时间：2022-05-17 00:43:54
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇当代美术论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
1.师资力量薄弱，教法不得当。
“在今天的教学中，美术已经不再是一门独立的学科，它与其他学科有着千丝万缕的联系，而传统的教学方式已经不能真正体现美术的含义，无法发挥应有的教学效果”。大部分教师认为，美术只是教会学生画画即可，在课堂上拿出一幅画让学生照着画就行，用传统的教学方式进行传授，这种教学方式只能让学生学会了绘画，而无法真正体会到美术这门课的博大精深，更不能激发他们学习美术的兴趣。美术课程标准指出“美术不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练，而应视为一种文化学习”，这就要求我们教师在教学中不仅仅要引导学生进行美术文化学习，更不能放弃知识技能的教学。只有在美术教学中培养学生美术兴趣、提高学生审美能力的同时结合知识技能的学习，才会提高学生的美术素养，从而提高学生的综合素质。
2.教学设备不健全，学生学习美术的积极性低。
由于学校对美术教学的不重视，在软硬件的配置上也会存在着差异。有的学校虽然能够按照国家课时计划标准开设美术课，可是受到中高考指挥棒的影响，很多学校少开或者某些年级不开美术课的情况也屡屡发生。有的学校就算开设了美术课，也形同虚设，经常被其他主课老师无情占用。同时，学校的教学设施，对能不能有效的推进美术教学也很重要，因为现实中教学环境及设施的差异的确存在着。再者由于大部分学生为了在学业上取得好成绩，往往牺牲娱乐时间去学习功课，这样一来就更没有兴趣去学习美术甚者其他主修课以外的课程了。很多学生在上美术课时候选择做其他课程的习题，他们认为有学习美术课的时间，不如去完成其他科作业，提高其他科的成绩，因此学生学习美术的积极性大幅下降，对美术学科的优势不予理睬，长此以往学生的审美修养和情操陶冶又如何提高？
二、美术教学中存在问题的相关对策
1.充分调动学生学习美术的积极性，培养学习美术的兴趣。
兴趣是最好的老师，当学生对一件事情产生浓厚的兴趣时，学习效率也就会跟着提高。我们要培养学生学习美术的兴趣就得了解学生，因材施教，允许学生个性的自由发展，允许学生兴趣的不同方向，承认学生存在的个体差异，承认学生对知识掌握的速度有快有慢，接受知识的能力有强有弱，给学生以充分的尊重，从而培养其学习兴趣。另一方面，也可从课堂活跃度来提高学生的积极性，让学生在课堂娱乐中对美术这门学科产生浓厚的兴趣，从此更加热爱美术。如：当我们在课堂上要求学生临摹一幅书中的国画作品时，有的同学要求画竹子，有的要求画荷花，这时教师应毫不犹豫很爽快地就答应他们的要求，因为如果这时候很强硬的拒绝他们，硬要他们统一作业，虽然他们会按照教师的要求完成作业，但他们可能就因此丧失了学习的积极性，丧失了一些对美术的兴趣，自然也不会体验到美术学习过程中的愉悦。在教学中能够充分尊重学生意愿，在许可的范围内向学生“妥协”一下，不失为一种明智的选择。
2.加强学生、家长和学校的沟通。
英国心理学家斯宾塞曾经说过：“没有油画，雕塑、音乐、诗歌以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣便失去了一半，这就会给各种疾病的入侵洞开门户”。美术教育的重要性不言而喻，但是由于受到应试教育的影响，很多家长认为美术对孩子的未来是没有用的，并不能帮助学生上一所好的大学，找一份好的工作，他们会为学生设计好一条最省事最高效的学习计划，会把什么有必要认真学，什么不必花时间去学分的清清楚楚。家长的言行早早就植根于孩子的脑海里，使他们受到影响，从而不重视美术课程的学习。这就需要学校和教师不断努力和家长沟通，让他们认识到美术教育的真正作用，改变对美术教育的看法。社会在发展，时代在进步，我们需要的是各方面都有能力的专业人才，而这不仅仅是体现在分数上。因此关注学生基础教育的同时，也要注重素质教育，培养综合能力。除此之外，还应鼓励学生寻找自己的兴趣爱好，给予他们信心，营造好学习的大环境。
3.提高教师专业素养和教学技能。
教师在学生美育的培养中也占很大一部分因素。教师应全面把握教材，灵活运用。在教学中应突出美术学科的特点，而不能把它上成了语文课、历史课；要把握好教材并灵活运用，不一味的照搬教材，可以根据学生的兴趣来设计自己的课堂，这样将会大大提高学生学习的兴趣，也更容易让他们吸收理解，从而在潜移默化中提高学生的鉴赏能力和艺术修养。
4.将美术纳入考核范围。
一
自上世纪七十年代末以来，中国当代美术在三十年的发展进程中，经历了戏剧性的变化。其中最重要的是“西化”，即主动接受西方艺术文化的影响，追求西方艺术文化的审美观和价值观。在本课题研究中，所谓“西方艺术文化”，指西方现当代美术、美术理论及文化哲学思想。今天，无论自觉与否，中国当代美术的西化目的都非常明确，这就是要让曾经落伍的中国美术成为西方文化全球化的一部分，实现“与国际接轨”的愿望。无庸置疑，这个愿望是中国当代美术的一大主流，然而我们细心观察却会发现，这浩荡的主流只是表象，在表象之下，中国当代美术还暗含着汹涌的潜流，这就是中国当代美术对西方艺术文化的“招降”。作为面对西方影响的一种应变策略，“招降”是隐蔽进行的。
在二十世纪后期，随着后殖民理论在西方文化界兴起并得势，西方文化的全球性扩张便更加注重“本土化”策略。实际上，数百年前基督教进入中国时，便已讲究本土化策略，例如将耶稣画成中国人，让圣经人物穿上中国民间服装。今日西方艺术文化的本土化策略，注重理论、概念和术语的强势冲击，更注重思维方式的强势冲击，用以替代往日的中国方式。这样的策略使西方艺术文化得以在中国站稳脚跟，并扮演榜样的脚色，成为中国当代美术效法的样板，从而将中国当代美术，纳入西方艺术文化的势力范围。
在这强势主流之下，作为中国当代美术之潜流的招降策略，是以同化或归化的方式来利用西方艺术文化，使之归顺于中国，并服务于中国当代艺术文化。尽管有艺术家和理论家高举反西方的旗帜，官方职能部门也高调表示只可借鉴西方，但中国当代美术毕竟弱于西方强势文化，所以不得不进行隐蔽招降。表面看，中国的招降策略与西方主导的全球化政策背道而驰，进一步细看，二者却殊途同归。西方的本土化策略和中国的招降策略相互利用、彼此同化，终为一体。
这种情况不是没有先例。自从日本在第二次世界大战中战败后，日本政府和民间便获得了共识：将自己的命运同美国绑在一起，不仅使美国不能再次打击自己，而且还要使美国成为自己的保护人。在21世纪初，中国对这一策略有所理解，也曾尝试这一策略，但因苏联解体和冷战结束，国际地缘政治发生了巨大变化，西方世界不再需要中国。由于在政治层面中国不被西方接纳，于是，中国便力图在经济层面进入西方世界，并获得了有限成功。然而在文化层面，中国却面对了西方强势文化的压力。为此，在中国当代美术领域里对西方艺术文化进行招降，便成为一种可行的应变策略。这一策略配合了振兴国学的文化政策，使中国当代美术呈现出西化与国粹并举的复杂甚至矛盾的现象。
看清这一现象的实质，是理解中国当代美术的要义。
二
西方艺术文化的强势影响和中国当代美术之隐蔽的招降策略为什么会发生、它有怎样的过程和特征，具有怎样的文化意义、对中国当代美术甚至当代文化及其未来，会有什么作用，例如，会怎样制约、引导和推动中国当代美术的发展？
为探讨这些问题，本系列论文将宽泛的“西方艺术文化”概念，聚焦为西方当代视觉艺术图像和图像理论，并以此为切入点，在视觉文化研究的语境中，考察西方艺术文化对中国当代美术的影响，以及中国当代美术对西方影响的回应，尤其是对西方图像理论的误读。
关键词：美术教师 教学理念 科研能力 和谐关系
美术教育处于艺术和教育的交缘领域，既有艺术属性，又有科学的内涵。既是一门课程，又是一门学科，所以作为现代美术教师，在搞好教育教学的前提下，必须具备拓展科研的能力。
美术教师要体现科研能力，形式是多样的，可以从艺术创作和科研论文撰写上体现，也可以是艺术实践，或体现在所教学生的艺术成就上。
一、拓展科研能力
在现代教育的运转机制中，教学和科研是两项密不可分的基本任务。在教学活动中，美术教师的科研范畴主要有绘画艺术、论文撰写和美术教育等领域。
①绘画艺术：绘画作品的创作过程是作者的一种活跃的、丰富的、深刻的内心活动，它伴随着强烈的情感情绪，是作者对于生活的感受、观察和思考。而最后产生的绘画作品是作者借助一定的物质材料和艺术媒介，运用艺术技巧和艺术手法，将自己的艺术构思物态化。美术教师经常进行这样的艺术活动，这样可以真正体现他的专业水平，而我们应提倡美术教师结合自己的艺术实践进行科研。将自己对艺术创作，或艺术实践中的感性体验和艺术创造上升到理性分析层面上进行思考，从而挖掘出有艺术价值的新论点、新课题。构建起从感性体验到理性分析，从形象思维到逻辑思维的完整思维运转网络。
