最终信息并不是各传感器信息的简单加和，需要根据各传感器之间的逻辑关系依据智能算法进行联合、相关、组合推导出更多的信息。利用多个传感器协同作业的多传感器融合相比由它的各个传感器分别构成单独系统再加和而成的系统集更有优势。
3 多传感器融合技术在公共艺术设计中的应用
利用多传感器融合技术进行公共艺术设计，将前沿科技与传统艺术方式集成在一起，是一种全新的尝试。从字面意思的理解来看，公共艺术分为公共和艺术两个独立的定义，可以理解为：具有“公共性”含义的艺术形式。其界定的核心原则就是“公共性”。“公共”就意味着公共艺术作品必须是能与民众产生自由交流的一种艺术形式，要以公众自主、自由参与到公共艺术中为前提，任何缺少与民众之间自由评论和互动的艺术形式都不是公共艺术。[6]因此，公共艺术不能仅仅是“艺术家创作”的艺术，而是一种“公共互动”的艺术。如何让公众自主自由参与到艺术作品中，形成真正的“公共艺术”是艺术家们亟待解决的重要问题。完整的公共艺术作品必须是“表达”与“吸收”经互动过程的完整呈现。“吸收”的是来自公众的思想，由公众的行为进行表达，通过互动产生交流。因此，艺术家们需要考虑的一个重要问题是，如何由公众的行为导向公众思想的表达，形成有效的交互。在日本艺术家草间弥生（Yayoi Kusama）创造的作品The Obliteration Room中，草间弥生构建了一个纯白色的房间，每个参观者都将被发放一张彩色波点贴纸，参观者可以根据喜好将贴纸贴在房间中的任意位置。空间中的每一个彩色波点都是参观者对此次参观经历的一种表达。[7]
从参观者的行为、思想的角度进行考虑，人类对于思想的表达具有多样性，有显 式的主动动作、行为、语言等等，也有隐式的如表情、眼动、甚至气味及生化物质（如唾液、汗液、荷尔蒙等）的分泌。传统的艺术作品（如图2例）[( dylw.NEt) 专业提供专业论文写作和发表教育论文的服务,欢迎光临]主要是从公众显式的主动作为中获得表达形成交互，所受限制较大，参与门槛较高。将多传感器融合系统应用于公共艺术，首先拓宽了公众思想的行为来源，降低了公众参与的门槛。目前，在国内外已出现了一些基于单传感器的公共艺术作品，但单传感器的单一数据来源、不可靠、易受干扰、不稳定等技术局限性使其发展受到限制。随着先进传感技术的飞跃，除了人类的主要信息来源声音、光、力等自然信号之外，甚至在人传感器力所不及的范畴如红外、紫外等非可见光区域，次/超声波区域，非挥发性痕量生化物质等，我们也能够通过先进传感技术获得所需要的信息。通过多传感器融合技术所带来的巨大优势，科技比人类更懂得人类已经不再是梦想。将多传感器融合系统应用于公共艺术，降低了公众参与公共艺术的阈值。多传感器融合系统对于公众行为的捕捉不是被动的，而是主动地感知公众的行为，将公众“拉”入参与公共艺术的行为中，为公共艺术的设计提供了一种崭新的思路。
以城市中某广场为例，在人们进入广场时，形成参观经历。假设给每个人分发一张彩色波点纸，通过张贴彩色波点纸的显示行为进行表达，即形成类似草间弥生洁净之屋的效果。在没有彩色波点纸的情况下，人们对其参观经历产生隐式的表达。例如，不同的面部表情、走路的步长、速度、方向等等。公众的这些隐式表达可以使用多传感器融合系统进行捕捉。使用彩色数字投影代替彩色波点纸，每一种颜色对应多传感器融合系统所得到的一致性结论。例如，红色对应热情、绿色对应平静、不同程度的黑色对应一些负面情绪如沮丧等，形成交互。此例的多传感器融合系统中，使用摄像装置及压力感应装置对人群进行检测，即通过摄像装置对公众面部表情进行捕捉、压力传感器对公众步态进行捕捉。二类传感器所得数据需进行时间、空间二个层面的融合。时间融合主要是将单传感器的数据进行融合，是指对不同时间点的检测数据进行融合。空间融合适用于多传感器所得信息的一次融合处理，是指对不同位置、类型传感器在同一时刻的检测数据进行融合。在融合过程中，需要结合图像识别技术、步态分析对公众的面部表情、步态行为进行特征数据提取、分析，从而得出对该参与个体的一致性结论，并根据设计需求予以分类。此处可分为热情、平静、沮丧等类别，每一个类别对应于一种颜色，由数字投影进行表达。该“波点”设计的简单模型如图3所示。
随着多传感器融合系统中传感器数量、种类的不断增加，可根据归属将公共艺术装置中使用的传感器分为两类：第一类传感器从属于装置艺术本身，由艺术家根据艺术表达的需求进行设计安装。第二类传感器从属于公众，来自公众随身携带的电子设备，艺术装置提供数据接口，从中获取数据。二类传感器协同作业，通过融合中心进行数据融合，得到全方位多角度的“立体信息”。将多传感器融合系统应用于公共艺术装置，是实现公共艺术公共性的有力保障。
从设计目的的层面考虑，根据马斯洛的理论，将人的需求由低级层次到高级层次依次分为5个层次：生理、安全、社会、尊重以及自我实现。公共艺术的实质就是满足人的真正需求，而不是公共艺术装置的物质形态本身。多传感器融合系统对所得多元数据进行多种层次上的融合，实现对人脑综合信息处理的高级模仿，深刻挖掘公众[( dylw.NEt) 专业提供专业论文写作和发表教育论文的服务,欢迎光临]表面行为背后的含义，帮助艺术家们分析、理解、满足公众的真正需求。随着分布式计算、通讯、云计算、物联网等技术与多传感器数据融合技术的共进发展，多传感器数据融合技术所能实现的功能也越来越强大。可以预见，随着数字化进程的进一步深入，多传感器融合技术与公共艺术的结合必将带给我们更多的惊喜。
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关键词：艺术墙 特征 属性 结合
中图分类号：TU361 文献标识码：A 文章编号：1007-3973（2013）001-124-02
1研究挡土艺术墙各特征在当今我国的重大意义
工程的艺术化是我国目前炙手可热的一种现象，国家经济的迅猛发展必然伴随这一现象的产生，文化艺术墙也是在这样的大背景下应运而生的一种艺术现象。随着人民生活水平的提高和城市化建设的不断发展，许多山体和墙体被人们有规划性地改造，人们在满足挡土墙体功能安全实用性的基础之上，注重追求它的艺术性与文化性。要求挡土墙不仅从形式上满足人们对视觉的追求，而且从内容上要体现一座城市或地区特有的文化特征，成为一座城市、地区特有的文化标志。挡土艺术墙正是在这样的社会需求环境之下产生的，一方面它满足了实用功能性要求；另一方面也满足了人们对艺术审美与文化内涵的精神追求。然而，全国这样的挡土艺术墙成功案例几乎是凤毛麟角，并且关于这方面的研究性学术论文更是寥寥无几，这方面的理论专著就更是屈指可数了。因此，如何在满足挡土墙实用功能性的基础之上，创造出具有更深的精神内涵、特有的地区文化和赏心悦目的艺术视觉形式的挡土墙，是当前我国城市化发展所面临的急待解决的问题。
2我国挡土艺术墙的发展现状
我国在挡土艺术墙方面发展还不够成熟，虽然国内有许多地方建造了一些挡土艺术墙，但是其中成功的案例微乎其微。大部分的挡土艺术墙仅仅是在满足了功能实用性的基础之上稍加艺术形式处理，而并非深入考虑它应反应特有的文化性、人文性与历史性，没有从宏观角度把握艺术墙应具备的整体景观效果，而且关于挡土艺术墙研究性的学术论文与相关专著更为甚少。
造成我国这种现状的原因是多方面的，其中主要是对挡土艺术墙的整体设计意识的淡薄，并且不注重与地域特有的历史文化性相结合，其次经济也是一个重要因素，此外还有各专业学科的分离等因素。
在我国挡土墙目前通常采取以下几种形式进行艺术性美化：
（1）生态植物的做法。这种做法在我国最为普遍，在我国各个大小城市都可以看到这样的挡土墙做法。采取这种美化做法的原因也是多方面的，其中最直接的原因就是方便快捷，节省经济投入，而且生态效益好，视觉美感也好，这是这种做法的优势所在。但是这种做法也存在着一定的劣势，这种做法不具备特别高的艺术价值，而且由于这种做法的表现局限，不能很好的反应一个地区所特有历史文化和人文风俗。
（2）颜色彩绘的做法。是使用颜色在挡土墙上进行彩绘的做法。这种做法较之上一种的优势是可以具体地、形象地表现当地所特有的历史事件和人物以及本土的民俗风情；劣势是颜色在室外容易被阳光雨水风化而失去光泽。
（3）浮雕的做法。就是采用浮雕的手法。这种做法较之前两种要有其独到的优势：1）这种浮雕做法，在材质的选择上可以选用耐久性材料，如石材、铜材、不锈钢等，这样的艺术品的文物价值就可以得到保证，随着时间的推进，它不仅是一个民俗文化景点，而且还会是一个历史文物景点。2）在浮雕图案造型上可以达到第二种做法的效果，也同样可以很具体的反映历史场景和历史人物和民俗风情。3）由于在挡土墙上采用浮雕形式，再加之灯光或阳光的照射作用，阴影效果和层次效果相比前两种做法给欣赏者的视觉感要强烈得多，肌理的视觉触觉感受都是具有很强烈的艺术形式。国内此类优秀的挡土艺术墙作品就很少了，其中四川德阳的石刻艺术墙就是在挡土墙之上制作的优秀浮雕艺术墙。该案例成功的将壁画的内容、形式与特定的环境有机的结合，反应出了这个环境的独特文化与历史民俗。
