时间：2022-11-03 00:06:48
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇现代绘画，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
关键词：发展 装饰画创作 新语境
随着科技文明的进步和发展，人类审美意识的不断增强，装饰画越来越多地进入了人们的生活，作为一种文化的存在，一种独具风格的艺术表现形式，将被更广泛地应用。
美学意识随着现代生活的演进，愈来愈深地渗入人们的生活空间。人们对美的追求也体现在衣、食、住、行各方面，特别是当今现代人的生活环境、现代人的生活节奏比任何时候都需要艺术的调节和平衡。装饰画作为一门独立的艺术形式，由于它雅俗共赏，人们在心理容易接受，再加上装饰画可制等工艺特点，使其便于流通，经济实惠，已成为人们生活中不可缺少的部分。不同环境的装饰画创作有不同的特点。
一 居住空间的装饰画
装饰画起着活化空间和渲染气氛的作用，结合环境和照明设计，成为室内装饰的亮点。在居室的玄关、走廊、房间出入口所对的墙面等处，挂上装饰画或摆上艺术品，再配上照明，就能创造出别致的气氛。家里有许多不同的空间，起居室、卧室、餐厅、厨房，都需要画的点缀。
1．客厅的装饰画
客厅在人们的现代生活中无疑是每个家庭的生活中心，并且是家庭聚会、宾客来访的主要场所。因此，客厅内的装饰画应该以装饰为主要目的，而且是客厅的重点装饰物，有时还可以作为客厅的一个视觉焦点或重要组成部分。客厅装饰画能从整体上反映主人的爱好、审美意识、审美情趣，体现主人的文化要求。
2．走廊的装饰画
走廊很适合布置成艺术走廊，可以同时挂几幅作品。画框的款式规格应一致，单幅控制在50cm×60cm 左右，并等距平行悬挂，形成连贯的整体，既美观又利于欣赏，如每幅上方有射灯照明效果会更好。
3．餐厅的装饰画
餐厅是进餐的场所，追求安静、舒适、怡人的餐饮环境，是每个成员的理想目标。因此，在色彩与形象方面，家庭主人就要花费一番心思。而绿色和白色，经常成为餐厅的主调色，易于造成清爽、新鲜、平和、美观、令人心旷神怡的气氛。
4．卧室的装饰画
通过装饰画的色彩、造型、形象以及艺术处理等等，从而立体显现出舒畅、恬静、轻松、亲切的美的意境——与人接触的部分可以有柔软舒适的触感，即便在人不易接触、抚摸的地方，也要让人感到温馨而富有情调。
二 公共环境装饰画
公共环境范围极广，凡是能为大众提供各种服务的场所都是，而且功能也是五花八门，并且每一个公共场所，由于其自身的特点所形成的个性，就汇总成公共环境的总体风貌，如：会议室、候车厅、宾馆、商场等等。
1．会议室的装饰画
会议室不管是国家事业单位还是企业，都是用于参政议政的场所。不同的会议室环境，也不管它的大、中、小，都能体现出一个单位的实力、文化品位、层次等精神理念，体现出集体智慧和集体的力量。
2．候车厅的装饰画
车站，人流量大，每天都有数不尽的旅客。在这种场合下，使用什么风格的装饰画，让人们在旅行过程中得到美感，体会一个社会的现代化文明是有要求的。从画的形式到内容常以本地风土人情和城市风貌为题材，让旅客感受到地区的文化性，同时表现高速发展的科技文明和未来远景，也是候车厅装饰画的极好选材。
3．商场的装饰画
作为公共环境的商场，怎样使用好装饰画，也是商战中的一种特殊武器。一般是根据商场的总体布局以及局部要求来布置，如强烈的、柔和的色彩都是在不知不觉中吸引顾客在舒适的购物环境中产生购买的欲望。
4．纪念馆的装饰画
纪念场馆一般指博物馆，主题广场、公园、陈列室等场所，因为有其特定的主题，所以装饰画的使用便必须具备解说或者昭示的目的。其构成方式和作品风格往往是泼辣大胆，具有强烈的视觉效果，以达到游人认知、感动的目的。
一、光线
一直以来，光线就是画家常用的表现技巧，肩负着展现画家创作意图与主观精神的使命。尤其在西方现代绘画中画家对光线的运用更是开创了新的视觉表现，其与空间、色彩、体积、时间等共同组成了西方现代绘画中不可或缺的审美因素，为画作增添了别样的味道。在西方现代绘画作品中，画家主要通过对光的研究探索出光在艺术创造中的效果运用。如运用各种不同的几何体的周期性结构、纬线叠积或色彩排列，以及不同的艺术手段，使其产生波纹形效果和色彩的扩散，同时配以强度分离、对比、连续或交叉，增大或减少色彩和色调的互相干扰，使画面的诸多构成要素（色彩、形状、明暗、肌理等）产生一种独特的视觉效果，给观者一种闪烁或是运动的假象，引导观者深入探究作品，而这正是现代绘画的魅力所在。
二、线条
线条作为一种重要的绘画因素，产生的较为偶然。它可以是火山喷发四溅的线条，可以是地壳板块倾轧造成的褶皱，也可以是有大地的肌肤，给画作的美提供了更多可能。在西方现代绘画艺术中，线条不再是形式化的线条，而是成为了画家手殊的表现手段，更多的是指向内在，旨在借由线条的张力、方向和视觉作用唤起的主观精神，给观者以视觉感官刺激，将观者指向一种“不可见”的遐想，最大限度地丰富绘画语言的可能性。比如，保罗•塞尚的《静物》，为了进一步强化平面张力，画家有意识地将桌布下的桌边线在不知不觉中错开，或者把一角拉大，而画作中酒杯的边线也未封闭，和桌面连在一起，加上同面积、体积的对比，既强化它们又强化自己，在无形之中增强了画面的力度。这种多样化的线条表达方式，开拓了现代绘画的实践，丰富了绘画的无限的可能性，为广大绘画爱好者的实践提供了参考。
三、意象
在西方，意象是感官意识的记忆，是外部世界通过感官而被感知和意识的结果，主要包括心理学上的表象、心象、映象或语言学上的喻象、象征、想象及其产物，意象被引入现代绘画艺术后，有效帮助画家将意识中的物象充足地显现了出来，而且还深入到潜意识层面，在某种程度上支持了主观自由的表现形式，激发了画家的创作思维，为他们开拓了更加广阔的艺术道路。以奥地利画家科柯施卡的作品《玩耍的儿童》为例，这是一幅描绘儿童玩耍的作品，从表面来看，这幅作品中的孩童并没有古典主义画作中那么美丽、可爱，细节之处也有所不及，但却惊人的逼真。因为画家在创作这幅作品时，一直在用怜悯、同情的眼光观察儿童，并用画笔很敏锐地抓住他们的向往及梦想，意象化地对孩童笨拙的行为和身体发育的不平衡表现了出来，这种看似不正确的绘画手法，却高度概括，反而使他的作品更加真实和令人信服，在传递更多审美信息的同时，也成功地输出了更多的情感信息。
四、形式语言
回顾历史，西方画家的传统绘画审美观念主要以科学作为参照手段，追求对自然物的“摹仿”“再现”，但却忽略了绘画本身存在的价值。直到19世纪，现代画家们呼吁寻找到一种“真实的世界”，才逐步转变为对绘画本身形成方式的追求，不再是一味地模仿自然，同时将绘画本身作为最终目的，把摹仿世界的意识转变为创造世界的意识。可以说，在现代绘画艺术中，画家更注重形式语言构成方式的探索与追求，一方面体现着画家对外界的体验，另一方面又是画家内心的自我观照。比如，同样是画苹果，古典主义画家追求的是照相般的真实，而现代主义画家多强调绘画的纯粹性，更加注重画作的形式结构，在他们看来，苹果的真实感并不重要，那些无关紧要的枝节问题应尽量简化、概括，秩序化的图像和明晰性、坚实感更加重要，因为他们认为对这种形式语言的驾驭能力，远比对物象本身的认知重要。
五、东方元素
从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。
