时间：2023-03-27 16:55:40
开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇电影创作论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
一、微电影的“微反思”
微时代下方兴未艾的微电影凭借着丰富的题材，自由的创作、快捷的传播、低廉的成本优势，以窥斑见豹的态势向人们演绎着自己的影像图腾，以一种全新的影像叙事风格大大地拓展了注意力经济的疆土，“飞入寻常百姓家”，造就了微时代的草根盛宴。但也许“从微电影出现的那一刻起，甚至在其概念酝酿之初，其中的大部分领域已然变成媒体新一轮资本游戏的掘金地。”［2］日益成为各业界关注的广告营销新战场。在《一触即发》、《哨声嘹亮》、《11度青春》、《酸甜苦辣》系列、《奇迹世界》等视频的背后充斥着的是雪弗兰品牌、佳能相机、凯迪拉克汽车、九游网络游戏等各种商业实体欲言又止的利益诉求。产品广告的植入和品牌的定制早已经成为资本在微电影的创作之中的商业考量。诚然，在微电影的诞生之日就与广告结下了不解之缘，但过度的“暧昧关系”必将削弱作品本身的艺术价值诉求，从而沦为一种浅薄无营养的快餐文化或是披着剧情外衣的高级广告。品牌成就微电影的同时，也像一把斯巴达之剑悬在微电影的创作之中，引发人们对微电影创作自由度的疑虑。微电影在艺术与商业之间徘徊，但就像徐峥参演的《一部佳作的诞生》所诠释的:“与其纠结于文艺片与商业片之间，不如重视影片细节上的艺术审美追求，只有让作品走进观众的心，最终才能赢得商业上的成功。”与此同时，微电影创作的微门槛唤起众多“电影游民”的影像冲动。他们在自由的网络时代中争先恐后地寻找适合自己的“微角色”，沉浸在影像表达的感性狂欢中，呈现出百花齐放、欣欣向荣的繁华景象。微时代下的网络媒体环境为非精英式的影像表达提供了多元化的创作土壤。其中不乏许多优秀的作品，以底层叙事的方式切入当前社会发展的“微现实”传递出发人深省或感人至深的正能量。如四川大学的王余亮《山隅》以一种原生态的摄影方式记录大山深处爷爷奶奶的生活状态，诠释一种对生活恬静淡然的态度。《迷失的家园》通过物种与环境反差对比的手法，以镜头语言讲述我们赖以生存的家庭发生的真实故事，唤起人们的环保意识。当然在这些眼花缭乱的作品中，笔者也发现某些微电影将其沦为他们情感的宣泄工具，甚至无法掩饰他们对现实的不满和扭曲的心态。“这些叙事的方式是以一种自我防御的姿势将自身构建成与外在世界暂时隔绝的空间，用‘空间伪装自身’，无意识地维持着一种斗争和防御的姿势。改变的仅仅是犹如海市蜃楼般外部世界的视觉侵略性。”［3］在《红领巾》的对白中曾有“小学不正常，长大就流氓”之类近似群体扭曲的价值观说教;《我要结婚》中诸如“郑钱花”、“姜来有”的未来期许中，也隐藏着对“富二代”的微妙的“仇富”心态。虽然它们直面了现实的生活状态与现象，但缺乏了深沉的理性思考，主题呈现或是与审美价值擦肩而过或是停留于表象的结合，无法展现人性、情感的力度与深度，虽然迎合了受众的宣泄心理，但亦消解了作品本身的艺术价值与吸引力。
二、微电影艺术创作中的“微情怀”
黑格尔说过:“作为艺术品应当具有意蕴，即内在的情感、精神和灵魂。”［4］而各类艺术在本质上是相通的，电影艺术作为第七艺术因其独特的艺术形态构成了别具一格的艺术意蕴。微电影所追求的艺术情怀就是指微电影中所具有的艺术意蕴，可以指向作品影像语言或人物形象所传递给受众的人生感悟、审美情趣、生命体验以及思想、精神、哲理等价值取向，是一种言尽意无穷的艺术境界。美学家苏珊•朗格就曾指出:“呈现就是艺术的一种表现形式，而电影从本质上看像是以梦的方式进行表意。”［5］微电影作为电影在新媒体时代的新模式可以借助这种独特的表意方式满足了大众在碎片化时间中对于电影之梦的审美追求。它以独具创意的故事主题、朴实写意的影像视听、个性化的叙事风格演绎着自己的艺术魅力，以一种新型的艺术样态书写自己的艺术情怀，诠释着每个人的电影梦，虽微，亦微而足道。
(一)虽辞微，但其意旨深远微电影的“微”之义不仅仅在于微小、微型，而其精髓在于精益求精的选题创意，以微知著，其辞虽微，但其志可洁，虽微言亦可大义，一叶而知秋。没有复杂的时代精神，也没有深沉多元的主题架构，只有单一的主题阐释，但必另辟蹊径，怀有“纵横自有凌云笔，俯仰随人已可怜”的情怀，仅仅一个故事，一段情怀，一次追忆，亦或是个体情感的释放与审美理念的浓缩，没有宏伟的故事篇章，只有小人物、小命运，但能达到“四两拨千斤，杯酒释兵权”“微风鼓浪、水石相搏”的艺术效果。将深沉的表达蕴涵于影像符号之中，不禁让观影者内心产生情感的共鸣。在(时长5分钟)《看球记》中当成年的儿子骑上父亲的肩膀看球的瞬间，浓浓的“父爱亲情”便以这种独特的风格得以诠释。在2010年的《老男孩》通过讲述一对不再青春年少的老男孩重登舞台追寻青春与梦想的故事，以真实细腻的姿态触动到了广大的“70、80”后内心深处，打开了他们记忆的闸门，激起了他们缅怀自己青春与梦想的情感共鸣。
(二)虽景微，但可自成天地微影像中的一个画面、一句对白、一个镜头都可以让微电影成为捕捉时间消逝与空间跳跃性的美的艺术。巴拉兹贝拉曾说过:“在优秀的影视作品中，许多生活中隐蔽细节的发现往往是归功于特写，这些特写并不是单调乏味的，它们往往既有现实性又富有抒情味，体现出一种穿透现实的力度，以独特视觉效果冲击着人们的心灵。”［6］微电影因自身时长的限制，其镜头语言的表现方式必然从宏伟叙述和广阔的图景转向聚焦视角致微。因此，微电影故事中呈现的画面、声音、色彩、光影的细节塑造、人物形象的象征性以及语言对白的隐喻性将成为展现作品艺术气息的重要元素，大面积地选取特写与近景也将在所难免。一部优秀的作品常常利用与日常生活贴近或相关的自然情感资源或带有普遍性的大众诉求指向，通过特定的画面与画面之间触碰，强烈而鲜明的底层叙事色彩绘制，俘获观众的心，满足平凡大众的心理诉求。《老男孩》中鲜有广阔纵深的外景空间镜头，却通过泛黄怀旧的影调、校园大喇叭、蓝白校服、游戏机、教学楼场景、吉他、校园街头的青年小团体这些特定镜头与场景，以简练却不简单的方式在影像与社会现实的相关联性上刻画上时代的痕迹，寥寥几笔勾勒出了那个时期人们的生活图景仿像，瞬间将“70、80后”观众拉回他们自己的校园记忆中，感慨那个年代我们一同经历过的心路历程与社会变迁。
(三)虽个性，但不失微美新媒体技术的革新，特别是DV技术的普及打破了传统胶片时代精英人士才能驾驭影像的神话，让电影这个高雅艺术平民化，让每个怀揣电影梦的普通人也可以通过DV机以自己的叙事风格拍摄属于自己的微电影。多元化的主题、独特的叙事环境、紧凑的叙事节奏造成了微电影叙事策略上的独具一格。微电影主题的取材虽广，但没有采用传统长片中的多元主题建构，常常以贴近现实又容易被人们忽略“微现象”为切入点，向观众呈现出一幅鲜活的生活横切面。移动多媒体技术地出现，让微电影从暗房走向了天空，让影像在人们的指尖中“流淌”，在互动中让微电影成为人们精神交流的新载体，某种程度上实现了电影艺术从单向传播到双向互动的转向。若奈特曾经说过，作品的叙述方式常常与它所叙述的故事成相互依存的关系。从这层意义上讲，微电影的故事风格常常决定了它要选择的叙事方式。与传统的线性叙事电影不同，在微电影中往往摒弃传统的叙述方式，进一步淡化、凝练故事发展中的前期铺垫与次要部分，简洁明了地预设悬念，设计一环扣一环的情节与矛盾，灵活地采用倒叙、交叉叙事、插入叙事、时空交错式等叙事结构以及应用色调、音乐、象征性影像语言等手法，在短促的时间内，营造出一种能引起观众对故事深层内涵思考的韵味和情绪，让观众感受到微电影与长片电影别样的艺术表达形态。在作品《回到过去说爱你》中就大胆地采用时空交错式叙事方式，令观众在时空交错中目睹了一场感人的爱情故事，提醒当代的年轻人许多事情过去了就无法挽回，要学会珍惜现在。影片《调音师》中采用闪回与倒叙的剪辑手法，向观众展现了一个伪善的调音师形象，隐喻着人性的选择的重要性。全片十三分钟以平静而略带悲伤的音乐，古典而富有感染力的镜头，鲜明又独具特色的剪辑手法，渲染出悬疑惊悚的氛围。结尾用音乐表达出语言所无法表达的内心活动。在跌宕起伏的电影情节中以一种开放式的结尾引发人们无尽的联想和深刻的反思。
三、结语
诚然，微时代下的微电影正在以一种个性化的影像语言和叙事风格满足着时代的寻唤，承载着人们在社会生活中的“微”言“碎”语。让每个人都可以自由且放恣地演绎着自己的电影之梦。互联网的广阔天空可能让我们误以为微电影也可以肆无忌惮进行叙事表意，但在这看似“自由”的背后却隐藏某种“不自由”———互联网独特的大众传播模式和观看方式对作品创作规律的影响与约束。微电影作为艺术殿堂的一员应探索符合自身的艺术意蕴，架构独特的视觉艺术魅力。让人们审美情感不仅仅用于消费，而更多地指向心灵的沟通与交流。
作者：郑心宇单位：福建师范大学福清分校
