时间：2023-01-17 06:22:43
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇工艺美术论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
一、由外及内——现代装饰不仅是外部视觉的体现
更是内部功能性的强化工艺美术运动的思想启蒙者拉斯金称造型艺术为“大艺术”，称建筑和工艺美术为“小艺术”，他认为“艺术家不应该脱离生活，应该为社会民众服务”，强调了设计的社会功能，那些沉迷于古希腊和意大利的迷梦之中、脱离功能性的设计是错误的。工艺美术运动在设计上强调设计合理、精致简单、朴实无华。威廉•莫里斯的“红房子”充分体现了其前沿的设计思想，在设计上，他不仅把功能性摆在首位，还从统一协调的设计思想出发，亲自设计室内的家具，从外部建筑风格出发，设计室内陈设装饰，由外及内都追求设计风格的统一和谐，形成了统一完整的设计环境。拉斯金和莫里斯认为设计的作品应该是实用的实体，也提出了“同时也是装饰”的观点，“同时也是装饰”指明了设计师应追求的终极目标。在手工时代，装饰都是工匠做的活，所以现代设计中，抽象艺术家都在避免与“装饰”这个词扯上关系，事实上他们做的确实不是装饰，但人们往往最看重的就是作品中的装饰部分，设计师做的不应该是表面装饰，应该摒弃装饰表层意义的“好看”，去探究更深层的功能问题。以现代主义建筑装饰为例，装饰艺术的情感性经常与理性的特性相磨合，当结构和形式的建筑装饰相结合，建筑就具有了双重特性，是建筑结构的理性和装饰的感性组合。现代主义建筑的功能性处于主导地位，奥地利建筑家卢斯（Luce）在《装饰与罪恶》一文中认为装饰就是罪恶，其中的罪恶是指为少数贵族装饰中的奢华之风，其反对的是无意义的繁文缛节和画蛇添足。将功能性列在首位，是现代主义设计的主流观点，工艺美术运动主张设计的实用性和现代主义装饰的态度也是极其相似的。《大英百科全书》有关装饰的概念是解释功能性装饰的主要依据，装饰装修主要取决于有机材料的属性，来获取视觉的美观。德国建筑师森佩尔（GottfriedSempes）认为建筑的材料装饰和功能之间存在着必然的内在联系，他从自然物和人体装饰研究，探索功能和材料装饰之间的联系，认为应该师法自然，依自然发展之规律探其内在的规律原理，避免对自然固有形式的表面形态的模仿，更注意其规律原理的研究。卢斯（Luce）则在森佩尔理论之上提倡功能性的深层装饰，他认为建筑物应删去表面多余的装饰，而像织物和地毯的耐用性有限，保持表面装饰的时尚成分是必要的。在这里卢斯没有完全否定装饰，而是使功能性物品的装饰更经济适宜，以适应工业化背景下的装饰，明确区分了外部表层装饰和内部深层装饰之间的不同。20世纪法国建筑师柯布西耶（Lecorbusier）的观点，是对卢斯装饰理论的进一步深化，他认为“手工艺”已不能适应现代生活的批量生产，甚至应该被淘汰，柯布西耶认为人们应该过上经过类型化处理的“标准化生活”，他明确提出了“房屋是居住的机器”，他的观点是对卢斯观点的延伸，其观点是对装饰外部体现和内部功能性强化的协调和思考，也是对生活方式设计的思考，至此，装饰已走上了不仅是在外部视觉体现，更是内部功能性的强化的道路。
二、由繁入简——繁复的装饰语言在历史的舞台上逐渐淡去
工艺美术运动在设计中更多地关注了设计的功能合理、精致简约、朴实纯良，莫里斯的代表作“红房子”的设计语言就证实了这一点，至此，人们不再迷恋和崇尚巴洛克的繁复与华美，这不仅仅是人们审美意识的转变，也是人类作为工业化的主体的价值意识的提高，繁复的装饰语言在历史的舞台上逐渐淡去是设计历史发展的必然趋势。既然手工时代繁复的装饰语言在工业革命到来之时引发了人们对“装饰”的思考，那么是不是要完全放弃和否定它呢？我们来看看拉斯金的关于装饰的观点。他提出：“一切美丽都建立在自然形状的法则之上”，他认为建筑中美的形态都是从自然中模仿而来，他鄙视印第安人的刺青和涂面，认为那是一种丑陋而野蛮的自满，他反对装饰的无意义的堆砌和机械装饰的粗制滥造。拉斯金严肃指出装饰必须出现在适当的位置，他认为在人们用来工作的工具上的装饰是多余的，应重点在人们休息的地方进行装饰，为人们营造愉悦轻松的环境美感，实际上拉斯金的观点阐明了设计应该把社会功能放在首位。当时年轻的威廉•莫里斯与拉斯金的思想不谋而合，他认为装饰之中应摒弃矫揉造作的传统古典风格，而主张吸取东方装饰艺术特点，推崇设计的自然主义，设计风格多借鉴了日本式的平面装饰，以花卉、禽鸟、卷草为主，使设计具有了前所未有的自然风情。他主张设计应遵循两个基本原则：一是产品设计和建筑设计是为千千万万的大众服务的，而不是为少数人的活动服务；二是设计工作是集体的活动而不是个体的活动。这场运动打破了传统为贵族服务的矫揉奢华主义盛行的沉闷之风，引起了艺术家和全社会对工业模式下产品设计的关注，艺术家肩负起了社会责任感。历史的车轮往往是不会等待任何人的，势不可挡的工业革命必然成为世界发展的主流。显然，作为反机械的工艺美术运动的消极避世观，注定成为知识分子的浪漫主义的载体，必然得不到长足的发展，因此，新艺术运动也难逃此厄运。但是，它们带来了人类对于设计，对于生活的思考，思考工艺与技术的矛盾关系。德国现代建筑师沃尔特•格罗庇乌斯（WalterGropius）似乎率先找到了答案，提出艺术家与技术工人合作的重要性，也意识到人情化与机械化结合的必要性，他推崇装饰语言简单利落，实际上是强调了设计应该是艺术性与实用性相结合的观点。从拉斯金到格罗庇乌斯，设计逐渐从繁复走向简约，从建筑设计到平面纹样，从工业设计到装帧设计，即使在生活格式化效率第一的今天，装饰已不再是功能的附属品，可以以视觉语言的形式直接把信息传递给人们。可以说，繁复的装饰语言在历史的舞台上逐渐淡去，是设计风格发展的必然。追溯装饰设计的历史，实际上是人们对美的追求和审美价值取向的体现，装饰自始至终是设计师们关注的问题，透视现代设计的发展我们看到了装饰的重要意义。在这一过程中，设计师们达成了这样共识：我们应该更多的专注于设计的具形化和肉身化，在后现代风格发挥得淋漓尽致的今天，希望我们能拿出设计的热情，投入到“装饰”的生活中，使我们的生活充满生机和活力。
作者：曲向梅单位：大连艺术学院艺术设计学院副教授
拥有300多年历史的芜湖铁画得到过刘海粟、郭沫若等诸多大家的肯定，韩美林等当代艺术大师都曾参与设计制作。芜湖作为它的发源地，其居民的相关审美意向是一块需要深耕的土壤，要从本源着手多方面建构。
1.芜湖铁画对当地居民视觉经验的建构需要加强其与民众生活环境的关联
（1）芜湖铁画在城市景观公共空间中的运用和规划城市景观是地域视觉文化重要的载体，居民生活在城市空间中就意味着经历视觉性的经验塑造，城市视觉景观是居民积累经验和美感的重要载体。随着城市快速扩张化，原有的及新的城市空间建设需要更多地考虑与当地工艺美术的关联。芜湖铁画原有聚集地是原工艺美术厂所在的镜湖区九华山路，这是一条很有特色和历史文脉的街道，对面是多年来本地居民最常去的广济寺、赭山公园和徽州艺术博物馆。虽然近十年来这条街道进行了大量的改建，加强了原有街道围绕赭山所形成的徽派建筑和园林风格，也保留了历史特点，但是对于铁画来说，除了几家销售店面之外，在公共空间设计中难觅踪影。除此以外，作为芜湖的重点景观沿江而建的滨江公园和传统城市休闲中心镜湖公园，以及东部重点新规划的神山雕塑公园，都没有作为城市名片的铁画的参与。对于芜湖的许多民众来说在视觉经验上铁画是缺失的，民众对铁画的视觉印象固定为狭隘的铁画店面。这是铁画一种单一的、狭隘的发展，也是工艺美术今天较之前衰弱的原因之一。铁画作为一种独特的地域性工艺美术形式，如加以多层次地提炼其形式语汇和精神意蕴，并将其运用到城市公共空间的装置艺术、景观设计、视觉传达设计当中，将在芜湖城市形象中注入铁画元素，形成属于这个城市的独特的视觉文化符号。（2）加强芜湖铁画在家庭个人空间中的应用设计，也就是工艺美术在生活装饰中的美感培育功能家庭空间是个人场域，带有典型的个人审美偏向。传统欣赏铁画的方式就是将其装框加背成画挂在墙上。在现代家居装饰设计手法多样化的情形下，针对铁画具有独有的工艺和材料这一特点，若将其融入家装设计的方方面面，如与铁艺、家具、装饰等设计的多面结合，可以增加视觉设计形态，从形式、功能到精神空间全面拓展铁画视觉语汇与精神文化的应用。
2.芜湖铁画对当地居民视觉经验的建构需要增加居民参与体验型的视觉素养教育与培育
（1）中小学设立工艺美术体验互动课堂中国不少城市已经开设传统文化体验课，如北京一些中小学就将京剧及其脸谱服饰文化艺术体验课纳入素质教育规划，将传统艺术形式渗入新生代的教育过程。对于像芜湖铁画这样的地域性工艺美术来说，在芜湖及周边地域中小学中开展铁画艺术体验教学，邀请铁画非遗继承人或铁画工作坊加入，让学生通过学习铁画制作工艺技巧和范例，自己动手设计制作喜爱的小物件。这是非常生动有趣的课堂，对新生代视觉经验构建有重要作用，也是培养传统工艺美术审美意向的温床。（2）当地大学、职业教育学校与铁画的产学研模式芜湖工艺美术厂曾在数年前作为委培单位，订单式地连续几年在芜湖六所职高培养了几十名专业人才，但是在整个行业萎缩、工作环境艰苦、工资待遇低的情况下，一些学员在实习期满便转投其他行业了。新人才加入不多—缺乏创新—铁画发展慢，如此恶性循环，直接导致铁画市场萎缩，铁画人才就业空间压缩，为教育机构的再介入带来难题。近几年来，安徽师范大学皖江学院美术专业的教师对芜湖铁画进行了细致的研究，并成立了铁画研究室，设立产品设计（铁画设计）专业，招收了本科生。其他高校如安徽工程大学以及芜湖中华艺术学校等职业学校也陆续开展了不同方面的产学研究，着手培养具备多层次创意、管理、营销、文宣、设计、实践技术的人才，实现师徒传承与现代艺术教育模式相结合，从高等教育本科和应用型的职业教育两个层次为铁画艺术人才的培养打下基础。（3）加设地方性工艺美术博物馆及加强其社会教育职能和社会参与设立芜湖铁画博物馆，展示清末以来不同时期优秀的铁画代表作品，并设立体验区、纪录片影像播放区、多媒体互动平台。除进行铁画的固定展示外，还应加强工艺美术博物馆的社会教育职能，设立网络专区，传播铁画文化及博物馆信息。由博物馆定期邀请相关传承人、研究专家、美学理论专家教授举办相关的铁画技法、美学、设计、应用等方面的讲座，让社会中更多的人能够获得铁画的审美体验。