②科研论文：当今社会对美术教育的发展提出了更高更新的要求，和美术教学一样，科研也是教师个人的主体行为。要充分发挥自己的独立思考能力，力求有所创见，论文是一种主要表达方式，所以美术教师应倡导提高论文撰写水平，运用论文这种理论性的文章，在一定的篇幅中，集中探讨某一美术创作或美术教育方面的新问题。
当然，科研论文的创新是以继承为前提的，离不开人类精神文明建设的发展过程。因此，美术教师要撰写出高水平的科研论文，需要博览美术乃至整个文化教育方面的学术信息。要善于学习和借鉴他人的成果，也包括国内外各学科方面的成果。当代最伟大的科学家爱因斯坦就是如此，他喜爱音乐，精通文学，除了大量阅读文学作品外，还经常拉小提琴和弹钢琴，他特别喜欢陀思妥耶夫斯基的小说和贝多芬的音乐作品，爱因斯坦本人曾讲过，在科学领域和艺术领域里对真、善、美的不断追求，照亮了他的生活道路，对艺术的爱好，丰富和培育了他的感知力、想象力和创造力。
由此可见，端正科研态度，全面提高艺术、文化和科研等方面的综合素质，是当前美术教师值得倡导的观念和学风。
二、构建先进的教学理念
教师不仅是科学文化知识的传授者，也是塑造新一代的灵魂工程师，教师随时随地都以自身的“身教”和“言传”对学生产生潜移默化的影响，因此，现代美术教师必需努力学习、钻研，不断探索和积累，构建先进的教学理念。首先，作为美术教师要有总的整体的艺术观念，掌握正确的绘画技法，形成正确的艺术观念，尽可能多地了解各种风格的作品。其次，要有良好的视觉感官，美术教学是通过视觉来进行的，教师评判学生的作业也是靠视觉感官去把关的，美术教师借助敏锐和有经验的视觉去准确指导学生创作中的构思构图、色感色调、表达方式、材料表现及技能技巧等，及时对学生的作品创作作出调整指导。运用有效的训练手段解决学生可能遇到的众多难题，更重要的是美术教师必须具有全面的文化基础修养和相关的科学知识，能使科研与美术教学相互依存、相互促进。
从人类文化史来看，艺术与科学之间早有联系，早在公元前6世纪，古希腊的毕达哥拉斯学派就提出了“美是和谐”的思想，毕达哥拉斯学派把教与和谐的原则当作宇宙间万事万物的根源，提出了“黄金分割”的理论，并将这些原则运用到建筑、雕刻、绘画、音乐等各门艺术中去。科学与艺术之间的这种密切关系，自古希腊开始以来，在文艺复兴时期达到了高峰。例如，达・芬奇既是艺术家，又是科学家和工程师，他在解剖学、植物学、光学、力学、工程机械等科学领域都有巨大成就。达・芬奇把几何学、透视学的原理运用到绘画艺术中。这些例子充分表明，现代美术教师，除了将自然科学的成果直接运用到艺术教学领域之外，更重要的是用科学的思维方法来促进艺术文化改变先进的教学理念，推动艺术教学的发展。
三、建立和谐的师生关系
字乙轩,山东民族画院画家,受教于天津美院李孝萱先生门下。
现居北京。
丁学军官方网站:
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雨石
一九六三年出生于上海,现居江苏无锡。一九八四年毕业于江南大学。先后从江南书法家张怀仁,画家王汝霖先生学习传统书法、绘画。
展览
一九九八年,无锡个展。二年,扬州八怪纪念馆双人展。二五年,绍兴年名家邀请展。二六年,常州『刘海粟纪念馆名家展。二八年,北京宋庄美术馆『忆江南水墨展;北京宋庄『国画名家十人展。二九年,北京宋庄『水墨为上名家邀请展。二一年,无锡『梁溪书画六人展。二一一年,无锡 『雨一车三人水墨展;『致远堂名家邀请展;『大成堂青花瓷器作品展。
出版及刊载
个人画集《中国当代翰墨名家雨石集》(二四年);作品集《山水》(二五年);二六年作品在《艺术界》专版介绍;二七年作品在《收藏导报》、《鉴真》专版介绍;二八年作品在《画风》、《国画大家》专版介绍;二一年入编《中国画艺术年鉴》。
崔强
一九七四年生,河北行唐人。一九九五年毕业于河北工艺美术学校,一九九九年毕业于天津美术学院国画系,现任教于河北师范大学美术学院中国画系。文学硕士学位,副教授、国画系副主任。中国美术家协会会员、北京工笔重彩画会会员。
杜尾顽
字居尚。中国美术家协会会员、中国琴会会员、福建古琴艺术研究会常务理事。
一九九六年毕业于中国美术学院首届中国画大专班。
二五年结业于杭州师范美术学院何水法中国花鸟画高级研修班。
二七年中国美术家协会推荐具有市场潜质的中青年画家。
王牧羽
原名王强,中国当代水墨画家。一九七五年生于山东,二六年毕业于山东艺术学院获硕士学位,二一年入首都师范大学美术学院刘进安现代水墨工作室学习,拜著名水墨画家刘进安先生门下,任中国现代水墨研究所研究员,现居北京。
展览与获奖
二五年,中国画作品《下午茶》入选『第十届全国美展山东展并获奖。
二六年,完成论文《中国传统绘画的中和美学观》,获艺术学院硕士毕业论文优秀奖。
二八年,《中国书画》杂志编辑出版王牧羽个人作品年历《牧羽集》。
二九年,作品《小娜和冰冰》、《彩彩、小薇和美丽》入选『第十一届全国美展山东展。
二一年, 『水墨party当代水墨画联展。
二一一年,『首师水墨作品交流展;『叠加与互现中国当代艺术邀请展;『宇辰水墨邀请展;『首师水墨—刘进安现代水墨工作室宇辰邀请展;『美术报艺术节独立单元·学院新方阵青年艺术家新作展。
出版
多幅作品发表于《东方艺术》、《中国书画》、《70后水墨》等杂志。
张越
一九七二年生,现生活工作于北京、太原。毕业于山西师范大学美术系,就学于中央美术学院。现为山西太原画院专职画家、中国美术家协会会员。
展览与获奖
二一二年,『非常融合—当代中国工笔画名家新作展。二一一年,『解语花—张越工笔画作品展;『文脉心象—当代百家扇面邀请展;『水流花开—北京女艺术家巡回邀请展;『学院新方阵—当代中国画名家邀请展;『新人新作—当代青年画家作品联展。二一年,『首届现代工笔画大展。二七年,『百花迎春—中国优秀女画家作品展;博鳌亚洲论坛『蓝海艺术展。作品《邂逅》荣获『全国青年国画年展银奖并被中国美术馆收藏。作品《红了樱桃》荣获『长江颂—全国中国画提名展优秀奖(最高奖)并被张家港博物馆收藏。二七年,作品《踏莎行》 荣获『第五届全国青年中国画年展铜奖并被中国美术馆收藏。
杨运高
祖籍广东信宜,一九七九年生于广西象州,二四年毕业于广西艺术学院中国画学院,现为中央美术学院中国画学院硕士研究生,中国美术家协会会员。
近期展览
二一年,『2010中艺博国际画廊博览会;『传承艺术中心二十周年庆作品展;『聚焦新锐杨运高山水画作品展;《红河魂之隧道》参加『山与海漓江画派美术作品展。
二一一年,《红河魂之隧道》获中国美术家协会主办的『第六届中国美协会员精品展;『红河魂·2011杨运高山水画作品展;『艺术北京2011—当代艺术博览会;《红河魂》参加『历届中国百家金陵画展金奖作品汇展。
二一二年,『山川焕颜杨运高小幅精品展。
获奖
作品曾获中国美术家协会『2007中国百家金陵画展金奖;『黎昌杯首届全国青年国画年展金奖;『第六届中国美协会员精品展优秀奖(最高奖)。
贾秋玉
毕业于天津美术学院,
现为天津城市建设学院教师,
现工作生活于北京、天津。
窦良羽
一九七六年生于山东乐陵。
二年本科毕业于天津美术学院中国画系。
二一至二四年任教于洛阳师范学院。
二七年毕业于天津美术学院中国画系,获硕士学位。
现任职于天津美术学院美术馆。
主要个展:
二五年,『所见所闻(上海1918artspace)。
二六年,『童年(北京show画廊)。
二七年,『在·见(天津美术学院)。
二一一年,『童年往事(天津九思艺术空间)。
二一二年,『儿童时代(上海M50画廊)。
主要联展
二五年,『上海青年美术大展(上海刘海粟美术馆)。
89中国现代艺术大展对中国美术馆来说无疑错过了一次收藏中国现代艺术的机会，当时89大展匆匆收场，艺术家、评论家好像都弃作品与不顾，随后各奔东西。中国美术馆也没有对这些作品作出积极的反应，然后中国现代艺术一部分被西方人收藏，一部分遗失掉，但随着中国现代艺术市场在西方的兴起，这批作品屡屡在拍卖行中出现，连在89现代艺术大展后遗失的作品都突然在拍卖行中出现。而中国的公共美术馆都见不到这些作品。
结果，1980年代的中国现代艺术成为江湖传说和文献资料的私人占有，批评家占有作品资料，像祖传至宝似的，尤伦斯在这里面是一个事件，他最初承诺希望能将中国艺术藏品捐给中国，而北京798的尤伦斯艺术中心开馆展就是一个85新潮的回顾展，费大为宣传要建一个中国现代艺术史的收藏和文献档案。但这些新闻最终以尤伦斯将这些作品送到拍卖行拍卖掉而告终。
而希克把他的中国现当代艺术收藏用一半捐赠一半收购的方式与香港的M+达成了协议。虽然M+是个公共机构，保存这些藏品总比没有好，但这些作品到底能构成什么样的中国现当代艺术史，还是存有疑问的。因为1990年代中国的艺术被西方选择后已经不是什么中国本土情境的艺术了，受关注的大多是一些中国符号的作品。
而国内也有些民间美术馆做了号称三十年的中国现当艺术史的展示，但这些机构完全是资本机构，展览也是资本的展览，这使得它们在艺术史叙述上过于从自身的商业营销角度出发。
美术史书写者本来应该分为史料提供者和研究者，在中国这样一个喜欢以史料为研究目的，以汇编为学术权威的传统中，无意中排斥了隔开距离研究，即在美术馆这个公共领域对以往的艺术现象用各种批评方法论进行的研究，这种研究相对远离资本和市场，而美术馆的公共收藏与艺术史家的研究可以组成各种各样的回顾展，从一定意义上来说，美术馆主要是做大大小小的回顾展的，而前沿的和价值待估的作品应该先在艺术中心去实验。