国内在对挡土墙进行艺术处理时基本上是采取上面三种方法，艺术家针对不同的地理位置以及欣赏者的欣赏条件来通盘考虑具体应该采用哪种处理手法，当然还要结合资金的投入情况。
3挡土艺术墙的各特征性研究
公共艺术作品不同于纯艺术作品，它不仅要考虑作品本身的艺术语言的形式美感和表现内容的独特性，而且还要考虑作品所处的环境，周围物体的尺度关系，颜色是否和谐，主题是否吻合，欣赏人群的艺术素养。不仅上述因素很重要，而且公共艺术作品在制作放大过程中的加工工艺的合理性，是否符合大型公共艺术品加工成型技术，是否满足工程结构安全要求和实际制作的可能性，在制作过程期间遇到的实际问题在当今科学和工程技术水平下能否得到解决都是很重要的。而且公共艺术作品是要放置在室外公共空间之中的，它的欣赏者是普通的市民大众，它要和周围的景观，建筑和谐搭配形成整体效果。它在内容方面也选取带有地方特色的历史民俗文化主题，因为公共艺术作品还有一个宣传与教育的社会功能，它不同于博物馆中的纯艺术，它在视觉上具有强迫性，公众在经过这个公共空间时，不管公众愿不愿意都要看到这个公共艺术作品。它在公共场所还可以起到宣扬地域文化，教育公众市民，提高市民的艺术修养的教育作用。
因此，一件成功的公共艺术作品需要同时满足三方面的要求：艺术性、科学性和工程性下面针对挡土艺术墙的这三个特性分别讨论一下。
（1）挡土艺术墙的艺术性。一件成功的艺术墙首先要满足它的艺术视觉的审美需求，在设计上要考虑作品的视觉美感，也就是它的艺术形式语言应具有的悦目属性，使欣赏者观赏时心旷神怡，产生审美愉悦感。然后，在作品的表现内容方面多选用本地区特有的历史与文化，由于它所处的是公共位置，要实现宣传和弘扬本地区的悠久历史与灿烂文化的历史使命。作品的内容和形式的选择与设计上还要考虑它所处的具置，在设计高速公路上的艺术墙和在市区内的艺术墙是截然不同的。高速公路车速很快，艺术语言多选用简洁的形式，内容不易太复杂，使欣赏者在高速的状态下易于观赏和记忆。在市区内欣赏者就可以驻足慢慢地近距离欣赏，因此，在艺术形式和内容上可以设计得丰富和复杂一些，更耐人寻味。
（2）挡土艺术墙的科学性。优秀的设计方案要想变成大型的公共艺术作品，它要在满足当今科学水平和工程技术要求的前提下才成立，否则还是纸上谈兵。挡土艺术墙在具体的工程施工阶段会遇到许多加工成型的科学问题，譬如说挡土墙在不同的地形和地址条件及经济要求下，它的选择类型是具有科学性的，一般分为重力式挡土墙、锚定式挡土墙和薄壁式挡土墙。还要考虑挡土墙在修建过程中路基地面对挡土墙的土压力，这都需要准确的计算出来，而且需要配置什么标号的水泥和选择多粗的钢筋都要有一定的科学依据，挡土墙的强度及稳定的核算和增加其稳定性的措施也都要有据可依。还要考虑挡土墙的排水措施，为减少寒冷地区回填土的冻涨力，必须疏干墙后的土体和防止地下水下渗而使墙后积水。还有，墙体之上的艺术品的加工和安装都要通盘考虑加工成型期间的科学性要求和它和环境的结合规律。此外，还要考虑其他相关学科的研究，如光的科学研究和材料科学研究等等。
（3）挡土艺术墙的工程性。公共艺术作品区别于纯艺术作品的另一个显著特点是它的工程性，大型公共艺术作品就如同盖建筑一样，是一个浩大的工程项目，艺术家要通盘考虑整个工程的各个环节，从方案设计到加工制作，最后分块安装，都要考虑在内。经验丰富的艺术家针对如此巨大的社会工程，他会采取科学的态度和先进的管理水平，提高施工队的素质，使公共艺术作品的艺术质量能够和内在工程质量完美结合，成为一件永久的艺术作品。
4结束语
城市在发展，艺术也在繁荣，挡土艺术墙作为公共艺术作品逐渐成为一个地区和民族文明程度的标志，而且它还是一种具有介入性的“公共艺术”，它有着重要的宣传和教育作用。因此，我们要高度重视它的修建。然而许多艺术家只重视前期的设计，往往不重视后期的工程加工。我们应当对挡土艺术墙的艺术性、工程性和科学性有全面的认识。任何一件优秀的公共艺术作品，它都是集艺术性、工程性和科学性于一体的完美的结合，只有这样的作品才能经得起时间的冲刷，实现它的永恒价值。
参考文献：
关键词：波普艺术；特征；影响
引言
波普艺术是有别于高雅艺术，而是将生活中随处可见的物品通过艺术处理后，用于表达特有的内涵。解读波普艺术的内在涵义充满了幽默，一些艺术作品看起来简直是荒谬至极。波普艺术发展至二十世纪五十年代至六十年代达到了顶峰，在该种艺术的设计形式上更多地迎合了当时的社会环境，同时还更多地考虑到了人们的心理需求。因此，波普艺术备受欢迎。二十世纪80年代，伴随着文化批判热潮的掀起，波普艺术更多地体现出文化批判的内涵，在社会各个领域都有所体现。
一、关于“波普艺术”的理解
所谓的“波普艺术”，就是“POP”艺术，即“PopularArt”，属于是有别于高雅艺术的大众化艺术，能够被人们所接受，是具有时尚感的艺术。波普艺术与高雅艺术有所不同，如果说高雅艺术充分了文化底蕴，是一种艺术文化思想的表达，那么，波普艺术是一种现实主义体现[1]。随着社会文化的发展，人们文化意识不断提升，透过波普艺术就可以深层次地理解社会现实，由此而喜欢波普文化，接受波普文化。在目前的各个领域中，波普艺术都被充分地利用起来，以其艺术写实的特点，迎合了当代人的审美，使人们在观赏波普艺术的时候，能够从社会的角度进行分析，并产生共鸣。各种表现现代人心理的主题，包括刺激冒险、狡诈、性感、机智等等，都用夸张的手法，用艺术的形式表达出来，文化批判色彩融入其中，后现代文化色彩也非常浓重，其中能够体现社会的感性思想尤为突出。这种艺术模式由于符合了现代的社会节奏，所以在短时间内就已经超越了西方现代主义的艺术潮流。
二、波普艺术的社会背景
波普艺术是在英国诞生的，逐渐在美国流行并发展起来。二十世纪50年代，波普艺术开始在英国和美国的艺术领域流行。关于这一概念，是英国的艺术评论家劳伦斯・艾洛威在《建筑设计》上所发表的论文《艺术与大众媒体》中提出的。1958年，波普艺术开始成为被社会大众所接收的艺术。作为艺术殿堂的法国，不仅塑造了艺术的世界，而且在艺术创作领域上也走到了世界的前沿，也因此在世界艺术领域中占据着同时地位。但是，法国在艺术创作上，很长时间以来都是在走新现实主义路线[2]。一些艺术创作者对新的艺术表达形式具有很强的接受能力，于是，就在新现实主义艺术创作手法的基础上，将波普艺术充分利用起来，即为具有政治色彩的波普艺术。应用波普艺术表达现实社会的形态，以美术内容进行表达，使得波普艺术的社会现实性体现出来。法国对于艺术的定位，是以传统艺术为主，并没有完全意义地接纳波普艺术，甚至于存在排斥意向，这也是波普艺术虽然没有纳入到世界艺术殿堂的原因，而是作为一种文化批判形式存在的艺术表达。
三、波普艺术的特征
（一）波普艺术的生活化
波普艺术与高雅艺术有所不同，高雅艺术源自于生活实践，是对生活内容的一种艺术升华，波普艺术则是落实到生活中的艺术，可谓是在生活中开拓的一个新的艺术领域。将波普艺术融合到生活中，以各种生活中随处可见的事物为载体传递出艺术主旨，诸如流行音乐、赛车以各种海报等等，都可以运用波普艺术受到进行设计。将艺术素材取材于社会环境，创作出令人耳目一新而容易解读的艺术作品，通过媒介将作品的艺术形象和思想传递出来，使得艺术不再是脱离生活的艺术，而是向生活普及的艺术，从设计思想上以及设计风格上来看，则是向后现代艺术转向。波普艺术的创作以拼贴的手法居多，所应用的原材料多为生活用品，一些作品甚至是非常巨大的，而且并不是平面的作品，比如，《包裹帝国国会大厦》是克里斯托在二十世纪90年代设计的，就是非常大的波普艺术作品。
（二）波普艺术的商业化
随着世界经济的发展，各个国家的文化开始崛起。处于二十世纪80年代，波普艺术伴随着商业潮流而发展，以其独特的术形象成为商业中的艺术代表。《到底是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？》是一部波普艺术设计的海报，是英国的汉密尔顿在二十世纪50年代所创作的拼贴画[3]。用于拼贴的材料包括各种海报以及当时已经出版过的杂志，其中的内容以及人物都是被公众所熟悉的。经过拼贴之后形成一幅带有波普艺术色彩的画面，发挥着商业作用。这种波普艺术的表达符合了商业特征，而且迎合了公众的视角，是合法的艺术创作形式，而且具有涵延化的艺术性质。
（三）波普艺术的政治化
波普艺术的艺术表达形式有所不同，其中更多地蕴含了文化批判精神，而这种精神也并非是其他的艺术形式可以准确表达的。主要是当时政治环境的影响，而在国际艺术市场中波普艺术并没有被重视，使得波普艺术逐渐被推向艺术领域的变化，而以政治形态存在，发挥着政治价值逐。二十世纪90年代中国全面改革开放，在中国的艺术市场上出现了带有政治性质的波普艺术，至此，政治波普成为了一个艺术研究领域，其中所含有的政治性的艺术元素尤其受到重视。
四、波普艺术的影响
（一）波普艺术对政治文化产生了一定的影响