3.芜湖铁画对当地居民视觉经验的建构需要加大与当代艺术家的合作
“从文化形态和特征上看，当代艺术在很多方面都和大众文化形成鲜明的对照。格林伯格早在20世纪30年代就指出了这个现象。因此，在视觉性方面，当代（先锋）艺术显现出迥异于大众文化的特征，具有某种激进的视觉性。”②当代艺术家，特别是先锋艺术家群是对文化潮流最敏感的人群，他们的作品往往具有颠覆性的视觉符号，会在传播中被大众不断重构解读，成为视觉文化的引领者。传统工艺美术所出现的思维僵化、困步不前正需要借助敏锐而深刻反思的实验艺术精神予以改变，将地域性工艺美术加入先锋艺术的创作语汇，能够激发出新的视觉思路。
4.芜湖铁画对当地居民视觉经验的建构需要地方政府文化艺术政策的大力扶持
随着从国家到地方对非物质文化遗产的发掘与重视，各种相关政策法令得到完善，为铁画等地方特色工艺美术的发展提供了有利契机。一方面，铁画行业需要建立和完善铁画技艺评级评价与检验机构的管理服务引导体系，制定行业标准，加快发展，营造公平竞争的环境；另一方面，铁画行业要依靠相关具体政策扶持。此外，加强推广宣传有利于增强铁画的影响力，如相关艺术节庆日的设定有利于提升独特的文化城市形象。
二、结语
1、注重理论与技术的结合包豪斯创校的目的，就是将建筑、工艺、艺术结合起来，进而抹除艺术家、工匠和工业之间的界限。因此包豪斯学院在教学上对理论知识与实践技术给予同等的重视，并以艺术家与工艺家为中心构建“工作坊”，将“工作坊”作为教学形式，师生之间以“师傅”“技工”“徒弟”相称。
2、采用双轨教学制包豪斯学院在每一届都会设立一位“形态教师”来教授艺术形式、色彩运用与绘画知识，再配一位“技术教师”，在技术、手工艺与材料方面对学生进行指导。
3、重视学员综合素质进入包豪斯的新生在接受专业教育之前，必须接受为期六个月的基础课程教育，以提高自身的综合素质。
3、提倡作品为大众服务包豪斯改变过去那种艺术设计只为少数权贵服务的状况，提倡为大众生活而设计，因此作品具有实用性、大众性特点。
二、少数民族工艺美术教学现状
我国地域辽阔，拥有五十六个民族，其中五十五个属于少数民族，这些少数民族由于地域、、生产方式、生活习俗等不同，各自形成了具有浓郁特色的文化，他们的民族文化表现在多个方面，其中在美术层面的表现最为显著，但他们在自己民族工艺美术的教学上，仍存在一些不足。
1、少数民族工艺美术教学师资力量薄弱我国现阶段艺术设计师的数量并不少，但由于工艺设计与市场紧密相关，导致大量设计师的选择是服务于市场的职位而非教师，致力于少数民族工艺美术的教师又是少之又少，因此少数民族地区很难找到水平高超的工艺美术老师。
2、少数民族工艺美术的生源素质不达标目前，很多少数民族工艺美术教育学校只重视专业技能，而对学生的综合素质不予考虑，这导致学生创新能力不够，所设计制作出的产品没有内涵，不能很好的传承民族文化。
3、少数民族工艺美术教学模式单一不具特色少数民族工艺美术教学模式单一，在教学中并没有突出民族特色，很多学校在民族文化教育方面只停留在对民族艺术的欣赏上，理论尚且不足，更无需提民族艺术作品的制作技艺。这使学生对民族特色了解不足，作品专业性不高。
三、包豪斯影响下该有的少数民族工艺美术教学
1、加强师资力量、合理分配教学任务教师的水平对一所学校的教学与科研水平有直接的影响，少数民族高校应利用自身资源优势，吸引高素质人才，并充分发挥他们的教学能力。借鉴包豪斯的教师配置模式，形成符合专业教育的“双师制”，聘请传统讲座教师在美术理论、绘画手法、创作流派方面教导学生，同时，邀请有经验的民族高级技师，在作品的具体制作上传授学生经验。
2、全面提高学生的综合素质学校招生时应充分展示自身优势，以吸引优秀学员，并在录取阶段做到严把关，宁缺勿滥。在新生的教育上，不要急于教授他们过于专业的知识，也没有必要要求他们掌握民族文化的精髓，而是首先对学生进行基础课程教育，提高他们的综合素质，这对他们构建完整的知识体系有十分大的帮助，另一方面，综合素质的提高使学生在设计作品时更有想法，创造的作品更具内涵。
3、产学结合包豪斯学院强调为大众生活而设计，这就要求学校与少数民族工艺美术产业结合起来，教育与市场结合起来。少数民族工艺美术专业应积极与相关企业取得联系，将学生的作品推荐给他们，尽量使作品得到接受、赏识并批量生产，这样不仅可以使具有少数民族特色的工艺作品的价值得到真正的实现，还可以激励学生，创作出更好的作品。
四、结语
区域品牌加强了集群网络节点的合作企业群体、商会、行业协会、相关院校、科研机构等是集群网络的节点，区域品牌的创建和培育离不开他们的共同努力。在区域品牌的影响下，拥有自主品牌实力较强的企业通过加强与科研机构的合作，改进产品设计、产品质量和完善内部管理，提升原有品牌的知名度和美誉度；规模较小的企业则可通过整合各种资源，专注于自己的核心能力的培养和成本潜力的挖掘，同时密切协作集群富有竞争力的产业链，通过完善的内部管理，提高产品质量，有偿使用和维护大家创造的知名品牌。集群网络节点的合作也是价值链的合作，这种合作将增加集群的集聚效应，从根本上支持产业集群的建设。区域品牌有利于提升集群内企业的竞争质量发展区域品牌意味着一方面集群将从追求外延型、速度型的增长方式转变为追求技术进步、提高产品质量的的竞争，即企业的竞争模式由速度竞争转向提高质量的较量，行业竞争模式由产量竞争转向品牌竞争；另一方面是改变粗放型、数量型经济增长方式，相对减少数量型投资，较大幅度地提高质量型投资的比重，主要将投资应用于技术更新、开发新产品、职工教育和培训等方面，以此推动经济增长方式的转变，实现集群竞争力的提升。
二、莆田工艺美术产业集群竞争力的现状及存在的问题
改革开放以后，莆田市工艺美术产业长足发展，莆田工艺美术产业连续五年GDP平均增长居全省第一位，全市工艺美术产业产值达到400多亿，规模已跃居全国同业前列。莆田工艺美术产业具有一定的竞争优势，也存在一定的不足。
1.优势和特点
(1)莆田工艺美术产业以专业村、街为基础向外辐射，形成大产业、大市场的格局雕刻类（含宗教用品、古玩）生产基地涵盖：荔城新度雕刻一条街、仙游坝下雕刻专业村、荔城北高彩石雕专业村、荔城黄石玉雕生产集中区、仙游榜头东桥铜雕专业村、仙游大济雕刻专业村、仙游度尾雕刻专业村、仙游赖店古玩专业村。2006年仙游县成功申报“中国古典工艺家具之都”。以“仙作”为代表的古典工艺家具集中在仙游坝下，在这里汇集了3600多家生产销售商，是全国红木古典家具三大基地之一。一条10公里长街，还有一个40万平方米的古典家具城，成为我省古典工艺家具的领头羊。珠宝玉石主要集中在秀屿上塘金银珠宝首饰生产集中区、荔城北高金银珠宝首饰生产集中区、石金银珠宝首饰生产集中区。分别于2007年和2008年获得“中国银饰之乡”和“中国珠宝玉石首饰特色产业基地”的专业荣誉称号。
(2)资源禀赋是莆田工艺美术产业集群参与竞争的主要因素在莆田工艺美术产业集群中的这些产业都是以资源禀赋占优势。依靠原材料、劳动力等资源。仙游县古典家具产业继承了本地传统工艺及历史文化资源，拥有占全国80%以上的红木库存量。莆田龙眼木、青石材目前基本能够自给；仙游赖店近年又出产寿山石雕新材料“仙游石”；莆仙山区的竹、草、藤、树根等自然资源比较丰富；其他名贵木材、玉石料则由外地采购供应。目前集群企业的利润主要来自于原材料的稀缺和珍贵性。据不完全统计，莆田工艺美术产业有企业5000多家，从业人员达35万人，劳动力资源较为雄厚。
2.存在的问题
莆田虽然是工艺美术区域品牌最多的设区市之一，但是大多数区域品牌的品牌效应较弱，存在着“有品无牌”、“大而不强”、不易保护等问题都不同程度地制约着莆田工艺美术产业集群竞争力的提升。
（1）品牌协同意识不强，集体效率尚未形成，未形成产业合力莆田市工艺美术产业集群企业多数是小微企业和家庭作坊式企业，社会化组织程度低，规模小、实力弱，仅44家企业产值上亿元。集群内企业偏向“小而全”，如古典工艺家具行业，从选材、下料、开榫、凿眼、沾水打磨、刹活、使鳔、检查打磨到最后的油工都由企业单独完成，珠宝玉石产业也是各自为战。由于很多企业只是空间的集聚，缺乏关联、配套和协同效应，造成企业的非“集群”化倾向突出，尚未形成完整的产业链，而是呈点状发展形势。地方政府对许多企业“行政捏合”，半强制性地外部“植入”，市场机制难以发挥作用，不能形成良性循环效果。
（2）区域品牌作为公共物品，具有非排他性和非竞争性，保护困难由于工艺美术产品具有多样化的特点，莆田工艺美术产业在产品质量标准、知识产权保护、市场监管等方而还没有形成完备的体系，市场存在着一定程度的无序竞争。行业协会草拟的行业规约，缺乏政府相应法规的配套制约，对仿造盗版等问题难以做到令行禁止。“国字号”区域品牌是公共物品，更是一项无形资产，如果没有外在的力量以适当的手段对它的非排他性和非竞争性加以有效控制，就必然会有少数企业冒用这些区域品牌以次充好、以假充真的现象，如红木家具很多外观像红木但实质不是红木、还有的用料选用边材而不是心材；另外，造假技术也渗透到仙游石市场之中，从而也增加了鉴别的难度。任何企业的负面作用，都有可能使其他企业蒙受株连，为此而产生“株连效应”、“柠檬效应”等风险。
（3）品牌设计和经营还处在初级阶段莆田的古典家具、珠宝首饰等行业，虽然历史悠久，技艺精湛，但品牌综合实力不强。很大程度上是因为品牌设计和经营尚处于初级阶段，缺少强势产品品牌的区域品牌就没有持续发展的推动力。还有许多中小企业品牌意识不强，认为“做品牌是大企业的事，当务之急是把销路搞上去”，莆田很多加工企业以为别人代工为主，大多没有自主的品牌；多数批发企业即使有了自己的品牌，也未获得终端市场的认可，外地零售商从莆田进货后，多换成自己的品牌标签。集群内这些企业的利润率都非常低，最高不超过3%，大部分在1%至2%之间。