远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。
现代艺术设计它不同于架上油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，集中概括的设计已逐渐成为主流。为了达到这个目的，现代艺术设计往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节、细部，甚至背景，并可以把各个不同的比例，把在不同时间、空间发生的活动组合在一起。并运用象征手法，启发人们的联想。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国绘画讲究构思上的“以一当十”、“以少用多”，构图上“计白当黑”等审美追求能为平面设计师提供大量的营养。这已经在我国艺术设计中得到充分体现。如香港著名平面设计大师靳埭强，创作了大量文化招贴。他认为，美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神：创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。这实际上强调的也是老庄的哲学思想，也是中国山水画的表现意境。他的许多作品都无一例外地体现了中国传统文化的精髓，并融合西方现代设计的理念，其招贴设计《自在》系列运用了中国的水墨画技法，又融合了现代技术的特殊肌理效果。“水—生命—文化”招贴图形作品，更构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。2008年的深奥标志也可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间的写意手法，恰到好处的传递出“中国结”和“运动员”两个意象。
中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，我国篆刻艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上相对的原理，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、多样统
一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。此外，远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻等，特别是中国画，巧妙的运了用白底的匠心。民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白关系、明代木刻插图的疏密聚散、都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。西方传统艺术，基于几何学空间观念，从模拟生活现象入手，借以展示作者的创作思想。中国艺术家则以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼，概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华，是沉淀了内容要求的形式之美。正因为如此，它才具有无穷的生命力。艺术家随着时代的要求，赋予它新的活力，常用而常新，这种程式化的处理在我国招贴画的装饰性形象处理上，也常得到应用，显示了夺目的光彩。齐白石曾提出“作画妙在似与不似之间”的著名论断，我们的一些招贴画，就“似与不似”的观点来考察，很多形象显然不是生活的简单模仿，而是由复杂到单纯，由繁杂到简洁的可贵提升。靳埭强招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形设计，也充分显示了这种文化精神，萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。陈幼坚包装设计作品“奇礼”，靳埭强包装设计作品“双妹花露水”。设计者对中国的文化传统有深刻的理解，对中国传统观念在设计中的应用挥洒自如。由于艺术设计的特征，决定了装饰色彩在设计画面上所起到的作用。装饰色彩具有一定的主观性，宋代苏轼曾画朱竹，有人责难他，难道有红色的竹子吗？他反问：难道有黑色的竹子么？意思是既然大家对“墨竹”习以为常，为什么不允许画朱竹呢？这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。但这种主观想象不等于主观臆造，装饰色彩同样来源于生活实践，同样需要从客观事物中吸取营养。这正是包装画面所刻意追求的。“意足不求颜色似”说明了这种关系。人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到启发而创造出色彩绚丽的装饰效果。装饰色彩的主观性使某些联想，将自然景色“拟人化”。传统中国画中也经常把荷花画得红艳艳得，荷叶只用淋漓得水墨，面对这些形象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。在艺术设计作品上，常常也有这样的例证，一张蓝色的画面，上面画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。
摘要：现代中国瓷上绘画装饰仍然以传承传统为主导，没有真正融入现代陶艺的理念。不再是主流艺术的中国瓷上绘画装饰将向何方向发展?几千年的传统文化孕育了中国陶瓷艺术，现代瓷上绘画装饰必须传承传统；但要获得新的生机，瓷上绘画装饰必须融入时代的发展，体现现代文化；世界文化的大融合是这个时代的特征，吸纳外来文化会让中国现代瓷上绘画装饰更具活力。
中图分类号：J527 文献标志码：A
陶艺是近年来一个比较热门的话题，这也让我们这些从事陶瓷装饰设计艺术的人不能不对陶瓷装饰艺术的发展进行讨论和研究。中国瓷器在历史上曾经创造过辉煌灿烂的陶瓷装饰文化和美妙无比的陶瓷绘画艺术。瓷器有中国第五大发明之称，陶瓷装饰艺术在中国艺术史上地位也是极其重要，特别是瓷上绘画装饰艺术。瓷上绘画装饰是从陶器上装饰绘画转变而来，发展到明清时代成为了艺术的主流。陶瓷装饰伴随着陶瓷的生产而产生，中国的瓷上绘画是瓷器装饰最为主要的方法，曾经的青花、五彩、斗彩、粉彩、珐琅彩等，让我们看到中国甚至世界最精美的艺术品。然而近代以来，因为历史的原因，现代中国陶瓷艺术一度走向边缘化。今天，伴随着时展，现代中国瓷上绘画装饰也进入了现代“语境”，当代陶瓷艺术家和陶瓷艺人承前启后、努力探索，取得了一些成就，绘制出一大批新作。由张海国主编的《当代景德镇陶艺精英》向我们展示了大量优秀的现代中国瓷上绘画作品。这些作品的成功向我们预示了现代中国瓷上绘画装饰的发展方向。
一传承中国传统文化
现代瓷上绘画装饰艺术与中国传统文化息息相关，从产生到发展的各个阶段都体现着深厚的传统文化渊源。传统的瓷器上主要是画山水、花鸟、人物(渔、樵、耕、读、仕女及民间故居为多)，绝大部分是采用中国画的手法绘在瓷器上。经历了历史长河的不断冲洗，传统瓷上绘画装饰不但丝毫没有褪色，反以其神秘的东方神韵，在今天的陶瓷艺术品中展现出了更大的魅力。很多传统瓷上绘画装饰的优秀题材与形式在现代瓷上绘画装饰中继续被沿用，当然，这种沿用并不是一味的原形复制，现代的社会意识、文化氛围使之实现了一种超越，直到再发现。