波普艺术首先是以政治形象出现的，各种波普艺术作品都是以社会政治题材为主要的素材，使得政治文化通过艺术的形式表达出来，幽默而带有浓重的讽刺意味。随着各国政治社会的发展，波普艺术取得了一定的艺术地位，使得波普艺术创作内涵更为丰富。以早期的苏联波普艺术为例。此时所创作的波普艺术是对现实主义文艺作品的仿真，特别是美国与苏联之间存在着政治冲突，而且这种冲突被延伸到文化领域中，美国开始从文化上对苏联进行渗透。波普艺术正是以这种方式传播到苏联。各种抽象性的表现主义艺术作品大量地在苏联社会环境中呈现出来。包括美国日常物品的宣传广告，美国超市所张贴的各种贴图广告等等，都不同程度地起到政治思想传播作用。
波普艺术在苏联传播，主要是在苏联艺术解冻期。此时，苏联要大力发展艺术文化，官方会举办形式多样的艺术展览，但是所塑造的艺术环境使非常宽松的的，对非官方的艺术作品并不产生排斥感。对于有一些充满文化批判色彩的波普艺术，虽然当时被界定为“异端艺术”，却不加以限制[4]。当时的官方艺术具有浓重的政治色彩，波普艺术更多地体现为商业色彩，但是政治内涵非常丰富，更为深刻，很多的波普艺术家都会创作这种风格的艺术，特别是美国的波普艺术家，都会采用这种文化传播形式起到政治渗透的作用。
（二）波普艺术对社会文化产生了一定的影响
从绘画的角度而言，现代艺术与后现代艺术之间存在着很多的差异，不止于艺术形态的表达，更多的是在艺术思想的表达。现代艺术创作中，特别具有立体感的现代艺术创作，即便是原材料之间并不存在相关性，经过拼接之后，将这些材料叠放在一起，也会形成整一性的画面，只要是在画面中较为恰当的位置，就可以获得良好的视觉效果，能够令人产生同时性的印象。对于这种方式所形成的艺术作品，从不同的视角审视，都可以获得不同的效果，却能够明确所观看的是同一样东西[5]。后现代艺术作品则有所不同，虽然同样是采用了拼接的创作手法，但是，所采用的各种原材料都是独立存在的，不仅保留了物质性，而且还保留了独立性，通过对物质形象的复制，按照某一意图进行拼接，以发挥其应有的价值。对于安迪・沃霍尔的各种波普艺术作品，詹姆斯是这样评价的，这种拼接的主要目的是存在着其商业价值，这一点是不容忽视的。比如，玛丽莲・梦露的形象逐渐离开了她自有的属性，被媒介所占有，发挥着其货币的价值。这就说明玛丽莲・梦露的艺术形象经过波普艺术处理后，已经发挥了商业价值。史密斯投入了大量的精力研究波普艺术，得出结论：如果对美国的波普艺术进行深入研究，就会发现这种艺术充满了叛逆，并不是对大众文化的认可，而是一种反大众的文化行动[6]。正是由于波普艺术具有这种涵延化的效果，因此被用于文学创作中，使得文学作品呈现出不同的艺术风格。对于不同体裁的文学作品，不同文体的文学作品进行拼凑之后，就形成了后现代文学作品。
沃霍尔所以创作的艺术作品具有波普艺术表现形式，各种独立性的物体不断重复的排列，表明工业社会中所采用的机械化生产方式，使得大批量的相同物品被生产出来。通过他所创作的作品，就可以对当时的社会进行解读。通过波普艺术作品的传播，大众更能够深入了解社会现象，波普艺术就这样成为社会中的一部分。
在目前的社会环境中，波普艺术的影响越来越广泛，已经不再局限于艺术领域，抓紧向社会中的各个领域延伸，并发挥着其文化传播价值，比如，在传媒也中，在商业领域中，在工业领域中，我们都可以看到波普艺术的影子。这种大众化的艺术表现形式，使得生活元素通过波普艺术的塑造之后被放大了。这就说明波普艺术很容易被接受，在生活中得以普及，而且可以在数中生根发酵了。现代的文化呈现出多元化，流行元素越来越多。这些流行元素都与波普艺术密切相关，而且波普艺术也成为流行元素的主要传播载体。波普艺术的创作题材丰富，主要是从大众生活中发掘，是通俗文化的表现形式，可以恰当地将当时社会的变化反映出来。波普艺术与其他的艺术有所不同，其具有讽刺性以为，而且以游戏的形式表达出来。后现代主意的艺术就立足于通俗文化，将社会大众文化与艺术文化相互融合，以通俗文化形式表现出来。目前我们走在大街上，就可以看到艺术设计包装，各种广告艺术，包括流行音乐、宣传海报等等，都是波普艺术的表现形式。
五、结语
综上所述，波普艺术是商业时代的产物，是将艺术通俗化的产物。在对波普艺术的文化内涵表达中，主要是将生活中的各种物品充分运用起来进行艺术创作，使得所创作的作品能够切实地反映社会现实。波普艺术有其自身的特征，这些特征与创作时代相辅相成，其中存在着文化批判性，也是一种社会形态的特殊表达方式，充满了讽刺，不仅对文化艺术领域产生了影响，而且对人们的生活也产生了观念引导作用。
【参考文献】
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关键词：艺术；仪式化手势；贡布里希
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）08-0072-01
此文是贡布里希在1966年6月的“动物和人类行为仪式化问题讨论会”上提交的，从仪式化手势这个比较小的切入点来讨论了人类的仪式化行为及其情感表达的相关问题。该文主要内容是从再现艺术的角度上，来探讨艺术作品中仪式化手势与情感表现的关系。
整篇文章主要说明了两点：
第一点是主要内容，讲了在再现艺术中即图式中的仪式化手势往往能明了甚至夸张地表现人物情感。作者分别从宣誓手势、指点手势、投降手势、祷告手势还包括征服举动这几种仪式化行为来分析，艺术对人物情感，作品背后故事的表现。
第二个观点是仪式中的情感释放和人类艺术的动机并不等同，并从一些艺术作品里的仪式化手势加以分析，最后谈论到了现在应该用何种态度来把仪式运用到艺术中去，作者认为“程式的完全舍弃和集体艺术的复兴都无法满足我们现在所说的艺术的需要”。
我认为这篇论文有以下四点特色。
一是在形式上还是主要运用举例的方法，通过结合一些图像化的艺术作品来分析各种不同的手势，之后得出一个比较广泛的结论。例如文章开头就开门见山，通过讨论一幅一战后的克特・珂勒惠支的反战招贴画来说明里面宣誓手势说体现的情感成分，表达了反战作者情绪的激烈、愤怒。同时贡布里希还分析了这幅作品其他细节体现作者激昂情绪的地方，如绘画笔迹。
二是作者写作时发散思维很明显。对一个具体的例子，往往有向其他方面的展开，据此来牵出其他更多的例子，可以是引出对比例子，也可以是直接引出相近例子，都是为了更好地阐述原观点。例如宣誓手势，他是从几幅不同时期的同样有宣誓手势的艺术作品，来逐步引出宣誓手势仪式化的过程：在中世纪的叙事艺术中，宣誓手势只是用作“说话手势”；在1423年根特祭坛画里圣父的手势，就有了宗教含义，是祝福手势；在后来的发展中，这种两指伸出的手势演变成一种宣誓手势。宣誓手势仪式化的过程即是符号化的过程。
三是作者善于深入思考。例如他思考到了相同手势在古代艺术或东方艺术中是否带有相同的含意；他还思考到了再现于艺术中的手势语现实生活中人们所使用的手势之间的关系问题。
四是文章的逻辑结构比较严谨，层次比较清晰。基本上文章的思想深度是层层递进的，先是讨论艺术作品中的仪式化手势很好地表现了情感，不管是作者的还是画中人物的。再是讨论这种情感表达方式的主客观性，是否过于“真诚”或过于“夸张”。最后提到了该用何种态度来运用仪式，既不能完全舍弃，也不能整体仪式化。
研读了贡布里希的这篇文章后，我有了很多感想与收获。
第一是比较表层的，我理解了仪式化手势的相关知识，明白了人类仪式化行为的概念。并且我也试图用作者的分析方法重新去看一看那些宗教名画，在意大利画家马萨乔的作品《纳税钱》中，耶稣和彼得虽然用着指向同一个方向的指点手势，但意味不一样，需要参照贡布里希的方法，明白特定仪式化手势所具有的含义结合作品背后的故事，来分析人物情感表达。耶稣的指点手势表现的是他的一种从容的命令，遇到收税人的阻拦，他并不慌张；彼得的指点手势需结合其表情，表现出了彼得的一点不平与愤怒。这幅画的手势表现并不是完全仪式化的，所以这里也同时能联系到贡布里希的严谨态度。我的理解就是仪式只是一个极端，手势所表达的情感往往介于程式和完全自然化之间，这种情感表达是复杂的。
第二是贡布里希让人体会到了对学问的钻研精神，对于一个小方面，可以换多种角度辩证思考使观点更透彻，更丰满。例如文章的第二个观点就是作者对第一个观点的深入思考，尽管仪式化动作能符号化地表现情感，但人类的动机并不一定就是画中仪式所要释放的情感，他提出了在我们的现代社会里，“仪式不仅能帮助个体释放情感，而且也能阻止个体释放情感，说通过和动物情感的横向比较，说明了人类情感与行为表现的复杂性，因为仪式化动作表现出来的情感并不是内心的真实情感，他举看葬礼哭妇这个例子，那些哭妇只是为了赚钱而去表现悲哀，但是艺术的高明之处正在于很好的表现了这种葬礼仪式所体现的悲哀。
第三是历史的艺术成果确实能让现在有所借鉴，例如学习它们如何在自然征象和程式符号间找到一个表现的平衡点，贡布里希亦说了，如今的艺术形式很容易陷入一种困境，要不就是纯粹注重不带情感的程式，要不就是完全舍弃仪式的运用，都是不妥的。万事万物都不能走极端，所谓物极必反。
研读贡布里希论设计这些作品，让我看到了思维真正的力量，收货颇丰，让我明白了思考问题的有效方式。在以后的学习过程中，我一定不会再浪费这些思考伟人的结晶。
参考文献：
[1]E.H.贡布里希，杨成凯，范景中.艺术的故事[M].广西：广西美术出版社，2011.