作者：高翀 单位：中国交响乐团
我们认真审视这些年中国电影发展的具体情况，就不难发现，对于现实和人民群众的关注，对时代的关注，恰恰成了一种缺憾。造成了这样的局面，一方面有违于电影艺术的传承，另一方面又不适合现在这个变革的时代对于电影发展的要求和呼唤。
中国电影要在不断创新中坚持走现实主义道路
从我国有电影的那一天开始，一直延续着现实主义题材的创作。中国电影发展的历史已经有100多年，在这一漫长的过程中，现实主义题材的创作好像是火把，一代代传承下来，发展下去。尤其是近三十年来，中国经济突飞猛进，展开了民族复兴、大国崛起的伟大宏图，我们中华民族的心理和思想都发生了巨大变化。可是，这样如火如荼的时代强音，却没有相应产生出大量反映这个时展变化的作品，不能不说，这是我国电影发展过程中的一点遗憾，不管是思想匮乏，还是题材距离现实太远，或者是其他什么原因，思考其根本缘由，经常发现一样的困惑，那就是缺乏对现实主义的坚持和探索。
好莱坞各种类型的电影风靡全球，但是，全世界最著名的奥斯卡奖往往把最高奖项给予现实主义题材的作品。据统计，近八年来的奥斯卡最佳影片全都是关注现实社会的佳作，美国是全世界电影最发达的国家，也是全世界商业电影产量最大的国家，却不断产生具有很高艺术性的现实主义题材的好作品，这也提醒我们认真思考。现实主义是完善的创作思想，其最主要的有这几个方面的特征：创作诉求、创作思想和创作方法。从创作诉求方面来看，以美国导演摄制的《华尔街》来分析，奉行现实主义精神，就使创作电影的人，无论编剧、导演，还是演员，都要具有很强的社会责任感，而且要在深入生活，思索生活的前提下，认真遴选现实主义的题材。据说，《华尔街》导演的父亲就是一个经纪人，所以他常年近距离观察和思考这种生活，并在作品里展现了对拜金主义的批判。
从创作思想的方面看，有很多低级仿效，面对丰富而鲜活的生活，不去挖掘和思考，或者归根结底就没有这种思想。举例来说，奥斯卡获奖电影《撞车》因为创作者坚持现实主义思想，认真的体察生活，思索人性，从而产生了这样一部优秀的电影。美国是个多种族的国家，各种各样的民族文化汇聚在这个国度里，各种矛盾和纷争时时刻刻都在发生。这部电影的创作者生活在这样的现实中，观察社会，深入思考，从而产生了这样富有现实意义的作品：让生活在一个社会中的彼此仇恨、彼此攻击的人，在遇到了一次车祸以后，形成了互相理解和包容。
现实主义创作和商业化并非完全矛盾
电影走到这个时代，已经形成了很庞杂的体系，任何人都不可能把某一模式作为唯一的标准。有些人提出，现实主义是唯一高明的创作观念，其实这种提法和认识都是片面的、不切实际的，并不是只要提到现实主义，就一定是艺术家。电影发展到现在，各种表现形式百家争鸣，包括摄制的方法，都是八仙过海，各显其能，所以说不论是现实主义还是其他各种类型电影，都适应了不同观众的不同需求，都具有自己存在的价值，甚至是电影发展过程中不可或缺的组成部分。
在商业社会发展繁荣的今天，一些现实主义作品面临困境，票房惨淡，成本都无法回收。出现这样的情况，就有人提出现实主义和市场是根本性的分歧，难以融合、共存。可是，这两种因素不存在根本性矛盾，而且假使能够理性驾驭，现实主义同样可以赢得市场，赢得票房。以国产电影为例，《钢的琴》《孔雀》等一些现实主义作品，也很好的赢得了市场和观众的喜爱。《秋菊打官司》等电影，也很好的融合了现实主义和商业化，既具有思想性，又具有观赏性，既有对社会生活的深入思考，又能深入浅出的吸引观众。越来越多的例子的告诉我们，现实主义和商业性是可以融合、互补的，比如《唐山大地震》和灾难片的融合，《金陵十三钗》和战争题材的互补，都运用得十分成功。
人民群众永远为我们提供了源源不断的艺术甘泉，创作者如果背弃了社会现实这一根本道路，是不可能实现长远发展的。生动、深刻地反映社会现实、民族精神和时代特征，是每一位艺术创作者都不应该背离的方向。在祖国发展日新月异的当今时代，一定会产生越来越多的贴近时代、贴近生活、贴近群众的好电影、电视剧，这是广大观众的需求，也是中国电影通向发展繁荣的道路。
课程设置多以实践课为主
从南加州大学电影艺术学院的专业设置中可以发现：一方面，重视通识教育与专业教育的配合，培养学生的综合能力;另一方面，体现实践教育，关注社会最新发展动态，大力开展交叉的跨学科课程，并且侧重于学生的实践动手能力、创新意识的养成。®教学内容主要涉及两部分：一部分是影视理论，包括美学、电影批评、电影史、风格流派，另一部分是影视创作以及制作，包括编剧、导演、剪辑、摄影、录音、动画、美术、经营管理等。在课程安排上，往往在第一学年开设部分理论课，为学生后期的实践奠定基础，学生则通过合作配合或讨论课的形式展开实践锻炼，理论与实践课的比例基本为1:3,往往整个学期的课程都在摄影棚或者后期制作室完成。
以实践教育为主的课程中，如影视制作专业当中，《影视编导》、《电影艺术实验室》、《中级影视制作》等课程都需要在多媒体实验室中完成，且这三门课程为专业必修课，任何情况下不可被转换学分。学生也因此需要支付相对于学费较为高额的实验费、设备保险费。在这些课程上学生被分成小组，以团队的形式分别担任导演、制片、后期制作、录音、灯光等角色，根据课程要求拍摄20〜60分钟不等的短片，以学习制片创作知识。比如在多机位电视剧创作课堂上会有专业的编剧或者导演带领学生拍摄电视剧，剧本由老师和学生讨论，并在讨论会上修改。制片实践课上也会有著名的制片人担任主讲教师，结合自己的作品给学生们分析。很多高级制作课程必须从入门、中级开始，剧本和脚本的创作则以研讨会工作坊的形式进行全班讨论，选定的题材将进行拍摄，学生们不仅会在自己的作品中担任导演等角色，也会在别的小组中担任不同的职务，每个同学在发扬自己个性与专业优势的同时，也会学会保留自己的想法与他人合作。
以实践为主的评估手段和考核方式
南加州大学电影艺术学院的考核方式主要有两种类型：
1.偏理论型专业。如“影视批评专业”，鼓励学生在毕业前主修一门非讲课类、强调批评类写作或者论文写作的课程。学生可以在教师的指导下，通过访谈、阅读搜集资料，撰写文字报告，做一些专题研究，期末时候做口头报告。
2.偏实践型专业。如“影视制作专业”，虽没有毕业论文，但是强调学生的个人作品和团队合作精神，而个人作品则是学习三门不同层次的实践制作课并按照阶段完成，最后小组合作创作出一部44分钟的短片。再如“动画与数字艺术专业”，要求毕业设计，包括前期和后期的制作、声音与特效结合的完整动画，附带书面材料，最后刻录成DVD或上传网络。
以影视制作这门专业课程的流程划分为例，具体可以将实践性知识和技能做以下划分：
前期基础课程：学习策划、构思、文化研究以及剧本写作、编剧原理等课程，教师带领大家商议剧本与创意。
中期巩固课程：声音方面包括声音类型、声音釆集、声音设计等。视觉方面包括灯光、镜头、摄像、服装、道具、布景等细节的敲定，教师作为总督监督其进程，保证课程教学的顺利进行。
后期制作课程：剪辑、字幕、特效、编辑包含动画的设计等，结合初期文本计划，教师验收考核评分。
教师队伍与影视实践配套设施
美国南加州大学电影艺术学院官方网站上公布的数据显示：整个电影艺术学院共有309位教师，这其中不乏奥斯卡、金球、艾美、圣丹斯、戛纳、威尼斯、BAFTA、Eddie等各类电影节获奖、提名的影视工作者。学院最初的教职员包括道哥拉斯范朋克，大卫格里菲斯等，很多教授具有实践工作经验。还有大量一边在好莱坞工作(或者独立制作)一边教书的教师。毕业的校友中，例如《星球大战》系列的导演乔治卢卡斯和音效大师班布特、《达芬奇密码》的导演朗霍华德、《阿甘正传》的导演罗伯特泽米吉斯、《巧克力工厂》的导演大卫沃尔普等，也为学生提供了宝贵的创作经验及人际网络。
美国南加州大学电影艺术学院实践教学基地建设方面的经验，一是校企合作，强化实践培训。南加州大学是好莱坞的后花园，为其输送了大量的优秀人才，反过来好莱坞也为南加州大学提供了实践平台。在校外，南加州大学与很多美国演员、编导工会有协约，学生可以参与实践。二是校内实验中心建设。在校内，学校根据不同的部门和专业，将教学科研和师资融合在一起，成立实验中心。实验中心包括：媒介制作、游戏创新、娱乐技术、互动媒体联合设计、多媒体读写、电玩游戏、动态影像、媒体创意与行为健康、社会传媒变迁。另外，还有许多电影公司、知名校友捐建提供一流的教学设施和设备，包括乔治卢卡斯教学楼、马西娅卢卡斯后期制作大楼、史蒂文斯皮尔伯格电影配乐录音棚、哈罗德劳埃德摄影棚、约翰尼卡森摄影棚等。
“工作坊”教学方法
“工作坊”最早源于欧洲包豪斯学院，倡导的教育理念是“技术与艺术并重”，学习过程有如“工厂学徒制”。®南加州大学电影艺术学院将“工作坊”的理念与实践教学充分融合。在实践课上，学生在团队中所扮演的每一个角色的领域都需要一位教员，授课成本是很高的，有录音、剪辑、剧作、导演、制片、摄影共六位教员。每位教员负责自己的学生，同时他们也是整个课程负责。这种“工作坊”教学法既保障了每一个同学可以学到相关领域的专业知识，又确保了团队制作的顺利进行。