现代瓷上绘画汲取传统陶瓷绘画艺术的精华，并与之有机结合，在传承了中国传统文化之中创作现代作品。现代陶艺大师袁世文承袭宋代范宽、郭熙、元明时期的赵雍、唐寅，结合现代技法，再现雪山之诗情画意。景德镇陶瓷学院秦锡麟教授抓住传统青花洗练拙朴的形象、酣畅淋漓的笔意、结合传统工艺和现念，在是与不是间创造出现代青花艺术。景德镇艺术瓷厂美研所曹木林所长取材历史神话、文人士大夫生活、以奇特的构图，传承景德镇传统粉彩人物瓷画，渗入现代审美意识，使传统粉彩人物画在当代再放异彩。清华大学美术学院白明老师近年创作的用现代构成设计传统青花，以平和、轻松的心态画青花，作品高贵、典雅、自然、清新，成为继承传统发展现代的优秀典范。
中国陶瓷艺术是在中国传统文化中孕育成长的艺术，传承优秀的传统文化正是中国陶瓷艺术的发展的基础。现代中国瓷上绘画装饰扎根于中国传统文化，并随中华文明的发展而不断进步，历经千百年锤炼，形成中国独特的风格。中国传统文化是现代瓷上绘画装饰源泉，瓷上绘画装饰若要很好的发展，传承中国传统文化是必由之路。
二 弘扬中国现代文化
瓷上绘画装饰的发展，在各个时代都有鲜明的时代感。与传统瓷上绘画装饰相比，现代瓷上绘画装饰在总体上体现着我们这个时代的开放型思维和交叉多向的思维方式，有着强烈的个性追求。现代陶艺从中国传统内涵美跳出来，注意现代艺术时空美，作品粗犷，富有想象力。
观念更新、内容丰富、工艺发展、材质多样、手法灵活是现代陶瓷艺术创作的大致趋势。这些特征在现代瓷上绘画装饰或多或少都有所体现。赖德全的陶瓷作品承变相生，艺侔造化，使现代陶瓷艺术观念蕴含了个性解放、梦幻意识、综合情感、形式语言及创作理念，他首创的“釉上珍珠彩”，借助各种油料的特性和流动规律，充分挖掘出材质之审美潜能，达到了“借料生情”的艺术效果。他的泼彩瓷版画，每一线条都流畅游动，每一处都开合有度，错落聚散的皴点，和谐的色彩对比，其纯度、厚度、透明度犹如春天的阳光清澈明净。其中远景填色多采用喷绘的手法，有浑然天成的感觉。景德镇陶瓷馆副馆长宁勤征，作品以艺术特点鲜明、内涵丰富、材质新颖、形式多样、独具一格饮誉瓷坛。景德镇陶瓷学院副教授程云，继承传统精华，表现现代审美意识，特别强调陶瓷的工艺材质美，作品色调优美、构图别致、在绘画技艺表达的同时表现出高超的色釉运用技巧。
崭新的理念、多姿多彩的瓷画艺术形式、特异的材料运用、日新月异的工艺技术手段等共同构成了现代陶瓷艺术的风采。当然，中国现代瓷上绘画还急需要更多的创新、发展，使其重新回归到主流艺术文化当中。
三 吸纳外来文化
现代陶艺是随着西方现代艺术大潮的兴起而产生，自然中国的现代瓷上绘画装饰同样受到外来文化影响。中国现代瓷上绘画装饰，出现很多新品种、新工艺，新形式、新风格，很大程度都是吸收外来文化的结果。瓷上绘画装饰在吸收外来文化后，无论是在风格，还是在题材、形式、表现技法上，本土原有的艺术创造力与表现力都得到了增强和发展。在现代西方艺术思想影响下，一些陶艺家越来越关注瓷上绘画装饰的纯视觉性，逐渐抛弃了艺术的文学性和故事性。早年学习油画的李良先生，其瓷画兼容油画、水彩画、丙烯效果于一体，不但技法独特、轻松，而且有着极强的视觉冲击力。陶瓷美术家张景涛对中国画和西方油画均作探究，写意写实与浪漫相结合，其作品意趣天成，品味高雅。日本的陶瓷则倾向于偶然性和嬉戏性，韩国的陶瓷倾向于不规则美和天然美。日韩的审美情趣在秦锡霖教授的作品中都有所体现。应该说现代中国瓷上绘画装饰艺术在陶艺中受到的外来影响还是比较小的，传统题材与技法在中国现代瓷画装饰中是最主要的部分，我们应该继承先辈给我们留下的宝贵的传统文化，但我们也应该与时代接轨，让瓷画中国化的同时世界化。
四 结语
现代陶艺是作者借助陶瓷材料，或以陶瓷材料为主要创作媒体，脱离传统实用性质，着重表现现代人的理想、个性、情感、心理、意识的艺术形式。它的审美价值体现，挖掘的主要不是客观世界，而是现代人的主观世界。同时更注重新的表现方法和新的表现形式，将暗示、荫喻、象征、联想、意象等艺术手法视觉化，表现人的意识的流动和对这个世界和社会的多种认知。
现代中国瓷上绘画装饰艺术，作为现代陶艺的一部分，要以传承传统为主导的同时真正融合现代陶艺理念。传承意味着继承、融合、演变，而在此基础之上还需要广采博纳(广采博纳是事物发展壮大根本途径)。陶瓷艺术本身就具有开放性，中国现代瓷上绘画必须秉承优秀传统形式与内容，接纳新的技术与意识观念，从而推陈出新。现代陶艺在中国方兴未艾，尤其瓷上绘画装饰更需要现代陶瓷工作者认真继承陶瓷绘画的传统并大胆创新，不断注入新的思维和新的表现技法，广泛吸收外来文化的精华。在无数陶瓷人的努力下，中国现代瓷上绘画装饰正朝着多元化、多层面的方向良性发展，中国瓷器装饰也必将迎来一个崭新的时代。
参考文献：
[1]吴兰芳，初探陶瓷艺术传统的继承和发展[J]，景德镇陶瓷，2004：35-36
[2]万长林，从文化的视点看中国陶瓷艺术[J]，中国陶瓷，2004(2)：65～58
[3]陈雨前，陶瓷艺术文化审美[M]，北京：人民日报出版社。1998
1现代绘画概述
第一个当属1905年出现的以马蒂斯、弗拉曼克为代表人物的野兽画派，他们强调构图的平面化与单纯化以及画面的简洁与纯净，注重画面的装饰性；第二个是1908年出现的以毕加索、布拉克为代表人物的立体画派，他们主张通过打破传统的空间观念与视觉传统，通过几何体的排列组合产生一种形式美感；第三个是以康定斯基为代表人物的表现主义画派，他们极力推崇宣泄艺术家的个人情感与欲望表达，不注重细节体现；第四个是诞生于一战期间的达达主义画派，他们主张打破一切传统，通过幻灭感的营造寻求非理性的真实；另一重要影响的画派当属源于英国盛于20世纪50年代美国的波普艺术，以约翰斯、沃霍尔为主要代表，他们主张抽象的艺术，通过具体的符号、图标、商标的运用实现艺术的“大众化”转向。上面只是简述了几个具有代表性的现代绘画派别，虽然这些画派的主张有着明显差异，但都毫无例外地以某种方式标新立异，处处体现着“个性”，而这种“现代特性”对于当下的艺术设计发展有着很好的启发，特别是在激发艺术设计师的灵感创意方面大有裨益。
2现代绘画视野下的艺术设计发展
现代绘画对艺术设计发展的影响是多方面的，除了在创意灵感上激发之外，各种现代绘画流派风格为艺术设计发展提供了多种手法上的支持。说到现代绘画对艺术设计的影响，我们会不约而同地想到德国的包豪斯设计学院，这里绝对是现代绘画思想与艺术设计发展融合发展的集散地，也是现代绘画引领设计的前沿阵地。包豪斯倡导的“艺术与技术科学相结合”理念不仅完美诠释了现代绘画与艺术设计的相通性，而且为二者的融合发展指明了方向。下面以海报设计与服装设计为例简单探讨现代绘画对艺术设计的影响。
（1）海报设计