关键词：比较法高中美术教学美术鉴赏
一、比较法概述
1.概念
比较法是根据某一标准，筛选有联系的事物的相同点和不同点，以实现事物的分类。这种方法是一种以直接感知为主的对照方法，可以把握事物的内在联系，并从根本上把握事物的本质特征。比较法是确定事物异同点和联系的思维过程，任何事物都能在相互比较中凸显差异性。借助对比法能让人更加深刻地感受到事物的异同。在美术鉴赏中应用比较法，教师可对不同艺术作品进行比较、分析、理解和评价，从而使学生更进一步地理解作品的内涵。
2.特征
（1）可比性基于对不同作品进行比较，在比较对象的选择中，教师要根据学生的认知范围，选择学生容易理解和接受的作品；同时，要避免为了比较而比较。不同美术作品的可比性建立在提高学生学习效率的基础上，主要目的在于更好地服务教学。（2）经验性在高中美术鉴赏中，学生在生活经历、理解程度和艺术修养方面均有差异，在比较中会重视自己的经验。教师要注意引导，让学生在对比分析中发现自己的不足，并应用科学的比较方法，提高自身的审美水平。（3）超越性美术作品来源于生活又高于生活。美术作品的非孤立性决定了比较法的超越性。在比较中，作品体现出的内涵有可能超过鉴赏本身，也有可能超越时间和空间的限制。通过对一切可比较的艺术现象或者艺术作品的比较，最终能达到鉴赏和理解的目的。
3.教学目标
高中美术鉴赏中应用比较法的教学目标在于：第一，使学生理解比较法在学习中的重要性，同时掌握比较法的具体操作方法；第二，教师要通过介绍、引导，使学生在与教师、其他学生交流、互动的过程中，掌握比较法的应用特征与效果；第三，以反思和总结的方式分析教学中存在的问题，使学生在今后的实践中自主拓展比较法的应用。
二、高中美术鉴赏中比较方法的应用意义
1.提高审美能力
审美能力主要表现在发现、欣赏与表达等方面。美术鉴赏课程可为学生提供视觉与感知层面的教育指导，使学生学会在海量的美术信息中筛选自己需要的素材。在高中美术鉴赏中，比较法是一种能够帮助学生实现美术作品鉴赏的重要方法，应用比较法有利于提高学生的审美能力。如，在素描基础构图讲解中，教师可在课堂教学中为学生展现不同的构图方式，并引导学生进行比较，从中选择出最和谐的构图模式。又如，在美术创作材料与技法的讲解中，教师可通过对比不同的材料与技法所产生的视觉效果，让学生综合分析出一种最适合表现主题或内容的组合。
2.培养创造性思维
艺术欣赏具有创造性，美术鉴赏能够帮助学生提升学习能力，培养创造性思维。高中美术鉴赏课程的受众群体是广大高中生，这一阶段的学生已经初步形成对于事物的分析、判断、想象和推理能力，但是并不完善。通过比较法，学生可以在教师的启发和指导下更独立地思考与发现，并将自主探究得出的结论应用于艺术性创造。比较法能增强学生对于作品风格的感知能力，使他们能更充分地理解作品的主旨。将这种方法融入逻辑思维，不仅能帮助学生进行美术鉴赏，而且能引导学生发现生活中的美。
3.促进个性发展
高中美术鉴赏教学的目的并非是将每一名学生都培养成为艺术家，而在于提高学生的美术鉴赏能力、艺术创造能力以及美的修养。将比较法应用到高中美术鉴赏中，可增强课堂的敏锐性和灵活性，帮助学生更好地体会美术艺术作品与社会、自然、生活之间的联系，感受不同风格、材质、形式的独特艺术性。如，在通过横向比较方法对比、分析中国美术作品与西方世界美术作品时，学生能加深对中国传统艺术文化的理解，同时也能更尊重多元的世界文化，在开阔眼界的同时，表达自我意识，达到的目标。
三、高中美术鉴赏中比较法的应用方法
1.纵向对比
在不同的历史时期，艺术家对于同一事物的理解会有所不同，因此，在创作过程中，会赋予其不同的含义。在高中美术鉴赏中应用比较法，学生可借助“时间”这一发展标志，运用纵向比较法比较不同时期的同一美术元素的表达方式。如，某地区教师在组织学生进行美术鉴赏的过程中，以鞋子为纵向比较的元素，将不同历史时期画家创作的各类与鞋子相关的艺术作品，以幻灯片的方式展示在学生面前。其中，有我国魏晋时期的丝织履、唐朝时期的锦缎鞋、宋朝高筒靴等。通过纵向对比的方式，学生从鞋子的颜色、绘画技巧和画面构造等方面阐述了不同时期鞋子的不同特征，了解了我国历史文化的发展脉络。这种方式不仅让学生掌握了不同时期鞋子的特征，而且提高了学生的观察能力。
2.横向对比
（1）不同地域的对比在鉴赏不同地域的美术作品时，教师要明确这种对比方式涉及的艺术作品范围大、题材丰富且受众广泛。为了避免时间和空间上的差异性对美术作品鉴赏产生影响，在高中美术鉴赏中，教师可以选择横向比较法。通过对同一时期不同地域的美术作品鉴赏，学生可以看出我国传统艺术作品创作中的“道”。道家思想与中国传统绘画有着不解之缘。我国传统绘画作品集中体现了“意在画外”和“寓情于景”，水墨画尤其展现出了追求独立和精神理想抒发的强烈情感。与之相比，西方社会的绘画艺术则更加理性，贴近实际生活。西方社会的绘画作品与自然之间的关系在于“模仿”和“遵从”，历史上许多绘画艺术流派的诞生，都是基于真实、理性的审美心理。（2）不同流派的对比不同流派之间的对比分析也可以被归类到横向比较范畴之中。如，在“中国近代美术绘画艺术鉴赏”教学中，教师可以着重对比分析岭南画派与上海画派两个流派美术作品的特征。其一，岭南画派。岭南画派的名称来源主要是因为其代表画家如高剑文、陈树人和高奇峰等人聚集于广东地区，因而被称为岭南画派。岭南画派艺术家在美术创作中，主要借鉴了西方社会西洋画的绘画技巧，十分擅长素描和写生，并将吸收的外来绘画艺术技法与本土绘画模式相融合，最终形成了独特的岭南画风。岭南画派是中国近代美术史上的代表流派，其改革了传统国画，吸收、借鉴了西方美术绘画创作的技法。不仅如此，其在创作与发展中还积极传播新思想，推广美术教育，宣传图画革命，强调了时代精神，摆脱了传统观念的束缚。其二，上海画派。上海画派的代表人物有赵之谦、吴昌硕、任颐和虚谷等人，主要是由一群旅居上海一带的江浙画家组成。上海画派画家在创作中十分注重写意和泼墨，并结合了篆刻和书法的技巧。他们擅长动物、人物、花卉、果蔬的写生。上海画派在创作中积极吸收了西方社会在美术创作中的积极因素，对我国的传统艺术绘画作品进行了创新。此外，上海画派重点提出了将文人绘画艺术作品与民间美术相结合，创作广大人民群众喜闻乐见的艺术作品。（3）不同题材的对比横向比较法还可以被应用到对不同题材美术作品的对比之中。如，在绘画美术教学中，教师要给予学生机会鉴赏雕塑、建筑和工艺美术等艺术形式。这种方式可以使学生在学习过程中，将艺术和实用艺术、大众艺术和单独领域的艺术、历史遗存和现实资源等进行对比研究。在高中美术鉴赏教学中，“大美术”性质的美术课程所占比重较大，这要求教师和学生要重视不同种类美术作品的鉴赏教学，以此丰富学生的美术知识体系。对比不同的美术题材，可突出不同美术种类、美术作品之间的联系，同时能彰显不同作品的特点。不同的美术表现形式对于同一事物的认知视角有所不同，对于事物的关注点也有一定的差异，但是在表达美的方面，却有着十分密切的内在联系。不同题材的表达形式有所不同，但是实际精神却是一致的。
3.艺术与现实对比
现实生活是美术作品创作的源泉，艺术创作源于生活又高于生活，美术作品可以被视为对现实生活的升华。以艺术、抽象、夸张等方式，将现实生活中的美表现出来，是艺术的创作方法。在学习中，教师要注意引导学生把握现实生活与艺术作品之间的联系，使用观察比较方法，感受其中的意境，同时欣赏生活中的美。如，某地区高中美术教师在组织学生学习水墨山水画的相关内容时，将近代水墨画领域的杰出画家李可染先生的画作《漓江胜景图》作为美术鉴赏的范例。同时，教师还收集了一些漓江自然景象的文章、图片与视频影像资料。通过运用将美术作品与实际景观相比较的方法，学生在教师的引导下发现了现实生活中的美术知识，明白了艺术源于生活又高于生活的本质内涵。之后，教师还让学生结合自己的生活经验和美术创作经验，试着将自己的感情注入画作，分析画家在创作这幅画时的思想感情。借助比较法，学生明白了美术作品与现实生活之间的差异和联系，了解了画家运用美术创作的方式，表达对祖国大好河山的热爱之情。
结语
在高中美术鉴赏课程内容逐渐丰富的情况下，应用科学合理的教学发展策略对学生进行教学指导十分必要。比较法的合理应用能帮助教师和学生更清晰地分析美术作品，在良好的教学氛围中，不断扩充自己的艺术知识储备，提高艺术审美与鉴赏能力。
参考文献：
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[2]王荣荣.巧用“比较法”，提高美术课堂教学效果.内蒙古教育，2016（20）.
【论文摘 要】在现代职业教育领域，人才培养目标已不仅是掌握专业技能和社会综合能力，具备一定的艺术素养，提高个人的文化内涵已然成为社会对职业教育学生的更高要求。那么，艺术素养的具体含义是什么，又包括哪些方面呢？艺术素养的提升对职业教育有哪些重要意义，又应该如何提高学生的艺术素养呢？
改革开放以来，我国经济飞速发展，人民生活水平也随着社会的发展日益提高，而更随之发展起来的是人们对更高层次的精神生活的追求，尤其是对艺术的欣赏和追求变得更为突出，有一定文化内涵已经不能满足人们对自己的要求，而追求更高的艺术素养已经成为人们普遍的价值理念。
职业教育作为我国高等教育的重要组成部分，正面临着巨大的挑战，除了职业教育方式的改革外，还应注意对学生各方面素质的全面协调发展，使学生拥有专业技能的同时也拥有较好的身体素质、心理素质、文化内涵、社会综合能力等等，而良好的艺术素养亦是不可或缺，下面我们就将对职业教育学生的艺术素养现状和提高学生艺术素养的重要性及方法进行探讨：
一、什么是艺术素养
艺术素养是具备艺术范畴内的内在理论知识水平和外在表现力、创造力相协调统一的一种综合水平和能力，是文化素养的一部分。艺术素养也可概括为三种能力:艺术观察力、艺术想象力和艺术创造思维能力。
二、职业教育学生艺术素养之现状
职业教育学生的艺术素养状况就目前情况来讲还未能乐观，主要表现为以下几个方面：
① 学生审美意识不强，甚至对美与不美没有具体概念只凭个人喜好进行判断；
② 艺术基础知识和常识知之甚少，不具备基本的艺术修养；
③ 艺术兴趣不高，只接触少量通俗的艺术门类，对其他艺术形式不闻不问；
④ 艺术想象力和创造力差，思维方式比较具象守旧。
那么，导致这种现状的原因是什么呢？我认为主要有以下几方面因素：
第一， 职业教育学生的生源多数来自中小城市或县乡一级的地区，这些地区都存在一个普遍特点，即群众生活水平较低，对精神生活的要求也相对不高，对艺术的欣赏能力较落后，艺术作品（如戏剧、电影、音乐会、画展等等）普及性低。这些都导致了学生在大学之前较少有机会接触大量的艺术门类及作品，艺术兴趣低，艺术素养相对不高。
第二，个人艺术素养的高低与家庭氛围有很大关系，据调查，大多数艺术家都出生于艺术世家，如欧洲著名的古典音乐家贝多芬、莫扎特、约翰·施特劳斯等等，都出身于著名的音乐世家，并且从小就开始进行音乐知识及乐器演奏的训练，在年幼时就已经有很高的音乐造诣；;又例如中国古代著名的“二王”、“三苏”都说明了家庭氛围对孩子的影响，可见，父母艺术素养不高的情况下，也很难为孩子营造出后的家庭艺术氛围。
第三，小城镇艺术教育和艺术特长培训机构较薄弱，乡镇一级的地区除民间艺人外甚至没有艺术门类的职业从业者，这就使得学生没有机会参加艺术培训和接受正规艺术课程的教育，导致艺术理论基础差，艺术思维无法发展，创造力也得不到激发。
三、提高职业教育学生的艺术素养的重要意义
首先，从学生自身素质来说，艺术素养的提高有利于学生提高对艺术的欣赏力和感受力，从而更好的认识艺术、认识生活、认识社会以及整个世界，帮助学生在精神方面实现质的飞跃；
其次，从学生的发展能力来看，艺术素养的提高有利于学生思维方式和创造力的提升，在今后的职业生涯中，生动的思维模式和良好的创造力将成为通往成功的垫脚石，尤其是从事艺术设计相关专业的学生。
职业教育作为高等教育的重要组成部分，是社会人才的一个重要来源，新时代对人才的要求不再是只掌握专业知识，个人素质修养及各个方面的能力也是至关重要的。现如今，职业教育正方兴未艾，职业教育培养出的人才也将是未来社会的重要组成部分，所以，提高这一阶层的艺术素养对提高国民整体素质也有着推动型的意义，是我们职业教育从业人员不能轻视的问题。
四、如何提高职业教育学生的艺术素养
艺术素养的提高对职业教育学生有着重要的意义，我们又应该如何实施开展这项重要的工作呢？我认为应从以下几个方面入手：
1、艺术常识及艺术基本理论的了解
开设艺术门类的选修课和兴趣社团，以各种形式在学生中普及艺术理论教育，使艺术常识及各艺术门类不再“神秘”和“遥不可及”。
2、艺术作品的分析与鉴赏
学校尽可能多的为学生提供接触艺术作品的机会，比如组织观看艺术影片、戏剧，参观画展、艺术展、艺术节，听音乐会演奏会等等，让学生亲身经历感受艺术氛围并加以分析和总结，学会如何欣赏艺术和感受艺术。
3、校园内开展学生艺术节、学生艺术作品展等活动。
学校可经常开展艺术节、艺术展等活动，加强同学的参与性，使同学的艺术创造力和表现力得以发展的空间，从欣赏者向创作者的方向转变，培养学生创作艺术的主动性和对艺术创作的热情。
4、艺术学科与专业课程有机结合，艺术理论与实践无缝对接。
如设计类专业除对学生进行美术基础的训练、构成训练、艺术史、设计史、设计概论等课程外，还要经常性的组织学生结合艺术理论和专业技能进行创新实践，帮助同学构件完整的艺术知识体系和应用技巧，从而更好的为今后的职业生涯做准备。
5、 注重实践，鼓励创新
校方可为学生提供条件鼓励学生自行组织兴趣小组，进行艺术创作活动，同时开设创新奖学金等方式，对有突出表现的学生予以奖励。
五、小结
中国的职业教育正在面临严峻的考验，未来的发展之路是否能够越走越宽越走越顺，完全取决于我们职业教育工作者的决心和努力，只要我们坚持以学生为主体，从专业角度出发，使学生拥有过硬技能的同时也具备良好的自身素质和艺术素养，就能打造出我们职业教育的品牌，为职业教育的发展贡献力量。
参考文献：
[1] 胡知凡等编著：《教师艺术素养导论》，北京大学出版社，2011-8-1.