在一个缺乏回顾展学术的情况下，2008年的“转向抽象：1976-1985上海实验艺术回顾展”在证大现代艺术馆的举办，是重建艺术史方法论的展览实践，这个展览前后用了两年时间，是两个艺术史研究生曾玉兰和于佳婕的两篇硕士论文组成，用的是田野调查和口述史而收集起来的史料。当然上海证大现代艺术馆也不是严格意义上的公共美术馆，也是从属于企业的，但证大现代艺术馆纯粹出资做的这个“转向抽象：1976-1985上海实验艺术回顾展”却完全是一个公共行为，展览作品从每个艺术家那里借来，展览结束后全部退回了艺术家本人。
2008年之后，我在各个演讲场合都要求上海的公共美术馆和基金会要重视中国现代艺术史上的这批作品，应该有更深入的研究和展览。但虽然现在的美术馆面积越来越大，但它们宁可花很多钱借西方的展品，而不顾本土的艺术史。当时的“转向抽象：1976-1985上海实验艺术回顾展”，作为课题还只是刚刚开始，时隔四年，以博士论文《周湘与上海早期美术教育》著称的马琳，继续接了这个课题研究，从原来的风格史、展览史到现代美术教育史，5月23日在上海宝山国际民间艺术博览馆的“上海早期抽象：艺术史的再研究”与“艺术史研究与当代艺术理论：1980年代的中国艺术”论坛，像是这个项目的再次启动，展览中有李山、余友涵、查国钧、仇德树、周长江、王纯杰、张健君的作品，但展品再次从他们手中去借，展览完后依然退回到他们手中。这不是公共收藏可以向研究者全面开放的。如果下次展览还要靠私人关系，久而久之不知道会怎么样，私人借展的危机在于，如果哪天跟某个艺术家闹翻了，展览时不肯拿作品出来了，那这个展览就做不起来了，所以本来是公共行为，而会因为这样的原因，让回顾展越来越私人化，到最后成了艺术史研究的私人合作社了。
【关键词】 高中美术 素质
美术教育处于艺术和教育的交缘领域，既有艺术属性，又有科学的内涵。既是一门课程，又是一门学科，所以作为现代美术教师，在搞好教育教学的前提下，必须具备拓展科研的能力。美术教师要体现科研能力，形式是多样的，可以从艺术创作和科研论文撰写上体现，也可以是艺术实践，或体现在所教学生的艺术成就上。
1 构建先进的教学理念
教师不仅是科学文化知识的传授者，也是塑造新一代的灵魂工程师，教师随时随地都以自身的“身教”和“言传”对学生产生潜移默化的影响，因此，现代美术教师必需努力学习、钻研，不断探索和积累，构建先进的教学理念。首先，作为美术教师要有总的整体的艺术观念，掌握正确的绘画技法，形成正确的艺术观念，尽可能多地了解各种风格的作品。其次，要有良好的视觉感官。美术教学是通过视觉来进行的，教师评判学生的作业也是靠视觉感官去把关的，美术教师要借助敏锐和有经验的视觉去准确指导学生创作中的构思构图、色感色调、表达方式、材料表现及技能技巧等，及时对学生的作品创作作出调整指导，运用有效的训练手段解决学生可能遇到的众多难题。更重要的是美术教师必须具有全面的文化基础修养和相关的科学知识，能使科研与美术教学相互依存、相互促进。
从人类文化史来看，艺术与科学之间早有联系，早在公元前6世纪，古希腊的毕达哥拉斯学派就提出了“美是和谐”的思想，毕达哥拉斯学派把教与和谐的原则当作宇宙间万事万物的根源，提出了“黄金分割”的理论，并将这些原则运用到建筑、雕刻、绘画、音乐等各门艺术中去。科学与艺术之间的这种密切关系，自古希腊开始以来，在文艺复兴时期达到了高峰。例如，达·芬奇既是艺术家，又是科学家和工程师，他在解剖学、植物学、光学、力学、工程机械等科学领域都有巨大成就。达·芬奇把几何学、透视学的原理运用到绘画艺术中。这些例子充分表明，现代美术教师，除了将自然科学的成果直接运用到艺术教学领域之外，更重要的是用科学的思维方法来促进艺术文化改变先进的教学理念，推动艺术教学的发展。
2 拓展科研能力
2.1 绘画艺术：绘画作品的创作过程是作者的一种活跃的、丰富的、深刻的内心活动，它伴随着强烈的情感情绪，是作者对于生活的感受、观察和思考。而最后产生的绘画作品是作者借助一定的物质材料和艺术媒介，运用艺术技巧和艺术手法，将自己的艺术构思物态化，美术教师经常进行这样的艺术活动，可以真正体现他的专业水平。而我们应提倡美术教师结合自己的艺术实践进行科研，将自己对艺术创作，或艺术实践中的感性体验和艺术创造上升到理性分析层面上进行思考，从而挖掘出有艺术价值的新论点、新课题，构建起从感性体验到理性分析，从形象思维到逻辑思维的完整思维运转网络。
2.2 科研论文：当今社会对美术教育的发展提出了更高更新的要求，和美术教学一样，科研也是教师个人的主体行为。要充分发挥自己的独立思考能力，力求有所创见，论文是一种主要表达方式，所以美术教师应倡导提高论文撰写水平，运用论文这种理论性的文章，在一定的篇幅中，集中探讨某一美术创作或美术教育方面的新问题。
3 建立和谐的师生关系
当前高校有不少人文课程拘泥于专业知识的抽象传授，缺乏形象生动的教学素材，尤其缺乏本土特色民族文化艺术素材，教材的内容和方法抽象、空洞、僵化、死板，很难激发民族地区大学生的创造灵感，因此，建设本土化的特色人文课程教材势在必行。与此同时，受全球化及市场经济的影响，许多少数民族民间艺术正在淡化、失传，民间艺术人才发生严重断层，因此及时挖掘和抢救民间艺术资源并建设成本土化的特色课程教材加以传承发展之，已经成为一项十分紧迫的研究任务。
1．研究现状
到目前为止，国内外尚未存在当代广西少数民族民间艺术鉴赏课程及其教材，更未存在有关这方面建设的研究，然而，在挖掘、保护并发展少数民族文化资源已成为全球热点和国家策略的大好形势下，以少数民族文化资源为基础的教学改革蔚然成风———如广西艺术学院《美术教学论》课程负责教师长期深入研究并利用广西民族美术方面的文化资源，形成具有民族特色的美术教学课程及其教材；广西民族大学《民族传统体育》课程负责教师也长期深入研究并利用广西民族传统体育文化资源，形成具有民族特色的体育教学课程及其教材。杭州师范学院美术学院董春雷在《文艺研究》（2005年第5期）上发表题为《民间美术与学校教育》的论文认为：民间美术根植于民间，是实用与审美、物质与精神的完美统一。它既蕴藏着民族精神，同时又历经了时间的洗礼，显示出强大的生命活力。然而，随着历史的变迁、社会的变革，特别是在信息技术突飞猛进的今天，人们的生活方式正在发生着根本性的变化，民间美术的原生态面临严峻的挑战。河南大学艺术学院设计系胡俊涛在《教育与职业》（2009年第2期）发表的论文《高校艺术设计专业民间美术课程教学研究》也持相同的观点———民间美术根植于民间，是实用与审美、物质与精神的完美统一。但该文更进一步地指出，民间美术的艺术形态的内涵与本质越来越受到世人的关爱与重视，许多教育研究者也在不断地探索研究这个领域。为了能更广泛、更深远地弘扬优秀民族文化，该文就民间美术的艺术特点，着重分析了课程设置意义、教学方法等问题，力求探索出一套较为合理的、适合艺术专业学生的民间美术课程的思路。
事实上，许多高校艺术类或人文类的教师都已经开始投入这一教学实践中，就如何运用民间艺术资源（尤其是尚保持完整的边远地区少数民族民间艺术资源）来整合艺术类课程或人文类课程，掀起一股强劲的课程教学与教材改革创新之风。最为典型的成功范例是原任广西师范大学中文系教授的王杰先生从1997年起，牵头申报了广西壮族自治区优秀教学改革项目“文艺学与少数民族文学的跨学科交融”，接着又组织文艺学、民俗学、民族学、少数民族文学等学科硕士点，联合向自治区教育厅申请“审美人类学系列研究”，获得立项后，他们便深入地对南宁国际民歌艺术节以及广西少数民族地区（尤其是边远地区）的民间文化艺术资源进行审美人类学田野调查，基于广西丰富的少数民族文化艺术资源来搞科研与教学，以审美人类学理论与实践为一条红线，把中文系相关的人文学科的研究贯穿成为相互关联的学术整体。在他的带动下，广西师范大学中文系审美人类学课题组积极探讨审美人类学学科建设的方案以及审美人类学的研究对象、方法、意义及其学理依据等等，自觉形成一门具有影响力的特色人文课程———审美人类学，该课程教学成果荣获2005年国家级教学成果二等奖（排名第一）；很快，由王杰先生主编的《审美人类学概论》作为“十一五”国家级教材开始了立项建设。
2．研究内容及其方法
基于广西丰富的少数民族文化艺术资源来开展高校民间艺术鉴赏课程教材建设研究，是一项具有时代性迫切要求的教学改革任务。然而，面对广西11个少数民族许多不同族群或支系，分门别类地去挖掘、收集、整理其中的民间艺术资源，并形成一部当代广西少数民族民间艺术鉴赏课程教材，实际上是一个十分庞大而繁难的教学改革“工程”。因此，在立项建设研究方面，必须选择这样的思路：从壮族开始，逐个对这11个少数民族民间艺术资源进行研究，并逐个形成相关的当代广西少数民族民间艺术鉴赏课程教材。以壮族为例，具体研究内容为：整合并利用当代广西壮族民间艺术资源———侧重于壮族神话、山歌、舞蹈、戏曲（壮剧）、乐器、服饰、工艺美术等以及相关的研究成果，运用网络及多媒体等现代教育技术，开展当代广西壮族民间艺术鉴赏课程教材建设的研究。在具体的建设研究过程中，我们将采取以下的研究方法：