（4）保护传承与创新能力受限，缺少强势品牌多数集群内企业采用“专业市场+家庭工厂”经营模式、“前店后厂”的生产方式，决定了企业的规模不大，技术水平不高，创新能力不强。无论是古典家具还是宝玉石雕刻很多产品局限于传统造型和传统工艺的延续生产，产品同质化严重，市场迎合度和附加值不高。缺少知名品牌引领产业发展方向，传统的“父传子”的方式也制约着“精微透雕”技艺的传承和发扬。此外，作为传统的银饰加工批发中心，莆田白银产业还未形成全国性的知名品牌，省级名牌数量也偏少，与其在中国白银市场中的地位不太相符。
三、培育和维护区域品牌，提升莆田工艺美术产业集群竞争力的现实路径
1.树立区域品牌整体意识，加强企业之间的合作，共同建设区域品牌
（1）加强集群内企业联合，发挥区域品牌的协同效应和共生效应培育区域品牌需要各企业之间的紧密合作，通过合作来改变集群企业的“低、小、散、弱”和竞争力不强的弱点，可以开展各种形式的合作，如共同建设销售渠道、进货渠道，共享技术、共同建设品牌等，增强竞争优势。鼓励工艺美术企业之间进行专业化分工和上下游配套，延伸集原料、创意、生产、营销、科研于一体的工艺美术产业链，利用区域品牌发挥协同效应和共生效应。集群内企业竞争合作观念的转变是区域品牌建立的基础，只有共同把区域品牌这一“蛋糕”做大，企业才能获得更多的利益。
（2）做好各项配套服务，增强区域品牌的保障力改变单纯的“行政捏合”，按照“政府推动、市场运作、自主经营、有偿服务”原则，支持研发中心、检测中心等公共服务机构建设，构建第三方信息服务平台。加强产前、产中和产后的配套建设，大力发展产品设计、市场营销、技术培训、信息咨询、物流储运、金融保险等服务型企业，强化企业间的联系，整合资源，使资源得到合理、有效的利用。更好地服务产业，提升集群的竞争力。
2.有效维护区域品牌的形象，减少恶性竞争
（1）加强行业自律，规范同业竞争加强行业自律，维护区域品牌形象应当成为集群内全体企业的自觉行动；地方政府、行业协会、商会都要制定有关质量的地方性法规和行业的规章制度、鼓励企业采用有关国家或国际质量标准认证，制定相关技术法规，加强市场监管、加大力度打击假冒、伪劣、低俗的工艺美术产品，净化市场环境。保护创新企业的知识产权激发企业创新热情，培育品牌附加值，不断提高产品综合竞争力，实现技术跨越，促进产业升级，扩大舆论宣传，利用“羊群效应”引导企业自觉塑造区域品牌。
（2）开展行业指导、行业服务，充分发挥行业有效作用行业协会应实实在在为会员办事：一是积极建立工艺美术政策法规、产业资料（品种、技艺、人才、资源、教育）、市场信息、行业动态的信息库，形成全行业联动的信息系统，为政府和企业提供及时有效的信息服务；二是鼓励行业组织加强调研，建立经济运行及预测预警信息系统，及时反映行业情况和问题；三是引导评估、拍卖、定价、经纪、推介、交易等中介机构，进一步完善和加强适合工艺美术行业特点的专业服务。
（3）积极发挥政府在区域品牌建设中的作用政府在区域品牌建设过程中起着引导作用，通过建立起激励和惩罚机制，如重奖那些在维护区域品牌建设的企业，加大力度惩处那些有损区域品牌形象的企业，没收和就地销毁假冒伪劣产品、严重者吊销工商执照，杜绝“搭便车”行为的发生。通过制度创新，提供良好的软硬件环境，为区域品牌的发展提供有力支持。
3.实施品牌战略，增强竞争能力
（1）加强品牌运作，“国字号”品牌和“地理标志”品牌相互促进政府要汇集产业集群整体的力量，创造性、高起点实施区域品牌战略，要在五个“国字号”品牌的基础上，加大区域品牌的内涵建设，要积极注册地理标志证明商标，并全力打造中国驰名商标，使“仙作”、“莆田木雕”、“仙游石”、“上塘珠宝”等地理标志区域品牌像德化陶瓷、安溪铁观音、寿山石雕一样叫响全国。把莆田打造成“东方工艺美术之都”和先进工艺美术产业基地。
（2）加强区域品牌的设计与包装，放大区域品牌的群体效应加强区域品牌的设计与包装，积极引导具备条件的企业使用区域品牌，放大区域品牌的群体效应。大力开展品牌创建工作，鼓励和支持工艺美术产业不断创新，提升质量，积极申报省级以上驰名商标、著名商标或名牌产品。
（3）营造舆论环境，增强区域品牌的影响力广泛利用各大媒体，展示莆田工艺美术产业的魅力，继续定期举办各种博览会和“百花奖”大赛、现场创作大赛和大师精品拍卖会等活动，在全国各大城市旅游区、机场、星级宾馆、高档会所设工艺品直营店、专卖店，有效利用电商平台进行招商活动，不断扩大在国内影响。动员全行业企业以整体形象参加国内外工艺美术展览会、展销会和交易会，大力开展电子商务，扩大莆田工艺美术产业在国外市场的影响力和市场占有率，共创区域品牌，提高莆田工艺美术产业知名度，增强区域品牌影响力。
4.增强区域内企业创新能力，打造强势品牌企业
（1）产品要跳出同质化的框框，走差异化、国际化之路改变古典家具产业千店一面的明清仿古家具风格加粗放式的生产制作模式，进行仿古家具风格框架体系内的差异化、艺术化、精品化的产品结构调整。由仿古家具生产制作，向品牌化的“中式家居”领域拓展创新，打造当代的中式家居品牌与新的设计制作模式。打造高品位、高质量、面向国际的高端路线，成就一定规模和专业化的艺术品创作品牌，创建成熟的国际商业平台，包括创作、展示、推广、交易、交流、延展、服务等多项内容。
（2）借鉴海内外企业经验，开发高端产品或高附加值产品莆田珠宝企业要善于汲取华夏文化的优秀内涵，借鉴欧美及日韩的先进理念，突破常规设计手法，打造优质饰品。在目前开发的金镶玉、玉嵌金等产品基础上继续创新，开发出更多高附加值的产品，不断填补首饰行业的空白，使性能和技术水平始终处于国内领先水平。
（3）加强工艺保护，积极开展传统技艺的申遗工作积极开展需要抢救和保护的制作技艺的申遗工作，如竹雕、刺绣与草竹编等。把精微透雕、古典家具、金镶玉、玉镶金、工艺雕塑等工艺的传承和保护纳入政府工作的职能，支持和鼓励利用知识产权的企业，制定实施细则和立法加以保护。
1政策保障，健全法规，立法保护
苏扇早已于2006年作为苏州第一批非遗项目入选我国国家级非遗目录，这对苏扇这一传统手工技艺来说是一种评价，更是公众对苏扇的热爱，苏扇肩负着人们的期望。但普遍苏州地区传统工艺美术发展都不乐观。2003年联合国教科文组织通过了《保护非物质文化遗产公约》，2004年8月，我国正式加入了此公约。2005年3月，国务院印发了《关于加强我国非物质文化遗产保护工作的意见》。6月，文化部组织召开了全国非物质文化遗产工作会议，启动了建立国家、省、市、县四级非物质文化遗产名录体系的工程。2005年12月，《国务院关于加强文化遗产保护的通知》下发。值此，苏州政府多次出台了相关的保护措施，甚至是立法措施。2012年，市政府出台了《苏州市传统工艺美术产业优化发展规划》。对于促进我市传统工艺美术产业稳步健康发展，实现产业地位和整体实力的较快提升起着重要作用。紧接着颁布《苏州市传统工艺美术保护条例》，从制定地方法规的层面加强对传统工艺美术的保护，形成传承保护、人才培养、鼓励创新、行为规范等制度体系。2014年1月起实施《苏州市非物质文化遗产保护条例》，为产业的发展进一步提供法制保障。
2资金扶持，行业协会引领，提升品质
为了促进这些非遗项目得以更好的保护和传承，苏州市文广新局每年从苏州市非物质文化遗产保护专项资金中拨出三分之二用于名录项目的抢救保护及项目传承人的项目传承资助和补助。此外，在国家和省每年拨付的非遗专项资金中也都有一定经费用于对工艺美术类项目的扶持。政府的转型升级专项中的平台建设资金也向其重点服务和倾斜。2013年度苏州市级财政专项资金项目申报指南别提出《苏州市工艺美术产业优化发展规划》，凡工艺产业领域的产品设计、检测、展示等类别的公共服务平台项目可单列上报。发挥协会作用大力加强工艺美术产业的行业协会建设，广泛吸纳从事工艺美术产业的企业、工作室、个体经营户和知名艺人、知名教育授艺者加入协会。凡组成工艺美术产业的各门类，有条件的都可以在市工艺美术行业协会下面成立分会或专委会。在苏州工艺美术行业协会开展政府职能委托、转移的试点，发挥协会作用，提升协会地位。
3搭建平台，积极展示，扩大影响
在传统工艺美术产业相对集中、集聚并初具规模的地区，鼓励和支持当地政府及各类民间资本投资建设研发、展示、销售、培训等内容的公共服务平台，鼓励搭建那些代表苏州工艺美术产业水准的分门类展销平台。针对传统工艺美术行业从业人员缺乏现代创新创业所需的文化艺术、信息、市场、知识产权等知识，以及从事现代产业运作的管理、资金运作等能力的问题，以中国工艺文化城为平台开展各类交流活动，与中国工艺美术集团公司对接，从而为全市的工艺美术产业优化发展发挥好引领推动作用。苏扇积极参与参展各类文化交流活动，例如中国工艺美术大展、苏州市的传统工艺美术产业博览会等，努力扩大苏扇的影响力和号召力。
4加大人才建设力度，建立校企合作机制，培养人才
围绕加快产业发展，加大专业技艺人才、产品创新创作人才和市场开拓经营人才的培养力度。我们注重对现有初、中、高级从业技艺人员的再培训、再教育。同时大力加强和完善国家、省、市三级工艺美术大师（名人）申报、评审和命名工作。鼓励和支持各类人才参与参评，以不断培养壮大全市传统工艺美术人才队伍，为产业健康发展打下坚实厚重的人才基础。苏扇有中国工艺美术大师1名、江苏省非遗传承人1名、市级传承人1名、苏州市工艺美术师十多位，形成了一支实力较为雄厚的苏扇人才队伍。此外，通过建立校企合作，解决工艺美术类项目后继乏人的问题，地方职业院校和苏扇项目，以设立课程等多种培养模式，培养传承人才。苏扇的国家级非遗传承人邢伟中和省级传承人陈琴等多名工艺美术大师与专家和苏州工艺美院、苏州旅游与财经高职校、吴少年活动中心等机构之间培训合作、建立传承基地。实践证明，形式多样的培养模式，对于培养传统工艺美术的爱好者和后继人才等方面有着积极意义，并且取得了较为突出的成果。
5保护知识产权，鼓励创新，打造品牌