南加州大学电影艺术学院在招生时一般15人左右为一期班，把四名左右的同学分成一个小组，每个小组可以自由讨论。®每次研讨会都是针对一个特定的主题进行，比如《电影理论》、《纪实类影视》、《先锋电影会》、《影视类型分析》、《影视文化批评以及制作》。实践中有价值的节目制作案例要求学生搜集资料和文献，在课堂讨论的基础上写出小论文或者读书心得。目前，“工作坊”教学已经成为美国南加州大学影视教育实践教学的重要方法。
注释：
①④美国南加州大学电影艺术学院官方
②陈园园：《国外大学实践教学模式研究——以国外五所大学为例》[D],淮北师范大学硕士学位论文，2013年
论文关键词：色彩语言；视听语言；视觉审美；造型；心理空间
历史迈入2l世纪的大门，作为第七艺术的影视艺术以其媒介表达的逼真性与艺术性后来居上，在众多的艺术门类中异军突起，并逐渐巩固了自身在大众娱乐媒体中的霸主地位。观众在丰富多彩的影视作品面前，时而兴奋、雀跃；时而泪下、感伤；时而回味、深思……当观众的视听语言能力逐步提高，渐次摆脱一味沉湎于剧情的迷恋后，更多的将目光投射到影视语言的本体关注上。色彩语言作为视听语言的重要组成部分，在影视作品中存在诸多的表现功能，理所当然的成为专家学者和影视创作者关注的重点。本文拟就色彩与情感空间的营造进行探讨。
一、从中国传统色彩美学看色彩的表意功能
古代诗词中常见古圣先贤借色彩抒发胸臆的名句，例如“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”、“孤帆远影碧空尽，唯见长江天际流”等。唐朝画论名家荆浩有言：“春景则雾锁烟笼，长烟引素，水如蓝染，山色渐青。夏景古木蔽天，绿水无波，穿云瀑布，近水幽亭。秋景则借地为雪，樵者负薪，渔舟依岸，水浅沙平。”从古人的诗篇和论述中，我们不难发现前人对色彩的理解早已突破单纯的造型功能，而将更广阔的视野投射到表意的层面。
大自然的表象是充满光与色彩的世界，每一种景象、每一件事物都是色彩的组合。“艺术之于人生，恰同形之于影，不容分离。它统一了人类的感情，提高了人文精神，艺术的基础立于感情之上，艺术是情感的代言、人生的表象。有太多太多的艺术作品，却没有一件能脱离色彩”。…这非常精当地阐明了色彩在艺术乃至社会生活中的重要作用。
二、影视色彩语言的产生与发展
早期的影视作品都以黑白影像的形式出现，主要从光影的角度探讨影视的表现形式，所以根本谈不上什么色彩语言。直到1935年，三色的彩色系统研究宣告成功，第一部真正的彩色影片《名利场》正式诞生后，色彩语言开始成为创作者与专家学者们关注的对象。但即便如此，许多早期的电影理论家对彩色片的排斥都是显而易见的。德国著名的文艺理论家爱因汉姆就公开表示：“根据我们迄今为止已经看到的彩色片来判断，彩色片里的色彩最好也不过是自然逼真而已——而如果出于技术上的缺点，还达不到这个水平，这种不自然也不能成为艺术家的一个具有潜在能力的表现手段。”他还给未来的有声、彩色、宽银幕、立体等各色效果俱全的影片起了一个讽刺意味的名字——“完整的电影”，而“这样的电影无论从哪一点来说都不能看成是一种独立的艺术。电影将会一直退回到它的萌芽状态”。他认为画家可以自由地创造色彩，并通过色调的选择，色彩的位置安排等方法使作品与实物之间产生差别，从而表达自己的艺术意图，而对于电影中色彩的运用却并不认同。
今天我们生活在一个彩色影片的时代，几乎很难看到一部纯粹意义上的黑白影片。彩色为电影增加了使人愉悦的因素，今天的观众早已对色彩习以为常了，人们似乎不再关心电影早期是否彩色这个问题。事实上，最早的影片往往是彩色的，而且是令人激动的彩色，因为这种色彩是手工加上去的。梅里爱甚至使用了生产流水线的着色方法：每个女工只给画幅的某些部分着色，然后传给下道工序的女工。
随着感光材料的不断发展，彩色胶片于上个世纪30年代问世，但是直到今天，彩色胶片也仅仅是大体上可以再现自然界的各种颜色，还不能完全真正再现自然的颜色。甚至“往往会简化自然界出现的各种颜色的光度和色调，这不是一个缺点，因为彩色影片的美学价值大概就在于影片上的色彩看来比现实生活中的色彩更强烈”。
在彩色片韵初期，观众出于猎奇而关注影片，彩色影片往往是通过彩色来吸引观众，而非影片的质量。因此，伴随彩的日益普及，观众欣赏习惯的形成，他们对彩色的反应也不再如彩问世之初那般狂热，今天依然有很多人认为彩与黑白电影之间的区别仅仅在于美观的程度，这种看法显然是片面的。德莱叶谈到彩色的艺术用途时说：“在拍黑白片时，我们的工作是用光和影对照，用线条和线条对照。在拍彩色片时，我们的工作是用光和影对照，形状和形状对照，颜色和颜色对照。”在安东尼奥尼的《红色沙漠》公映后，影评家才开始注意到色彩不仅仅是塑造物象、再现现实的一种形式，更是作为一种具有表现意义的电影手段，作为电影语言而存在。
三、色彩语言在影视创作中的表现功能
“从物理学的角度看，色彩来自于光和物两方面，一束白光通过三棱镜分解为红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种色光。波长不同折射角度不同，因此色彩是不同光波在视觉中的反映”。就三原色而言，光学三原色不同于色彩三原色，影视作品中丰富多彩的色光都是由红、绿、蓝三色搭配构成，在电影里利用胶片三层乳剂分别对红绿蓝感光形成银幕色彩；在电视里则是利用电子耦合器件(CCD)分别感应红绿蓝三色，构成电视色彩。
色彩能够表达情感，这是无可辩驳的事实。专家学者就色彩对人的心理影响作了大量研究，得出了以下结论：
“红色，代表生命、真诚、热情、兴奋、炽热、太阳、凝聚、火焰、奋进、积极、吉祥、警示、危险、革命、战争；
橙色，代表热情、温和、喜庆、晨光、轻松、嫉妒、权力、诱惑；
黄色，代表富贵、荣耀、地位、皇室、光辉、快乐、疑惑、轻薄、统治；
绿色，代表春季、青春、鲜活、生机、安全、平静、和平、希望、神秘、嫉妒、阴冷；
青色，代表深远、淡雅、冷漠、独立、沉稳、消极、寒冷；
蓝色，代表深邃、太空、无限、幽静、透视、空间、安适、冷静、凄凉；
紫色，代表华贵、严肃、神秘、娴静、柔和、庄严、沉稳、幽婉；
黑色，代表沉默、肃穆、神秘、悲哀、恐惧、死亡、黑夜、诡异、阴郁、压抑；
白色，代表纯洁、明快、淡雅、冷清、寒雪、快乐；
灰色，代表和谐、稳定、静止、忧郁、平常、中性。”
中外的电影大师无不是色彩运用的行家里手。他们对色彩的运用早已突破了对技术简单应用的层面，更多的是艺术地控制光影，运用色彩来营造独特的审美心理，引导观众自然而然地进入创作者营造的心理环境。
张艺谋在影片《我的父亲母亲》中，创造性地运用色彩来结构影片。故事一开头，呈现的是黑白色彩，表现的是现在时态，这或许会让观众认为整部影片的色彩应该就是这样。但当影片转场至过去时态时，饱满的色彩立马展现在观众面前，这种打破常规的色彩结构模式，更多的表达了创作者怀恋过去，张扬青春的意图。
波兰导演基耶斯洛夫斯基的经典三步曲《红》、《白》、《蓝》，更是直接以色彩命名影片，许多影评人将红色、白色和蓝色与法国国旗的红自蓝三色联系起来，认为它们分别象征了自由、平等和博爱的法兰西精神。
在艺术世界里，色彩是视觉审美的一个重要部分，视觉艺术一直把色彩放在创作和审美的中心。摄影机更是直接面对自然界和人类社会，在展示和弘扬真、善、美的同时，追问人生的意义，“今天的彩中的色彩已经不仅仅是影片中生活环境的自然元素和情绪的直接反应，在有追求的导演手中，色彩被赋予了更多的表现性和象征性。”
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四、色彩语言的创建与观众的心理认同
“20世纪30年代，彩出现以后，电影的面貌发生了重大变化，色彩不仅仅承担着还原自然色的任务，而且逐渐发展成为一种叙事元素、表意元素和抒情元素，成为一种特殊的电影语言”。在影片《红色沙漠》、《红高粱》、《我的父亲母亲》、《黄土地》及《红》、《白》、《蓝》三部曲等影片中，色彩都起到了营造时空、塑造形象、渲染环境、创造风格的作用。
电影艺术家在创作时都不敢忽视色彩语言的造型与表意作用，能否创造性地运用色彩语言来营造崭新的心理视野，更成为艺术家们追求的一大目标。我们知道，对一部影片色彩处理的方法主要有三种：自然主义处理方法；现实主义处理方法；超现实主义处理方法。这三种色彩处理方法既相互区别又相互联系。
色彩常常作为段落蒙太奇的手法来结构影片，通过色彩的强烈对比和迅速变化打破时空概念，把过去和幻觉交织在一起产生鲜明的情绪变化和剧情上的波澜起伏c．影片《这里的黎明静悄悄》中用彩色、黑白和高调摄影的穿插运用来表现现在、战时和战前三个不同的时空，可以说是色彩蒙太奇中的脍炙人口之作。影片《小花》中把成年后赵家兄妹互相寻找的主线用彩色表现，回忆部分用黑白片表现，全片有l2处插入黑白镜头就是一例。这种方法能使整个故事在表现悲与欢、离与合的情感时，色彩更加浓烈，叙述方法也是更加生动、活泼。