海报（poster）也叫招贴画，是现代社会中一种极具商业色彩的美术形式，它不仅给人传递特定的广告信息，而且给人一种独特的艺术美感。海报是一种与绘画艺术渊源最深的一种平面艺术设计形式，因此现代绘画中的各种新潮观念总是最迅捷的体现在海报设计中。具体来说，现代绘画的艺术特性主要通过以下几种方式体现在海报设计中：第一，通过对传统视觉元素的高度浓缩加工，以简洁形式呈现出新的造型，给人以强烈视觉冲击力；第二，通过超现实主义等手法以极度夸张的形式营造出奇特的心理冲击效果，给人以广阔的联想空间；第三，通过对构成形式规则的运用，让现实物体以处理化的“形式美”体现着视觉主题，而对于矛盾空间，则要充分张扬其合理部分，实现整体的和谐统一。来自日本的福田繁雄是世界三大平面设计师之一，他之所以能够为世界赞誉有加，就在于他在立足日本文化传统的基础上积极吸收借鉴了西方现代绘画艺术思想，把创作主题以极富创意的形式表达出来。细品福田繁雄的海报设计，会发现它们不只是一个个信息载体，而更是一件件艺术品，无怪乎他被世人称为“平面设计教父”。他的《贝多芬第九交响曲》海报系列作品堪称其丰碑之作，充分融合了现代绘画艺术思想。在这一系列作品中，福田以贝多芬头像为基本形态，在其发部通过元素置换，极具想象力地把音符、鸟类、小马等似乎不相关的事物吸纳进来，不仅使作品趣味性大增，而且丰富了作品的主题内涵，充分体现了其艺术功力。
（2）服装设计
进入现代社会以来，服装设计一直就是时尚界的一个主要象征，而服装设计能够引领时尚界的主要原因就在于其不断吸收现代绘画艺术的精髓，特别是现代绘画中的创作精神、技法、原则等。当下流行的非主流前卫服装最能体现现代绘画思想，比如英国时尚大师亚历山大•麦昆（AlexanderMcQueen）的作品就充分展现了与现代绘画艺术的融合。在2010年的巴黎春夏高级女装会上，他以五彩斑斓的海底世界为创作灵感，把色彩的奇异性充分彰显于服装中，给人一种穿越世界的神秘感觉。从他的这些作品我们可以感知现当代的艺术已经不再局限对客观事物的具体表现，更多体现的是艺术家内心世界的复杂与多样、矛盾与情感。尤其服装设计师们借助色彩把超现实的幻想和非同寻常的表现视角带到作品中，使艺术创想的冲突与矛盾凸显，再加上独特肌理和创新材料等元素的渗透，使色块之间组合后产生各种令人叹为观止的神秘艺术境界，营造出疯狂怪诞的超现实前卫艺术风潮。现当代服装设计中这样的色彩情感语言和惊人的创新理念就相当于现代画家作画一样，体现出设计师强烈的个性表现特征。总的来说，服装设计师们通过极度抽象的色彩语言，新型的面料肌理表情，极具创新的特殊质感材料，把个人的“前卫”思想融入到作品中，这正是现代绘画艺术思想的集中体现。
3结语
艺术设计与绘画艺术是本质相通的，二者的发展互为借鉴。在人类审美趋向多元化的当下，艺术设计想要有所创新，除了运用新颖的材料之外，一定要积极借鉴现代绘画艺术，因为现代绘画不仅在思想上激发设计师的创意思维，而且在创作手法上对艺术设计有着直接的启迪作用。
作者：郭曼单位：湖南商学院设计艺术学院
关键词：现代绘画；艺术形式；服装设计
19世纪末是整个西方历史上最大胆、最富冒险精神的时代。现代绘画在这个时期初露端倪．绘画史上出现了一个空前的裂变繁衍的阶段，这种裂变对艺术史所造成的分割，大于文艺复兴以来上所有风格的变迁；各种艺术思潮在这个时期萌芽、蔓延，未来主义、立体主义、表现主义以及与艺术传统彻底决裂的达达主义和超现实主义等艺术流派交相辉映，绘画到达了一个空前的激荡人心的高度。同时，现代服装开始从服装的普通含义中脱蛹，在法国巴黎——当时世界艺术家的活动中心．开始出现了高级时装店，标志着服装进人了一个新的纪元，这无疑是与当时的现代艺术活动有着紧密的联系的。20世纪初，在英美出现的POP艺术等更为新潮的艺术现象，在这些艺术思想和表象里已经宣告20世纪现代美术不同方向的特征成熟起来．与此同时，现代时装的概念也被C·F·沃斯的设计轰动初步定义。
绘画与时装虽不是一回事，但两者之间的联系已经历了很长的时间，而现在则愈发地深人和复杂，现代绘画的一颦一笑都影响着服装设计师的灵感动机。艺术家们将自己全新的艺术观念通过全新的艺术语言表达出来，推向社会，这些来源于现代绘画的艺术观念溶人欧美国家的各个社会阶层，并在社会道德方面、生活方式乃至言行举止都有着深刻的烙痕．服装在此方面更是有着明显的追随、呼应。
服装是人们生活状态中不可缺少的一种基本状态，作为人们生存的一个基本前提之一．它具有实用性、科学性和艺术性，因而服装本身是一门造型艺术．是区别于绘画、雕塑等造型艺术类别的一门新的艺术。同时，它与这些艺术类别又有着千丝万缕的联系．它包括其他艺术的各种特征甚至美学原理．如比例、节奏、平衡、对比等．因而服装设计本身就是一种艺术创作活动。
每年在巴黎时装节会上的新艺术服装样式．就是从立体派、黑人雕刻、古埃及美术等艺术形式中汲取营养．其特征是多采用直线的、几何纹样的形式，新艺术样式本是来源于巴黎的装饰美术博览会．脱离新美术的趣味和装饰过多的倾向而产生的。它把艺术和产业融合在一起，深受大众的青睐，它给服装带来的影响．使女性们脱掉紧身胸衣，开始穿着机能实用的筒状服装；追求由于身体活动而展开现服装魅力；强调衣服的动感．这无疑是现代画艺术对服装所带来的一种积极的影响。但是．绘画毕竟是以画面表现为目的，而服装则是通过服装表现人．过份注意绘画的表现方式．往往会赞成喧宾夺主，追求形式的新奇也应有节制、分寸，如超出限度，就有可能流于怪诞，如崩克(Punk)服装．着装的颜色令人毛骨悚然，有给人以不快之感的攻击性。
抽象广义绘画一度是现代绘画的主流，它的色彩及构图、造型都给服装以巨大的影响．毕加索、马蒂斯、布拉克、蒙德里安等现代绘画大师还曾亲自参予过戏剧服装设计。他们的绘画作品也给时装设计师们以启迪，曾是他们设计时装的灵感源泉．如法国Y·S罗朗设计的蒙德里安式套装。另外，POP艺术也给罗朗以创作的灵感而发表了著名的一系列POP艺术之唇、之躯等裙装。
现代绘画的创作精神、技法、原则更是对服装有着巨大的影响与指导。这些技法在时装设计中屡用不鲜。最典型的莫如超现实主义对服装的影响了超现实主义(Surrealisn)的哲学定义是纯精神的、不受正规意识支配的行动。另一种解释是指摆脱理性的控制和审美及道德上的偏见，结合象征主义、浪漫主义思想。用夸张和反常的语言形式来追求神奇的艺术效果它在服装领域里的影响相当广泛，如曾经出现了西欧的E·夏帕瑞丽(Schiaparelli)及其影响下的K·拉加菲尔德，Y·S·罗朗等设计大师，他们都曾熟练地运用超现实主义的精神和技法设计作品倒置设计——将人们固有的视觉习惯或使用、欣赏习惯打翻，倒置而进行设计是超现实主义绘画的观念在服装设计中的典型表现形式之一。例如E·夏帕瑞丽受画家东根·达利等人的启迪，于l973年设计的一套上衣，前后反转的款式及倒置于头顶的高跟鞋帽子等。设计效果十分出人意料，从哲学意义上来讲，正是这种非理性精神的选择。使服装设计中渗入了一种前所未有的东西，使之面目一新。
E·夏帕瑞丽有很高的艺术修养，他与超现实主义画家的交往。使他对超现实主义绘画有着深刻的理解。因而能设计出一系列优秀的时装作品。对服装设计师来说，研究绘画是为能设计出独特而美观的款式。意大利的R．吉利注意文艺复兴的艺术。更注重R·劳森柏等现代绘画大师的作品。留恋于泰菲(Tate)现代绘画画廊．搜集艺术灵感。绘画艺术的素养是时装设计的根本素质。许多时装设计师本人就曾从事绘画艺术或别的造型艺术的。如P·拉邦奴、D·基旺什等．他们设计的时装较现代绘画更容易被人们接受和理解，同样对人们的审美情趣起引导作用在此时，人们对服装的精神性表现出更大的兴趣．更注重服装的审美的艺术性和象征性了。
关键词：传统绘画；现代艺术；审美