根据我国著作权法规定，传统工艺美术作品作为美术作品，受著作权法保护。高度重视包括传统工艺美术文化产业在内的版权产业发展。2012年，市知识产权局专项资金引导资金支持中国工艺文化城创建苏州市“正版正货”示范单位，投入引导资金实施工艺美术版权服务平台项目。充分发挥工艺美术版权服务平台等作用，积极引导传统工艺美术文化企业和从业人员加强自我保护，重视原版作品版权登记保护工作，将不断鼓励和引导工艺美术企业和从业人员注重创新发展，不断开发新品种，研究新技艺，提高工艺美术产品的艺术性、观赏性和附加值。鼓励和支持企业采用先进技术改造提升传统工艺美术产业，促进产品结构调整和升级换代。苏扇由原来的代加工转为自己的品牌，“如意”牌檀香扇获得了百年老字号的称号、江苏省著名商标。当前是社会繁荣文化产业兴起的一个良好的发展机遇期，如何在新时代下对传统工艺美术文化产业营造更好的生长土壤，培植更好的经济环境，打造更好的传承沿袭平台，这是苏扇保护与传承的历史命题，也是非遗工作者的责任和义务。
作者：周敏 单位：苏州旅游与财经高等职业技术学校
传统民间工艺品种繁多，艺术独特，历经千百年的锤炼，蕴含着丰富的历史价值、文化价值、科学价值和经济价值。世代相传，融合中外，推陈出新，闽南民间工艺从单纯的手工技艺上升为一种独具特色的文化，具有鲜明的民族性和地域性，是闽南文化和艺术的活化石。它以物化的形式融合于闽南民间的日常生活，体现出民间艺人质朴、纯真的情感和对美好生活的向往。闽南石雕整合了工艺元素和文化艺术，化顽石为神奇，极富艺术之魅力，繁多的种类、独特的风格和浓郁的地方色彩，驰名中外，独树一格。闽南木雕始于先秦，兴于唐宋，成熟于宋元，明清时期步入巅峰。既有古朴、淳厚的中原雕刻工艺的痕迹，线条流畅，人物造型生动，又具有闽南文化精巧的成分，充分表现出闽南侨乡的艺术特点，作品更是享誉海内外。闽南陶瓷均属民窑，从内容到形式，处处反映出民族化、大众化的特色。独特的瓷烧技术，精巧的工艺，简洁的装饰，体现了民众淳厚、质朴的审美情趣。闽南花灯将雕刻应用于骨架的设计上，绘画和书法融于纸面的花色调配上，造型和漂染工艺应用于花灯创作的整个过程。丰富的造型、柔美的线条、精巧的工艺，创造出一种意蕴和谐之美。闽南纸扎千年传承，内容丰富，造型生动，简练概括，经过剪、镂、镶、贴形成强烈的装饰效果，作品在海内外颇具影响力。闽南民众创造的丰富多彩的民间工艺美术资源具有丰厚的民俗内涵，艺术的原发性、创造性和手工技艺正是一切艺术表现取之不尽、用之不竭的源泉，同时也成为具有闽南特色的民间艺术手工制作课程的资源库。
二、闽南民间工艺美术融入当代艺术设计的有效性和可行性分析—以漳浦剪纸为例
漳浦以“中国民间（剪纸）艺术之乡”享誉中外，素有“金漳浦”之美誉。漳浦剪纸艺术源远流长，据《漳浦县志》记载：“元夕自初十放灯至十六夜，乃已神祠家庙，或用鳌山运傀儡，张灯烛，剪彩为花，备极工巧。”可见唐宋时期漳浦剪纸艺术就开始应用于花灯装饰等民俗活动。⑤剪纸俗称“铰花”，与刺绣艺术有关，常被应用于刺绣底样的创作。在中原文化如贴“窗花”习俗等影响下，漳浦剪纸逐步以独立方式使用在各种婚庆典礼、祭拜祖先等民俗活动中。如今漳浦剪纸已被世界认可，并在对外文化交流中发挥作用和产生影响，具有一定的经济价值和社会价值。继承传统、力求创新是任何民间艺术发展的关键，没有创新就没有生命力。漳浦剪纸在中国民间艺术中占有一席之地，主要表现在其艺术风格的独特性、艺术技法的原始趣味性和艺术品自身焕发出的美感。通过高校艺术设计教育从理论上探讨漳浦剪纸的构图形式、造型手法、创作意识等，增强在当代艺术设计中民族性、本土化的创新与应用，并在具体的艺术实践中探索漳浦剪纸与环境设计、装饰设计、平面设计等多个专业领域的结合点，注重传统与现代的结合，以新的设计艺术形式、设计语言符号使设计产生新的飞跃。
1.漳浦剪纸在环境设计中的应用漳浦剪纸所反映的内容非常丰富，其中包括闽南地区的地理环境、百姓的日常生活和传统习俗活动以及民间神话传说等，这些都以独特的符号融入剪纸作品中。例如，茶壶就是剪纸中最常见的装饰图案，这无疑渗透着闽南人爱喝茶的习惯；剪纸中常加入一些龙虾、鱼、螃蟹等水产品，这充分体现剪纸的闽南地域性和其来源于生活的传统特征。作为一种独特的设计素材，无论是在思想上还是文化的传承上，都将成为本土风格环境设计的创作源泉。同时漳浦剪纸在艺术表现上立足本土，注重主观想象，艺术构图奇巧、简练明朗、古拙抽象，表达着古老的民俗文化传统，具有浓厚的“原生态”趣味及“乡土味”气息，这对设计本土风格的环境设计具有重要意义。设计师应该以保护和传承历史文化为己任，唤醒人们对本土文化的记忆，将其融入现代城市功能设计中，赋予建筑内外部的空间乃至整个城市浓厚的本土特色风情。漳浦剪纸主要运用红色，通常以单色为主，其他颜色作陪衬，在对比色中求谐调，颜色上的创新运用突出了工艺装饰效果。这对设计闽南本土风格的室内空间有着重要意义。例如，在现代环境设计中可运用漳浦剪纸的图案，采用闽南地区的红砖、白石为装饰材料，设计出有关闽南红砖文化的主题浮雕、壁雕等作品。漳浦剪纸造型独特，收放自如，运用在现代室内外立体造型的细部装饰上，如隔断花墙、装饰品花架、屏风等，具有通风采光、借景叠景等功能，不仅起到了特殊装饰和美化环境的作用，而且也增加了艺术氛围。另外，还可以运用闽南文化元素的剪纸图案制成各种镜框式、挂历式的装饰画和装饰品，以此带动室内陈设品行业的发展。窗帘、沙发靠垫、沙、桌旗、布艺床品等都可以采用漳浦剪纸传统图案，这不仅使室内空间更具本土色彩，还能寄托民众美好的愿望。
2.漳浦剪纸在装饰设计中的应用漳浦剪纸将闽南人民物质生活和精神生活以图案的形式表现在作品中，形成了一种独特的艺术表现形式，折射出闽南人的性格和意识形态。漳州剪纸利用本身图案的抽象造型来反映闽南地区的意识形态和思想，糅合闽南传统文化。现代装饰设计对于诸如漳浦剪纸这类传统工艺的应用遵循“批判和继承”的原则，既尊重其自身发展特性，又对其进行产品创新，既将其作为现代装饰的补充，又在现代装饰中很好地对漳浦剪纸进行有效地传承。传统漳浦剪纸在线条、构图、剪功等方面具有特殊性，折射了闽南文化多元化的特征和细腻雅致的审美取向，传达了浓郁的乡土气息。现代装饰艺术中对于漳浦剪纸的应用可从以下方面为出发点：一是结合装饰设计作品的主题，充分挖掘漳浦剪纸的特点，在作品中对其在材料、线条、构图等方面进行大胆创新。二是根据不同设计作品的特殊风格，在刺绣种类、色彩选择、图案设计等方面进行搭配，凸显出漳浦剪纸的固有特性，同时又在装饰作品中呈现出典型的剪纸特性。3.漳浦剪纸在平面设计中的应用鲁迅先生说过：“在现在，艺术上是要有地方色彩的，有地方色彩的，倒容易成为世界的，即为别国所注意。打出世界，即于中国之活动有利。”⑥漳浦剪纸蕴藏着特有的文化内涵和艺术韵味，具有特殊的地域性和造型手法。比如，漳浦剪纸通常采用“排剪”技法，结合“阳剪”为主、“阴剪”为辅的表现手法，形成其在工艺上纤巧细腻，构图上线条简练、圆满匀称、对称平衡的特征。同时在物象形态的刻画上应用的简约意象表达方式或夸张的艺术表现形式等都可以为现代平面设计所利用。因此设计师可以从以下三个方面去考虑，一是将设计主题与剪纸图形意蕴相联系，从创意选题的角度思考选择恰当的主题表意，有目的地去把握对象的整体结构式样；二是从创新的角度在图形、材质、风格等方面上将漳浦剪纸包含的图形图像或其他意象特征进行夸张变形、化繁为简、重组创新，深化对漳浦剪纸艺术的价值认识，同时与现代平面设计的构型审美相结合，利用剪纸图形的形似和神韵创造出贴切的图形语言；三是在表现技法上运用“排剪”技法创造出新的设计表现语言，扩展设计的表达形式，将漳浦剪纸的视觉特征融入现代平面设计之中。
三、民间工艺美术融入高校艺术设计教学的方法
“生产者的艺术是世代人民所创造、所传播并表现他们审美观念和艺术情趣的文化艺术形式。”⑦民间工艺美术作为生活世界的认知和诉求，是群体意识与思想认识的一种反映方式，不仅包含了大量原生态艺术图形和工艺技法，还体现了人类本源的思维意象、审美观念和情感表现。因此，在艺术设计教学中不仅是要拓展学生的技法表现手段和途径，更重要的是要引导学生正确认识民间工艺美术的文化价值，真正体味到民间工艺美术的文化内涵和情感魅力，并应用于现代设计。
1.在艺术设计教学中开设民间工艺美术课程审美认知与创造力的培养是高校艺术设计专业教育的核心，民间工艺美术样式几乎都同时具备了高校艺术设计专业教育的基本要素。在艺术设计教学中，应以其审美鉴赏、技艺造型、品格精神等为基本内容，积极开设具有本土特色的民间工艺美术题材的艺术课程。在教授过程中，采用教与学的互动方式，增加学习的趣味性，突出创造的成就感，培养学生的动手能力、造型能力、材料的把握和认识能力以及创新思维精神，激发独立思考的意识，并在教学实践中引导学生去发现美、感受美、鉴赏美、创造美。诸如剪纸、雕刻、漆艺、陶艺、编织等课程，着重把研究民间美术功能的实用性、技巧的高明性、题材的丰富性、装饰的生动性、形式的多样性置于首要地位，把创造具有独特性和地域性的艺术文化作为教学的宗旨，做好民间工艺美术资源向地方工艺美术课程的转化，由此将传统与现代、现在与未来相互融合，形成未来艺术设计教学的新方向。
2.成立地方民间工艺美术研究机构，定期举办展览和讲座发挥地方的民间工艺美术文化优势，发掘和整合地方文化资源，成立高校民间工艺美术研究机构。组建一支以地方高校教师为主的研究团队，同时聘请地方各个门类的工艺美术大师、领军人物为客座教授，共同探讨民间工艺美术资料的收集、整理、理论研究和相关教学工作。通过对传统工艺的传承、保护、创新、开发和研究，积极运用现代艺术设计理念，将传统工艺的实用性、经验性和学术性特征应用于校本教材的编写中，用时代和科学的态度加以继承和改造，通过条分缕析、去芜取精、发展提高，形成一个特色鲜明而又具有时代感染力的文化产品体系。在教学中将民间工艺如雕刻、剪纸、编织等引入课堂，活化课堂教学，同时又让学生能够直观地感受到民间工艺美术的独特魅力以及其在设计领域中的突出表现。另外，可以让民间工艺大师将制作工艺直接带入课堂，通过举办专题活动，从表演技艺开始给学生讲授和示范制作工艺，让他们亲身体验民间工艺美术的神奇。定期开展民间工艺美术展览、学术交流、课题研究和专题研讨等，形成多种形式的教育方式，将民间工艺美术资源真正融入现代艺术设计教育。