“1993年至1994年，基耶斯洛夫斯基拍摄了以法国国旗‘红、白、蓝’三色为题的《红》、《白》、《蓝》，以象征‘自由’、‘平等’、‘博爱’的三种颜色为意义出发点，把这背后的宏大意义作为远景，在每部片子中几乎都涉及到了‘自由’、‘平等’、‘博爱’这最基本的道德生命基石。现代生活作为美好而残破的碎片，引得人们对自己的切身生活重新思考”。电影大师安东尼奥尼使色彩超越了其自身的意义，真正成为电影营造独特心理空间的手法。在影片《红色沙漠》中，安东尼奥尼多次用色彩来表现患精神病的女主角的内心状态，色彩不再仅仅局限于造型，而具有了表现意义的功能。在该片中，色彩常常用来表现抽象的概念，并同西方工业时代联系在一起：工厂排放出有毒的黄色、白色气体；死气沉沉的风景笼罩在一片阴暗的灰色与褐色之中。为了表现一个人物的心理状态，他甚至给一片沼泽喷上了灰色的颜料，而影片中海边小屋墙板上斑驳的红色则象征着无聊而空洞的。
在艺术审美实践中，艺术作品是联系艺术家与观众的纽带。艺术作品中所显露的独特艺术手法能否引起观众的心理认同，这对艺术家而言至关重要。事实上，艺术家采用何种色彩处理方法并不是想当然的，即便是偶尔有灵感的火花进发，但更多的还必须基于影视作品创作的实践与本体特性。
主观色彩的运用所形成的画面主观色调效果，带有强烈的创作者个人意志和主观意志。如此便超越了物质的自然形式，达到了有个性化倾向的、富含成熟的生活认识和有思想哲理的有意味的造型效果。¨同时，观众在观影的过程中并非是一味为影片所左右的，随着我国观众视听语言能力的逐渐提高，观众也可以用接近专业的眼光来解读影片，这无疑给了当代的影视工作者一个提醒：色彩的造型是显而易见的。在很多影片分析文章中，对影片色彩的造型意义较多关注，但色彩的作用远不止这些。再现层面的意义是其最基本的，灵活运用色彩还会在表现层面上收到意想不到的效果。
关键词：微电影；新媒体时代；传播特征；叙事特点
0引言
视觉文化是指以视觉形象为中心，以语言文字为辅助的现代文化，视觉文化脱离了以语言、文字为中心的理性主义和重逻辑的倾向，是一种倾向于感性主义的文化形态[1]。视觉文化的形态经历了摄影文化、电影文化和电视文化的转变，在新媒体环境下又有了新的表现形态和表现手段，新视觉文化随之诞生[2]。新视觉文化语境下，以微视听文化消费形式的微电影正得到越来越多人的喜爱与追捧，微电影俨然成为当前最火爆的娱乐形式。随着技术手段的不断创新，微电影在传播形式与传播渠道上也得到了极大的拓展，较传统的电影与电视在传播和叙事上也有着很大的区别。
1新视觉文化语境下微电影传播特征
“微电影”顾名思义，“微”含小、短、少之意，既含“微小”“微型”之意，更有“精简”“微妙”之意[3]；尽管它篇幅短、成本低、制作快，但依靠本身独特的传播特征，却能给观众带来一定的娱乐享受，取得“微”而“不微”的传播效果；下面根据拉斯韦尔提出的“5W”传播学要素理论分析微电影在新媒体环境下的传播特征。
1.1传播主体的自由开放性
依照媒介特征来看，电视作为传统的大众媒体，将传播主体与传播受众二元进行了无形的分离，而基于网络与移动新媒体传播媒介的微电影，使得传播方式从作者中心向受众中心转移[4]，将传播主体与传播受众进行有效的连接，加强两者之间的对话与互动。相比殿堂之上的传播电影，微电影的创作门槛较低，未经专业训练的普通百姓也可以参与微电影创作，其创作主题的选择更加自由与广泛；开放的网络媒体使得传播主体与传播受众可以自由的评论与分享，增强两者之间的对话与互动；在传播过程中，传播受众与传播主体不停的进行信息交换，传播受众利用网络链接实现能量循环与信息互动的同时，身份也在不停的进行转换，不仅仅只是被动的接受，而是主动参与到传播与创作当中；总而言之，在强大的新媒体互动环境下，微电影的传播主体更具自由开放性。
1.2传播内容的丰富性
电影短片作为微电影的前身具有多种样式和内容，但创作形式却没有现在这么自由，创作内容也不像现在这么丰富。随着微电影创作的不断发展，它作为一种艺术和文化产品，其创作类型也在逐渐增多，特别是剧情类微电影，鉴于其隐藏的巨大商业价值与社会价值，与观众的审美需求心理密切联系，促成了微电影类型化的巨大发展，如：爱情片、爱情、青春成长片、家庭、喜剧片、惊悚片等。剧情类微电影以故事展示为主要内容，其具有强大的叙事功能。除微剧情类电影之外，还有微纪录电影、微实验电影等，此类微电影虽没剧情类微电影在叙事结构上那么复杂，但也极大地丰富了微电影传播内容的创作来源。
1.3传播渠道的多元化
微电影作为新时代的产物，与现代社会经济、文化的发展是密不可分的，现代人们生活节奏加快，娱乐消遣的空间和时间被极大的压缩，微电影作为一种短小精悍的形式赢得受众的青睐。加上技术的不断进步，特别是4G网络的出现更是推动了微电影的巨大发展，也极大地拓宽了微电影的传播渠道。传统的传播渠道主要集中在家庭电视、电影院、人际口耳相传等；这些媒体传播速度较慢，时空限制较大，不利于泛在传播。相比较而言，新兴媒体，例如网络媒体，移动媒体，博客，微博、微信等，传播受众只需利用手机网站、APP等就可以随时随地突破时间与空间的限制，进行自由观看及分享；微电影既可以利用新兴媒体进行传播，也可以利用传统媒体作为补充，促使其传播渠道更加多元化。
1.4传播受众的高互动性
微电影在传播过程中，传播受众之间能进行高参与度的互动，究其原因除了较强的网络技术支持外，还有跟微电影传播受众本身的特点有关：第一，微电影女性受众的比例要略高于与男性受众的比例，研究表明，女性普遍比男性更容易表达自己的内心情感，更易参与到微电影传播互动之中[5]；第二，传播受众年轻化，2016年《第39次中国互联网络发展状况统计报告》关于我国网民年龄层主要集中在10至39岁之间（图1），这类人群在互联网中最为活跃；第三，传播受众主要集中在学生群体与个体户/自由职业者两个职业群体，据《第39次中国互联网络发展状况统计报告》调查显示，中国网民活跃主要集中在学生与个体户/自由职业者两个职业群体。不难发现，互联网是年轻人的天下，依据性别的不同、职业群体的不同，受众参与互动程度也有所差异。但总体而言，微电影传播受众依据其本身的特点，展示出了高度的参与互动性。
1.5传播效果的奇观化
虽然微电影在制作与投入上，较传统电影规模更小，但并不意味着微电影就是粗制滥造。现在越来越多的微电影都被要求制作标准化与精细化，这也是当前新视觉文化影响下电影奇观化的必然结果。微电影作为一种艺术形式，同影视艺术作品类似，具有认知功能、审美功能、商业功能和宣教功能。因此，微电影在专业制作的过程中，需将认知链条、审美链条、商业链条和文化艺术链条进行有效地处理和整合，从而获得更高的商业价值和社会价值。微电影要获得受众的认可，须从视觉上带给观众极大刺激，这样就不得不考虑视觉上的奇观效应，如：动作奇观、身体奇观、速度奇观和场面奇观等。例如，《一触即发》、《心回迈瑞宝》、《指甲刀入魔》等微电影就是在视觉奇观上进行了大量的投入，吸引不少人的眼球。当然传播效果的有效性，最终落脚点不仅仅是依靠视觉奇观带来的商业上的成功，而是受众对微电影本身存在的价值认同。
2新视觉文化语境下微电影叙事特点
2.1叙事主体平民化
在新视觉文化语境的影响下，微电影创作主体开始发生转移。传统电影中，电影的叙事主体往往发生在导演与编剧之间，远在千里的观众只能望洋兴叹。然而兴起于网民、产生于草根的微电影，作为一种新型的艺术表达形式，其叙事主体变成了普通大众，在语言叙述上也更加偏向于网络化。叙事取材往往来自普通老百姓身边的故事，叙事风格都是小叙事，且重视网民个体话语权。人们不仅可以自编自导自演，还能依据网络上的一些故事进行改编创作。
2.2叙事类型生活化
微电影叙事取材大多来自普通百姓生活，从平民视角出发，展现小人物的生活片段，不论是青春、励志，还是爱情、喜剧题材，故事发生的背景都与社会实际生活相关联。搜狐出品的《屌丝男士》系列、优酷出品的《11度青春》系列、旅游微电影《爱，在四川》系列等讲述的都是生活中小人物的故事。郑云工作室出品的微电影中，很多故事都是基于网络时政新闻、社会热点新闻等加以创作改编，针砭时弊，吸引了不少观众的喜爱。
2.3叙事结构碎片化
微电影囿于时间的限制，并不能像传统电影那般，采用“首尾”接续式的叙事逻辑，即一种以“开端—发展——结局”线性叙事发展模式。微电影则尽可能地在相对较短的时间内压缩叙事的开端和结局，中间的情节采用碎片化的形式，突出叙事，以此来增强观众对影片的认同感，起到扩大时空、转换时空的功能。2014年央视春晚微电影公益广告《筷子篇》采用不同的时空场景、选取不同的年龄阶段，通过碎片化的叙事，将筷子作为一个切入点，以小见大，既弘扬了我国的传统文化，也展现了一种血脉亲情，观片之时也散发出浓浓的年味，正如影片结束语所说的那样，“一双筷子，承载中国数千年的情感。有滋，有味，幸福中国味”。