[2] 张海鹏：《大学生艺术素养》，兰州大学出版社，2009-9.
[3] 王一川：《谈谈国民艺术素养及其意义》，人民政协网 ，2011-9.
[4] 汪青松：《加强大学生人文艺术素养》，光明日报，2009-03-25.
论文摘要：在教学过程中，经常会在课下和学生进行一些交流，在问到他们的电影剧本创作过程时，很多学生给出这样的答案：“就是凭着感觉写完的。”再问他们：“创作的过程中是否注重了创作理论与创作技巧的应用？”一些学生的回答是：“不知道，好像理论用不上，凭感觉写就行。”学生坦诚的回答揭示出一个严峻的问题：当代艺术类专业的大学生对专业课理论学习的错位认识。这是一个需引起老师和学生都十分关注的问题，因为它涉及到高校艺术类专业课程的教学能否真正被学生理解和吸收并应用于实践，也涉及到高校教学能否培养出人才和学生本身能否成才的关键。与“感觉”和“理论”相关联的实质是感性思维与理性思维在创作中的关系问题，电影剧本创作是艺术作品创作的重要组成，本文将重点从感性与理性的概念以及感性与理性在电影剧本创作中的运用及关系层面分析论证“感性与理性在电影剧本创作中的思辩”问题，具有重要的现实意义。
众所周知，在思维观念的运用上，艺术作品的创作不同于数理公式的推导，前者需带有审美意识形态、感性思维的构成，而后者不容于感性思维的参与而在既定的公式和轨迹中进行，例如：科学中的原理、定义、公式在科学活动中是必须严格遵循的。但同时，我们不能忽略艺术作品的创作需要创作目的、创作原则以及创作方法的共同参与，这就涉及到艺术作品创作过程中的感性思维与理性思维二者的关系问题。
电影——被人们称为继文学、音乐、舞蹈、绘画、戏剧、建筑之后的“第七艺术”，从1895年12月28日诞生至今，它吸引了无数的人们驻足观看，在所有艺术门类中，电影是一门年轻的艺术，但是它却得到了全世界范围内观众的喜爱，面对这样一份“宠爱”，广大的电影艺术工作者当应义不容辞地创作出大量优秀的电影作品，而如何能够创作出优秀的电影作品呢？所谓“剧本——一剧之本”，电影艺术工作者能否创作出优秀的电影剧本是解决这个问题的前提。再进一步说创作者如何能够创作出优秀的电影剧本呢？创作者在“感性与理性”思维观念上的把握是解决这个问题的核心所在。思维是人类特有的一种精神活动，思维指导着人类的行动。艺术作品的创作总会让人想起“灵感”“天赋”“天才”等字眼，优秀的电影剧本当真一定是由具有“天赋”的人创作出来的吗?剖开个别现象，从普遍现象上看，答案是否定的。
本文的核心论点：电影剧本创作是感性思维和理性思维共同建构而成，在电影剧本的创作中感性和理性是不可分割的两个思维面，它们彼此交织，相互渗透。
一、什么是感性和理性
首先我们共同认识一下感性和理性的概念问题。什么是感性和理性在《现代汉语词典》中对“感性”的注解为：“感性指属于感觉、知觉等心理活动。”［1］在康德的哲学思想中，康德将人的认识能力区分为感性、知性与理性。感性指的是“感觉表象”［2］。感性是被动的单纯接受的能力，感性与感觉是有所关联的，感觉是客观事物作用于人的感官而引起的一种最简单的反映，是客观事物的个别特征在人脑中引起的反应。人有眼、耳、鼻、舌、皮肤等感觉器官，当外界事物作用于人的这些感觉器官时，通过神经系统传到大脑，人就产生各种感觉。例如，视觉能看到事物的颜色；听觉能听到事物的声响。从感觉到认识，感性即直接接触具体事物当中产生的对事物具体形象的认识，感觉、知觉、表象等是感性认识的形式，因此感性思维往往具有直接性和具体性的特点。
所谓理性，就是基于感性，通过思考而升华的一种抽象的认知。理性就是能看清事态和物质的本质，有针对性地做出判断和决定的行为。“理性是原则的能力”［3］。理性认识就是人们在感性认识的基础上，通过头脑的思考作用得到的关于事物的本质和规律性认识。理性认识往往反映的是事物的本质和规律。一般情况认为人的认识首先是产生对事物表面现象的认识，然后经过分析、总结和概括便形成对事物本质和规律的认识。感性是理性的基础，从感性认识到理性认识的过程，也就是从现象到本质的过程。“感性认识是认识过程中的低级阶段。要认识事物的全体、本质和内部联系，必须把感性认识上升为理性认识。”［4］概念、判断和推理等是理性认识的表现形式，因此理性认识往往具有抽象性与间接性的特点，但正是这种抽象性和间接性决定了它能够从现象深入到事物本质和规律，深化人们的认识。
二、感性与理性在电影剧本创作中的运用及关系
电影的发明实际上是发明了一个摄影机眼睛和录音机的耳朵，由此带给我们一个由视觉和听觉共同获取的富有魅力的电影世界。我们经常说，摄影机代替了观众的眼睛，摄影机的眼睛可以带着观众在不同的时空中自由翱翔。但是这只眼睛是掌握在别人手里，由不得观众想看什么，而是由那个掌握摄影机的人决定给观众看什么。在这里“掌握摄影机的人”不仅仅指摄像，它还包括了编剧、导演等幕后人员，而其中最先“掌握摄影机的人”便是编剧。电影文学剧本是电影能够立体呈现的前提，也是电影艺术作品得以成立的真正意义上的基础。
电影剧本的创作不同于写小说，它要求编剧必须用画面来写作，用镜头来写故事，运用视觉性思维进行创作。那么在视觉性思维展开过程中，感性与理性有怎样的关系？我们可以分别看一下。首先从创作者本身来说，电影剧本创作中的“感性”强调个人的创作欲望、创作情感和创作情绪，在创作的过程中，创作情感和创作情绪往往在创作者的主观意识里是连贯的，这三个方面在创作的过程中又常常被人们统称为“感觉”，虽然这样理解“感觉”概念不太准确，但它也道出了感觉与感性之间的关系，通属“感性思维”。所谓“艺术源于生活”，在剧本创作的过程中，创作者不可避免地会将自己的生活体验、审美情趣、情感认识以及对社会中人与事的理解转变为笔下的画面语言，这种转变具有直接性和具体性的特点，任何艺术作品都应是有感而发，没有情感的作品是没有生命力的，因此感性思维在剧本创作中占有重要的地位。但是编剧在创作剧本的过程中不能将生活不加选择地记录（实验性电影作品除外），更不能忽略创作目的、创作构思、创作规律和创作理论在创作中的重要作用。这就是为什么有的电影得到很多人的喜爱，有的电影却不受欢迎的原因。例如：在悉德.菲尔德的著作《电影剧本写作基础》中谈到：“电影剧本的前十分钟必须提出戏剧性前提、戏剧性情境和主人公的戏剧性需求。‘戏剧性前提’指的是这个电影剧本讲的是什么，即这个电影剧本讲的是一个什么样的故事，它提供了一种戏剧性冲动，而且促使故事直向最后的解决。［5］而“戏剧性情境”就像一个容器，指的是包容这个故事内容的空间。实践证明有的电影作品对此做到了，留住了观众；有的电影作品播放了十几二十分钟还没交代清楚要讲一个什么样的故事，观众便没有耐心再往下看下去，从而选择了离开。这就如同当一个编剧情感的阀门已被打开，凭着自己的感觉想把开篇部分大肆渲染的时候，观众已离开了座位。成功的例子如：票房大热影片《非诚勿扰》在前十分钟交代了本片要讲一个“三无伪海龟”中年男子秦奋征婚的故事，当观众明确了电影的戏剧性前提和人物的戏剧性需求以后便饶有兴趣地想知道秦奋究竟是怎么征婚的？他到底有没有征到意中人？开篇设置了悬念，它提供了一种戏剧性冲动，吸引观众迫切想知道后面的结局。倘若这部电影的开篇不做这样的设计，用二十分钟的时间交代人物需求和戏剧性前提，估计观众早已失去耐性，进而影响了整片的观影效果。电影作品是以电影观众作为受众对象，失去观众也便失去了作品生存的土壤，因此倘若在创作的过程中一味追求感性认识而忽略剧作章法、剧作理论等理性框架，最终必将导致作品的失败。剧作理论和剧作章法都是对剧本创作本质和规律的归纳和总结，归属理性思维层面，作为一名编剧必须要好好掌握。再如：任何一部电影都有理性表诉机制——叙事机制，以美国好莱坞的电影为例，美国人紧紧抓住了电影这一新的艺术表现形式，确立了模式化的电影叙事形式。例如：影片《魂断蓝桥》就完全依照模式化的电影叙事，在主题构成、情节设计、结构安排、人物性格等诸多元素上构成了完整的电影叙事机制，以其对好莱坞经典叙事模式的成功运用而成为世界经典之作。
但电影剧本创作中的理性框架若离开了感性基础，抛开感觉、情感、表象、想象等特征，其电影剧本必然会生硬呆板，缺少生动和生活的质感。在影视剧本创作活动中需要情感、情绪等感性思维的参与予以作品“生动”和“生命”。同时，我们要意识到理性框架构成的最终目的同样是要令作品“生动”和富有“生命力”。电影剧本创作中的感性思维若离开了理性基础，抛开剧作理论和剧作方法，仅凭个人的自我感觉进行随意创作，其剧本就很容易造成结构散乱、调理不清、无章、无规、无格、缺乏明确主题和清晰的线索，最终用再多时间、再多笔墨也只能写出劣作。电影剧本的创作不论多么地需要情感的融入和丰富的想象都必须通过理性的梳理从无序的“感性释放”走向有序的“感性清晰”。
上述分析证明电影剧本中的感性创作与理性创作是相互依存、相互渗透的，缺一不可，创作者在电影剧本创作中只有将感性思维和理性思维相结合，才能够创作出拥有观众、拥有市场、被许多人广泛喜爱的成功的影视作品。否则只能产生大量的平庸之作和失败之作。
三、结论
综上所述，电影剧本创作是感性与理性的统一。感性与理性二者的性质不同，但在艺术实践中二者又不是互相分离的，它们在实践的基础上统一起来了。实践证明：感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才能更深刻地感觉它。感性只解决现象问题，理性才解决本质问题。这些问题的解决，一点也不能离开实践。无论任何人要认识任何事，除了同那个事物接触，即实践于那个事物的环境中，是没有其它办法解决的。感性和理性永远是不可分割的两个方面，互相渗透，互相依存，电影剧本创作没有绝对的感性，也没有绝对的理性。感性过程和理性过程的有机结合才是导向抽象意义产生的根本原因，感性思维和理性思维的有机结合才是电影作品能否成功的关键所在。
参考文献
［1］ 吕叔湘.现代汉语词典.商务印书馆.1996年.第410页.