2．1以田野调查和文献资料研究为基础，展开多种学科理论及其方法的运用。课题组成员可以根据自己的学科研究理论及其方法，对适合自己研究的课题内容进行研究，但要求在严谨的调查研究———深入壮族村寨开展田野调查以及进行相应的文献资料的收集、整理与研究———的基础上，围绕“民间艺术鉴赏”中的“鉴赏”来展开教材建设研究，这一“鉴赏”要求从起源、发展、演变等方面以及从政治、经济或文化等方面，充分揭示该少数民族民间艺术（尤其是审美方面）的本质内涵及其特征意义。
2．2结合现代教育技术———影视、录像、摄影、多媒体等，制作相应的课件，开展当代广西壮族民间艺术鉴赏课程课堂教学实践，在实践中形成有效的教案或讲义，在此基础上，完成相应的教材内容的编撰工作。众所周知，如果一门课程的教材在实践中被证明是无效的，则说明这部教材并非从扎实的教学实践中来，而是凭主观想象得来，而适合教学实践并能够推动教学实践的发展并产生良好的教学效益的教材，才是真正有效的教材，才能成为教学改革的丰硕成果。当前，我们必须学会以学生为主体，以人为本，运用现代教育技术制作相应的受学生喜爱的课件，在多媒体教室或通过网络技术开展当代广西壮族民间艺术鉴赏课程课堂教学实践，这是与时俱进的表现，也是符合科学发展观要求的表现。总之，以壮族为例，我们对当代广西少数民族民间艺术鉴赏课程教材的建设研究，将会有一个好的开端，为以后的研究打下良好的基础。
3．研究意义
在高科技和全球化迅猛发展的当代社会，人们越来越感觉到人类危机四伏———能源危机、生态危机、人的精神危机等等，造成人本身的许多焦虑和不安。人们开始追寻自己的精神家园，怀念过去，在无所适从的时候，这只能更增加精神的焦虑和不安。为了解决危机，人类学家们引导人们关注处于“文明的边缘”的少数民族———那些还没有被现代文明同化的原生态的少数民族族群，深入到其中开展人类学田野调查，以寻求解决人类危机的“原生态文化方案”。在这样的情形下，当代广西少数民族民间艺术鉴赏课程教材建设研究课题组通过田野调查，展开对当代广西共计11个少数民族———壮、瑶、苗、侗、彝、水、回、京、仡佬、仫佬、毛南———民间文化艺术的比较研究，收集整理其中已经濒临消亡的民间艺术，经过提炼加工，形成民间艺术鉴赏课程教学内容，事实上，这是一种解决人类危机的“原生态文化方案”。因此，该课程所讲授的“民间艺术”，专指“当代广西少数民族民间艺术”，是指二十世纪中叶以来，存活于广西少数民族地区的原生态的民间艺术。所谓“原生态”，是以自然生态之义喻指这些艺术均由该少数民族某一族群集体创造并世代传承下来的尚保存完好的活态艺术，是非官方的、非现代的、非个人的元文化。其艺术表达可以变化发展，但其所蕴涵的该民族精神和基本话语结构没有改变，比如作为壮族族群之一的那坡县黑衣壮的山歌艺术中的“过山腔”，依然用黑衣壮话演唱，尚保留着古代完整的艺术表达方式和押韵风格，传达着古代黑衣壮特有的精神风貌。#p#分页标题#e#
毫无疑问，这些少数民族民间艺术一旦进入我们的研究视野，就明显表现出两大相互矛盾的特性———当代性和原生态性。所谓“当代性”是指这些少数民族民间艺术具有当代的特征，反映当今时代的个性和追求。所谓“原生态性”，是指这些少数民族民间艺术保持有自古以来的精神内涵和话语结构，由民间集体传承着，具有原始原创性和集体传承性，任何个人或官方都无法改变。之所以具有突出的“当代性”，是因为处于“文明的边缘”的少数民族民间艺术，在市场经济、高科技和全球化的浪潮冲击下，或多或少地受到当代文化———尤其是西方文化和都市文化的“侵入”或“渗入”而产生了“当代性因素”，与此同时产生了“对抗性”因素———“原生态性”。“原生态性”“对抗性”的接纳或反利用这些外来的“当代性因素”，在碰撞与交流中发生聚合性的“杂语共生”的文化景观———“原生态性”和“当代性”矛盾统一而和谐地构成了当代广西少数民族文化艺术事象。在这里，“当代性因素”获得了另一种表达，而“原生态性因素”也逐渐发生了当代性转型，当代性危机或原生态性危机因此而在一定程度上获得了化解。正因为这样，学习和研究当代广西少数民族民间艺术以及开展当代广西少数民族民间艺术鉴赏课程教材建设研究，便具有了以下意义：
3．1保存少数民族本土化的特色艺术的需要。在全球化浪潮冲击下，保存少数民族本土化的特色艺术，有助于及时挖掘和抢救民间艺术资源，促进特色社会主义中华民族文化的建设。与此同时，在人类全面危机和异化爆势下，提供给人类消除危机和异化的精神武器，抵制现代文明和工具理性的侵害。
论文关键词：多媒体 教学理论 艺术文献 三维教学模式
论文内容摘要：高等院校艺术理论教学经历了从教材理论传授到多媒体辅助教学两个阶段，随着新时期大学生知识面的拓宽，网络媒体的充分运用，艺术理论教学必然面临新的要求。文章提出了在教材理论与多媒体设施辅助教学的基础上，进一步建立文献集成阅读体系，增强学术性与人文素养，培养学生积极的价值导向，从而促进专业学习与创作。
高等艺术院校及高等院校艺术专业学生对于艺术基础理论的学习都有必修课程，课程名称通常为《艺术概论》，实质是对高校学生综合艺术理论素养的一次普及，这门课对于理解艺术理论，提高综合人文素养，正确引导艺术实践活动有着积极而现实的意义。这门课程覆盖的范围非常广泛，可以涉及美术、摄影、影视、音乐、舞蹈、戏曲、建筑园林等多种艺术门类和形态，围绕艺术理论的核心概念推衍展开，对艺术基本原理、基础知识、基本问题进行专门梳理；依据艺术创作与欣赏的一般规律，具体探讨有关艺术的本质、特征、作用、发生和发展规律，以及艺术家、艺术作品、艺术创作、艺术风格与流派、艺术欣赏、艺术批评、艺术市场、艺术与社会各系统的关系。而现有的教材体系，旨在揭示艺术发展的内在规律，建立艺术学科教育的基本平台，在较大学科框架下引用极少原典，在反映艺术理论的风采与精华方面显得有些不足。笔者认为，有必要在现有教材体系的基础上做进一步的教学创新和研究。
目前，国内学界对艺术理论课程的教学模式探讨已经经历了两个阶段，第一个阶段是单一的纯理论课堂学习，这种模式以教材知识传授为主，重心在艺术的社会本质、认识本质、审美本质，以及艺术门类的基本概念，介绍艺术创作与社会接受的一些环节。如果单纯以口授和书面理论为主，学生理论学习的兴趣较弱，容易产生厌倦情绪，让他们觉得枯燥乏味，这也是第一种模式在教学工作中逐渐淡出的原因，围绕教材展开的艺术概论教学是教学模式中必不可少的第一维度；第二个阶段，是随着各大高校教学设备的逐步完善提升，开始出现教学理论与多媒体声像相结合，以教师课件引导学生创造性学习，感性地认识各种艺术门类的影像资料，这也是新时期教学模式中不可或缺的第二维度。
从当前的教学实际来看，大多数高校的教学，乃至各省、国家级的有些精品课程已经进入第二阶段的教研与推广过程。从长远来看，艺术理论的教学必然会面临新的要求，将会进入一个更高的平台。随着新时期大学生知识面的拓宽以及网络媒体的充分运用，笔者在教学工作中感到，现有的教材体系从理论和实践的角度已经开始出现了某些局限，但是，相关的深化辅助体系尚未完备地建立起来，大量可利用的文献资料十分分散，我们可以通过汇总、去粗取精加以整合，使其成为教学中又一个有力支撑和补充。因而，在目前多媒体课件为主的状态下未雨绸缪，在教学学术性上再向前推进一级，进一步提升教学资源，增加新的教学方式非常必要，这也成为本文探讨的第三维度。
三维教学模式，具体的操作方法，是在现阶段教材与多媒体课件结合的基础上，引入各艺术门类艺术大师的经典文献著作，建设开发教材之外的阅读课本，以指导上世纪90年代后出生的新时期大学生的学习与艺术创作实践，提高精神文化领域的人文素养。这一平台的内容可以包含文学、音乐、美术、建筑、雕塑、影视、戏剧、舞蹈等富有代表性、有杰出贡献的人物实践经验总结，论文、随笔、感想等体裁不拘，构建一个可资阅读和借鉴的书面经验体系，如同一个现身说法的艺术家文库，使学生通过集中阅读这些艺术家的人生积累与感悟所凝结成的文字，短时间内结合课堂的学习形成一定的素养与基调，在有效的课堂学习中感悟艺术与人生的丰富内涵。
这个集成读本体系可以以文献的遴选与课堂教学相结合，选择一批文献及时进行教学与反馈，然后再补充更新，最终稳定下来，形成一个核心文献为主体的人文艺术集成读本。文库的编排收纳按时代序列可分为三个部分，分别围绕三种类别展开，力争内容丰富、涵盖多样。具体来说，第一大构成部分是古典诗、词、文、琴、画论文献的精选、节选，以及白话文译本的选择、构建，然后围绕“意境”“意蕴”有关核心概念的典范文本集合，如曹丕《典论·论文》、嵇康《琴赋》《声无哀乐论》、谢赫《古画品录》等，例如曹丕论及文字，“文以气为主，气之清浊有体，不可力强而致。譬诸音乐，曲度虽均，节奏同检，至于引气不齐，巧拙有素，虽在父兄，不能以移子弟。”（曹丕《典论·论文》）又如嵇康论及古琴的文字，“可以导养神气，宣和情志，处穷独而不闷者，莫近于音声也。……然八音之器，歌舞之象，历世才士，并为之赋。颂其体制，风流莫不相袭；称其材干，则以危苦为上；赋其声音，则以悲哀为主；美其感化，则以垂涕为贵……”（嵇康《琴赋》）