3新视觉文化语境下我国微电影叙事发展
近年来，我国微电影在不少从事微电影研究以及微电影创作人员的推动下，取得了巨大的进步，但就总体而言依然还存在很多问题，如：跟风模仿，质量良莠不齐；过多的考虑视觉奇观，并未深度挖掘微电影本身的艺术价值；恶搞泛滥，只注重娱乐性，忽视了人文关怀。基于此，在新视觉文化语境下，微电影叙事要得到长足发展，笔者以为应注重以下几点。第一，注重叙事创新。微电影本质上是基于新媒体的视听艺术，在其诞生之初就有着不同的特点，因而不能与传统电影划等号，需要开辟一条自己的发展道路，就必须丰富微电影的表现手法，创新叙事模式、叙事结构等。第二，兼顾叙事内容与形式的二元性。好的微电影作品一定是内容与形式相得益彰的，在当前，我国很多微电影特别注重画面的美观，却忽略了故事本身所蕴含的价值，并未真正进行深度思考。总之，优秀的艺术作品一定是内容与形式并重，且形式为内容服务。第三，完善微电影监督机制。微电影叙事的发展，除了在叙事本身上要做到革新之外，一套行之有效的管理监督机制也非常重要，主要包括微电影内容、微电影播放形式和微电影创作版权等方面。
4结束语
微电影作为大众文化的重要载体，促使普通大众开始真正地参与并感受文化。每一个个体既是文化的感受者，也是文化的创作者。在新视觉文化语境下，微电影的传播把社会文化凝聚成一个集合体，将每个人裹挟其中。本研究详细分析了微电影的传播特征；从传播学视角探讨了当前微电影叙事特点；针对我国当前微电影叙事存在的问题提出了发展建议，即在深度把握微电影传播特征的基础上，创新微电影叙事，重点把握微电影内容与形式，增加微电影互动性。但研究依然存在一些不足如：对微电影传播特征与微电影叙事之间的关系并未进行深入探讨；只提出了微电影叙事发展的宏观建议，对于具体的指导方法还有待进一步探索。
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>> “微”语境下的“深”传播：微电影传播模式探析 “微”电影的“深”传播 新媒介语境下微电影的创作与传播 微电影的传播效果探析 微时代下微电影的传播模式分析 “微”传播时代的微电影营销模式解读 基于微博的传播模式探析 公益类微电影的传播学探析 浅析“全媒体”语境下的微博传播特点 微信传播模式探析 全媒体语境下微电影广告的传播策略分析 互联网语境下城市形象微电影的传播和营销 微电影的网络传播机制 微电影广告的传播特色分析 微电影的轻广告传播 微电影的传播价值解析 微电影广告的传播优势研究 微电影广告的传播研究 微博公益的传播机制探析 微信的传播价值探析 常见问题解答 当前所在位置：l.
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关键词：魔幻；特征；美学价值
伴随二十一世纪的到来，社会、文化、商业等领域展现出较之以往更为丰富、多元的气息。世界影坛也拉开了崭新的幕布，魔幻电影在多种因素的促合下以独立的身姿步入观众的视野，并迅速以其新鲜的活力带来一股“魔幻潮”。随着《指环王》、《哈利・波特》等魔幻电影在影院相继热映，“魔幻电影”成为人们谈论颇多的话题，该词的网络点击率也直线上升。然而对于何种电影才能被称为“魔幻”众说纷纭，对于“魔幻”一词的释意也有多种理解。魔幻电影的“魔幻”并不能够与魔幻现实主义的简称“魔幻”等同对待，二者是有本质区别的。本章将从影坛魔幻潮流这一现象入手，进行分析和解读，并“魔幻”一词的理解和魔幻电影的基本创作原则进行论述。
魔幻电影作为幻想电影的一个类型，先天具有所有幻想片的共同特性。它为观众呈现一个经由想象而创造出来的奇异世界，即以想象世界为其影像化对象。这个世界与我们所处的真实世界有所不同，在其中所经历和遭遇的一切，是“不能用理性、自然或是科学来描述和衡量”的。这个世界遵循自己的规律，时空可以相互交错和不规则变幻。在此基础上，魔幻电影又具有独特的魔幻气质。影片展现的是与现实世界完全不同的、充斥着巫术和魔法的世界。以巫师形象为主、多样的种族和神奇的生物等元素共同勾勒出神秘的魔幻王国，是电影最为主要的表现对象。和其他类型电影一样，众多魔幻电影也有着不同的地域风格和细节特色，丰富和扩展着魔幻的内涵和外延。
魔幻电影作为类型片而言，对它的叙事策略和结构模式进行分析，能使电影艺术家和观众在创作作品和观赏作品的过程中由表由里、更有章可循。因而，对魔幻电影的叙事策略进行认真研究，这也是该论文的主要部分。二元对立是人类在认识、经验自身及所处的自然环境和社会氛围的过程中一种重要的思维方式，这种观念尤其在哲学和美学研究领域一直以来都倍受关注和争议。它是一个复杂的认知方法问题，关于这一概念的源渊、发展在此不做讨论，本文只从与魔幻电影叙事策略相关的角度进行论述。
对于魔幻电影而言，一它的结构主要由两条主线串连：故事情节的发展线和主题思想的贯穿线。其中，故事情节的发展线是直观的、外在的、易被观众识别的，它是最表层同时也是起决定作用的叙事结构。可以说，人物形象的塑造、环境空间的营造以及主题思想的表达都是以故事情节为轴心展开的。 电影采用何种叙事策略是有根据的，往往受相应电影题材、体裁和美学期待的影响。魔幻电影故事内容以魔幻世界的冒险为主，充满紧张刺激的正邪大战和魔法对决，正义必定战胜邪恶。同时，魔幻电影较大程度上是通过吸引、控制观众产生幻象认同来体现商业、美学上的价值。因而，魔幻电影最宜运用线性封闭式的因果叙事策略来结构影片，也就是波德威尔所说的好莱坞经典叙事。
线性封闭式的因果叙事策略是一个由开端、发展、、结局组成的线性结构，整个结构呈现完满的状态，有封闭式的结局。用亚理士多德的话来说，它是“一个具有‘开场、场和退场’的必然连接”。这种叙事策略的特征是：开门见山交待故事的起因，按照时间线索序结构情节和安排矛盾冲突，环环相扣的因果联系作为叙事的直接动因，故事结局是圆满的符合大众审美要求的封闭式结局。
辨识作为魔幻电影的类型特点，高度依赖于这个世界的空间环境设计与展示。因为空间环境是剧情赖以展开的场所和影片整体结构的组成部分，是影片创造逼真感、打破现实与幻象界限的首要问题。而且“人不仅通过思维，而且以全部感觉在对象世界里肯定自己”，观众必须要进入与故事背景相协调的电影环境中，才能身临其境带动情感的加入。 魔幻电影中这样的对比性环境场景还有很多，如《亚瑟和他的迷你王国》中奶奶家的小花园，种植着树木、花草，小矮人的玩偶站立在中间，与之相对应的是魔王玛塔扎德的大本营，黑暗、潮湿、到处都是牢笼。《纳尼亚传奇》中狮王阿斯兰的领地总是阳光明媚，碧绿的草地、娇艳的花朵，河水潺潺欢快流淌，而白女巫的城堡是单一乏味的灰蓝色调，到处覆盖着冰雪，一具具被她冻死的、表情痛苦的动物尸体如雕塑般布满整个大厅，四处弥漫着阴冷、绝望的味道。《哈利・波特》中霍格沃茨魔法学校有四个学院，其中两个分别是象征正义勇敢的格兰芬多和象征权力野心的斯莱特林。前者的院服以暖色红和黄为主，狮子图案是其标志，休息室里也总是点着温暖的炉火。后者的院服和公共休息室装饰则以绿色和银色作主色，给人冰冷和距离感，以蛇的图案为院标。空间环境的二元对立设计能够在观影第一时间从整体上、直观上传达给观众明确的情节冲突化和主题对立化。
综上所述，二元对立模式是最具戏剧性冲突的叙事模式之一，在两种对立力量的渗透过程中，造成电影文本内部的某种紧张，给叙事带来无限的张力。魔幻电影大都广泛运用交叉、平行蒙太奇编织故事情节，通过饱含情感色彩的视听语言将矛盾双方进行对比性呈现，制造一系列变化多端的动作场面，加强情节的跌宕起伏，将矛盾冲突不断激化、升级，在一触即发时予以彻底解决，利用惩恶扬善颂扬冲突化解后的局面，采用煽情、烘托等修辞手段实现紧张叙事和奇观场面的衔接、融合，从而通过对观众的操纵和控制达到期望的审美效果。
魔幻电影的兴盛让观众再度感受到电影的神奇魅力，有机会畅游在比《一千零一夜》更为精彩的魔法故事中，这是艺术家想象力火山式喷发和新时代更加自由的创作空间所引发的。而且不能否认的是，在社会、人文、商业、科技等众多因素的促成之下形成的魔幻电影旺盛创作局面，是电影历史发展的必然趋势。它的逐渐成熟势必将进一步丰富和拓展世界电影类型的品目，引导和激发更为崭新的电影创作理念和方向。 魔幻电影所表现的幻想世界是一个在巫术思维引领之下，充满魔法情结和神秘巫师的灵境，纷繁多样的种族和魔法生物是其中的居民。这些元素同样也是魔幻电影外在的识别符码。作为类型影片，此类电影内在的类型化特征体现在无一例外均采用的二元对立式叙事策略。从矛盾冲突的设置、人物谱系的安排和环境气氛的展现都遵循这一创作原则，简单明了的线性叙事之下总包含一个扬善弃恶的封闭式、定型式结局。魔幻电影合理运用这种一切从简的叙事策略，将人物形象、故事情节、类型环境、主题思想高度统一于同一基点、同一层次，反而易于实现最终合力大于各部分力量之和的良好效果。令观众观影过程中参与叙事更为主动和积极，情绪宣泄更为痛快和尽兴。这也正是作为商业化的娱乐影片所追求的审美效果。（作者单位：南京艺术学院）