总的来说，传统绘画艺术的发展道路上如果不注入新鲜的创新元素，恐怕难以适应未来的发展。但是，传统绘画艺术如果仅仅是追求现代艺术的脚步，而失去了自己本来的特质和优势，也最终会失去自我，成为现代艺术设计的附庸。因此如何处理好自身发展和时代结合的问题成为传统绘画艺术必须解决的一个重要问题。更为重要的是，现代艺术的发展必然要不断的吸收外界优秀因子，这一过程中势必会对其他艺术形式进行改良、优化以便适应自己的发展，给受众提供更为丰富的艺术内涵。因此，在这种情况下处理好二者之间的关系还是要不断的集合和充分体现这种艺术形式的。在这样的基础上我们应当充分考虑，传统绘画艺术的与现代艺术设计的共通之处，在确保二者都能丰富发展的基础上，给广大受众呈现更加多彩的视觉盛宴。
一、传统绘画与现代艺术设计的文化背景
现代设计的大背景激荡着文化碰撞。所以，如果既想要发展我们的传统绘画艺术，必须跟时代气息，在继承的基础上不断完善自己。我国传统绘画艺术源远流长，在审美内涵上有着丰富的积淀和创作经验。与此同时，现代艺术设计的产生和发展都较之甚晚，在艺术理论上还不成熟，这些缺憾都需要在想前人不断的学习中加以弥补。因此这种创作的过程就是不断的借鉴和改良，以至于自我创新的一个过程中。其中传统的绘画艺术宝库中珍贵资源就是确保其存在发展的一个非常重要的原理理论。在这样的基础上我们应当以更加有效的艺术实践不断接触大众的审美需求，在触及艺术基本规律的前提被背景下，将现代艺术设计在设计对象身上淋漓极致的发挥出来。最为重要的是这些文化背景为现代艺术设计提供了充分的资源。现代艺术设计是机遇工业时代的大规模生产产生的，最早的英国工业革命开启了人类大规模生产的闸门。工业品最初对实用功能的诉求始终是第一位，但是随着人们生产能力的不断发展和壮大，生产过剩的现象已经成为现在影响工业时代继续前进的瓶颈，如何在同质化的工业品中脱颖而出，这就需要我们在满足消费者对产品的实用功能需求基础上赋予其独特的艺术内涵，以此来满足他们的精神层面需求，因此艺术设计史无前例在人们的生产和生活中出现，这些都成为影响和提升工业生产水平和内涵的重要方向。但是现代艺术设计本身也有自己的发展规律，其本质特征仍然是一种艺术形式，如果完全附庸工业，那么也必将走向没落。艺术设计保持自身特性的一个重要基础就是不断的吸收各种优秀文化内涵和形式，为自己的张扬艺术个性提供完整的服务措施。因此这对我们来说已经是非常重要的需要进一步挖掘的重点。
二、传统绘画与艺术设计的思想共鸣
中国传统绘画艺术兼具实用和审美的结合，这一点正是现代艺术设计所亟需的。而且实用和审美的兼备一直以来在传统绘画艺术中存在并不断丰富，只是这种进步的步伐较为缓慢。这种二者兼备的思想曾经给中国的传统绘画带来了非常深远的影响。同时它也给传统绘画在现时代与现代艺术的结合留下了伏笔。其次，传统绘画艺术中的人文设计思想是的现代艺术设计受益匪浅。现代艺术设计主要是服务于人的设计，他对人文精神的诉求是非常强烈的。在吸收外来元素的过程中现代艺术设计首先需要考虑的是他的人文性。而传统绘画艺术中深深的人文精神给二者的联姻搭建了桥梁。传统绘画艺术中天人合一的观点将季节气候、材料等自然美感等完美的融合在作品当中，形成与人类精神世界的独特沟通，而我们在现代艺术设计当中也要充分考虑设计对象的功能、材质等元素。另外，中国的传统绘画艺术对于内在节律的追求是孜孜不倦的，布局法则被发挥到了极致，在变化的过程中寻求均匀，这种绘画思想其实以现代艺术设计中的对称原理是非常相像的。将对称原理进行人性化、人文化的处理就是传统绘画当中的“布局”。关于布局在传统绘画中有大量的艺术理论和创作实践可以借鉴，从这个层面看传统绘画艺术真的是现代艺术设计的一个资源宝库了。
三、现代艺术设计与传统绘画的实践结合
现代艺术设计讲求一目了然，能够最简单的、最直观的为大众接受、看懂。这与与油画和版画有着根本的不同，简洁明了的风格使得艺术设计充分体现了服务于人的角色定位。同时这也是一种非常有必要的关键和关联层次，而且这也使得我们能够最大程度的将设计对象的魅力烘托到机制。现代艺术设计的产生背景决定了他的发展方向，他要不断的拉近艺术思想与普通受众之间的距离，将审美平民化，满足大众的审美需求。因为艺术设计是和工业生产相结合的，工业生产的终极目标就是服务最广大的人群，艺术设计就是要附着在工业生产这个事物上将自己的优势和独特的审美理念为大众的审美需求服务。同时这种审美的过程也是在不断的发展过程中逐渐完善起来的。现代艺术设计讲求的是能够清楚的将内涵表达出来，是的人们在理解和欣赏艺术的过程中不至于有那么多得揣摩和猜测。因为大众的审美水平毕竟和精英是有很大的差别的。所以艺术设计的总体发展思维就是将那些高于现实，又不是高出很多的审美思想和事务呈现出来，它是一个转化者、搬运者的角色。那么它如何转化，又是搬运那些东西就成为艺术设计需要思考的问题了。其实中国的传统绘画艺术就是它的重要资源之一。
参考文献：
[1]傅强.传承民间绘画艺术开拓艺术设计道路[J].长沙铁道学院学报(社会科学版).2014(03).
[2]张敏.浅论传统绘画艺术与现代设计理念的关系[J].科技创新导报.2008(07).
关键词:现代绘画 色彩 平面化 装饰性
中图分类号:J206.3文献标识码:A文章编号:1005-5312(2009)20
纵观西方艺术史,色彩一直在绘画表现中占有一席之地,虽很重要却一直从属于造型,从早期的宗教题材到荷兰静物画与人物画题材,色彩也从透明的表现到浓重而鲜艳的对比。真正在色彩上颠覆和变革直至印象派的出现,让色彩成为富有表现力和影响力的艺术语言。现代绘画也正是在这一时期发展起来,概括的说是对印象派、野兽派、立体派、未来派、达达派、表现派、超现实主义、抽象主义、波普艺术的统称,现代绘画中色彩越来越多的表现作者的情感,并出现平面化和装饰性的特色。
印象派的出现,大胆地摈弃了传统绘画单纯的色彩,用丰富而鲜艳的颜色描绘世上的一切。让我们的看到一个新的视野,再美感上给予新的感受。如凡高的绘画作品中,色彩就象是他内心喷涌不止的火山,不断给他永不衰竭的创造热情。印象派画家喜欢用互补的颜色造成“空混”的效果。比如莫奈的《日出•印象》,虽然画面中雾景交融的景色先吸引我们的眼球,但隔远看的时候,中间就会出现一个过渡色,此现象我们称之为“色彩的心理需要”。到了近现代,野兽派、立体主义、波谱艺术、达达主义、超现实主义、后现代主义等流派相继诞生,色彩的领域和运用范围被进一步地拓展开来,呈百花齐放的繁荣景象。艺术家利用颜色的构成关系最大限度的表达自己的精神情感,从而创造不同色彩的语言符号。
从现代主义之父之称的塞尚的作品来看,绘画不是以再现自然为目的,并发展了印象派的色彩理论,努力探索色彩的表现力。他并不被传统的透视等原理束缚,放弃了印象派只用色彩来表现大气、光的氛围,全心全意用色彩来塑造形体,表现空间结构,非常注重色彩透过自然的真实表现,根据理性的分析而将他认为的真实提炼出来,因此他的色彩往往简明扼要同时具有平面化的倾向。
用色彩来表达感望最强烈的当属凡高了。在他的名作《向日葵》中我们看到大面积的金红、金黄、柠檬黄色的流动笔触和轮廓线条的强调使得作品有种装饰美感,堆积的很厚的颜色,甚至是在颜料没有调和的纯色直接用在画面上,这些艳丽的色彩给人以极大的视觉冲击力与无尽的想象空间。