［2］ 康 德.实践理性批判.商务印书馆.1999年.第183页.
［3］ 康 德.实践理性批判.商务印书馆.1999年.第185页.
［4］ 吕叔湘.现代汉语词典.商务印书馆.1996年.第410页.
【论文摘要】新颁布的《语文教学大纲》明确要求，语文课要加强文学教育。语文教学的文学教育要引导学生感受文学形象，品味文学作品的语言和艺术技巧的表现力。那么，如何完成这一教学任务呢?我们认为：必须更新阅读观念，注重文本阅读——淡化分析性操作，强化朗读、涵泳；挣脱权威的束缚，让学生自己感悟；破除功利思想，弘扬人文精神。
文学作品是语文教材中的一个重要组成部分，文学教育是语文教学的重要任务之一。文学作品融入了世态百相，凝聚了人间真情，囊括了大地沧桑，沉淀着历史的精华。文学教育在陶冶情操、塑造人格、传承文化、感悟人生方面有无法替代的作用。
然而，一个时期以来，在应试教育的影响下，文学教育完全从属于语言文字教学和应试能力培养而变得苍白无力，“语文教学陷于‘支离破碎的分析’和‘题海战役’之中，功利化倾向使学生成为应试机器，文学教育呈现出简单化、机械化、弱化的趋势。Ⅲ”著名教育家认为：文学教育的目的就在于能给予人以心灵的慰藉，拓展人的精神空间。而这些，都不是简单的讲析与训练所能够达到的，文学作品的美是难以讲出来的，因为语言总是比心灵枯涩，即使能讲出来，也不如学生自己用心体昧出来的东西深刻。结合自己的教学实践，我对作品阅读由如下几点启示以飨读者。
一、淡化分析性操作，强化朗读、涵泳
古人早就有“朗读”“涵泳”的习惯，蒙学教育、经学教育都相当重视学生的反复诵读，老师基本不作解释，让学生大声朗读经文，在抑扬顿挫之中领悟经文中无法言传的神韵。“一遍一遍的诵读，把传统文化中的一些基本概念，像钉子一样地锲入学童几乎空白的脑子里，实际上就已经潜移默化地融入了读书人的心灵深处。”“
然而，现在的阅读教学，大多注重内容与章法的分析，学生吟诵的时间太少，甚至只是“看看”书而已。程式化的繁琐分析，把作品肢解得支离破碎，损害了学生对作品整体的艺术感受，影响了学生知识与思想的收益。
在这种情况下，我们需以“读”代“讲”，发扬“朗读”“涵泳”的优电传统，对作品进行朗读。“吟诵的时候，对于研究所得不仅理智地了解，而且亲切地体会，不知不觉之间，内容与理法化而为读者自己的东西了。”“学生在朗读的过程中，品赏作品的动人情节，领略人物的品格、风采，感受艺术作品的完美形象，领会文章深蕴的思想意义。通过朗读，文本的脉理、文本的情怀，不可抗拒地涌入读者的大脑，成为阅读者内在的东西。这是形式主义的课文分析所鞭长莫及的。
二、挣脱权威的束缚。让学生自己感悟
文学不应有标准答案，康德说过：“模糊的观念比清晰的观念更富有表现力。”这正是文学形象的魅力所在。目前在语文课堂教，学中，教师运用各种教学手段，或暗示，或引导，希望学生的理解能与某一观点相吻合。而这一观点往往是《教参》上的，并且在很大程度上受意识形态的支配，刻板而乏味。教师必须尊重并认可学生解读课文的自主性，允许他们对课文有不同于教参或教师的见解。教师的启发和诱导应允许学生的思维和情感有一个极度张扬的空间，而不是设置僵化的框子来框定学生的思维。对于任何文学作品，都必须让学生深入作品，坚持独立思考，通过自己的分析，理解其中的感情，从而自然地受到真善美的熏陶，获得艺术的陶冶。
三、破除功利思想，弘扬人文精神
文学作品之于读者，无论是情感的熏陶、审美的体验或思想的启迪，都是一个长期的过程。阅读不宜求短期效应。然而，目前的文学教育却表现得有些急功近利。在许多老师眼里，文学教材不过是传授知识、训练语言能力的“例子”，不过是考试范围内的内容而已。教师更多想到的是各种考试可能从哪个方面、哪一段出题，怎样才能使学生不丢分。诚然，明确的阅读目的，对集中注意力、唤起意志行动、增强记忆力都有好处，然而，它也造就了一种因外在需要而逼使的被动阅读，一种急功近利的短期阅读。在这种阅读中，教师对文章的分析讲解影响甚而取代了学生真实生动的阅读感受：完美的文体被忽视了，浑然的结构被肢解了，和谐的语境被破坏了：学生感受不到艺术的魅力和沉醉其中的乐趣。
阅读，尤其是对文学作品的阅读，不适合有太大的外界压力，有明确的功利目的。我们应该给学生充分的时间，进行“主动的生动活泼的真实的阅读”。“没有直接功利目的的主动阅读是快乐的，“读书做学问尤其不能讲功利主义。追求和发现真理的过程就是一种自我完善自我满足的过程，快乐就在这过程中。”只有沉浸于读书的乐趣中，才能由“闭目塞耳”到“耳聪目明”，才能走进欣赏作品的胜境。这时候阅读过程也就成为一种不知不觉被熏陶浸润的过程。所以，对于文学作品的教学，应力求让学生占有文本，在教师指导下读得更投入一些，更有情趣一些，更自由一些。在感受语言艺术之美的同时，发展思想，涵育情感，以提高文学素质和人文素质。
参考文献：
[1]臧博平.中学语文教学[J]，北京.首都师范大学2001年第2001.期.
[2]张吉武.中学语文教学参考[J].西安.陕西师范大学2001年第4期0第8-9期，第6期，1998年第6期.