第二构成部分，选择近现代的曲艺、美术等艺术门类，如梅兰芳论艺术、吴冠中论抽象美、傅抱石论中国画的精神等一批富有真知灼见、具有实际指导意义的文章。从不同艺术门类之间的相互促进与影响角度，我们可以选择戏曲大师梅兰芳的文字举例，“我虽然很早认识白石先生，但跟他学画却在一九二零年的秋天。记得有一天我邀他到家里来闲谈，白石先生一见面就说：‘听说你近来习画很用功，我看见你画的佛像，比以前进步了。’……白石先生笑着说：‘我给你画草虫，你回头唱一段给我听就成了。’……他的小虫画得那样细致生动，仿佛蠕蠕地要爬出纸外的样子。但是，他下笔准确的程度是惊人的，速度也是惊人的。”这段文字选自梅兰芳回忆录《舞台生活四十年》，里面部分章节细致生动地记录了他与陈师曾、金拱北、陈半丁、齐白石等画家的交往与学画的经历。这适合美术类青年学子沉心静气地体会戏曲与国画界的颠峰人物相互促进的往事，深入体会艺术门类间的相互借鉴与影响，有利于开阔视野，促进专业创作。
另外，在同一艺术门类之中，对于东西方艺术的影响与交融，我们也可举例介绍给学生，“在西方学习了绘画中的结构规律、平面分割的法则，回头再看自己祖先的杰作，我惊讶地发现：范宽的《溪山行旅图》立足于‘方’的基本构成，其效果端庄而厚重；郭熙的《早春图》以‘弧’为主调，从树木干枝到群山体态，均一统在曲线的颂歌中，构成恢弘的春之曲；弘仁着墨无多，全凭平面分割之独特手法，表现大自然的宽阔与开合……我曾将中、西方杰出的绘画作品比作哑巴夫妻，虽语言有阻，却深深相爱。若真能达到艺术的至境，油画风景和水墨山水其实是嫡亲姊妹，均系大自然的嫡传。”吴冠中以精到的语言、丰富的人生体验告诉学子，在艺术的最高境界中东西方相融，这种毕生的体会，如果配合青年的悟性，必将会在艺术的思考与创作中起到事半功倍的效果。
第三部分，选择当代艺术批评、电影理论、新媒介理论、艺术设计理论方面有独到体会和个人成就的文选构建，介绍具有一定个人风格的当代艺术批评，例如，“当西方中心主义的国际使者带着他们固有的文化标准来中国选择现代艺术时，中国的‘细腰国际主义者’们由于多年积累了丰厚的‘泛表演’经验，就会坦然说出：‘您需要什么类型的作品，我就能做出什么来。’足够地暗示了自家手艺的无所不能。换句话说，您（西方）用民俗眼光看我们（中国），我就给您提供有滋有味的民俗制品……”作者以犀利的语言，入木三分地解析了当代的一些艺术现象，为青年学子提供了明确的价值导向。在教学中，通过中正平稳的教材语言与富有语言特色、剑走偏锋的文献个案配合课堂讨论，可以让学生产生耳目一新的感觉，既构建基本的知识框架，又可以让他们掌握语言运用的灵活技巧与思考问题的方式，起到思维与语言技能双向提高的作用。
总之，新的教学模式建立在多媒体影音教学与教材教学的两级平台之上，首先完成古典的反映传统美学与民族文化精神的深邃精华构建，随后完成近现代选文的构建，然后完成当代的选文构建及课堂运用。经过完整的教学周期的应用与反馈，最后统筹定稿，成为日后教学的有力辅助文库，并扩大范围推广。虽然目前的艺术理论课堂教学仍处于第二阶段的长足发展中，但从长远来看，在深化教学的追求中，这种新的教学模式，可以产生更深入、更有效的影响。从古今中外大量存世的文论、画论、音乐、美术、舞蹈、电影等各领域艺术家著作中采撷、精选、过滤和搭配，比单纯依赖学生自己去图书馆课后阅读要直接、有效。
参考文献
[1]许姬传.梅兰芳回忆录/梅兰芳口述[M].北京：团结出版社，2005.
【论文关键词】当代；油画；教学；改革
【论文摘要】二十世纪五十年代，我国引入了苏联契斯恰科夫体制的绘画教学模式。毋庸置疑，这种教学模式的引进在当时对我国的油画艺术教育产生了极为重要的影响。然而，经过几十年的发展之后，这种传统的教学模式的弊端也逐渐显露出来，我们的当代油画艺术教育也不应该是工具主义式、技术主义式的培养艺术匠人，而是培养具有社会责任感的知识分子。
20世纪50年代，我国引入了苏联契斯恰科夫体制的绘画教学模式。毋庸置疑，这种教学模式的引进在当时对我国的油画艺术教育产生了极为重要的影响。然而，经过几十年的发展之后，这种传统的教学模式的弊端也逐渐显露出来，比如，过分着眼于学生的技能训练，偏重于科学、理性地观察和描绘对象。这种日趋于保守化和程式化的教学模式，似乎使艺术日渐演变成为一门追求技术和理性的学科，从而变成了一种机械化的劳作。当然，对于油画艺术来说，科学、理性的观察表现能力和精湛的造型能力固然重要，但是艺术毕竟是一门强调形象思维的学科。而从艺术匠人到知识分子的蜕变必然要有几个因素的保证。也就是说，当代油画教育工作者在教学过程中除了训练学生的造型能力之外，更加要注重对学生的理论素养，批判性思维能力以及个性化的艺术语言的培养。15世纪，意大利雕塑家季培尔底曾提到，希腊人是绘画、雕刻的研究家，这表现在他们的素描理论上，没有这种理论，就不可能是个优秀的雕刻家或画家。可见，一个艺术家之所以优秀，并不仅仅是因为他所拥有的精湛的技能。因为，精细的模仿能力只是艺术活动的基础，但却不是决定艺术成就的最主要的因素。个性化的艺术语言，以及作品中所呈现出来的艺术家的学识修养和深刻的思维建构才是决定性的因素。这也就对当代油画艺术教育工作者提出了挑战。在教学过程中，当代油画艺术教育工作者在强调学生的技能训练的同时，也要重视对他们创造性思维能力的培养。教师可以根据不同学生的特点因材施教，对学生的大胆创造给予鼓励，在培养学生兴趣的同时，发掘学生的创造性热情，从而培养学生的思维创造能力。另一个层面上说，这也对当代油画艺术教育工作者自身的素质提出了很大的要求。在过去几十年的油画教学理论中，曾出现过油画教师应该首先作为一个艺术家还是一个教育家的争论，但我国现阶段的教学来看，时代对油画教师又有了新的要求。就笔者看来，一个好的艺术家未必能成为一个好的教师，好的油画教师不仅应该是一位优秀的艺术家，更应该是一位优秀的教育家。但是，针对中国当代艺术的教育现状，油画教学要想适应当代艺术的发展，油画教师不仅应该是一位成功的艺术家、教育家，更应该是一位了解当代艺术发展现状的“半个理论家”。其中，很重要的一点就是当代油画艺术教育工作者对当代艺术的目前成果的接受、梳理和转化。当代艺术的前卫性、实验性和批判性都是值得年轻学生学习和借鉴的。甚至，美术院校可以开设融会当代艺术成果和经验的新课程，通过对学生传授当代艺术成果，使学生能够得益于多元的当代油画艺术教学资源。
相比而言，传统的学院派写实教学体系的课程设置较为单调，教学内容也相对过时、守旧。在以往的油画教育中，各大美术院校多贯彻培养学生全面发展能力的方针，而忽视了对学生的个性发展的培养。在这种教学模式下，年轻学生没有过多的自我判断和辨别意识，在创作过程中普遍缺乏自信，过分的依赖于教师的判断。因为现有的艺术教育体制多引进苏联契斯恰科夫体制的教育模式，在强调技能训练的同时，并没有注重培养学生的理论素养和批判意识。当然，现在中国目前的学院体系里面，除了传统学科之外，另外还增加了许多新的课程设置，比如中国美术学院成立的新媒体艺术系、四川美术学院的油画第三工作室以及天津美术学院的现代艺术学院等，都开始注重实验教学。中国美术学院新媒体艺术系拥有很长的办学历史，虽然被称为新媒体艺术系，但是他们的学科带头人张培力却是油画专业出身，由于对油画专业本身的了解，在指定教学方针政策时便更为自由灵活，可以吸收油画的一些技能用在多媒体创作中，所以，中国美院的影像艺术在中国当代艺术领域一直出于遥遥领先的地位。四川美术学院第三工作室也是油画艺术的延伸。就体制上来说，第三工作室就是油画系的一部分。在这种体制之下，第三工作室的教学对扩宽油画系的视野起到了很大的作用。从总体上来说，当代油画艺术教育的改革要把握住一个要点，即要与当代艺术产生良好的互动。油画教育要与当代艺术产生良好的互动，就是要让油画与油画教育真正的具有当代性。但如果依照陈默先生对艺术教育当代性的四点定义，我们油画教育并没有真正体现出其当代性。其中第一个标准即对当代艺术教育的反思必须落实到第二条当代艺术教育转型的实践过程之中，不然，当代艺术教育反思就没有任何说服力。同样，无论艺术教育与当代艺术融合到何种程度，以及当代艺术教育具有何等的前瞻性，它们的最终决定性因素还是要归为艺术教育的转型。当代艺术专业杂志上也不乏对当代艺术教育进行反思的文章，网络上也时常看到呼吁艺术教育改革的口号，但是我们却没有看到当代艺术教育转型的实际行动。中国当代的主流艺术教育体制一直延续了50年代中期以来的以画种为界线的分科方法。在具体教学实践中，中国当代的主流艺术教育也没有从本质上超越50年代苏联的教学模式。其实本文反复强调的是第三点，即当代艺术教育与当代的融合，也即当代油画教育与当代艺术的融合。既然我们还称之为油画，我们就要保持油画的基本属性。我们必须认识到，当代艺术发展今天，已经没有语言上的差别，油画和雕塑、装置等语言已经不再有前卫和后卫之分.基于这一点，在教学过程中，油画应该吸收其他艺术语言，而又不放弃自己的语言模式，这才可能称之为油画教育转型。
参考文献
1陈默.艺术与艺术教育的当代性[J].