3.创立民间工艺美术校内工作室和校外实践基地根据民族民间工艺美术的种类，结合其美术特点对艺术设计教学实验室进行改造形成专门的工作室，以工作室为载体，通过选修等方式实行开放式教学，将理论与实践融为一体，如漳州剪纸工作室、惠安雕刻工作室、闽南“妆糕人”泥面塑工作室、树脂彩绘工作室等。工作室的教学主要采用艺人的“技”和教师的“艺”结合，即通过教师对设计作品创作思想的理论阐述与“请进来”的民间艺人的技术培训相结合，实现与艺人零距离的“手手相传”，将工作室中的工艺技术应用于作品的创作中，寻找与作品主题的契合点、差异点，改进民间工艺的表现形式，突出表现民间工艺技术的独特性，从而引导学生用民间工艺的手法来进行创新设计，提高设计水平。同时，“走出去”设立校外民间工艺美术实践基地，让学生到民间亲身去感受当地乡土乡情，欣赏原汁原味的民间艺术品，培养学生对民间工艺美术的情感和认同感，创造学习民间工艺美术的氛围，提高实际操作能力和研究水平。
四、结语
1、创设良好的教学环境
基于工作室制的教学，有别于传统教学模式的重要因素就是其实践性，项目化工作实验场地的构建，对于真实工作环境的模拟极其有利。通过各种设计元素的辅助，学生在真实的工作环境当中不仅能够有效巩固专业的理论知识，对于创新思维的培养，更是有着积极的影响[3]。在此过程中，应当确保教师能够具有相应的实践技能，才能使其教学能力满足民族工艺美术的设计需求。
2、积极承揽相关专业的市场项目
项目的市场化开展是决定工作室制的教学成败的决定性因素，对此，教师应当在工艺美术市场中积极寻找合作项目。比如通过与装饰公司的合作，来掌握民族工艺美术设计最为前沿的动态，更好地发现问题以便于更好地解决问题，这样才能使学生对当前的工艺设计市场有着最直接的了解，通过不断地积累经验来拓展设计思路，提升综合能力。
3、完善考核评价标准
基于工作室制教学项目的实施，是一个系统化的过程，教师应当充分发挥主导作用，对学生的一切工作进行及时的监督指导。与此同时要保证做到将考核评价标准最大程度予以完善。工作室制教学的重要意义就在于其对学生创新思维的培养，因此，考核评价标准也应当脱离传统模式的束缚，以启发性为主，最大程度激活学生的创造性思维。
4、创新教学模式
民族工艺美术专业的就业能力重在设计能力，不仅需要制定多元化的考核评价标准，同时还应当对教学模式进行创新，多多采用激励竞技方式来提升学生的设计能力。比如在进行《设计创意与表达》课程教学时，可以借助工作室所承接的简单工艺设计订单项目，开展计时考核，全程对学生的操作步骤、设计细节等等进行记录，并在项目结束时征询客户对于每款设计成果的满意度，以此来对学生进行综合性评价，既能够有效提高学生的学习兴趣，同时还能提升学生的综合实践能力。
二、结论
在笔者对木雕、竹编、麦秆画、芦苇画等企业的走访中了解到，企业普遍感到越来越难招聘到合适的技术人才，一些掌握了技能的人才要么跳槽，要么自己创业，一些年轻人急于求成，不能吃苦，不能静下心来学习，在工厂没待多久便离开。据统计，东阳木雕行业的用工缺口还有一万多人，但据笔者了解，目前东阳木雕工的日工资平均为300左右，有些技术好的人员日薪可达500元，如此高的工资水平仍然存在招不到人才的现象。东阳竹编是省级非物质文化遗产，目前从事竹编的技工，年龄大部分在50岁以上，很少有年轻人愿意投身竹编行业，东阳竹编行业面临青黄不接的尴尬，限制了企业的发展。此现象在传统工艺行业普遍存在，这主要有以下三方面原因：首先是学习周期长使年轻人望而却步，虽然木雕工的待遇高，但刚入行的一两年比较苦，每月也就一两千元，木雕至少需要两三年才能做工，年轻人急于求成，不愿花大量时间潜心学习；其次是本地人较少学习传统工艺，浙江经济发达，家长希望自己孩子上大学，不愿意他们从事传统工艺行业，所以导致本地人学习较少，来学习的主要是外省人，他们学会后许多便自己回家创业，人才流失严重；最后是传统工艺行业认可度不高，传统工艺艺人的社会地位不高，让他们感觉不到人生价值，因此难以形成行业吸引力。
据笔者了解，传统工艺行业从业人员的文化水平普遍较低，如麦秆画、芦苇画需要视力好的年轻人，员工大都40岁以下，技术工人绝大多数为初高中的学历，而一些年龄较大的艺人的文化水平则更低，木雕行业学徒文化水平也较低。文化素质偏低的原因是多方面的，一方面是年轻学徒为了掌握一门手艺谋生，九年义务教育完成便拜师学艺，很少考虑提升自己的文化素质，另一方面部分企业在招聘过程中十分注重技能水平，认为文化水平对公司的发展并无大的影响，因此公司注重技能培训，而很少对员工进行一些文化素质培训。文化水平对产品的创作是潜移默化，技能熟练职能是技工，却无法成为大师。更为现实的问题是传统工艺人员在评工艺美术系列职称时，文凭条件一般要求中专、职业高中或相当高中学历，低文化水平将会限制行业人才的自我成长。在对一家芦苇画生产企业了解到，该企业有员工40人，年销量500多万，且呈增长趋势，公司经营人认为目前企业的产品比较缺乏创新，一些几十元的作品还是以模仿网络或杂志的画为主，只有一些参加工艺美术大赛的得奖作品是业主自己所创作。企业里只有四人掌握芦苇画的全部工序，其他学徒只会一到两个工序，他们的任务主要是完成自己的分工环节，很少有人自己创作作品，主要是模仿师傅的样品，学徒无创新思维，该厂曾接到日本的订单，但是创意还是由对方提供，工厂只负责按样板生产，这种方式无疑会降低产品的附加值，难以塑造企业的形象。同样，在东阳市的木雕城调查发现，木雕产品在创作题材和内容上基本上都沿袭了传统东阳木雕的形式，缺乏创新思维，一定程度上脱离市场需求，竹编产品亦是如此，仍是一些古老的样式和题材，缺乏现代人的审美意识和需求，缺乏时尚，缺乏创意，这将限制了行业的发展壮大。
目前，社会对传统工艺人才的培养方式主要有三种方式：师徒传承占主要地位，家族传承日渐稀少，社会化教育方式有所偏差。
传统工艺行业的人才培养依旧是以师傅传承为主，有些是徒弟交学费学习师傅全部手艺，学会后便自己创业，有些是跟随师傅学习后在师傅工厂工作，这些人一般只掌握部分技能，也有一些徒弟在学习期间不发工资，只给生活费。具体的学习形式多样，然而，这种人才培养方式依旧存在弊端：首先是培养范围有限，一个师傅所能带的徒弟人数有限，一般为10人以内;其次，徒弟和师傅所学习的更多是技能，在创新上缺乏学习氛围。在当今产业化发展背景下，此人才培养方式依旧不能满足社会的需求。家族传承这种古老的培养方式，不但保证了技艺的完整传承，同时也使得人才培养可以低成本进行。但此种方式传承人数有限，特别是随着市场经济的发展，子女可以选择的就业机会很多，子孙若不愿学习技艺，将导致技艺失传。在手工艺传授方式中，家传的方式变得越来越少见，家族传承断档的情况最为严重。在笔者对芦苇画胡师傅的采访中了解到，他的儿子目前在上高中，对儿子以后是否继承父业，主要取决于儿子自己。
工艺美术院校曾经是工艺人才培养摇篮，但是，随着上世纪90年代初计划经济体制向市场经济的转轨，全国97%以上公有制工艺美术企业相继倒闭或改制，相关大专院校或被本科院校兼并或根据市场需求进行专业调整，这些院校的教学定位，不再注重对传统工艺美术的教授。以我国成立的第一所艺术设计高等职业院校———苏州工艺美术职业技术学院为例，近几年的招生专业主要为广告设计类、环境艺术设计类、服装设计类、数字技术类、装饰艺术设计类专业，这些专业皆为市场需求旺盛的专业，唯有陶艺设计专业与传统工艺有些相关，但课程主要还是以基础理论和设计及理论为主，主要培养从事陶瓷艺术设计的人才。长期以来，清华美院一直是全国各大本科院校培养工艺美术人才的龙头，以清华美院和四川美院为例，近几年的招生专业分为艺术设计类、造型艺术类、理论类三大块，人才培养的目标主要是能胜任美术设计工作和研究工作，能在企业、工艺美术研究所、各院校从事设计或教学工作。因此，教学上主要以理论为主，实践环节较为薄弱。这种教学方法能提高设计和创作能力，但若作为传统工艺人才的培养还远远不够。
根据《传统工艺美术保护条例》的界定，传统工艺美术属性中包含两个重要内容：文化属性即（文化艺术性）和品质属性（技艺精湛），这客观上要求传统工艺人才应该具有综合的能力和素质。笔者认为，市场经济条件下，传统工艺人才应该必须具备三方面条件，即技能、文化和创新。技能是指必须要彻底掌握并领悟传统工艺的技法，正如黄小明所说“：技能是艺术的基础，作为东阳木雕传承人，必须娴熟地掌握东阳木雕各种技法，并对各类表现手法与形式了然于胸。”[2]文化是指必须要有较高的文化修养，包括广博的知识、丰富的阅历、正确的世界观、独到的审美意识等多个方面。创新是指必须要具备创造能力，包括敏锐的感知力、丰富的想象力。新形势下，传统工艺人才的培养并非靠师傅、企业等单一力量便能完成，人才的培养离不开传统方式，更离不开社会教育，同时也离不开政府等各种因素，只有完整的培养体系才能满足传统工艺市场化、产业化的发展需求。