[3]同上
本报讯(记者朱建华)昨日获悉，教育部在今年印发的第六期简报中透露，参加专业硕士学位综合改革试点的高校，学生可以用工作总结代替毕业论文。武汉有两所高校参加了试点。
教育部在这份题为《学位与研究生教育重点改革工作深入推进》的简报中，介绍了国务院学位办通过推进各项改革来提高研究生教育质量的具体举措，其中包括对专业硕士学位综合改革试点有关情况的介绍。
教育部批准了北京大学等64所高校，在法律硕士等15个专业硕士学位类别开展综合改革试点工作，共资助改革试点2360万元。武汉大学的法律硕士、工程硕士(测绘工程)、工商管理硕士以及湖北大学的工商管理硕士参加了试点。
国务院学位办要求参加试点的学校和专业必须实行双导师制，应安排学生参加至少半年以上相关领域的实际工作，用工程报告或工作总结等代替毕业论文，不再把SCI或EI等作为专业学位的评定指标。
此前，教育部在《关于做好全日制硕士专业学位研究生培养工作的若干意见》中提出：“学位论文形式可以多种多样，可采用调研报告、应用基础研究、规划设计、产品开发、案例分析、项目管理、文学艺术作品等形式。”
详情请看：cjmp.cnhan.com/cjrb/html/2011-02/03/content_4754065.htm
关键词：杜夫海纳；审美形而上学；情感先验；现象学美学
中图分类号：B83-06 文献标识码：A 文章编号：0438-0460(2012)01-0071-08
关于美的本质，除了美感论和形式论的传统之外，西方美学史从柏拉图、普罗丁到黑格尔甚至叔本华一直是形而上学美学传统，即以最高的概念“理念”、“神”或“意志”来作为美的终极依据。以现象学、存在论和解释学美学为代表的20世纪西方现代美学反形而上学，即反主客二分、反本质和现象二分。需要指出的是，西方现代美学在力图终结思辨形而上学的同时，却沿袭了审美形而上学的道路，依然是对柏拉图理念论美学的呼应。本文以杜夫海纳审美经验理论为切入点，探讨审美形而上学的内涵及现象学美学对于当代美学研究的启示。
一、何谓审美形而上学
西方哲学史上，形而上学一词尽管众说纷纭，却有一个最基本的含义本体论，它源于亚里士多德的形而上学研究，即先于或高于物理对象的事物，或作为终极原因的科学。康德区分了思辨的形而上学和道德的形而上学。海德格尔反对传统形而上学，认为它以对存在者的探讨遗忘了存在，但海德格尔并非要终结形而上学，而是以存在论继承和改造了形而上学。
西方美学史上，审美形而上学称谓不尽相同，却也有一个基本的含义，即认为美的事物背后有个终极的本体。叔本华和伽达默尔用的是“美的形而上学”(metaphysics of beauty)，即理念是美的事物的原因；尼采则更多使用“艺术形而上学”(metaphysics of art)，即艺术能传达真理，艺术能给人最终的慰藉。“美的形而上学”和“艺术形而上学”含义有内在的一致，即从可见的美的事物(人、自然、艺术作品)抵达不可见的美的本体。西方美学中，这两个词没有原则的区别，往往侧重艺术的形而上意味。东方美学则有所不同。日本美学家今道友信在论述庄子美学时，称之为“美的形而上学”，并区分艺术与美，艺术是可见的、具体的，美则是不可见的、理念的。他说：“艺术哲学是对艺术的反省，它是通向作为美的形而上学(calonologia)的美学的入口……美对于艺术来说，只不过是隔得远远的自为自在的idea(理念)，它在艺术里是决不可能整个地显现的。可以说，在东方美学中，自然是美的形而上学最重要的方面，艺术则是第二位的，是对自然的模仿，这点与西方近代美学偏重艺术贬低自然不同，却与柏拉图美学有内在的一致。除了这两个概念外，西方学术界还有“形而上的美学(metaphysical aesthetics)”、“审美形而上学”(the aesthetics of metaphysics)、“作为形而上学的美学(metaphysics as aesthetics)”等含义相近的表述。在此，笔者采取“审美形而上学”的中文译法，以突出现代美学中美“相关于审美主体”这一含义。
在西方美学史上，从柏拉图到普罗丁、黑格尔、浪漫主义到唯意志论美学直至现代美学之间，有一条审美形而上学的线索。柏拉图是美的形而上学之父，其“美本身”、“美的理念”是美的现象背后独立自足的实体，是美的事物的原因；他认为真正的美在上界，而世间的美只是对美的理念的朦胧回忆。黑格尔则开启艺术形而上学的先河，“美是理念的感性显现”的经典命题既是美的定义，也是艺术的定义，即美的现象背后具有理念的本质。叔本华美的形而上学借鉴了柏拉图，他说：“关于美的形而上学，其真正的难题可以以这样的发问相当简单地表示出来：在某一事物与我们的意欲没有任何关联的情况下，这一事物为什么会引起我们的某种愉悦之情?”叔本华的思路是这样的：现实生活中，人受意志的操纵，在苦痛与厌倦之间摇摆不定，审美活动中审美主体摆脱了意欲的纠缠，使我们直观理念。“美就是清晰显现、可被直接关照，因而也就是清晰展现了事物的含义丰富的柏拉图式的理念。”在审美静观中，意欲完全消失，直观到事物的理念，这时的真也是美。尼采以反形而上学面目出现，却有根深蒂固的形而上学情结，而且不得不承认人的形而上学天性，“一位自由思想家即使放弃了一切形而上学，艺术的最高效果仍然很容易在他心灵中拨响那根久已失调、甚至已经断裂的形而上学之弦”，以致他“内心就会感到深深的刺痛”。总之，他们把美当做理念或意志的体现，没有摆脱实体本体论，没有进入存在论，因此属于传统形而上学体系。
现代存在论哲学一方面反对传统形而上学，另一方面又继承和改造了形而上学，建立了现代形f而上学，并最终走向审美形而上学。西方现代美学反对的是思辨形而上学，却奔涌着审美形而上学的暗流。我们从海德格尔到伽达默尔的美学，及现象学美学家杜夫海纳、英加登和盖格，不难发现审美形而上学建构。海德格尔的重要意义在于反对表现论美学和形式论美学，主张艺术与真理的关联，真理是存在者的无蔽状态即存在者的显现，这种显现即是美。伽达默尔自称终生都是柏拉图的学生，《真理与方法》关于“美的形而上学”的分析，并非对柏拉图美学的客观研究，不仅是要阐明“柏拉图的美学理论和普遍解释学观点之间存在的亲缘关系”，且要建构自己的审美形而上学。
现象学美学的特殊性在于，从审美经验切入艺术的形而上性质。现象学哲学的意向性概念及“朝向事情本身”的本质直观方法，为现象学美学提供了打破主客二元对立的认识模式。杜夫海纳发展了存在论和现象学，探讨了自然审美经验与艺术审美经验的差异及自然美的意义。刘若愚在《中国文学理论》中曾指出过杜夫海纳的形而上学美学思想与道家思想的可比性，即杜夫海纳的“存在”与道家“道”的相通。波兰现象学文论家英加登在《论文学作品》中提出“形而上特质”概念，他指出文学作品尤其是优秀的文学作品在四个层面(声音层、意义层、多重图式化观相、再现客体层)之外，还有特殊的气氛、光辉，它笼罩作品，使读者震撼，“文学的艺术作品只有在形而上学质的显示中，才达到了它的顶点”。英伽登的理论可以分为三部分：文学作品本体论、认识论及审美价值论。“形而上性质”是属于文学本体论部分，与他后期着重研究的审美价值论有内在联系，只是研究的角度不同，侧重点不同而已。英加登称其为“形而上特质”而非“审美范畴”，原因在于：“形而上特质”才能说明文学作品的价值，而不仅是美学特征；“形而上特质”才能说明文学作品对欣赏者的提升作用，而不只是审美愉悦；“形而上特质”是把文学作品统一起来、从而使其成为“有机整体”的东西，是文学作品成为文学作品的最终原因。德国现象学美学家盖格将“审美价值”作为美学学科区别于其他学科的标志，他这样描述审美经验：“产生了这样一种奇迹、产生了从性质上来说与我们一般所体验到的任何东西都不相同的效果、只有对宗教情感的理解和对形而上学方
面学习的理解才能与之相提并论的这种精神过程。”杜夫海纳在研究方法、艺术作品的一般结构和审美知觉分析、审美价值研究方面都与英伽登和盖格颇多相似，在审美经验的“形而上学’’建构方面更是遥相呼应。
二、艺术的审美经验
杜夫海纳对于艺术审美经验的分析，主要见于他的鸿篇巨著《审美经验现象学》(1953)和论文集《美学和哲学》(1967)，审美形而上学倾向集中于《审美经验现象学》一书的最后一节“形而上学的前景”。作为现象学美学家，杜夫海纳区分了艺术作品和审美对象：是审美知觉使艺术作品成为审美对象。他在梳理了艺术作品的一般结构的基础上，进而分析审美对象的特质，即审美对象是一个与欣赏者进行情感和思想交流的“准主体”。杜夫海纳没有止于审美对象的“准主体”性质，他进而指出了审美对象“形而上的前景”(metaphysical perspective)。他指出，审美对象在感性、再现、表现三个层面以外，还有另外的意义，“这种作品总有一个第四维度，一个我们至少预感到的、构成作品深度的意义的气息”。“审美对象……永远让思考得不到满足，使我们常常感到意义有一个宗教维度”。杜夫海纳这一思想实际上超越了现象学，是对审美经验的形而上的意义进行的研究，这是“非现象学的”，超越了胡塞尔现象学的，表明他关心的是本体论(在此即海德格尔意义上的存在论)，杜夫海纳的结论是“是审美经验提示哲学要……从现象学走向本体论”。杜夫海纳给美学研究的启示是：艺术作品的结构分析，并不能呈现这一形而上维度，只有在欣赏者的审美经验中，艺术作品作为审美对象会“当下发生”地呈现它的“气息、宗教维度”，这也是英加登以欣赏者领略到的“气氛、光辉”来说明文学作品最高意义的原因。
下面，笔者试着从“艺术家”、“真理”和“情感先验”几个关键词来把握其审美形而上学建构。先看杜夫海纳关于艺术家的看法。任何艺术创作当然都离不开艺术家的自我表现，但是重要的不是艺术家的自我表现，而是要表现存在；艺术作品不只是艺术家对现实的再现，艺术作品要代言有表现力的自然。杜夫海纳从存在论角度分析审美经验的意义，就是说，艺术作品不仅是作者个性或时代精神的体现，更重要的是作者体验一个世界并顺从地传达这个世界，“如果否认人……的特权，那就会把发言权交给存在，……它仿佛同时建立主体和客体、人和世界”。这里的“世界”是生存论一存在论概念，不仅指人生存于其中的历史和文化，而且指自然界。杜夫海纳所理解的艺术家，诚如海德格尔所言，和艺术作品相比无足轻重，会像一条通道自行消失；亦如庄子的寓言，艺术家首先要做现象学式的还原，斋戒静养，涤除一切身外之物，才能“以天合天”。因此，艺术家与欣赏者主体间性的基础不在共同的人性，而在于艺术作品是存在的表达，他们共同领会的是存在。对艺术作品的审美经验，不仅是欣赏者与艺术家进行的一场主体间对话，经由艺术作品，欣赏者与艺术家一同作为存在的见证人。