肖文飞
湖南嘉禾人，一九六八年生，现任文化部中国艺术研究院中国书法院学术部主任。中央美术学院美术学博士，清华美院书法工作室导师，中国书法家协会青少年工作委员会委员，文化部青联中国书法篆刻艺术委员会委员，永和书社社员。曾任《中国书画》、《东方艺术・书法》编辑。
一九九年毕业于云南大学，获计算数学、汉语言文学理、文双学士学位。二三年结业于中央美术学院王镛工作室硕士研究生课程班。二五年考入中央美术学院，师从王镛、薛永年先生攻读博士学位，二八年毕业。
中国书法向联合国教科文组织申报『人类非物质文化遗产代表作名录活动的主要参与者，负责申报文本的撰写，曾主持中国艺术研究院中国书法院院刊《东方艺术・书法》的编辑出版工作四十余期，多次参加国内外重要书法展览活动，多次组织策划和参与重大书法学术活动，主持组织策划『两岸汉字艺术节―问道・汉字：两岸书法艺术论坛 、『简帛书法研究论坛、『晋唐楷书研究论坛。有数十万字书法论文、采访及报导发表于各大报刊。书法作品被中国美术馆、浙江美术馆等艺术机构收藏。
有专著《湖南十人书法篆刻作品集―肖文飞》、《艺概丛书―肖文飞》、《当代中青年书法家行草书长卷―肖文飞》、《当代书法十家―肖文飞》、《肖文飞书李白卷》、《开古今书法未有之奇境―从沈曾植看清末民初书法的丕变》（博士论文）。
因为是博士的缘故，大家都习惯称文飞兄为“肖博”，熟悉的人都知道，他是从湖南老家单位去职，胸怀对书法的痴热，不依不挠来京求学问道的。读书、写字、画画、作文、工作、生活，无形的压力不知道要有多么强大的内心方可承担，这样的决心和意志于我这样的人是绝不敢想更不敢为的。
早些年的时候，我就零零散散读到肖文飞的文章，从《当代“流行书风”面临的问题》、《书法的三重节奏与“流行书风”》到发表在《书法杂志》上的《通州书法人的幸福生活》诸多“人物访谈”等等，以及他的博士论文《开古今书法未有之奇境―从沈曾植看清末民初书法的丕变》，我常常惊异于能写一手内敛倔强而又有点萧散野逸书法的人，对文字的驾驭也居然能这样理性而且条理清晰。其实也难怪，早有解人石开先生说他是“属于理性与感性俱佳的一类人，所以他有既做学者又能艺术创作的良好资质”。理性或许源于肖文飞的勤学思考和他曾经数学专业的思维，感性或许源于湘人固有才情的品质，这我说不太明白，而我熟知的肖文飞是颇有一种沉实厚重的郁勃之气的，这似乎源于肖文飞的古道热肠和倔强内心，无论作文还是书法，有如此的心气来充实，那是不令人喜欢却也欲罢不能。
有一次和肖文飞闲聊，说到他的书法，我说你作品的那种清雅明亮是他人所少有的，笔画清健扎实，结字亦全是古人的理法且有自己的面目，萧散洒脱而又自然生发，在展厅里给我的印象很深。肖文飞照例腼腆地笑笑，说离自己的想法还差得远呢。我不能想象肖文飞未来的面目在他心中的具体模样，而他现在所呈现的这种清亮之气，正恰如绝壁孤峰、长松怪石、老鹤舒梅之超凡绝俗，迥异时风，实在是难得。
书法的传统高如山深似海，理解不透彻，要么被山压着，要么沉入大海。肖文飞对传统自是有很清楚的认识，这种认识按照清人的说法是“以古人之规矩，开自己之生面”，按时下通行的说法是要保持自己特有的风致和腔调，要有自己的面目。纵观古人书作，也能看出各人之“生面”多么鲜明和突显。不少习书者也声称，既要师法古人又能自出机杼，但真正做到这一点的人并不多。有意思的是，艺术也正因此才给人们无限想象和突破的空间。于古人传统中，肖文飞有习王羲之者、有习董其昌者、有习山人者、有习金文汉隶者，由这点看来，肖文飞的内心还是很爱“古人”的，古人的文心书迹既是媒介又是生发点，即便如此，而肖文飞能不履不蹈，下笔一如狠重斩截、沉着痛快，行草楷隶杂糅，卸去了古人书迹的形态而一呈萧散奔纵之势，自己的语汇从古人经典中撷取出来而复又连同自己的情绪归于传统之中，成为肖文飞独有的风神“生面”。
这样的风神“生面”所倚借的“真汝”写意精神我是非常佩服的，洋溢着一种强烈的自我情感特质。有明以来，董其昌认为“逸品”高于“神品”，艺术中展现“自然”、“本真”的性情最为可贵，要不断发现“真汝”的本相。这个“真汝”一旦发现，即不再被古人所笼罩，自性本相自能随处流露，即便是临古，亦如同自运一般。我不知道肖文飞是否深受这种观念的影响，但他已知“真汝”，是注重主观情绪，借物抒己的写意表现的达人。这说明肖文飞一方面是对古代传统的深研和理法的循从，更为重要的是，立足点是自我主体，是“我在”和“我法”，这或许与他画写意山水也有很大的关系。他敏锐地发现，书法传统与现代二者的相通正是这种“真汝”写意精神所指引的方向，沿着这个方向，肖文飞近年来专心于他的这条道路前行，表达他萧散奔纵的个人情感，这也正是肖文飞的内心所在和他人生体验的一个重要部分。
肖文飞的书法我是很喜欢的，正因为喜欢，我更是希望将来借着人生和艺术经验的逐渐进展，他的作品会有更加丰富的表达，对于一个能化各种压力于无形而又萧散郁勃的人，这样的期待是可以预见的。那时，我更会以有肖文飞这样的兄长而满足欢心。
【论文摘要】本文简述了中国当代油画家独特的审美特征——生命审美。分别从个性意识、自觉意识与创造意识等方面去把握生命审美的内涵。希望本文能给相关领域的研究提供一些帮助，对更深入的研究起到抛砖引玉的作用。
每位艺术家的作品就其最内在的本质看，都只是艺术意志的客观化，而艺术意志是人类及艺术家一种潜在的内心需求，这种内心需求是完全独立于客观对象和艺术创作方式而自为地形成的。中国当代油画的意象性语言就是这样一种自主话语形式。
一、个性意识的生命审美
在中国当代艺术中，意象艺术受到广泛关注，并成为当代艺术家的一种美学追求。一个重要的理由就是主体个性意识在意象艺术中开始复归。80年代末期以来，在世俗文化和功利主义的袭击下，艺术越来越表现出向物质世界和异己力量认同的态势。艺术家在这一过程中屈服于“外在于艺术自身的”“实际”要求，缺乏对塑造心灵，陶冶性情，培养人性等内在的探索，使艺术成为一种工具，手段。
作为精神产品，艺术家需要的是一个生存、独立的世界，独立地存在于自己感悟到的世界和最真实的东西之中，由思想形成的一种自由态度和行为，贯穿于绘画艺术创作中，才能使直觉和悟性发挥作用，由此才能单独地对本体生命状态，现实生存状态进行感受、体验、思考。
生命体验建构了主体与绘画的内在联系和精神一致。生命体验的诗意肯定和生命神性的价值认同，构成了当代意象油画语言的内在本质。生命哲学家齐美尔说：“没有无内容的生命过程和生命形式。我们在自身的生活中体验到生命的内容。这种体验实际上是心灵把握生命的活动。生命根据包括在体验中的形式原则来创造对象。生命在这些形式中把自身表达出来，这些对象则是生命的审美、理智、实践或宗教的能动性的产物，它们也是生命的可理解性的必要条件。”就意象绘画而言，作品就是主体生命审美能动性的产物，生命体验中的形式原则构成意象绘画存在的理由和本质。
二、自觉意识的生命审美
生命审美就在于心灵把握生命的自由自觉性，当代意象创作的艺术家张扬审美的个性特征，挣脱过去政治化，概念化，功利化的束缚，克服当下物质化，全球化，享乐化的挤压，坚持主体内在的文化理性和生命神性，表达个性化的生命体验。生命体验，指在一定社会条件下，处于某种典型的，特殊的境遇中，以某种达到极致的状态使主体生命为其所创化的一种独特的生命过程。
主体自我作为个体，其生命是于人类相通的。人类生命的高贵神圣，就在于它永不止息的体验性和创造性，生命的本质就在于从不停的体验，而这都是自觉意识的体现。不断探求、开掘人类自身生存状态，属于生命的本性范畴，是深藏于生命内部、灵魂底部的自然欲望。
三、创造意识的生命审美