参考文献：
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【论文摘要在全球化语境中，中国电影不仅需要跟踪世界电影发展的潮流，实施区域间横向的电影文化合作，而且需要在纵向上完成多层次的电影文化建构，达到电影类型的多元化和类型电影的多元化，这样才能促进中国电影良性、有序的发展。
对于一个电影制作机构或者一个导演个体来说，无论是创作“艺术电影”或者“商业电影”，似乎都无可厚非。而对于一个国家，尤其是对于正处在艰难发展时期的中国电影来说，单一的张艺谋或者冯小刚，单一的《英雄》或者《天下无贼》，无论它们取得如何辉煌的票房，都无法完成中国电影文化的整体建构，无法在整体上具备和好莱坞电影抗衡的能力，尽管它们对中国电影文化产业的发展实际上有着举足轻重的意义。在全球化语境中，在实施横向区域电影文化合作的同时，只有在纵向上完成多元形态的电影文化建构，才能够促进中国电影良性、有序的发展。
一、电影类型的多元化
多元形态的电影文化建构，首先体现在多层次的电影创作上。所谓多层次，就是既需要作为电影文化产业主体的、以商业票房为创作主旨的类型电影，也需要以探索电影语言、追求个人表达为主导的艺术电影，还需要在艺术个性和商业需求之间寻求平衡的电影。在中国内地，当然还有在创作数量上占据相当份额的主旋律电影。事实上，近年来的主旋律电影已经越来越显示出超越单一教化层面的类型化趋向。任何单一形态的电影类型，都无法建构起完备、有序的电影文化产业，久盛不衰的美国好莱坞电影、全盛时期的香港电影都证实了这一点。只有形成电影类型的多元化、多层次建构，才能形成一个电影文化的有序结构。
好莱坞是类型电影发展最为完备的大众商业文化之都，但即便如此，在百年美国电影史上，仍然会间断地出现一些偏离类型电影轨道，乃至偏离商业需求的电影作品。正是这样一些作品的出现，在实质上也推动着类型电影的发展。通常人们都会把欧洲当成是艺术电影的圣地。二战结束后的现代电影思潮，正是以意大利新现实主义、法国新浪潮和新德国电影作为主要标志的。意大利新现实主义对世界各国电影都产生着影响。半个多世纪之后，意大利新现实主义的叙事风格还在遥远的东方中国找到了回应，张艺谋的《秋菊打官司》、《一个都不能少》都以其纪实风格的追求（包括偷拍手法的运用、非职业演员的采用等）在向新现实主义的前辈们表示敬意，而它们都在意大利的威尼斯国际电影节上获得了最高奖金狮奖。20世纪70年代末80年代初，一些曾在欧美学习电影的香港年轻导演，以新的视角和技巧，差不多同时执导了一些电影语言、影像处理、叙事风格不同于传统电影的作品，包括了严浩的《夜车》，徐克的《蝶变》等，被香港影评界称为“新浪潮”，也即新电影。香港新电影从整体上看更加强调真实性，强调贴近现实，尤其是小人物和社会底层的现实。在制作上勇于尝试新的技术和新的技巧，从而在整体上提高了香港电影的视听质量，但并不是像通常的欧洲新电影那样走极端。新奇的叙事技巧往往和可看性结合在一起，同时还能够产生较好的商业效果。
同样的进程虽然滞后，却也在20世纪80年代中期的中国进行着。以北京电影学院78班作为创作主体的被称为“第五代”的中国新电影从1984年《一个和八个》、《黄土地》的横空出世，到1987年以陈凯歌的《孩子王》、张艺谋的《红高粱》在戛纳和柏林的不同遭际为标志性符号，其作为一个创作思潮持续了大约四五年时间，便走向分化了。陈凯歌、张艺谋、田壮壮、夏钢等导演的创作形态发生了根本性的变化，即从偏重个人表达、电影语言探索，转向更关注观众和市场的电影创作，如从张艺谋的《代号“美洲豹”》、田壮壮的《摇滚青年》的初涉“娱乐片”，到《英雄》、《十面埋伏》、《无极》等“大片”的直击全球市场。和“第五代”有所不同，同样坚持着创作个性的“第六代”在相当长一个时期里都处于地下或者半地下状态。“第六代”作为从“第五代”自然延伸下来的一种称谓，其更多受到关注的是一种“姿态”，而并非作品。当“姿态”一次一次清楚，作品却经常显得有些模糊不清。张元的《绿茶》，王小帅的《青红》，贾樟柯的《世界》等影片终于让“第六代”浮出水面的时候，并没有如张艺谋的“回归”那样取得至少是票房的成功，妥协的结果可能是巨额的票房和在文化上遭遇的指责，也有可能是既丧失曾经有的艺术个性，又无法获得票房的认同。
“第五代”、“第六代”的存在，不但丰富了中国电影的形态，弥补了中国电影史上新电影的匮乏，更有意味的是，他们对电影影像丰富表现力的探索，客观上为后来商业化的电影创作提供了某种基础，而他们中的一部分成为了商业大片创作的中坚力量。而在这些新电影的导演们全面走向分化的时候，田壮壮的《小城之春》，顾长卫的《孔雀》等影片则以艺术的微光为中国电影金字塔型结构的顶端添加着令人振奋的元素。
二、类型电影的多元化
类型是由于题材或者技巧的不同而形成的，类型电影是按照不同类型或者样式制作出来的影片。作为一种影片制作方式，它在好莱坞一直占据着统治地位。毫无疑问，作为电影文化产业的建构，是以多种门类的类型电影共同持续发展为核心的。单一的类型电影，同样是无法建构起强大的电影文化产业的。
全盛时期的香港，可能是除好莱坞之外类型电影发展最为齐全的地区之一。香港的类型电影，除了最具世界影响力的以李小龙、成龙为代表的功夫片，吴宇森的枪战/英雄片，还有喜剧片、枭雄片、黑帮片、鬼片、赌片等各种类型。在香港，一部影片的成功，往往会引发拍摄续集或者同类影片的热潮，而这种复制性正是类型电影创作的基本特征之一。
相比较而言，中国内地的类型电影仍然处在起步的阶段。事实上，中国第一批故事长片就有类型电影的特征，“《阎瑞生》是第一部情节长片，《海誓》是爱情片的滥觞，而《红粉骷髅》则成为侦察片的先声。”在百年中国电影史上，某些类型电影的创作，比如武侠片、喜剧片、反特片等，总是因为“不合时宜”而一次次地遭致夭折。比如“武侠神怪片”这样一种类型，早在20年代末30年代初就有过一个兴盛时期，“据不十分精确的统计，1928－1931年间，上海大大小小的约有五十家电影公司，共拍摄了近四百部影片，其中武侠神怪片竟有二百五十部左右，约占全部出品的百分之六十强，由此可见当时武侠神怪片泛滥的程度。”轰动一时的《火烧红莲寺》更是三年间拍了十八集。但其拍摄风潮很快就走向没落了，之后武侠片在港台获得了空前的发展。从20世纪80年代至今，真正在中国内地电影市场上具有号召力的类型电影，基本上还是以武侠为主，从80年代初由《少林寺》带动而出现的《武当》、《少林小子》，到后来的《双旗镇刀客》，一直到21世纪初张艺谋的《英雄》、《十面埋伏》，何平的《天地英雄》，陈凯歌的《无极》，武侠这种类型电影不但是香港电影中最为重要的类型，同时也是中国内地电影转型中最重要的类型电影。李安的《卧虎藏龙》、周星驰的《功夫》的成功，同样印证了这一点。
而深远的影响。直至今日，这种影响仍然伴随着人类对自身的心理探索在作用着各种新潮电影的衍生，并由此在整个世界电影史上占有独特的地位。
关键词：精神分析；电影理论；第二符号学
中图分类号：J902文献标识码：A文章编号：1006-026X（2014）02-0000-01
引言
电影符号学在上世纪七十年代以后像两个方向发展，其中之一便是将结构主义语言学的模式与精神分析学的模式结合起来。这在电影理论研究中是一个巨大的变化，尤其体现在它使电影的本体研究真正
进入电影的文化研究，并为后来的电影意识形态批评和女性主义电影理论奠定了基础。
正是从这个角度出发，尼克・布朗将这种变化称之为由结构主义向后结构主义的转变。他认为这种转变的原因，一方面是由于人们对结构主义符号学的批评；另一方面是因为人文科学研究的新思潮，终
于认识到过去被长期忽视的“主体”的重要性，从而带来了新的观念和新的研究方法。尼克・布朗指出：“后结构主义电影理论产生了重大的影响，但是它并不能像电影符号学那样成为一个严谨的体系
。从与电影有关的角度看，后结构主义分为若干各有其侧重点的鲜明倾向。它们包括：1、‘第二符号学’，即麦茨原来对电影语言的研究在精神分析方面的延伸；2、从电影的意识形态方面对电影进行
的政治性批评；3、对电影中有关女性的表现进行女权主义的批评。”[1]本文主要通过电影“第二符号学”的一系列理论梳理来对精神分析学与电影这二者的关系问题进行浅要分析。
（一） 精神分析学与电影
人们普遍认为，电影第一符号学主要采用了语言学的模式，而电影第二符号学则主要采用了精神分析学的模式。克里斯蒂安・麦茨本人自70年代以来，也越来越倾向于在电影学的研究中，将结构主义符
号学与精神分析学模式结合起来。麦茨的《想象的能指》（1975）问世，标志着电影第二符号学的诞生。
事实上，精神分析学与电影之间的关系早已开始。甚至可以说，从电影诞生之日起，这种影响便已经开始。十分巧合的是，电影的诞生石1895年，也正是在这一年，弗洛依德与布洛伊尔合作出版了《竭