随着传统工艺产业化的发展，对人才的需求量日益剧增，仅仅靠师傅教授或者家族传承、企业培养已远远满足需求，因此有必要采用批量化的培养方式来解决这一难题。高职院校以服务地方经济为己任，理应承担发展区域文化的历史使命，发挥文化传承、文化创新的职能。与本科院校不同，高职院校在办学上基本采用工学结合、校企合作的模式，教学上注重培养学生实践能力和动手能力，这与传统工艺的人才基本素质要求正好契合。此外，传统工艺具有鲜明的地方特色，在传统工艺发展良好的当地进行人才培养，将有利于产、学、研的有效结合。东阳木雕是全国四大木雕之一，在全国木雕行业里的规模最大。目前，东阳市内真正搞雕刻的企业大概有600多家，再加上雕刻家具的企业在内大概有1000多家。由于东阳木雕的应用面广，需求量很大，现在东阳的从业人员大概有4万多人[3]。随着东阳木雕产业的快速发展，木雕人才十分稀缺，于是，浙江广厦建设职业技术学院（以下简称广厦学院）依托中国木雕之都、工艺美术之乡的区域优势，开设了全国首个木雕设计与制作专业，至今已招收了200余名全日制学生。2011年，首届木雕班学生毕业，未到毕业就被一抢而空，有一位毕业生的作品在中国国家博物馆“中国木雕艺术展”中获银奖。广厦学院自开设木雕专业以来，把传统的“师傅带徒弟”的单一技能培养模式变为科学系统的知识和技能综合培养模式，为行业输送有较高文化修养、艺术修养的木雕行业高素质高技能人才。在具体的人才培养实践上，主要包括以下几方面：（1）建立“工厂化”硬件设施为了实现校内实训基地工厂化、仿真化，让学生在一个真实的职业环境下，按照未来就业的职业岗位群对基本技术技能的要求，进行实际操作训练和综合素质的培养。通过产学合作、校企合作的方式，不断改善实训基地条件，积极探索校内生产性实训基地建设。目前已建成木雕技能操作中心、木雕艺术展示中心、木雕装配机器操作室、数控精雕实训室等生产性实训基地，满足了教学的要求。（2）建设专业师资队伍优秀的师资力量是培养高质量人才的保障，目前该专业共有教师10名，其中高级工艺美术师1名，讲师4名,工艺美术师5名；兼职教师4名，其中亚太地区手工艺大师1名，中国工艺美术大师2名，浙江省工艺美术大师1名；技师职称的实训指导教师5名；特聘教授3名，分别是陆光正（国家级非物质文化遗产东阳木雕传承人）、冯文土（国家级非物质文化遗产东阳木雕传承人）、卢光华三位中国工艺美术大师，其中陆光正大师为专业带头人。（3）采用特色教学模式木雕专业不同于高职院校的其他专业，在教学上必须根据专业特色，构建适应岗位需求的教学模式。学院在教学上主要注重以下几点：第一，采用“边学边做”的教学模式，学生从入学就开始实行上午理论学习，下午到实训馆实训的教学模式；第二，专业课程实行“2个一致性”的教学方式，即课内实践项目与企业项目一致性，专业课程考核方式与企业考核方式一致性，真正做到职业教育与岗位“零接触”，让学生提前体验岗位职责；第三，实行“手把手”、“一对一”的指导，木雕专业课程中，由三十多年实践经验的实训指导教师和教学指导教师共同作为现场指导教师，实行“手把手”“、一对一”的指导，积极开展现场教学，使“教、学、做”融为一体；第四，开展校企合作，以来料加工的方式，为东阳木雕企业生产木雕产品，不仅为学生提供了学生实训的材料，更为学生提供了真实的实践场景，对学生实践能力的提高起到推动作用；第五，执行工艺美术大师带特长生的制度，由陆光正、徐土龙等工艺美术大师指导培养特长生，提高学生的技能，也为东阳木雕培养大师后备力量。
在传统工艺行业中，大多数是以中小型企业或家庭作坊形式存在，同时这些企业也有意识培养学徒。尽管师徒传承具有带徒数量有限、周期长等缺点，但手把手的教学方式却能保证学到真技艺。因此，在社会各种培训班、提高班追求速成的情况下，在急于求成的当代社会“，言传身教”的师徒制依然有无可替代的作用。历史上，师徒传承是手工制造业人才培养的主要模式，解放前江浙一带的学徒制就是典型的代表。在过去，学徒与师父之间要不有血缘、要不有地域联系，师徒如父子，确立师徒关系是相当隆重的事情，学艺期间一切听命与师傅，有的甚至几年不回家。不过在现代社会，师傅徒弟的地位是平等的，只是新时代的师徒关系大多建立在劳动合同的约定之上。按照现代石雕行业的规矩，学徒时间一般为三年，师父提供吃住，但不付工资，三年满师后根据个人的技术条件，留在作坊里继续雕刻，按月薪付给工资报酬，如个人技术条件好，也可自立门户继续招收徒弟。在大中型的企业中，为了保证师徒传承的高质量，高效率，企业可以从以下几方面改进：将培养徒弟的成绩纳入师傅的工作考核体系，对带徒成绩出色的师傅进行奖励，促进师徒利益一体化；从不同角度对徒弟进行专业能力的培养，可通过交叉拜师的方式培养徒弟的综合素质和能力。
截至2010年底，浙江省有亚太地区手工艺大师1位，中国工艺美术大师33名，浙江省工艺美术大师200名，高级工艺美术师282名。随着传统工艺市场化的发展，这些数量远不能满足市场对大师的需求，再加上这些大师大都年龄较高，需要有下一代大师后备力量来传承技艺。因此，为了培养新一代大师，就需要当代的大师广收徒弟，传承绝技，其实这也是大师传承文化的责任。在政策上可以借鉴福州市有关做法：对获得国家、省级的工艺美术大师或高级工艺美术师，要求每人传帮带一定数量的学生，每月给予一定的补贴，鼓励支持工艺美术大师带徒，引导文化水平相对较高、有美学基础的人员拜师学艺。大师带徒实践案例很多，如中国工艺美术大师冯文土在被评为国家级非物质文化遗产东阳木雕传承人后，在东阳开设了创作室，带了一批徒弟，其中一些徒弟已是省级工艺美术大师。此外，每年都有广厦学院木雕专业的学生到大师工作室实习，优秀的学生会被留下来继续工作和深造。在大师带徒的政策上，广东省走在全国前列，广东省人力资源和社会保障厅、广东省经济和信息化委员会于2011年11月11日联合印发了《广东省工艺美术大师示范工作室认定办法（试行）》。其中就规定了工艺美术大师的工作任务为：传承绝技，恢复、发展传统工艺美术品种，抢救、传承和保护传统工艺；创作精品，大师与继承人（传人）分别或共同设计、制作工艺美术精品佳作；培养人才，通过技艺传承、制作精品、资料整理、理论研究，培养能够继承传统技艺和知识体系，掌握实际技能的继承人（传人）[4]。此举从政策上鼓励和引导工艺美术大师传承绝技、创作精品、培养人才，属全国首创，对其他省市具有借鉴意义。
在笔者调研中了解到，传统工艺行业人员文化水平普遍偏低，年龄多为40岁以上，他们经验丰富，技能熟练，但是严重缺乏理论知识和创新意识，行业的产品同质性尤为严重，这必然会限制传统工艺行业产业化的良性发展。因此对于这些行业的中坚力量，因对他们进行再教育，提升他们的综合素质。可设立行业再教育基地，对从业人员进行再培训，或举办各种形式的进修班、高级研修班。如：东阳市2011年承办了中国工艺美术国家级培训东阳木雕高级研修班，来自浙江的204名木雕艺人参加了培训，同时举办了全市中高级木雕技工培训班，参训人数132人，效果甚好；地处东阳的广厦学院在2012年初开设全国首届木雕成高班，首次面向社会招收木雕专业人才，开办了全国首届木雕成高班，这一举措，为培养高素质木雕工艺大师，振兴东阳木雕传统文化和提高木雕行业人才的学历层次、技术水平起到了积极作用。
关键词：中国传统工艺美术 现代工业设计 融入潜力 重要组成 必要性
正文 我们应该担当起怎样的责任，我们又被时代赋予了怎样的责任，我们应该怎样去做才能不辱使命。怎样将中国传统工艺美术融入现代产品设计中，这是所有未来工业设计师所应该思考的问题。面对我国正在蓬勃发展的设计事业，我们在学习世界设计的同时应当开辟出一片有着中国特色的工业产品设计领域，将我们中华文化融入现代工业产品的设计之中。
中国传统工艺美术蕴含现代工业设计理念 lwkoo.cn 毕业论文
中国传统工艺美术历经时代的沧桑，在无数先辈努力下，经过数千年实践的锤炼，才有了今天涉及我们生活方方面面，及政治.经济.文化等各个领域的中国传统工艺美术。中国传统工艺美术自古以来通过对自然万物的尊重、承认和包容，通过沟通、协调而达到和谐统一的风格。直至今日，随着科技的进步，生产力的发达，自然的平衡却已经打破，此时人们才意识到人与自然和谐相处的重要性，提倡环保、绿色设计、人性化设计等等。
中国传统工艺美术的这一深厚底蕴深刻的揭示了人与自然的关系以及现代工业设计的发展方向，如何将先人千年来总结的中国传统工艺美术的规律与成果运用到今天的现代产品设计，将是一个值得我们研究和深思的话题。
中国传统工艺美术是世界工艺美术的重要组成。
中国人口之众，中国文化早已向世界各地传播，影响深广，其市场潜力是不可估量的。中华文化对世界的影响之大，以及其在世界文化中所占比重之最也就决定了将中华文化融入现代产品设计的价值前景是无限的，潜力是无穷的。
如《众神聚宴》，是文艺复兴早期意大利威尼斯派最杰出的画家之一的乔凡尼·贝利尼 (Giovanni Bellini，1430-1516年)所作，是文艺复兴时期人们向往的理想世界的写照。画中值得一提的是，诸神所用的器皿均是中国宋代烧制的青花瓷，可见当时中国传统工艺美术的名声远播以及那个时代的西方人对中华文明的崇拜和神往。
中国传统工艺美术中的设计元素中充满生命活力之美。纹饰里面的动物纹主要是继承和发展了原始的图腾。如所反映的夔龙纹、夔凤纹等等，都是根据中华民族所崇拜的吉祥神圣之物的龙、凤等演变而来的，风格怪异，并且具有明显的原始社会图腾崇拜的标记。
龙纹是中华民族最吉祥、最神圣的纹饰，它的形象不是在青铜器上才出现的，远在新石器时代就已有龙的萌芽。在青铜时代，龙的真正形象出现了。它是多种动物形象的综合体，是一种经古代人民创造性想象而产生的怪异而神秘的动物形象。它最初的原形主要是以蛇为主，因为在中国古代有龙蛇互化之说：“龙或时似蛇，蛇或时似龙”等说法。而龙的形象在商周青铜器中并不少见，它把表现的每一个部分都抽象化了，并且还有选择性的进行了强化。
凤最初的形象是玄鸟（玄鸟是中国上古东夷族的图腾），和龙一样，它也是上古人民想象出来的一种动物，也是一个综合了多种动物的形象而创造出来的神鸟。它的羽毛是吸收了孔雀的形象特征，它尖锐的爪子是取自愈凶猛的鹰。《韩诗外传》里就有关于凤的描述，“夫凤之象，鸿前而鳞后，蛇颈而鱼尾，龙纹而龟身，燕颔而鸡啄。”它也是吸收和融合了别的氏族的文化。但是这里的凤纹变化极多，可与夔龙纹相媲美，也给人一种神秘感。 中国五千年文明的发展，无论是宫廷美术还是民间美术，无论是文人画还是宗教画，经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践，积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。从新石器时代的彩陶到殷商时期的青铜，从战国时期的器皿、帛画到汉代的雕塑画像石，从唐宋的绘画到明清的瓷器 ，以及民间广为流传的剪纸、木版年画、建筑、纹饰、戏装、面具等等，充分体现了或恢弘灵巧，或简约或精致，或工整或粗放或热烈或娟秀，或质朴或奢华等多种手法。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案；无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画，这一切无不为现在工业设计提供着丰富的表现形式和图式装饰语言。在我国历史上，农业社会留下过丰富的历史遗产，今天我们游览和保护的许多历史遗迹，在当年都是社会生产不可或缺的工具或建筑。要走出一条“民族个性”的道路，就必须根植于民族文化土壤中，向传统工艺美术学习，并进行具有创造性的转化，使中华传统设计元素用在当代工业设计中既具有“民族个性”又有“时代性”，这样，我们工业设计才能真正走“国际化”。 lwkoo.cn 毕业论文