关于真理，西方传统哲学是符合说，而海德格尔的去蔽说则是对传统真理观的批判和超越。符合说基于主客二分的认识模式，去蔽说则基于主客分离之前的状态，即此在的“在世界之中存在”，此在以敞开的心态，领悟万事万物的自身显现。杜夫海纳谈到两种意义的真理，一种是普遍有效的知识、严格逻辑的真理，这是哲学思考的对象，另一种是“形而上的真理”(metaphysical truth)，是审美体验到的真理，也是海德格尔去蔽说意义的真理。杜夫海纳赋予审美经验以特权：审美经验中的真理，比逻辑的真理对人更有意义。审美主体不仅能得到感性的愉快，不仅能达到深度的自我，更达到与世界万物的统一。真理是审美世界的真理，世界是审美体验中的世界，在审美体验中人最为深切地体验着自己是人，属己的人、本真的人、与自然万物息息相通的人、与他人密切共在的人。
再看“情感先验”。关于审美经验中人与自然的统一，是审美经验的虚幻性所致，还是确有学理依据?杜夫海纳有一个重要概念“情感先验”(affective a prioir)，这里的“先验”一词来自康德。不同的是，康德是认识论的先验，即先验是认识的前提条件，杜夫海纳的情感先验是审美的前提条件。康德美的分析之形式论倾向，长久被误解为形式主义，康德从美到崇高、从纯粹美到依存美的转变及“美是道德的象征”的思想，表明康德不是形式主义者那么简单。既然审美是无利害、无功利的，说明事物形式与人的美感之间有联系，就是说，事物的形式先天地符合我们的审美判断，这一思想其实暗含着“情感先验”。关于先验，杜夫海纳首先分析宇宙论的先验(cosmological a prioir)，自然物有表现力，先验地表现某些情感。自然万物自身的表现力，并不是人类主观情感的投射，比如中国古典文学中“感时花溅泪，恨别鸟惊心”和“我看青山多妩媚，料青山见我亦如是”，就是人对物的移情。说自然万物有表现力，比如春天景色的优美、秋天景色的悲，是自身特有的表现力不是人的赋予。当然万物的表现力只是对于人来说才有可能，这也是“美”不能离开“审美”的道理。生存论的先验(existential a prioir)，就审美主体说，人先验地拥有情感，这些情感并不能从理论上清晰地、全部地认识，只是在遭遇审美对象时，潜在的情感被激发出来，事后对审美经验的反思可以认识这些情感，所以对情感的认识是审美经验之后的事情，也就是先验只能通过经验而被认识的道理。最终，他对先验的思考是存在论(ontological)的，即生存论和宇宙论最高的统一是存在论，最终由现象学走向了存在论。“先验是存在的一种特质，存在先于主体和客体，并使它们的密切关系成为可能。”“先验为主体和客体所共有，是因为先验奠定二者的基础，并在本原上属于存在。……事实上，任何哲学都不得不从先验转向存在论。”杜夫海纳强调审美体验相对于现实体验的重要性，是审美体验把现实体验中浑然不觉的部分唤醒，是审美体验让审美主体体验充分的有深度的人性。他也强调审美世界相对于生活世界的重要性，审美世界的一切并非虚幻的，而是最深刻地揭示人与万物、他人根源处的统一。从生活世界向审美世界的分析，其实也是海德格尔的理路：由《此在与时间》的此在“在世界中存在”的在世结构的分析，到后期对审美经验的推崇。“天地人神”在什么意义上是可能的?暂且不论宗教的、哲学的、道德的解释，至少在美学意义上是可能的。
三、自然的审美经验
在《审美经验现象学》中，杜夫海纳限于对艺术作品的分析，基本没有涉及自然美，只在书末“情感先验”部分稍有提及。自然审美经验在论文《自然的审美经验》和《诗学》、《先天的观念》等后期著作中得以集中阐述。
首先，何谓自然?杜夫海纳用大小写区分了自然(nature)和造化(Nature)。自然是相对于人工物(包括艺术作品)的自然物，“如一片风景或一个生命体”，有的自然物具有较强的表现力，容易被审美感知，有的则缺乏表现力，自然事物甚至比艺术作品更能体现情感特质。自然事物本身不会说话，但为了表现自己，它首先通过大海、天空、黑暗和光明这些基本形象向我们说话。自然的表现首
先是“优雅的、和蔼的、宁静的，即所有以某种方式表示和平的东西”。即使狂风暴雨，“它丝毫不是悲剧性的，即使其效果可能是悲剧性的，因为它一点也不与命运或其自身发生冲突，它是崇高的”。也就是说，杜夫海纳把审美范畴中优美、崇高给自然，而把悲剧、喜剧，应该还有丑给人类艺术，原因是人类可能是自身分裂的。自然界众多具有表现力的图像，天空的辽阔、红花的热烈、乌云的阴沉压抑，本身就是有情感表现力的，普通人就可以感知这些情感，而艺术家既能感受又能表达于作品。
其次，自然与人。《审美经验现象学》由于考察的是艺术审美经验，他强调的是自然期待人，需要人，期待自己的意义被人表达。但是在其后的著述中，他直接探讨了自然审美经验，就是说无需艺术这一媒介，自然事物在审美静观中能够呈现。“在审美经验中，如果说人类不是必然地完成他的使命，那么至少也是最充分地表现了他的地位：审美经验揭示了人类与世界的最深刻和最亲密的关系。他需要美，是因为他需要感到自己存在于世界。而存在于世界，并不是成为万物中之一物，而是在万物中感到自己是在自己身上。”关于人与自然，他强调的是人类是自然的产物，自然界瞬息万变的美，被人领悟，是因为人来自于自然，能够理解欣赏这一切，而且人在自然中才真正拥有自己。
第三，自然与艺术。关于自然美与艺术美的高下之分，西方美学史上有截然不同的看法，杜夫海纳则主张二者的统一。所有艺术都有表现力，不是艺术家的自我表现，而是表现自然；只有当艺术符合自然之时，它才是艺术的，所以艺术不与自然相对。自然万物与人一样，作为宇宙的一部分，能够体现造化之道、造化之情感。人的感受不过是在审美观照中，如实感受这表现力而已。从人方面说，艺术家有表达存在的需要，这也是艺术家自我实现的途径。自然之所以有表现力，不仅在于人类生命能够感知、表达的特殊性，更在于人与万物根源处的统一。这种统一是主客分化之前更为初始的状态，所以人类能够认识、欣赏他所从出的东西。如果说康德认识论的先验说明认识如何可能，那么杜夫海纳的情感先验说明审美如何可能――人与万物根源处的理解和同情。审美体验中，人类能够摆脱功利的、科学的眼光，以自由的审美态度观看万物，这时万物呈现本然的真与美。
四、美学对哲学的贡献
杜夫海纳不仅强调审美经验对于美学研究的意义，而且强调审美经验对于哲学甚至伦理学的的意义：“在人类经历的各条道路的起点上，都可能找出审美经验：它开辟通向科学和行动的途径。原因是：它处于根源部位上，处于人类在与万物混杂中感受到自己与世界的亲密关系的这一点上；自然向人类显出真身，人类可以阅读自然献给他的这些伟大图像。在自然所说的这种语言之前，逻各斯的未来已经在这相遇中着手准备了。创造的自然产生人并启发人达到意识。这就是为什么某些哲学偏重选择美学的原因，因为这样它们就可以寻根溯源，它们的分析也可以因为美学而变得方向明确，条理清楚。”刮现象学美学的重要意义或许就在这里，即审美经验不仅是美学研究的起点，也是哲学和伦理学不可忽略的起点。
第一，美学对哲学认识的贡献，超越本质与现象的二元对立。胡塞尔沿袭了古希腊哲学的道路，即哲学要求万事万物背后的根本，又承继了笛卡尔、康德的思想，即从主体出发。方法上，他则提出还原到纯粹意识，从现象直观本质。但是，还原是难以达到的，如梅洛・庞蒂声称，现象学向纯粹意识的还原是不可能的。但是杜夫海纳对审美经验的分析表明，“审美经验在它最纯粹的一瞬间，完成了现象学的还原”，就是说还原在审美经验中是可能的。在审美活动中，审美经验是不可能被还原掉的，审美对象是现象学还原的剩余。对审美对象的分析表明，艺术有最高的价值属性即形而上学属性，自然中人与世界万物共属一体。这种关系在哲学上是无法验证的，在审美经验中却是不容置疑的。对审美经验的分析，开启了哲学思考的诗化道路，现象就是本质，美就是真。
第二，在美学方法论上的贡献，超越形而上与形而下之争。在西方美学史上，自柏拉图到叔本华的美学，一直是形而上学的方法(或日自上而下的方法)，即从哲学的一般原理出发，解释个别的美学问题。一般说来，这种方法有两个特征：一是以认识来研究审美，二是强调美是客观的东西。正是这种方法决定了研究视角，使人们去对美下定义。19世纪中叶，随着心理学研究方法的出现，开始了自下而上的研究模式。从费希纳的实验美学到托马斯・门罗的科学美学和阿恩海姆、贡布里其的艺术心理学，美学家们把研究重心转移到审美心理。但是，这种研究方法的弊端是显而易见的，它把审美的意义局限于主体心理，而看不到审美经验的更高层面，因此缺乏深度。
对于形而上与形而下方法之争，现象学美学可以说是一个补充。盖格曾经把现象学方法称为在形而上与形而下之间，既反对哲学美学，又反对归纳法。阿多诺曾经指出现象学美学方法上的优势，“现象学及其分支似乎命中注定就有助于一种新美学的详细论述，因为它们强烈反对自上而下的概念程序，而且也同样强烈地反对自下而上的方法。这确实是现代美学应有的样子。”
第三，审美经验对伦理学的意义。今道友信有句精辟的话：“现象学方法虽然适用于对美的现象本身做精密的解析，却不足于说明人生中美的根本意义，使人类本来的‘形而上学的要求’获得满足。现象学美学向存在主义方向发展是必然的。”这句话说明了人的形而上学需要、现象学方法的局限，以及基于这一需要，现象学向存在论转向的必然。
关于人的天性，后现代哲学否定人有固定本质或天性，只有对人不同的解释，这种看法在今天的学术界甚至成为定论。后现代哲学既然主张多元，那么对人的看法也是哲学史上众多解释之一。不仅康德，而且尼采和海德格尔都曾探讨人的形而上学需要和人的形而上学天性。杜夫海纳审美经验分析表明，美学是人的形而上需要的一个栖息地，人们没有了宗教，不可以再失去审美。杜夫海纳的重要性在于看到审美经验得以可能的深层依据，即人与万物根源处的统一。这一深层依据在审美之前并未被清晰认识，基于对审美经验的反思，我们才能明白这一统一。审美经验反思，深化了主客两端：就审美对象而言，能够体现“形而上的前景”；就审美主体而言，能够抵达有“深度”的我、真正的我、与世界和谐的我。用杜夫海纳的话说，就是发现自己在自己身上，或在自己家里。我们知道，海德格尔怎样沉重思考现代人无家可归的命运，就可以知道，审美经验的伦理意义。
英加登和盖格也注重审美的伦理意义。英加登将日常生活看做心灵麻木的、缺乏感受的，将日常生活意义上的人生看做灰暗的、无意义的、蝼蚁一般卑微的，对于审美生活却表示了极大的赞美。文学作品以其形而上的气氛震撼提升读者，按照现象学“保留一原初印象一预期”的知觉结构，过去的审美体验会参与当下的经验，并影响以后的人生经验。审美经验对人的影响并未终结，而是像水面的波纹荡漾开去，可能越来越淡，越来越微弱，却发挥着持续的影响。再一次的审美经验将产生又一次的震撼，于是人生被审美经验的光辉照亮。盖格曾说，“与美学相比，没有一种哲学学说，也没有一种科学学说更接近于人类存在的本质了。它们都没有更多地揭示人类存在的内在结构，
没有更多地揭示人类的人格。”对于盖格来说，日常生活中的我是“经验自我”，是一个陷于物欲、名利的我，一个缺乏感受的我，而在审美体验中，经验自我受到震颤，物欲和名利成为身外之物，人感受到了深层自我，即盖格所言“存在的层次”的自我，这个自我是有深度的我，是本真的我，是自由的我，是真正的我。这是审美体验的特殊恩惠，被盖格称之为极少数人的专利，甚至称之为“似乎这种幸福只是少数几个被上帝选中的人所获得的礼物”。