生命审美包含两个层级：一个是生命体验层级，一个是生命创造层级。所谓生命体验层级，就是主体把生活感受转化为生命人格。相当于齐美尔说的审美能动性，“体验中的形式原则”，属于第一层级，名之为“生活内化生命”。
所谓生命创造层级，就是主体把生命人格熔铸在艺术之中，相当于齐美尔的“生命根据包括在体验中的形式原则来创造对象，属于第二层级，称之为生命外化艺术。”第一层级是审美储备，决定第二层级，第二层级是审美创造，反作用于第一层级，两者循环往复，互渗互动，涵养主体的艺术呈现。
生活内化生命，在于主体深入生活，对审美对象作独特发掘，细心体验，体察自我情感的哀乐变化，凝神精思，锐意开拓哲思意味，最终升华主体生命的精神境界，在“天人合一”的境界里，萌生新的生命情思，使生活感受转化为主体的灵魂。生命外化艺术的鲜明标志，就在于把情思化为意象，化为直观的画面、色彩、点、线、面，化为可感的氛围、过程。这些形式传达的都是主体的生命情调。
生活审美根植于主体的生活实践和创作实践，实践触发和壮大了主体的生活内化生命的审美力和生命外化艺术的创造力。我们可以从他们的绘画创作实践中去体验他们的生命审美的逐步深化。
生命审美酿造的生命绘画，是生命自觉的艺术，是生命创造的艺术。中国当代意象绘画以鲜明的生命的个性意识、强烈的生命情调及深沉的终级关怀赢得了人们的喜爱和尊敬。生命绘画是个人主义的，它没有统一思想，而会百花齐放，它没有千人一面的神话只有百家争鸣的实话。生命审美，它打倒了政治道德的话语霸权，拧碎了意识形态的扼杀，放逐了艺术至上的虚空。它捍卫了人生存在的生命尊严，它追回了生命本体的自主创造，它确定了艺术创作的本质本性。从而在百花园中争得了一席之地。生命体验和生命创作，直接在生命与意象绘画之间架起了桥梁，强调了主体观照生命世界、表现生命情调的功能。标志着意象绘画从主体的高度确立了自己的艺术本质。意象艺术会成为占主导地位的时代艺术和主体艺术，显示其生命审美的强旺生命力。以生命的名义弘扬个性意识，以生命的体验索回自由创造。意象绘画艺术给艺术创作带来了审美变革。生命审美高扬了艺术的艺术生命。从此，艺术将在主体的生活实践和艺术实践中越走越远。
【参考文献】
[1]《守护与拓进》郎绍君著、中国美术学院出版社、2001年版
关键字：章太炎 鲁迅 情感指标
新世纪文艺情感沟通活动的新态势之一，就是人们在感情的表达和接受上，不能再遵循真实、诚挚、高尚、纯净和静观体验的原则了，在大众消费、影像合成和网络虚拟的怂恿下，当代文本中的情感表现变得修辞化、无机化乃至虚拟化了。这种新情感方式的崛起，在近十年来的各类当代文本及其接受中显得尤为突出。比如，近几年借助电视台、盗版VCD和DVD市场颇受到大学生欢迎的《大话西游》，其中对人事情感的幻想、反讽、荒谬、夸张、顽童化、时空错位和经典戏拟，完全消解了主流文艺中的情感原则。在文本中，作先锋状的文化颠覆、无厘头的市井趣味和一丝丝传统的感伤主义杂合在一起，混乱矛盾，但很受大学生们的欢迎。不仅如此，诸如“I服了YOU”，“打雷了，下雨收衣服”之类的“大话”一经产生后，大量仿作不断涌现，它们穿行纸面文本和网络话语之间，所向披靡，甚至连90年代在作品中一贯对纯情不以为然的“王朔话语”也相形见绌。另如电影《英雄》，有学者解读是为迎合票房需要以致造成思想内容的大幅度弱智化，其实问题主要在于作品着意于唯美的声画而严重忽略、消解和漠视了情感。笔者以为，对当代文本中新生的情感消费化、虚拟化、通俗化、无机化倾向恐怕不能或一味欢呼或愤然弃绝，简单看待，而不妨循英国学者威廉斯文化三分“残余”、“主流”和“新生”的方法，在梳理当前文艺主流中的“情感”指标如何形成的基础上，理解当代生活中残余的、主流的和新生的三种情感方式的现实性和历史性，或许可以由此理解主流情感方式的历史性，使人们研究和理解新生情感方式有一个兼蓄容错的平台。
通过对审美情感的强调，20世纪逐渐形成了看重感性个体的感受、情感和体验的现代文学正统，这一正统体现了现代国人力图以“情感”指标重新勘定文艺世界的强烈愿望。但是，在中国传统文化的语汇里，人的心理从来被看做是一个整体，性、心、意、志既不相同又互渗相交，而不像西方那样把人的主体心理进行几何式划分，把知、情、意分得清清楚楚。文艺也是如此，不会完全分配给情感的领域、想象的空间和虚构的世界，并以此标榜，情感如何独独成为文艺重要或根本指标的呢？传统文论大体有古文派主张“文以载道”，文选派主张声韵情采，朴学派主张“书契记事”、实事求是，何时又涌现出审美情感路线，而且冲决传统文论藩篱，裹挟文艺走向现代的呢？这里试建现代文艺之情感审美指标起源的叙事。故事该从20世纪初讲起，留日青年鲁迅周作人跟从章太炎先生学习，在讨论界说文学时鲁迅与章太炎之间据说发生过面对面的争论。当时与周氏兄弟同去参加在东京举办的“国学讲习会”的许寿裳，在其《亡友鲁迅印象记》中回忆道：“……有一次，因为章先生问及文学的定义如何，鲁迅答道：‘文学和学说不同，学说所以启人思，文学所以增人感’。先生听了说：这样分法虽较胜于前人，然仍有不当，郭璞的《江赋》、木华的《海赋》，何尝能动人哀乐呢。鲁迅默默不服，退而和我说：先生诠释文学，范围过于宽泛，把有句读无句读的悉数归入文学。其实，文字与文学固当有分别的，《江赋》、《海赋》之类，辞虽奥博，而其文学价值就很难说。这可见鲁迅治学‘爱吾师尤爱真理’的态度！”周氏兄弟一生与乃师之间关系复杂微妙，而青年时期的他们与老师在文学界说上的分歧，其实具有某种含混而独特的象征意义，我们不妨由此解释和反思“情感”指标起源的现代意蕴。
让我们把目光集中到师弟间争议的焦点，即：文学的本质能否用情感加以界说？羁日期间的章太炎撰《文学论略》（1906）认定：“文学者，以有文字著于竹帛，故谓之文”，“榷论文学，以文字为准”，文字是确定文学的最基本的指标。既然以文字为准，章太炎认为感情则不能成为文学的根本指标，也不同意当时悬小说为一切文学之样板的西化做法。他坚决反对以杂文小说之“能事”来概括所有的文学文辞：“专尚激发感情，惟杂文小说耳。……彼专以杂文小说之能事，概一切文辞者，是真知其一，而不知其二也。……吾今为语曰：一切文辞（兼学说在内），体裁各异。以激发感情为要者，箴铭哀诔诗赋词曲杂文小说之类是也；以发思想为要者，学说是也；……。其体各异，故其工拙亦因之，其为文辞则一也。”同时，章氏又从人类精神活动知性与感性的互渗共通入手，正确而精到地分析了区分学说与文辞、“摒学说于文学之外”之不当：“又学说者，非一往不可感人。凡感于文言者，在其得我心。是故饮食移味，居处温愉者，闻劳人之歌，心犹泊然。大愚不灵，无所愤悱者，睹眇论则以为恒言也。身有疾痛，闻幼眇之音，则感慨随之矣。心有疑滞，睹辨析之论，则悦怿随之矣。故曰：‘发愤忘食，乐以忘忧。’凡好学者皆然，非独仲尼也。以文辞、学说为分者，得其大齐，审察之则不当。”（《国故论衡·文学总略》，1910，该文由《文学论略》改成）文章作品是否感人动心，关键在于是否“得我心”，其根本在于主体精神状态与客体对象之间相契性。饱暖之人无法体会劳苦人的歌声，“心犹泊然”；顽愚之人也无法理解智者的高论，“以为恒言”。反之，一旦主体的精神状态与客体对象能够契合，则不仅文辞能够让人“感慨随之”，而且学说文章也会让人感动兴奋愉悦。同一体裁的作品，也并非绝对的感人或不感人，而同一作品，由于每个人的精神状态不同，不仅感受也会大不一样，而且动情与否也未可知。也就是说，动情可以作为文学的特征之一，但是不能成为文学的惟一特征。章氏的这种文学观和文学界说，至“五四”前仍为谢无量的《中国大文学史》（1918）所采用，影响很大。鲁迅如果后来看老师章氏这些文字，恐怕反应也只能还是“默默”。但是，鲁迅到底是“不服”。