中华传统艺术在经过漫长的历史凝炼后，逐步形成各具典型文化内涵的图形和纹饰。他们包括人物、植物、动物、图腾、几何符号等形式在内的图像，以及一些流传广泛的典故、成语、传说中的人物、景物，一些约定俗成的事物及组合。这些乡土味浓郁的图像元素是民族工艺美术的重要组成部分，如果将这些富有民族形式特征的元素有机的组合到现代工业设计中，无疑会给单调枯燥的现代工业设计风格带来一股清新的空气。
中国传统工艺美术融入现代工艺设计的必要性
信仰则是文化的重要组成部分，更是对传统工艺美术的继承和发展，没有文化的根基信仰也将荡然无存。现代工业设计要中国传统工艺美术的抛弃，整天跟着西方的屁股跑，也是没有出路的。而且，随着国外的设计兴国的战略而来的不单单是市场上出售的设计产品还有他们民族的文化内涵，这些文化正通过我们对他们产品的使用而深深的影响着我们的生活，甚至正在冲淡我们中国传统工艺美术文明传承。这难道不足以让我们在先人的灵位前感到羞愧吗？
因此将中国传统工艺美术文明融入现代设计，创造出我们自己的工业设计文化以推动和延续中华文化是十分必要的。否则，中华民族将失去引以为傲的五千年文化，届时我们又将凭借什么立于世界之林？又有何面目自陈我们是炎黄子孙、龙的传人？
因此，作为设计师必须善于抓住可以用于现代工业设计的精髓，融会贯通。而要想抓住传统元素的精髓，则需要不断的学习和在生活中的体会了。这一点，我觉得我们国家的教育方式以及应试教育的本质对于下一代关于传统设计元素的学习和引导很不利。
将中华传统设计元素融入现代产品设计并不是简单的在产品表面绘制有中国传统特色的图案就可以了事的，文化在产品中的融入应该是一种精神文明和文化情感的融入，并且以产品本身为载体自然而然的表现出来，传达出产品所承载的文化内涵，这也正是产品在经济价值、审美价值之上的第三种价值——精神价值的体现。
结论
将中国传统工艺美术中的设计元素融入到现代产品的设计中不单单是提升产品价值促进中国产品走向世界的催化剂，更是继承和发扬中华文化的必经之路。倘若，我们没能重视起我们的博大精深的中国传统工艺美术中的设计元素，在设计上始终处于对西方的模仿甚至照搬上，那么我们的工业设计事业将永远落后于世界，我们的文化也很有可能在世界文化的冲击下所消逝，到那时，我们留给后人的只能是五千年的忧伤。
参考文献
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2 林毓生 著 中国传统的创造性转化 [M] 三联书社 1997
关键词：工艺美术；现代茶馆；装饰设计；应用策略；茶文化
中国茶文化不仅仅讲究内涵、价值、理念、修行、哲学这些精神层面的东西，还十分注重器物、形式等方面的内容建设。长期以来，我国茶文化本身带有的“东方闲情逸致”色彩以其“内敛质朴”的审美想象力，在世界上扮演着独具特色的文化形象，给国外的受众提供了独特的心理体验，尤其是近些年来兴起的茶文化旅游更是将我国茶文化的审美智慧展现得淋漓尽致。作为茶文化在形式层面的一种集中展现，现代茶馆融合了传统的装饰设计元素和现代工艺美术的诸多理念，给生活节奏较快的现代人提供了一个重要的消遣场所。从我国较为知名的老舍茶馆、杭州西湖茶馆等内部装饰设计来看，巧妙地将古今中外的工艺美术理念和元素应用到茶馆中是提升茶馆消费档次、文化底蕴、审美体验的重要方式。作为一种改善人们生活情趣和环境造型的艺术，工艺美术的诸多内涵和外延都可以在现代茶馆的装饰设计中进行大胆的尝试应用，从而提升茶馆的文化软实力。
1工艺美术应用于现代茶馆装饰设计的必要性
现代茶馆的兴起是城市化、工业化、国际化、商业化等趋势综合交叉的产物，常见的类型比如有茶艺馆、商务茶楼等，其基本的功能在于社会交际和商务洽谈等。现代茶馆设计相较于传统的茶馆设计最为本质的特点之一就是讲究“市场细分”和“文化享受”，是一种内嵌于现代生活的消遣场所。将工艺美术相关理念和元素应用到现代茶馆的装饰设计中具有很强的必要性：
1.1现代茶馆的人文关怀属性薄弱
我国茶馆在古代一般也被称为茶坊、茶肆、茶楼、茶摊、茶社、茶屋等，最早可以追溯到西晋时期，我国古代茶馆的整体特点是讲究喝茶消遣但不过分突出精神享受，只注重满足人们对于饮食的需求，水平档次层次较低等。大概从20世纪80年代开始，现代意义上的茶馆开始兴起，茶馆的风格定位主要是服务于现代都市人的物质需求和交往需求，融合了古代风格和现代风格两种基调。在茶馆的功能方面，现代茶馆主要是定位于发展茶业产业、促进茶文化交流等，因此对于茶馆的“文化软实力”之塑造来讲，需要在人文精神、传统文化、工艺美术等方面开展突破，给现代人提供一种文化家园的存在感。
1.2跨文化交际时代的文化自信力彰显
在我国茶文化的延续中，20世纪中后期现代茶馆的产生整体上与我国改革开放的进程相适应，在城市化、工业化、人口迁徙、国际化等浪潮的簇拥下，现代茶馆成为一种跨文化交际的产物和场所，很大程度上成为与“咖啡馆”、“酒吧”等西方文明分庭抗礼的一种中国文化软实力。对于当前阶段的茶馆经营、茶馆营销来讲，在一个跨文化交际的环境下巧妙地运用传统工艺美术的元素增强茶馆的吸引力和市场号召力，从心理层面给国人注入文化自信和文化自觉既是一种茶产业的突围行为，又是一种文化消费的升级行为。
1.3现代茶馆美学营销的必然要求
现代茶馆在精神层面上承载着传统茶文化的道德伟力，同时又融合进了时代的精神面貌，是一个集合茶叶消费、茶文化享受、社会交际的综合体。现代美学营销理论认为，在后消费社会时代，消费者更加关心的是内心的体验和舒适度、精神的享受和审美的开展，而不仅仅关心茶馆的茶水与服务等内容。从这一点来讲，当代茶馆的装饰设计本质上服务于茶馆营销，而借由茶馆装饰设计开展的营销实际上就是美学营销，一种“不依赖文字的沟通方式———感觉沟通，从感官、产品和价格的体验上升到一种美好感觉的沟通方式”，在这种沟通方式中消费者不仅仅可以消费茶水和服务，还可以消费文化氛围，追求生活的美感。
2工艺美术在现代茶馆装饰设计应用的基本原则
工艺美术是工艺美学的衍生产物，整体上来看主要是被应用于各种民俗场所和生活世界、工艺品设计等方面，无论哪个国家的工艺美术在寻求作品设计的时候主要的着眼点有两个：一是追求产品的物质实用性；二是寻求产品的审美导向性。大胆、创新、创造性地将工艺美术运用到现代茶馆装饰设计中应当至少遵循这样几个原则：
2.1市场细分原则
现代茶馆依据不同的划分标准，比如说地域、性质、功能等可以划分为不同的类型，不同类型的茶馆遵循的艺术设计理念、艺术氛围、消费档次、定位的消费者群体等又有差异，在这个意义上讲现代茶馆是基于市场经济和消费档次等进行科学布局、市场细分的产物，区别于传统茶馆那种“大杂烩”的感官形象。因此，工艺美学的应用不是简单粗暴地将传统工艺美学元素或者当代工艺美术元素进行简单的移植，而是要服务于主要消费者的审美想象需求。
2.2实用性和审美性并重的原则
现代茶馆在市场细分的基础上产生了一些明显的分化，高档茶楼的优雅精致和大众化茶馆的质朴淡泊形成了风格上的对比，但是无论何种类型的茶馆在布局工艺美术元素时要坚持做到审美性和实用性相结合的原则，因为工艺美学整体上偏向于审美和精神文化的氛围营造，对于讲究实用化、市场化和商业化运作的现代茶馆来讲，过度的美学营造不仅有可能会损害茶馆的营销，还可能会在艺术审美上形成令现代人反感的效果。古今中外工艺美学、工艺美术的产生和发展，都是在围绕着实用性和审美性不断地创新的过程中实现突破的，从人类早期的石刻、壁画到后期的书法、玉雕、国画等无不都是人们追求实用基础上的审美之产物，当然这种审美也不是抽象的审美，而是在具体的生活实践、生活实际的基础上进行创作的。
3工艺美术在现代茶馆装饰设计中的应用策略分析
在激烈的市场竞争和茶文化的明显分化、茶馆市场细分的趋势下，当前的现代茶馆在装饰设计上呈现出诸如视觉化趋势、功能分化趋势、人文化趋势等。将工艺美术的相关内容引入到茶馆装饰设计中可以有效为现代茶楼注入和谐的审美立场和提升其文化软实力。工艺美术在现代茶馆装饰设计中的应用策略主要可以从以下三点展开：
3.1色彩应用策略
工艺美学最直观、最形象的元素在于其色彩部分，也可以说色彩美就是整个工艺美中最具直观效果的一种美。我国传统的茶馆装饰设计并不讲究对色彩的特殊调度和运用，只是将茶馆作为一种世俗的消遣之地。我们认为，现代茶馆的文化乡愁气息最为重要的表现力就在于茶馆装饰设计的色彩调度。对此，基于市场细分和茶馆功能布局的综合考量，可以尝试“主色彩基调”+“分情境色彩”的工艺美术思想理念，即在整体茶馆色彩基调的前提下，根据不同的茶馆功能区域分布和茶馆定位、茶叶的类型等实施不同的色彩调度策略。比如说，对于红茶茶馆来讲可以采取红色、橘红色、黄色等暖色调作为主基调，而在不同的茶馆房间和功能区域则根据不同的茶品类型和格局，灵活搭配翡翠绿、墨绿、宝石红、豇豆红等分项主题的颜色，给游客和消费者提供多种多样的文化氛围营造。
3.2家具陈设的应用策略
工艺美术归根到底是一种生活化的美学思想，它立足于生活世界才会绽放出美丽的花朵。当代茶馆中家具陈设的应用是最能体现出实用性和审美性相结合原则的一种策略。对此，我们可以学习借鉴晚清时期流行的将“雕漆描金”等制成漆家具的方式，在茶馆中布局古色古香、原生态的家具，一方面增加传统茶文化的存在感，另一方面给现代人提供一个舒适的就餐环境和品茶环境。常见的家具陈设主要包括桌子（比如方桌、炕桌、酒桌、供桌）、屏风、窗格、案、榻、架等。这些家具陈设通过发挥其物质性、实用性的功能，同时又基于其自身具有的造型艺术和古家具风格，给现代人提供了一个好休闲的去处，反过来促进了茶馆的营销。
3.3吉祥纹案应用策略
中国传统茶文化中蕴藏着丰富的吉祥纹案图式，集中代表着我国古代劳动人民在长期的生活实践中形成的生活智慧，同时在国际上也形成了一个关于中国传统吉祥文案的“流行风”。我国古代的工艺美术典籍如《考工记》、《古玉图谱》、《蜀锦谱》等在分析古代的工艺美术时都十分推崇吉祥纹案的应用策略。作为现代人情感体验的一种回应，我国古代的吉祥纹案运用到茶馆的装饰设计中可以增加茶馆的人文情怀。比如可以在茶馆的醒目位置将诸如梅兰竹菊、书法图画、篆刻艺术、松鹤延年、传统风雨纹样等吉祥图案悬挂其上，增加茶馆的吉祥氛围和喜庆休闲氛围。同时，尤为重要的是要把握好茶馆的整体艺术风格，即便是在应用工艺美术思想方面也要把握好主体指导思想，不能在主导的装饰设计风格上形成不中不西、古今格格不入的艺术效果。