而高更的作品中色彩给人是装饰性的美感,早期追求形式简单和色彩的装饰效果,他的作品具有浓厚的主观色彩。正如他说:“色彩作为色彩自身在我们的感觉里所激起的是谜一样的东西。……色彩,正是像音乐同时颤动,是能够达到自然里所具有最普遍的东西,因而也是最平凡的东西,这就是内在的力。”他在塔希提岛上找到了能够充分表现波利尼西地方的色彩,这里的黄色,红色,藏青色和绿色搭配是那么的明亮和清晰。他把虚构和象征的造型放进画里,再用色彩加以渲染,加强了绘画的神秘感和奇异性因素。
马蒂斯的绘画风格通过其非凡的想象力和创造力,形成了完整的体系。他的色彩是根据主观感觉,而不是模仿实际。据说,他的夫人曾着黑色的衣服,摆好姿势,但他据此画出了数张色彩极为鲜艳的肖像画。色彩的表现是他一生的目标,使他的作品具有一种放射力。如他创作的《舞蹈》由三种色彩来构成,用最饱和的色彩构造蓝色的天空,用绿色构造大地,用明亮的朱红色构造人体。色彩将完全归顺于完全本能的法规之下,一般的和谐规律将被拒绝。正是这样的色彩表现让画面具有装饰性的审美趣味。野兽派以纯色支配画面的一切,否定了对象的固有色,使色彩脱离对象而独立起来,充分发挥表现的价值感,为以后的抽象主义绘画开辟了道路。
相对于马蒂斯而言,毕加索不是一名“色彩画家”,但他是一个使用色彩的人,他并不打算建立色彩的概念,而是能够让色彩按照自己的意图发挥作用。喜欢运用直接的、全面的、一目了然的方式使用色彩。如他蓝色时期的作品,观看过后几乎都让人有忧伤的感受,色彩起到情感添加剂的作用。
康定斯基的作品中,他以各种基本的色彩,通过形式来规定,以反映和表现人们的内在情感。他还赋予各种基本的色彩以不同的象征意义,每种颜色的使用都表达着不同的情感。又如蒙德里安作品中,他完全不使用具象元素,将图形规划为水平与垂直关系的直角形,把抽象主义理论发展到极端。这些各种不同的正方形和长方形,以使用红、黄、蓝三原色或黑、白、灰来表示色彩的纯净。画面或图形按照一定的比例进行分割、排列,创造富有平面化的节奏与美感。从他绘画中的色彩可以感受到心灵的净化,也正是他提出的这个观点“只有抛弃、消除物质和情感才能创造一般的普遍的美”的体现。
在这里能罗列的艺术家是有限的,从中我们不难看出:在所有的现代绘画作品中,色彩是惹人注目的要素。正如英国批评家赫伯特•里德所说:“现代艺术是我们时代社会生活的精神折射,如果我们不能理解和欣赏现代艺术,我们就无法理解我们所处的当代生活的真正意义。”因此,对于现代绘画的探索,这就让我们学习与分析现代绘画中的色彩语言具有现实意义。
参考文献:
[1]【德】瓦尔特•赫斯,宗白华译.欧洲现代画派画论.桂林:广西师范大学出版社.2001年版.
[2]【德】沃纳•霍夫曼,薛华译.现代艺术的激变.桂林:广西师范大学出版社.2002年版.
一、创作技巧从古典形态到现代
形态的转换而更侧重于将生活经验中的美挖掘出来并渗透到自己的情感因素中，在表现上多是追求借物抒情、象中有意、隐约朦胧的意境，并善用简单的黑白线条使画面更具有运动感和节奏感。在《寻觅》系列《寻找来翌》中，《夜莺啊夜莺，带我飞好么》《太阳啊太阳，请等等我》《下一站是哪里》《你好，夏天》等体现出绘画的现代形态创作技巧，不管是黑白线条的流畅运用，还是色彩方面的独具一格，都使得画面的空间排列因合理而不显单调。《眸》系列中《墨镜啊墨镜》《二重身》等则展示了女人与镜子之间隐含的寓意，自己在镜中投下的影子是平时躲藏在心灵深处的另一个自我，如何清晰地认识另一个自我则是画家创作中隐喻的主题。
二、艺术表达对社会现实生活的解构
随着急速的全球化进程，消费主义蓬勃发展，人们的物质欲望变得合法化的后果便是文化价值与信仰的支离破碎。不少画家通过绘画对社会问题提出质疑，用独特的视角和艺术表达方式表现社会现实的缩影，并采用夸张新奇的视觉表达进一步解构物欲时代道德价值的重量，以揭示中国消费时代隐含的现实。这类代表性画家及其作品主要有韩旭成的烂白菜、张建俊所绘盛宴过后的杯盘狼藉、张小涛笔下腐烂的草莓等，他们形成了绘画领域一支独特的“糜烂欲象”视觉表达群体，以日常生活常见物质、现象入手，展现自身对物欲社会“病态”现实的感受与体悟。他们在语言表达上大都用与“垃圾”“堆积”相关的比喻方式，辅以绚丽灿烂的色彩使得这些本已变质的东西产生物欲的诱惑力。如张小涛《来自天堂的礼物之二》以华丽空洞外表引诱人的发霉的奶油蛋糕的“烂”为感受，营造出一个由强烈主体欲望造成的糜烂的物欲社会。张建俊的《漂流的物》以强烈的视觉冲击力展示了现代社会人与自然的矛盾，引起受众内心共鸣。此外，张小涛的《溃烂的山水》系列、张健俊的《餐桌》系列、韩旭成的《白菜》《器官》系列、刘海舟的《鸡肉》系列、邢波的《儿子》系列、刘芯涛的《渍夜》等通过各自不同的画面艺术表达，塑造出强烈的视觉冲击，显露出溃烂的气息，体现为一种消费、奢靡与焦虑、空虚相矛盾的临界状态，从而实现画家本身对于现代都市物欲消费与精神空虚的反思和批判。
三、题材设计向中国当代生态题材绘画的转型
在社会发展过程中，绘画创作题材也在不断地推陈出新，绘画艺术家更多地将视角放在现实社会中，尤其是随着全球生态浪潮的兴起、生态学和艺术学的交叉与融合、环境污染的加剧使得越来越多的画家开始关注自然生态，艺术家大量生态视角绘画创作的涌现使得绘画创作发展达到一个新的高度。这类艺术家更多地在国画和油画上展现自身具有生态意识的创作理念，画家徐青峰的油画《我静静的喘息》、李孝萱的国画《悸动》、徐唯辛的油画《酸雨》《过道》系列等作品都充分地展现出当今社会人类面临的生态危机。随着新媒体技术的发展，艺术家更是通过图像化对生态危机进行全面控诉，冯少协的《脱衣舞》、邵戈的《城市垃圾》系列、徐青峰的《天空》、徐晓燕的《蝴蝶泉》《望京街》《移动的风景》等将城市化与现代化建设急速发展造成的人与自然的矛盾充分而真实地展现出来。这些生态题材绘画创作有着多元化的叙事语式，如，徐唯辛的油画《酸雨》《过道》及徐晓燕的作品展现出绘画中自然生态叙事语式；冯少协的油画《卡拉OK》、徐唯辛的油画《工棚》《打工图》通过展现社会生态问题呈现出强烈的社会生态叙事语式；陈安健的油画《茶馆》系列、黄京哲的油画《大城》系列、陈海强的油画《城市之新寓言》等精神生态叙事语式，表达了艺术家对当代人内在情感和精神生活的关注，作品中渗透着对生活本真重现的呼唤，期待僵硬化的生命本位能够寻找到正确的道路使得自然与和谐复归。
作者：杨捷 单位：黔东南民族职业技术学院
摘要：今天，我们面对不断发展的现实世界，以及国外的各种艺术思潮对中国传统艺术带来的冲击，新思想、新观念的不断涌现。如何认识传统绘画造型艺术与现代艺术设计的关系，成为当下设计应认真研究的课题。如果完全背离传统艺术形式，一味模仿西方的现代艺术，惟西方现代艺术马首是瞻，简单地挪用西方现代艺术形式，将使我们的艺术丧失民族的个性。
关键词：传统绘画艺术 现代艺术设计
从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。
远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。