斯底里研究》一书，标志着精神分析学的诞生。正如尼克・布朗教授所指出的：“精神分析学与电影的关系具有漫长而复杂的历史。电影于1895年在西方出现，与弗洛伊德第一批著作出版的同时，与
1900年出版的《释梦》仅距五年。这种历史的巧合仅仅暗示着两者间复杂的文化关系，虽然这种类似性曾是用于解释电影魔力的最初理论范畴之一。1920年以来，人们一直在研究梦与电影的关系，但是
，直到40年代以及70年代更近期的法国人的著作中，对他的研究才趋于严谨。”[2]
（二） 电影第二符号学
电影第二符号学，其实就是电影的精神分析符号学，它首先是一种关于观影主体的理论。麦茨认为，只有在这种语言学模式与精神分析模式相结合的研究中，才能真正弄清楚电影的实体性即本体的问题
。因此，在他的代表性著作《想象的能指》的第一部分，麦茨通过对于电影机构的分析，对于电影作品产生意义的过程和机制进行了阐述。在该书的第二部分，麦茨更是通过故事与话语的研究进一步探
讨了电影观赏机制研究中的“二次认同”理论。“以两个阶段（即第一符号学和第二符号学）来说明当代电影理论的发展仅有一定道理，作为麦茨的著作《想象的能指》中的一个描述，这一区分确实表
明了符号学从一种结构符号学发展为一种主体符号学的过程。第二阶段仍然研究‘特性’，但是这时研究的不是符码，而是能指，即影像的具体特征。”[3]具体地说，第二符号学是围绕电影观者与电
影影像之间的心理关系而建立起来的。
麦茨首先承认他是运用弗洛伊德和拉康的理论来研究电影问题，在《想象的能指》中他谈到：“弗洛伊德第一次独立而且是辉煌地为文学和艺术实验一种精神分析的研究，一项新的事业不能期望在第一
次尝试就达到充分明确。”[4] 电影与梦有许多相似关系，麦茨对此也进行了一系列的深入探讨。的确，当观众坐在黑暗的电影院里观赏电影时，观影主体与做梦主体十分类似，银幕上的画面与梦境
中的画面十分类似，观影的情境与做梦的情境十分类似。实际上，电影创作过程与做梦的过程也同样十分类似。观赏电影与做梦也存在着区别，主要由于电影观众知道他在看电影，而做梦的人却不知道
自己在做梦；观赏电影是一种知觉状态，需要现实的刺激物，做梦状态却是一种幻觉状态，不需要现实的刺激物。然而，尽管二者存在着区别，但毕竟存在着许多类似，二者之间存在着一种“亲属关系
”，这就在于睡眠程度的问题。虽然看电影的人是醒着的、做梦的人是睡着的，但睡着的深浅程度有所不同，清醒的程度自然也有不同。坐在黑暗的电影放映厅里的观众可以说是昏昏欲睡的清醒状态，
也可以说是似乎清醒的睡梦状态，正是在这种意义上，我们将电影称作“白日梦”。
法国著名电影学者让・路易・博得里的论文《基本电影机器的意识形态效果》，也被普遍看做是电影第二符号学的重要论文。在这篇论文里，博得里同样求助于精神分析学和拉康理论，将观众在电影院
中的体验同拉康的“镜像阶段”进行了类比，认为两者十分相似。博得里指出：“放映机、黑暗的大厅、银幕等元素以一种惊人的方式再生产着柏拉图洞穴――对唯心主义的所有先验性和地志学模型而
言的典型场地――的场面调度。对这些不同元素的安排重构着对拉康发现的‘镜像阶段’的释放所必需的情境。”[5]然而，对这种可能成立的自我的想象构造来说，一定会有拉康所强调的两个互补条
件：移动能力并未完全获得与视觉组织力的早熟。如果有人认为这两个条件――不能移动与视觉功能的优势――在电影放映时会再次出现，也许他就会假设：这不只是一个简单的类似。在黑暗的电影放
映厅里，观众首先与银幕上的人物影像认同，而后又与作为“主体的眼睛”的摄影机认同，于是，观众便可以通过这种双重认同机制，如做梦一般使无意识欲望在想象中得到满足。而电影犹如梦的运作
一样，通过移置作用与装饰作用，使许多深层的本能欲望通过伪装之后，以合理合法的方式在银幕上展现出来，使观众的窥视癖和观癖在相当大的程度上得到满足，观众被压抑的欲望因而得到宣泄。
加拿大电影学者比尔・尼克尔斯在为博得里这篇文章所写的按语中指出：“转向拉康和精神分析探讨也使我们转向意识形态，但这里所说的意识形态是一种主体和主体性的意识形态。它支持着阶级的、
性别的、种族的和民族的特定意识形态，但也会独自导向那种离开特定历史条件的唯心主义主体观或自我观。”[6]显而易见，博得里正是介于精神分析学与意识形态批评之间，他的这篇文章《基本电
影机器的意识形态效果》既是电影第二符号学的重要论文，甚至也“标志着电影的精神分析符号学的建立”[7]；此外，这篇文章也是较早运用意识形态批评方法对电影进行分析的重要论文之一。博得
里最后指出：“由此而言，可以把电影看成是一种从事替代的精神机器。它与占统治地位的意识形态所规定的模型相辅相成。”[8]因此，对基本机器的反思应该并入关于电影精神分析的一般理论。
参考文献
[1][2][3][美]尼克・布朗《电影理论史评》，中国电影出版社1994年版，第112、136、164页；
[4][法]克・麦茨《想象的能指》，美国印第安纳大学出版社1982年（英文版），第25页；
关键词：中学生；搜集；作文素材
现在是信息爆炸的时代，是眼球经济的时代，中学生正处于知识积累与世界观形成的关键时期。学生思维活跃，求知欲强，接受信息途径日益扩大。那么，面对庞大的信息资源，学生该如何搜集作文素材呢？
一、做生活的有心人
文学来源于生活而高于生活。每天我们的身边都会发生各种各样的事，要善于观察，善于思考，以小见大，身边熟悉、理解、体验的生活处处都是作文素材。
二、报纸杂志
作文素材的来源相当广泛，只是平时有的学生课文读得不熟，课外书也不看，能供写作的材料不多，这就好比无源之水，无本之木，写文章当然就是一件难事了。现在大多教室都设有报纸杂志架，摆放着诸如《读者》《青年文摘》之类的杂志。此举旨在开阔学生的视野，培养大家的阅读兴趣。阅读时若能做个有心人，搜集里面有价值的文章、事
件，特别是对议论文的论据的积累尤为有用，久之必能使自己的作文有较大进步。
三、教材及辅导资料
教材所选的文章，都是经典名篇，文质兼美。许多辅导资料的页脚处也会辑录大量的名言警句，虽藏在角落，却字字珠玑，令人感受良多。刘勰说过：“入妙文章本平常，等闲言语变瑰奇。”只要我们在平时阅读积累的同时，能善于把课本知识转化为写作材料，就不会为材料的贫乏而苦
恼了。
四、电影经典台词
很多时候，能使我们记起一些电影的方式，往往是由某一句经典的台词而想起的，搞笑的、浪漫的、激情的，各种各样耳熟能详的台词，被人争相效仿，广为流传。盘点中外电影中的经典台词，你会发现台词中运用了大量的修辞手法，正是这些手法的运用，才使得电影的表现力大大增强，从而给观众留下了深刻的印象。学生可以仿造电影的叙事技巧或者里面的优秀语句进行创作，必然不会缺乏作文素材。
五、学校宣传窗和展板
校园的橱窗是一道亮丽的风景，内容丰富、图文并茂，弘扬了校园文化，宣传了校园生活。学校展板一般收录的是本校名人故事、名言警句、古代文化以及优秀古文，观看橱窗和展板内容时可随时记录下精彩的句子，为议论文所用。
六、他人的摘抄
“他山之石，可以攻玉”。每个人摘抄时都有自己的角度和韵味，可借阅同学的摘抄本，互通有无，发现亮点。
论文关键词 电影作品 作者 视听作品 著作权归属
2012年3月国家版权局公布了《著作权法》（修改草案），该草案对现行著作权法进行了部分修改及法律解释，对视听作品的保护提供了有利的法律空间，给予了权利人进行意思自治的权利，体现了立法的不断进步和对权利人的尊重。然而，在对现行法律与草案进行对比分析的时候，笔者对相关条文产生了一些质疑和建议，以期完善视听作品的法律规定。
一、视听作品
在定义视听作品之前先应了解何为作品，与现行《著作权法》不同，《草案》中增加了作品的定义，并将《著作权法实施条例》第二条中所称作品上升至法律，这体现在《草案》第三条规定的“本法所称作品，是指文学、艺术和科学领域内具有独创性并能以某种形式固定的智力成果。”可见，要成为作品首先应满足独创性和可复制性这两个实质要件。那么，在具备作品要件的情况下，草案列举的第十二类作品——视听作品，是指固定在一定介质上，由一系列有伴音或者无伴音的画面组成，并且借助技术设备放映或者以其他方式传播的作品。需要指出的是，草案中所称的视听作品是有着一定艺术载体的作品，或具有独立意义的片段，而不是阶段性成果，也不是视听艺术中的构成要素。比如，剧本以文字表述为视听作品提供设计蓝图，他既是视听作品的基础，也是一部可以阅读的文学作品。视听作品中的音乐也可作为独立的音乐作品，单独加以利用，上述各要素，都可以各自成为著作权法保护的对象，但是这些视听作品成分并不是视听作品。