在当时中国文化从古典走向现代的困境中，前后的周氏兄弟（至少在文学思想上）已经代表着从西方而来的新潮。当时周氏兄弟不仅师从羁日讲学的章太炎先生，有着较深的传统学术功底，而且大量阅读西方现代文学，接纳西方文艺审美观念，并且从事文学实验。这在1908年《河南》杂志上集中发表的鲁迅的《摩罗诗力说》、《文化偏至论》、《破恶声论》和周作人的《论文章之意义暨其使命因及中国今论文之失》、《哀弦篇》等文章中都得到集中而微妙的体现。他们对西方近现代文学和思想的理解水平完全超过了同时代人的水准，并且基于世界史意识，展开了对传统文化的批判和对西方式现代性的反思。与老师坚持文化相对主义、以汉文化传统逻辑界说文学的做法相反，周氏兄弟思路的突出之处在于借引西来文论，强调文学的情感特性，由此主张情感至上、文学独立和审美自治。在二人合译《红星佚史》的《序》（1907）中，明确以情感作为“文”的根本指标。他们声言：“然世之现为文辞者，实不外学与文二事，学以益智，文以移情，能移人情，文责以尽，他有所益，客而已，而说部者，文之属也。”兄弟二人竭力阐明益智之“学”与移情之“文”的区别，由此把小说纳入文学之中。这种思路是针对老师章太炎的。他们改以小说作为样板文类，认定小说和诗歌才是真正的文学，是“纯文学”。鲁迅循西学现代文化分化的常则，将文学归为美术之一部。《摩罗诗力说》（1908）云：“由纯文学上言之，则以一切美术之本质，皆在使观听之人，为之兴感怡悦。文章为美术之一，质当亦然，与个人暨邦国之存，无所系属，实利离尽，究理弗存。”文学作为美术之一部，其具有不涉功利性（“实利离尽”）、不涉概念性（“究理弗存”），而最大本质在于创造了使读者和观众为之兴感怡悦的东西，即“诗力”。在青年鲁迅看来，“摩罗诗力”说到底是一种具有奇妙魔力的伟大的感情。《拟播布美术意见书》（1913）又进一步阐述：“顾实则美术诚谛，固在发扬真美，以娱人情”，因此，美术活动的精义在于作为艺术再现对象的“天物”、作为主体艺术创造活动的“思理”，以及作为艺术品特性和功能的“美化”。周作人试图在西方文学指标的基础上建构新的文学界说。《论文章之意义暨其使命因及中国今论文之失》（1908）译述美国人宏德（Hunt）的文学理论：“文章者，人生思想之形现，出自意象、感情、风味（taste），笔为文书，脱离学术，遍布都凡，皆得领解（intelligible），又生兴趣（interesting）者也。”强调文学的文字性（必得“笔为文书”），兼容了老师的观点。但他更强调西方的文学指标：文学要像小说一样或者以小说为代表，具备大众性（“脱离学术”，“表扬真美，普及凡众”）、情感性（以“能感”为上）和形象性（“思想之形现”，“出自意象、感情、风味”）和感染功能（“得领解”、“生兴趣”），强调文学的本质是意象、感情和风味三事“合为一质”的思想形象，借助思想形象这一“中尘”（即中介），文学寄寓人格个性、伟大灵思和民族心声。文学的情感，及其深刻内蕴，是“文学”至纯至真得以成立的根本所在。周作人强调，如果以文字为中心来定义文学，势必把文章学说包括进来，如“特泛指学业，则肤泛而不切情实”，可能形成对文章内在精神和灵思的遗忘，所以，最重要的是通过文字表现的玄崇伟妙的、灵思所寄的“内在精神”。文章不是一般的物件，而是伟大心灵的具象。
作为20世纪初年轻的现代思想家，与老一代“有学问的革命家”的争议没有形成共识，争议本身极具深层的现代意蕴和各类观念竞争角逐的张力，极具象征意义。在对古代传统的一面，他们强调伟大情感的独立性，这使他们与传统文学教化观和梁启超们“以古目观新制”的文学救国论形成对立；他们强调情感的伟大和激越，这使他们与以刘师培为代表的文选派所强调的“凡为文者，在声为宫商，在色为翰藻”的观点相区别，显现出突出的现代张力。在对当代西方的一面，他们强调情感的民族性和反叛性，使他们摆脱了徘徊于“可信”与“可爱”间的王国维以直觉静观为核心、以忧生而厌世为底色的美学观和游戏慰藉说区别开来。就师弟间而言，他们都是基于现代焦虑和文化困境，在现代思想的极限处一同挣扎、战斗，有着卓绝的经历和深刻的体验，在对中国传统和西方近代文明的批判与超越中开拓现代性思路。对民族远古文明的追慕，对西方现代文明的批判，“外之既不后于世界之思潮，内之仍弗失固有之血脉，取今复古，别立新宗”（《文化偏至论》）的文化复兴思路，使师弟间精神距离非常贴近和契合，也与太炎先生在羁居日本的艰难困苦中提出的“张扬国粹”和“文学复古”思路形成内在呼应。但在回眸与前瞻之间，老师着意于“分理明察”基础上的“持论议礼”的文章，发挥现实的战斗力，对民族的希望系之于实事求是和科学理性的精神，而这一切都落实于文学的“文字”，因为文字是文学的基础；而年轻一辈则寄厚望于“摩罗诗力”和“血书悲哀”的小说和诗歌，强调情感的独到性和“摩罗诗力”，企图以此张扬天才“神思”和民族“心声”，“掊物质而张灵明”、“尊个人而张精神”（《文化偏至论》），“扬真美”“娱人情”，动人哀乐，兼得“表见文化”、“辅翼道德”和“救援经济”之用（《拟播布美术意见书》）。与老师基于民族文化的立场，鼓吹“以文字为准”、强调文章的内容性和思想性的思路不同，学生一辈相信西方式现代文化的分化，立志把自己的使命落实于文学的“情感”，这突出地表明“所谓艺术和文学的‘纯粹’独立的观念，只能是在思考人的存在时视‘精神’为绝对内在性的西方思想带来的观念”（参见木山英雄：《“文学复古”与“文学革命”》，载《学人》第10辑，江苏文艺出版社1996年版）。
清末民初时期周氏兄弟的文学思路，可算是20世纪中国文学现代性情感指标的起源。虽然在当时非常孤独寂寥，也受到非常尊敬的伟大老师的思想的挤压也“默默不服”，但周氏兄弟仍在西学资源的启发下，在感受和反思社会急剧变迁的现代性体会中，以自己近乎喑哑的呐喊和沉潜的努力，独立自主地开拓着一桩力图突破中国传统和超越西方近代传统的审美现代性路线，其核心在于标举本土民众和战士情思的心声，张扬现代情感。在这逐渐生长着的审美现代性思路中，情感审美指标不仅成为从传统文化世界中独立出来并获得文学自治权的合法依据，而且扩展为一种人的真正的存在方式，即，独有文艺或以情感、或以直觉的方式获得观照整个世界和日常生活的制高点，独有文艺能够超越现代社会理性化的囚笼，成为制约、批判和反思古典文化与现代文化最可信赖的方式和武器。百年之后看来，这是一条突出的审美现代性思路。这种审美现代性思路，在五四时期得以全面显彰，年轻一代的文学思想逐渐占据上风，并形成中国现代文学的主流。中国文艺和文论由此从古典走向现代，从上层走向民众，从儒家之附庸走向独立自足。
由此可见，“情感”指标的起源其实也蕴含着自身深刻的张力。百年以来，随着时代的变迁，从古代的性、心、意、志不分治，到周氏兄弟青春激情及其抑制，到情感独占文学、文艺以情感审美为重要或根本指标，情感和情感的内涵都已经发生了深刻的变化。长期以来，在一种近乎激进而革命的心态中，现代文学试图追求绝对的、个体的和独一无二的“真情实感”，应该说，这种思路和追求在历史上一度占统治地位，对现代文化的发展起到非常重要的作用。但这种要求和欲望，并不能解决章太炎式对“知”“情”判然二分的悬疑，也不能确保文本中的情感内容和表现方式不随时展而变化，更不能保证文艺能永远追求这种“真情实感”的惟一性和纯洁性。显而易见的是，在当代这样一步步走向消费化商品化的社会，20世纪初所想象的人格个性、伟大灵思和民族心声，在经过一世纪的书写后已略显疲惫和身姿僵硬，并且在众声喧哗逐渐潜隐。新的思维方法和情感方式已在涌现。也就是说，“情感”指标作为文艺现代性的重要维度，有其深刻的历史的具体的内涵，它在21世纪的发展、丰富和变迁，都是值得进一步在历史的辩证法中深入研究的。