现代艺术设计它不同于架上油画或版画，它要求一目了然，简洁明确，集中概括的设计已逐渐成为主流。为了达到这个目的，现代艺术设计往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节、细部，甚至背景，并可以把各个不同的比例，把在不同时间、空间发生的活动组合在一起。并运用象征手法，启发人们的联想。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法，突出醒目地表达所要宣传的事物，赋予画面更广泛的含义并使人们在有限的画面中能联想到更广阔的生活，感受到新的意义。在这些方面，中国绘画讲究构思上的“以一当十”、“以少用多”，构图上“计白当黑”等审美追求能为平面设计师提供大量的营养。这已经在我国艺术设计中得到充分体现。如香港著名平面设计大师靳埭强，创作了大量文化招贴。他认为，美的原则有三条：立意——意念先行，以形取神：创新——承先启后，破旧立新；活用——适身合用，灵活生动。这实际上强调的也是老庄的哲学思想，也是中国山水画的表现意境。他的许多作品都无一例外地体现了中国传统文化的精髓，并融合西方现代设计的理念，其招贴设计《自在》系列运用了中国的水墨画技法，又融合了现代技术的特殊肌理效果。“水—生命—文化”招贴图形作品，更构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。2008年的深奥标志也可以说是一个很好的范例，整个标志造型没有对传统造型的直接借用，而是运用了中国特有的介于似与不似之间的写意手法，恰到好处的传递出“中国结”和“运动员”两个意象。
中国传统艺术讲究均衡和内在的节律，我国篆刻艺术中有所谓“疏可走马、密不透风”的布局法则，强调变化中的均衡，这既符合科学上相对的原理，也符合艺术上形式美的规律。在我国的艺术设计作品中，动与静、疏与密、多样统一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统构图法则中也屡见不鲜。此外，远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻等，特别是中国画，巧妙的运了用白底的匠心。民间剪纸和兰花布粗犷豪放的黑白关系、明代木刻插图的疏密聚散、都可以在现代招贴艺术的构图中得到印证。西方传统艺术，基于几何学空间观念，从模拟生活现象入手，借以展示作者的创作思想。中国艺术家则以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼，概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华，是沉淀了内容要求的形式之美。正因为如此，它才具有无穷的生命力。艺术家随着时代的要求，赋予它新的活力，常用而常新，这种程式化的处理在我国招贴画的装饰性形象处理上，也常得到应用，显示了夺目的光彩。齐白石曾提出“作画妙在似与不似之间”的著名论断，我们的一些招贴画，就“似与不似”的观点来考察，很多形象显然不是生活的简单模仿，而是由复杂到单纯，由繁杂到简洁的可贵提升。靳埭强招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形设计，也充分显示了这种文化精神，萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。陈幼坚包装设计作品“奇礼”，靳埭强包装设计作品“双妹花露水”。设计者对中国的文化传统有深刻的理解，对中国传统观念在设计中的应用挥洒自如。由于艺术设计的特征，决定了装饰色彩在设计画面上所起到的作用。装饰色彩具有一定的主观性，宋代苏轼曾画朱竹，有人责难他，难道有红色的竹子吗？他反问：难道有黑色的竹子么？意思是既然大家对“墨竹”习以为常，为什么不允许画朱竹呢？这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的。但这种主观想象不等于主观臆造，装饰色彩同样来源于生活实践，同样需要从客观事物中吸取营养。这正是包装画面所刻意追求的。“意足不求颜色似”说明了这种关系。人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到启发而创造出色彩绚丽的装饰效果。装饰色彩的主观性使某些联想，将自然景色“拟人化”。传统中国画中也经常把荷花画得红艳艳得，荷叶只用淋漓得水墨，面对这些形象，人们自然会觉得所画的水墨叶子是绿色的。在艺术设计作品上，常常也有这样的例证，一张蓝色的画面，上面画几束灿烂的焰火，这块蓝色自然会被人接受为深邃的蓝天。同样是蓝色的底色，画上几块白色的三角帆影，这块蓝色又会被人们视为无边的海洋。一张绿色的画纸上画一对嬉戏的小羊，这绿色就成了如茵的草坪。正因为只是单纯的底色，空间更大了，给人的联想更多了。
关键词：民间绘画；现状；发展；研究；后备人才
黄冈地处湖北省东部、大别山南麓、长江中游北岸，这里自古名人辈出， 历史文化源远流长。被中国文化部首批命名为“中国现代民间绘画画乡”的黄冈区（原黄冈县），是与上海金山、陕西户县齐名的中国现代民间绘画三大画乡之一。
一、黄州现代民间绘画发展现状
自1988年黄冈区（原黄冈县）被中国文化部命名为首批“中国现代民间绘画画乡”，二十多年来，黄州现代民间绘画以其发展迅速，成果丰硕，特色鲜明，文化内涵丰富而在中国民间绘画艺术领域逐渐占据重要地位，倍受海内外关注。黄冈区委、区政府及相关文化部门高度重视黄冈现代民间绘画画乡的建设和发展，将其列入了“十五”和“十一五”国民经济和社会发展规划，并从资金、人员调配等方面积极支持。自1986年成立“黄州现代民间绘画研究会”以来，先后成立了11个乡镇民间绘画研究分会。各级文化部门不断健全组织机构，创办了黄州民间画院，每年都要组织农民画培训，从而使农民画创作队伍不断壮大，涌现了龙旭光、陈继光、冷华、曹旺生、郑伯化等一批民间绘画爱好者，创作了2200余幅作品，在省级以上展出和发表作品650余件次，获奖280余件次。由此，黄州农民画逐渐成为一种深蕴楚文化内涵的信号，一种黄州地域的品牌，一张黄州的“文化名片”。2008年，黄州区又被文化部命名为“中国民间文化艺术之乡”。2011年，文化部对原来评定的民间文化艺术之乡进行动态管理，重新评定，黄州区再次荣膺“中国民间文化艺术之乡”称号。对于黄冈现代民间绘画，专家曾给予高度评价：“造型奇异浪漫、夸张生动、色彩鲜艳亮丽、荆楚文化特色发挥到极致”。
同经济发达的地区相比，黄冈现代民间绘画仍处在十分尴尬的境地，主要问题表现在以下几个方面：一是主要还是靠政府扶持和相关部门组织、辅导，还没有形成成熟的艺术市场，一旦脱离了政府及相关部门的扶持，前景堪忧；二是创作方法、手段单一，精品力作不多，还没有形成品牌效应；三是民间绘画艺人生存景况不佳，影响了其创作热情；四是产品后期包装、宣传力度不够，无法创造理想的社会和经济效益。
随着国家对文化产业发展和“三农”问题的重视以及建设社会主义新农村步伐的加快，加强农村的精神文明建设，提高农民的文化素质，培养新型农民已摆上重要位置。这无疑给农民画产业的发展提供了难得的发展机遇。
二、国内外民间绘画艺术发展道路研究
现代民间绘画虽大多起始于上世纪中叶，但民间绘画其实早在原始社会就已经开始了，原始洞穴壁画、岩画、各种早期工艺装饰性绘画无不是一种民间绘画艺术样式。在国外，民间绘画也称稚拙画，其代表人物米勒、凡高、高更等人早已在艺术界享有盛誉，被全世界爱好艺术的人们所景仰，他们为世人所创造的艺术财富在此亦无须赘述。日本著名的浮世绘同样起源于日本民间绘画。美、法等国家，在对待现代民间绘画艺术上实行的是保护“非物质文化遗产项目”加市场化运作方式，来促进和保护本国现代民间绘画艺术的繁荣发展。