修改草案在作品种类部分将“电影作品和以类似摄制电影的方法创作的作品”改为国际社会较普遍使用的“视听作品”，同时在相关权部分取消了“录像制品”的规定，笔者认为，草案的修订不仅是名称上的变化，更为重要的是草案以视听作品涵盖录像制品的思路是不可取的，其既不符合视听作品与录像制品各自的表现形式，而且也没有国际惯例可循。《著作权法实施条例》将录像制品定义为：是指电影作品和以类似摄制电影的方法创作的作品以外的有伴音或者无伴音的连续相关形像、图像的录制品。显然这是将电影作品与录制品作为两类事物进行保护。理论上，应当以独创性作为区分二者的标准，但会出现一种混乱的局面：电影作品是有独创性和可复制性的，而录制品则分为两种情况有独创性的录制品（如：对自然景观录制形成的动态画面并经过艺术构思做了后期剪辑）和无独创性的录制品（如：对社会现象的同步录像），那么，以这种定义的分类标准显然产生了逻辑上的混乱，而草案以表述简洁，单设一类录像制品作为相关权客体的立法例不普遍为由，将二者被视听作品所包涵，这样的分类是错误的。故草案以视听作品兼并录像制品的方案是不妥的，因为没有认识到电影作品与录像制品之间的关系。
此外，一些视听作品并不存在所谓的制片者，（比如，个人利用软件在电脑上制作并通过网络传播的“微电影”），甚至连一个有形的载体都没有。而著作权法将权属划分在两类不同的主体上，这使得有关视听作品著作权归属于制片者的条款适用于无制片者的新类型视听作品时，就显得无的放矢。综上所述，草案的不妥之处有：否认了录像制品的存在，在采用了视听作品的概念后，没有对其进行分类。笔者建议在视听作品概念的基础上，对其进行必要的分类。
二、比较法视野下视听作品的著作权归属
由于视听作品创作的过程以及创作手段相对比较复杂，不同的艺术理论对著作权法理论及立法的影响，各国著作权法对谁是视听作品的作者以及权利归属和行使问题，各国规定有所不同。两大法系共同坚守的基本原则是原始著作权归作者，而我国在视听作品著作原始归属上较之存在一些差异。
（一）视听作品的作者
大陆法系国家，比较侧重作者的主体地位，认为只有实际创作作品的自然人才能成为作者。法国《知识产权法典》L.113-7条规定：“完成视听作品智力创作的一个或数个自然人为作者”，并以列举的方式限定了作者的范围。德国著作权法也将视听作品的原始版权归属于作者，但未限定作者的范围。
在理论上，著作权归属的一般原则是——著作权属于作者，但著作权人和作者是两个概念，除作者外，其他自然人、法人或社会组织也可以成为著作权的主体。现行著作权法倾向于将电影作品的著作权归属于参与创作的人。同时在权利的配置上又采取了平衡的措施，以便于电影作品顺利完成、传播和行使权力。比如依照现行《著作权法》第十五条的规定：电影作品和以类似摄制电影的方法创作的作品中，除去编剧、导演、作词、作曲、摄影等作者享有署名权以外，著作权的其他权利属于制片人。法国著作权法则一方面坚持电影作品的原始著作权人是相关各位作者，另一方面，为了便于电影作品的著作权的行使，又规定了法定转让，使制片人成为法定的著作权受让人。美国《版权法》第201条（a）款规定：“受保护之作品的原始版权属于作品的作者”。美国将电影作品定性为雇用作品，认为基于雇佣关系，所有作者都是制片人的雇员，依雇佣关系，雇员创作的作品之著作权归雇主所有。在我国，现行法律规定电影作品的作者包括编剧、导演、作词、作曲、摄影等人。
（二）视听作品的著作权
然而，视听作品是将多数作者的创作成果融为同一的表现形式，除音乐、剧本之外，其他人的创作成果都无法从视听作品的整体中分离出来，获得独自的表现形式，因而，这些作者都无法对其创作成分单独利用并行使著作权。如何协调这些关系，同时又有利于权利的行使和作品的传播，各国著作权法提出了不同的解决方案。
法德等大陆法系国家允许视听作品的制片者和作者之间通过合同约定作品的权属，如合同无约定或约定不明，归制片者。与现行《著作权法》相比，草案16条增加了视听作品著作权首先通过合同约定著作权归属的规定，如无约定则归制片者，编剧、导演、作词、作曲、摄影等作者享有署名权。可见，在著作权归属的一般原则基础上做了例外规定，除有约定外，将著作权人归为制片者，将作者归为编剧、导演、作词、作曲、摄影等作者。由这一表述可以推知我国著作权法并没有将视听作品的原始著作权赋予作者，而是明确的将原始著作权赋予了制片者。这一立法模式是将作者身份的认定与视听作品著作权的归属区分开来，作者是作者，著作权人是著作权人。这种模式的社会效果也是可观的，其有利于著作权法鼓励创作、鼓励作品传播目的的实现。
三、制片者权利的范围
在此次《著作权法》修订过程中，制片者与作者产生了针锋相对的利益诉求。制片认为，作者已经通过合同的约定获得了相应的报酬，不应再主张视听作品的市场利益，否则影响制片者投资的积极性。作者则认为，其应从视听作品的市场收益中分得一部分，鼓励作品的创作。
关键词：动画；微电影；剧本
中图分类号：J904 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）02-0028-01
微时代最早源于微博的兴起和流行，传播范围广，见效快，以短小精悍作为文化传播的特征。微时代表现的是大众的、通俗的、广泛的、日常生活的文化信息，而微电影也正好符合了微时代的所有特征。微电影又可以分很多钟，微动画、微广告、微视频等等。取材范围广泛，且又能带给人们更直观的感受。
一、“微电影”与“微动画”
“微电影”发展的迅猛，在影视行业中有着十分重要的作用与效果。由于“微电影”的只做方式便捷，成本不高，让很多电影爱好者不断的进行“微电影”拍摄以及制作。让大家对电影的兴趣加深了，还让青年一代加强了创作热情。
“微电影”在二十一世纪的今天能够盛行，是基于人们整体文化水平的提高，和影视制作工具价格的低廉化。而微动画又是“微电影“里面的一种独特的表达方式，在科技发达的今天动画产品有了更多新的形态和表达方式。微动画作为一种年轻的艺术载体，一方面，它是加入了时间纬度的四维艺术。通常，微动画的篇幅不长，动画片的长度一般较长一些。由于要体现较多的创意，所以故事性的体现显得尤为重要，应体现的视听印象也要一定的加强，有较大的创作灵活度。微动画的创意可以是表现一个完整的故事，可以是一种幽默状态。微动画作品篇幅小且简短，传播便利，非常适合新媒体平台播出。微动画比“微电影”更灵动，传播方式更灵活多样，文件体积更微型。
二、剧本创作在“微电影”制作中的重要性
剧本的创作需要一定的程序，就像做衣服一样，要按一定的步骤来完成。大致分为：创意构思、基础设定、故事梗概、分集大纲。而剧本里又要包括：题材风格、主线、角色、环境、演绎方式和规模。期间所有的角度都需要进行一定的创意创作，以及制定一致的方案。进行一定的审核，需要进行较多的剧本进行元素的创作。另外，故事的详细线索进程需要理顺对各个文本的创意构思，需要运用详细、明确的语言进行“微电影”的语言要求，制定故事的线索，发展进程。在进行故事创作前，需要进行脚本的规划与制定，做好尽可能会出现的一些问题方法，以免出现问题的时候可以进行一定的可控性。
三、剧本创作方法
动画剧本的一些特性也就是讲卡通生活化。迪斯尼曾阐述过关于卡通生活化的一些言论，他认为生活化、卡通化是动画片的最关键的一个要素。在动画世界中，具有一个非常富有魅力的魔幻世界，一个有创作型的动画剧本，有较好的题材、视角、人物等等要素，不同的环节都要在各个要素中开展与发展。
剧本创作的技巧有很多，首先选择怎样的题材，确定怎样的主题是创作者要首先解决的问题。剧本主题的构思可以分成多个层次展开：
（一） 叙写小故事，来反应大问题，从而引出深沉寓意。通过困惑与碰撞的生活片段，来反应现实生活中人性，人与社会人与人之间的价值取向和人生感悟。
（二）通过戏剧化来处理单调的场景。
（三） 让主题寓意表达的最大化“捅破这层窗户纸”。在选择主题的时候，要尽可能选择那些解读意义大的实物来解读，在来捅破这层窗户纸，作品的价值也就更高了。
上述的三点对主题设计起到了至关重要的作用。我认为选题一定要选材生活，取景生活，用于生活。剥离作者的身份，走进生活，有意识的把自身还原成生活的一份子，以个人对生活的体验来作为创作的基础，这是非常重要的。其次，就是熟悉人物和故事环境，深层次了解人物的背景和心理，明确矛盾冲突的原因，以实现对主题内涵的深凿。
四、结束语
中国动漫业发展至今，经历了不少的风风雨雨，而却极少有关于动画剧本写作和动画前期制作的文章和专著。这种对剧本创作认识上的缺失，不能不说是引起动画行业发展滞缓的一个因素，从微动画做起，从小处着眼，以“微”见“大”，以微动画、微电影的繁荣带动动画作品及影视作品创作的繁荣，这是我们可以走的路和走向繁荣发展的途径。
“剧本，是一剧之本。”综上我们不难看出，剧本创作在影视动画中占据着基础性的位置，大凡成功的动画，无一不是建立在精良的剧本创作基础之上的。真心希望动画创作人员能正视这一问题，踏踏实实地为我们的动画剧本多做点思考，多做些实际性的创作，让中国动画在世界舞台上大放异彩！
参考文献：
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