参考文献
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关键词：传统工艺美术；艺术元素；教学体系
1动漫教学现状分析
目前，动漫应用于教育教学方面的主要指动画。随着动漫行业发展，动漫人才与市场的供需问题日益明显，国内动漫教育存在的问题也是引起越来越多的关注，动漫院校的人才培养与行业的市场需要产生严重的脱节，内容同质化严重，学生创新意识薄弱。同时，高职高专教育更多的是停留在技术层面的教育，对于学生创新意识的培养成为薄弱环节。通过查阅相关文献，我们发现，国内将动漫应用于教育教学的相关研究几乎没有。这一方面是由于我国现代动漫的产业化发展仍处于初级阶段，动漫的开发制作仍不能跟上市场的需求，而充斥于国内动漫市场的主要是美国与日本的动漫产品，但由于在动漫进口方面是以市场盈利为导向的，因此大部分进口动漫的教育功用并不明显。
1.1课程体系
动漫专业课程体系分布中，包含《装饰设计》、《三大构成》等普通艺术设计类学生的专业课学习，也包含《原动画设计》、《分镜头设计》等专业基础课程和相关二维三维软件教学课程。在人才培养方案中先修后修课程有理有据，但真正的教学环节中并未做到环环相扣，装饰设计中传统装饰纹样、传统工艺未能与接下来的动漫专业课相衔接，造成了课程与课程之间的断桥。
1.2真实项目引入
高校教师教学方法单一，只重视动漫理论、基础知识、动漫设计及制作的基本技能的教育，缺乏对学生的创作、创造、创新能力和艺术素质的培养，忽略了学生的个性发展，导致学生的专业能力没有得到全面的发展。高职教育动漫教学过程中最忌讳的是纸上谈兵，所以一直沿用的都是真实项目引入的教学方法，但因学生素质以及教学条件限制，在真实项目引入后，只是在做一些技术层面的工作，无法锻炼学生的创意创新能力，学生思想局限。
2传统工艺美术中艺术元素在动漫教学中的应用
传统工艺美术包含的内容广泛，织锦、印染、陶瓷、金银器、漆器和木工等，传统工艺美术首先从实用基础开始发展，当满足实用基础后慢慢过渡到审美需求，从古至今，传统工艺美术中的艺术元素应用领域广泛，涉及服装、雕塑、建筑、设计等各行各业，将其引入到动漫教学领域，融入高校的教学课堂上去，将会有以下两个方面的作用：第一，培养有创意创新能力的高技术人才，提升动漫创作的文化内涵，进而去改变我国一味地模仿国外动漫发展的局面。第二，传承传统文化，大力弘扬区域特色文化。日照发展到现在传统工艺如农民画和黑陶工艺渐渐淡出人们的视线，高职院校对于大师工作室的建设，鼓励了对于文化传承的支持，与此同时更有利于我们将这些当地特色艺术融入动漫教学中去。高校教学的重点就是能够将职业教育出来的学生直接输送到用人单位，能够与企业对接。这不仅仅包含着技术的掌握，还有创新能力的培养，所以课堂教学，应当注重树立的民族性、原创性的艺术价值观。在保证技术的前提下，发散学生思维传承传统美术精华的同时直接应用于动漫制作。
2.1课程应用
艺术元素应用的主要几门课程有：原动画设计、场景设计、FLASH、影视后期、三维动画这几门课程。
2.2教学方法探索
（1）案例教学法是在高职教育中常用的教学方法，通过分析优秀案例，讲解这些案例是如何借鉴传统艺术，提炼其中的造型元素和艺术风格，通过对于案例的整个设计过程的理解，把握设计的流程。（2）影像资料分析，影像资料的应用是不可或缺的教学手段之一。较之传统的板书式或以文字为主的PPT教学，影像资料的恰当应用，可有效改善课堂气氛，分别从视觉、听觉等感觉领域给学生以刺激，增强对知识点的记忆。清晰的解剖刀传统艺术的精华，拓宽学生的视野，能够发散学生的创作思维。（3）项目教学法，项目教学的过程中尽量引入真实项目，与企业实际生产过程有直接的关系。通过企业完成项目流程的学习，让学生熟悉项目从立项到结项的全部过程。有明确而且清晰的成果展示。毕业后让学生轻松的和企业接轨。这种教学方法有一定的难度，不仅要求学生有理论和技术的职称，还需要学生有很强的团队合作意识，运用新的知识，技能去解决在项目制作过程中所有的实际性质的问题。
2.3教学实践分析
（1）市场调研，让学生深入到民俗乡村，深入的了解传统工艺美术中区域民俗工艺的艺术特点和艺术文化，当代与传统工艺美术之间已经出现了断层，在高校教学中，利用民俗馆、大师工作室、民间艺人等资源，以实践教学的方式引导学生多看、多听、多学、多想，将这些艺术风格沉淀下来，作为创作的一手资源。（2）激发学生的创作欲望。鼓励学生发散思维，民俗工艺的艺术特点多种多样，如何巧妙地结合实训课程，做出来符合市场需求的影片，就需要学生在每一门课程中把握课程的重点，如《分镜头设计》如何将镜头组接到一起，符合艺术风格的节奏等。
2.4教学成果
鉴于学校有大师工作室以及相关选修课的开展，提高了学生学习动漫专业课程的学习兴趣，同时将竞赛引入课堂，以赛促学，充分调动了学生的学习兴趣。将地域文化有效的引入课堂也获得了学校的一致好评。
3与当代动漫教学体系的融合
中国动画事业的原创性和本土化进程，需要从中国传统、本土文化中吸收养分，忽略民族文化特点，一味地追随国外动画的设计风格，是不可能创造出具有中国特色的动画作品。因此，在本土动画的原创性和特色方面考虑，需要不断探索传统工艺美术与动漫产业的融合之处。高校动漫专业教师，如何有效的引入传统工艺美术特色，如何激发学生的创作灵感上面下功夫。这样融合不仅有利于弘扬地域特色文化同时也促进地区文化“软实力”的提升。加深传统工艺美术在现代各行业发展的地位，继续传承传统工艺美术中的精华。
参考文献：
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2005年,孙静怀着“学一技之长,创人生辉煌”的美好愿望,步入东海职教中心,成为2005级电脑美术设计专业新生。他把做一名水晶雕刻大师作为自己的职业生涯目标,为此他选择了电脑美术设计专业。两年间,他刻苦学习专业理论知识,努力进行技能操作训练,成绩优异,并被评为优秀学生干部、市县三好学生、省“三创”优秀学生干部。
梦想――创业原动力
梦想是创业的原动力,孙静带着梦想走进了实习阶段。在实习期间,他被一家企业相中,但为了自己的梦想,他毅然留在了东海水晶城他父母开的店铺。在父母的帮助下,他花费600元从徐州一家企业购进了一套别人淘汰的雕刻设备,开始进入水晶雕刻探索阶段。为了降低成本,他首先在平板玻璃上练习线条的运作,利用在校所学习的技能,逐渐掌握新雕刻工具的使用方法,并尝试在平面玻璃上雕刻图案、花纹,为以后专业立体雕刻打下基础。通过几个月训练,他进步飞快,很快开始圆雕练习。圆雕俗称“立体雕”,是艺术在雕件上的整体表现,观赏者可从不同角度看物体的各个侧面。这一技艺要求雕刻者从前、后、左、右、上、中、下全方位进行雕刻,工艺要求高、难度大。经过艰苦练习、不断摸索,他用16天时间,创作出自己的处女作《年年有余》,荣获当年中国东海水晶节优秀作品奖,并以200元价格被买走。看到自己的雕刻品受到他人关注,还变成财富,创造新的价值,他更坚定了走水晶雕刻之路的决心……
奇想――艺术之逢源
为了实现自己雕刻大师的梦想,2008年夏天从学校毕业后,孙静在父母的帮助下,在东海水晶市场创办了“晶工坊”,踏上了自己的创业之路。在实践探索中,他深刻体会到水晶雕刻品从原料设计到成品效果,要展现雕刻设计师的创新构思,使产品达到艺术的境界,让工艺与天然原石结合,从而提高每一块原石的价值。有一次,在对一件带有“猫眼”的水晶原石雕刻设计时,“猫眼”周围有许多杂色不好处理,他拿着原石坐卧不安,苦思冥想,却无从下手。一个偶然的机会,他发现一只美丽的瓢虫趴在树叶上,一时间灵感顿现――把那块原石设计成瓢虫状多好啊!于是他捉住瓢虫,飞快跑回工作室,潜心琢磨,利用瓢虫形体的自然弧度,去掉原石的杂色,又可保住“猫眼”旁需要的俏色,一举两得,他兴奋不已。从此以后,他踏入了一个崭新的领域――水晶昆虫雕刻。为了更好地了解、熟悉昆虫,他查阅了一系列昆虫书籍画册,并制作昆虫标本。功夫不负有心人,他制作的小昆虫水晶系列作品,既价廉又物美,受到市场青睐。
一分耕耘,一分收获。经过三年的努力,他开发出了甲壳虫系列水晶雕刻精品,拥有了自主的知识产权,个人资产已过百万元。2008年,在第九届中国工艺美术大师作品暨国际艺术精品博览会上,他的昆虫雕刻作品荣获“天工艺苑”百花杯――中国工艺美术精品奖。2008年4月,他在扬州荣获“百花玉缘杯”中国玉石雕精品奖铜奖。2009年10月,在第三届江苏省“晶城杯”水晶工艺品大赛上,他的水晶雕刻作品《百年恩爱》《全家福》分别荣获优秀奖、铜奖。目前河南、福建等地的一些雕刻人士每天光顾他的店铺,参考他的昆虫系列雕刻品,寻求创意灵感。
理想――“雕虫小技”走向世界
在孙静的工作室,你可以看到这样的语句:“天生原石必有用,就让点石成金成现实。”当初东海水晶工艺行业的初生牛犊,如今已是助理工艺美术师和中国工艺美术学会理事。
雕刻之余,孙静坚持撰写雕刻的心得体会,总结雕刻技法,普及水晶专业知识。他的《浅议水晶的鉴别》一文刊发在艺博网,《俏色利用》等多篇论文荣获省级专业论文评比奖项。同时,为了扩大视野,他还积极与全国各地玉石雕刻大师联系,切磋技艺,号称“水晶雕刻第一人”的国家级工艺美术大师仵应文、宫廷玉雕大师苏鹏等都是他的益友。
随着名声渐大,许多媒体开始关注他。关于他的专题片《雕虫小技》等在市、县电视台播放。江苏电视台影视频道专门到东海采访他。在北京玉石展览会期间,他的作品又受到中央电视台记者的关注。
现在,孙静已拥有价值10万余元的专业设备,水晶雕刻艺术精品200多件,估算价值500万元。如今已颇有成就的他,坚持精益求精,坚持走自主创业之路。我们相信在不久的将来,孙静这位中职学校毕业的普通学生,必能在水晶雕刻领域大放异彩,让“雕虫小技”走向世界……