在国内，近年来全国各地纷纷效仿，将各具特色的本地民间绘画艺术列入非物质文化遗产保护项目。比如，2008年4月28日，中国农民画村在上海金山区枫泾镇中洪村正式揭牌开放，吉林东丰、上海金山、天津杨柳青、重庆綦江、陕西户县等十大“中国现代民间绘画画乡”的优秀农民画家集体进驻中国农民画村，在此生活创作和交流。河南舞阳通过在县城新建集农民画院、农民画经纪公司，专门从事销售作画工具、颜料和专业门店为一体的农民画产业一条街，初步形成了农民画生产、加工、收购和集中外销一条龙的文化产业基地，并在中小学课堂里增设农民画课程教学，培养学生对农民画的兴趣爱好，为舞阳农民画艺术繁荣发展提供后备人才。这些宝贵经验，都是值得学习和借鉴的。
三、黄州现代民间绘画走产业化发展道路的几点建议
（1）继续加强政府及相关部门的扶持力度。把组织和发展黄冈现代民间绘画，当作一项重要任务来抓，加强资金投入、组织活动与宣传、包装产品与销售等环节；建立保护机制，为农民画的发展提供必要的资金及政策扶持，建设保护农民画的设施，确保这种绘画艺术的沿革和传承。可举办多种形式的民间绘画作品展暨拍卖会，依托省内外丰富的旅游资源，在名胜风景区、各旅游生态休闲农庄、度假村、各民俗博物馆、纪念馆内设黄冈现代民间绘画作品展销点，通过安排展销位，减免租税，鼓励公办或民营企业投资，开发农民画新产品，打造产业链，进而形成产业群，促进黄冈现代民间绘画的宣传、设计、生产与销售。目前，区文化馆正积极联合创作者、有关高校及动漫企业，欲将独具楚文化特色的黄冈现代民间绘画制作成系列动漫影视作品，推向全国，走入世界。我们期待着黄冈现代民间绘画走向更加辉煌灿烂的明天。
（2）继续加强农民画人才队伍建设，打造国际知名品牌。调整充实黄州农民画研究机构，抓紧对农民画作者的培训培养，制定农民画家及作品的保护措施，建立必要的激励机制。通过多种内容和形式的组织辅导及竞赛活动，为黄冈农民画创作队伍培养和储备后备人才，不断壮大和提高农民画创作队伍。
（3）依托品牌促产业，依托产业建品牌，走产业发展道路。黄州农民画作为珍贵的文化资源，越来越受到社会的广泛关注和人民群众的喜爱，极具产业开发潜力。现代城市生活已流露出回归自然的端倪，在家庭装饰、日用制作等生活艺术形态中，也呈现了关注现代民间绘画审美趣味的趋向。我们要在增强品牌保护意识的前提下，不断创造与中国特色社会主义先进文化相通，与丰富历史底蕴、鲜明时代特色和广大群众需求相融的新艺术形式，将黄州农民画推向市场，做大做强，充分发挥其社会效益和经济效益。
参考文献：
关键词：儿童画；求全行；幻想性
所谓儿童画就是指在绘画过程中不讲究任何的画法，所有的造型、色彩及比例都是按照自己的感官支配完成的。与现代绘画追求复杂的绘画手法及技巧不同，儿童画追求的是自我的表现，以儿童独特的眼光和视角去看待事物，所表现出来的也是最率真的一面[1]。
一、儿童画的特点
儿童画是以儿童特有的眼光去看世界的结果。在这个复杂多变的社会里，现代作家更注重的是对城市、工厂等现代文明的描述，而忽略了精神层面的作品。儿童画元素则是将作家的眼光重新返回最真实最朴素的角度，将儿童画与现代化结合在一起，赋予现代画真实、纯粹的面貌。儿童画的主要特点有：
（一）率真性
由于儿童特有的特点，在画画时所画出的事物都是自然感情的流露，没有任何的修饰和加工，看到什么画的来的就是什么，也许成人无法理解儿童画所表达的意义，但是儿童画的真实还是让很多作家无比青睐，这也是现代绘画与儿童画最大的区别。
（二）夸张性
儿童在绘画时往往会将看到的事物夸张化，这是由于儿童的世界里对事物的直观比例没有很好的把握，只能凭借自己的发挥，因此，在绘画时往往会将事物进行夸张，儿童画中往往把人的头和眼睛画的非常大。绘画的夸张化是儿童以自我为中心的表现，强调的是自己的感受，在绘画过程中会将自己或喜欢的人重点突出，以此表现出重要性。
（三）求全行
求全性是指儿童在绘画过程中，往往会将所看到的的事物都画进去，直至画满为止，甚至是事物重叠出现[2]。这表现了儿童在绘画中不愿对自己看到的事物进行舍弃的天性。
（四）幻想性
幻想是一个画家进行创作的动力和源泉，一个没有想象力的作家只会闭门造车。儿童时期的想象力总是千奇百怪且无章可循。表现在在绘画中就是儿童在绘画时经常使用圈或线条来表现所看到的事物，这是儿童特有的表达形式。看似简单却极具想象力。有些儿童在绘画中将房子画在月亮上，这种看似荒诞的想象力也正是现代作家所欠缺的[3]。
（五）色彩使用稚拙
儿童时期对于色彩的把握还不是很准确，在他们眼里更分不清分冷色系与暖色系，对事物的色彩也不是按照事物本身的颜色去描绘。在色彩的使用上，儿童往往会按照自己的想法去填补。儿童在色彩的使用上往往表现出稚拙、粗狂的特点，这也与儿童画的夸张性完美的结合在一起，使儿童画在一定程度上表现出不一样的美感。
二、当代绘画创作现状
随着工业文明的不断发展，绘画形式越来越丰富，绘画的讲究越来越多，人们的绘画视角也发生了变化，画家绘画时不再只注重对自然的描绘，而是转向对工业文明成果的创作。现在我们所看到的绘画作品多是高楼大厦和工厂，使绘画只注重对色彩对绘画手法及技巧，而忽略了绘画本身所传达的意义。很多画家心浮气躁、不能安下心创作，只是一味的追求“新”、“奇”、“异”，使得所创作的作品背离了作品的本意，让人们越来越看不懂，离自然与老百姓的生活越来越遥远。
三、儿童画元素在现代绘画中的渗透
由于现代绘画创作的不如意，很多画家都在反思绘画方式，开始将儿童画元素加入到自己绘画的灵感中，吸收和模仿儿童画的特点，并形成自己的创作风格。如，我国著名画家丰子恺、齐白石及西方现代画家代表毕加索、米罗及马蒂斯等等，都将儿童画元素与现代画中紧密的结合在一起，将儿童画元素应用到自己的绘画中。
我国著名画家齐白石老先生就是以儿童的角度看世界，他笔下的花鸟及山水都能表现出天真、率性的特点；丰子恺的作品及时简约、朴实，画风天真、质朴无华，他的作品多以描绘儿童生活为主，强调以孩子的眼光看事物。
儿童画元素中的夸张性被西方的很多画家应用到自己的作品中，如毕加索、马蒂斯等等，他们将儿童画元素与自己的绘画风格相结合形成了立体派和野兽派。他们都将自己的眼光及思维方式转向儿童，以儿童的思维方式去创作，所表现的的作品更为真实和更富有想象空间。
四、儿童画元素对现代绘画的启示
现代作品在创作时要摆脱成人的思维模式，以儿童的眼光观察、认识事物。只有这样创作的作品才不失本真、呈现事物的本源；此外，现代作家在创作时要时刻保持童心，充满幻想并以我为中心，不受任何外在事物的约束，只有这样创作的源泉才不会断；最后，画家要不断的提高自身的修养和阅历，不断进行创新，将儿童画元素一个用到自己的创作中，形成自己独特的绘画风格。
结束语：在当代，随着科技不断进步和各种多媒体技术的宣传，使得部分画家的作品越来越远离生活，失去创作的灵感。而儿童画却以独特的视角和色彩使用方法得到越来越方艺术家的重视，将儿童画元素应用到自己的创作过程中。现在应大力倡导和弘扬儿童画元素中的纯粹和率性，以儿童的眼光看世界，以儿童的思维去思考世界，使画家静下心来创作，回归创作的本源，使自己的作品更简单、质朴却不失感染力。
参考文献：
[1]陈.儿童画，独特的心灵之旅――儿童绘画心理浅析[J].福建论坛（人文社会科学版）.2012（18）
